Wenn jemand weiß, wie man erstellt helles Bild, eine ungewöhnliche Kombination von Wörtern oder Farben, die einen Gedanken ausdrucksstark zum Ausdruck bringt, dann gelten seine Werke als Kunst.

Gleichzeitig können helle, eindrucksvolle Bilder unterschiedliche Farben haben: Sie können das Gefühl der Liebe gekonnt beschreiben, Edle Tat, aber auch schmutzige Taten, lustvolle Gedanken oder beispielsweise ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit (Dekadenten oder schlichtweg Betroffene der „unglücklichen Liebe“ sündigen oft mit letzterem) können gekonnt beschrieben werden. Es stellt sich heraus, dass Kunst sowohl Gutes als auch Böses bringen kann, sowohl kreativ als auch destruktiv sein kann.

Aus diesem Grund bedeutet die hohe Bewertung von Kunstwerken durch Kritiker nichts, da sie meist genau das Können bewerten und nicht die Bedeutung und insbesondere nicht die Folgen der Einflussnahme dieser Arbeit auf die Gesellschaft.
Und dieser Einfluss ist tatsächlich großartig. Warum? Wenden wir uns den Tiefen der Kunst und Psychologie zu.

Kunst ist vielschichtig: Sie hat die erste semantische Reihe, die zweite und die folgenden semantischen Reihen, die Haltung des Autors gegenüber dem Helden (die unterschiedlich sein kann und nicht immer offen geäußert wird, was das Verständnis des Werkes erschwert), Halbtöne von Gefühlen und Schattierungen von Emotionen... Aufgrund all dessen ist der semantische Reichtum künstlerischer Werke sehr groß und komplex. Und wenn wir ein Gedicht lesen oder einen Film schauen, verarbeiten wir nicht immer alle durch dieses Werk übermittelten Informationen bewusst, und was nicht in das Sichtfeld des Bewusstseins fällt, gelangt direkt ins Unterbewusstsein. Ein Kunstwerk enthält ein Modell des Lebens oder eines separaten Bereichs davon (zum Beispiel ein Modell der Beziehung zwischen Mann und Frau).

Aufgrund ihrer Bildhaftigkeit und Vielschichtigkeit prägen sich Kunstwerke ins Unterbewusstsein ein, wo die Quintessenz des Werkes und die Lebensauffassung des Autors für uns unsichtbar bleiben. Kunst beeinflusst weniger den Geist als vielmehr die Seele.

Nicht umsonst sagte Yu. K. Olesha: „Ein Schriftsteller ist ein Ingenieur der menschlichen Seele.“ V. V. Mayakovsky hat auch richtig geschrieben: „Das Wort ist der Befehlshaber der menschlichen Macht.“ Kunst ist eine bildliche Art, menschliches Handeln und damit die Zukunft zu programmieren.
Es ins Unterbewusstsein bringen bestimmte Bedeutungen und Bilder, die Kunst beeinflusst das Schicksal jedes einzelnen Menschen, wie er seine Kinder großzieht, und die Motive seiner Aktivitäten, die sich auf seine Arbeit und Freizeitaktivitäten auswirken. Durch die Gestaltung der Weltanschauung ganzer sozialer Schichten ist es möglich, das Verhalten der Massen zu kontrollieren, die Situation in der Gesellschaft als Ganzes zu kontrollieren und den Vektor zu legen weitere Entwicklung dieser Gesellschaft. Kunst ermöglicht es somit, gesellschaftliche Prozesse langfristig und gezielt zu steuern.

Hier ist die Langzeitwirkung als eine der wichtigsten Eigenschaften hervorzuheben, da es sich um einen sehr starken Faktor handelt. Lassen Sie mich Ihnen ein grobes Beispiel geben. Mit Hilfe von Bombenangriffen können Sie eine Stadt in einer Woche zerstören, aber auch in einem Monat wieder aufbauen. Mit Hilfe destruktiver Kunst kann man die Gesellschaft in zehn Jahren zerstören, aber dann wird es mehrere Jahrzehnte dauern, bis sie sich erholt, und ab einem bestimmten Punkt werden die Veränderungen unumkehrbar sein. Oder ein anderes Beispiel. Monetäre Anreize verbessern die Arbeitsqualität nur für die Zeit, in der dieses Geld gezahlt wird. Die mit Hilfe der Kunst verankerte Idee „Arbeit ist Freude“ wurde ermöglicht Sowjetzeit Steigerung der Arbeitsmotivation über Jahrzehnte hinweg. Da ein Kunstwerk sowohl nützliche als auch schädliche Programme enthalten kann, kann es einen hochmoralischen Menschen sowohl fördern als auch verderben.

Das Verständnis für den Managementcharakter von Kultur und Kunst ist auch in den höchsten Machtebenen vorhanden. Dies wird durch die Absätze 80 und 81 der genehmigten Nationalen Sicherheitsstrategie der Russischen Föderation bestätigt. Per Präsidialdekret vom 12. Mai 2009:

„Die Hauptbedrohungen für die nationale Sicherheit im kulturellen Bereich sind die Dominanz von Massenkulturprodukten, die auf die spirituellen Bedürfnisse marginalisierter Schichten ausgerichtet sind, sowie illegale Angriffe auf Kulturgüter.“

Die negativen Auswirkungen auf den Zustand der nationalen Sicherheit im Bereich der Kultur werden durch Versuche verstärkt, die Ansichten über die Geschichte Russlands, seine Rolle und seinen Platz in der Weltgeschichte sowie die Förderung einer auf Freizügigkeit, Gewalt und Rassendiskriminierung basierenden Lebensweise zu revidieren , nationale und religiöse Intoleranz.“

Leider fördern nicht nur die Massenkultur, sondern auch die Elitekunst (Theater, Poesie) die oben genannten Dinge sowie die Verderbtheit und Vulgarität des Denkens.

Viele Autoren denken leider nicht darüber nach und schreiben alles auf, was ihnen durch „Inspiration“ eingefallen ist (die Verwendung von Anführungszeichen wird weiter unten begründet). Gleichzeitig ist vielen wahrscheinlich aufgefallen, dass jeder sein eigenes bekommt, etwas, das zu seinem Geist passt. Warum passiert das?

Tatsache ist, dass das Werk die Weltanschauung und Moral des Autors, seine Vision der Welt, seine Verhaltenseinstellungen und Denkparadigmen widerspiegelt. Darüber hinaus dringt all dies wie von selbst in das Werk ein, meist unbemerkt vom Autor, weil es wiederum aus seinem Unterbewusstsein kommt. (Deswegen können die eigenen Werke übrigens zur Selbstanalyse herangezogen werden, weil sie jedem seine eigenen inneren Probleme zeigen. Oftmals überrascht das Ergebnis der Kreativität den Autor selbst, da die Prozesse der Entstehung eines Werkes im Unterbewusstsein ablaufen gewöhnliches Leben werden nicht verfolgt. Kreativität ist wie eine Botschaft an dich selbst.)

Manche Autoren entziehen sich der Verantwortung, indem sie sich auf „Inspiration“ berufen, und manche behaupten sogar, dass ihre Geschichten und Bilder von Gott stammen. Warum werden in diesem Artikel Anführungszeichen verwendet, wenn es um Inspiration geht?

Das Wort „Inspiration“ bedeutet, dass Gott dem Autor seine Idee eingehaucht hat. Durch Inspiration entstehen die reinsten und wahrhaftigsten Werke, die im Einklang mit Gottes Absicht stehen. Und wenn Sie sich viele der Werke ansehen, die Ihnen ins Auge fallen, verstehen Sie, dass sie eindeutig nicht von Gott zum Autor gekommen sind. Neben Gott gibt es das kollektive Unbewusste, über das Jung und viele andere Informationsquellen geschrieben haben. Ein Kunstwerk kann im Kopf des Autors unter dem Einfluss bestimmter Personengruppen, philosophischer Strömungen, der umgebenden Kultur oder sogar alltäglicher Ereignisse entstehen. Letztlich ist der Einfluss seiner Umgebung und Kultur auf den Autor nicht aufgehoben. Und „Inspiration“ ist in solchen Fällen nur ein schönes Wort, das leicht durch „Eindruck“ oder „Besessenheit“ ersetzt werden kann.

Das bedeutet, dass alle geschaffenen Werke unter moralischen Gesichtspunkten analysiert werden müssen und erst dann entschieden werden muss, ob man sie den Menschen zeigt oder besser nicht, um seine falschen Vorstellungen nicht an andere weiterzugeben. Man kann alles schreiben, was kommt, aber Veröffentlichen ist nicht alles. Dies ist eine Nachricht an die Autoren. Aber auch ein Appell an die Machthaber, die Werke für kulturelle Veranstaltungen, Produktionen und Sammlungen auswählen, die auf öffentliche Kosten veröffentlicht werden.

An Raikin als Beispiel für die falsche Einstellung zur Kunst (Details unter dem Link)

Am Ende des 20. und Anfang des 21. Jahrhunderts kam es in Mode zu glauben, dass Kunst frei sein sollte, dass ihr keine Standards oder Rahmenbedingungen auferlegt werden sollten und dass sogar „schmutzige“ Kunst notwendig ist, weil sie die Realität widerspiegelt. dass es auch sehr künstlerisch und gefragt sein kann, und das ist angeblich normal. Manchmal gibt es die Meinung, dass Gut und Böse im Allgemeinen relative Konzepte sind, sodass Kunst nicht aus diesen Positionen beurteilt werden kann. Ist es so?

Beginnen wir mit der Hauptsache. Für den Einzelnen sind Gut und Böse wirklich relativ, denn was für den einen gut ist, kann für den anderen schlecht sein. Aber wenn wir die gesamte Menschheit betrachten, werden wir allgemeine Muster erkennen und verstehen, dass es Prozesse gibt, die eindeutig als vorteilhaft oder schädlich für die Gesellschaft als Ganzes angesehen werden können. Es gibt Werte, die allen Glaubensrichtungen, allen Rechtssystemen, alten und modernen, gemeinsam sind. Beispielsweise waren Mord und Vergewaltigung zu jeder Zeit verboten, und die Gesellschaften, in denen dies erlaubt war, wurden früher oder später obsolet. Alle normalen Menschen wollen Liebe, Harmonie, Gesundheit, friedliches Leben. Die Stimme des Gewissens (sofern sie nicht unterdrückt wird) sagt allen das Gleiche. Menschen, die einen Sinn für Gerechtigkeit haben und allgemeine Muster in der Welt erkennen können, verstehen, dass es objektives Gut und objektives Böse gibt. Diese Menschen spüren intuitiv, dass es gemeinsame Werte gibt, nach denen die Seele eines jeden Menschen strebt und ohne die Glück unmöglich ist. Diese Werte sollten das Kriterium für die Bewertung jeder Aktivität sein.

Da Kunst, wie wir oben herausgefunden haben, ein Mittel der Verwaltung ist, muss sie im Interesse der Gesellschaft und des Staates kreativ sein. Solche Kunst ist in der Lage, Menschen zu erziehen, die fähig und willens sind, menschlich zu leben, die danach streben, die Welt zu einem besseren Ort zu machen, zu schaffen, gesunde Beziehungen aufzubauen und zu führen gesundes Bild Leben.

Und wenn Kunst ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit erzeugt, gesellschaftsschädliche Einstellungen (Egoismus, Nihilismus, Sexkult, Gewalt usw.) mit sich bringt, dann ist sie destruktiv und wird nichts Gutes bringen, egal wie geschickt und hochkünstlerisch sie auch sein mag Sei.

Jemand wird sagen: Nun, wir müssen Laster aufdecken, zur Schau stellen dunkle Seiten Wirklichkeit! Nun, hier müssen wir unterscheiden: Beurteilt der Autor des Werkes die Laster negativ, gibt er eine Alternative dazu? Oder genießt er einfach menschliche Laster, indem er sie anschaulich und bildlich beschreibt und sie dadurch im Wesentlichen populärer oder sogar attraktiver macht?

„Alle pseudoinnovativen Versuche, auf ethische Spannungen zu verzichten, ohne zu verstehen, wo oben, wo unten, wo gut und wo böse ist, sind zum Scheitern und Vergessen verurteilt, denn die Aufgabe des Künstlers besteht darin, aus dem Chaos der Welt einen klaren Sinn zu ziehen Leben mit dem Willen zum Guten und nicht, dem Chaos des Lebens die eigene Seele ins Chaos zu stürzen. (Fazil Iskander)

Ich möchte mich auch an die Worte von M. V. Lomonosov erinnern: „Es kostet nicht viel, Fehler zu bemerken: Etwas Besseres zu geben, gehört zu einem würdigen Menschen.“

Schöpfungen, die „die harte Realität widerspiegeln“, in denen die negative Einstellung des Autors gegenüber Lastern nicht spürbar ist und keine Alternative angeboten wird, verderben den Geschmack des Lesers und verderben den Geist. Sie arbeiten gegen die Gesellschaft und den Staat.

Wenn man bedenkt, dass Kunst ein mächtiges Instrument zur Beeinflussung der Psyche ist, sollte das wahre würdige Ziel der Kreativität die Verbesserung der Welt und die Verbreitung hoher universeller Ideale sein.

Daher dürfen nur solche Autoren und nur solche Kunstwerke eine hohe Moral vertreten, Gerechtigkeitsideen verbreiten, die Kreativität fördern, und wenn sie ein Problem ansprechen oder das Thema Laster berühren, dann tun sie es so, dass es dem Betrachter (Leser) gefällt ) wird ein klares Verständnis dafür geschaffen, was man nicht tun sollte und was tragische Folgen Dies kann dazu führen. Es empfiehlt sich, Hinweise zur Lösung des angesprochenen Problems zu geben oder eine Alternative anzubieten.

Elena Smolitskaya

Alexander Alexandrowitsch Wlaskin

Politische Motive Kunst

Künstlerische Kreativität und Selbstdarstellung sowie die Aktivitäten von Politikern haben großer Einfluss auf die Gesellschaft. Über die enge Verbindung zwischen Kunst und Politik ist viel gesagt und geschrieben worden; diese Verbindung wurde in der Antike noch verstärkt, als Bildhauer und Künstler heroische Bilder von Herrschern schufen und ihre Heldentaten und Siege widerspiegelten. Spätere Kunst begann, bestimmte Persönlichkeiten oder Ideologien nicht nur zu loben, sondern auch anzuprangern und zu verunglimpfen. Was sind die politischen Motive der Kunst und derjenigen, die sie schaffen?

Politiker machen Geschichte, bleiben in ihr, so wie Künstler und Schriftsteller danach streben, in ihr zu bleiben... Autoren spiegeln nicht nur die Welt für die Nachwelt wider, sondern tragen auch zur Gestaltung der Moderne bei, geben eine Einschätzung ab und bieten ihre Vision an. Gleichzeitig können beide Prozesse politisch voreingenommen sein, denn was das öffentliche Interesse weckt, kommt denen zugute, die an die Macht kommen wollen.

Massenkultur, Fortschritte auf dem Gebiet der Informationsübertragung, die Entstehung globaler Kommunikationsmittel sowie die Dominanz des Clip-Modells des Bewusstseins – all dies hatte erhebliche Auswirkungen auf Kunst und Politik. Tatsächlich, für den modernen Menschen Es ist schwer, sich vor Propaganda und Vorschlägen für unterschiedliche Meinungen zu verstecken, und Kunst kann einige Ideologien in eine populäre und modische Form bringen.

Zeitgenössische Kunst selbst ist Teil des ästhetischen und ethischen Paradigmas, materialisiert den Zeitgeist in bestimmten Werken und bleibt daher nicht distanziert von aktuellen Themen.

Moderne Kunst strebt danach, Mode zu gestalten; Mode beeinflusst den Lebensstil und das Weltbild der Konsumgesellschaft. Der Autor wiederum kann sich auf künstlerische Etikettierungen einlassen, einige verteufeln und andere verherrlichen, und ein Teil des Publikums übernimmt seine Ansichten, ohne sich überhaupt für Politik als solche zu interessieren. Da zeitgenössische Kunst oft ein Protest, eine Rebellion des Autors, eine Reaktion auf etablierte Normen, Stereotypen, ein Test der öffentlichen Moral ist, ist auch politische Opposition für sie charakteristisch. Arbeiter der modernen Kunst in verschiedenen Epochen der Geschichte waren Sänger und Künstler der Revolutionen, auch wenn einige später die Tragödie eines solchen Weges verstanden. Heutzutage wird zeitgenössische Kunst in Russland jedoch teilweise als politisches Instrument eingesetzt.

Intervention der zeitgenössischen Kunst und des postsowjetischen Russlands

Majakowski, der für seine Zeit ein provokativer und fortschrittlicher Autor war, sprach von „einem Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“. Am Ende des 20. Jahrhunderts verwandelten sich Ohrfeigen in eine Reihe von Schlägen, in eine Art Wettbewerb der Provokation.

Die Zeit der Perestroika und später der 90er Jahre ist dadurch gekennzeichnet, dass eine Reihe von Skandalautoren eine Art „All-Terrain-Pass“ in alle Bereiche der Gesellschaft erhielten. Der Wettbewerb um Freizügigkeit führte zu Dutzenden von Ausstellungen, Veranstaltungen und Aufführungen, bei denen die moralischen Maßstäbe gesenkt und traditionelle, konservative Grundlagen und Werte angegriffen wurden.

Das bedeutende Ereignis, über das Vladimir Salnikov spricht, ist sehr charakteristisch geworden: „Die Kunst der 90er Jahre selbst wurde am 18. April 1991 geboren, als Anatoly Osmolovskys Gruppe „These“ auf dem Roten Platz mit ihren Körpern das Wort ihrer drei Buchstaben darlegte. ”

Eines der Symbole für die Stärkung und Verbreitung neuer Ansätze war der nackte Oleg Kulik, der einen Hund darstellte. Bezeichnend ist auch der Hintergrund dieser weltweit beachteten Tat: Der Künstler wurde aus Hunger „zum Hund“. Er gab den Kritikern einfach das, was sie erfolgreich präsentierten Westliche Gesellschaft, aber das bleibt für Russland wild.

Obwohl die Mehrheit der Bürger immer noch konservativen Ansichten anhing und weit davon entfernt war, sich mit den Feinheiten der Kunstgeschichte zu beschäftigen, bildete sich in der sterbenden Sowjetunion eine große und lebendige Gemeinschaft informeller Menschen. Aus dem informellen Umfeld gingen Dutzende Künstler, Dichter und Musiker hervor, die in der Zeit der Freizügigkeit und Ermutigung, moralische Grenzen zu überschreiten, unbegrenzte Möglichkeiten für kreative Experimente erhielten.

Die neue Kunst, die eine Art Freibrief und Unterstützung durch Preise erhielt, könnte das Bewusstsein der älteren Generation nicht neu formatieren, könnte aber einen sehr gravierenden Einfluss auf junge Menschen haben, insbesondere wenn es in diesem Bereich keine staatlichen Programme gibt.

Wie helle, aber künstliche und oft schädliche Produkte strömten im Zuge der Perestroika auch Beispiele westlicher Kunst in unser Land, die zuvor nicht weit verbreitet waren, aber als fortschrittlich und fortschrittlich bezeichnet wurden. Hier gibt es Abstraktion, das Streben, den Realismus zu verdrängen, und existenzielle Erfahrungen, und Depression und Verleugnung der Kanons und Experimente mit dem Körper statt der Erforschung der Seele. Und ein solches Produkt wurde ebenso kultiviert wie Kaugummi oder Alkohol.

Es gibt zwar Dutzende Beispiele von Werken und Autoren, die keinen destruktiven Einfluss auf die Gesellschaft hatten, einzelne Präzedenzfälle können jedoch als prowestliche politische Interessen angesehen werden. Zum Beispiel die Figur des professionellen politischen Strategen Marat Gelman, der zum Dirigenten moderner Kunst wurde. Er beteiligte sich aktiv daran politisches Leben Land in den 90er und frühen 2000er Jahren, aber nach einer Reihe von Skandalen, als seine Ausstellungen als anstößig und als Verletzung der Grundlagen der russischen Gesellschaft bezeichnet wurden, kündigte er die Einschränkung des Marktes für zeitgenössische Kunst in der Russischen Föderation an und zog später nach Montenegro. Aktive Kritik an der Politik von Wladimir Putin.

Auch Alexander Brener bezeichnete sich selbst als politischen Aktivisten. Er erlangte Berühmtheit dadurch, dass er an bestimmten Orten nackt auftrat und dies mit verschiedenen Subtexten begründete. Eine seiner denkwürdigsten Aktionen war eine Show auf dem Hinrichtungsgelände am Roten Platz, bei der er den damaligen Präsidenten Boris Jelzin mit Boxhandschuhen zu einem Kampf herausforderte. Allerdings trug Brener in diesem Fall immer noch Shorts.

In den Prozessen der Förderung neuer und obskurer Kreativität treten Kunstmanager und Galeristen in den Vordergrund, die zur Entwicklung und zum Wohlstand des Autors beitragen können. Sie richten Anfragen an seine Aktivitäten und bringen bei Bedarf eine politische Komponente in die Reihenfolge oder Auswahl der Werke ein.

ZU Anfang XXI Jahrhundert entwickelte sich in Russland eine Gemeinschaft, die sich weniger mit Kunst im klassischen Sinne als vielmehr mit Experimenten provokativer Natur beschäftigte. Dies galt für bildende Kunst, Kino und Theater. Depressive Kunst, die Autorität ablehnte und klassische Kanons verachtete, wurde zur Norm erhoben. Hier erinnern wir uns auch an „Norma“ von Wladimir Sorokin, einem Kultautor, der gerade um die Jahrhundertwende an Popularität gewann. Nicht umsonst wurde seine Prosa „Exkremente“ genannt, da den Exkrementen große Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

Merkmale der Positionierung zeitgenössischer Kunst

Natürlich verfolgen nicht alle Autoren und Galeristen politische Ziele und steigern ihre Popularität durch Provokationen. So sprach beispielsweise der berühmte Galerist Sergei Popov über das Zerschneiden von Ikonen und anderen Spott auf Ausstellungen: „Ich habe äußerst negativ auf die Ausstellung „Vorsicht vor Religion“ reagiert – es war eine Provokation in.“ reiner Form. Und es führte zu einer sehr schlechten Reaktion der konservativen Öffentlichkeit auf die zeitgenössische Kunst; wir ernten immer noch die Früchte solch idiotischer Aktionen. Kunst kann nur dort als Provokation präsentiert werden, wo sie dazu bereit ist. Aber Künstler haben in Ländern, in denen die Scharia gilt, nicht das Recht, Schweine zu schlachten und Bilder nackter Frauen zu zeigen – ihnen wird dafür der Kopf abgeschlagen. Aber in Russland darf man keine Provokationen zu religiösen Themen inszenieren und dabei den Kontext des Landes ignorieren.“

Provokation ist es also nicht Voraussetzung für zeitgenössische Kunst. Dies ist größtenteils eine Entscheidung, und zwar eine bewusste und motivierte Entscheidung. Wer diese Wahl getroffen hat, wird oft nicht nur zu Teilnehmern an künstlerischen, sondern auch an politischen Prozessen, einem Instrument in den Händen politischer Strategen.

Der Aktionismus ist zu einem wichtigen Merkmal der postsowjetischen Zeit geworden. Einer der führenden Künstler, Anatoly Osmolovsky, beschrieb dieses Phänomen wie folgt: „In einer Gesellschaft, die für Kunst unempfindlich ist, muss der Künstler ihm mit einem Mikroskop auf den Kopf schlagen, anstatt darin einige nützliche Bakterien zu beobachten.“ Die Gesellschaft in Russland ist nicht sensibel für Kunst, daher praktizieren unsere Künstler seit den 90er Jahren direktes Engagement in der Gesellschaft selbst – das sind Aktionen, Interventionen.“

Als Ausweg aus den üblichen künstlerischen Räumen steht der Aktionismus auch in der Nähe der Politik, und eine Reihe von Aktionen tragen politische Untertöne. Diese Art von Aktivität zieht auch die Medien an, die aktiv helle und provokative Aktionen verbreiten. Mit der Entwicklung des Internets werden Clip- und Viral-Events zu beliebten Produkten, die ein breites Publikum erreichen. Dies ist zweifellos der Vorteil, wenn man moderne Kunst zur Förderung der gewünschten Ideologie nutzt.

Journalisten haben Aktionismus, der oft unter den Artikel des Strafgesetzbuches der Russischen Föderation über Rowdytum fällt, zur Sprache gebracht Neues level Popularität. Es ist an sich schon seltsam, dass die Aktion der Voina-Gruppe, bei der ein Polizeiauto umgeworfen wurde, allgemein als künstlerischer Akt bezeichnet wurde. Aber auch diese Gruppe erhielt 2011 eine renommierte Auszeichnung Staatspreis„Kandinsky“, gegründet vom Kulturministerium für die Aktion mit dem Zeichnen eines Penis auf der Zugbrücke gegenüber dem FSB-Gebäude in St. Petersburg.

Die aktuellen „Unruhestifter“, die eine ideologisch destruktive Botschaft umsetzen – der Künstler Pavlensky, Pussy Riot, Blue Rider, ehemals die Kunstgruppe Voina –, sie alle sind genau unter dem Einfluss des Stils der 90er Jahre entstanden, der die Freizügigkeit fördert zum Synonym für Freiheit gemacht. UND ähnliche Beispiele kann als eine der Waffen der Informationskriegsführung bezeichnet werden. Genau wie in den späten 80ern wurde Rock and Roll zu einer Waffe gegen Kommunismus und Sowjetismus. Allerdings finden Aktionen, bei denen riesige Phallusse gezogen oder in Stacheldraht gewickelt werden, im Gegensatz zu Rockhymnen nicht so viele Fans.

Die politischen Untertöne von Brener oder die Provokationen von Ter-Oganyan, der Ikonen mit einer Axt zerhackte, wurden durch eine Orgie der Kunstgruppe „War“ im Museum ersetzt, die im Tempel tanzte, aber das Wesentliche blieb dasselbe – das Der Autor erlangt Berühmtheit (wenn auch skandalös) und erhält Zitate sowie einen möglichen Kunden oder Mäzen – eine politische Metapher, die der breiten Masse zugänglich ist und in Zukunft aktiv genutzt werden kann.

Laut dem Künstler Nikas Safronov entscheiden heute auf der Welt etwa hundert Menschen über die Politik aller Kunst, und es spielt keine Rolle, ob man zeichnen kann oder nicht. Wenn man Charisma hat, wenn man die Leute dazu bringt, über sich selbst zu sprechen, kann das schon Teil der Kunst sein.

Der Zusammenprall von Provokateuren und Konservatismus

Tatsächlich, wie viele Experten sagten, darunter auch A. Konchalovsky in seinem berühmten Vortrag über zeitgenössische Kunst, ersetzt das Ziel der Provokation oft das künstlerische Können, wie man an den Flaggschiffen des Genres sehen kann.

Mit der Stärkung konservativer Gefühle, mit der Stärkung des bürgerlichen Patriotismus und der Staatlichkeit im Allgemeinen stießen die freien Aktionen der Künstler-Provokateure immer mehr auf Kritik.

Zu Beginn des neuen Jahrhunderts hatte sich die postmoderne Mode im Theater, in der Literatur und in den bildenden Künsten verstärkt, doch der gewählte konservative Kurs des Staates führte zu einem Konflikt von Interessen und Vorlieben im künstlerischen Umfeld. Einige wollten etwas zeigen, das einer zusätzlichen Erklärung bedarf, etwas, das weitgehend die westliche Tradition von vor zehn, zwanzig und dreißig Jahren wiederholt. Aber die Prinzipien der Schocktherapie in der Kunst, die gleichzeitig populär gemacht wurden, als die Schocktherapie in der Wirtschaft auf das ganze Land angewendet wurde, konnten die Mehrheit der Bürger nicht begeistern. Schockierend, arrogant, undurchsichtig, trotzig, manchmal aggressiv und depressiv – all das blieb fremd. Als die Förderer dieser Kunst dies erkannten, begannen sie auf dem Elitismus ihres Produkts zu beharren, auf der Tatsache, dass es nur für die Elite, gebildet und hochentwickelt sei. Diese Spaltung wurde zu einem der Konfliktfaktoren. Diese Eigenschaft hat sich in der russischen Geschichte bereits mehr als einmal manifestiert, aber nicht jeder zieht Schlussfolgerungen. Die Menschen werden Rinder, Graumassen, Steppjacken usw. genannt. Die orthodoxe Gemeinschaft, die als „obskurantistisch“ bezeichnet wird, erhält besondere Beinamen. Mit diesem Ansatz grenzt sich eine kleine Gruppe ab und verschließt auch die Möglichkeit, die Popularität auf breitere Schichten auszudehnen, indem sie ihr Produkt als „Kunst nicht für die Massen“ bezeichnet. Nehmen Sie zum Beispiel das Stück „Boris Godunov“ von Bogomolov, in dem auf der Bühne des akademischen Theaters die Machtsituation mit einem Hauch von Modernität dargestellt wird und auf den großen Leinwänden der Abspann „Die Leute sind dumme Rednecks“ gezeigt werden hin und wieder.

Das Befolgen von Traditionen und Grundsätzen für einen Teil der Gesellschaft wird als etwas Schändliches und Rückständiges dargestellt, und dies ist eine der wichtigen Aufgaben der russischen liberalen Ideologie. Das Bild eines „stehlenden Priesters“ erscheint in Filmen („Leviathan“), in Liedern (Vasya Oblomov „Multi-Move“) und auf der Bühne („Boris Godunov“). All dies sieht so aus, als würde man nur einen Trend herausarbeiten wirksame Mittel Demgegenüber scheint die Schaffung eines alternativen künstlerischen Produkts mit Massenattraktivität zu stehen. Hervorragende Beispiele in diesem Bereich sind der Film „The Island“, das Buch „Unholy Saints“ usw.

Die vielleicht klangvollsten Konflikte zwischen Provokation und Konservatismus waren die jüngste Situation mit der Oper Tannhäuser sowie die Skandale um die Ausstellung „Verbotene Kunst“ im Jahr 2006. Hier können wir bereits über den Zusammenprall politischer Konzepte, des Liberalismus und des Westernismus mit dem Naturschutz sprechen, wenn es zu einer bewusst zerstörerischen Auswirkung auf Gegenstände und Gegenstände religiöser Verehrung kommt.

Die Kirche und die Orthodoxie im Allgemeinen werden zu einem Ziel künstlerischer Provokation, die als Mittel zur Beeinflussung nationaler Archetypen bezeichnet werden kann. Dies sind die berühmten Kathedralen der blauen Einläufe, das Schneiden von Ikonen und so weiter.

Tatsächlich kann zeitgenössische Kunst die Politik direkter beeinflussen. Das gleichnamige Stück „Boris Godunow“ ist eine Karikatur der aktuellen Regierung mit Bildern sowohl des Präsidenten als auch des Patriarchen. Es gibt auch Produktionen im „unabhängigen“ Theater.doc, wo die Stücke „Berlusputin“, „Fall Bolotnaja“ und „ATO“ erschienen, und jetzt bereiten sie ein Stück über den ukrainischen Regisseur Sentsov vor, der wegen der Vorbereitung von Terroranschlägen auf der Krim verurteilt wurde . Hier wird das Recht verteidigt, auf der Bühne zu schwören, was als integrales künstlerisches Mittel bezeichnet wird.

Als dieses Theater gleichzeitig Probleme mit den Räumlichkeiten zu bekommen begann, setzten sich sowohl berühmte russische als auch westliche Kulturschaffende aktiv dafür ein. Die Einbeziehung ausländischer Kulturstars in die politische Agenda ist eine beliebte Technik. Sie traten sowohl für Tannhäuser als auch für denselben Senzow ein. Es lohnt sich, an Madonna zu erinnern, die mit der Aufschrift „Russy Riot“ auf dem Rücken zu einem der Konzerte ging, obwohl sie eigentlich nichts über diese Gruppe wusste. Solche Beispiele zeigen die Einheit politischer Ziele und Grundlinien, denen Regisseure, Schauspieler und Künstler zu dienen bereit sind.

Interessant ist auch die Durchdringung der Regionen mit politisierter zeitgenössischer Kunst. Liberale erfreuen sich in den Provinzen traditionell einer geringen Beliebtheit, und durch die Kunst ist es möglich, jene Punkte zu vermitteln, die von den Lippen der besuchenden Politiker nur schwer verstanden werden können. Die Erfahrung von Perm mit der massiven Einführung moderner und obskurer Kunst in die Uralregion hat sich nicht bewährt auf die bestmögliche Art und Weise. Die Apotheose der Beteiligung der Politik an diesem Prozess war die Ausstellung von Wassili Slonow, der die Symbole der Olympischen Spiele in Sotschi in einer abscheulichen und erschreckenden Form darstellte. Aber Theateraufführungen verständlicher, mit ihrer Hilfe lässt sich das Weltbild leichter vermitteln. Deshalb tourt Theater.doc gerne, deshalb hat man versucht, das Skandalstück „Der Bademeister“ in Pskow zu inszenieren, deshalb erscheint „Der orthodoxe Igel“ in Tomsk.

Eine Reihe von Kulturschaffenden schlossen sich den Kolonnen der Demonstranten und Protestteilnehmer an. Das ist an sich nicht neu, da es in der Kunst schon immer viele Rebellen gab, aber die aktuelle Situation in Russland ist frei von jeglichem romantischen Revolutionismus, es ist eher ein eintöniges Spiel der Dissidenz, zu dem Ulitskaya, Makarevich, Akhedzhakova, Efremov, teilweise Grebenshchikov, gehören und andere haben sich angeschlossen. Talentierte Menschen sind größtenteils im Rentenalter. Vertreter der alten Intelligenz, die sich noch an Küchenpolitik und Samizdat erinnern, freuen sich, sie zu sehen, aber junge Leute sind von solchen „Führern der öffentlichen Meinung“ irgendwie nicht beeindruckt. Unter den jungen Oppositionellen sind neben Tolokonnikowa und Aljochina, die selbst von der Opposition zweideutig wahrgenommen werden, die Musiker Vasya Oblomov und Noize MC hervorzuheben, die jedoch nicht so radikal sind.

Wächter in der zeitgenössischen Kunst

Zusammen mit den liberalen Kräften, die in der modernen prowestlichen, postmodernen Kunst ihr lebensspendendes Umfeld sowie die Möglichkeit sehen, eine ihnen nahestehende Ideologie zu verbreiten, tauchten immer mehr Autoren sowie kreative Gewerkschaften auf. die im avantgardistischen Stil der Pop-Art die ohnehin schon patriotischen Werte verteidigen.

Modische Kunstbewegungen können und sollten ein Mittel zur Selbstdarstellung und zur Vermittlung der notwendigen Thesen für die Wächter sein, für diejenigen, die ein unabhängiges Russland brauchen, das traditionelle Werte respektiert.

Beispiele für politischen Schutz in der Kunst finden sich nicht nur in Sälen und Galerien, sondern auch auf den Straßen unserer Städte. Hier finden zahlreiche Ausstellungen von Künstlern statt, die die Politik des Kremls unterstützen, sowie thematische Aufführungen Freiluft, das sowohl Hunderte von Zuschauern als auch Journalisten anzog.

Separat kann es vermerkt werden Straßenkultur– Straßenkunst, eine ihrer beliebtesten Erscheinungsformen ist Graffiti. In Moskau und einer Reihe anderer Städte tauchten immer mehr patriotische Graffiti auf, und zwar in großem Maßstab, die Hunderte von Quadratmetern Fläche bedeckten.

Es gibt auch Künstler, die sich von patriotischen Themen und Bildern der Führer des Landes inspirieren lassen. Eine Entdeckung in diesem Bereich war vor einigen Jahren der St. Petersburger Künstler Alexei Sergienko, der durch eine Porträtserie von Wladimir Putin berühmt wurde. Anschließend schuf er eine Reihe von Gemälden im Stil von Andy Warhol, allerdings nur mit ikonischen russischen Symbolen, sowie eine Sammlung „patriotischer“ Kleidung, die mit Nistpuppen und anderen klassischen Elementen der russischen Kultur verziert war.

In Musik und Literatur hat sich rund um das Thema Donbass eine gewisse patriotische Schicht gebildet. Dabei handelt es sich um Sachar Prilepin, der zuvor als Oppositioneller galt und mit der NBP kollaborierte, und Sergej Schargunow die beliebteste Gruppe„25/17“ mit herzlichen Texten und einer Reihe anderer berühmter Autoren. Diese Menschen und Gruppen, von denen jede Tausende oder Zehntausende Fans hat, bilden ein ernstzunehmendes Gegengewicht zum liberalen Flügel der Kreativen.

Auch ganze Vereine erregen Aufmerksamkeit. So sorgte die Stiftung Kunst ohne Grenzen mit der Ausstellung „At the Bottom“, die Beispiele unmoralischer und teilweise beleidigender Szenen in der Moderne sammelte, für große Resonanz Russisches Theater. Gleichzeitig wurde festgestellt, dass für eine Reihe skandalöser Produktionen Haushaltsmittel eingingen. Dieses Ereignis löste in einem Teil der Theaterszene einen Sturm der Empörung aus.

Die Stiftung selbst ist aber auch für Kunstausstellungen bekannt, in denen junge Autoren Arbeiten zu aktuellen politischen Themen im Stil der Pop-Art zeigen.

Es gab auch Theateraufführungen im patriotischen Geist. Man kann sich an den Versuch des Wladimir-Theaters erinnern, die Geschichte der „Jungen Garde“ in die moderne Ukraine zu übertragen – diese Aufführung erhielt viele verärgerte Kritiken von Kritikern.

Es gibt auch das Projekt „SUP“, das nicht nur durch Lesungen zum Thema des Ukraine-Konflikts, sondern auch durch eine kleine politische Performance über Träume von Revolutionen usw. bekannt wurde historische Erfahrung der genau diese Revolutionen leugnet.

Zu Beginn der Saison (sowohl politisch als auch kreativ) sollten wir mit einer Stärkung der schützenden Verbindung, einer Stärkung und einer größeren künstlerischen Vielfalt rechnen. Zumindest hängt die Aussicht, ein Publikum anzuziehen, von der Qualität des künstlerischen Produkts, seiner Originalität und Wirksamkeit ab, und dies ist in der Tat ein Kampf für die Intelligenz, für diejenigen, die die öffentliche Meinung anführen können. Und die Reflexion von Meinungen und Überzeugungen auf Bühnen und in Hallen ist nicht weniger wichtig als Straßenauftritte.

Über die aktuelle Situation im Bereich der zeitgenössischen Kunst

In der Saison 2015–2016 sprach der liberale Teil der Künstlergemeinschaft weiterhin davon, „die Schrauben festzuziehen“ und den Druck der Regierung zu erhöhen. Der Skandal um die Auszeichnung „ Goldene Maske“, das sie neu formatieren wollten. Der bestehende Expertenrat aus „unseren eigenen Reihen“ wurde geändert, was viele Kritiker und Regisseure empörte. Kirill Serebrennikov und Konstantin Bogomolov weigerten sich sogar, an bevorstehenden Veranstaltungen teilzunehmen. Aber die Experten wurden einfach anders, mit unterschiedlichen Meinungen und Ansichten und nicht mehr aus dem gleichen Lager. Aber selbst das empörte die Liberalen, die in dieser Veränderung Politik sahen. Es stellt sich heraus, dass die sogenannten „freien Schöpfer“ Kritik nicht tolerieren und der renommierteste Theaterpreis usurpiert wurde, um ihre eigenen Kanons und Prinzipien in das heimische Theater einzuführen, die alles andere als klassisch und akademisch sind. Zu den Gewinnern dieser Auszeichnung zählten einst die Autoren der Skandale auf der Hauptbühne. Die „Goldene Maske“ wiederum spielte die Rolle einer Art Schutz: „Nun, man kann ihn nicht schelten, er ist der Träger der „Maske“.

Zeitgenössische Künstler versuchen, sich als besonders und herausragend darzustellen, während sie gleichzeitig ihre eigene Meinung diktieren und der Politik Aufmerksamkeit schenken. Politische Motive können sich nur verstärken nächstes Jahr, was mit Parlamentswahlen und damit einer Zunahme der politischen Aktivität zusammenfällt. Dank des Internets haben zahlreiche Autoren und Kritiker Zugang zu einem breiten Publikum, und helle und originelle Werke werden darauf abzielen, die notwendigen Ideologien zu verbreiten. Auch Manifestationen können nicht ausgeschlossen werden neue Welle politischer Aktionismus.

Natürlich ist es sowohl schwierig als auch irrational, eine solche Welle mit Verboten und Beschränkungen zu unterdrücken. Aber die Praxis symmetrischer Reaktionen scheint durchaus machbar – etwas, das in der Außenpolitik bereits erfolgreich erprobt wurde. Das heißt, in der Kunstwelt wird dies eine Reaktion von Kreativität auf Kreativität, Kreativität auf Kreativität sein, ein Kampf um das Publikum, obwohl die Mehrheit der Bevölkerung immer noch zu konservativen und traditionellen Werten neigt und nicht nach Wegen sucht Um das Abstrakte zu verstehen, ist er nicht bereit, seinen Geschmack durch „Ohrfeigen“ von Künstlern zu ersetzen. Selbstverständlich gilt diese Aussage nicht für regelrechte Provokationen und Rechtsverstöße, gegen die es ganz andere verlässliche Mechanismen gibt.

Folie 2

• Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte des Menschen, der Flucht seiner Vorstellungskraft und seines Geistes, wurde oft zur Stärkung der Macht eingesetzt. Bildhauer, Künstler, Musiker in andere Zeiten schuf idealisierte majestätische Bilder von Herrschern und Führern.
• August von Prima Porto. Römische Statue
• Narmer-Palette. Antikes Ägypten

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Es ist schwierig, N. Berdyaev zu widersprechen, wenn er sagt: „Kunst muss frei sein. Dies ist ein sehr elementares Axiom, weshalb keine Notwendigkeit besteht, Kopien zu zerlegen. Die Autonomie der Kunst wird für immer bekräftigt. Künstlerische Kreativität sollte keinen äußeren Normen unterliegen, seien sie moralischer, sozialer oder religiöser Natur. Freie Künste wächst aus den spirituellen Tiefen eines Menschen, wie eine kostenlose Frucht. Und nur Kunst, in der diese Tiefe spürbar ist, ist tief und wertvoll.“

Bei der Analyse der Besonderheiten der Kunst des 20. Jahrhunderts stellten wir fest, dass der Prozess der Bildung eines neuen Stils begonnen hatte, der die Merkmale der Entwicklung des wissenschaftlichen Bewusstseins, der Technologie und anderer Aspekte der Kultur integriert. Die Einstellung zur Kunst begann sich zu ändern, als etwas, das nur das Leben schmückt; sie wird der Wissenschaft gleichgestellt und begreift dieselben Probleme der Existenz, aber auf andere Weise: mit Hilfe künstlerisches Bild, der neuen Realität angemessen. Dieser Prozess war sowohl für die europäische als auch für die russische Kunst typisch.

Diese Prozesse wurden jedoch durch die radikalen Veränderungen im sozioökonomischen und politischen Bereich des menschlichen Lebens erheblich deformiert.

Das Verständnis für die freie Natur der Kunst war schon immer charakteristisch für den Künstler, aber es ist immer noch schwierig, sich davon fernzuhalten Aktuelle Probleme in Zeiten revolutionärer Veränderungen in der Gesellschaft.

So war K. Malewitsch, wie viele andere Künstler des revolutionären Russlands, zunächst aktiv daran beteiligt soziale Aktivitäten für kulturelle Erneuerung. Allerdings stellt er bald fest: „Zu meinem großen Leidwesen glauben die meisten jungen Künstler, dass der Geist der Erneuerung in der Kunst neuen politischen Ideen und verbesserten sozialen Lebensbedingungen untergeordnet wird, wodurch sie zu Vollstreckern des Willens der Herrscher werden und aufhören.“ um die Schönheit an sich zu erneuern“, schrieb er He. „Sie vergessen, dass der Wert der Kunst nicht auf eine Idee reduziert werden kann, was auch immer sie sein mag, und dass alle Künste längst zu internationalen Werten geworden sind …“

Beachten wir jedoch, dass in totalitären Staaten der Kunst besondere Aufmerksamkeit geschenkt wird. Denken wir über die Gründe für dieses Phänomen nach.

Wie bekannt, Hauptmerkmal Totalitarismus ist die Einheit aller Bereiche des gesellschaftlichen Lebens. Ihr gemeinsamer Nenner ist die Ideologie: in Italien und Deutschland – faschistisch, in der UdSSR – marxistisch-leninistisch, in China – maoistisch usw.

Unter diesen Bedingungen gilt Kunst als das wichtigste Mittel der ideologischen Einflussnahme auf die Bürger des Landes, der Bildung einer besonderen Lebensweise, die ideologischen Leitlinien entspricht.

Zeitgenössische Kunst, die zur Masse wird und neue technische Vertriebsmittel erhalten hat, kann einen viel wirksameren Einfluss haben als direkte Propaganda und nicht nur die Logik, sondern auch die Gefühle der Menschen beeinflussen.

Die totalitäre Regierung schenkt den prestigeträchtigsten Gebieten besondere Aufmerksamkeit. Die Konzentration wirtschaftlicher Hebel und Möglichkeiten in den Händen des Staates ermöglichte es, die Erforschung des Weltraums, die Entwicklung von Oper, Ballett und Sport materiell zu unterstützen und in diesen Bereichen weltweit führende Positionen einzunehmen. Tatsächlich eine großartige Opern- und Ballettschule Bolschoi-Theater Die brillanten Konzerte der Moiseevites, der Schauspielschule des Moskauer Konservatoriums, begeistern seit jeher zahlreiche Fans dieser Genres in vielen Ländern der Welt.

Kulturschaffende selbst werden unabsichtlich in den Prozess der Ideologisierung der Gesellschaft hineingezogen. Und selbst wenn der Künstler seine politische Position nicht bekundet, ist er unweigerlich in ein großes politisches Spiel verwickelt. Dieses Spiel der totalitären Macht mit Künstlern weist einige Regelmäßigkeiten auf: Die Macht nutzt zuerst die Begabtesten von ihnen, ihre kreatives Potenzial und einen revolutionären Impuls zu Propagandazwecken und isoliert sich dann von der Gesellschaft.

Hier sind ein paar typische Beispiele. 1917 wurde K. Malewitsch zum Vorsitzenden der Kunstabteilung des Moskauer Rates der Soldatendeputierten gewählt, damals Mitglied der Sicherheitskommission künstlerische Werte Kunst- und Beauftragter für den Schutz von Wertgegenständen des Kremls. 1924 gründete und leitete er das Staatsinstitut künstlerische Kultur. Doch bereits 1926 wurde er seines Amtes enthoben und das Institut nach einiger Zeit vollständig aufgelöst. 1932 wurden seine Werke in die Ausstellung „Kunst des Zeitalters des Imperialismus“ im Russischen Museum aufgenommen; 1935 fand die letzte Ausstellung seiner Werke (bis 1962) in der Sowjetunion statt. Die erste repräsentative Ausstellung fand jedoch erst 1988 in Moskau statt.

In Deutschland sprachen die Führer des Nationalsozialistischen Studentenbundes 1933 Aula Die Universität Berlin erklärte sich zu Anhängern des Expressionismus – der „ursprünglichen deutschen“ Kunst. Bis 1936 zeigte die Berliner Nationalgalerie Werke von Barlach, Nolde, Franz Marc, Kandinsky und Klee. Bald jedoch wurden solche Ausstellungen von der Gestapo am Tag der Eröffnung verboten oder geschlossen. 1933 sandte Propagandaminister Goebbels zu Ehren seines 70. Geburtstags an Edvard Munch, den „Großen Deutschen Meister“, ein enthusiastisches Telegramm, und bald darauf ordnete er die Verhaftung seiner Gemälde an.

Am 19. Juli 1937, am Vorabend der Eröffnung der Ausstellung „Die Kunst der Degeneration“, hielt Hitler in München eine hasserfüllte Rede: „Von nun an werden wir einen gnadenlosen Reinigungskrieg gegen die verbleibenden Elemente führen.“ Zerstörung unserer Kultur... Mögen diese prähistorischen Kulturfiguren auf der Ebene der Steinzeit und Stotterer der Kunst in die Höhlen ihrer Vorfahren zurückkehren, um dort ihre primitiven kosmopolitischen Gekritzel hinzuzufügen.“

Der Totalitarismus duldet keine Vielfalt und schafft daher seinen eigenen Standard in der Kunst, der offiziell ist, wie etwa der sozialistische Realismus in der UdSSR. Alles, was dem nicht entsprach, wurde verboten. Und das Verbot ist nicht nur deshalb schrecklich, weil es nicht erlaubt, die Ergebnisse der Kreativität zu sehen, sondern auch, weil es zunächst das Bewusstsein des Künstlers verformt und sein Talent in eine bestimmte Richtung lenkt.

Eine der Kurzgeschichten von Ray Bradbury enthält eine weise Warnung an die Menschheit. Ein unvorsichtiger Zeitreisender zerquetschte mit seinem geschmiedeten Stiefel nur einen unauffälligen, unbedeutenden Schmetterling. Als er in die Gegenwart zurückkehrt, stellt er fest, dass dies zu einem Regierungswechsel geführt hat.

Mit jeder abgeschnittenen Suche verarmt die Menschheit ihr spirituelles Leben.

In einer totalitären Gesellschaft war Kunst selbstverständlich magische Bedeutung, weil man glaubte, dass in einem Buch, einem Film usw. Es muss auf jeden Fall einen gutaussehenden, klugen, patriotischen Helden geben, denn wenn man ihn kennengelernt hat, werden auch die Menschen so. Aber das Wesen der Kunst erschöpft sich nicht in ihrem gesellschaftlichen Klassengehalt, es ist ihm egal, ob er ein proletarischer Künstler oder ein Bourgeois ist, sondern es kommt darauf an, ob er talentiert oder untalentiert ist, egal was Der Beruf seines Helden ist - er ist ein Narr, ein König oder ein Bauer, aber wichtig ist, wie genau das Werk interpretiert wird ewige Themen Gut und Böse, Liebe, Wahrheit, Schönheit ...

Die wichtigste Voraussetzung für Kreativität ist Freiheit. Aber „der Totalitarismus zerstörte die Gedankenfreiheit in einem Ausmaß, das in keinem früheren Zeitalter unvorstellbar war“, schrieb J. Orwell. - ...Die für uns wichtige Frage lautet: Kann Literatur in einer solchen Gesellschaft überleben? Mir scheint, dass die Antwort kurz ausfallen wird: Nein, das geht nicht. Wenn der Totalitarismus weltweit siegt, wird die Literatur sterben ... Und in der Praxis scheint der Totalitarismus bereits folgende Ergebnisse erzielt zu haben: Die italienische Literatur befindet sich in einem tiefen Niedergang, und in Deutschland existiert sie fast nicht mehr. Das Verbrennen von Büchern ist der aufschlussreichste Aspekt der Aktivitäten der Nazis, und selbst in Russland kam es nicht zu der erwarteten Blüte der Literatur; die meisten talentierten russischen Schriftsteller begehen Selbstmord oder verschwinden in Gefängnissen.“

Verbot von Innovationen, Billigung der fotografischen Ästhetik des „Sozialistischen Realismus“, „Rückkehr zum Klassizismus“, Proklamation der „Überlegenheit“ Sowjetische Kunstüber die Künste aller Länder und aller vergangenen Zeiten“ wurde zu einem echten Drama der russischen Kultur.

Dutzende Kulturschaffende verließen das Land, und viele Jahre lang wurden ihre Namen aus der Kultur Russlands gelöscht (V. Kandinsky beispielsweise wurde in sowjetischen Publikationen als deutscher Expressionismus eingestuft), S. Yesenin, Vl. Piast, M. Tsvetaeva beging Selbstmord, P. Filonov, in extreme Armut getrieben, starb in den ersten Tagen Leningrad-Blockade, N. Gumilyov, B. Pilnyak, B. Yasensky und viele andere wurden erschossen, I. Babel, O. Mandelstam,

V. Meyerhold und viele andere starben in Gefängnissen und Lagern. Vl. Mayakovsky und A. Fadeev erschossen sich selbst, weil sie sich der schrecklichen Folgen bewusst waren, die es mit sich brachte, ihr Talent in den Dienst der Partei zu stellen. Andere, wie B. Pasternak und A. Achmatowa, mussten jahrzehntelang schweigen. B. Pasternak, der mit dem Nobelpreis ausgezeichnet wurde, konnte sich dafür nicht bewerben.

Aus einem anderen totalitären Staat - faschistisches Deutschland- Ein weiterer Preisträger, der deutsche Journalist Karl Ossietzky, ein offener Gegner des Nationalsozialismus, konnte 1935 nicht ausreisen. NS-Zeitungen schrieben damals: „Die Verleihung des Nobelpreises an den berühmtesten Verräter ist eine so arrogante und skrupellose Herausforderung, eine solche Beleidigung des deutschen Volkes, dass eine angemessene Antwort gegeben werden muss.“ K. Ossetsky wurde in ein Konzentrationslager geworfen, nachdem seine Frau in einem erzwungenen Telegramm an die Schwedische Akademie den Preis abgelehnt hatte, wurde er in eine Klinik gebracht, wo er bald starb.

Was totalitären Regimen gemeinsam ist, ist die Globalisierung der Kunst als Folge der Globalisierung der Aufgaben: das Tausendjährige Reich in Deutschland und eine wunderbare Zukunft für die gesamte Menschheit in der UdSSR. Daher gibt es in beiden Ländern monumentale Denkmäler von beispielloser Größe. Sogar das Lebendige, das die Kunst immer nährt – Sitte, Tradition – ist in einen ideologischen Schleier gehüllt. Übrig bleibt nur das, woraus die eigenen Dominanten des totalitären Systems erwachsen.

So begann die „wahre“ Geschichte Russlands im Jahr 1917, und die Vorgeschichte begann mit den Dekabristen, die die nationale Befreiungsbewegung eröffneten. Die Geschichte wird neu geschrieben, Denkmäler werden abgerissen und zerstört. historisches Umfeld. Und in jeder Stadt gibt es anstelle historischer Namen die Straßen Sovetskie, Krasnoarmeyskie und Kommunisticheskie.

Vereinfachen wir das Problem jedoch nicht dadurch, dass wir argumentieren, dass im Totalitarismus die Entstehung einzigartiger, talentierter Kunstphänomene unmöglich ist.

Das Leben in einem totalitären Staat ist immer komplizierter als Pläne. Die hellsten und fröhlichsten Filme, die zu Klassikern geworden sind, wie „Circus“, „Wolga-Wolga“ und „Jolly Fellows“, entstanden in den tragischen Vorkriegsjahren für das Land. Ihr Erfolg wurde nicht nur durch das Talent ihrer Schöpfer bestimmt, sondern auch durch die Bedürfnisse der sowjetischen Bevölkerung nach solcher Kunst, die überwiegend in Gemeinschaftswohnungen und vor den Augen der Öffentlichkeit lebte und einerseits einen Ausgleich für die Realitäten der Ohnmacht brauchte Existenz, und andererseits, der fest an eine glänzende Zukunft glaubte.

Unter diesen Bedingungen, als, wie J. Orwell sagte, „alle Kunst Propaganda ist“, schufen Künstler nicht nur, weil sie eine ideologische Ordnung hatten, viele von ihnen bekannten sich auch aufrichtig zu den Werten der neuen Gesellschaft.

Allerdings in totalitäre Regime immer entwickelt sich neben der offiziellen Kunst eine Parallelkultur – der Untergrund, d.h. Untergrundkultur, die sich durch „Samizdat“, Dissidenz und den weit verbreiteten Gebrauch der äsopischen Sprache manifestiert.

Jeder kennt die Namen von V. Vysotsky, B. Okudzhava, B. Akhmadulina. Dies sind die Künstler, deren Ausstellung in Moskau (Izmailovo) von Bulldozern zerstört wurde. Und jene Künstler, Schriftsteller, Regisseure, deren Arbeit nicht völlig verboten war, versteckten die wahre Bedeutung im Subtext, den die Intelligenz zu „lesen“ lernte. Die Theater „Sowremennik“ und „Auf Taganka“ waren berühmt für ihre Allegorien: „ Literarische Zeitung", Zeitschrift " Neue Welt", Filme von A. Tarkovsky. Künstler nutzten die äsopische Sprache, um ihre Werke zu zeigen, denn, wie Vrubel argumentierte, ist ein Künstler ohne Anerkennung seiner Arbeit durch die Öffentlichkeit, ohne Dialog mit dem Betrachter, zum Vergessen verurteilt.

Der große Humanist unserer Zeit, A. Schweitzer, bemerkte in seinem weithin bekannten Buch „Kultur und Ethik“ aus dem Jahr 1923:

„...Wenn die Gesellschaft das Individuum stärker beeinflusst als das Individuum die Gesellschaft, beginnt der Verfall der Kultur, weil in diesem Fall der entscheidende Wert – die spirituellen und moralischen Neigungen einer Person – notwendigerweise gemindert wird.“ Die Gesellschaft wird demoralisiert und unfähig, die vor ihr liegenden Probleme zu verstehen und zu lösen. Die Folge ist, dass es früher oder später zu einer Katastrophe kommt.“

Dieser tiefe Gedanke gibt uns den Schlüssel zum Verständnis vieler Prozesse und Phänomene im Bereich der Kultur, sowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart, die mit der Interaktion zwischen Künstler und Gesellschaft zusammenhängen.

Eine offensichtliche Voraussetzung für die Freiheit der Kreativität ist die tatsächliche Verkörperung demokratischer Ideale im Leben der Gesellschaft. Allerdings kann kein einziges Land der Welt eine Lösung für dieses kritische Problem für sich in Anspruch nehmen. Verkündigung demokratischer Normen durch die Weltgemeinschaft und viele Länder im 20. Jahrhundert. ist zweifellos eine große Errungenschaft für die Menschheit. Gleichzeitig ist ihre umfassende Umsetzung noch nicht Realität geworden. Freiheit, die nicht über die materiellen Voraussetzungen für ihre Verwirklichung verfügt, kann nicht in die Realität umgesetzt werden und bleibt nur in der Welt des Möglichen. Darüber hinaus kann eine Gesellschaft, in der die Macht des Geldes so groß ist, grundsätzlich nicht wirklich demokratisch sein. Übrigens ist die Kommerzialisierung der Kultur, die alle so sehr beunruhigt, kein Zufall, sondern eine natürliche Folge der modernen sozioökonomischen Struktur demokratischer Gesellschaften.

So die Kunst des 20. Jahrhunderts. Es stellte sich heraus, dass es – in der einen oder anderen Form – mit Verlusten und Gewinnen in den sozialen und politischen Kontext einbezogen wurde.

Warum versucht die Regierung, die Kunst in der einen oder anderen Form zu beeinflussen?

Welche Formen des Machteinflusses auf die Kunst gibt es in totalitären und demokratischen Staaten?

Wie beeinflusst die Gesellschaft die Kunst in demokratischen Staaten?

Lektion 1. „Kunst und Macht“

I. Grüße. Einleitendes Wort des Lehrers.

Heute müssen wir in der Lektion die Beziehung und vielleicht den Gegensatz zweier Konzepte wie „Kunst“ und „Macht“ verstehen. Zuerst müssen Sie Antworten auf die Fragen finden: (FOLIE 1)

Was ist Kunst?

Was ist Macht? (Antworten der Schüler).

Kunst - der Prozess und das Ergebnis eines sinnvollen Ausdrucks von Gefühlen in einem Bild. Kunst ist ein integraler Bestandteil der menschlichen Kultur.
Leistung - das ist die Möglichkeit und Fähigkeit, sich durchzusetzenWille , beeinflussen die Aktivitäten und das Verhalten anderer Menschen, auch trotz ihres Widerstands.

Die Macht erschien mit dem Auftauchen menschliche Gesellschaft und wird seine Entwicklung in der einen oder anderen Form immer begleiten.

Wann entstand Kunst? (Antworten der Schüler)

Der Ursprung der Kunst und die ersten Schritte der künstlerischen Entwicklung der Menschheit gehen auf das primitive Gemeinschaftssystem zurück, als die Grundlagen des materiellen und geistigen Lebens der Gesellschaft gelegt wurden.

Welche Schlussfolgerung können wir aus all dem ziehen?

Abschluss: Kunst und Macht entstanden und entwickelten sich gleichzeitig und sind integraler Bestandteil der Gestaltung des gesellschaftlichen Lebens.

II. Neues Material lernen.

Oft nutzt die Regierung das kulturelle Umfeld der Gesellschaft, um das Massenbewusstsein zu beeinflussen. Mit Hilfe der Kunst wurde die weltliche oder religiöse Macht gestärkt.

Kunst verkörperte die Ideen der Religion in sichtbaren Bildern, verherrlichte Herrscher und verewigt die Erinnerung an Helden.

Als eines der ersten Beispiele für den Einfluss von Macht auf die Kunst können wir das Aussehen von Stein- oder Holzidolen betrachten, die von Naturvölkern geschaffen wurden. Dabei spielt es keine Rolle, ob es sich um ein Bild eines Menschen oder eines Tieres handelte. Meistens lösten solche monumentalen Idole bei einem Menschen Ehrfurcht aus und zeigten seine Bedeutungslosigkeit gegenüber den Kräften der Natur und den Göttern. Im gleichen Zeitraum komplett spezieller Ort In der antiken Gesellschaft hatten Schamanen und Priester enorme Macht. (FOLIE 2)

Wie unterscheidet sich die Kunst des alten Ägypten von der Kunst primitiver Stämme?

In der Kunst des alten Ägypten finden wir neben Götterbildern auch Bilder des Pharaos. Sohn des Sonnengottes Ra. Seine irdische Inkarnation. Er ist den Göttern ebenbürtig und beherrscht die Menschen. Und wieder kommt die Kunst der Macht zu Hilfe. Die Namen der Pharaonen in Fresken verewigen, ihre Gesichtszüge in Totenmasken bewahren, mit Hilfe monumentaler Monumente wie Pyramiden, Paläste und Tempel von ihrer Größe erzählen. (FOLIE 3,4)

Aber die Frage ist: Ist Kunst in dieser Zeit personifiziert?

Die Bilder, die wir in dieser Zeit sehen, sind kanonisch, sie sind verallgemeinert und idealisiert. Besonders deutlich können wir dies in der Kunst des antiken Roms beobachten Antikes Griechenland. Erinnern Sie sich an die Beschreibung des Aussehens von Herkules: „Herkules war um Kopf und Schultern größer als alle anderen und seine Kraft übertraf die eines Mannes.“ Die Augen leuchteten in einem ungewöhnlichen, göttlichen Licht. Er schwang den Bogen und den Speer so geschickt, dass er nie verfehlte“, nicht wahr? perfektes Bild ein in Mythen verewigter Held. (FOLIE 5)

Das antike Rom, in vielerlei Hinsicht der Erbe Griechenlands, idealisierte weiterhin die Bilder seiner Helden, Kaiser und Götter. Doch immer mehr richtet sich die Aufmerksamkeit der Kunst auf eine bestimmte Person, Porträts vermitteln immer klarer und gewissenhafter die Merkmale der porträtierten Person. Oftmals war dies auf ein gesteigertes Interesse an der einzelnen Person zurückzuführen, mit der Erweiterung des Kreises der Dargestellten.

Während der Republik wurde es üblich, Statuen an öffentlichen Orten aufzustellen (in vollständige Höhe) politische Beamte oder militärische Kommandeure. Eine solche Ehre wurde durch Beschluss des Senats verliehen, meist zur Erinnerung an Siege, Triumphe und politische Erfolge. Solche Porträts wurden meist von einer Widmungsinschrift begleitet, die über die Verdienste berichtete. Wenn jemand ein Verbrechen beging, wurden seine Bilder zerstört, während den Statuen der Gouverneure lediglich die „Köpfe“ verändert wurden. Mit der Entstehung des Kaiserreichs wurde das Porträt des Kaisers und seiner Familie zu einem der wirkungsvollsten Propagandamittel. (FOLIE 6)

Vor uns liegt ein Porträt von Kaiser Octavian Augustus in Form eines Kommandanten. Er hält eine Rede vor der Armee. Die Muschel des Kaisers erinnert an seine Siege. Unten ist ein Bild eines Amors auf einem Delphin zu sehen (was den göttlichen Ursprung des Kaisers symbolisiert).

Natürlich sind sowohl das Gesicht als auch die Figur des Kaisers idealisiert und entsprechen voll und ganz den Kanons des damaligen Bildes.

Eine Möglichkeit, Macht zu erlangen, ist der Bau prachtvoller Paläste. Der Luxus der Dekoration löste beim einfachen Mann oft ein Gefühl der Bedeutungslosigkeit vor dem Adel aus. Wieder einmal werden Klassenunterschiede betont und die Zugehörigkeit zu einer höheren Kaste angezeigt.

Etwa zur gleichen Zeit begann man mit der Errichtung von Triumphbögen und -säulen zum Gedenken an Siege. Meistens waren sie mit skulpturalen Darstellungen von Kampfszenen und allegorischen Gemälden verziert. In den Wänden von Triumphbögen sind oft die Namen von Helden eingraviert. (FOLIE 7)

Im 15. Jahrhundert, nach dem Fall von Byzanz, das als Nachfolger des Römischen Reiches galt und als „zweites Rom“ bezeichnet wurde, wurde Moskau zum Zentrum der orthodoxen Kultur. Die Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben byzantinischer Traditionen. Dies spiegelt sich in den Worten wider: „Moskau ist das dritte Rom, aber es wird nie ein viertes geben.“

Um diesem hohen Status gerecht zu werden, wurde im Auftrag des Großfürsten von Moskau Iwan III. die Mariä Himmelfahrt-Kathedrale in Moskau 1475-1479 vom italienischen Architekten, dem erfahrensten Architekten und Ingenieur Aristoteles Fioravanti, erbaut. (FOLIE 8)

Der Abschluss des Baus der ersten Steinkirche in Moskau – der Mariä-Entschlafens-Kathedrale – war der Anlass für die Gründung des Chors der Souveränen Singenden Diakone. Die Größe und Pracht des Tempels erforderte eine größere musikalische Kraft als zuvor. All dies betonte die Macht des Souveräns.

Aber kommen wir zurück große Siege, wie in antikes Rom Triumphbögen werden zum Gedenken an errungene Siege errichtet.

1. Triumphbogen in Paris - ein Denkmal auf dem Charles-de-Gaulle-Platz, errichtet 1806-1836 vom Architekten Jean Chalgrin.Erbaut im Auftrag von Napoleon I., der den Ruhm seiner Armee verewigen wollte. Die Namen der Generäle, die an der Seite des Kaisers kämpften, sind in die Wände des Bogens eingraviert (FOLIE 9)

2. Triumphtor (Bogen) in Moskau.Ursprünglich wurde der Bogen auf dem Twerskaja-Zastava-Platz an der Stelle eines Holzbogens errichtet, der 1814 für das feierliche Treffen der nach dem Sieg über Paris aus Paris zurückkehrenden russischen Truppen errichtet wurde Französische Truppen. Die Tore sind mit russischen Rittern geschmückt - allegorische Bilder Sieg, Ruhm und Tapferkeit. Die Wände des Bogens waren mit weißem Stein aus dem Dorf Tatarova bei Moskau ausgekleidet, die Säulen und die Skulptur waren aus Gusseisen gegossen(FOLIE 10, 11)

Die Feier der Macht in der Musik können wir besonders deutlich in der Musik beobachten. Zum Beispiel in der Nationalhymne des Russischen Reiches von 1833 (1917) „God Save the Tsar!“ Musik Prinz Alexei Fedorovich Lvov, Worte von Wassili Andrejewitsch Schukowski „Russisches Gebet“. An genau diesen literarischen „Lehrer“ von Puschkin, Schukowski

- Wer kann ein Beispiel für die Verwendung dieser Art von Hymnen geben? Die morderne Geschichte? (Gott schütze die Königin).

Ein Beispiel moderne NutzungÄhnliche Hymnen können als britische Hymne dienen.

III. Unabhängige Arbeit

- Welchen Einfluss hat Macht auf die Kunst?

- Wie tief sind ihre Beziehungen?

Sie können sich Ihre Meinung zu diesem Thema bilden, indem Sie die folgenden Fragen beantworten: (FOLIE 12)

1. Wozu diente Kunst bei der Entwicklung der menschlichen Kultur? (zur Stärkung der Macht – religiös und weltlich)

2. Wie trug Kunst dazu bei, die Macht und Autorität der Herrscher zu stärken? (Kunst verkörperte die Ideen der Religion in sichtbaren Bildern; verherrlichte und unsterbliche Helden; verlieh ihnen außergewöhnliche Qualitäten, besonderen Heldenmut und Weisheit)

3. Welche Traditionen sind in diesen monumentalen Bildern erkennbar? (Traditionen, die bis in die Antike zurückreichen – die Verehrung von Götzen, Gottheiten, die Ehrfurcht hervorrufen)

4. Welches wirkt am deutlichsten mit verstärkter Kraft? (Reiterstatuen, Triumphbögen und -säulen, Kathedralen und Tempel)

5. Welcher Bogen und zu Ehren welcher Ereignisse wurde in Moskau am Kutusowski-Prospekt restauriert? ( im Jahr 1814 Triumphtore zu Ehren des Treffens der aus Europa zurückkehrenden russischen Befreiungsarmee nach dem Sieg über Napoleon; es wurde 1936 abgerissen; 1960 wurde es auf dem Siegesplatz in der Nähe nachgebaut Poklonnaja Gora, an der Stelle, an der Napoleons Armee in die Stadt einmarschierte)

6. Welcher Bogen ist in Paris installiert? (durch Erlass Napoleons zu Ehren seiner Armee; In den Wänden des Bogens sind die Namen der Generäle eingraviert, die an der Seite des Kaisers kämpften)

7. Zu welchen Zeiten wurde Moskau zum Zentrum der orthodoxen Kultur? (im 15. Jahrhundert nach dem Fall von Byzanz, das als Nachfolger des Römischen Reiches galt und das Zweite Rom genannt wurde)

8. Wie hat sich das kulturelle Image des Moskauer Staates verbessert? (Der Hof des Moskauer Zaren wird zum Wohnort vieler kulturell gebildeter Orthodoxer, Architekten, Baumeister, Ikonenmaler und Musiker)

9. Warum wurde Moskau das „Dritte Rom“ genannt? (Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben römischer Traditionen)

10. Welcher Architekt begann mit dem Wiederaufbau des Moskauer Kremls? (Italienischer Architekt Fiorovanti)

11. Was markierte den Abschluss des Baus der ersten Steinkirche in Moskau – der Mariä Himmelfahrt-Kathedrale? (die Bildung eines Chores aus souveränen Gesangsbeamten, da die Größe und Pracht des Tempels eine größere Kraft im Klang der Musik erforderte)