Künstler malen Indianer. Dekoration nordamerikanischer Indianerutensilien mit geschnitzten Figuren

John Manchip White::: Indianer Nordamerikas. Leben, Religion, Kultur

Der Inder lebte in untrennbarer Verbindung mit der Natur und behandelte sie mit Ehrfurcht und tiefem Respekt; Er wandte sich in seinen Gebeten ständig an die Geister und Kräfte, die sie verkörperten, und versuchte, sie zu besänftigen und zu besänftigen. Seine Verbindung zur Natur war sowohl stark als auch fragil: Einerseits gab sie ihm die Möglichkeit zum Leben, andererseits erinnerte und warnte sie ständig daran, was für ein verletzliches Geschöpf der Mensch ist und wie viel weniger und schlechter er an das Leben angepasst ist in der ihn umgebenden Welt als andere Lebewesen in seiner Nähe. Daher ist es nicht verwunderlich, dass der Inder in der Kunst versuchte, seine zutiefst persönlichen Gefühle und Empfindungen auszudrücken, die mit der Welt um ihn herum verbunden waren – seine Ängste, Hoffnungen und Überzeugungen, die tief in seiner Seele lebten.

Die Kunst der Indianer war eng mit ihrem religiösen Glauben verbunden. Leider ging durch die Zerstörung der traditionellen Lebensweise und alter religiöser Überzeugungen und Traditionen die Fähigkeit verloren, die tiefste innere Bedeutung, die in den Werken der indischen Kunst während ihrer Blütezeit enthalten war, sowohl auszudrücken als auch zu verstehen. Diese Bedeutung ist heute nicht nur für weiße Kunstkritiker, sondern auch für die Mehrheit der Inder selbst unzugänglich. Genau wie Kunst weißer Mann, Indische Kunst ist heute eine angenehme Bereicherung des Lebens, leicht und oberflächlich. eine Art anmutige Geste und ein Lächeln, das zum Leben erweckt wird. Es wird nicht mehr von der mächtigen und unwiderstehlichen Kraft und Kraft angetrieben, die durch eine direkte Verbindung mit dem, was in der Tiefe verborgen war, bereitgestellt wurde menschliche Seele die Quelle der gesamten Bandbreite menschlicher Gefühle und Leidenschaften. Nur an den wenigen Orten, insbesondere an einigen Orten im Südwesten und Nordwesten sowie in den arktischen Regionen, wo die traditionelle Lebensweise und kulturelle Traditionen Es ist gelungen, einen großen Teil davon zu erhalten; manchmal sind Beispiele echter indischer Kunst zu sehen.

Ein weiterer Grund dafür, dass die indische Kunst als Ganzes immer noch missverstanden und unterschätzt wird, liegt darin, dass ihre Werke in einem ungewöhnlichen Stil ausgeführt sind. Westler hätten ihm vielleicht mehr Aufmerksamkeit geschenkt und sich ernsthafter mit ihm befasst, wenn er entweder zum Realismus oder zum Abstraktionismus gehört hätte, da beide Stile im Westen gut bekannt sind. Jedoch traditionelle Kunst Indianer ist weder realistisch noch abstrakt. Es ist schematisch und symbolisch und ähnelt in dieser Hinsicht der Kunst Altes Ägypten. Die altägyptische Wandmalerei galt als lustig, ungewöhnlich und „amateurhaft“, da das äußere Design sehr einfach und naiv wirkte. Die altägyptische Skulptur hat von Kritikern und Fachleuten mehr Aufmerksamkeit erhalten, weil sie als „realistisch“ eingestuft wurde, obwohl sie ebenso von symbolischer und religiöser Bedeutung durchdrungen ist wie die Malerei. Die Kunst der amerikanischen Ureinwohner litt unter ähnlich falschen und vereinfachenden Einschätzungen.

Die indische Kunst zielte nie darauf ab, die Außenwelt objektiv widerzuspiegeln. Er interessierte sich nicht für die äußere Seite der Dinge; Es war nach innen gerichtet und befasste sich hauptsächlich mit den Echos und Manifestationen des Innenlebens eines Menschen: Visionen, Offenbarungen, geschätzte Träume, Gefühle und Empfindungen. Dies nährte den Künstler selbst, und das wollte er im Gegenstand seiner Arbeit sehen. In der indischen Kunst stand das ästhetische Prinzip nicht im Vordergrund, obwohl dieses Gefühl bei den Indern sehr ausgeprägt war. Seine Hauptaufgabe bestand darin, eine gewisse geheimnisvolle, mystische Bedeutung. Sogar Zeichnungen und Bilder auf Kleidung und Haushaltsgegenständen haben einen schützenden und heilenden Zweck; eine Verbindung mit einem heiligen Schutzgeist zum Ausdruck bringen oder dienen magische Symbole, was für Glück und Wohlstand sorgen soll. Der indische Künstler strebte wie sein altägyptischer Kollege nicht danach, ein genaues Porträt einer Person oder eines Tieres zu malen. Ihn interessierte nicht die äußere Hülle, sondern die Seele und das Verborgene innere Essenz alles, was ihn umgab. Wie sonst können Sie eine so subtile und schwer fassbare Sache wie die Seele vermitteln und darstellen, wenn nicht durch Symbole und andere ähnliche Mittel, um Ihre Gefühle und Ihren Selbstausdruck zu vermitteln?

Mit Ausnahme von Baudenkmälern scheinen die Indianer keine Baudenkmäler geschaffen zu haben große Menge Kunstwerke. Wir konnten davon überzeugt sein, dass die Werke der antiken Erbauer von Felssiedlungen und Hügelgräbern den Vorbildern aus der Antike und dem Mittelalter in nichts nachstehen Europäische Architektur. Andererseits in Nordamerika Es wurde nichts entdeckt – zumindest noch nicht –, das mit den Meisterwerken der Wandmalerei in Altamira, Spanien, oder den ebenso berühmten Beispielen der Höhlenmalerei in Lascaux, Frankreich, verglichen werden könnte. Auf den in den Felsen gebauten „Haussiedlungen“ sind nur wenige bescheidene Felsmalereien erhalten, die jedoch von den Navajo-Indianern angefertigt wurden, die hier viele Jahre nach dem Verlassen der Schöpfer dieser einzigartigen Orte auftauchten. architektonische Strukturen. Auch an den Wänden der Kivas, zu denen der Zutritt gestattet war, wurden mehrere Zeichnungen gefunden. Es ist natürlich möglich, dass eine Reihe von Meisterwerken der Wandmalerei in Kivas, in einer Reihe von Pueblos, entdeckt werden könnten, wenn ihnen der Zugang für Außenstehende offen steht; Schließlich gab es auch eine Reihe von Denkmälern der Malerei und Bildhauerei des alten Ägypten lange Zeit vor neugierigen Blicken verborgen. Es ist jedoch wahrscheinlich, dass nie eine nennenswerte Anzahl von Denkmälern indischer Kunst entdeckt wird. Die Indianer hatten einfach weder die Neigung noch den Wunsch, sie zu erschaffen. Eine erwähnenswerte Ausnahme bildeten die Künstler und Holzschnitzer des pazifischen Nordwestens. Sie schmückten die Wände der berühmten „Langhäuser“ mit echten Meisterwerken, aber auch die Stützpfeiler von Wohngebäuden, Pfeiler an Grabstätten, Gedenksäulen und die berühmten Totempfähle (der Ausdruck „Totempfahl“, obwohl oft verwendet, ist ein Fehlbezeichnung; die Stangen stellten nicht nur heilige Symbole dar; es könnte sich auch einfach um ein Emblem oder ein charakteristisches Stammeszeichen handeln.

Die einzige ernsthafte Ähnlichkeit zwischen der Kunst der Neuen und Alten Welt bestand in der Verwendung spezifischer Darstellungsmittel – Piktogramme oder Petroglyphen. Petroglyphen sind semantische Zeichen oder Symbole, die auf der Oberfläche eines Felsens, Steins, in einem Felsvorsprung oder einer Felsvertiefung sowie an den Wänden von Höhlen gezeichnet, ausgehöhlt oder geschnitzt werden. Sie kommen in fast ganz Nordamerika vor. Als Symbole werden manchmal menschliche Figuren, länglich und länglich, sowie Füße, Arme, Beine und Finger verwendet. Häufiger geometrische Formen verschiedene Formen(rund, oval, quadratisch, dreieckig, trapezförmig) und deren Kombinationen sowie erstaunliche Ensembles einzigartig dargestellter Tiere, Vögel, Reptilien und Insekten oder deren Fragmente. Manchmal sind die Petroglyphen sehr nah dargestellt, praktisch auf eine Art großen Fleck reduziert, und manchmal ist das Bild einzeln und an einem abgelegenen und schwer zugänglichen Ort.

Was bedeuteten die Petroglyphen? Warum wurden sie gezeichnet? In einigen Fällen wurden sie möglicherweise einfach so angewendet, „aus dem Nichts heraus“, ohne einen bestimmten Zweck. Einige „Inschriften“ wurden vermutlich von den Liebenden hinterlassen, um auf diese Weise ihre Gefühle zum Ausdruck zu bringen. Vielleicht wurden sie von Jägern zurückgelassen, um sich die Zeit zu vertreiben, während sie auf Beute warteten, oder um sich Notizen über die gefangenen Trophäen zu machen. Vielleicht handelte es sich um eine Gedenkaufzeichnung eines Treffens verschiedener Stämme, die sich versammelt hatten, um einen Vertrag zu schließen. Viele Anzeichen hängen höchstwahrscheinlich mit der Jagd zusammen: Vielleicht handelt es sich dabei um eine Art „Verschwörung“ oder um einen Talisman für eine erfolgreiche Jagd. Aber einige von ihnen sind höchstwahrscheinlich rein persönlicher Natur: Junge Menschen, die sich gezielt an einen verlassenen Ort zurückzogen und Offenbarungen von einem Schutzgeist erhielten, konnten ein persönliches Zeichen hinterlassen, um darin ihre Gefühle und Eindrücke auszudrücken Weg. Der Autor dieses Buches bestieg oft einen Hügel in einem Tal in der Nähe von Carrizozo, New Mexico. Auf seinem Gipfel können Sie auf Felsen vulkanischen Ursprungs Tausende von Petroglyphen des Vulkans sehen verschiedene Formen, Größe und Darstellung einer Vielzahl von Handlungs- und semantischen Kombinationen. Sie wurden vor 500–1000 Jahren von Kulturmenschen verursacht Jornada, Das ist ein Zweig der Kultur Mogollon, die wiederum entfernt mit der Hohokam-Kultur verwandt ist. Während man dort ist, hat man das Gefühl, mittendrin zu sein heiliger Ort und du stehst auf heiligem Boden, aber diese Zeichen sind es nicht zufällige Kritzeleien, aber etwas sehr Geheimnisvolles und Wichtiges.

Dass sich der nordamerikanische Indianer nicht für monumentale Kunstformen interessierte, liegt vor allem daran, dass er einen weitgehend nomadischen Lebensstil führte. Wieder rein in einem größeren Ausmaß Dies kann durch seine heilige Angst und Ehrfurcht vor der Natur, die Angst und den Widerwillen, der lebenden Welt um ihn herum Schaden zuzufügen, erklärt werden. Die Natur war ihm heilig. Auch wenn er von einem Ort zum anderen zog, versuchte er, dies so zu tun, dass der Natur möglichst wenig Schaden zugefügt wurde. Er versuchte, keine Spuren zu hinterlassen, indem er auf dem Boden ging und sich buchstäblich „auf Zehenspitzen“ bewegte; Brechen Sie keinen einzigen Zweig, reißen Sie kein einziges Blatt ab. Alle Spuren von Feuerstellen und Lagerplätzen wurden vom Erdboden entfernt. Er versuchte, sich wie ein leichter Wind zu bewegen. Und wie wir gesehen haben, versuchte er, selbst sein Grab bescheiden und unauffällig zu gestalten. Einige Indianer weigerten sich lange Zeit, den vom Weißen angebotenen Pflug zu benutzen, obwohl sie Landwirtschaft, weil sie befürchteten, dass die eiserne Pflugschar, die in den Körper von Mutter Erde schnitt, ihr Schmerzen bereiten würde.

Doch obwohl der Inder mit den Kunstarten, die als die bedeutendsten gelten, praktisch nicht vertraut war (obwohl ein Miniaturkunstwerk genauso kunstvoll ausgeführt sein und den gleichen Wert wie ein Fresko haben kann), erreichte er in seiner Schöpfung das Höchste von „Haushalt“, alltäglichen Dingen. Waffen, Kleidung, Schmuck und Gegenstände für religiöse Rituale waren Beispiele herausragender Handwerkskunst. Auf diesem Niveau waren die Indianer Nordamerikas unübertroffen. Darüber hinaus verfügen die Inder im Gegensatz zu unserer Gesellschaft über künstlerische und Kreativität waren nicht nur das Los eines begrenzten Personenkreises. Die Indianer betrachteten diese Fähigkeiten nicht als eine außergewöhnliche Gabe. Es gibt allen Grund zu der Annahme, dass diese Fähigkeiten, egal wie schnell sie in unserer Gesellschaft schwinden und aussterben, sich unter den Indianern so weit entwickelt und verbreitet haben. Fast jeder Inder konnte einen Krug oder einen anderen gemusterten Gegenstand aus Keramik herstellen, einen Korb flechten, Lederkleidung nähen, ein Pferdegeschirr herstellen oder ein Muster auf einen Kampfschild oder ein Tipi-Zelt malen. Die meisten Inder hatten „goldene“ Hände und „lebende“ Finger. Ihre Lebensumstände lehrten sie dies; und ihr ständiger Kontakt und ihre Kommunikation mit der Welt der lebendigen Natur, Gottheiten und heiligen Geistern, Offenbarungen und Visionen, magischen Zeichen und Symbolen war eine endlose Quelle kreativer Inspiration.

Wir betonen noch einmal, dass die Beispiele indischer Kunst, die heute in Galerien und Museen zu sehen sind, nicht wirklich echte, traditionelle indische Kunst in der Form darstellen, in der sie damals existierte. Die Indianer schufen Meisterwerke aus kurzlebigen Materialien: Leder, Holz, Federn, Häute. Die Proben, die trotz ihrer aktiven Nutzung und natürlichen Einflüsse bis heute erhalten sind, wurden bisher nur selten hergestellt Mitte des 19 Jahrhundert, also bereits in jener Zeit, als der Einfluss des weißen Mannes und seiner Kultur deutlich spürbar war. Artikel von mehr frühe Periode Leider hat uns nur sehr wenig erreicht. Sobald die Europäer auf dem Kontinent erschienen, begannen sie sofort mit den Indianern Handel zu treiben und tauschten Messer, Beile, Gewehre, Glasperlen, Glocken und Glocken aus Messing, Metallknöpfe sowie bunte Woll- und Baumwollstoffe gegen Pelze und Pelze. Das kann man mit sagen Mitte des 18. Jahrhunderts V. Die Indianer waren bereits unter den Einfluss der Mode- und Geschmacksvorlieben des weißen Mannes geraten. Einerseits erweiterte sich das Angebot an Kleidung und Schmuck bei den Indianern, andererseits wurde ihr traditionell subtiler und raffinierter Geschmack durch den Kontakt mit der industriellen Zivilisation gröber. Ein wesentlicher Teil dessen, was diese hellen und üppigen Outfits ausmachte, in denen indische Führer auf Fotografien des 19. Jahrhunderts dargestellt werden. und die uns so viel Bewunderung hervorrufen, wurden von den Handelsfirmen der Weißen oder von weißen Straßenhändlern gekauft.

Die Verwendung von in Massenproduktion hergestellten europäischen Materialien war jedoch nicht immer schädlich für die Kultur und Kunst der amerikanischen Ureinwohner. Obwohl sie einerseits eine äußere Lametta-Buntheit und Helligkeit trugen, gaben sie den Indianern andererseits die Möglichkeit, ihre reiche Fantasie voll zum Ausdruck zu bringen und ihr Verlangen nach hellen und satten Farbpaletten zu verwirklichen, da es sich um Farben handelte Nur natürlichen Ursprungs und die Materialien, die zuvor verwendet wurden, hatten nicht die gleiche Farbvielfalt wie industrielle und waren manchmal matt und verblasst. Natürlich war der Einfluss der Europäer nicht nur oberflächlich. Es veränderte den Geschmack, die Mode und den Kleidungsstil sowie das Aussehen der Indianer erheblich. Vor dem Kontakt mit Weißen trugen indische Männer keine Jacken, Hemden oder Oberbekleidung im Allgemeinen, und die meisten indischen Frauen trugen keine Blusen. Später verfielen indische Frauen in den Bann der Kleidung der weißen Militärfrauen, die sie in Festungen und Garnisonen sahen. Sie begannen, Seide, Satin und Samt zu tragen, sich mit Bändern zu schmücken und auch weite Röcke und Umhänge zu tragen. Die heutigen Navajos, deren Kleidung Touristen als „ traditionelle Kleidung Tatsächlich haben „Indianer“ kaum Ähnlichkeit mit ihren Stammesgenossen, die vor 200 Jahren lebten. Sogar der berühmte Navajo-Schmuck ist im Allgemeinen modern, aber nicht antik. Den Navajo-Indianern wurde in den 50er Jahren von Silberschmieden aus Mexiko beigebracht, wie man sie herstellt. 19. Jahrhundert. Das Leben der Indianer hat sich völlig verändert, seit die Spanier 1540 den Rio Grande überquerten und den Ureinwohnern Nordamerikas Pferde vorstellten. Schusswaffen und andere seltsame und bisher unbekannte Dinge.

Dies bedeutete natürlich nicht, dass die Inder ihre traditionellen kreativen Fähigkeiten und Fertigkeiten verloren und aufgehört hätten, eigene Werke indischer Kunst zu schaffen. Die Indianer sahen die Weißen zum ersten Mal vor vier Jahrhunderten, und ihre Kultur und die ursprünglichen kreativen Fähigkeiten und Fertigkeiten, die sich auf dieser Grundlage ständig weiterentwickelten, sind mindestens 30-mal älter.

In allen fünf Hauptverbreitungsgebieten der Kulturen, die wir auf dem nordamerikanischen Kontinent identifiziert haben, gibt es große Ähnlichkeit bei Werkzeugen und allen Arten von künstlichen Produkten, obwohl die verfügbaren Rohstoffe für ihre Herstellung in sind verschiedene Bereiche war anders. In der Waldzone war Holz das Hauptmaterial; in den Ebenen - Leder und Häute; Die Stämme an der Meeresküste verfügten über einen Überfluss an Muscheln und Material, das sie durch die Jagd auf Meerestiere erhielten. Trotz der oben genannten Unterschiede bei den Rohstoffen beobachten wir dank der Ausbreitung der Kulturen – Diffusion und Handel – in allen Gebieten, auch in denen, die keine unmittelbaren Nachbarn waren, Ähnlichkeiten in den dort geschaffenen Werkzeugen und Kunstwerken.

Der Begriff „Diffusion“ wird von Archäologen und Anthropologen verwendet, um die Art und Weise zu beschreiben, wie sich materielle und spirituelle Kultur von einem Volk zum anderen verbreitet. Materielle Gegenstände sowie religiöse und kulturelle Ideen können durch Mischehen oder Bündnisse zwischen verschiedenen Stämmen und Gemeinschaften friedlich verbreitet werden. Sie können sich auch infolge von Kriegen ausbreiten: wenn den Toten Waffen, Kleidung und persönliche Gegenstände abgenommen werden; und auch wenn sie Gefangene machen, beginnen sie, mit Menschen einer anderen Kultur, Bräuchen und Traditionen zu kommunizieren. Es besteht eine gegenseitige Beeinflussung, und manchmal können die Kultur und Traditionen der Gefangenen nach und nach einen sehr schwerwiegenden Einfluss auf diejenigen haben, die sie gefangen genommen haben. Eine weitere wichtige Quelle der kulturellen Verbreitung ist die Bevölkerungsmigration. Erst durch die Abwanderung großer Bevölkerungsgruppen von Mexiko in den Norden wurden beispielsweise die mexikanisch beeinflussten Ballplätze des Südwestens und die im Südosten Nordamerikas so häufig vorkommenden Hügel möglich.

Schon zur Zeit der antiken Jäger in Nordamerika kam es zu einer damit verbundenen Verflechtung verschiedener Kulturen. Dies bestätigt die weite Verbreitung von Spitzen, Klingen, Seitenschabern und anderen Steinwerkzeugen verschiedene Kulturen: Clovis, Scotsbluff und Folsom. Der Handel war bei fast allen Stämmen üblich und einige spezialisierten sich darauf. Die Moyawe trieben Handel zwischen Kalifornien und dem Südwesten, in beide Richtungen. Die Hopi waren geschickte Zwischenhändler im Handel mit Salz und Häuten. Sie verteilten auch erfolgreich roten Ocker, der zum Einreiben des Körpers verwendet wurde, auch bei religiösen Zeremonien, und der von ihren Nachbarn, den Havasupai, in den abgelegenen und versteckten Spalten des Grand Canyon abgebaut wurde.

Es ist wahrscheinlich, dass ein reger Handel mit Verbrauchsgütern und Nahrungsmitteln stattgefunden hat. Es kann sich um Trockenfleisch, Maismehl und verschiedene Köstlichkeiten handeln. Wir wissen zum Beispiel, dass das Volk der Hohokam Salz und Baumwolle exportierte. Aber natürlich liefern uns die entdeckten Werkzeuge aus langlebigen Materialien wie Stein und Metall noch mehr Informationen über den Handelsbetrieb. Vor mehr als 10.000 Jahren breitete sich Feuerstein aus den Elibates-Minen in Texas aktiv in andere Gebiete aus, und Feuerstein aus Flint Ridge in Ohio wurde an die Atlantikküste und nach Florida transportiert. Obsidian, sowohl schwarz als auch glänzend, war sehr gefragt. Es wurde nur an wenigen Orten im Südwesten abgebaut und von dort aus in Gebiete geliefert, die Tausende Kilometer vom Abbauort entfernt liegen. Wir konnten bereits sehen, wie sehr gefragt verwendete in Minnesota abgebautes Catlinit, aus dem „Friedenspfeifen“ hergestellt wurden.

Wenn ein Stamm wohlhabend wurde, und vor allem, wenn er begann, einen sesshaften Lebensstil zu führen und exquisite und schöne Häuser zu bauen teure Häuser, hatte er die Möglichkeit, Luxusgüter zu kaufen. Die Menschen der Hopewell-Kultur, einer der lebendigsten alten indischen Kulturen, benötigten große Mengen von sehr viel teure Materialien, um den demonstrativ luxuriösen und „verschwenderischen“ Lebensstil sicherzustellen, den sie führten, ganz zu schweigen von den ebenso teuren Zeremonien für die Beerdigung der Toten, einschließlich der Errichtung riesiger Grabhügel. Aus Alabama brachten sie Jade; aus der Appalachenregion – Glimmerplatten und Quarzkristalle; aus Michigan und Ontario – Stücke aus bearbeitetem Kupfer und bearbeitetem Silber. Darüber hinaus importierten die Menschen der Hopewell-Kultur auch eines der damals begehrtesten Güter des Kontinents: Meeresmuscheln.

Aus antike Kunst Der Brauch, Pflanzen- und Tierformen im Ornament zu geometrisieren, ist erhalten geblieben. Es gibt ein Ornament, das dem griechischen Mäander ähnelt. Besonders interessant sind die aus einem einzigen Baumstamm geschnitzten Totempfähle. Sie geometrisieren visuelle Elemente so stark, dass im Prozess der Anpassung an volumetrische Form Säule, einzelne Teile werden voneinander getrennt, die natürliche Verbindung wird gestört und es entsteht eine neue Anordnung verbunden mit mythologische Ideen„Weltenbaum“ Auf solchen Bildern können die Augen eines Fisches oder Vogels auf den Flossen oder dem Schwanz und der Schnabel auf dem Rücken erscheinen. In Brasilien Zeichnungen Amerikanische Indianer untersucht vom berühmten Anthropologen K. Levi-Strauss. Er erforschte die Techniken der gleichzeitigen Bilder und „Röntgenstrahlen“.

Die Indianer beherrschten die Holzverarbeitungstechniken meisterhaft. Sie hatten Bohrer, Dechsel, Steinäxte, Holzbearbeitungs- und andere Werkzeuge. Sie wussten, wie man Bretter sägt und figürliche Skulpturen schneidet. Sie stellten Häuser, Kanus, Arbeitsgeräte, Skulpturen und Totempfähle aus Holz her. Die Tlingit-Kunst zeichnet sich durch zwei weitere Merkmale aus: Mehrfigurigkeit – mechanische Verbindung verschiedene Bilder in einem Objekt und Polyikonizität – fließend, manchmal verschlüsselt, vom Meister verborgen, ein sanfter Übergang von einem Bild zum anderen.

Die Tlingits lebten im regnerischen und nebligen Klima der Meeresküste und stellten spezielle Umhänge aus Grasfasern und Zedernbast her, die Ponchos ähnelten. Sie dienten als zuverlässiger Schutz vor Regen. Zu den monumentalen Kunstwerken gehörten Felsmalereien, Gemälde an Hauswänden und Totempfähle. Die Bilder auf den Säulen werden in einem Stil erstellt, der bilateral (zweiseitig) genannt wird. Die Indianer Nordamerikas verwendeten den sogenannten Skelettstil zum Anbringen von Zeichnungen auf Ritualgegenständen, Keramik und auch bei der Erstellung von Felsmalereien. Auf dem Gebiet der Malerei, wie auch bei Schmuck, Korbwaren und Keramik, stand die südwestliche Region an der Spitze der Renaissance der amerikanischen Ureinwohner, die in zu sehen ist in letzter Zeit

. Seine Führung war zum Teil darauf zurückzuführen, dass die Menschen in der Region die Zerstörung ihrer Lebensweise und Kultur, mit der die Stämme an der Ost- und Westküste konfrontiert waren, sowie die vollständige Vertreibung und Vertreibung aus ihren Heimatgebieten, die die Ebenen und den Südosten darstellten, vermieden haben Inder erfahren. Die Indianer des Südwestens erlebten Demütigung und Armut sowie Zeiten bitteren Exils und Exils; aber im Großen und Ganzen gelang es ihnen, auf dem Land ihrer Vorfahren zu bleiben und eine gewisse Kontinuität des Lebensstils und der Kultur aufrechtzuerhalten. In einem kleineren Land würde eine solch originelle Bewegung sicherlich sofortige und langfristige Anerkennung erfahren. Ein halbes Jahrhundert lang schufen indianische Künstler des Südwestens bemerkenswerte Werke voller lebendiger Originalität. Das Interesse an ihnen sowie an der indischen Literatur lässt auf eine zunehmende Rolle der indischen Kunst in der gesamten amerikanischen Kultur hoffen., das die Indianer besaßen. Als Ergebnis ihrer Bemühungen wurde 1923 die Academy of Indian Fine Arts gegründet. Sie half Künstlern auf jede erdenkliche Weise, organisierte Ausstellungen und am Ende wurde Santa Fe zu einem der wichtigsten Zentren der bildenden Kunst in den Vereinigten Staaten, mit gleichermaßen wichtig sowohl für indianische als auch für weiße Künstler.

Überraschenderweise war San Ildefonso, eine kleine Pueblo-Siedlung, in der zu dieser Zeit der Stern aufging, die Wiege der modernen indischen Kunst berühmte Meister Keramik von Julio und Maria Martinez. Auch heute noch ist San Ildefonso eines der kleinsten Pueblos; seine Bevölkerung beträgt nur 300 Menschen. Noch überraschender ist, dass als Begründer der Bewegung zur Wiederbelebung der indischen Kunst Crescencio Martinez gilt, Cousin Maria Martinez. Crescentio (Wohnsitz des Elchs) war einer der jungen indischen Künstler, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts. experimentierte mit Wasserfarben nach dem Vorbild der Weißmaler. Im Jahr 1910 war er bereits sehr erfolgreich tätig und erregte die Aufmerksamkeit der Organisatoren der Santa-Fe-Bewegung. Leider verstarb er während der Epidemie viel zu früh an der Spanischen Grippe; Dies geschah im Jahr 1918, als er erst 18 Jahre alt war. Aber seine Initiative wurde fortgesetzt; bald arbeiteten 20 junge Künstler in San Ildefonso; Zusammen mit talentierten Töpfern arbeiteten sie erfolgreich in diesem kleinen Athen am Ufer des Rio Grande.

Ihr kreativer Impuls breitete sich auf die umliegenden Pueblos aus und erreichte schließlich die Apachen und Navajos, die sie in dieses „kreative Fieber“ hineinzogen. In San Ildefonso selbst trat ein weiterer berühmter Künstler auf – es war Crescenzios Neffe namens Ava Tsire (Alfonso Roybal); Er war der Sohn eines berühmten Töpfers und hatte Navajo-Blut in seinen Adern. Von anderen herausragende Meister Künste der Zeit eines echten Aufschwungs kreativer Energie, der in den 20er und 30er Jahren beobachtet wurde. Im 20. Jahrhundert können wir die Tao-Indianer Chiu Ta und Eva Mirabal aus dem Taos-Pueblo, Ma Pe Wee aus dem Zia-Pueblo, Rufina Vigil aus Tesuque, To Powe aus San Juan und den Hopi-Indianer Fred Kaboti nennen. Gleichzeitig entstand eine ganze Galaxie von Künstlern des Navajo-Stammes, die für ihre Fähigkeit zur schnellen Assimilation und originellen, originellen Verarbeitung bekannt sind kreative Ideen; Hier sind die Namen der bekanntesten von ihnen: Keats Begay, Sybil Yazzie, Ha So De, Quincy Tahoma und Ned Nota. Apropos Apachen: Alan Houser sollte erwähnt werden. Und als ob das Ganze noch krönender wäre, haben die Plains gleichzeitig ihr eigenes geschaffen Kunstschule Kiowas mit finanzieller Unterstützung weißer Enthusiasten; Als Gründer dieser Schule gilt George Kibone. Und der Sioux-Indianerkünstler Oscar Howie beeinflusste die Entwicklung aller indischen bildenden Künste.

Heute ist die Kunst der amerikanischen Ureinwohner einer der am schnellsten und am stärksten wachsenden Zweige im Stammbaum der amerikanischen Bildhauerei und Malerei.

Der moderne indische Künstler steht abstrakten und semi-abstrakten Motiven nahe, die ihm aus traditionellen indischen Mustern auf Lederwaren aus Perlen und Stachelschweinfedern sowie auf Keramik bekannt sind. Künstler der amerikanischen Ureinwohner zeigen ein wachsendes Interesse an ihrer Vergangenheit und versuchen, die geheimnisvollen geometrischen Bilder auf antiken Keramiken neu zu überdenken und darauf basierend neue kreative Ansätze und Lösungen zu finden. Sie studieren Trends in der modernen Kunst wie Realismus und Perspektive, um darauf basierend ihren eigenen, originellen Stil zu finden. Sie versuchen, Realismus mit von der Natur inspirierten Fantasiemotiven zu verbinden und sie in einen begrenzten zweidimensionalen Raum zu platzieren, was wiederum eine Analogie zur Kunst des alten Ägypten hervorruft. Seit der Antike verwendeten indische Künstler helle, reine, durchscheinende Farben, oft nur die Hauptbestandteile Farbpalette unter Beibehaltung der individuellen Farbsymbolik. Wenn also ein Weißer nach Meinung eines Weißen nur ein gewöhnliches Muster sieht, dann dringt der Inder, der das Bild betrachtet, viel tiefer in das Bild ein und versucht, die wahre Botschaft des Künstlers wahrzunehmen, der das Bild geschaffen hat.

In der Palette des indischen Künstlers ist kein Platz für dunkle Töne. Er verwendet keine Schatten und keine Licht- und Schattenverteilung (das sogenannte Licht- und Schattenspiel). Sie spüren die Weite, Reinheit der umgebenden Welt und Natur, die überschäumende Energie der Bewegung. In seinen Werken spürt man die Weiten des amerikanischen Kontinents, die in starkem Kontrast zu der düsteren, verschlossenen und beengten Atmosphäre stehen, die von den Gemälden vieler europäischer Künstler ausgeht. Die Werke des indischen Künstlers lassen sich, wenn auch nur stimmungsmäßig, wohl mit den lebensbejahenden und unendlich offenen Gemälden der Impressionisten vergleichen. Darüber hinaus zeichnen sich diese Gemälde durch einen tiefen spirituellen Inhalt aus. Sie scheinen nur naiv: Sie enthalten tiefe Impulse aus traditionellen religiösen Überzeugungen.

In den letzten Jahren haben indianische Künstler erfolgreich damit experimentiert abstrakte Richtung zeitgenössische Kunst, indem es es mit jenen abstrakten Motiven kombiniert oder zumindest so erscheinen lässt, die in Korbwaren und Keramik vorkommen, sowie mit ähnlichen Motiven religiöser Zeichen und Symbole. Auch auf dem Gebiet der Bildhauerei zeigten die Indianer Fähigkeiten; Es gelang ihnen, umfangreiche, ineinander übergehende Fresken zu fertigen und einmal mehr zu beweisen, dass ihr Talent und ihre Vorstellungskraft in fast jeder Form der modernen Kunst gefragt sein können und dass sie in jeder von ihnen ihre Originalität zeigen können.

Indische Kunst ist eine auf Details fokussierte Ästhetik; selbst scheinbar einfache Gemälde und Gravuren können die tiefste innere Bedeutung enthalten und die verborgene Absicht des Autors in sich tragen. Die ursprüngliche Kunst der Indianer ist in einer Reihe von Ländern (USA, Kanada, Uruguay, Argentinien usw.) praktisch ausgestorben; in anderen Ländern (Mexiko, Bolivien, Guatemala, Peru, Ecuador usw.) wurde es zur Grundlage Volkskunst Kolonialzeit und Neuzeit.

Kunstmythologie indisches Ornament

Eine Vielzahl nordamerikanischer indianischer Haushaltsgegenstände aus Holz oder Stein sind ebenfalls mit Tier- oder Menschenköpfen verziert oder weisen die verzerrte Form von Lebewesen auf. Zu diesen Utensilien gehören festliche Masken, deren phantastische Grimassen die Neigung der Fantasie dieses Volkes zum Schrecklichen verdeutlichen; dazu gehören auch graue Tonpfeifen mit darauf abgebildeten verzerrten Tierfiguren, ähnlich denen, die man in Melanesien findet; Zu dieser Art von Arbeiten zählen aber vor allem Töpfe, die für Speisen und Fett verwendet werden, sowie Trinkbecher in Form von Tieren oder Menschen. Tiere (Vögel) halten oft andere Tiere oder sogar kleine Menschen in ihren Zähnen (Schnäbeln). Das Tier steht entweder auf seinen Füßen, mit ausgehöhltem Rücken in Form eines Schiffchens, oder liegt auf dem Rücken, wobei dann der ausgehöhlte Bauch die Rolle des Gefäßes selbst übernimmt. In Berlin gibt es einen Trinkbecher in Form einer menschlichen Figur mit eingefallenen Augen und krummen Beinen.

Bildende Kunst und Ornamentik nordamerikanischer Indianer.

Die Bilder dieser Völker auf der Ebene sind im Allgemeinen grober und ungeschickter als ihre plastischen Werke. Die Gemälde auf einem indianischen Büffelzelt (Berliner Volkskundemuseum) stellen eine Jagd dreier Stämme dar, aber die Szene ist unzusammenhängend und unvollendet. Allerdings sind manche Tiere so eindringlich gezeichnet, dass sie uns unwillkürlich an die Nähe der Eskimos erinnern.

In der Kunst Nordamerikanische Indianer Die Verzierung ist von größter Bedeutung: Es handelt sich um die am weitesten entwickelte Augenverzierung auf der ganzen Welt, deren Symbolik, die eng mit religiösen Vorstellungen verbunden ist, jeden sofort in Erstaunen versetzt. Die Köpfe von Tieren und Menschen, egal wie stilisiert sie sind und wie sie in lineare Figuren verwandelt werden, zeichnen sich durch eine viel größere Spontaneität aus als die Ornamentik der Rarotonga-Tubuaya-Gruppe. Die Augen dieser Köpfe – ein besonders prominenter Teil der gesamten Ornamentik – kommen darin reichlich vor. In ihrem Motiv sind sie, wie Schurz ausführlich darlegte, nichts anderes als eine verkürzte Form des Kopfes, aus dem sie entstanden sind. Bei den Köpfen selbst handelt es sich lediglich um verkleinerte Formen ganzer Tier- und Menschenfiguren, die ursprünglich dargestellt wurden und die Reihen der Vorfahren darstellen sollten. Von überall her schauen uns Augen an: von Wänden und Waffen, von Kleidung und Rohren, von Sitzen und Bettdecken. Wie man anhand des Führerstuhls (Museum für Völkergeschichte Berlin) beurteilen kann, bilden der Rabe, der bei den Nordwestindianern als Verkörperung des Schöpfers der Welt gilt, die Sonne und die Augen, sich ständig wiederholend und seltsam kombiniert, die Grundlage eines reichen Systems rot-blau-schwarz-gelber Ornamentik. Ein überzeugendes Beispiel für die Vorherrschaft des Auges in der Ornamentik ist eine indische Decke, die sich im selben Museum befindet (Abb. 54); Ähnliches gibt es im Bremer Museum.

Reis. 54 – Indische Tagesdecke mit Augenverzierung.

Indische Felsmalereien in Kalifornien

Ohne Westamerika vorerst zu verlassen, wenden wir uns gen Süden nach Kalifornien. Hier stoßen wir sofort auf zahlreiche in Felsen geritzte Zeichnungen, die an vielen Orten in Amerika gefunden wurden und einen Lichtblick auf die Kultur der zivilisierten Indianer werfen, die zur Zeit der europäischen Invasion lebten. Die kalifornischen „Petroglyphen“ und die nordargentinischen „Kolchakvi“ bedecken Steine und Felsen auf die gleiche Weise wie die schwedischen Hällristningar und ihre Vorgänger, Grübchen und Markierungen auf den sogenannten „Chug Stones“. Doch während in prähistorischen schwedischen Zeichnungen auf Steinen ein bildlicher, piktografischer Charakter vorherrscht, überwiegt bei amerikanischen Bildern dieser Art der geschriebene, ideografische Charakter, der auch in anderen indischen Zeichnungen spürbar ist.

Aber neben diesen Zeichnungen auf Felsen, wie zum Beispiel der figurativen Schrift in Kalifornien, gibt es auch echte Gemälde von Schlachten und Jagden, die in schwarzen, weißen, roten und gelben Erdfarben gemalt sind und an manchen Stellen große Flächen auf den Felsen bedecken, auf den Felsen, unter ihren Überhängen und an den Eingängen von Höhlen. Die Tiere auf diesen Bildern sind bei weitem nicht so natürlich und lebendig wie die Tiere auf ähnlichen Gemälden der Buschmänner. Die Darstellung der Menschen erfolgt meist frontal, mit erhobenen Armen, aber unbeholfen, in Form von Silhouetten. Es ist merkwürdig, dass einige Figuren halb schwarz, halb rot bemalt sind, und diese Färbung erfolgt entweder längs, wie zum Beispiel in der Höhle von San Borgita und unter dem Baldachin des Felsens von San Juan, oder quer, wie in Palmarito , am Osthang der Sierra -de San Francisco. Der Zusammenhang zwischen den ungünstig nebeneinander platzierten Figuren muss größtenteils erraten werden. Leon Dicke listet mindestens dreißig Orte in Baja California auf, an denen ähnliche Bilder gefunden wurden.

Nach diesem Treffen interessierte sich Curtis für die Kultur der Indianerstämme und dokumentierte viele Jahre lang ihr Leben. Bald schloss sich der Fotograf einer Expedition an, mit der er Stämme in Alaska und Montana besuchte.

Im Jahr 1906 begann Edward Curtis mit dem wohlhabenden Finanzier J.P. Morgan zusammenzuarbeiten, der sich für Finanzierungen interessierte Dokumentarfilmprojektüber die indigenen Völker des Kontinents. Sie planten die Veröffentlichung einer 20-bändigen Fotoserie mit dem Titel „Nordamerikanische Indianer“.

Mit Morgans Unterstützung reiste Curtis über 20 Jahre lang durch Nordamerika. Er fertigte über 40.000 Bilder von mehr als 80 verschiedenen Stämmen an und sammelte außerdem 10.000 Wachszylinder, auf denen Beispiele indianischer Sprache, Musik, Lieder, Geschichten, Legenden und Biografien aufgezeichnet waren.

Bei seinen Bemühungen, das, was er als verschwindende Lebensweise ansah, einzufangen und aufzuzeichnen, beeinträchtigte Curtis manchmal die dokumentarische Wahrhaftigkeit der Bilder. Er arrangierte inszenierte Dreharbeiten und versetzte seine Figuren in romantisierte Verhältnisse, ohne Anzeichen von Zivilisation. Die Bilder entsprachen eher den Vorstellungen über die präkolumbianische Existenz als echtes Leben in diesem Moment.

Das großformatige Werk von Edward Curtis ist eines der beeindruckendsten historische Beschreibungen Indisches Leben zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

1904 Eine Gruppe Navajo-Indianer im Canyon de Chelly, Arizona.

1905 Anführer des Sioux-Volkes.

1908 Mutter und Kind vom Stamm der Apsaroke.

1907 Luzi vom Papago-Stamm.

1914 Eine Kwagul-Frau, die eine Decke mit Fransen und die Maske eines verstorbenen Verwandten trägt, der ein Schamane war.

1914 Hakalahl ist der Häuptling des Nakoaktok-Stammes.

1910 Eine Kwakiutl-Frau fängt in Washington eine Abalone.

1910 Pigan-Mädchen sammeln Goldrute.

1907 Ein Mädchen vom Stamm der Kahatika.

1910 Ein junger Indianer vom Stamm der Apachen.

1903 Escadi vom Stamm der Apachen.

1914 Vertreter des Kwakiutl-Volkes in einem Kanu in British Columbia.

1914 Kwakiutl-Indianer in einem Kanu in British Columbia.

1914 Die Kwakiutl-Indianer kamen zur Hochzeit in Kanus an.

1914 Ein Kwakiutl-Schamane führt ein religiöses Ritual durch.

1914 Ein Coskimo-Indianer, der während der Numlim-Zeremonie einen Pelzanzug und eine Hami-Maske („gefährliches Ding“) trägt.

1914 Ein Kwagul-Indianer tanzt in einem Paqusilahl-Outfit (Inkarnation eines Mannes von der Erde).

1914 Kwagul-Indianer im Bärenkostüm.

1914 Tänzer des Kwagul-Stammes.

1914 Ritueller Tanz der Nacoaktok-Indianer mit Hamatsa-Masken.

1910 Indianer vom Stamm der Apachen.

„Mit dem Tod jedes alten Mannes oder jeder alten Frau bleiben bestimmte Traditionen und Kenntnisse heiliger Riten von der Welt übrig, die niemand sonst besaß ... Es ist daher notwendig, Informationen zum Wohl künftiger Generationen und als Zeichen zu sammeln.“ Respekt vor der Lebensweise einer der großen Menschheitsrassen. Es ist notwendig, Informationen sofort zu sammeln, sonst geht diese Chance für immer verloren.“
Edward Curtis

1907 Indischer Hohlhornbär vom Brule-Stamm.