Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Nabuo ang Romantisismo bilang isang kilusan sa pagpipinta noong Kanlurang Europa bumalik sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Naabot ng Romantisismo ang kasaganaan nito sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 20s at 30s. ika-19 na siglo.

Ang terminong "romantisismo" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (nobela noong ika-17 siglo, ang mga nobela ay mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.). Nang maglaon, ang lahat ng hindi maintindihan at mahiwaga ay nagsimulang tawaging romantiko.

Bilang isang kultural na kababalaghan, ang romanticism ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa mundo na nabuo ng mga resulta ng Great French Revolution. Nabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, ang mga romantiko, na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad, ay lumikha ng mga bagong aesthetic ideals at masining na pagpapahalaga. Ang pangunahing bagay ng kanilang atensyon ay ang mga natatanging karakter sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanais para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa - pambihirang tao, na, sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran, natagpuan ang kanyang sarili sa mahirap na mga pangyayari sa buhay.

Bagama't umusbong ang romantikismo bilang protesta laban sa sining ng klasisismo, sa maraming paraan ay malapit ito sa huli. Ang mga romantiko ay bahagyang mga kinatawan ng klasisismo bilang N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Ipinakilala ng mga romantiko ang mga natatanging pambansang tampok sa pagpipinta, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasiko.
Ang pinakamalaking kinatawan Ang romantikong Pranses ay si T. Gericault.

Theodore Gericault

Si Theodore Gericault, ang mahusay na pintor ng Pransya, iskultor at graphic artist, ay ipinanganak noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang kanyang talento bilang isang artista ay ipinakita nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Gericault ay nakaupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit noon pa man, hinahangad niyang hindi lamang ilipat ang mga panlabas na katangian ng mga hayop sa papel, kundi upang ihatid din ang kanilang disposisyon at karakter.

Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Lyceum noong 1808, si Gericault ay naging isang mag-aaral ng noon ay sikat na master ng pagpipinta na si Carl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang ilarawan ang mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi nagustuhan ng batang artista ang istilo ni Vernet. Di-nagtagal ay umalis siya sa workshop at pumunta sa pag-aaral sa isa pa, hindi gaanong mahuhusay na pintor kaysa kay Vernet, P. N. Guerin. Pag-aaral mula sa dalawa mga sikat na artista Gayunpaman, hindi ipinagpatuloy ni Gericault ang kanilang mga tradisyon sa pagpipinta. Ang kanyang mga tunay na guro ay malamang na ituring na J. A. Gros at J. L. David.

Ang mga unang gawa ni Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga pagpipinta ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakakaawa. Ipinakikita nila ang masigasig na kalooban ng may-akda kapag tinatasa ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay ang painting na pinamagatang "Officer of the Imperial Horse Chasseurs during an Attack," na nilikha noong 1812. Ang painting na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Tinanggap nila ang trabaho nang may paghanga batang artista, pinahahalagahan ang talento ng young master.

Ang gawain ay nilikha noong panahong iyon ng kasaysayan ng Pransya nang si Napoleon ay nasa tugatog ng kanyang kaluwalhatian. Idolo siya ng kanyang mga kontemporaryo, isang dakilang emperador na nagawang masakop ang karamihan sa Europa. Sa ganitong kalagayan, sa ilalim ng impresyon ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay ipininta. Makikita sa canvas ang isang sundalong tumatakbong nakasakay sa kabayo para umatake. Ang kanyang mukha ay nagpapakita ng determinasyon, katapangan at walang takot sa harap ng kamatayan. Ang buong komposisyon
kakaibang dinamiko at emosyonal. Nararamdaman ng manonood na siya mismo ay nagiging isang tunay na kalahok sa mga kaganapang inilalarawan sa canvas.

Ang pigura ng matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa mga gawa ni Gericault. Kabilang sa mga naturang larawan, ang mga bayani ng mga kuwadro na "Carabinieri Officer", "Cuirassier Officer Before an Attack", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier", na nilikha noong 1812-1814, ay partikular na interes. Ang huling gawain ay kapansin-pansin dahil ipinakita ito sa susunod na eksibisyon na ginanap sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artist. Kung ang kanyang mga unang canvases ay sumasalamin sa taimtim na damdaming makabayan, kung gayon sa kanyang mga gawa na itinayo noong 1814, ang mga kalunos-lunos sa paglalarawan ng mga bayani ay nagbibigay daan sa drama.

Ang ganitong pagbabago sa mood ng artist ay muling nauugnay sa mga kaganapang nagaganap sa France noong panahong iyon. Noong 1812, natalo si Napoleon sa Russia, dahil sa kung saan siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakuha sa kanyang mga kontemporaryo ang katanyagan ng isang hindi matagumpay na pinuno ng militar at isang mapagmataas na mapagmataas na tao. Ang Gericault ay naglalaman ng perpektong pagkabigo sa pagpipinta na "The Wounded Cuirassier." Ang canvas ay naglalarawan ng isang sugatang mandirigma na nagsisikap na mabilis na umalis sa larangan ng digmaan. Sumandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil ilang minuto lang ang nakalipas, hinawakan niya, itinaas sa ere.

Ang kawalang-kasiyahan ni Géricault sa mga patakaran ni Napoleon ang nagdikta sa kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na kinuha ang trono ng Pransya noong 1814. Ang mga pessimistic na sentimyento ay nauugnay din sa katotohanan na pagkatapos ng ikalawang pag-agaw ng kapangyarihan ni Napoleon sa France (ang panahon ng Daang Araw), ang batang artista ay umalis sa kanyang sariling bansa kasama ang mga Bourbon. Ngunit kahit dito siya ay nabigo. Hindi mapakali ang binata habang sinisira ng hari ang lahat ng nakamit sa panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ng Louis XVIII, ang pyudal-Katoliko na reaksyon ay tumindi, ang bansa ay gumulong pabalik nang mas mabilis at mas mabilis, bumalik sa lumang istraktura ng estado. Hindi ito matanggap ng kabataan, progresibo taong nag-iisip. Sa lalong madaling panahon, ang binata, na nawalan ng pananampalataya sa kanyang mga mithiin, ay umalis sa hukbo na pinamumunuan ni Louis XVIII at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag o anumang bagay na kapansin-pansin sa gawain ng artista.

Noong 1816, nagpunta si Gericault sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pinag-aralan ang mga obra maestra mga sikat na master, masigasig ang artista monumental na pagpipinta. Ang kanyang atensyon ay lalo na okupado ng mga fresco ni Michelangelo na pinalamutian Sistine Chapel. Sa oras na ito, lumikha si Gericault ng mga gawa na, sa kanilang sukat at kamahalan, sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga pintura ng mga pintor. Mataas na Renaissance. Sa kanila pinakamalaking interes kumakatawan sa "The Rape of a Nymph by a Centaur" at "The Man Slaying the Bull."

Ang parehong mga tampok ng paraan ng mga lumang masters ay makikita sa pagpipinta na "Running of Free Horses in Rome", na isinulat noong 1817 at kumakatawan sa mga kumpetisyon ng mga rider sa isa sa mga karnabal na nagaganap sa Roma. Ang kakaiba ng komposisyon na ito ay naipon ito ng artist mula sa dati nang ginawang natural na mga guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay kapansin-pansing naiiba sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksena na naglalarawan sa buhay ng mga Romano - ang mga kontemporaryo ng artist, kung gayon sa pangkalahatang komposisyon mayroong mga larawan ng matapang. mga sinaunang bayani, parang nagmumula sa mga sinaunang kwento. Sa ito, si Gericault ay sumusunod sa landas ni J. L. David, na, upang bigyan ang imahe ng heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani sa mga sinaunang anyo.

Di-nagtagal pagkatapos ng pagpipinta ng pagpipinta na ito, bumalik si Gericault sa France, kung saan siya ay naging miyembro ng bilog ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artist ay lalo na interesado sa mga graphics. Noong 1818 lumikha siya ng isang serye ng mga lithograph sa tema ng militar, kung saan ang pinakamahalaga ay ang "Bumalik mula sa Russia". Ang lithograph ay naglalarawan ng mga talunang sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang maniyebe na bukid. Ang mga pigura ng mga taong lumpo at pagod na sa digmaan ay inilalarawan sa isang parang buhay at makatotohanang paraan. Walang pathos o heroic pathos sa komposisyon, na katangian ng mga unang gawa ni Gericault. Ang artista ay nagsusumikap na ipakita ang totoong estado ng mga gawain, ang lahat ng mga sakuna na ang mga sundalong Pranses na inabandona ng kanilang kumander ay kailangang magtiis sa isang dayuhang lupain.

Sa akdang "Bumalik mula sa Russia" ang tema ng pakikibaka ng tao sa kamatayan ay unang narinig. Gayunpaman, dito ang motif na ito ay hindi pa ipinahayag nang malinaw tulad ng sa mga huling gawa ni Gericault. Ang isang halimbawa ng gayong mga pagpipinta ay ang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa." Ipininta ito noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon noong taon ding iyon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikibaka sa nagngangalit na mga elemento ng tubig. Ipinakita ng artista hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagdurusa, kundi pati na rin ang kanilang pagnanais na lumitaw na matagumpay sa labanan sa kamatayan sa lahat ng mga gastos.

Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-araw ng 1816 at nasasabik sa buong France. Ang noon ay sikat na frigate na "Medusa" ay tumama sa isang bahura at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 na tao sa barko, 15 lamang ang nakatakas, kabilang ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar. Pagdating sa bahay, naglathala sila ng isang maliit na libro na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at maligayang kaligtasan. Mula sa mga alaalang ito nalaman ng mga Pranses na ang kasawian ay nangyari dahil sa kasalanan ng walang karanasan na kapitan ng barko, na nakasakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.

Ang mga imahe na nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwang dynamic, nababaluktot at nagpapahayag, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at maingat na trabaho. Upang matapat na ilarawan ang mga kakila-kilabot na kaganapan sa canvas, upang maihatid ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakipagpulong ang artista sa mga nakasaksi ng trahedya, matagal na panahon pinag-aaralan ang mga mukha ng mga pagod na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital sa Paris, gayundin ang mga mandaragat na nakatakas pagkatapos ng pagkawasak ng barko. Sa oras na ito nilikha ng pintor malaking bilang ng gawa ng portrait.

Ang rumaragasang dagat, na parang sinusubukang lunukin ang isang marupok na balsa na gawa sa kahoy kasama ng mga tao, ay puno rin ng malalim na kahulugan. Ang larawang ito ay hindi karaniwang nagpapahayag at dynamic. Tulad ng mga pigura ng tao, ito ay kinopya mula sa buhay: ang artist ay gumawa ng ilang mga sketch na naglalarawan sa dagat sa panahon ng isang bagyo. Habang nagtatrabaho sa monumental na komposisyon, higit sa isang beses ay bumaling si Gericault sa mga naunang inihandang sketch upang ganap na maipakita ang likas na katangian ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng isang malaking impresyon sa manonood, na nakumbinsi sa kanya sa pagiging totoo at katotohanan ng kung ano ang nangyayari.

Ang "The Raft of the Medusa" ay nagtatanghal ng Géricault bilang isang kahanga-hangang master ng komposisyon. Sa mahabang panahon ang artista ay nag-iisip kung paano ayusin ang mga pigura sa larawan upang lubos na maipahayag ang intensyon ng may-akda. Maraming pagbabago ang ginawa sa daan. Ang mga sketch na nauuna sa pagpipinta ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ni Géricault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay inabandona ang gayong interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, kinakatawan ng canvas ang sandali kung kailan nakita ng mga desperado na ang barkong Argus sa abot-tanaw at iniunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa pagpipinta ay ang nasa ibaba, na may kanang bahagi mga canvases, pigura ng tao. Siya ang huling ugnay ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na karakter. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay ginawa nang ang pagpipinta ay naka-display na sa Salon.

Dahil sa monumentalidad nito at tumaas na emosyonalidad, ang pagpipinta ni Géricault sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ng mga masters ng High Renaissance (sa sa mas malaking lawak « Huling Paghuhukom"Michelangelo), na nakilala ng artista sa isang paglalakbay sa Italya.

Ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa," na naging isang obra maestra ng pagpipinta ng Pransya, ay isang malaking tagumpay sa mga bilog ng oposisyon, na nakita dito ang isang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at opisyal na kinatawan ng sining ng France. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang pagpipinta ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.

Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa kanyang tinubuang-bayan, pumunta si Gericault sa England, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong trabaho sa British. Sa London, natanggap ng mga mahilig sa sining ang sikat na pagpipinta na may malaking kasiyahan.

Nagiging malapit si Gericault sa mga artistang Ingles, na umaakit sa kanya sa kanilang kakayahang tapat at totoo na ilarawan ang katotohanan. Ang Géricault ay naglalaan ng isang serye ng mga lithograph sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng kabisera ng England, kung saan ang pinaka-kawili-wili ay ang mga gawa na tinatawag na "The Great English Suite" (1821) at "The Old Beggar Dying at the Door of the Bakery" ( 1821). Sa huli, inilarawan ng artist ang isang London tramp, na ang imahe ay sumasalamin sa mga impresyon na natanggap ng pintor habang pinag-aaralan ang buhay ng mga tao sa mga kapitbahayan ng uring manggagawa ng lungsod.

Kasama sa parehong cycle ang mga lithograph tulad ng "The Blacksmith of Flanders" at "At the Gates of the Adelfin Shipyard", na nagpapakita sa manonood ng isang larawan ng buhay ordinaryong mga tao London. Ang kawili-wili sa mga gawaing ito ay ang mga larawan ng mga kabayo, mabigat at mabigat. Ang mga ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga matikas at matikas na hayop na ipininta ng ibang mga artista - mga kontemporaryo ng Gericault.

Habang nasa kabisera ng Inglatera, lumikha si Gericault hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin mga kuwadro na gawa. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga gawa sa panahong ito ay ang canvas na "Racing at Epsom," na nilikha noong 1821. Sa pagpipinta, inilalarawan ng artist ang mga kabayo na tumatakbo nang buong bilis, at ang kanilang mga paa ay hindi nakadikit sa lupa. Ginagamit ng master ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng litrato na ang ganoong posisyon ng mga binti ng mga kabayo habang tumatakbo ay imposible; ito ang imahinasyon ng artist) upang bigyan ang komposisyon ng dinamismo, upang lumikha sa manonood ng impresyon ng mabilis na kidlat na paggalaw ng ang mga kabayo. Ang pakiramdam na ito ay pinahusay ng tumpak na pag-render ng plasticity (postura, kilos) ng mga pigura ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayaman. mga kumbinasyon ng kulay(pula, bay, puting kabayo; rich blue, dark red, white-blue at golden-yellow jockey jackets).

Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakaakit ng pansin ng pintor sa pamamagitan ng espesyal na pagpapahayag nito, ay inulit nang higit sa isang beses sa mga gawa na nilikha ni Géricault pagkatapos makumpleto ang trabaho sa "The Epsom Races".

Noong 1822, umalis ang artista sa England at bumalik sa kanyang katutubong France. Dito ay lumilikha siya ng malalaking canvases na katulad ng mga gawa ng mga master ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ang "The Negro Trade", "Opening the Doors of the Inquisition Prison in Spain". Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - ang kamatayan ay humadlang kay Gericault na makumpleto ang gawain.

Ang partikular na interes ay ang mga larawan, ang paglikha nito ng mga istoryador ng sining ay nagsimula noong panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagpipinta ay nararapat na espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artista, na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isa sa mga klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga ilustrasyon na nagpapakita ng iba't ibang mga sakit sa pag-iisip ng tao. Ito ay kung paano ipininta ang mga larawang "Crazy Old Woman", "Madman", "Madman Imagining Himself a Commander". Para sa master ng pagpipinta, hindi gaanong mahalaga na ipakita ang mga panlabas na palatandaan at sintomas ng sakit, ngunit upang maihatid ang panloob, estado ng pag-iisip maysakit na tao. Sa mga canvases, lumilitaw ang mga trahedya na larawan ng mga tao sa harap ng manonood, na ang mga mata ay puno ng sakit at kalungkutan.

Kabilang sa mga larawan ng Gericault, isang espesyal na lugar ang inookupahan ng larawan ng isang itim na lalaki, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang determinado at malakas ang kalooban na lalaki ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, handang lumaban hanggang sa wakas na may mga pwersang pagalit sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahayag. Ang lalaki sa larawang ito ay halos kapareho sa mga bayaning malakas ang loob na ipinakita noon ni Géricault sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of the Medusa").

Si Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, kundi isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa ganitong anyo ng sining ay maagang XIX Ang mga siglo ay kumakatawan sa mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang gawa, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imaheng nagyelo sa paggalaw ay tumpak na naghahatid ng kaplastikan ng katawan ng tao.

Malungkot na namatay si Theodore Gericault noong 1824 sa Paris, na nahulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kapanahon ng sikat na artista.

May marka ang gawa ni Gericault bagong yugto sa pag-unlad ng pagpipinta hindi lamang sa France, kundi pati na rin sa sining ng mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, napagtagumpayan ng master ang impluwensya ng mga tradisyon ng klasiko. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang makulay at sumasalamin sa pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga pigura ng tao sa komposisyon, nagsusumikap ang artist na ipakita ang mga panloob na karanasan at emosyon ng isang tao nang buo at malinaw hangga't maaari.

Matapos ang pagkamatay ni Gericault, ang kanyang mga tradisyon romantikong sining ay kinuha ng nakababatang kontemporaryo ng artist, si E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, sikat artistang Pranses at isang graphic artist, isang kahalili sa mga tradisyon ng romantikismo na nabuo sa gawain ni Gericault, ay ipinanganak noong 1798. Nang hindi natapos ang kanyang pag-aaral sa Imperial Lyceum, noong 1815 ay pumasok si Delacroix sa pagsasanay kasama ang sikat na master na si Guerin. Gayunpaman, ang mga masining na pamamaraan ng batang pintor ay hindi nakakatugon sa mga kinakailangan ng guro, kaya makalipas ang pitong taon ay iniwan siya ng binata.

Sa pag-aaral kasama si Guerin, si Delacroix ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ang mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Isinasaalang-alang niya ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon na sinundan ni David, bilang pangunahing para sa pag-unlad ng sining ng mundo. Samakatuwid, ang mga aesthetic ideals para kay Delacroix ay mga gawa ng mga makata at palaisip Sinaunang Greece, bukod sa mga ito ay pinahahalagahan ng artista ang mga gawa ni Homer, Horace at Marcus Aurelius.

Ang mga unang gawa ni Delacroix ay mga hindi natapos na canvases, kung saan hinangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, ang artist ay kulang sa kasanayan at karanasan upang lumikha ng isang nagpapahayag na larawan.

Noong 1822, ipinakita ni Delacroix ang kanyang gawa na pinamagatang "Dante at Virgil" sa Paris Salon. Ang canvas na ito, hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag ang kulay, ay sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ni Gericault na "The Raft of the Medusa."

Pagkalipas ng dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix, "The Massacre on Chios," ang ipinakita sa mga manonood sa Salon. Dito nabuo ang matagal nang plano ng artista na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Pangkalahatang komposisyon Ang pagpipinta ay binubuo ng ilang bahagi na bumubuo ng magkahiwalay na mga grupo ng mga tao, bawat isa sa kanila ay may sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng kumbinasyon ng mga makinis at matutulis na linya na bumubuo sa mga pigura ng mga karakter, na humahantong sa isang pagbabago sa mga proporsyon ng taong inilalarawan ng artist. Gayunpaman, tiyak na dahil dito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang katangian at tulad ng buhay na panghihikayat.

Ang malikhaing pamamaraan ni Delacroix, na ganap na ipinahayag sa "The Massacre at Chios," ay malayo sa istilong klasiko na tinatanggap noon sa mga opisyal na lupon sa France at sa mga kinatawan ng sining. Samakatuwid, ang pagpipinta ng batang artista ay sinalubong ng malupit na pagpuna sa Salon.

Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay nananatiling tapat sa kanyang ideal. Noong 1827 ay lumitaw ang isa pang gawain, nakatuon sa paksa ang pakikibaka ng mga taong Greek para sa kalayaan - "Greece sa mga guho ng Missolonghi." Ang pigura ng isang determinado at mapagmataas na babaeng Griyego na inilalarawan sa canvas dito ay nagpapakilala sa hindi nasakop na Greece.

Noong 1827, nagsagawa si Delacroix ng dalawang gawa na sumasalamin sa mga malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng paraan at pamamaraan. masining na pagpapahayag. Ito ang mga painting na “The Death of Sardanapalus” at “Marino Faliero”. Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay ipinarating sa paggalaw ng mga pigura ng tao. Tanging ang imahe ni Sardanapalus mismo ang static at kalmado dito. Sa komposisyon na "Marino Faliero" tanging ang pigura ng pangunahing tauhan ang dinamiko. Ang iba pang mga bayani ay tila nanigas sa takot sa pag-iisip kung ano ang malapit nang mangyari.

Noong 20s XIX na siglo Nakumpleto ni Delacroix ang isang bilang ng mga gawa, ang mga paksa ay kinuha mula sa sikat mga akdang pampanitikan. Noong 1825, binisita ng artista ang England, ang tinubuang-bayan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impresyon ng paglalakbay at trahedya na ito sikat na manunulat ng dula Gumawa si Delacroix ng lithograph ni Macbeth. Sa panahon mula 1827 hanggang 1828, nilikha niya ang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawa ni Goethe na may parehong pangalan.

Kaugnay ng mga pangyayaring naganap sa France noong 1830, ipininta ni Delacroix ang pagpipinta na “Liberty Leading the People.” Ang rebolusyonaryong France ay ipinakita sa imahe ng isang bata, malakas na babae, makapangyarihan, mapagpasyahan at independiyente, matapang na namumuno sa karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang estudyante, isang nasugatan na sundalo, isang Parisian gamen ay namumukod-tangi (isang imahe na inaasahan Gavroche, na kalaunan ay lumitaw sa Les Miserables ni V. Hugo).

Ang gawaing ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga katulad na gawa ng ibang mga artista na interesado lamang sa makatotohanang paghahatid ng ito o ang kaganapang iyon. Ang mga kuwadro na nilikha ni Delacroix ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na kabayanihan. Ang mga larawan dito ay mga pangkalahatang simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mga Pranses.

Sa pagdating sa kapangyarihan ni Louis Philippe - king-bourgeois-heroism at dakilang damdamin ipinangaral ni Delacroix, walang lugar doon modernong buhay. Noong 1831, ang artista ay naglakbay sa mga bansa sa Africa. Bumisita siya sa Tangier, Meknes, Oran at Algiers. Kasabay nito, bumisita si Delacroix sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nabighani sa artista sa mabilis na daloy nito. Gumagawa siya ng mga sketch, mga guhit at isang hanay ng mga gawa ng watercolor.

Pagkatapos bisitahin ang Morocco, nagpinta si Delacroix ng mga canvases na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na kung saan ang artist ay nagpapakita ng mga karera ng kabayo o mga labanan ng mga Moorish na mangangabayo ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Sa paghahambing, ang komposisyon na "Algerian Women in Their Chambers," na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at hindi nagbabago. Wala itong mabilis na dynamism at tension na katangian ng mga naunang gawa ng artist. Lumilitaw dito si Delacroix bilang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor ay ganap na sumasalamin sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng palette, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.

Ang canvas na "Jewish Wedding in Morocco," na ipininta noong 1841, ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong nakakalibang at nasusukat na kalikasan. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na dynamic: ang pintor ay nagpapakita kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang liwanag na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanan at nakakumbinsi ang imahe.

Ang mga silangang motif ay naroroon pa rin sa mga gawa ni Delacroix sa mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inorganisa sa Salon noong 1847, sa anim na gawa na ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at paraan ng pamumuhay ng Silangan.

Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang mga bagong tema sa gawa ni Delacroix. Sa oras na ito, ang master ay lumilikha ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga kuwadro na "Mirabeau's Protest against the Dissolution of the Estates General" at "Boissy d'Anglas" ay nararapat na espesyal na pansin. Ang sketch ng huli, na ipinakita noong 1831 sa Salon, ay isang kapansin-pansing halimbawa ng mga komposisyon sa tema ng isang popular na pag-aalsa.

Ang mga kuwadro na "The Battle of Poitiers" (1830) at "The Battle of Taibourg" (1837) ay nakatuon sa imahe ng mga tao. Ang dynamics ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito nang buong realismo. Nagsusumikap ang artista na ihatid ang mga damdamin at hilig ng isang tao, na nagtagumpay sa pagnanais na manalo sa anumang gastos. Ang mga pigura ng mga tao ang pangunahing naghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.

Kadalasan sa mga gawa ni Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay mahigpit na magkasalungat sa isa't isa. Ito ay lalo na malinaw na nakikita sa canvas na "The Capture of Constantinople by the Crusaders," na ipininta noong 1840. Sa harapan ay isang grupo ng mga tao na dinaig ng kalungkutan. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin. Ang mga figure ng matagumpay na mga mangangabayo ay inilalagay din dito, na ang mga nakakatakot na silhouette ay kaibahan sa malungkot na mga pigura sa harapan.

Ang Pagkuha ng Constantinople ng mga Krusada ay nagpapakita kay Delacroix bilang isang kahanga-hangang colorist. Gayunpaman, ang maliwanag at puspos na mga kulay ay hindi nagpapahusay sa trahedya na prinsipyo, ang mga exponent nito ay mga malungkot na figure na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang mayamang palette ay lumilikha ng pakiramdam ng isang holiday na inayos bilang parangal sa mga nanalo.

Hindi gaanong makulay ang komposisyon na "Trajan's Justice," na nilikha noong parehong 1840. Kinilala ng mga kontemporaryo ng artist ang pagpipinta na ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga painting ng artist. Ang partikular na interes ay ang katotohanan na sa panahon ng trabaho ang master ay nag-eksperimento sa larangan ng kulay. Maging ang kanyang mga anino ay may iba't ibang kulay. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagpapatupad ng trabaho ay nauna sa mahabang obserbasyon ng pintor sa mga pagbabago sa mga lilim sa kalikasan. Isinulat ito ng artista sa kanyang talaarawan. Pagkatapos, gamit ang mga rekord, kinumpirma ng mga siyentipiko na ang mga natuklasan na ginawa ni Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa doktrina ng kulay na ipinanganak noong panahong iyon, ang nagtatag kung saan ay si E. Chevreuil. Bilang karagdagan, inihambing ng artist ang kanyang mga natuklasan sa palette na ginamit paaralan ng Venice, na isang halimbawa ng kasanayan sa pagpipinta para sa kanya.

Kabilang sa mga pagpipinta ni Delacroix, ang mga larawan ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang master ay bihirang bumaling sa ganitong genre. Ipininta lamang niya ang mga taong matagal na niyang kilala, na ang espirituwal na pag-unlad ay naganap sa harap ng mga mata ng artista. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga portrait ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan ng Chopin at Georges Sand. Ang canvas na nakatuon sa sikat na manunulat (1834) ay naglalarawan ng isang marangal at malakas sa espiritu isang babaeng humahanga sa kanyang mga kasabayan. Ang larawan ni Chopin, na ipininta pagkaraan ng apat na taon, noong 1838, ay nagpapakita ng mala-tula at espirituwal na imahe ng mahusay na kompositor.

Ang larawan ng sikat na biyolinista at kompositor na si Paganini, na ipininta ni Delacroix noong 1831, ay kawili-wili at lubos na nagpapahayag. Estilo ng musika Ang Paganini sa maraming paraan ay katulad ng paraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawa ni Paganini ay nailalarawan sa parehong pagpapahayag at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.

Ang mga tanawin ay sumasakop sa isang maliit na lugar sa trabaho ni Delacroix. Gayunpaman, sila ay naging napaka makabuluhan para sa pagbuo ng French painting ng pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo mga siglo. Ang mga tanawin ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maihatid ang liwanag at ang mailap na buhay ng kalikasan. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga canvases na "Sky", kung saan nagkakaroon ng sense of dynamics salamat sa mga snow-white cloud na lumulutang sa kalangitan, at "The Sea Visible from the Shores of Dieppe" (1854), kung saan ang pintor ay mahusay na naghahatid. ang pagdausdos ng magaan na naglalayag na mga barko sa ibabaw ng dagat.

Noong 1833, ang artista ay nakatanggap ng isang utos mula sa hari ng Pransya upang ipinta ang bulwagan sa Bourbon Palace. Magtrabaho sa paglikha monumental na gawain tumagal ng apat na taon. Kapag isinasagawa ang utos, ang pintor ay ginabayan lalo na sa katotohanan na ang mga imahe ay napaka-simple at maigsi, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ni Delacroix ay ang pagpipinta ng Chapel of the Holy Angels sa Church of Saint-Sulpice sa Paris. Ito ay isinagawa sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayayamang kulay (rosas, maliwanag na asul, lila, inilagay sa abo-asul at dilaw-kayumanggi na background), ang artist ay lumilikha ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon, na nagiging sanhi ng manonood upang makaramdam ng masigasig na pagsasaya. Ang tanawin, na kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, ay biswal na pinapataas ang espasyo ng komposisyon at ang lugar ng kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang nakapaloob na espasyo, ipinakilala ni Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga figure ng mga tao na nakalagay sa likod nito ay tila halos flat silhouettes.

Namatay si Eugene Delacroix noong 1863 sa Paris.

Si Delacroix ang pinaka-edukado sa mga pintor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. Marami sa mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan sikat na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay madalas na pininturahan ng artista ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Siya ay naghangad na ituro ang parehong sa kanyang mga tagasunod. Ayon kay Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa isang primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining, una sa lahat, ay nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalooban at malikhaing layunin ng master.

Si Delacroix ang may-akda ng ilan teoretikal na mga gawa, nakatuon sa mga isyu kulay, paraan at istilo ng artista. Ang mga gawaing ito ay inihain para sa mga pintor mga susunod na henerasyon isang beacon sa paghahanap para sa ating sarili masining na paraan, ginagamit upang lumikha ng mga komposisyon.

Pambansang konsolidasyon, pinalakas ng patriotikong sigasig Digmaang Makabayan 1812, ipinakita ang sarili sa isang pagtaas ng interes sa sining at sa isang pagtaas ng interes sa katutubong buhay sa pangkalahatan. Ang katanyagan ng mga eksibisyon sa Academy of Arts ay lumalaki. Mula noong 1824, nagsimula silang gaganapin nang regular - tuwing tatlong taon. Nagsisimula ang paglalathala ng Journal of Fine Arts. Ang pagkolekta ay nagpapakilala sa sarili nito nang mas malawak. Bilang karagdagan sa museo sa Academy of Arts, noong 1825 ang "Russian Gallery" ay nilikha sa Hermitage. Noong 1810s. Binuksan ang "Russian Museum" ng P. Svinin.

Ang tagumpay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 ay isa sa mga dahilan para sa paglitaw ng isang bagong ideyal, na batay sa ideya ng isang independiyente, mapagmataas na personalidad, na nalulula sa malakas na hilig. Pagpipinta ay nagpapatunay isang bagong istilo- romanticism, na unti-unting pinalitan ang classicism, na itinuturing na opisyal na istilo, kung saan nangingibabaw ang mga tema ng relihiyon at mitolohiya.

Nasa unang bahagi ng mga pagpipinta ng K. L. Bryullov (1799-1852) "Italian Afternoon", "Bathsheba", hindi lamang ang husay at ningning ng imahinasyon ng artist, kundi pati na rin ang romantikismo ng pananaw sa mundo ay ipinahayag. Ang pangunahing gawain ni K. P. Bryullov, "Ang Huling Araw ng Pompeii," ay puno ng diwa ng historicism ang pangunahing nilalaman nito ay hindi ang gawa ng isang indibidwal na bayani, ngunit ang trahedya na kapalaran ng isang masa ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi direktang sumasalamin sa trahedya na kapaligiran ng despotismo ng rehimen ni Nicholas I, ito ay naging isang kaganapan. pampublikong buhay estado.

Ang mga espesyalista sa pag-optimize ng website ay gumagana sa ilang dosenang mga parameter na naglalarawan sa bawat site. Alamin kung paano kinakalkula ang link ng spam kung magpasya kang master ang mahirap na agham na ito.

Ang romantikismo ay nagpakita ng sarili sa larawan ni O. A. Kiprensky (1782-1836). Mula noong 1812, lumikha ang artista ng mga graphic na larawan ng mga kalahok sa Digmaang Patriotiko na kanyang mga kaibigan. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng O. A. Kiprensky ay itinuturing na larawan ni A. S. Pushkin, pagkatapos makita kung alin dakilang makata ay sumulat: “Nakikita ko ang aking sarili na parang nasa salamin, ngunit ang salamin na ito ay nambobola ako.”

Ang mga tradisyon ng romantisismo ay binuo ng pintor ng dagat na si I.K. Aivazovsky (1817-1900). Ang kanyang mga gawa na muling lumikha ng kadakilaan at kapangyarihan ay nagdala sa kanya ng pangkalahatang katanyagan. mga elemento ng dagat(“Ang Ikasiyam na Alon”, “Itim na Dagat”). Inialay niya ang maraming mga pagpipinta sa mga pagsasamantala ng mga mandaragat ng Russia ("Labanan ng Chesma", "Labanan ng Navarino"). Sa panahon ng Digmaang Crimean 1853-1856 sa kinubkob na Sevastopol, nag-organisa siya ng isang eksibisyon ng kanyang mga painting sa labanan. Kasunod nito, batay sa mga sketch mula sa kalikasan, inilarawan niya ang kabayanihan na pagtatanggol ng Sevastopol sa isang bilang ng mga kuwadro na gawa.

Si V.A. Tropinin (1776-1857), na pinalaki sa sentimentalist na tradisyon noong huling bahagi ng ika-18 siglo, ay nakaranas ng napakalaking impluwensya ng bagong romantikong alon. Ang kanyang sarili ay isang dating serf, ang artist ay lumikha ng isang gallery ng mga larawan ng mga artisan, tagapaglingkod at magsasaka, na nagbibigay sa kanila ng mga katangian ng espirituwal na maharlika ("Lacemaker", "Seamstress"). Ang mga detalye ng pang-araw-araw na buhay at mga aktibidad sa trabaho ay naglalapit sa mga larawang ito sa genre ng pagpipinta.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Dagat. Maaraw na araw" Pribadong koleksyon Romanticism

John Constable "Autumn Berries and Flowers in a Brown Pot" Romanticism

Thomas Sully "Portrait of Miss Mary and Emily McEwan", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romanticism

William Mo Eagly "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakahilig", 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romanticism Ang pagpipinta ay pinangalanan sa pamamagitan ng salawikain na "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakakiling". Ang analogue sa Russian ay "Kung saan sumandal ang puno, doon ito nahulog."

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Tingnan ng Teflis mula sa Seyd-Abad", 1868 Pambansang Gallery Armenia, Yerevan Romanticism Ang Seyd-Abad ay isang quarter sa Tiflis, sikat sa mga sulfur bath nito at walang kapantay na mga bath attendant. Kung pinag-uusapan ang tungkol sa Seyd-Abad, hindi maaaring hindi hawakan ng isa ang kasaysayan ng sikat na Abanotubani - Bath Quarter. Nagkaroon ito ng ilang pangalan. Mayroong isang alamat na ang isang takas mula sa hangganan ng pashalyk, na nahuli ng sipon sa...

Karl Pavlovich Bryullov "Portrait of the Most Serene Princess Elizaveta Pavlovna Saltykova", 1841 Russian Museum, St. Petersburg Romanticism Ang prinsesa ay inilalarawan na nakaupo sa isang upuan sa terrace ng kanyang ari-arian. Sa canvas na ito, na puno ng liriko, madamdamin na mga tala, lumikha si Bryullov ng isang mala-tula na imahe ng kanyang pangunahing tauhang babae. Elizaveta Pavlovna Saltykova (née Stroganova), anak ni Count Stroganov, pilantropo at pangunahing industriyalista. Si Bryullov ay palaging naaakit sa mga kababaihan mula sa marangal na pamilya...

Remy-Furcy Descarcin "Portrait of Doctor de S. playing chess with Death", 1793 Museum of the French Revolution, Visium, France Romanticism Sa paghusga sa inskripsiyon sa frame ng larawan, ang canvas ay pininturahan ng artist noong 1793, sa ilang sandali. bago ang kanyang kamatayan (ang artista ay pinatay para sa pakikiramay sa kontra-rebolusyon) at sa kanya huling gawain. Sa mahabang panahon ang pagpipinta ay itinago sa mga pribadong koleksyon at...

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Maumog na umaga sa Italya", 1864 Feodosia Galerya ng sining ipinangalan sa I.K. Aivazovsky, Feodosia Romanticism Noong 1840, pumunta si Aivazovsky sa Italya. Doon ay nakilala niya ang mga kilalang pigura ng panitikan, sining, at agham ng Russia - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Kasabay nito, noong 1841, binago ng artista ang kanyang apelyido na Gaivazovsky sa Aivazovsky. Ang mga aktibidad ng artista sa...

Joshua Reynolds "Portrait of the Waldgrave Sisters", 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romanticism Para sa larawan ng Waldgrave sisters, pinili ni Reynolds ang tradisyunal na English na genre ng pagpipinta ng "conversational painting". Inilarawan niya silang nakaupo sa paligid ng isang mesa at gumagawa ng pananahi. Ngunit sa kanyang pagganap, ang pang-araw-araw na eksena ay nawawalan ng pagiging ordinaryo. Nagsusumikap siyang itaas ang kanyang mga pangunahing tauhang babae kaysa sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga kababaihan, na puno ng kagandahan ng kabataan, ay nakasuot ng puti…

Romantisismo(Romanticism) ay isang ideolohikal at masining na kilusan na lumitaw sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 siglo - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang isang reaksyon sa aesthetics ng classicism. Una itong umunlad (1790s) sa pilosopiya at tula sa Germany, at nang maglaon (1820s) ay kumalat sa England, France at iba pang mga bansa. Paunang natukoy niya ang pinakabagong pag-unlad ng sining, maging ang mga direksyon na sumasalungat dito.

Ang mga bagong pamantayan sa sining ay naging kalayaan sa pagpapahayag, nadagdagan ang pansin sa indibidwal, natatangi katangian ng tao, pagiging natural, sinseridad at pagiging relaxed, na pumalit sa imitasyon ng mga klasikal na modelo noong ika-18 siglo. Tinanggihan ng Romantics ang rasyonalismo at praktikalismo ng Enlightenment bilang mekanistiko, impersonal at artipisyal. Sa halip, inuna nila ang emosyonal na pagpapahayag at inspirasyon.

Palibhasa'y malaya mula sa nabubulok na sistema ng maharlikang pamamahala, sinikap nilang ipahayag ang kanilang mga bagong pananaw at ang katotohanang natuklasan nila. Nagbago ang kanilang lugar sa lipunan. Natagpuan nila ang kanilang mga mambabasa sa gitna ng lumalaking gitnang uri, handang sumuporta sa damdamin at maging sa pagsamba sa artista - isang henyo at propeta. Ang pagpigil at pagpapakumbaba ay tinanggihan. Ang mga ito ay pinalitan ng matinding emosyon, kadalasang umaabot sa sukdulan.

Ang mga kabataan ay lalo na naimpluwensyahan ng romantikismo, pagkakaroon ng pagkakataong mag-aral at magbasa ng marami (na pinadali ng mabilis na pag-unlad ng pag-imprenta). Siya ay inspirasyon ng mga ideya indibidwal na pag-unlad at pagpapabuti ng sarili, ang idealisasyon ng personal na kalayaan sa pananaw sa mundo, ay pinagsama sa pagtanggi sa rasyonalismo. Ang personal na pag-unlad ay inilagay sa itaas ng mga pamantayan ng isang walang kabuluhan at kumukupas na aristokratikong lipunan. Binago ng romantikismo ng mga edukadong kabataan ang makauring lipunan ng Europa, na minarkahan ang simula ng paglitaw ng isang edukadong "gitnang uri" sa Europa. At ang larawan" Wanderer sa ibabaw ng dagat ng fog"Maaaring marapat na tawaging simbolo ng panahon ng romantikismo sa Europa.

Ang ilang mga romantiko ay bumaling sa mahiwaga, misteryoso, kahit na kakila-kilabot, katutubong paniniwala, mga fairy tale. Ang romantikismo ay bahagyang nauugnay sa mga demokratiko, pambansa at rebolusyonaryong kilusan, bagaman ang "klasikal" na kultura ng Rebolusyong Pranses ay aktwal na nagpabagal sa pagdating ng Romantisismo sa France. Sa oras na ito, lumitaw ang ilang mga kilusang pampanitikan, ang pinakamahalaga sa mga ito ay Sturm und Drang sa Germany, primitivism sa France, pinangunahan ni Jean-Jacques Rousseau, ang nobelang Gothic, at isang pagtaas ng interes sa mga dakila, ballad at lumang romansa (mula sa na, sa katunayan, Ang terminong "Romantisismo" ay nagmula. Ang pinagmulan ng inspirasyon para sa mga manunulat na Aleman, mga teorista ng paaralang Jena (ang magkapatid na Schlegel, Novalis at iba pa), na nagpahayag ng kanilang sarili na mga romantiko, ay ang transendental na pilosopiya nina Kant at Fichte, na nag-prioritize sa mga malikhaing posibilidad ng isip. Ang mga bagong ideyang ito, salamat kay Coleridge, ay tumagos sa England at France, at natukoy din ang pag-unlad ng transendentalismo ng Amerika.

Kaya, nagsimula ang Romantisismo bilang isang kilusang pampanitikan, ngunit nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa musika at mas kaunti sa pagpipinta. SA sining Malinaw na ipinakita ang romantikismo sa pagpipinta at mga graphic, mas mababa sa arkitektura. Noong ika-18 siglo, ang mga paboritong motif ng mga artista ay ang mga tanawin ng bundok at mga nakamamanghang guho. Ang mga pangunahing tampok nito ay dynamic na komposisyon, volumetric spatiality, rich color, chiaroscuro (halimbawa, mga gawa ni Turner, Géricault at Delacroix). Kasama sa iba pang mga romantikong artista sina Fuseli, Martin. Ang pagkamalikhain ng Pre-Raphaelites at ang neo-Gothic na istilo sa arkitektura ay maaari ding ituring bilang isang manipestasyon ng Romantisismo.

Ang romantikismo sa sining ay higit na nakabatay sa mga ideya ng mga pilosopo at manunulat. Sa pagpipinta, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, ang mga romantiko ay naaakit ng lahat ng hindi pangkaraniwan, hindi kilala, maging ito sa malalayong bansa na may kakaibang mga kaugalian at kasuotan (Delacroix), ang mundo ng mga mystical na pangitain (Blake, Friedrich, ang Pre-Raphaelites) at mahiwagang panaginip (Runge) o madilim na kalaliman na hindi malay (Goya, Fusli). Ang pinagmulan ng inspirasyon para sa maraming mga artista ay ang artistikong pamana ng nakaraan: ang Sinaunang Silangan, ang Middle Ages at ang Proto-Renaissance (Nazarenes, Pre-Raphaelites).

Sa kaibahan sa klasiko, na nagtaas ng malinaw na kapangyarihan ng katwiran, ang mga romantiko ay umawit ng madamdamin, mabagyo na damdamin na nakakuha ng isang tao nang buo. Ang unang tumugon sa mga bagong uso ay mga portrait at landscape, na naging paboritong genre ng romantikong pagpipinta.

Heyday genre ng portrait ay nauugnay sa interes ng mga romantiko sa maliwanag na pagkatao ng tao, kagandahan at kayamanan nito espirituwal na mundo. Ang buhay ng espiritu ng tao ay nangingibabaw sa isang romantikong larawan kaysa sa interes sa pisikal na kagandahan, sa senswal na kaplastikan ng imahe.

Sa isang romantikong larawan (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) ang pagiging natatangi ng bawat tao ay laging inihahayag, ang dynamics, ang matinding beat ng panloob na buhay, at mapaghimagsik na pagnanasa.

Ang mga romantiko ay interesado rin sa trahedya ng isang nasirang kaluluwa: ang mga bayani ng kanilang mga gawa ay kadalasang mga taong may sakit sa pag-iisip (Gericault “A Madwoman Suffering from an Addiction to Gambling,” “The Thief of Children,” “The Insane Man Who Imagines Himself as isang kumander”).

Tanawin ipinaglihi ng mga romantiko bilang sagisag ng kaluluwa ng sansinukob; Ang kalikasan, tulad ng kaluluwa ng tao, ay lumilitaw sa dinamika, patuloy na pagkakaiba-iba. Ang ayos at marangal na mga tanawin na katangian ng klasisismo ay pinalitan ng mga larawan ng kusang-loob, mapaghimagsik, makapangyarihan, patuloy na nagbabagong kalikasan, na tumutugma sa pagkalito ng mga damdamin mga romantikong bayani. Ang mga romantiko ay lalong gustong magsulat ng mga bagyo, bagyo, pagputok ng bulkan, lindol, pagkawasak ng barko na maaaring magkaroon ng malakas na epekto emosyonal na epekto sa manonood (Gericault, Friedrich, Turner).

Ang poeticization ng gabi, katangian ng romanticism - isang kakaiba, hindi tunay na mundo na namumuhay ayon sa sarili nitong mga batas - ay humantong sa pag-usbong ng "genre ng gabi", na naging paborito sa romantikong pagpipinta, lalo na sa mga artista ng Aleman.

Isa sa mga unang bansa kung saan nabuo ang romantikong sining ayAlemanya .

Makabuluhang impluwensya sa pag-unlad ng genre romantikong tanawin nagkaroon ng pagkamalikhainCaspar David Friedrich (1774-1840). Ang kanyang artistikong pamana ay pinangungunahan ng mga landscape na naglalarawan sa mga taluktok ng bundok, kagubatan, dagat, baybayin ng dagat, pati na rin ang mga guho ng mga lumang katedral, mga inabandunang abbey, monasteryo ("Cross in the Mountains", "Cathedral", "Abbey among the Oak Mga puno”). Karaniwang naglalaman ang mga ito ng pakiramdam ng patuloy na kalungkutan mula sa kamalayan ng trahedya na pagkawala ng isang tao sa mundo.

Gustung-gusto ng artista ang mga estado ng kalikasan na pinaka tumutugma sa romantikong pananaw nito: maagang umaga, paglubog ng gabi, pagsikat ng buwan ("Two Contemplating the Moon", "Monastery Cemetery", "Landscape with a Rainbow", "Moonrise over the Sea", " Chalk Cliffs" sa isla ng Rügen", "Sa isang bangka", "Daanan sa gabi").

Ang patuloy na mga karakter sa kanyang mga gawa ay malungkot na nangangarap, na nahuhulog sa pagmumuni-muni ng kalikasan. Sa pagtingin sa malalawak na distansya at walang katapusang taas, naging pamilyar sila sa walang hanggang mga lihim ng sansinukob, na dinadala sa magandang mundo mga pangarap. Inihahatid ni Friedrich ang kahanga-hangang mundo sa tulong ng isang mahiwagang nagniningning na liwanag- nagliliwanag na solar o misteryosong lunar.

Ang gawain ni Friedrich ay pumukaw sa paghanga ng kanyang mga kontemporaryo, kabilang si I. W. Goethe at W. A. Zhukovsky, salamat kung kanino marami sa kanyang mga pagpipinta ang nakuha ng Russia.

Pintor, graphic artist, makata at art theoristPhilip Otto Runge (1777-1810), higit sa lahat ay nakatuon sa kanyang sarili portrait na genre. Sa kanyang mga gawa, nag-poticize siya ng mga larawan ng mga ordinaryong tao, kadalasan ang kanyang mga mahal sa buhay ("Kaming tatlo" - isang self-portrait kasama ang kanyang nobya at kapatid, ay hindi nakaligtas; "Mga anak ng pamilyang Huelsenbeck", "Portrait ng artist's mga magulang", "Self-portrait"). Ang malalim na pagiging relihiyoso ni Runge ay ipinahayag sa mga pagpipinta gaya ng "Christ on the Shores of Lake Tiberias" at "Rest on the Flight to Egypt" (hindi natapos). Binuod ng artist ang kanyang mga saloobin tungkol sa sining sa kanyang theoretical treatise na "The Color Sphere."

Ang pagnanais na muling buhayin ang relihiyon at moral na mga pundasyon sa sining ng Aleman ay nauugnay sa malikhaing aktibidad mga artista paaralang Nazareno (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Palibhasa'y nagkakaisa sa isang uri ng relihiyosong kapatiran ("Union of St. Luke"), ang "Nazarenes" ay nanirahan sa Roma ayon sa modelo ng isang monastikong komunidad at nagpinta ng mga pintura sa mga paksang relihiyoso. Itinuring nila ang pagpipinta ng Italyano at Aleman bilang isang modelo para sa kanilang mga malikhaing paghahanap.XIV - XVmga siglo (Perugino, maagang Raphael, A. Durer, H. Holbein the Younger, L.Cranach). Sa pelikulang "The Triumph of Religion in Art," direktang ginagaya ni Overbeck ang " paaralan sa Athens"Raphael, at Cornelius sa" Horsemen of the Apocalypse" - ukit ni Durer ng parehong pangalan.

Itinuring ng mga miyembro ng kapatiran ang espirituwal na kadalisayan at taos-pusong pananampalataya bilang mga pangunahing birtud ng pintor, na naniniwalang "ang Bibliya lamang ang gumawa kay Raphael na isang henyo." Namumuhay nang nag-iisa sa mga selda ng isang inabandunang monasteryo, itinaas nila ang kanilang serbisyo sa sining sa kategorya ng espirituwal na paglilingkod.

Ang "Nazarenes" ay nahilig sa malalaking monumental na anyo at sinubukang isama ang matataas na mithiin sa tulong ng bagong revived na fresco technique. Ang ilan sa mga kuwadro na gawa ay pinagsama nila.

Noong 1820s at 30s, ang mga miyembro ng kapatiran ay nagkalat sa buong Alemanya, na nakatanggap ng mga nangungunang posisyon sa iba't ibang mga akademya ng sining. Tanging si Overbeck ang nanirahan sa Italya hanggang sa kanyang kamatayan, nang hindi binabago ang kanyang mga prinsipyo sa sining. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng "Nazarenes" ay napanatili sa mahabang panahon sa makasaysayang pagpipinta. Ang kanilang ideolohikal at moral na paghahanap naimpluwensyahan ang English Pre-Raphaelites, gayundin ang gawain ng mga masters tulad ng Schwind at Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), Austrian sa pamamagitan ng kapanganakan, nagtrabaho sa Munich. Sa mga gawa ng easel higit sa lahat ay inilalarawan niya ang hitsura at buhay ng mga sinaunang lungsod ng probinsiya ng Aleman kasama ang kanilang mga naninirahan. Ginawa ito nang may mahusay na tula at liriko, na may pagmamahal sa mga karakter nito.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Ang pintor ng Munich, graphic artist, napakatalino na draftsman, caricaturist, hindi rin walang sentimentalidad, ngunit may mahusay na katatawanan, pinag-uusapan ang buhay sa lungsod ("Poor Poet", "Morning Coffee").

Ang Schwind at Spitzweg ay karaniwang nauugnay sa kilusan sa kultura ng Aleman na kilala bilang Biedermeier.Biedermeier - ito ay isa sa mga pinakasikat na istilo ng panahon (pangunahin sa larangan ng pang-araw-araw na buhay, ngunit din sa sining) . Iniharap niya ang mga burgher, ang karaniwang tao sa lansangan. Ang pangunahing tema ng pagpipinta ng Biedermeier ay araw-araw na buhay isang tao, na dumadaloy sa isang hindi maaalis na koneksyon sa kanyang tahanan at pamilya. Ang interes ni Biedermeier hindi sa nakaraan, ngunit sa kasalukuyan, hindi sa dakila, ngunit sa maliit, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang makatotohanang ugali sa pagpipinta.

Pranses romantikong paaralan

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romanticism sa pagpipinta ay binuo sa France. Ito ay bumangon bilang isang pagsalungat sa klasisismo, na naging malamig, makatuwirang akademya, at naglagay ng gayong pangunahing mga masters, na tumutukoy sa nangingibabaw na impluwensya ng paaralang Pranses sa buong ika-19 na siglo.

Ang mga romantikong artista ng Pransya ay nahilig sa mga paksang puno ng drama at kalunos-lunos, panloob na tensyon, malayo sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay." Sa pamamagitan ng paglalagay sa kanila, binago nila ang mga paraan ng larawan at pagpapahayag:

Ang unang makikinang na tagumpay ng romanticism sa French painting ay nauugnay sa pangalanTheodora Gericault (1791-1824), na, bago ang iba, ay nakapagpahayag ng puro romantikong pakiramdam ng tunggalian sa mundo. Nasa kanyang unang mga gawa ay makikita ng isa ang kanyang pagnanais na ipakita ang mga dramatikong kaganapan sa ating panahon. Halimbawa, ang mga kuwadro na "Mounted Rifle Officer Going on the Attack" at "Wounded Cuirassier" ay sumasalamin sa pagmamahalan ng Napoleonic era.

Ang pagpipinta ni Gericault na "The Raft of the Medusa", na nakatuon sa isang kamakailang kaganapan sa modernong buhay - ang pagkamatay ng isang pampasaherong barko dahil sa kasalanan ng isang kumpanya ng pagpapadala, ay nagkaroon ng malaking resonance. . Gumawa si Gericault ng isang higanteng canvas na 7x5 m, kung saan inilarawan niya ang sandali nang ang mga tao sa bingit ng kamatayan ay nakakita ng isang rescue ship sa abot-tanaw. Ang matinding pag-igting ay binibigyang-diin ng malupit, madilim scheme ng kulay, diagonal na komposisyon. Ang pagpipinta na ito ay naging simbolo ng modernong Gericault France, na, tulad ng mga taong tumatakas sa pagkawasak ng barko, ay nakaranas ng parehong pag-asa at kawalan ng pag-asa.

Natagpuan ng artist ang tema ng kanyang huling malaking pagpipinta, "Epsom Races," sa England. Inilalarawan nito ang mga kabayong lumilipad na parang mga ibon (isang paboritong larawan ni Gericault, na naging mahusay na mangangabayo noong tinedyer). Ang impresyon ng bilis ay pinahusay ng isang tiyak na pamamaraan: ang mga kabayo at hinete ay pininturahan nang maingat, at ang background ay malawak.

Matapos ang pagkamatay ni Géricault (namatay siya nang trahedya, sa kalakasan ng kanyang lakas at talento), ang kanyang batang kaibigan ay naging kinikilalang pinuno ng mga romantikong PransesEugene Delacroix (1798-1863). Si Delacroix ay komprehensibong likas na matalino, nagtataglay ng talento sa musika at pampanitikan. Ang kanyang mga talaarawan at artikulo tungkol sa mga artista ay ang pinaka-kagiliw-giliw na mga dokumento ng panahon. Ang kanyang teoretikal na pag-aaral ng mga batas ng kulay ay may malaking impluwensya sa mga impresyonista sa hinaharap at lalo na kay V. Van Gogh.

Ang unang pagpipinta ni Delacroix, na nagbigay sa kanya ng katanyagan, ay "Dante at Virgil" ("Dante's Boat"), batay sa balangkas na " Divine Comedy" Namangha siya sa kanyang mga kapanahon sa kanyang madamdamin na kalunos-lunos at sa kapangyarihan ng kanyang madilim na kulay.

Ang tuktok ng pagkamalikhain ng artist ay "Kalayaan sa mga Barricades" ("Kalayaang Nangunguna sa Bayan"). Ang pagiging tunay ng totoong katotohanan (ang larawan ay nilikha sa kasagsagan ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 sa France) ay sumasanib dito sa romantikong pangarap ng kalayaan at ang simbolismo ng mga imahe. Isang magandang dalaga ang naging simbolo ng rebolusyonaryong France.

Bilang tugon sa mga makabagong kaganapan ay marami pa maagang pagpipinta"Massacre of Chios", na nakatuon sa pakikibaka ng mga Griyego laban sa pamamahala ng Turko .

Sa pagbisita sa Morocco, natuklasan ni Delacroix ang kakaibang mundo ng Arab East, kung saan itinalaga niya ang maraming mga pagpipinta at sketch. Sa "Women of Algeria" ang mundo ng Muslim harem ay lumitaw sa harap ng European audience sa unang pagkakataon.

Ang artist ay lumikha din ng isang serye ng mga larawan ng mga kinatawan ng creative intelligentsia, na marami sa kanila ay kanyang mga kaibigan (mga larawan ni N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, atbp.)

Sa huling yugto ng kanyang trabaho, si Delacroix ay nahilig sa mga makasaysayang tema, nagtatrabaho bilang isang monumentalista (mga pintura sa Chamber of Deputies, Senado) at bilang isang graphic artist (mga larawan para sa mga gawa ni Shakespeare, Goethe, Byron).

Ang mga pangalan ng Ingles na pintor ng Romantikong panahon - R. Benington, J. Constable, W. Turner - ay nauugnay sa genre ng landscape. Sila ay tunay na nakabukas ng isang bagong pahina sa lugar na ito: katutubong kalikasan natagpuan ang isang malawak at mapagmahal na pagmuni-muni sa kanilang gawain na hindi alam ng ibang bansa sa panahong iyon.

John Constable (1776-1837) ay isa sa mga una sa kasaysayan ng European landscape na sumulat ng mga sketch nang buo mula sa buhay, na bumaling sa direktang pagmamasid sa kalikasan. Ang kanyang mga painting ay simple sa kanilang mga motif: mga nayon, bukid, simbahan, isang strip ng ilog o dagat beach: "Hay Wagon," Detham Valley," "Salisbury Cathedral mula sa Bishop's Garden." Ang mga gawa ni Constable ay nagsilbing impetus para sa pagbuo ng makatotohanang tanawin sa France.

William Turner (1775-1851) - pintor ng dagat . Naakit siya ng mabagyong dagat, pag-ulan, pagkulog, baha, buhawi: "Ang huling paglalayag ng barko na "Brave", "Thunderstorm sa ibabaw ng Piazzetta." Ang mga matatapang na coloristic na paggalugad at pambihirang mga epekto sa pag-iilaw ay minsan ginagawa ang kanyang mga kuwadro na gawa sa nagniningning na phantasmagoric na salamin sa mata: "Fire of the London Parliament", "Blizzard. Ang bapor ay umalis sa daungan at nagpapadala ng mga senyales ng pagkabalisa kapag ito ay napunta sa mababaw na tubig. .

Pagmamay-ari ni Turner ang unang pagpipinta ng isang steam locomotive na tumatakbo sa mga riles - isang simbolo ng industriyalisasyon. Sa pelikulang "Rain, Steam and Speed" isang steam locomotive ang sumugod sa Thames sa pamamagitan ng maulap na ulap ng ulan. Ang lahat ng mga materyal na bagay ay tila sumanib sa isang mirage na imahe na perpektong nagbibigay ng pakiramdam ng bilis.

Ang natatanging pag-aaral ni Turner ng mga epekto ng liwanag at kulay ay higit na inaasahan ang mga pagtuklas ng mga French impressionist artist.

Noong 1848, bumangon sa Englandpre-raphaelite na kapatiran (mula sa Latin prae - "bago" at Raphael), na pinag-isa ang mga artista na hindi tinanggap ang kanilang kontemporaryong lipunan at ang sining ng akademikong paaralan. Nakita nila ang kanilang ideal sa sining ng Middle Ages at ang Early Renaissance (kaya ang pangalan). Ang mga pangunahing miyembro ng kapatiran ayWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Sa kanilang maagang mga gawa ginamit ng mga artist na ito ang abbreviation na RV sa halip na mga lagda .

Ang pag-ibig ng unang panahon ay katulad ng mga romantiko ng Pre-Raphaelite. Nag-address sila mga kuwento sa Bibliya(“Lamp of the World” at “The Unfaithful Shepherd” ni W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” at “The Annunciation” ni D. G. Rossetti), mga plot mula sa kasaysayan ng Middle Ages at mga dula ni W. Shakespeare (“Ophelia ” ni Millais).

Upang maipinta ang mga pigura at bagay ng tao sa kanilang natural na sukat, pinalaki ng Pre-Raphaelites ang laki ng mga canvases, mga sketch ng landscape ginawa mula sa buhay. Ang mga character sa kanilang mga painting ay may mga prototype sa mga totoong tao. Halimbawa, inilarawan ni D. G. Rossetti ang kanyang minamahal na si Elizabeth Siddal sa halos lahat ng kanyang mga gawa, na nagpapatuloy, tulad ng isang medieval na kabalyero, upang manatiling tapat sa kanyang minamahal kahit na pagkatapos ng kanyang hindi napapanahong kamatayan ("Blue Silk Dress", 1866).

Ang ideologist ng Pre-Raphaelites ayJohn Ruskin (1819-1900) - Ingles na manunulat, kritiko ng sining at teorista ng sining, may-akda ng sikat na serye ng mga aklat na "Modern Artists".

Ang gawain ng Pre-Raphaelites ay makabuluhang nakaimpluwensya sa maraming mga artista at naging isang tagapagbalita ng simbolismo sa panitikan (W. Pater, O. Wilde) at sining (O. Beardsley, G. Moreau, atbp.).

Ang palayaw na "Nazarenes" ay maaaring nagmula sa pangalan ng lungsod ng Nazareth sa Galilea, kung saan ipinanganak si Jesu-Kristo. Ayon sa isa pang bersyon, ito ay lumitaw sa pamamagitan ng pagkakatulad sa pangalan ng sinaunang Jewish religious community ng Nazarenes. Posible rin na ang pangalan ng grupo ay nagmula sa tradisyonal na pangalan para sa hairstyle na "Alla Nazarena", karaniwan sa Middle Ages at kilala mula sa self-portrait ni A. Dürer: ang paraan ng pagsusuot mahabang buhok, na nahati sa gitna, ay muling ipinakilala ni Overbeck.

Biedermeier(Aleman: "matapang na Meyer", philistine) - apelyido kathang-isip na karakter mula sa koleksyon ng tula ng makatang Aleman na si Ludwig Eichrodt. Gumawa si Eichrodt ng parody ng totoong mukha- Samuel Friedrich Sauter, isang matandang guro na nagsulat ng walang muwang na tula. Binigyang-diin ni Eichrodt sa kanyang karikatura ang pagiging primitibo ng philistine ng pag-iisip ni Biedermeier, na naging isang uri ng simbolo ng parody ng panahon. ang mga sweeping stroke ng itim, kayumanggi at maberde na kulay ay naghahatid ng matinding galit ng bagyo. Ang tingin ng manonood ay tila nasa gitna ng isang whirlpool ang barko ay tila laruan ng alon at hangin.