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Blues

(Melancholie, Traurigkeit) - zunächst - ein lyrisches Sololied amerikanischer Schwarzer, später - eine Richtung in der Musik.

In den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts entstand der klassische Blues, der auf einer 12-taktigen Periode basierte, die einer dreizeiligen poetischen Form entsprach. Blues war ursprünglich Musik, die von Schwarzen für Schwarze gespielt wurde. Nach dem Aufkommen des Blues im Süden der USA begann er sich im ganzen Land auszubreiten.

Die Blues-Melodie zeichnet sich durch eine Frage-Antwort-Struktur und die Verwendung der Blues-Skala aus.

Der Blues hatte großen Einfluss auf die Entstehung der Jazz- und Popmusik. Elemente des Blues wurden von Komponisten des 20. Jahrhunderts verwendet.

Archaischer Jazz

Archaischer (früher) Jazz– Bezeichnung der ältesten, traditionellen Jazzarten, die es seit der Mitte des letzten Jahrhunderts in einigen Südstaaten der USA gibt.

Der archaische Jazz wurde insbesondere durch die Musik schwarzer und kreolischer Blaskapellen des 19. Jahrhunderts repräsentiert.

Die Zeit des archaischen Jazz ging der Entstehung des New Orleans (klassischen) Stils voraus.

New Orleans

Die amerikanische Heimat, in der der Jazz selbst entstand, gilt als Stadt der Lieder und Musik – New Orleans.
Obwohl es einige Diskussionen darüber gibt, dass der Jazz in ganz Amerika und nicht nur in dieser Stadt entstanden ist, entwickelte er sich hier am stärksten. Darüber hinaus wiesen alle alten Jazzmusiker auf das Zentrum hin, das sie als New Orleans betrachteten. New Orleans bot das günstigste Umfeld für die Entwicklung dieses Musiktrends: Es gab eine große schwarze Gemeinschaft und ein großer Prozentsatz der Bevölkerung waren Kreolen; Hier entwickelten sich aktiv viele Musikrichtungen und Genres, deren Elemente später in Werke aufgenommen wurden berühmter Jazz Austausch Verschiedene Gruppen entwickelten ihre eigenen Musikstile und Afroamerikaner schufen aus einer Kombination von Bluesmelodien, Ragtime und ihren eigenen Traditionen eine neue Kunst, die keine Analogien hat. Die ersten Jazzaufnahmen bestätigen das Vorrecht von New Orleans bei der Entstehung und Entwicklung der Jazzkunst.

Dixieland

(Dixie Country) ist eine umgangssprachliche Bezeichnung für die Südstaaten der Vereinigten Staaten, eine der Spielarten des traditionellen Jazz.

Die meisten Blues-Sänger, Boogie-Woogie-Pianisten, Jazzmusiker und Jazzbands kamen aus dem Süden nach Chicago und brachten die Musik mit, die bald den Spitznamen „Dixieland“ erhielt.

Dixieland– die weiteste Bezeichnung Musikstil die frühesten Jazzmusiker aus New Orleans und Chicago, die zwischen 1917 und 1923 Schallplatten aufnahmen.

Einige Historiker führen Dixieland nur auf die Musik weißer Bands zurück, die im New Orleans-Stil spielten.

Dixieland-Musiker suchten nach einer Wiederbelebung des klassischen New Orleans Jazz.

Diese Versuche waren erfolgreich.

Boogie Woogie

Piano-Blues-Stil, eine der frühesten Spielarten schwarzer Instrumentalmusik.

Ein Stil, der sich für ein breites Zuhörerpublikum als sehr zugänglich erwies.

Vollstimmig Boogie-Woogie-Stil entstand aufgrund des zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstandenen Bedarfs, Pianisten einzustellen, um Orchester in preiswerten Honky-Tonk-Cafés zu ersetzen. Um ein ganzes Orchester zu ersetzen, erfanden Pianisten verschiedene rhythmische Spielweisen.

Charakteristische Merkmale: Improvisation, technische Virtuosität, eine besondere Art der Begleitung – motorische Ostinato-Figuration in der linken Hand, eine Lücke (bis zu 2-3 Oktaven) zwischen Bass und Melodie, Kontinuität der rhythmischen Bewegung, Verzicht auf die Verwendung eines Pedals .

Vertreter des klassischen Boogie-Woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

Folk-Blues

Archaisch akustischer Blues, basierend auf der ländlichen Folklore der schwarzen Bevölkerung der Vereinigten Staaten, im Gegensatz zum klassischen Blues, der überwiegend städtische Existenzen hatte.

Folk-Blues- Dies ist eine Art Blues, der in der Regel nicht auf elektrischen Musikinstrumenten gespielt wird. Es deckt ab große Auswahl Spiele und Musikstile können unprätentiöse, einfache Musik umfassen, die auf Mandoline, Banjo, Mundharmonika und anderen nicht-elektrischen Instrumenten gespielt wird, die wie Jug-Bands gestaltet sind und den Eindruck einer rauen, etwas informellen Musik vermitteln. Mit einem Wort, das ist echte Volksmusik, gespielt vom Volk und für das Volk.

Im Folk-Blues gab es einflussreichere Sänger als Blind Lemon Jefferson, Charley Patton und Alger Alexander.

Seele

(wörtlich – Seele); der beliebteste Musikstil der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts, der sich aus der Kultmusik amerikanischer Schwarzer entwickelte und viele Elemente des Rhythm and Blues entlehnte.

Es gibt mehrere Trends in der Soulmusik, von denen die wichtigsten der sogenannte „Memphis“- und „Detroit“-Soul sowie der „weiße“ Soul sind, der vor allem für Musiker aus Europa charakteristisch ist.

Funk

Der Begriff entstand im Jazz der 50er Jahre des 20. Jahrhunderts. Der „Funk“-Stil ist eine direkte Fortsetzung der „Soul“-Musik. Eine der Formen des Rhythm and Blues.

Die ersten Interpreten dessen, was später als „Funk“-Musik klassifiziert wurde, waren Jazzmusiker, die in den späten 50er und frühen 60er Jahren eine energiegeladenere, spezifischere Art von Jazz spielten.

Funk ist in erster Linie Tanzmusik, die ihre musikalischen Eigenschaften bestimmt: die extreme Synkopierung der Stimmen aller Instrumente.

Funk zeichnet sich durch eine prominente Rhythmusgruppe, eine scharf synkopierte Bassgitarrenlinie, Ostinato-Riffs als melodisch-thematische Grundlage der Komposition, einen elektronischen Sound, beschwingten Gesang und ein schnelles Musiktempo aus.

James Brown und George Clinton gründeten mit den Gruppen PARLAMENT/FUNKDEIC eine experimentelle Funk-Schule.

Klassische Funk-Platten stammen aus der Wende der 1960er und 1970er Jahre.

kostenloser Funk

Kostenloser Funk– eine Mischung aus Avantgarde-Jazz mit Funk-Rhythmen.

Als Ornette Coleman Prime Time gründete, wurde daraus ein „Doppelquartett“ (bestehend aus zwei Gitarristen, zwei Bassisten und zwei Schlagzeugern sowie seinem Alt), das Musik in freien Tonarten, aber mit exzentrischen Funk-Rhythmen spielte. Drei Mitglieder von Colemans Band (Gitarrist James Blood Ulmer, Bassist Jamaaladin Takuma und Schlagzeuger Ronald Shannon Jackson) gründeten später ihre eigenen Free-Funk-Projekte, und Free-Funk war ein großer Einfluss von M-Bass-Künstlern, darunter den Bratschisten Steve Coleman und Greg Osby.
Swing

Bop- ein Jazzstil, der sich Mitte der 40er Jahre des 20. Jahrhunderts entwickelte und sich durch ein schnelles Tempo und komplexe Improvisationen auszeichnet, die eher auf Harmonie als auf Melodie basieren. Bebop revolutionierte den Jazz; Boppers schufen neue Ideen darüber, was Musik ist.

Die Bebop-Phase markierte eine deutliche Verlagerung des Schwerpunkts des Jazz von melodiebasierter Tanzmusik hin zur weniger populären, eher rhythmusbasierten „Musik für Musiker“. Bop-Musiker bevorzugten komplexe Improvisationen, die auf klimpernden Akkorden statt auf Melodien basierten.

Bebop war schnell, hart und „grausam gegenüber dem Zuhörer“.

Jazz-Progressiv

Parallel zur Entstehung des Bebop entwickelte sich der Jazz neues Genre- progressiver Jazz. Der Hauptunterschied dieses Genres ist der Wunsch, sich vom eingefrorenen Klischee der Big Bands und veralteten Techniken der sogenannten Big Bands zu lösen. Symphonischer Jazz.

Musiker, die progressiven Jazz spielten, versuchten, Swing-Phrasen-Modelle zu aktualisieren und zu verbessern, indem sie Kompositionen in die Praxis einführten neueste Errungenschaften Europäische Symphonie auf dem Gebiet der Tonalität und Harmonie. Den größten Beitrag zur Entwicklung von „Progressive“ leistete Stan Kenton. Der Klang der von seinem ersten Orchester dargebotenen Musik ähnelte dem Stil Sergej Rachmaninows, und die Kompositionen trugen Züge der Romantik.

Die Reihe der aufgenommenen Alben „Artistry“, „Miles Ahead“ und „Spanish Drawings“ kann als eine Art Apotheose der Entwicklung progressiver Musik angesehen werden.

(Cooler Jazz), einer der Stile des modernen Jazz, der an der Wende der 40er und 50er Jahre des 20. Jahrhunderts auf der Grundlage der Entwicklung der Errungenschaften von Swing und Bop entstanden ist.

Der Trompeter Miles Davis, ein früher Pionier des Bebop, wurde zum Innovator des Genres.

Cool Jazz zeichnet sich durch Merkmale wie eine leichte, „trockene“ Klangfarbe, Zeitlupe und eingefrorene Harmonie aus, die die Illusion von Raum erzeugt. Auch Dissonanzen spielten eine gewisse Rolle, allerdings mit einem sanfteren, gedämpften Charakter.

Der Saxophonist Lester Young führte als Erster den Begriff „cool“ ein.

Am meisten berühmte Musiker kula – Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, „Shorty“ Rogers .
Mainstream

(buchstäblich - Hauptstrom); ein Begriff in Bezug auf eine bestimmte Periode des Swing, in der es den Künstlern gelang, die etablierten Klischees dieses Stils zu vermeiden und die Traditionen des Black Jazz fortzuführen und Elemente der Improvisation einzuführen.

Der Mainstream zeichnet sich durch eine einfache, aber ausdrucksstarke Melodielinie, traditionelle Harmonie und einen klaren Rhythmus mit ausgeprägtem Drive aus.

Hauptdarsteller: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins und die Big-Band-Leader Duke Ellington und Benny Goodman.

(harter, harter Bop), Stilrichtung des modernen Jazz.

Es ist eine Fortsetzung der Traditionen des klassischen Rhythm and Blues und Bebop.

Er entstand in den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf den Akademismus und die europäische Ausrichtung des Cool- und Westcoast-Jazz, der zu dieser Zeit seine Blütezeit erreicht hatte.

Die charakteristischen Merkmale des frühen Hard Bop sind das Vorherrschen einer streng akzentuierten rhythmischen Begleitung, die Stärkung von Blues-Elementen in Intonation und Harmonie, die Tendenz, das Gesangselement in der Improvisation offenzulegen, und eine gewisse Vereinfachung der Musiksprache.

Die Hauptvertreter des Hard Bop sind überwiegend schwarze Musiker.

Das erste Ensemble dieser Stilrichtung, das auf Schallplatten aufgenommen wurde, war Art Blakeys Quintett JAZZ MESSENGERS (1954).

Weitere führende Musiker: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

(wörtlich – Fusion, Fusion), eine moderne Stilrichtung, die auf der Grundlage des Jazzrock entstand, einer Synthese aus Elementen europäischer akademischer Musik und außereuropäischer Folklore. Ausgehend von der Fusion von Jazz mit Popmusik und Rock entstand Ende der 1960er Jahre Fusion als Musikgenre unter dem Namen Jazz-Rock.

Larry Coryell, Tony Williams und Miles Davis führten Elemente wie Elektronik, Rockrhythmen und ausgedehnte Tracks ein und eliminierten dabei einen Großteil dessen, worauf der Jazz basierte – den Swing-Beat.

Eine weitere Änderung gab es im Bereich des Rhythmus, wo der Swing entweder überarbeitet oder ganz ignoriert wurde. Pulsation und Metrum waren bei der Interpretation des Jazz kein wesentliches Element mehr.

Free Jazz existiert bis heute als praktikable Ausdrucksform und ist tatsächlich kein so umstrittener Stil mehr, wie er in seinen Anfängen wahrgenommen wurde.

Die Verschmelzung lateinischer rhythmischer Elemente war im Schmelztiegel der Kulturen, der in New Orleans entstand, fast von Anfang an präsent. Der Einfluss der lateinamerikanischen Musik verbreitete sich im Jazz nicht nur auf Orchester und Bands mit erstklassigen Latino-Improvisatoren, sondern auch auf eine Kombination aus lokalen und lateinamerikanischen Künstlern, wodurch einige der aufregendsten Bühnenmusiken entstanden.

Und doch sehen wir heute eine Mischung aus allem mehr Weltkulturen, die uns ständig dem näher bringen, was im Wesentlichen bereits zur „Weltmusik“ wird ( Weltmusik).

Der heutige Jazz kann nicht mehr anders, als von Klängen beeinflusst zu werden, die aus fast allen Ecken in ihn eindringen Globus.

Potenzielle Chancen Weiterentwicklung Jazz ist derzeit ziemlich groß, da die Wege zur Talententwicklung und die Ausdrucksmittel unvorhersehbar sind und sich durch die gemeinsamen Anstrengungen verschiedener Jazz-Genres, die heute gefördert werden, vervielfachen.

Jazz- eine Art Musikkunst, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert als Ergebnis der Vermischung der afrikanischen Musikkultur der schwarzen Sklaven mit der europäischen entstand. Von der ersten Kultur entlehnte diese Art von Musik Improvisation, Rhythmus, wiederholte Wiederholung des Hauptmotivs und von der zweiten - Harmonie, Klänge in Moll und Dur. Es ist erwähnenswert, dass Elemente der Folklore afrikanischer Sklaven, die nach Amerika gebracht wurden, wie rituelle Tänze, Arbeits- und Kirchenlieder sowie Blues, sich auch in Jazzmelodien widerspiegelten.

Über den Ursprung des Jazz wird immer noch gestritten. Es ist sicher bekannt, dass es sich von den USA aus in der ganzen Welt verbreitete, und seine klassische Richtung hatte seinen Ursprung in New Orleans, wo die Original Dixieland Jazz Band am 26. Februar 1917 die erste Jazzplatte aufnahm.

Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts kam es in den Südstaaten der Vereinigten Staaten zu Musikensembles, der originelle Improvisationen zu den Themen Blues, Ragtime und europäische Lieder vorführte. Sie wurden „Jazzband“ genannt, woher auch das Wort „Jazz“ kam. Zu diesen Gruppen gehörten Musiker, die verschiedene Instrumente spielten, darunter Trompete, Klarinette, Posaune, Banjo, Tuba, Kontrabass, Schlagzeug und Klavier.

Jazz weist mehrere charakteristische Merkmale auf, die ihn von anderen Musikgenres unterscheiden:

• Rhythmus;
• Swing;
• Instrumente, die die menschliche Sprache imitieren;
• eine Art „Dialog“ zwischen Instrumenten;
• spezifischer Gesang, Intonation, die an ein Gespräch erinnert.

Jazz ist zu einem festen Bestandteil geworden Musikindustrie, die sich auf der ganzen Welt ausbreitet. Die Popularität von Jazzmelodien hat zur Gründung einer großen Anzahl von Ensembles geführt, die sie aufführen, sowie zur Entstehung neuer Richtungen in diesem Musikgenre. Heute sind mehr als 30 solcher Stile bekannt, darunter Blues, Soul, Ragtime, Swing, Jazz-Rock und Symphonic Jazz.

Wer sich die Grundlagen dieser Musikkunst aneignen möchte, entscheidet sich für den Kauf einer Klarinette, Trompete, Banjo, Posaune oder jedes andere Jazzinstrument ist ein hervorragender Einstieg in die Beherrschung dieses Genres. Später wurde das Saxophon in Jazzorchester und -ensembles integriert, das heute sogar in einem Online-Shop erworben werden kann. Zusätzlich zu den aufgeführten Instrumenten kann eine Jazzgruppe auch ethnische Musikinstrumente umfassen.

Jazz ist ein Musikphänomen des 20. Jahrhunderts

Jazz ist ein bedeutender Teil der amerikanischen Musikkultur. Auf der Grundlage der Volksmusik und der Musik schwarzer Amerikaner entstanden, entwickelte sich Jazz zu einer eigenständigen Berufskunst, die einen wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der modernen Musik ausübte.

Jazzmusik wurde als amerikanische Kunst bezeichnet, als Amerikas Beitrag zur Kunst. Jazz erlangte auch bei denjenigen Anerkennung, die hauptsächlich in den Traditionen der westeuropäischen Konzertmusik aufgewachsen waren.

Heute hat Jazz Anhänger und Interpreten in allen Teilen der Welt und ist in die Kultur aller Länder eingedrungen. Man kann mit Recht sagen, dass Jazz eine Weltmusik ist und in dieser Hinsicht die erste.

Jazz (englischer Jazz) entwickelte sich in den Südstaaten der USA Wende des 19. Jahrhunderts– XX Jahrhunderte als Ergebnis der Synthese europäischer und afrikanischer Musikkultur. Die Träger der afrikanischen Kultur waren Amerikanische Schwarze- Nachkommen von aus Afrika verschleppten Sklaven. Dies manifestierte sich in rituellen Tänzen, Arbeitsliedern, spirituellen Hymnen – Spirituals, lyrischem Blues und Ragtime, Gospelliedern (Negerpsalmen), die im 18. – 20. Jahrhundert im Zuge der Assimilation der Kultur der weißen Bevölkerung durch Schwarze entstanden Vereinigte Staaten.

Die Hauptmerkmale des Jazz sind die grundlegende Rolle des Rhythmus, das regelmäßige metrische Pulsieren oder „Beat“ (engl. beat – schlagen), melodische Akzente, die ein Gefühl wellenartiger Bewegung (Swing) erzeugen, improvisatorischer Beginn usw. Jazz ist es auch bezeichnet ein Orchester, das hauptsächlich aus Blas-, Schlag- und Geräuschinstrumenten besteht und dazu bestimmt ist, solche Musik aufzuführen.

Jazz ist par excellence darstellende Künste. Dieses Wort erschien erstmals 1913 in einer der Zeitungen von San Francisco, 1915 wurde es Teil des Namens von T. Browns Jazzorchester, das in Chicago auftrat, und 1917 erschien es auf einer Schallplatte, die vom berühmten New Orleans Orchestra aufgenommen wurde Original DixieIand Jazz (Jass) Band.

Der Ursprung des Wortes „Jazz“ selbst ist eher unklar. Dennoch besteht kein Zweifel. Dass es zu der Zeit, als man begann, es auf diese Art von Musik anzuwenden – um 1915 – eine eher vulgäre Bedeutung hatte. Es sollte betont werden, dass dieser Name der Musik ursprünglich von Weißen gegeben wurde, um ihre Verachtung dafür zu zeigen.

Zunächst war das Wort „Jazz“ nur in der Kombination „Jazzband“ zu hören, womit ein kleines Ensemble bestehend aus Trompete, Klarinette, Posaune und Rhythmusgruppe gemeint war (es konnte sich um ein Banjo oder eine Gitarre, eine Tuba oder einen Kontrabass handeln). , interpretiert die Melodien von Spirituals und Ragtime, Blues und populären Liedern. Die Aufführung war eine kollektive polyphone Improvisation. Später blieb die kollektive Improvisation nur noch in der Eröffnungs- und Schlussepisode erhalten, und im Rest war eine Stimme der Solist, unterstützt von der Rhythmusgruppe und dem einfachen Akkordklang der Blasinstrumente.

Im Europa des 18. Jahrhunderts, als Improvisation ein übliches Merkmal musikalischer Darbietungen war, improvisierte nur ein Musiker (oder Sänger). Im Jazz können bei einiger Vereinbarung sogar acht Musiker gleichzeitig improvisieren. Genau das geschah im frühesten Stil des Jazz – in den sogenannten Dixieland-Ensembles.

Der Blues ist die wichtigste und einflussreichste aller afroamerikanischen Idiome für den Jazz. Der im Jazz verwendete Blues spiegelt nicht unbedingt Traurigkeit oder Traurigkeit wider. Diese Form ist eine Kombination aus Elementen afrikanischer und europäischer Traditionen. Blues wird mit melodischer Spontaneität und hoher Emotionalität gesungen. In den frühen 20er Jahren und vielleicht schon früher wurde Blues nicht nur zu einem Gesangs-, sondern auch zu einem Instrumentalgenre.

Authentischer Ragtime erschien Ende der 1890er Jahre. Es erfreute sich sofort großer Beliebtheit und unterlag allerlei Vereinfachungen. Im Kern war Ragtime Musik, die auf Instrumenten gespielt wurde, deren Tastatur der eines Klaviers ähnelte. Es besteht kein Zweifel, dass der Cakewalk-Tanz (der ursprünglich auf einer eleganten, stilisierten Parodie auf die niedlichen Manierismen weißer Südstaatler basierte) älter war als der Ragtime, also musste es Cakewalk-Musik geben.

Es gibt sogenannte New Orleans- und Chicago-Jazzstile. Die Ureinwohner von New Orleans schufen die berühmtesten Ensembles und Werke des Jazz. Der frühe Jazz wurde meist von kleinen Orchestern mit 5 bis 8 Instrumenten aufgeführt und zeichnete sich durch einen spezifischen Instrumentalstil aus. Gefühle durchdringen den Jazz, daher die größere emotionale Erhebung und Tiefe. In seiner letzten Phase verlagerte sich das Zentrum der Jazzentwicklung nach Chicago. Ihre prominentesten Vertreter waren die Trompeter Joe King Oliver und Louis Armstrong, die Klarinettisten J. Dodds und J. Nui, der Pianist und Komponist Jelly Roll Morton, der Gitarrist J. St. Cyr und der Schlagzeuger Warren Baby Dodds.

Die Aufführung von Stücken einer der ersten Jazzgruppen – der Original Dixieland Jazz-Band – wurde 1917 auf Schallplatten aufgezeichnet, und 1923 begann die systematische Aufnahme von Jazzstücken.

Unmittelbar nach dem Ende des Ersten Weltkriegs wurde ein breiter Kreis der US-Öffentlichkeit mit dem Jazz bekannt. Seine Technik wurde von einer Vielzahl von Interpreten aufgegriffen und prägte die gesamte Unterhaltungsmusik in den USA und Westeuropa.

Von den 1920er bis Mitte der 1930er Jahre war es jedoch üblich, das Wort „Jazz“ wahllos auf fast alle Arten von Musik zu verwenden, die rhythmisch, melodisch und klanglich vom Jazz beeinflusst waren.

Symphojazz (dt. Simphojazz) ist eine Stilvariante des Jazz kombiniert mit symphonischer Musik des leichten Genres. Dieser Begriff wurde erstmals in den 1920er Jahren vom berühmten amerikanischen Dirigenten Paul Whiteman verwendet. In den meisten Fällen handelte es sich um Tanzmusik mit einem Hauch von „Salon“. Derselbe Whiteman initiierte jedoch die Entstehung und Uraufführung der berühmten „Rhapsody in Blue“ von George Gershwin, wo eine Fusion von Jazz und symphonische Musik Es stellte sich heraus, dass es äußerst organisch war. Es gab Versuche, eine ähnliche Synthese in neuer Qualität und zu einem späteren Zeitpunkt nachzustellen.

In den frühen 1930er Jahren wurde der New Orleans- und Chicago-Jazz durch den „Swing“-Stil ersetzt, der durch „Big Bands“ verkörpert wurde, die aus 3-4 Saxophonen, 3 Trompeten, 3 Posaunen und einer Rhythmusgruppe bestanden. Der Begriff „Swing“ stammt von Louis Armstrong und wurde verwendet, um den Stil zu definieren, in dem sein Einfluss stark spürbar war. Die Zunahme der Komposition machte es notwendig, auf die Aufführung vorgefertigter Arrangements umzusteigen, die auf Noten aufgezeichnet oder nach direkten Anweisungen des Autors direkt nach Gehör gelernt wurden. Die bedeutendsten Beiträge zum „Swing“ wurden von F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb und J. Landsford geleistet. Jeder von ihnen vereinte die Talente eines Orchesterleiters, Arrangeurs, Komponisten und Instrumentalisten. Ihnen folgten die Orchester von B. Goodman, G. Miller und anderen, die sich die technischen Errungenschaften schwarzer Musiker aneigneten.

Ende der 1930er Jahre hatte sich der „Swing“ erschöpft und verwandelte sich in eine Reihe formaler und technischer Techniken. Viele prominente Meister des „Swing“ beginnen, die Genres Kammer- und Konzertjazz zu entwickeln. In kleinen Ensembles erschaffen sie eine Reihe von Stücken, die sich gleichermaßen an das tanzende Publikum wie auch an einen relativ engen Kreis von Kennerhörern richten. Ellington nahm mit seinem Orchester die Suite „Reminiscence in Tempo“ auf, die den Jazz über die dreiminütige Tanznummer hinausführte.

Der entscheidende Wendepunkt kam Anfang der 40er Jahre, als eine Gruppe von Musikern eine neue Richtung des Jazz einführte und ihn das lautmalerische Wort „Bebop“ nannte. Er legte den Grundstein für den Modern Jazz (engl. Modern Jazz – Modern Jazz) – mit diesem Begriff werden üblicherweise die Stile und Trends des Jazz bezeichnet, die nach der Dominanz des Swing entstanden. Bebop markierte den endgültigen Bruch zwischen Jazz und dem Bereich der Unterhaltungsmusik. Künstlerisch ebnete er den Weg für die eigenständige Entwicklung des Jazz als einen Zweig der modernen Musikkunst.

In den 1940er Jahren war das Glenn Miller Orchestra das beliebteste Orchester. Der Verdienst für wahre Kreativität im Jazz dieser Jahre gebührt jedoch Duke Ellington, der laut einem Kritiker scheinbar jede Woche Meisterwerke hervorbrachte.

Ende der 40er Jahre entstand die Richtung des „coolen“ Jazz, die sich durch mäßige Klangfülle, Farbtransparenz und das Fehlen scharfer dynamischer Kontraste auszeichnete. Die Entstehung dieses Trends ist mit den Aktivitäten des Trompeters M. Davis verbunden. Anschließend wurde „Cool“-Jazz hauptsächlich von Gruppen praktiziert, die an der Westküste der Vereinigten Staaten arbeiteten.

Im Jazz der 40er und 50er Jahre wurde die harmonische Sprache immer chromatischer, sogar „neo-debussianisch“, und Musiker spielten komplexe populäre Melodien. Gleichzeitig bringen sie weiterhin die traditionelle Essenz des Blues zum Ausdruck. Und die Musik behielt und erweiterte die Lebendigkeit ihrer rhythmischen Basis.

Die wichtigsten Ereignisse in der Geschichte des Jazz drehen sich um die Komponisten, die die Musik synthetisieren und interpretieren allgemeine Formen, und dann um einzelne Musiker, erfinderische Solisten, die das Jazz-Vokabular regelmäßig aktualisieren. Manchmal sind diese Stufen austauschbar, von Mortons Synthese zu Armstrongs Innovationen, von Ellingtons Synthese zu Parkers Innovationen.

Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts nimmt die Zahl sehr unterschiedlicher künstlerischer Konzepte und Stile der Aufführung von Jazzmusik zu. Einen bemerkenswerten Beitrag zur Verbesserung der Technik der Jazzkomposition leistete das Ensemble Modern Jazz Quartet, das die Prinzipien des „Bebop“, des „Cool Jazz“ und der europäischen Polyphonie des 17.-18. Jahrhunderts synthetisierte. Dieser Trend führte zur Schaffung erweiterter Stücke für gemischte Orchester, darunter akademische Orchesterspieler und Jazzimprovisatoren. Dies vertiefte die Kluft zwischen Jazz und dem Bereich der Unterhaltungsmusik weiter und entfremdete große Teile der Öffentlichkeit völlig von ihr.

Auf der Suche nach einem geeigneten Ersatz wandte sich die tanzende Jugend dem Genre der alltäglichen schwarzen Musik „Rhythm-and-Blues“ zu, das ausdrucksstarke Gesangsdarbietungen im Blues-Stil mit energischer Trommelbegleitung und Hinweisen einer E-Gitarre oder eines Saxophons kombiniert. In dieser Form diente die Musik als Vorläufer des „Rock and Roll“ der 50er und 60er Jahre, der großen Einfluss auf die Komposition und Aufführung populärer Lieder hatte. „Boogie-Woogie“, der in den späten 1930er Jahren in den Vereinigten Staaten sehr beliebt war (tatsächlich ist er viel älter), ist ein Bluesstil, der auf dem Klavier gespielt wird.

Ende der 50er Jahre gesellte sich zu Rhythm and Blues ein weiteres beliebtes Genre – Soul, eine weltliche Version eines der Zweige der schwarzen Kirchenmusik.

Ein weiterer Trend im Jazz in den späten 60er und frühen 70er Jahren war auf das wachsende Interesse an Folklore und professioneller Musikkunst Asiens und Afrikas zurückzuführen. Es erscheinen eine Reihe von Theaterstücken verschiedener Autoren, die auf dem Material von Volksweisen und Tänzen aus Ghana, Nigeria, Sudan, Ägypten und den Ländern der Arabischen Halbinsel basieren.

In den späten 60er Jahren entwickelte sich in den USA unter dem Einfluss des schwarzen Musikers Miles Davis und seiner Schüler, die versuchten, ihre Musik klarer und zugänglicher zu machen, ein Genre der Jazzmusik, das traditionellen Rock nutzte. Der Boom des „intelligenten“ Rocks und die Neuheit des Stils machten ihn Mitte der 1970er Jahre äußerst beliebt. Der Jazzrock spaltete sich später in mehrere weitere auf spezifische Formen Einige seiner Anhänger kehrten zum traditionellen Jazz zurück, andere wandten sich der regelrechten Popmusik zu und nur wenige suchten weiterhin nach Wegen für eine tiefere Durchdringung von Jazz und Rock. Moderne Formen des Jazzrock sind besser bekannt als Fusion.

Die Entwicklung des Jazz verlief jahrzehntelang überwiegend spontan und maßgeblich durch das Zusammentreffen von Umständen bestimmt. Während das System der musikalischen Sprache des Jazz und die Prinzipien seiner Aufführung in erster Linie ein Phänomen der afroamerikanischen Kultur bleiben, erhalten sie allmählich einen internationalen Charakter. Jazz ist in der Lage, die künstlerischen Elemente jeder Musikkultur problemlos zu integrieren und dabei seine Originalität und Integrität zu bewahren.

Das Aufkommen des Jazz in Europa Ende der 1910er Jahre erregte sofort die Aufmerksamkeit führender Komponisten. Bestimmte Elemente der Struktur, Intonation und rhythmischen Wendungen und Techniken wurden in ihren Werken von C. Debussy, I. F. Strawinsky, M. Ravel, K. Weil und anderen verwendet.

Gleichzeitig war der Einfluss des Jazz auf das Werk dieser Komponisten begrenzt und von kurzer Dauer. In den USA entstand aus der Verschmelzung des Jazz mit der Musik der europäischen Tradition das Werk von J. Gershwin, der als prominentester Vertreter des symphonischen Jazz in die Musikgeschichte einging.

So lässt sich die Geschichte des Jazz anhand der Entwicklung der Rhythmusgruppen und der Beziehung der Jazzmusiker zur Trompetenpartie erzählen.

In den frühen 1920er-Jahren entstanden europäische Jazz-Ensembles, doch bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs waren sie aufgrund mangelnder Unterstützung durch ein Massenpublikum gezwungen, hauptsächlich Pop- und Tanzrepertoire aufzuführen. Nach 1945, in den nächsten 15 bis 20 Jahren in den meisten Hauptstädten und Großstädte Europa hat einen Kader von Instrumentalisten gebildet, die die Technik der Aufführung fast aller Formen des Jazz beherrschen: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dankworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kwasnitsky.

Jazz agiert in einem Umfeld, in dem er mit anderen Arten populärer Musik konkurriert. Gleichzeitig ist es eine so populäre Kunst, dass sie höchste und weithin akzeptierte Wertschätzung und Respekt genießt und die Aufmerksamkeit von Kritikern und Wissenschaftlern auf sich gezogen hat. Darüber hinaus wirken Veränderungen in anderen Genres der Popmusik manchmal wie eine Laune der Mode. Jazz seinerseits entwickelt und entwickelt sich. Seine Interpreten haben viel von der Musik der Vergangenheit übernommen und ihre Musik darauf aufgebaut. Und wie S. Dance sagte: „ die besten Musiker waren ihrem Publikum immer voraus“ .

Liste der verwendeten Literatur

Jazz-/Musik-Enzyklopädie. T. 2. S. 211-216.

Mikhailov J.K. Überlegungen zur amerikanischen Musik // USA. Wirtschaft, Politik, Ideologie. 1978. Nr. 12. S. 28-39.

Pereverzev L. Arbeitslieder des Negervolkes // Sov. Musik. 1963. Nr. 9. S. 125-128.

Troitskaya G. Sängerin im Jazz. Auf Tour ausländische Bühne// Theater. 1961. Nr. 12. S. 184-185.

Williams M. Eine kurze Geschichte des Jazz // USA. Wirtschaft, Politik, Ideologie. 1974. Nr. 10. S. 84-92. Nr. 11. S. 107–114.

Jazz - eine Form der Musikkunst, die Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts in den USA, in New Orleans, als Ergebnis der Synthese afrikanischer und afrikanischer Kunst entstand Europäische Kulturen und verbreitete sich anschließend. Die Ursprünge des Jazz waren der Blues und andere afroamerikanische Volksmusik. Die charakteristischen Merkmale der Musiksprache des Jazz waren zunächst Improvisation, Polyrhythmik auf der Grundlage synkopierter Rhythmen und eine einzigartige Reihe von Techniken zur Ausführung rhythmischer Texturen – Swing. Die Weiterentwicklung des Jazz erfolgte durch die Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Jazzmusiker und Komponisten. Die Genres des Jazz sind: Avantgarde-Jazz, Bebop, klassischer Jazz, Cool, Modal-Jazz, Swing, Smooth-Jazz, Soul-Jazz, Free-Jazz, Fusion, Hard Bop und viele andere.

Geschichte der Jazzentwicklung

Vilex College Jazz Band, Texas

Jazz entstand als Kombination mehrerer Musikkulturen und nationaler Traditionen. Ursprünglich stammt es aus Afrika. Jede afrikanische Musik zeichnet sich durch einen sehr komplexen Rhythmus aus; die Musik wird immer von Tanz begleitet, der aus schnellem Stampfen und Klatschen besteht. Auf dieser Grundlage entstand Ende des 19. Jahrhunderts eine weitere Musikrichtung – der Ragtime. Anschließend entstand aus Ragtime-Rhythmen in Kombination mit Blues-Elementen eine neue Musikrichtung – der Jazz.

Der Blues entstand Ende des 19. Jahrhunderts als eine Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonien, seine Ursprünge sollten jedoch im Moment der Einfuhr von Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt gesucht werden. Die mitgebrachten Sklaven stammten nicht aus derselben Familie und verstanden sich meist nicht einmal untereinander. Das Bedürfnis nach Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und infolgedessen zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt gravierende Veränderungen erlebten) fanden ab dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung des „Proto-Jazz“ und dann des Jazz im allgemein akzeptierten Sinne . Die Wiege des Jazz war der amerikanische Süden und insbesondere New Orleans.
Der Schlüssel zur ewigen Jugend im Jazz ist die Improvisation
Die Besonderheit des Stils ist die einzigartige individuelle Darbietung eines virtuosen Jazzmusikers. Der Schlüssel zur ewigen Jugend im Jazz ist die Improvisation. Nach dem Auftauchen eines brillanten Interpreten, der sein ganzes Leben im Rhythmus des Jazz verbrachte und immer noch eine Legende bleibt – Louis Armstrong – erblickte die Kunst des Jazz-Auftritts neue und ungewöhnliche Horizonte: Gesangs- oder instrumentale Solodarbietungen werden zum Mittelpunkt der gesamten Aufführung, die Idee des Jazz völlig verändern. Jazz ist nicht nur bestimmter Typ musikalische Darbietung, sondern auch eine einzigartige, fröhliche Ära.

New Orleans-Jazz

Der Begriff New Orleans bezieht sich normalerweise auf den Stil von Jazzmusikern, die zwischen 1900 und 1917 in New Orleans Jazz spielten, sowie auf Musiker aus New Orleans, die von etwa 1917 bis in die 1920er Jahre in Chicago spielten und Aufnahmen machten. Diese Periode der Jazzgeschichte wird auch als Jazz-Zeitalter bezeichnet. Und dieser Begriff wird auch verwendet, um die Musik zu beschreiben, die in verschiedenen historischen Epochen von Vertretern des New Orleans Revival aufgeführt wurde, die versuchten, Jazz im gleichen Stil wie die Musiker der New Orleans School aufzuführen.

Afroamerikanischer Folk und Jazz haben seit der Eröffnung von Storyville, dem Rotlichtviertel von New Orleans, das für seine Unterhaltungsmöglichkeiten berühmt ist, unterschiedliche Wege eingeschlagen. Wer Spaß haben und Spaß haben wollte, dem boten sich jede Menge verlockende Möglichkeiten, die Tanzflächen, Kabaretts, Varietés, ein Zirkus, Bars und Imbisse boten. Und überall in diesen Etablissements erklang Musik und Musiker, die die neue synkopierte Musik beherrschten, konnten Arbeit finden. Allmählich, mit der Zunahme der Zahl der professionell in den Unterhaltungsbetrieben von Storyville tätigen Musiker, nahm die Zahl der Marsch- und Straßenblaskapellen ab, und an ihrer Stelle entstanden die sogenannten Storyville-Ensembles, deren musikalische Ausprägung individueller wird. im Vergleich zum Spielen von Blaskapellen. Diese oft als „Combo-Orchester“ bezeichneten Kompositionen wurden zu den Begründern des Stils des klassischen New Orleans Jazz. Von 1910 bis 1917 wurden die Nachtclubs in Storyville zum Ideal Umfeld für Jazz.
Von 1910 bis 1917 boten die Nachtclubs von Storyville ein ideales Umfeld für Jazz.
Die Entwicklung des Jazz in den USA im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts

Nach der Schließung von Storyville beginnt sich Jazz aus einem regionalen Folk-Genre in einen nationalen Musiktrend zu verwandeln, der sich auf die nördlichen und nordöstlichen Provinzen der Vereinigten Staaten ausbreitet. Aber seine weite Verbreitung hätte natürlich nicht nur durch die Schließung eines Vergnügungsviertels erleichtert werden können. Zusammen mit New Orleans in der Entwicklung des Jazz großer Wert St. Louis, Kansas City und Memphis spielten von Beginn an. Ragtime entstand im 19. Jahrhundert in Memphis und verbreitete sich von dort aus in der Zeit von 1890 bis 1903 auf dem gesamten nordamerikanischen Kontinent.

Andererseits verbreiteten sich Minstrel-Shows mit ihrem bunten Mosaik verschiedenster musikalischer Bewegungen der afroamerikanischen Folklore von Jigs bis Ragtime schnell überall und bereiteten den Weg für die Ankunft des Jazz. Viele zukünftige Jazzstars begannen ihre Karriere in Minstrel-Shows. Lange bevor Storyville geschlossen wurde, gingen Musiker aus New Orleans mit sogenannten „Vaudeville“-Truppen auf Tournee. Seit 1904 tourte Jelly Roll Morton regelmäßig durch Alabama, Florida und Texas. Seit 1914 hatte er einen Auftrittsvertrag in Chicago. 1915 zog auch Thom Brownes weißes Dixieland-Orchester nach Chicago. Die berühmte „Creole Band“ unter der Leitung des New Orleanser Kornettisten Freddie Keppard unternahm ebenfalls große Varieté-Tourneen in Chicago. Nachdem sie sich einst von der Olympia Band getrennt hatten, traten die Künstler von Freddie Keppard bereits 1914 erfolgreich auf das beste Theater Chicago und erhielten bereits vor der Original Dixieland Jazz Band das Angebot, eine Tonaufnahme ihrer Auftritte anzufertigen, was Freddie Keppard jedoch kurzsichtig ablehnte. Der Einflussbereich des Jazz wurde durch Orchester, die auf Vergnügungsdampfern, die den Mississippi hinauffuhren, spielten, erheblich erweitert.

Seit dem Ende des 19. Jahrhunderts erfreuen sich Flussfahrten von New Orleans nach St. Paul großer Beliebtheit, zunächst für ein Wochenende, später für eine ganze Woche. Seit 1900 treten auf diesen Flussschiffen Orchester aus New Orleans auf, und ihre Musik ist zur attraktivsten Unterhaltung für Passagiere bei Flussrundfahrten geworden. Die zukünftige Frau von Louis Armstrong, die erste Jazzpianistin Lil Hardin, begann in einem dieser „Suger Johnny“-Orchester. Ein weiterer Pianist, das Riverboat-Orchester von Fates Marable, trat mit vielen zukünftigen New Orleans-Jazzstars auf.

Dampfschiffe, die den Fluss entlang fuhren, hielten oft an vorbeifahrenden Bahnhöfen, wo Orchester Konzerte für das örtliche Publikum veranstalteten. Es waren diese Konzerte, die für Bix Beiderbeck, Jess Stacy und viele andere zu kreativen Debüts wurden. Eine weitere berühmte Route führte durch Missouri nach Kansas City. In dieser Stadt, in der sich dank der starken Wurzeln der afroamerikanischen Folklore der Blues entwickelte und schließlich Gestalt annahm, fand das virtuose Spiel der Jazzmusiker aus New Orleans ein außergewöhnlich fruchtbares Umfeld. In den frühen 1920er Jahren wurde Chicago zum Hauptzentrum für die Entwicklung der Jazzmusik, wo durch die Bemühungen vieler Musiker aus verschiedenen Teilen der Vereinigten Staaten ein Stil entstand, der den Spitznamen Chicago Jazz erhielt.

Bigbands

Die klassische, etablierte Form der Big Bands ist im Jazz seit den frühen 1920er Jahren bekannt. Diese Form blieb bis Ende der 1940er Jahre relevant. Die Musiker, die den meisten Big Bands beitraten, spielten in der Regel schon fast im Jugendalter ganz bestimmte Rollen, entweder auswendig gelernt bei den Proben oder anhand von Notizen. Sorgfältige Orchestrierungen gepaart mit großen Blechbläsern und Holzbläsern brachten satte Jazzharmonien hervor und erzeugten einen sensationell lauten Klang, der als „Big-Band-Sound“ bekannt wurde.

Big Band ist geworden Popmusik seiner Zeit und erreichte Mitte der 1930er Jahre seinen Höhepunkt. Diese Musik wurde zur Quelle des Swingtanz-Trends. Die Leiter der berühmten Jazzorchester Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford und Charlie Barnett komponierten bzw. arrangierten und nahmen eine wahre Hitparade an Melodien auf, die nicht nur auf der Bühne zu hören waren im Radio, aber auch überall in Tanzlokalen. Viele Big Bands präsentierten ihre improvisierenden Solisten, die das Publikum bei gut beworbenen „Battles of the Bands“ in einen Zustand nahezu Hysterie versetzten.
Viele Big Bands zeigten ihre improvisierenden Solisten, die das Publikum in einen Zustand nahe der Hysterie versetzten
Obwohl die Popularität von Big Bands nach dem Zweiten Weltkrieg erheblich zurückging, gingen Orchester unter der Leitung von Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James und vielen anderen in den nächsten Jahrzehnten häufig auf Tournee und machten Aufnahmen. Ihre Musik veränderte sich allmählich unter dem Einfluss neuer Trends. Gruppen wie die Ensembles unter der Leitung von Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus und Tad Jones-Mal Lewis erkundeten neue Konzepte in Bezug auf Harmonie, Instrumentierung und improvisatorische Freiheit. Heutzutage sind Big Bands der Standard in der Jazzausbildung. Repertoireorchester wie das Lincoln Center Jazz Orchestra, das Carnegie Hall Jazz Orchestra, das Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra und das Chicago Jazz Ensemble spielen regelmäßig Originalarrangements von Big-Band-Kompositionen.

Nordost-Jazz

Obwohl die Geschichte des Jazz in New Orleans mit dem Aufkommen des 20. Jahrhunderts begann, erlebte die Musik in den frühen 1920er Jahren ihren wahren Aufschwung, als der Trompeter Louis Armstrong New Orleans verließ, um in Chicago revolutionäre neue Musik zu schaffen. Die kurz darauf einsetzende Migration der Jazzmeister aus New Orleans nach New York markierte einen Trend der ständigen Bewegung von Jazzmusikern vom Süden in den Norden.

Louis Armstrong

Chicago nahm die Musik von New Orleans und machte sie heiß und steigerte ihre Intensität nicht nur durch die Bemühungen von Armstrongs berühmten Hot Five- und Hot Seven-Ensembles, sondern auch durch andere, darunter Meister wie Eddie Condon und Jimmy McPartland, deren Crew an der Austin High School war half bei der Wiederbelebung der Schulen in New Orleans. Andere bemerkenswerte Chicagoer, die die Grenzen des klassischen New Orleans-Jazzstils erweitert haben, sind der Pianist Art Hodes, der Schlagzeuger Barrett Deems und der Klarinettist Benny Goodman. Armstrong und Goodman, die schließlich nach New York zogen, schufen dort eine Art kritische Masse, die der Stadt zu einer wahren Jazzhauptstadt der Welt verhalf. Und während Chicago im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in erster Linie ein Aufnahmezentrum blieb, entwickelte sich New York auch zu einem bedeutenden Jazz-Veranstaltungsort mit legendären Clubs wie dem Minton Playhouse, dem Cotton Club, dem Savoy und dem Village Vanguard sowie solchen Arenen als Carnegie Hall.

Kansas City-Stil

Während der Weltwirtschaftskrise und der Prohibition wurde die Jazzszene von Kansas City zum Mekka für die neuen Klänge der späten 1920er und 1930er Jahre. Der Stil, der in Kansas City florierte, zeichnete sich durch gefühlvolle, bluesige Stücke aus, die sowohl von Big Bands als auch von kleinen Swing-Ensembles aufgeführt wurden und energiegeladene Soli für die Gäste von Flüsterkneipen vorsahen, in denen Schnaps verkauft wurde. In diesen Zucchini kristallisierte sich der Stil des großen Count Basie heraus, der in Kansas City im Orchester von Walter Page und später bei Benny Mouthen begann. Beide Orchester waren typische Vertreter Stil von Kansas City, dessen Grundlage eine besondere Form des Blues war, der „Urban Blues“ genannt wurde und im Spiel der oben genannten Orchester entstand. Auch die Jazzszene von Kansas City zeichnete sich durch eine Galaxie aus herausragende Meister Vokal-Blues, dessen anerkannter „König“ der langjährige Solist des Count Basie-Orchesters, der berühmte Blues-Sänger Jimmy Rushing, war. Der berühmte Altsaxophonist Charlie Parker, geboren in Kansas City, nutzte bei seiner Ankunft in New York in großem Umfang die charakteristischen Blues-„Tricks“, die er in den Orchestern von Kansas City gelernt hatte und die später einen der Ausgangspunkte für die Bopper-Experimente bildeten die 1940er Jahre.

Westküsten-Jazz

Künstler, die in der Cool-Jazz-Bewegung der 1950er-Jahre gefangen waren, arbeiteten ausgiebig in Aufnahmestudios in Los Angeles. Diese in Los Angeles ansässigen Künstler waren weitgehend von Miles Davis' Nonett beeinflusst und entwickelten das, was heute als „West Coast Jazz“ bekannt ist. Der Westküsten-Jazz war viel sanfter als der wütende Bebop, der ihm vorausging. Der meiste Westküsten-Jazz wurde sehr detailliert ausgeschrieben. Die in diesen Kompositionen häufig verwendeten Kontrapunktlinien schienen Teil des europäischen Einflusses zu sein, der den Jazz durchdrungen hatte. Allerdings ließ diese Musik viel Raum für lange lineare Soloimprovisationen. Obwohl West Coast Jazz hauptsächlich in Aufnahmestudios aufgeführt wurde, traten in Clubs wie dem Lighthouse in Hermosa Beach und dem Haig in Los Angeles oft seine großen Meister auf, darunter der Trompeter Shorty Rogers, die Saxophonisten Art Pepper und Bud Schenk, der Schlagzeuger Shelley Mann und der Klarinettist Jimmy Giuffre .

Verbreitung des Jazz

Jazz hat schon immer das Interesse von Musikern und Zuhörern auf der ganzen Welt geweckt, unabhängig von ihrer Nationalität. Es reicht aus, das Frühwerk des Trompeters Dizzy Gillespie und seine Synthese von Jazztraditionen mit der Musik schwarzer Kubaner in den 1940er Jahren oder die spätere Kombination von Jazz mit japanischer, euroasiatischer und nahöstlicher Musik zu verfolgen, die im Werk des Pianisten berühmt ist Dave Brubeck, sowie der brillante Komponist und Leiter des Jazz – das Duke Ellington Orchestra, das sich zusammenschloss musikalisches Erbe Afrika, Lateinamerika und Fernost.

Dave Brubeck

Der Jazz hat nicht nur westliche Musiktraditionen ständig absorbiert. Zum Beispiel, als verschiedene Künstler begannen, mit musikalischen Elementen Indiens zu arbeiten. Ein Beispiel für diese Bemühungen sind die Aufnahmen des Flötisten Paul Horne im Taj Mahal oder der Strom der „Weltmusik“, der von der Oregon-Gruppe oder John McLaughlins Shakti-Projekt repräsentiert wird. Während seiner Zeit bei Shakti begann McLaughlins Musik, die zuvor größtenteils auf Jazz basierte, mit der Einführung neuer Instrumente indischen Ursprungs wie dem Khatam oder der Tabla, führte komplizierte Rhythmen ein und machte ausgiebigen Gebrauch von der indischen Raga-Form.
Während die Globalisierung der Welt weiter voranschreitet, wird Jazz weiterhin von anderen Musiktraditionen beeinflusst
Das Art Ensemble of Chicago war ein früher Pionier in der Verschmelzung afrikanischer und Jazz-Formen. Später lernte die Welt den Saxophonisten/Komponisten John Zorn und seine Erkundungen der jüdischen Musikkultur kennen, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Masada Orchestra. Diese Werke inspirierten ganze Gruppen anderer Jazzmusiker, etwa den Keyboarder John Medeski, der mit dem afrikanischen Musiker Salif Keita Aufnahmen machte, den Gitarristen Marc Ribot und den Bassisten Anthony Coleman. Der Trompeter Dave Douglas integriert mit Begeisterung Balkan-Einflüsse in seine Musik, während sich das Asian-American Jazz Orchestra zu einem führenden Befürworter der Konvergenz von Jazz und asiatischen Einflüssen entwickelt hat. Musikalische Formen. Während die Globalisierung der Welt weiter voranschreitet, wird Jazz weiterhin von anderen Musiktraditionen beeinflusst, was fruchtbares Futter für zukünftige Forschungen liefert und zeigt, dass Jazz wirklich eine Weltmusik ist.

Jazz in der UdSSR und Russland

Valentin Parnakhs erste Jazzband in der RSFSR

Die Jazzszene entstand in den 1920er Jahren in der UdSSR, zeitgleich mit ihrer Blütezeit in den USA. Das erste Jazzorchester in Sowjetrussland wurde 1922 in Moskau vom Dichter, Übersetzer, Tänzer und Theaterkünstler Valentin Parnakh gegründet und erhielt den Namen „Das erste exzentrische Orchester der Jazzbands von Valentin Parnakh in der RSFSR“. Als Geburtstag des russischen Jazz gilt traditionell der 1. Oktober 1922, als das erste Konzert dieser Gruppe stattfand. Als erstes professionelles Jazzensemble, das im Radio auftrat und eine Schallplatte aufnahm, gilt das Orchester des Pianisten und Komponisten Alexander Tsfasman (Moskau).

Frühe sowjetische Jazzbands spezialisierten sich auf Auftritte modische Tänze(Foxtrott, Charleston). Im Massenbewusstsein erlangte der Jazz in den 30er Jahren große Popularität, vor allem dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utesov und des Trompeters Ya. Beliebte Filmkomödie mit seiner Beteiligung“ Lustige Jungs„(1934) war der Geschichte eines Jazzmusikers gewidmet und hatte einen entsprechenden Soundtrack (geschrieben von Isaac Dunaevsky). Utesov und Skomorovsky bildeten den ursprünglichen Stil des „Thea-Jazz“ (Theaterjazz), der auf einer Mischung aus Musik mit Theater, Operette und Gesangsnummern basierte und in der das Element der Aufführung eine große Rolle spielte. Einen bemerkenswerten Beitrag zur Entwicklung des sowjetischen Jazz leistete Eddie Rosner, ein Komponist, Musiker und Orchesterleiter. Nachdem er seine Karriere in Deutschland, Polen und anderen europäischen Ländern begonnen hatte, zog Rosner in die UdSSR und wurde einer der Pioniere des Swing in der UdSSR und der Begründer des belarussischen Jazz.
Im Massenbewusstsein begann der Jazz in der UdSSR in den 1930er Jahren große Popularität zu erlangen.
Attitüde Sowjetische Behörden zum Jazz war zweideutig: Inländische Jazzkünstler wurden in der Regel nicht verboten, aber im Kontext der Kritik war scharfe Kritik am Jazz als solchem ​​weit verbreitet Westliche Kultur allgemein. Ende der 40er Jahre, während des Kampfes gegen den Kosmopolitismus, erlebte der Jazz in der UdSSR eine besonders schwierige Zeit, als Gruppen, die „westliche“ Musik spielten, verfolgt wurden. Mit Beginn des Tauwetters hörten die Repressionen gegen Musiker auf, die Kritik hielt jedoch an. Laut der Forschung der Geschichts- und amerikanischen Kulturprofessorin Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und gegen die Ausweitung des sowjetischen Einflusses auf Länder der Dritten Welt einzusetzen. In den 50er und 60er Jahren. In Moskau nahmen die Orchester von Eddie Rosner und Oleg Lundstrem ihre Tätigkeit wieder auf, neue Kompositionen erschienen, unter denen die Orchester von Joseph Weinstein (Leningrad) und Vadim Ludvikovsky (Moskau) sowie das Riga Variety Orchestra (REO) hervorstachen.

Big Bands brachten eine Galaxie talentierter Arrangeure und Solisten-Improvisatoren hervor, deren Arbeit den sowjetischen Jazz auf ein qualitativ neues Niveau brachte und ihn den Weltstandards näher brachte. Unter ihnen sind Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Die Entwicklung des Kammer- und Clubjazz beginnt in der ganzen Vielfalt seiner Stilistiken (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik usw.)

Jazzclub „Blue Bird“

Viele der oben genannten Meister des sowjetischen Jazz begannen ihre kreativer Weg Auf der Bühne des legendären Moskauer Jazzclubs „Blue Bird“, der von 1964 bis 2009 existierte, entdeckte er neue Namen von Vertretern der modernen Generation russischer Jazzstars (Brüder Alexander und Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko und andere). In den 70er Jahren erlangte das bis 1986 bestehende Jazz-Trio „Ganelin-Tarasov-Chekasin“ (GTC) bestehend aus dem Pianisten Wjatscheslaw Ganelin, dem Schlagzeuger Wladimir Tarasow und dem Saxophonisten Wladimir Tschekasin große Bekanntheit. Berühmt waren in den 70er und 80er Jahren auch das Jazzquartett aus Aserbaidschan „Gaya“ und die georgischen Vokal- und Instrumentalensembles „Orera“ und „Jazz Chorale“.

Nach einem Rückgang des Interesses am Jazz in den 90er Jahren begann er in der Jugendkultur wieder an Popularität zu gewinnen. Jährlich finden in Moskau Jazzmusikfestivals wie „Usadba Jazz“ und „Jazz in the Hermitage Garden“ statt. Der beliebteste Veranstaltungsort für Jazzclubs in Moskau ist der Jazzclub „Union of Composers“, der weltberühmte Jazz- und Blueskünstler einlädt.

Jazz in der modernen Welt

Die moderne Welt der Musik ist so vielfältig wie das Klima und die Geografie, die wir auf Reisen erleben. Und doch erleben wir heute die Vermischung immer mehr Weltkulturen, die uns immer näher an das heranführt, was im Wesentlichen bereits zur „Weltmusik“ (Weltmusik) wird. Der heutige Jazz kann nicht mehr anders, als von Klängen beeinflusst zu werden, die aus fast allen Teilen der Welt in ihn eindringen. Der europäische Experimentalismus mit klassischen Obertönen beeinflusst weiterhin die Musik junger Pioniere wie Ken Vandermark, eines Free-Jazz-Avantgarde-Saxophonisten, der für seine Arbeit mit so bemerkenswerten Zeitgenossen wie den Saxophonisten Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann bekannt ist. Zu den anderen jungen, traditionelleren Musikern, die weiterhin nach ihrer eigenen Identität suchen, gehören die Pianisten Jackie Terrasson, Benny Green und Braid Meldoa, die Saxophonisten Joshua Redman und David Sanchez sowie die Schlagzeuger Jeff Watts und Billy Stewart.

Alte Tradition Der Sound geht mit Künstlern wie dem Trompeter Wynton Marsalis, der mit einem Team von Assistenten sowohl in seinen eigenen kleinen Gruppen als auch im Lincoln Center Jazz Orchestra, das er leitet, zusammenarbeitet, zügig weiter. Unter seiner Schirmherrschaft entwickelten sich die Pianisten Marcus Roberts und Eric Reed, der Saxophonist Wes „Warmdaddy“ Anderson, der Trompeter Marcus Printup und der Vibraphonist Stefan Harris zu großartigen Musikern. Auch Bassist Dave Holland ist ein großer Entdecker junger Talente. Zu seinen zahlreichen Entdeckungen zählen Künstler wie der Saxophonist/M-Bassist Steve Coleman, der Saxophonist Steve Wilson, der Vibraphonist Steve Nelson und der Schlagzeuger Billy Kilson. Ein weiterer großer Mentor junger Talente ist der Pianist Küken Corea, und der verstorbene Schlagzeuger Elvin Jones und die Sängerin Betty Carter. Die potenziellen Möglichkeiten für die Weiterentwicklung des Jazz sind derzeit recht groß, da die Wege zur Talententwicklung und die Ausdrucksmittel unvorhersehbar sind und sich durch die gemeinsamen Anstrengungen verschiedener Jazz-Genres, die heute gefördert werden, vervielfachen.

Jazz– ein einzigartiges Phänomen in der Weltmusikkultur. Diese facettenreiche Kunstform entstand um die Jahrhundertwende (19. und 20. Jahrhundert) in den USA. Jazzmusik ist zur Idee der Kulturen Europas und Afrikas geworden, eine einzigartige Verschmelzung von Trends und Formen aus zwei Regionen der Welt. Anschließend verbreitete sich der Jazz über die Vereinigten Staaten hinaus und wurde fast überall populär. Diese Musik hat ihren Ursprung in Afrika Volkslieder, Rhythmen und Stile. In der Entwicklungsgeschichte dieser Jazzrichtung sind viele Formen und Typen bekannt, die mit der Beherrschung neuer Rhythmen und Harmonikmodelle entstanden.

Merkmale des Jazz

Die Synthese zweier Musikkulturen machte Jazz zu einem radikal neuen Phänomen in der Weltkunst. Die Besonderheiten davon neue Musik Stahl:

• Synkopierte Rhythmen, die zu Polyrhythmen führen.
• Das rhythmische Pulsieren der Musik ist der Beat.
• Komplexe Abweichung vom Takt – Swing.
• Ständige Improvisation in Kompositionen.
• Eine Fülle von Harmonien, Rhythmen und Klangfarben.

Die Grundlage des Jazz, insbesondere in den ersten Entwicklungsstadien, war Improvisation kombiniert mit einer durchdachten Form (wobei die Form der Komposition nicht unbedingt irgendwo festgelegt war). Und von der afrikanischen Musik übernahm dieser neue Stil die folgenden charakteristischen Merkmale:

• Jedes Instrument als Schlaginstrument verstehen.
• Beliebte Konversationsmelodien bei der Aufführung von Kompositionen.
• Ähnliche Nachahmung von Gesprächen beim Spielen von Instrumenten.

Generell zeichnen sich alle Richtungen des Jazz durch ihre eigenen lokalen Besonderheiten aus und daher ist es logisch, sie im Kontext der historischen Entwicklung zu betrachten.

Die Entstehung von Jazz, Ragtime (1880-1910er Jahre)

Es wird angenommen, dass der Jazz unter schwarzen Sklaven entstand, die im 18. Jahrhundert aus Afrika in die Vereinigten Staaten von Amerika gebracht wurden. Da die gefangenen Afrikaner nicht durch einen einzigen Stamm vertreten waren, mussten sie mit ihren Verwandten in der Neuen Welt eine gemeinsame Sprache suchen. Eine solche Konsolidierung führte zur Entstehung einer einheitlichen afrikanischen Kultur in Amerika, zu der auch gehörte Musikkultur. Erst in den 1880er und 1890er Jahren entstand dadurch die erste Jazzmusik. Dieser Stil wurde durch die weltweite Nachfrage nach populärer Tanzmusik vorangetrieben. Da afrikanisch Musikalische Kunst war voller ähnlicher rhythmischer Tänze, und auf dieser Grundlage wurde eine neue Richtung geboren. Tausende Amerikaner aus der Mittelschicht, die nicht in der Lage waren, die klassischen Tänze der Aristokratie zu erlernen, begannen, zu Ragtime-Klavieren zu tanzen. Ragtime führte mehrere zukünftige Grundlagen des Jazz in die Musik ein. So ist der Hauptvertreter dieses Stils, Scott Joplin, der Autor des „3 versus 4“-Elements (überkreuz klingende rhythmische Muster mit 3 bzw. 4 Einheiten).

New Orleans (1910–1920er Jahre)

Der klassische Jazz entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Südstaaten Amerikas und insbesondere in New Orleans (was logisch ist, da der Sklavenhandel im Süden weit verbreitet war).

Hier spielten afrikanische und kreolische Orchester, die ihre Musik unter dem Einfluss von Ragtime, Blues und Liedern schwarzer Arbeiter schufen. Nach dem Erscheinen vieler Musikinstrumente von Militärkapellen in der Stadt begannen Amateurgruppen aufzutreten. Auch der legendäre Musiker aus New Orleans, Gründer seines eigenen Orchesters King Oliver, war Autodidakt. Wichtiges Datum In die Geschichte des Jazz ging der 26. Februar 1917 ein, als die Original Dixieland Jazz Band ihre erste Schallplatte veröffentlichte. Die Hauptmerkmale des Stils wurden in New Orleans festgelegt: der Takt von Schlaginstrumenten, meisterhaftes Solospiel, Gesangsimprovisation mit Silben – Scat.

Chicago (1910–1920er Jahre)

In den 1920er Jahren, die von Klassikern als die „Roaring Twenties“ bezeichnet wurden, gelangte Jazzmusik allmählich in die Massenkultur und verlor die Bezeichnungen „beschämend“ und „unanständig“. Orchester beginnen in Restaurants aufzutreten und ziehen von den Südstaaten in andere Teile der Vereinigten Staaten. Chicago wird zum Zentrum des Jazz im Norden des Landes, wo kostenlose abendliche Auftritte von Musikern populär werden (bei solchen Shows gab es häufig Improvisationen und externe Solisten). Im Musikstil erscheinen komplexere Arrangements. Die Jazz-Ikone dieser Zeit war Louis Armstrong, der von New Orleans nach Chicago zog. Anschließend begann man, die Stile der beiden Städte zu einem Genre der Jazzmusik zu vereinen – Dixieland. Das Hauptmerkmal dieses Stils war die kollektive Massenimprovisation, die ihn hervorbrachte Hauptidee Jazz absolut.

Swing und Bigbands (1930er–1940er)

Die stetig zunehmende Beliebtheit des Jazz führte zu einem Bedarf an großen Orchestern, die Tanzmusik spielten. So entstand der Swing, der charakteristische Abweichungen vom Rhythmus in beide Richtungen darstellt. Swing wurde zur Hauptstilrichtung dieser Zeit und manifestierte sich in der Arbeit von Orchestern. Ausführung schlank Tanzkompositionen erforderte ein koordinierteres Spiel des Orchesters. Von Jazzmusikern wurde erwartet, dass sie gleichmäßig und ohne große Improvisationen mitwirkten (mit Ausnahme des Solisten), sodass die kollektive Improvisation im Dixieland der Vergangenheit angehörte. In den 1930er Jahren entstanden ähnliche Gruppen, die Big Bands genannt wurden. Ein charakteristisches Merkmal der damaligen Orchester war der Wettbewerb zwischen Instrumentengruppen und Sektionen. Traditionell gab es drei davon: Saxophone, Trompeten, Schlagzeug. Die bekanntesten Jazzmusiker und ihre Orchester sind: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Der letzte Musiker ist berühmt für sein Engagement für schwarze Folklore.

Bebop (1940er Jahre)

Die Abkehr des Swing von den Traditionen des frühen Jazz und insbesondere von klassischen afrikanischen Melodien und Stilen löste bei Geschichtsexperten Unmut aus. Big Bands und Swing-Interpreten, die zunehmend für das Publikum arbeiteten, stießen auf die Jazzmusik kleiner Ensembles schwarzer Musiker. Experimentatoren führten superschnelle Melodien ein, brachten lange Improvisationen, komplexe Rhythmen und eine virtuose Beherrschung des Soloinstruments zurück. Neuer Stil, der sich als exklusiv positionierte, wurde Bebop genannt. Die Ikonen dieser Zeit waren unverschämte Jazzmusiker: Charlie Parker und Dizzy Gillespie. Der Aufstand schwarzer Amerikaner gegen die Kommerzialisierung des Jazz und der Wunsch, dieser Musik Intimität und Einzigartigkeit zurückzugeben, wurden zu einem zentralen Punkt. Von diesem Moment an und von diesem Stil aus beginnt die Geschichte des modernen Jazz. Gleichzeitig kommen auch Big-Band-Leiter in kleine Orchester, um sich eine Auszeit von den großen Sälen zu gönnen. In Ensembles namens Combos hielten diese Musiker an einem Swing-Stil fest, hatten aber die Freiheit, zu improvisieren.

Cool Jazz, Hard Bop, Soul Jazz und Jazz-Funk (1940er–1960er Jahre)

In den 1950er Jahren begann sich die Musikrichtung Jazz in zwei gegensätzliche Richtungen zu entwickeln. Anhänger der klassischen Musik „kühlten“ den Bebop ab und brachten ihn wieder in Mode akademische Musik, Polyphonie, Arrangement. Cool Jazz wurde für seine Zurückhaltung, Trockenheit und Melancholie bekannt. Die Hauptvertreter dieser Jazzrichtung waren: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Aber die zweite Richtung begann im Gegenteil, die Ideen des Bebop zu entwickeln. Der Hardbop-Stil predigte die Idee einer Rückkehr zu den Wurzeln der schwarzen Musik. Traditionelle Folkloremelodien, helle und aggressive Rhythmen, explosive Soli und Improvisationen sind wieder in Mode. Bekannt im Hardbop-Stil sind: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Dieser Stil entwickelte sich organisch zusammen mit Soul Jazz und Jazz-Funk. Diese Stile näherten sich dem Blues und machten den Rhythmus zu einem Schlüsselaspekt der Darbietung. Insbesondere der Jazz-Funk wurde von Richard Holmes und Shirley Scott eingeführt.