Zeremoniell bedeutet feierlich. Porträts russischer Könige des 18. Jahrhunderts. Feierliches Porträt

In der Malerei - eine der fruchtbarsten. Das Bild eines Menschen, die subtilste und spirituellste Wiedergabe seiner Gesichtszüge auf Leinwand, berührte Menschen unterschiedlicher Klassen und Einkommen. Diese Bilder waren halbfigurig und ganzfigurig, in Landschaften und in Innenräumen. Größte Künstler Sie wollten nicht nur individuelle Merkmale einfangen, sondern auch die Stimmung und Innenwelt ihres Modells vermitteln.

Gerichtsgenre

Porträts können Genre-, Allegorien- usw. sein. Was ist ein zeremonielles Porträt? Es ist eine Art historisches. Dieses Genre entstand am Hof während der Herrschaft der Monarchen. Der Sinn und das Ziel der Autoren des zeremoniellen Porträts war nicht nur die Fähigkeit, möglichst genau zu vermitteln, sondern so zu schreiben, dass eine Person verherrlicht und erhöht wird. Meister dieses Genres erlangten fast immer große Berühmtheit, und ihre Arbeiten wurden von den Kunden großzügig bezahlt, da zeremonielle Porträts normalerweise von Adligen – Königen und ihren hochrangigen Mitarbeitern – in Auftrag gegeben wurden. Und wenn der Maler den Monarchen selbst mit einer Gottheit identifizierte, verglich er seine Würdenträger mit einer regierenden Person.

Unterscheidungsmerkmale

Eine majestätische Figur in der ganzen Pracht der Insignien und Machtsymbole, platziert in einer prächtigen Landschaft, vor dem Hintergrund schlanker Figuren oder in einem üppigen Interieur – das ist ein zeremonielles Porträt. Der soziale Status des Helden der Leinwand rückt in den Vordergrund. Solche Werke wurden geschaffen, um eine Person als solche einzufangen historische Figur. Oft erscheint eine Person auf einem Bild in einer etwas prätentiösen, theatralischen Pose, die ihre Bedeutung hervorheben soll. Die seelische Struktur und das Innenleben waren nicht Gegenstand der Darstellung. Hier werden wir auf den Gesichtern der Aristokraten nichts als einen erstarrten, feierlichen und majestätischen Ausdruck sehen.

Ära und Stil

Was ist ein zeremonielles Porträt im Stil der damaligen Zeit? Dies ist ein Versuch, die Realität anhand der Gesichter bedeutender Persönlichkeiten zu „historisieren“ und sie in eine für die damalige Zeit auffällige Umgebung und Umgebung einzupassen. Die allgemeine Farbgebung solcher Gemälde war elegant und pompös; im Rokoko erwies sie sich als dekorativ und raffiniert und erlangte im Klassizismus feierliche Zurückhaltung und Klarheit.

Sorten zeremonieller Porträts

Zeremonien können in verschiedene Arten unterteilt werden: Krönung, nach dem Bild eines Kommandanten, Reiter, Jagd, halbzeremoniell.

Das aus ideologischer Sicht wichtigste war das Krönungsporträt, in dem der Künstler den Kaiser am Tag seiner Thronbesteigung festhielt. Es gab alle Attribute der Macht – eine Krone, einen Mantel, einen Reichsapfel und ein Zepter. Häufiger wurde der Monarch in vollem Wachstum dargestellt, manchmal sitzend auf dem Thron. Der Hintergrund des Porträts war ein schwerer Vorhang, der an die Backstage eines Theaters erinnerte und der Welt etwas über das Gewöhnliche offenbaren sollte, sowie Säulen, die die Unantastbarkeit der königlichen Macht symbolisierten.

So sehen wir Katharina die Große auf dem Porträt aus dem Jahr 1770. Das Porträt von Jean Auguste Ingres „Napoleon auf dem Thron“ (1804) wurde im gleichen Genre gemalt.

Oftmals zeigte ein zeremonielles Porträt des 18. Jahrhunderts eine königliche Figur in der Gestalt eines Militärs. Auf dem 1797 von Stepan Schtschukin geschaffenen Porträt von Paul I. ist der Monarch in der Uniform eines Obersten des Preobraschenski-Regiments dargestellt.

Ein Porträt in Militäruniform mit Auszeichnungen deutete auf einen bestimmten Status der auf der Leinwand verkörperten Person hin. Typischerweise stellten solche Meisterwerke glorreiche Kommandeure nach bedeutenden Siegen dar. Die Geschichte kennt zahlreiche Bilder von Alexander Suworow, Michail Kutusow und Fjodor Uschakow.

Die Gemälde europäischer Meister zeigen beredt, was ein zeremonielles Porträt eines Herrschers zu Pferd ist. Eines der berühmtesten ist Tizians Gemälde, auf dem der größte italienische Maler der Renaissance 1548 Karl V. auf einem stattlichen Hengst reitet. Der österreichische Hofmaler Georg Prenner malte ein Reiterporträt der Kaiserin mit ihrem Gefolge (1750-1755). Die ungestüme Anmut der prächtigen Pferde verkörpert die kühnen und ehrgeizigen Pläne der Königin.

Ein Jagdporträt, in dem der Aristokrat meist in Gesellschaft von Hunden oder mit Wild in stolz erhobener Hand dargestellt wurde, könnte die Männlichkeit, Geschicklichkeit und Stärke des Adligen symbolisieren.

Ein halbzeremonielles Porträt erfüllte alle grundlegenden Anforderungen, stellte die Person jedoch in halber Länge und nicht in voller Höhe dar.

Das Interesse an diesem Genre hält bis heute an.

Vor Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte entwickelten sich in der russischen Malerei überwiegend Traditionen der Ikonenmalerei.

Den Erinnerungen von Zeitgenossen zufolge wurden in Russland zu dieser Zeit alle Bilder mit Ikonen verwechselt: Wenn die Russen das Haus eines Fremden betraten, verneigten sie sich oft vor dem ersten Bild, das ihnen ins Auge fiel. Allerdings im 18. Jahrhundert. Die Malerei begann nach und nach europäische Züge anzunehmen: Künstler beherrschten die lineare Perspektive, die es ihnen ermöglichte, die Tiefe des Raums zu vermitteln, versuchten, das Volumen von Objekten mithilfe von Hell-Dunkel korrekt darzustellen, und studierten Anatomie, um sie genau zu reproduzieren menschlicher Körper. Die Technik der Ölmalerei verbreitete sich und es entstanden neue Genres.

Ein besonderer Platz in der russischen Malerei des 18. Jahrhunderts. hat das Porträt gemacht. Die frühesten Werke dieses Genres stehen der Parsuna des 17. Jahrhunderts nahe. Die Charaktere sind feierlich und statisch. Ivanov A. B. Geschichten über russische Künstler - M. Aufklärung 1988

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts. In Russland arbeiteten ausländische Maler, insbesondere I.G. Tannauer und L. Caravaque.

Die 1757 gegründete Akademie der Künste bestimmte den Weg der russischen Kunst in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das von der Akademie wiederbelebte Rentnertum war keine einfache Lehrzeit mehr, sondern wurde zu Beginn des Jahrhunderts zu einer künstlerischen Zusammenarbeit, die russischen Künstlern europäische Anerkennung verschaffte. Leitrichtung akademische Malerei Es gab den Klassizismus, dessen Grundprinzipien am konsequentesten in der historischen Gattung vereint waren, die antike, biblische und nationalpatriotische Themen im Einklang mit den bürgerlichen und patriotischen Idealen der Aufklärung interpretierte. Frolova A.R. Fyodor Rokotov hatte eine Hand // Panorama der Künste 9. M., 1989. Der Begründer des historischen Genres in Russland war A.P. Losenko (1737 - 73). Früh verwaist Bauernsohn Seine Kindheit verbrachte er in der Ukraine. Dann landete er durch Zufall in St. Petersburg, wo er erstmals im Hofchor sang. Nachdem ich dann die ersten Lektionen von I.P. Argunov war einer der ersten Absolventen der Akademie der Künste und verbrachte seinen Ruhestand in Paris und Rom. In seinem Werk tauchten in der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts Merkmale des Klassizismus auf. realistische Tendenzen sind stark ausgeprägt („Wladimir und Rogneda“, 1770, Staatliches Russisches Museum; „Hektors Abschied von Andromache“, 1773, Tretjakow-Galerie). Mit wahrem Geschick malte Losenko auch Porträts seiner Zeitgenossen, meist prominente Persönlichkeiten der russischen Kultur (Porträts von F. Volkov, Tretjakow-Galerie und dem Staatlichen Russischen Museum; A. P. Sumarokov. I. I. Shuvalov, Schauspieler Ya. D. Shumsky, alle im Staat). Russisches Museum). An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. herausragender Meister Historienmalerei war G. I. Ugryumov (1764 - 1823), dessen Werke ein zunehmendes öffentliches Interesse an der russischen Geschichte zeigten („Der feierliche Einzug Alexander Newskis in Pskow nach dem Sieg über die deutschen Ritter“, 1793-94; „Die Berufung Michails“. Fedorovich ins Königreich“, ca. 1800, beide im Staatlichen Russischen Museum usw.). Savinov A. N. [Einführung. Art.] // Fjodor Stepanowitsch Rokotow und Künstler seines Kreises: Ausstellungskatalog. M., 1960.

Das führende Genre der russischen Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es gab ein Porträt. Die Entwicklung des Porträtgenres in der Ära Peters des Großen wurde durch den Einfluss der westlichen Malerei bestimmt, basierte aber gleichzeitig auf der Tradition des vorigen Jahrhunderts (Parsun). Die Entstehung der Porträtmalerei war mit der Arbeit von I.I. verbunden. Nikitin und A.M. Matwejewa. Lomonosov M.V. Sämtliche Werke. T. 8. M.; L., 1959

Die Gravur wurde zu einem neuen Phänomen in der Kunst. Der berühmteste Meister war A.F. Zubow. Zeremonielles Porträt von Rokotov

Künstler der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts begannen sich mehr für die persönlichen Verdienste eines Menschen, seine moralischen Qualitäten und seine innere Welt zu interessieren. Sie betrachten Kunst als Mittel der Bildung und streben daher danach, sie vernünftig, klar und logisch zu gestalten. Auch andere Genres der Malerei entwickeln sich. Es entsteht ein Genresystem (Porträt, Monumental- und Dekorationsmalerei, Landschaftsmalerei, Historienmalerei). Die bedeutendsten Autoren des historischen Genres waren A.P. Losenko und G.I. Ugrjumow. In der Entwicklung der Porträtmalerei zeichneten sich zwei Trends ab: eine Steigerung künstlerisches Niveau und der Realismus des Bildes und die Blüte des zeremoniellen Porträts. In den Werken von A.P. Antropovs traditionelle Merkmale der Parsuna waren besonders stark ausgeprägt. Er wurde einer der Schöpfer des Genres Kammerporträt(Porträt von Izmailova). Porträts von F.S. Rokotov zeichnet sich durch Intimität, Subtilität und Psychologismus aus (Porträt von A.P. Struyskaya). D.G. Levitsky beschäftigte sich viel mit dem Genre der zeremoniellen Porträtmalerei. Kreativität V.L. Borovikovsky (Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert) wird mit den Ideen des Sentimentalismus in Verbindung gebracht. Er war der erste, der Landschaftshintergründe in Porträts einführte. Balakina T.I. Geschichte der russischen Kultur - Lehrbuch. M Publishing Center 1996

Ende des 18. Jahrhunderts. Es erschienen Leinwände mit Szenen aus dem Bauernleben (M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), es entstand ein Interesse an Landschaftslandschaften (S.F. Shchedrin), es entstand eine städtische Architekturlandschaft (F.Ya. Alekseev).

Der Hauptunterschied zwischen einem zeremoniellen Porträt und historischen Porträts anderer Stile und Strömungen besteht in seiner auffallenden Ausdruckskraft und Feierlichkeit. Zeremonielle Porträts wurden hauptsächlich für Personen hoher Klasse und Rangs geschaffen, die einen hohen Status und Autorität in der Gesellschaft hatten. Ein historisches Porträt in einer zeremoniellen Militäruniform ist auch heute noch relevant; viele einflussreiche Menschen möchten sich wie ihre Vorfahren aus dem Adelsstand des vorletzten Jahrhunderts einfangen. Romanycheva I. G. Zur Biographie von F.S. Rokotova // Kulturdenkmäler. Jahrbuch. 1989. M., 1990.

Zeremonielles Porträt Im 18. Jahrhundert handelt es sich um einen hellen, figurativ ausgedrückten Druck einer edlen Person, der von einem Künstler geschaffen wurde, der über seine eigenen außergewöhnlichen Mittel zur Beschreibung eines zeremoniellen Porträts, seine eigene Klangfarbe und historische Klarheit verfügt, in dem ein helles kostümiertes Bild zu sehen ist spielt eine große Rolle.

Eine Militäruniform weist auf die Zugehörigkeit zu einem bestimmten militärischen Status hin; Orden spiegeln besondere Verdienste um das Vaterland wider. Die Uniform nach dem Vorbild des 18. Jahrhunderts existierte bis zum Beginn der Oktoberrevolution 1917 und war die begehrteste Auszeichnung für die höchste bürokratische Führung.

Ein zeremonielles Porträt in Marineuniform nimmt hinsichtlich der Schönheit der Wahrnehmung einen besonderen Platz in der Porträtkunst ein und wurde oft von Künstlern nach glorreichen militärischen Siegen und siegreichen Seeschlachten der russischen Flotte geschaffen.

Heutzutage ist es auch in Mode gekommen, es darzustellen moderner Mann In Militäruniformen des 18.-19. Jahrhunderts verleihen Militärporträts dieser Zeit, behängt mit verschiedenen Auszeichnungen, schönen und leuchtenden Orden, dem zeremoniellen Porträt das ungewöhnlichste in unserer Zeit, den Prunk der Wahrnehmung.

Historische Porträts von Militärangehörigen in schöner Uniform wirken immer feierlich und sorgen bei ihren Besitzern für eine heitere Stimmung.

Ein historisches Porträt in einer zeremoniellen Militäruniform des 18.-19. Jahrhunderts ist eine glorreiche Fortsetzung der Traditionen unserer Vorfahren.

In den Jahren, als Antropov noch seine Porträts schuf – präzise, etwas trocken und ziemlich schwer in der Malerei – war bereits eine ganze Galaxie junger Meister der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts hervorgetreten, die ein neues Verständnis des Bildes eines Menschen entscheidend bestätigten Person und die bildlichen Mittel ihrer Verkörperung. In kurzer Zeit stellten diese Meister die russische Porträtmalerei auf eine Stufe mit den besten Werken der zeitgenössischen westeuropäischen Kunst. . Savinov A. N. [Einführung. Art.] // Fjodor Stepanowitsch Rokotow und Künstler seines Kreises: Ausstellungskatalog. M., 1960.

An der Spitze dieser Galaxie standen Rokotov und Levitsky.

Fjodor Stepanowitsch Rokotow (1735/36–1808/09) ist einer der bemerkenswertesten Meister der russischen Porträtmalerei des 18. Jahrhunderts. Die Originalität seines Schaffens kam bereits in den 60er Jahren voll zur Geltung, geprägt durch das Erscheinen einer Reihe von Antropovs besten Werken. Allerdings Vergleich sogar frühe Arbeiten Rokotov weist mit den reifen Werken Antropovs deutlich auf den Beginn einer neuen Periode in der Entwicklung der russischen Kunst hin, einer neuen Stufe der Vorstellungen über die menschliche Persönlichkeit. Rokotovs Porträts zeichnen sich durch eine solche Menschlichkeit und lyrische Tiefe aus, die bisher für die russische Porträtmalerei nicht charakteristisch waren. Voronina N. Brillante Porträtmalerin des 18. Jahrhunderts. - Künstler 1972 Nr. 5

Am häufigsten sind bildliche Darstellungen von Königtum ah (und insbesondere im 18. Jahrhundert) werden auf der Grundlage zeremonieller Porträts gebildet, von denen aktiv Kopien angefertigt und verbreitet wurden. Solche Porträts können „gelesen“ werden, weil sich das Modell in ihnen immer in einer Umgebung befindet, die dazu beiträgt, ein Gefühl von Bedeutung, Ungewöhnlichkeit und Feierlichkeit des Bildes zu erzeugen, und jedes Detail einen Hinweis auf die realen oder imaginären Vorzüge enthält Eigenschaften der Person, die wir vor uns sehen.
Es ist unmöglich, die meisten zeremoniellen Porträts nicht zu bewundern. Doch die Frage, wie wahr das Porträt ist, bleibt offen.

Zum Beispiel das Bild von Katharina, das ich geschaffen habe Jean-Marc Nattier im Jahr 1717:

Aber das intimere Porträt von Catherine in einem Peignoir, gemalt von Louis Caravacome in den 1720er Jahren.
Es scheint, dass die Forscher zu dem Schluss kamen, dass die Kaiserin im Porträt zunächst mit tiefem Ausschnitt dargestellt war und dann ein blaues Band auftauchte, was als Anspielung auf das Band des Ordens des Heiligen Andreas des Ersten verstanden werden kann. Angerufen und der hohe Status der Person. Der einzige Hinweis.

Die Ernennung zum offiziellen Hofmaler – Hofmahler – erhielt Louis Caravaque erst unter Anna Ioannowna, zuvor gelang es ihm jedoch, eine Reihe von Porträts der Familie Peters des Großen zu malen. Darunter sind auch einige, die nach modernen Maßstäben ungewöhnlich sind.
Erstens erinnere ich mich persönlich sofort an das Porträt Zarewitsch Peter Petrowitsch im Bild des Amors

Hier muss natürlich gesagt werden, dass Russland die Galanterie des Rokoko aus Europa übernommen hat, zusammen mit seiner besonderen Atmosphäre der Maskerade, dem Spiel mit den Helden und Göttern der antiken Mythologie und Verhaltensweisen, die die Bildtradition nur beeinträchtigen konnten .
Und doch liegt etwas Eigenartiges in der Tatsache, dass wir den kleinen Peter, „Shishechka“, wie seine liebevollen Eltern, die große Hoffnungen in ihn setzten, ihn nannten, genau so sehen. Aber die Geburt dieses Jungen, der nicht einmal vier Jahre alt wurde, sowie sein zunächst relativ guter Gesundheitszustand besiegelten tatsächlich das Schicksal von Zarewitsch Alexei.
Wir können uns auch Pjotr Petrowitschs ältere Schwester Elisabeth vorstellen, die sich an das Porträt desselben Caravaque aus dem Jahr 1750 erinnert:

Oder ein Porträt seines Schülers Ivan Vishnyakov aus dem Jahr 1743:

Aber auch zu Lebzeiten der Kaiserin erfreute sich ein weiteres Porträt von Elizaveta Petrovna, das Caravaque Mitte der 1710er Jahre malte, großen Erfolg, in dem sie im Bild der Göttin Flora dargestellt ist:

Die zukünftige Kaiserin wird nackt und liegend in einem blauen, mit Hermelin gefütterten Gewand dargestellt – ein Zeichen der Zugehörigkeit zur kaiserlichen Familie. IN rechte Hand Sie hält eine Miniatur mit einem Porträt von Peter I. in der Hand, an deren Rahmen ein blaues Andreasband befestigt ist.
Ja, das ist eine Tradition, aber in einem solchen Bild steckt auch eine gewisse Pikantheit. N. N. Wrangel hinterließ eine interessante Bemerkung zu dem Porträt: „Hier ist ein kleines Mädchen, ein achtjähriges unbekleidetes Kind mit dem Körper eines erwachsenen Mädchens, das kokett das Porträt ihres Vaters hält und so freundlich und zärtlich lächelt , als würde sie bereits an Saltykov, Shubin, Sivers, Rasumovsky, Shuvalov und all die anderen denken, die dieses schöne Geschöpf danach liebte.“
Allerdings bemerkte er auch, dass Elizabeth viele Bilder hatte.
Hier ist Elizaveta Petrovna in einem Herrenanzug, der ihr so gut stand:

A.L. Weinberg betrachtete das Porträt als Werk Caravaques und datierte es auf 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova glaubte, dass es sich hierbei um eine studentische Kopie von Levitsky aus dem Werk von Antropov handelte, die auf den ikonografischen Typus von Caravaque zurückgeht.

Und hier ist ein weiteres Porträt von Elisabeth im Herrenanzug – das Lehrbuch „Porträt der Kaiserin Elisabeth Petrowna auf einem Pferd mit einem kleinen Araber“, gemalt von Georg Christoph Groot aus dem Jahr 1743:

Dieses Porträt kann als zeremonielles Porträt bezeichnet werden. Hier ist der Orden des Heiligen Andreas des Erstberufenen, ein blaues Moiré-Band mit einem Schild, ein Marschallstab in der Hand der Kaiserin, eine Verklärungsuniform sowie die Tatsache, dass Elisabeth Petrowna wie ein auf einem Pferd sitzt Mann und die Militärflotte in der Bucht sichtbar.
Caravaque hat auch ein „Porträt eines Jungen im Jagdanzug“, über das verschiedene Versionen konstruiert wurden. Sie nannten es sowohl das Porträt von Peter II. als auch das Porträt Peter III und... ein Porträt von Elizabeth. Aus irgendeinem Grund ist es mir sehr nahe letzte Version.

Es gibt eine ganze Reihe zeremonieller Porträts von Katharina II. Sie wurden sowohl von nach Russland eingeladenen Ausländern als auch von russischen Künstlern geschrieben. Man erinnere sich beispielsweise an das Porträt von Katharina vor einem Spiegel von Vigilius Eriksen, bei dem der Künstler eine einzigartige Technik verwendet, die es ihm ermöglicht, die Kaiserin sowohl im Profil als auch von vorne zu zeigen.

Das Profilbild der Kaiserin diente für das von Rokotov gemalte zeremonielle Porträt:

Catherine selbst liebte offenbar ein weiteres von Eriksen gemaltes Porträt, das sie zu Pferd zeigt:

Würde es trotzdem tun! Schließlich symbolisiert das Porträt den für die Kaiserin verhängnisvollen Tag, den 28. Juni 1762, als sie an der Spitze der Verschwörer nach Oranienbaum aufbrach, um einen Palastputsch durchzuführen. Catherine sitzt rittlings auf ihrem berühmten Pferd Diamond und ist im Militärstil gekleidet – sie trägt die Uniform eines Garde-Infanterieoffiziers.
Das Porträt war ein großer Erfolg am Hof; im Auftrag der Kaiserin wiederholte er sein Werk dreimal und variierte dabei die Größe der Leinwand.

Eriksen malte auch ein Porträt von Katharina II. in Shugai und Kokoshnik:

Man erinnere sich vielleicht an das unzeremonielle Porträt von Katharina II. im Reiseanzug, gemalt von Michail Schibanow, einem Künstler, über den fast nichts bekannt ist. Liegt es nur daran, dass er Potemkin nahe stand?:

Ich erinnere mich an die unzeremoniellen Porträts von Katharina der Großen; es ist unmöglich, an dem von Borovikovsky geschaffenen Bild vorbeizukommen.

Der Künstler zeigte Katharina II. „zu Hause“, in Umhang und Mütze. Eine ältere Dame geht gemütlich, auf einen Stab gestützt, durch die Gassen des Zarskaselski-Parks. Neben ihr sitzt ihr Lieblingshund, ein englischer Windhund.
Die Idee eines solchen Bildes entstand wahrscheinlich im literarischen und künstlerischen Kreis von Nikolai Lwow und ist eng mit einer neuen Kunstrichtung namens Sentimentalismus verbunden. Bezeichnend ist, dass das Porträt Katharinas II. nicht nach dem Leben ausgeführt wurde. Es gibt Hinweise darauf, dass Perekusikhin, ihr Lieblingszimmermädchen (Zimmerdiener), im Kleid der Kaiserin für den Künstler posierte.
Interessant ist übrigens, dass im 18. Jahrhundert in Russland nur 8 offizielle Hofmaler tätig waren, darunter nur einer Russe, und selbst dann endete sein Leben fast tragisch. Daher ist es nicht verwunderlich, dass russische Künstler keine Gelegenheit hatten, Kaiser und Kaiserinnen lebend zu malen.
Für diese Arbeit wurde Borovikovsky, über den Lampi arbeitete, der Titel „ernannter“ Akademiker verliehen. Doch trotz der Anerkennung durch die Akademie der Künste gefiel der Kaiserin das Porträt nicht und sie wurde nicht von der Palastabteilung erworben.
Aber genau in diesem Bild hat Puschkin sie in der „Ehrengeschichte“ „Die Tochter des Kapitäns“ festgehalten.

Städtische Bildungseinrichtung

Zusätzliche Ausbildung Kinder

"Kinder Kunstschule»

WEIBLICHE BILDER IN PORTRÄTS DES 18. JAHRHUNDERTS

(F.S. Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Abgeschlossen von: Schüler der 4-A-Klasse.

Städtische Bildungseinrichtung der Kinderkunstschule Selenogorsk

Grigorjewa Anastasia Wladlenowna

Wissenschaftlicher Betreuer: Lehrer

Kunstgeschichte MOU DOD DHS

Solomatina Tatjana Leonidowna

Selenogorsk

Die Stellung der Frau in der russischen Gesellschaft des 18. Jahrhunderts und die Kunst des Porträts ………………………………………………………………………………… 3

Das Bild einer russischen Frau im Porträt Kunst XVIII Jahrhunderte…………4

2.1. Prunkporträt einer Frau aus der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

2.1. Merkmale des zeremoniellen Porträts;

2.2. UND I. Wischnjakow

2.3. D.G. Levitsky

Kammerbildnis einer Frau aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

Merkmale eines Kammerporträts

2.2.2. V.L. Borowikowski

2.2.3. F.S. Rokotova

Ein Frauenporträt des 18. Jahrhunderts ist eine der höchsten Errungenschaften der russischen Porträtmalerei………………………………………………………16

Referenzliste………………………………………………………17

Abbildungsverzeichnis………………………………………………………18

Bewerbungen…………………………………………………………………………….19

Der Platz der Frau in der russischen Gesellschaft des 18. Jahrhunderts

Und die Kunst des Porträts

Vom Anfang des 18. Jahrhunderts, nach einem eher primitiven Bild menschliches Gesicht Künstler brachten ihr Können zu außergewöhnlicher Perfektion. Inländische Meister lernten bei ausländischen Malern und übernahmen deren Wissen nicht nur, sondern übertrafen es auch und fügten ihrer Kunst eine zutiefst russische Note hinzu (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Porträts vom Anfang des Jahrhunderts zeigen hauptsächlich die soziale Zugehörigkeit einer Person, ihre beste Seiten, seine pompöse, manchmal fiktive Schönheit. Doch im Laufe des Jahrhunderts veränderten sich der Staat, die öffentliche Stimmung sowie die Haltung des Künstlers gegenüber der dargestellten Person stark. Die Meister haben es sich nicht mehr zur Aufgabe gemacht, das Porträt wie das Vorbild aussehen zu lassen. Sie interessierten sich weniger für die Feierlichkeit der Präsentation als vielmehr für die innere Welt eines Menschen, sein Wesen, seine Veranlagung zur Spiritualität. Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts vermittelten Maler die Seele ihrer Modelle, die subtilsten Stimmungen und die Variabilität der Charaktere.

Ziel meiner Arbeit ist es, diese Tendenz zu beweisen, d.h. ein allmählicher Übergang von den äußeren Merkmalen einer Person zur Übertragung ihres inneren Zustands.

Um dieses Problem zu lösen, konzentrierte ich meine Aufmerksamkeit auf die Porträtmalerei der folgenden herausragenden russischen Künstler:

UND I. Vishnyakova;

F.S. Rokotova;

D.G. Levitsky;

V.L. Borowikowski.

Um die Porträts dieser Künstler zu charakterisieren, habe ich eine Vielzahl von Quellen herangezogen, deren Liste am Ende der Arbeit aufgeführt ist. Unter den Büchern, die ich verwendet habe, befinden sich Werke zur Kunst der ausgewählten Zeit (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17) sowie Monographien, der Kreativität gewidmet einzelne Künstler (2,3, 9,13,15).

Das Bild einer russischen Frau in der Porträtkunst des 18. Jahrhunderts

Prunkvolles Frauenporträt der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts

Die führende Rolle in der Malerei der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts kam dem Porträt zu. Die Porträtkunst entwickelte sich in zwei Genres: formal und Kammerkunst.

Merkmale eines zeremoniellen Porträts

Das zeremonielle Porträt ist in vielerlei Hinsicht ein Produkt des Barockstils mit seinem schweren Prunk und seiner düsteren Erhabenheit. Seine Aufgabe ist es, nicht nur einen Menschen, sondern eine wichtige Person in der ganzen Pracht ihrer hochgesellschaftlichen Stellung zu zeigen. Daher die Fülle an Accessoires, die diese Position und den theatralischen Pomp der Pose betonen sollen. Das Modell wird vor dem Hintergrund einer Landschaft oder eines Innenraums dargestellt, jedoch immer im Vordergrund, oft in voller Höhe, als ob es den umgebenden Raum mit seiner Erhabenheit verdrängen würde. (12)

Mit zeremoniellen Porträts wurde einer der führenden Porträtmaler dieser Zeit, I.Ya., berühmt. Wischnjakow.

Das tadellose „Auge“ und der tadellose Geschmack des Künstlers machten Vishnyakov zu einem der besten Porträtmaler seiner Zeit. Kein Wunder, dass er nicht nur Porträts regierender Personen kopieren, sondern auch malen durfte, um sie dann für zahlreiche Paläste, Regierungsinstitutionen und private Würdenträger zu „replizieren“ (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn). html)

Dem Künstler gefielen der dekorative Luxus der zeremoniellen Gewänder seiner Zeit, ihre Theatralik und Festlichkeit. Mit Bewunderung vermittelt er die Materialität und Objektivität der Welt, indem er sorgfältig und liebevoll die erstaunlichen Kostüme des 18. Jahrhunderts entwirft, mit ihren Stoffen mit komplexen Mustern, verschiedenen Farben und Texturen, mit feinsten Stickereien, Spitzen und Verzierungen. Als Meisterdekorateur kreiert Vishnyakov eine außergewöhnliche Farbpalette. Und obwohl das Muster über den starren Falten der Kleidung zu liegen scheint, ist es greifbar und ähnelt, in den Worten des Kunstkritikers T.V. Ilyina, (6) der Quelle „dem Bereich der luxuriösen antiken russischen Miniaturen des 17. Jahrhunderts“. ” oder das florale Ornament eines Freskos aus dieser Zeit.“ Und über all diesem Reichtum der materiellen Welt schauen und atmen die Gesichter der Menschen.

Im Jahr 1743 malte Vishnyakov ein Porträt der Kaiserin Elisabeth – repräsentativ und prächtig. Elizabeth - in einer Krone, mit Zepter und Heulen, in einem luxuriösen, glänzenden Moiré-Kleid. Es ist merkwürdig, dass ihm dieses Porträt so gut gefiel, dass Vishnyakov von nun an beauftragt wurde, den Stil anderer Porträts von Elisabeth zu überprüfen, egal wer sie malte – er wurde sozusagen zum obersten Schiedsrichter in Fragen der kaiserlichen Ikonographie. In der Zwischenzeit porträtierte er selbst Elizabeth trotz der Pracht der Situation im Gegensatz zu ihr als eine gewöhnliche Frau – eine blutrünstige russische Schönheit mit schwarzen Augenbrauen und rosigen Wangen, eher freundlich und zugänglich als stattlich oder königlich. Nachdem sie sich die Eigenschaften der Macht angeeignet hatte, gewöhnte sich Elizabeth nie daran. Etwas Heimeliges, Warmes, Lächelndes und Rustikales, natürlich nicht ohne List und nicht ohne Intelligenz, blieb in ihrem Aussehen, und Vishnyakov spürte es deutlich.

Vishnyakovs Kinderporträts waren die besten.

Eines der interessantesten ist das Porträt von Sarah Fermor. (Abb.3) Dies ist ein für die damalige Zeit typisches Zeremonienbild. Das Mädchen ist in voller Länge an der Kreuzung zu sehen Freifläche und ein Landschaftshintergrund mit der obligatorischen Säule und dem schweren Vorhang. Sie trägt ein elegantes Kleid und hält einen Fächer. Ihre Haltung ist zurückhaltend, aber in dieser gefrorenen Feierlichkeit steckt viel Poesie, ein Gefühl ehrfürchtigen Lebens, umgeben von hoher Kunstfertigkeit und großer spiritueller Wärme. Das Porträt vereint, wie es für Vishnyakov typisch ist, scheinbar scharf gegensätzliche Merkmale: In ihm spürt man die noch immer lebendige russische mittelalterliche Tradition – und die Brillanz der Form der zeremoniellen europäischen Kunst des 18. Jahrhunderts. Die Figur und die Pose sind konventionell, der Hintergrund ist flach gehalten – es handelt sich um eine offen dekorative Landschaft –, aber das Gesicht ist dreidimensional geformt. Die exquisite Schrift des grau-grün-blauen Kleides verblüfft durch den Reichtum der vielschichtigen Malerei und hat eine Tradition der Verflachung. Es wird auf illusorische und materielle Weise vermittelt, wir erraten sogar die Art des Stoffes, aber die Blumen sind ohne Berücksichtigung der Falten in Moiré verstreut, und dieses „Muster“ liegt auf der Ebene, wie in einer alten russischen Miniatur. Und über dem gesamten Schema des zeremoniellen Porträts – und das ist das Erstaunlichste – lebt das ernste, traurige Gesicht eines kleinen Mädchens mit nachdenklichem Blick ein angespanntes Leben.

Das Farbschema – Silbertonmalerei, Verzicht auf helle lokale Flecken (was allgemein für den Pinsel dieses Meisters charakteristisch war) – ist der Natur des Modells geschuldet, zerbrechlich und luftig, ähnlich einer Art exotischer Blume (http://. (www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Wie aus einem Stängel wächst ihr Kopf auf einem dünnen Hals, ihre Arme hängen kraftlos herab, über deren übermäßige Länge mehr als ein Forscher geschrieben hat. Dies ist durchaus berechtigt, wenn wir das Porträt vom Standpunkt der akademischen Korrektheit der Zeichnung aus betrachten: Wir stellen fest, dass die Hände im Allgemeinen für Meister am schwierigsten waren, die keine systematische „schulische“ Ausbildung erhalten hatten, also für die Künstler der Mitte. 18. Jahrhundert und insbesondere Vishnyakov, aber ihre Länge betont auch hier harmonisch die Zerbrechlichkeit des Modells, ebenso wie die dünnen Bäume im Hintergrund. Sarah Farmer scheint nicht das wahre 18. Jahrhundert zu verkörpern, sondern das Vergängliche, das am besten in den skurrilen Klängen des Menuetts zum Ausdruck kommt, das 18. Jahrhundert, von dem man nur geträumt hat, und sie selbst ist unter Vishnyakovs Pinsel wie die Verkörperung eines Traums .

Vishnyakov schaffte es in seinen Werken, die Bewunderung für den Reichtum der materiellen Welt mit einem hohen Sinn für Monumentalität zu verbinden, der nicht durch die Liebe zum Detail verloren ging. Bei Vishnyakov geht dieser Monumentalismus auf die alte russische Tradition zurück, während die Anmut und Raffinesse der dekorativen Struktur von einer hervorragenden Beherrschung der Formen der europäischen Kunst zeugen. Die harmonische Kombination dieser Eigenschaften macht Ivan Yakovlevich Vishnyakov zu einem der brillantesten Künstler einer so komplexen Übergangszeit in der Kunst wie in Russland Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte.

D.G. Levitsky

Das zeremonielle Porträt nimmt in Levitskys Werk einen großen Platz ein. Hier kommt die seiner Malerei innewohnende Dekorativität in ihrer ganzen Brillanz zum Vorschein.

In zeremoniellen Porträts Reifezeit Levitsky befreit sich von theatralischer Rhetorik; sie sind erfüllt von Fröhlichkeit, festlichem Lebensgefühl, strahlendem und gesundem Optimismus.

Besonderes Augenmerk sollte auf die großen zeremoniellen Porträts von Studenten des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen in voller Länge gelegt werden, die ein einziges dekoratives Ensemble bilden.

„Porträt von Chowanskaja und Chruschtschowa“, 1773, Staatliches Russisches Museum (Abb. 8)

Im Auftrag von Katharina II. malte Levitsky eine Reihe von Porträts von Studenten des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Die beiden in diesem Porträt dargestellten Mädchen spielen auf der Institutsbühne Rollen aus der komischen Oper „The Launen der Liebe oder Ninetta at Court“.

Chruschtschowa berührt mit gestemmten Armen spielerisch das Kinn ihrer Freundin. Ein spöttisches Lächeln spielt auf dem hässlichen, aber sehr ausdrucksstarken Gesicht des Mädchens. Sie spielt selbstbewusst die männliche Rolle. Ihre Partnerin Khovanskaya blickt den „Herren“ schüchtern an; ihre Verwirrung ist an der unbeholfenen Drehung ihres Kopfes zu erkennen, an der Art und Weise, wie ihre Hand hilflos auf dem glänzenden Satin ihres Rocks liegt. Wir sehen Landschaftsszenen, die einen englischen Park, klassische Ruinen und die Silhouette einer Burg darstellen. Auf der linken Seite ist ein ausladender Baum zu sehen – ein Hintergrund für die Figur von Chruschtschowa, im Vordergrund – ein falscher Hügel, der zusätzliches Licht vom Publikum abdeckt. Die Mädchen werden vom Licht der Rampenlichter beleuchtet, weshalb die Schatten auf dem Boden und die Konturen der Figuren so deutlich hervortreten. Chruschtschowa trägt ein dunkelgraues Seidenhemd, das mit goldenen Borten verziert ist. Im Institutstheater, wo nie Jungen auftraten, galt Chruschtschowa als unübertroffene Darstellerin männlicher Rollen. Doch nach dem College war ihr Schicksal erfolglos und sie konnte keinen wichtigen Platz in der Welt einnehmen. Und Katya Khovanskaya wird die Aufmerksamkeit aller auf sich ziehen, die Frau des Dichters Neledinsky-Meletsky und die erste Interpretin der von ihrem Ehemann geschriebenen Lieder werden.

„Porträt der Nelidova“ 1773 (Abb. 7)

Dies ist der älteste der Smoljaner. Noch während ihres Studiums an der Smolny-Universität wurde sie für ihr hervorragendes Schauspiel auf der Bühne bekannt, insbesondere beim Tanzen und Singen von Liedern. Im Porträt spielt sie eine Rolle im Theaterstück „Die Magd ist die Herrin“. Sie ist sich ihres eigenen Charmes bereits bewusst, hat das Bedürfnis zu gefallen und beherrscht die Fähigkeiten des theatralischen Verhaltens perfekt. Die Figur steht selbstbewusst in einer Ballettpose, der Griff hebt anmutig die Spitzenschürze an, rosa Bänder zieren den Strohhut der „Hirtin“ – alles vermittelt das Gefühl einer Porzellanpuppe. Und ein lebhaftes Gesicht, lachende Augen, ein Lächeln erklären, dass das alles nur ein Spiel ist. Vor dem Hintergrund sind zartgrüne Baumgruppen und leichte, elegante Wolken zu sehen

Porträts von E. I. Nelidova (1773), (Abb. 7) E. N. Khrushchova und E. N. Khovanskaya (1773), (Abb. 8), G. I. Alymova (1776) (Abb. 2) und andere. Die figurative Struktur dieser Werke ist mit der Charakteristik zeremonieller Porträts des 18. Jahrhunderts verbunden. Darstellung einer Frau als „fröhliches, fröhliches Wesen, das nur Lachen und Spaß liebt“. Aber unter Levitskys Pinsel wurde diese allgemeine Formel mit realistisch überzeugenden Lebensinhalten gefüllt.

Hoher Klassizismus in Malerei – „Katharina die Zweite – Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit“ 1783, Staatliches Russisches Museum. (Abb. 3)

Dies ist eine echte Bilder-Ode mit allen inhärenten Merkmalen dieses Genres. Der Charakter ist eine Kaiserin in zeremonieller Kleidung, eine gerechte, vernünftige, ideale Herrscherin. Die Kaiserin präsentiert sich in einem weißen, silbern schimmernden Kleid strengen Schnitts mit einem Lorbeerkranz auf dem Kopf und einem Ordensband auf der Brust. Sie trägt ein schweres Gewand, das von ihren Schultern herabfließt und die Größe der Kaiserin betont.

Katharina wird vor dem Hintergrund eines feierlichen Vorhangs, breiter Falten, die breite Säulen umhüllen, und eines Sockels dargestellt, auf dem die Statue von Themis, der Göttin der Gerechtigkeit, steht. Hinter der Kolonnade, hinter einer strengen Balustrade, sind ein stürmischer Himmel und ein Meer mit darauf fahrenden Schiffen dargestellt. Catherine streckte mit einer breiten Geste ihre Hand über den beleuchteten Altar aus. Neben dem Altar sitzt auf dicken Blättern ein Adler, der Vogel des Zeus. Das Meer erinnert an die Erfolge der russischen Flotte im 18. Jahrhundert, die Gesetzesbände, die Katharina als Legislativkommission schuf, die Themis-Statue – an die von Dichtern verherrlichte Gesetzgebung der Kaiserin. Aber das ist natürlich nicht das wirkliche Erscheinungsbild von Katharina, sondern das Bild eines idealen Monarchen, wie ihn das Zeitalter der Aufklärung haben wollte. Das Gemälde war ein großer Erfolg und es wurden zahlreiche Kopien davon angefertigt.

V.L. Borowikowski

„Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park“ ist ein Porträt von Katharina II. von Wladimir Borowikowski, geschrieben im Einklang mit Sentimentalismus, einem der bedeutendsten berühmte Bilder Kaiserin.

Borovikovsky malte ein für die damalige Zeit ungewöhnliches Porträt, das vom Geist einer neuen Bewegung des Sentimentalismus durchdrungen war – im Gegensatz zum Klassizismus, der damals die kaiserlichen Porträts dominierte. Charaktereigenschaften Diese Richtung ist die Idealisierung des Lebens im Schoß der Natur, der Kult der Sensibilität und das Interesse am Innenleben des Menschen. Der Sentimentalismus manifestiert sich in der Ablehnung zeremonieller Palastinterieurs durch den Autor und seiner Vorliebe für die Natur, die „schöner als Paläste“ sei. „Zum ersten Mal in der russischen Kunst wird der Hintergrund eines Porträts zu einem wichtigen Element bei der Charakterisierung des Helden. Der Künstler verherrlicht die menschliche Existenz inmitten der natürlichen Umwelt und interpretiert die Natur als Quelle ästhetischen Vergnügens.

Die 65-jährige Katharina läuft im Zarskoje-Selo-Park spazieren und stützt sich wegen ihres Rheumas auf einen Stab. Ihre Kleidung ist ausgesprochen informell – sie trägt einen Morgenmantel, der mit einer Spitzenrüsche mit Satinschleife verziert ist, und eine Spitzenmütze, zu ihren Füßen tummelt sich ein Hund. Die Herrscherin wird nicht als Göttin, sondern als einfache „Kasaner Gutsbesitzerin“ dargestellt, die sie in ihren letzten Lebensjahren gerne als Besinnliche, ohne Amtsträger, Feierlichkeit oder zeremonielle Attribute, darstellte. Das Porträt ist zu einer heimischen Version des englischen „Portrait-Walk“-Typs geworden. In der Dämmerung des Parks sieht man einen Pier mit Sphinxen, im See schwimmen Schwäne. Das Gesicht des Models ist verallgemeinert und bedingt geschrieben, ihr Alter wird gemildert.

So dringt „natürliche Einfachheit“ in das zeremonielle Porträt ein, was das Bild neben der Sentimentalität teilweise dem Klassizismus der Aufklärung näher bringt. Die Haltung der Kaiserin ist jedoch voller Würde, die Geste, mit der sie auf das Denkmal ihrer Siege zeigt, ist zurückhaltend und majestätisch.

Im Gegensatz zu Katharina – Levitskys Themis wird Borovikovskys Ekaterina als „alte Frau“ einer Kasaner Gutsbesitzerin dargestellt, die mit ihrem geliebten italienischen Windhund durch den Garten spaziert. Borovikovsky schuf ein für die damalige Zeit ungewöhnliches Porträt. Catherine wird gezeigt, wie sie im Morgenmantel und mit Mütze im Zarskoje-Selo-Park spazieren geht, zu ihren Füßen ihr liebster italienischer Windhund. Sie erscheint dem Betrachter nicht als Felitsa, nicht als gottähnliche Königin, die vom Himmel herabgestiegen ist, sondern als einfache „Kasaner Gutsbesitzerin“, als die sie in ihren letzten Lebensjahren gerne erschien.

Der Künstler stellte die Figur Katharinas mit unübertroffener Sympathie dar. Dies ist keine alte Kaiserin, sondern in erster Linie eine Person, eine Frau, die der Staatsangelegenheiten und der Hofetikette ein wenig überdrüssig ist und die in ihrem freien Moment nichts dagegen hätte, allein zu sein, Erinnerungen zu schwelgen und die Natur zu bewundern. „In der russischen Kunst ist dies das erste Beispiel eines königlichen Porträts, das seinem Wesen nach intim ist und sich einem Genregemälde nähert.

Aber auch in diesem intimen Porträt gibt es ein „emblematisches Motiv einer Säule“ – die Chesme-Säule (Kahul-Obelisk – nach der Version des Porträts des Staatlichen Russischen Museums), das trotz aller Sentimentalität des Bildes von Katharina In der gesamten Handlung des Porträts symbolisiert es „Festigkeit oder Beständigkeit“, „Standhaftigkeit des Geistes“ und „feste Hoffnung“. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und dem geschickten Einsatz von Kostümen sehr elegant.

Vishnyakovs zeremonielle Porträts zeichnen sich durch einen hohen Sinn für Monumentalität aus, ohne dabei die Liebe zum Detail zu verlieren. Bei Vishnyakov geht dieser Monumentalismus auf die alte russische Tradition zurück, während die Anmut und Raffinesse der dekorativen Struktur von einer hervorragenden Beherrschung der Formen der europäischen Kunst zeugen.

Die Originalität des russischen Zeremonienporträts im Werk von Borovikovsky, das vor allem die Stellung des Menschen in der Klassengesellschaft verherrlichen sollte, war der Wunsch, die innere Welt des Menschen zu offenbaren. Seine Porträts sind vom Geist einer neuen Bewegung des Sentimentalismus durchdrungen – im Gegensatz zum Klassizismus, der damals die kaiserlichen Porträts dominierte.

Levitsky war sowohl bei intimen Porträts als auch bei zeremoniellen Bildern in voller Länge gleichermaßen gut.

Levitskys zeremonielle Porträts offenbaren den inhärenten dekorativen Charakter seiner Malerei in ihrer ganzen Pracht.

In den zeremoniellen Porträts seiner Reifezeit befreit sich Levitsky von der theatralischen Rhetorik; sie sind von einem Geist der Fröhlichkeit erfüllt.

2. Merkmale eines Kammerporträts der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

Kammerporträt – ein Porträt, bei dem die dargestellte Person in Halbfigur, Brust oder Schulter dargestellt wird. In einem Kammerporträt wird die Figur meist vor einem neutralen Hintergrund dargestellt.

Ein Kammerporträt ist nicht nur eine Reihe äußerer Merkmale, es ist eine neue Sichtweise auf eine Person. Wenn in einem zeremoniellen Bild das Kriterium für den Wert einer menschlichen Persönlichkeit ihre Handlungen waren (die der Betrachter durch Attribute erfuhr), dann treten in einem Kammerbild moralische Qualitäten in den Vordergrund.

Der Wunsch, die individuellen Qualitäten eines Menschen zu vermitteln und ihn gleichzeitig ethisch zu bewerten.

Borovikovsky sprach verschiedene Formen Porträt – intim, zeremoniell, Miniatur Wladimir Lukitsch Borowikowski war der bedeutendste russische sentimentale Künstler. Buch von A.I. Arkhangelskaya „Borovikovsky“ (3) erzählt von den Hauptetappen der Arbeit dieses wunderbaren russischen Künstlers, der auf Russisch verfasst wurde Bildende Kunst Vertreter des Sentimentalismus. Laut dem Autor ist V.L. Borovikovsky „ein Sänger der menschlichen Persönlichkeit, der danach strebt, das Ideal des Menschen so darzustellen, wie er und seine Zeitgenossen ihn sich vorgestellt haben.“ Er war der erste russische Porträtmaler, der die Schönheit des Gefühlslebens offenbarte. Kammerporträts nehmen in Borovikovskys Werk einen vorherrschenden Platz ein.

Borovikovsky wird bei einem breiten Spektrum des St. Petersburger Adels beliebt. Der Künstler porträtiert ganze „Familienclans“ – die Lopuchins, Tolstois, Arsenjews, Gagarins, Bezborodkos, die seinen Ruhm über verwandte Kanäle verbreiteten. Dieser Abschnitt seines Lebens umfasst Porträts von Katharina II, ihre vielen Enkelkinder, Finanzminister A.I. Wassiljew und seine Frau. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und dem geschickten Einsatz von Kostümen sehr elegant. Borovikovskys Helden sind meist untätig, die meisten Models geraten in den Wahnsinn ihrer eigenen Sensibilität. Dies kommt durch das Porträt von M. I. Lopukhina (1797) und das Porträt von Skobeeva (Mitte der 1790er Jahre) sowie das Bild der Tochter von Katharina II. und A. G. Potemkin (1798) zum Ausdruck.

„Das Porträt von M. I. Lopukhina (Abb. 7) (5) gehört zu der Zeit, als sich neben der Dominanz des Klassizismus auch der Sentimentalismus etablierte. Die Aufmerksamkeit für die Schattierungen des individuellen Temperaments und der Kult des einsam-privaten Daseins sind eine besondere Reaktion auf die Normativität des Klassizismus, die sozialer Natur ist. Natürliche Leichtigkeit kommt in Lopukhinas künstlerisch nachlässiger Geste, der kapriziösen und kapriziösen Neigung ihres Kopfes, der mutwilligen Biegung ihrer weichen Lippen und der verträumten Geistesabwesenheit ihres Blicks zum Ausdruck.“

Bild von M.I. Lopukhina besticht durch ihre sanfte Melancholie, außergewöhnliche Weichheit der Gesichtszüge und innere Harmonie. Diese Harmonie wird durch die gesamte künstlerische Struktur des Bildes vermittelt: Sowohl durch die Drehung des Kopfes als auch durch den Gesichtsausdruck der Frau wird sie durch einzelne poetische Details, wie gepflückte und bereits am Stiel herabhängende Rosen, betont. Diese Harmonie ist leicht in der melodischen Glätte der Linien, in der Nachdenklichkeit und Unterordnung aller Teile des Porträts zu erkennen.
Gesicht M.I. Lopukhina mag weit vom klassischen Schönheitsideal entfernt sein, aber es ist von einem so unbeschreiblichen Charme erfüllt, einem solchen spirituellen Charme, dass viele klassische Schönheiten daneben wie ein kaltes und lebloses Schema wirken werden. Fesselndes Bild Eine sanfte, melancholische und verträumte Frau wird mit großer Aufrichtigkeit und Liebe dargestellt; die Künstlerin offenbart ihre spirituelle Welt mit erstaunlicher Überzeugungskraft.
Ein nachdenklicher, träger, traurig-verträumter Blick, ein sanftes Lächeln, die freie Leichtigkeit einer leicht müden Pose; glatte, rhythmisch fallende Linien; weiche, runde Formen; ein weißes Kleid, ein lila Schal und Rosen, ein blauer Gürtel, aschige Haarfarbe, ein grüner Blatthintergrund und schließlich ein sanfter, luftiger Dunst, der den Raum erfüllt – all dies bildet eine solche Einheit aller bildnerischen Ausdrucksmittel, in der die Die Entstehung des Bildes kommt vollständiger und tiefer zum Vorschein.

Das Porträt von Lopukhina wurde vor dem Hintergrund einer Landschaft gemalt. Sie steht im Garten und stützt sich auf eine alte Steinkonsole. Die Natur, in die sich die Heldin zurückgezogen hat, gleicht einer Ecke des Landschaftsparks eines Adelssitzes. Sie personifiziert schöne Welt, voller natürlicher Charme und Reinheit. Verwelkte Rosen und Lilien rufen eine leichte Traurigkeit hervor, Gedanken über die vergängliche Schönheit. Sie spiegeln die Stimmung der Traurigkeit, Angst und Melancholie wider, in der Lopukhina versunken ist. Im Zeitalter des Sentimentalismus fühlen sich den Künstler besonders zu den komplexen Übergangszuständen der inneren Welt des Menschen hingezogen. Elegische Verträumtheit und träge Zärtlichkeit durchziehen das gesamte künstlerische Gefüge des Werkes. Lopukhinas Nachdenklichkeit und ihr leichtes Lächeln offenbaren ihr Eintauchen in die Welt ihrer eigenen Gefühle.

Die gesamte Komposition ist von langsamen, fließenden Rhythmen durchzogen. Die sanfte Rundung der Figur und die sanft gesenkte Hand werden von den abfallenden Ästen der Bäume, den weißen Birkenstämmen und den Roggenähren widergespiegelt. Unklare, verschwommene Konturen erzeugen ein Gefühl von Leichtigkeit Luftumgebung, ein transparenter Dunst, in den die Figur des Modells und die umgebende Natur „eingetaucht“ sind. Die um ihre Figur fließenden Konturen – manchmal verloren, manchmal in Form einer dünnen, flexiblen Linie erscheinend – rufen im Gedächtnis des Betrachters die Konturen antiker Statuen hervor. Falten, die fallen, zusammenlaufen oder glatte Brüche bilden, die feinsten und spirituellsten Züge des Gesichts – all das ist sozusagen keine Malerei, sondern Musik. Das sanfte Blau des Himmels, das gedämpfte Grün des Laubs, das Gold der Ohren mit leuchtenden Kornblumentupfern spiegeln die Farbe des perlweißen Kleides, des blauen Gürtels und der glitzernden Verzierung am Arm wider. Der fliederfarbene Schal wird von den Farbtönen verblassender Rosen widergespiegelt.

In Borovikovskys Porträts verkörpern „Lisanka und Daschenka“ (Abb. 6)(3) den Typus sensibler Mädchen dieser Zeit. Ihre sanften Gesichter sind Wange an Wange gepresst, ihre Bewegungen sind voller jugendlicher Anmut. Die Brünette ist ernst und verträumt, die Blondine lebhaft und lustig. Sie ergänzen sich gegenseitig und verschmelzen zu einer harmonischen Einheit. Der Charakter der Bilder entspricht den zarten Tönen kalter bläulich-lila und warmer goldrosa Blüten.

Borovikovsky war besonders gut darin, „junge Mädchen“ aus Adelsfamilien darzustellen. Dies ist das „Porträt von Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva“ (4), einer Schülerin des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen und Trauzeugin der Kaiserin Maria Fjodorowna. Die junge Frau aus Smolensk ist in einem „Peasanka“-Kostüm dargestellt: Sie trägt ein weites Kleid, einen Strohhut mit Ähren und in ihren Händen Apfel gießen. Die mollige Katenka zeichnet sich nicht durch die klassische Regelmäßigkeit ihrer Gesichtszüge aus. Eine nach oben gerichtete Nase, schlau funkelnde Augen und ein leichtes Lächeln dünner Lippen verleihen dem Bild jedoch Kühnheit und Koketterie. Borovikovsky hat die Spontaneität des Models, ihren lebhaften Charme und ihre Fröhlichkeit perfekt eingefangen.

F.S. Rokotow

Kreativität F.S. Rokotova (1735-1808) stellt eine der bezauberndsten und am schwierigsten zu erklärenden Seiten unserer Kultur dar.

Das zeremonielle Bild war weder Rokotovs Lieblingsbereich noch der typischste Bereich seiner Kreativität. Sein Lieblingsgenre ist das Ganzkörperporträt, bei dem die ganze Aufmerksamkeit des Künstlers auf das Leben des menschlichen Gesichts gerichtet ist. Sein kompositorisches Schema zeichnete sich durch Einfachheit aus, die etwas an Monotonie grenzte. Gleichzeitig zeichnen sich seine Porträts durch subtiles malerisches Können aus.

Er fühlte sich von anderen Malaufgaben angezogen: der Schaffung kammerförmiger, intimer Gemälde, die die Vorstellungen des Meisters über eine erhabene spirituelle Struktur widerspiegeln sollten

Wenden wir uns der Arbeit von F.S. Rokotov, ein Anhänger der Kammerporträtmalerei, stellt fest, dass die ideale Herkunft dieses Künstlers mit den Merkmalen des Erscheinungsbildes einer Person sowie einer meisterhaften Darstellung der Gesichtszüge, der Kleidung und des Schmucks der porträtierten Person verbunden ist Der Künstler ist in der Lage, die spirituellen Qualitäten des Modells zu erkennen.

Bei Rokotovs Charakterisierung des Bildes ist die Ausdruckskraft der Augen und des Gesichtsausdrucks sehr wichtig, und der Künstler strebt nicht nach einer bestimmten Stimmungsvermittlung, sondern er möchte ein Gefühl der Flüchtigkeit und Flüchtigkeit der Gefühle einer Person erzeugen Werke überraschen mit der zarten, raffinierten Schönheit der Farbgebung. Die meist auf drei Farben basierende Farbgebung bringt durch ihre Übergänge den Reichtum und die Komplexität des Innenlebens des Dargestellten zum Ausdruck. Der Künstler setzt das Hell-Dunkel auf einzigartige Weise ein, indem es das Gesicht hervorhebt und kleinere Details gleichsam auflöst.

Rokotovs Porträts sind auf den ersten Blick Geschichte. Dank ihnen haben wir die Möglichkeit, uns Bilder einer längst vergangenen Ära vorzustellen.

In den späten 1770er-1780er Jahren.

Diese Merkmale von Rokotovs Schaffen kamen am deutlichsten in Frauenporträts zum Ausdruck, die in der Kunst des 18. Jahrhunderts einen besonderen Platz einnahmen. Zur Zeit seiner Schaffensblüte schafft der Maler eine Galerie des Schönen weibliche Bilder: A. P. Struyskoy (1772) (Abb. 13), V. E. Novosiltseva. (Abb. 14)

Das nächste Frauenporträt ist „Unbekannt im rosa Kleid“, gemalt in den 1770er Jahren. Es gilt als eines von Rokotovs Meisterwerken. Feinste Abstufungen von Rosa – von satt in den Schatten, dann warm, hell, erzeugen den Effekt von Flackern, Flattern vom Feinsten Leichtluftumgebung, wie im Einklang mit den inneren spirituellen Bewegungen, die in Porträts des 18. Jahrhunderts unverzichtbar verborgen sind. ein freundliches Lächeln leuchtete durch die Tiefen seines Blicks. Dieses Bild ist von einem besonderen lyrischen Charme erfüllt.

Besonders hervorzuheben ist „Porträt einer unbekannten Frau in einem rosa Kleid“. Die Offenheit eines Menschen gegenüber anderen und der Welt setzt Intimität, versteckte Aufmerksamkeit und Interesse, vielleicht irgendwo Herablassung, ein Lächeln für sich selbst oder sogar Begeisterung und Fröhlichkeit, einen Impuls voller Adel voraus – und diese Offenheit, Vertrauen in den anderen Menschen und in die Welt als Ganzes - Eigenschaften der Jugend, der Jugend, insbesondere in Zeiten, in denen neue Ideale von Güte, Schönheit und Menschlichkeit in der Luft liegen wie der Hauch des Frühlings. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Das von Fjodor Stepanowitsch Rokotow gemalte Porträt einer unbekannten jungen Frau mit nachdenklich zusammengekniffenen Augen in einem hellrosa Kleid (Unbekannt in Rosa) besticht durch seine Subtilität und seinen spirituellen Reichtum. Rokotov schreibt sanft und luftig. Mit einer halben Andeutung, ohne etwas bis zum Ende herauszuziehen, vermittelt er die Transparenz von Spitze, die weiche Masse gepuderter Haare, ein helles Gesicht mit schattierten Augen.

F. Rokotov „Porträt von A.P. Struyskoy“ (Abb. 13)

1772, Öl auf Leinwand, 59,8 x 47,5 cm

Das Porträt von Alexandra Struyskaya ist zweifellos das brillanteste Bild einer ideal schönen Frau in der gesamten russischen Porträtmalerei. Dargestellt ist eine bezaubernde junge Frau voller betörender Anmut. Ein anmutiges ovales Gesicht, dünne fliegende Augenbrauen, ein leichtes Rouge und ein nachdenklicher, abwesender Blick. In ihren Augen liegen Stolz und spirituelle Reinheit. Das Porträt ist mit Farb- und Lichttönen gemalt. Schatten verwandeln sich subtil in Licht, Aschegrautöne fließen in Blau und Rosatöne in blasses Gold. Lichtspiele und Farbabstufungen sind nicht wahrnehmbar und erzeugen eine leichte Trübung, vielleicht eine Art Mysterium.

Über Rokotovs Liebe zu Struiska ist eine Legende erhalten geblieben, die offenbar vom besonderen Charme und Glück des Talents der Künstlerin inspiriert ist, die ihr Porträt geschaffen hat (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).

Levitsky

In seinen intimen Porträts herrscht spürbar eine sachliche Haltung gegenüber dem Modell vor. Die Merkmale der Individualität werden stärker verallgemeinert und typische Merkmale werden hervorgehoben. Levitsky bleibt ein großer Psychologe und ein brillanter Maler, zeigt aber nicht seine Haltung gegenüber dem Modell.

Lächeln der gleichen Art, zu helles Rouge auf den Wangen, eine Technik zum Faltenlegen. Daher ähneln sich die fröhliche Dame E.A. Bakunina (1782) und die primitiv-trockene Dorothea Schmidt (Anfang der 1780er Jahre) auf subtile Weise.

Porträt von Ursula Mniszech (Abb. 12)

1782., Öl auf Leinwand,

Zustand Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Porträt von Ursula Mniszech entstand auf dem Höhepunkt des Könnens und Ruhmes der Künstlerin. Das Oval war in der Porträtpraxis von D. G. Levitsky selten, aber es war diese Form, die er für die exquisite Darstellung weltlicher Schönheit wählte. Mit natürlichem Illusionismus vermittelte der Meister die Transparenz von Spitze, die Zerbrechlichkeit von Satin und das graue Puder einer modischen hohen Perücke. Wangen und Wangenknochen „brennen“ durch die Hitze des aufgetragenen kosmetischen Rouges.

Das Gesicht ist mit verschmolzenen Strichen bemalt, die dank der transparenten aufgehellten Lasuren nicht zu unterscheiden sind und dem Porträt eine glatt lackierte Oberfläche verleihen. Auf einem dunklen Hintergrund werden bläulich-graue, silber-aschige und gold-blasse Töne vorteilhaft kombiniert.

Eine entfernte Kopfdrehung und ein freundlich gelehrtes Lächeln verleihen dem Gesicht einen höflichen, weltlichen Ausdruck. Ein kalter, direkter Blick wirkt ausweichend und verbirgt das Innere des Modells. Ihre Blondine Augen auf bewusst geheimnisvoll, aber nicht geheimnisvoll. Diese Frau ruft trotz ihres Willens Bewunderung hervor, genau wie das virtuose Gemälde des Meisters.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Abschluss:

In seinen intimen Porträts fängt Borovikovsky die Spontaneität des Models, ihren lebhaften Charme und ihre Fröhlichkeit perfekt ein. Borovikovsky war der erste russische Porträtmaler, der die Schönheit des Gefühlslebens offenbarte. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und des geschickten Einsatzes von Kostümen sehr elegant. Borovikovskys Helden sind normalerweise untätig, die meisten Modelle sind von ihrer eigenen Sensibilität begeistert.

Die von Levitsky geschaffenen „intimen“ Porträts zeichnen sich durch die Tiefe und Vielseitigkeit psychologischer Merkmale aus; sie zeichnen sich durch große Zurückhaltung der künstlerischen Mittel aus.

F.S. Rokotov, Anhänger der Kammerporträtmalerei

Eine Besonderheit von Rokotov ist ein gesteigertes Interesse an der inneren Welt eines Menschen; Im Porträt betont der Künstler die Präsenz des komplexen spirituellen Lebens, poetisiert es, lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf und bekräftigt so seinen Wert.

Zeremonielles Porträt

Das zeremonielle Porträt ist ein Typus historisches Porträt bestimmte soziale Orientierung. Am weitesten verbreitet waren solche Porträts am Hof. Das Hauptziel dieser Richtung war die Verherrlichung hochrangiger und adliger Personen, des Königshauses und ihres Gefolges. Die Aufgabe bestand darin, die Aufmerksamkeit auf die Verdienste und Leistungen des Kunden zu lenken, ihn zu erhöhen, manchmal sogar zu vergöttern.

Die gesellschaftliche Ordnung bestimmte die Art und Weise der künstlerischen Ausführung des zeremoniellen Porträts. Die Gemälde waren oft großformatig und die Person wurde in vollem Wachstum, stehend oder sitzend dargestellt. Die Atmosphäre strahlte Feierlichkeit aus, der Innenraum war üppig. Die ideologische Ausrichtung erforderte eine gewisse Steifheit der Posen und eine Künstlichkeit der Handlung. Der Künstler wollte die Bedeutung der Figur hervorheben, die Helden der Gemälde sind in üppige, zeremonielle Kostüme gekleidet, das Vorhandensein von Insignien und Insignien, Symbolen der Macht und Macht, war obligatorisch.

Die Aufgabe, die visuelle Ähnlichkeit des Modells mit dem Original und den inneren Zustand einer Person darzustellen, tritt bei einem zeremoniellen Porträt in den Hintergrund, bei dem der soziale Status des Kunden im Vordergrund steht. Jedoch herausragende Künstler und in diesem engen Genre war es möglich, die Individualität, den Charakter und die Lebensweise eines Menschen widerzuspiegeln. Berühmte russische Porträtmaler, die hochrangige Persönlichkeiten auf ihren Leinwänden darstellten, waren Ivan Nikitin, Alexey Antropov, Fjodor Rokotov und Dmitry Levitsky.

Ivan Nikitich Nikitin – „Persönlicher Meister“, der Lieblingskünstler von Peter I., Gegenstand seines patriotischen Stolzes vor Ausländern, „damit sie wissen, dass es unter unserem Volk gute Meister gibt.“ Und Peter täuschte sich nicht: „Der Maler Iwan“ war der erste russische Porträtmaler auf europäischem Niveau und im europäischen Sinne des Wortes.

I.N. Nikitin stammte aus einer Moskauer Geistlichenfamilie. Anfänglich Kunstunterricht vermutlich in der Moskauer Rüstkammer und ihrer Gravierwerkstatt unter der Leitung des niederländischen Graveurs A. Schonebeek erhalten. Im Jahr 1711 wurde es zusammen mit der Gravurwerkstatt nach St. Petersburg verlegt. Anscheinend lernte er, selbstständig Porträts zu malen, indem er die in Russland verfügbaren Werke ausländischer Meister studierte und kopierte. Dank seines Talents (und vielleicht auch seiner Verwandten, die in den Hofkirchen dienten) erlangte Nikitin schnell eine starke Position am Hof. Peter der Große erkannte seine Fähigkeiten und machte ihn bei I.G. Dangauer

In den frühen (vor 1716) Werken des Künstlers besteht eine deutliche Verbindung zu Parsuns – russischen Porträts des späten 15. Jahrhunderts mit ihrer harten und gebrochenen Schrift, den matten dunklen Hintergründen, der Flachheit des Bildes, dem Mangel an räumlicher Tiefe und der Konventionalität in der Verteilung aus Licht und Schatten. Gleichzeitig verfügen sie über unbestrittene kompositorische Fähigkeiten und die Fähigkeit, eine Figur wirkungsvoll zu drapieren und Textur zu vermitteln Verschiedene Materialien, satte Farbflecken harmonisch aufeinander abstimmen. Aber die Hauptsache ist, dass diese Porträts ein Gefühl von besonderer realistischer Überzeugungskraft und psychologischer Authentizität hinterlassen. Nikitin ist der Schmeichelei, die in zeremoniellen Porträts üblich ist, völlig fremd.

In den Jahren 1716-20 I. N. Nikitin ist zusammen mit seinem jüngeren Bruder Roman, ebenfalls Maler, in Italien. Sie besuchten Florenz, wo sie unter der Leitung von Tommaso Redi studierten, Venedig und Rom. Roman Nikitin arbeitete außerdem in Paris, wobei N. Largillière tatsächlich als Meister aus Italien zurückkehrte. Er beseitigte die zeichnerischen Mängel und Konventionen früher Werke, behielt aber seine Hauptmerkmale bei: den allgemeinen Realismus der Malerei und die Direktheit psychologischer Merkmale, eine eher dunkle und satte Farbgebung, in der warme Farbtöne. Leider lässt sich dies anhand der wenigen uns überlieferten Werke beurteilen.

Er malte (mehrmals) Porträts des Kaisers selbst, seiner Frau, der Großherzoginnen Anna, Elisabeth und Natalia und vieler anderer hochrangiger Beamter. Der Künstler war mit den Techniken des vorherrschenden Stils der Epoche vertraut – Rokoko, leicht und verspielt –, verwendete sie jedoch nur, wenn sie wirklich dem Charakter des Modells entsprachen, wie im Porträt des jungen Barons S.G. Stroganov (1726). Aber vielleicht ist Nikitins bestes Werk in Bezug auf die Schönheit der Malerei, die Tiefe und Komplexität psychologischer Eigenschaften „Porträt eines Bodenhetmans“ (1720er Jahre).

Im Jahr 1725 Nikitin das letzte Mal schreibt aus dem Leben des Königs. „Peter 1 auf seinem Sterbebett“ (im Museum der Akademie der Künste) – im Wesentlichen große Skizze, frei vorgetragen, aber doch ganzheitlich, nachdenklich und monumental.

Während der Regierungszeit von Katharina I. ließ er sich in Moskau nieder, wo sich sein wenig später aus dem Ausland zurückgekehrter Bruder hauptsächlich mit Kirchenmalerei beschäftigte.

Im Jahr 1732 wurde Ivan Nikitin zusammen mit den Brüdern Roman und Herodion (Erzpriester der Erzengel-Kathedrale in Moskau) wegen der Verbreitung von Verleumdungen gegen den Vizepräsidenten verhaftet Heilige Synode Feofan Prokopovich ist übrigens auch ein Förderer und Mitarbeiter von Peter. Vielleicht wurde dies indirekt durch die gescheiterte Ehe des Künstlers und die anschließende Scheidung erleichtert: Verwandte Ex-Frau versuchte auf jede erdenkliche Weise, Nikitin zu schaden. Ja, viele mochten ihn aufgrund seines direkten und unabhängigen Charakters sowieso nicht. Nach fünf Jahren Kerker in der Peter-und-Paul-Festung, Verhören und Folter wurden die Brüder ins Exil geschickt. Ivan und Roman landeten in Tobolsk. Nach dem Tod der Kaiserin Anna Ioannowna im Jahr 1741 warteten sie auf ihre Rehabilitation. Doch der alte und kranke Künstler kehrte nie in seine Heimat Moskau zurück. Er ist wahrscheinlich irgendwo auf dem Weg zu ihr gestorben. Roman Nikitin starb Ende 1753 oder Anfang 1754.

I. N. Nikitin

Porträt von Kanzler G.I. Golovkin

1720g, Öl auf Leinwand, 90,9 x 73,4 cm.

Das Porträt von Golovkin gilt als eines der ersten Werke, die der Künstler nach seiner Rückkehr aus Italien fertigstellte. Graf Gavrila Ivanovich Golovkin, Vizekanzler und Mitarbeiter von Peter I., war dank seiner charakteristischen Geschicklichkeit und List besonders erfolgreich auf diplomatischem Gebiet. In der Inschrift auf der Rückseite des Porträts heißt es stolz: „Während seiner Amtszeit als Kanzler schloss er 72 Verträge mit verschiedenen Regierungen.“

Golovkins Gesicht fällt durch seinen intelligenten, durchdringenden Blick und die feste, willensstarke Lippenlinie auf; Umrahmt von einer silbernen Perücke ragt es aus dem schwarzen Raum des Hintergrunds hervor.

Nikitin hat es geschafft, sich in diesem Porträt auszudrücken perfektes Bild energisch Staatsmann- ein Mann aus der Zeit Peters. In seiner Haltung liegt kein Pomp, aber ein Gefühl von Selbstwertgefühl. Die majestätische Zurückhaltung der Pose, das Band und der Stern des Heiligen Andreas sowie der polnische Orden des Weißen Adlers in Form eines Kreuzes auf einer blauen Schleife verleihen Feierlichkeit und Bedeutung.

I. N. Nikitin

Porträt von Anna Petrowna, Tochter von Peter 1

Vor 1716, Öl auf Leinwand, 65 x 53 cm.

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Im Jahr 1716 wurde der Maler Ivan Nikitich Nikitin von Peter I. ins Ausland nach Italien geschickt. Man kann aber kaum sagen, dass er als einfacher Student dorthin geschickt wurde. In einem Brief an Katharina in Berlin vom 19. April 1716 schrieb Peter: „... bitten Sie den König, ihm (Nikitin) zu befehlen, seine Person abzuschreiben ... damit sie wissen, dass es unter unserem Volk gute Herren gibt.“ ” Und in Italien erhielt Nikitin als anerkannter Meister viel mehr aus der Staatskasse für den Unterhalt als andere königliche Rentner.

Das von Nikitin noch vor seiner Auslandsreise angefertigte Porträt von Anna Petrowna, der ältesten Tochter von Peter und Jekaterina Alekseevna, gab dem russischen Zaren allen Grund, stolz auf seinen Künstler zu sein. Nikitin nahm Prinzessin Anna im Alter von 6-7 Jahren gefangen. Gemäß der Mode und den Regeln der Porträtkunst dieser Zeit wird das Mädchen als Erwachsene dargestellt: in koketter Pose, mit hoher Frisur und langen schwarzen Haaren, die über die Schultern gestreut sind, in einem tief ausgeschnittenen blauen Kleid mit großem Goldmuster und ein leuchtend rotes Gewand, gefüttert mit Hermelin, was darauf hindeutet, dass sie ein Kind der königlichen Familie war.

In diesem Porträt (und in Nikitins Stil im Allgemeinen) ist die Farbe erstaunlich – überall ungewöhnlich intensiv, materiell, von innen leuchtend, ohne Raum für graue Schatten. Diesen Eindruck erreicht der Künstler dadurch, dass er die Farbschicht in den beleuchteten Bereichen mit immer helleren und dickeren Strichen aufbaut, während die Schatten hell, transparent und in zartesten Farbtönen bleiben – so sind Annas Gesicht und die offene Brust gemalt. Das Gefühl einer Farbenpracht auf dem Kaminsims wird durch schnelle orange und scharlachrote Striche erzeugt, die über den Rotton geworfen werden. Der Künstler stellt nicht die Gefühle oder den Charakter des Modells dar, aber mit der Kraft des Leuchtens der Farben, der unruhigen Bewegung der Linien scheint er es neu zu erschaffen und die Materie vor unseren Augen wiederzubeleben.

Anna Petrowna, Zarewna und Herzogin von Holstein, Tochter von Peter dem Großen und Katharina I. Zeitgenossen zufolge sah Anna ihrem Vater sehr ähnlich, sie war klug und schön, gebildet, sprach ausgezeichnet Französisch, Deutsch, Italienisch und Schwedisch, Peter Ich habe sie sehr geliebt.

Annas zukünftiger Ehemann, Herzog von Holstein-Gottorp, Friedrich Karl, kam 1721 nach Russland in der Hoffnung, mit Hilfe Peters des Großen Schleswig aus Dänemark zurückzugeben und erneut das Recht auf den schwedischen Thron zu erlangen. Der Frieden von Nystad (1721) enttäuschte die Erwartungen des Herzogs, da Russland versprach, sich nicht in die inneren Angelegenheiten Schwedens einzumischen.

Am 22. November 1724 wurde der lang ersehnte Ehevertrag für den Herzog unterzeichnet, wonach Anna und der Herzog übrigens für sich und ihre Nachkommen auf alle Rechte und Ansprüche auf die Krone des Russischen Reiches verzichteten; aber gleichzeitig gewährte sich Peter nach eigenem Ermessen das Recht, einen der aus dieser Ehe hervorgegangenen Fürsten zur Nachfolge der Krone und des Allrussischen Reiches zu berufen, und den Herzog verpflichtet, den Willen des Kaisers zu erfüllen ohne irgendwelche Bedingungen.

Sie starb am 4. März 1728 in Holstein, kaum zwanzig Jahre alt, nachdem sie von ihrem Sohn Karl Peter Ulrich (später Kaiser Peter III.) entbunden worden war.

A. P. Antropow

Porträt der Staatsdame A.M

1759g, Öl auf Leinwand, 57,2 x 44,8 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Im Jahr 1758 kehrte Alexej Petrowitsch Antropow nach einer langen Abwesenheit, die mit der Arbeit in Kiew und Moskau verbunden war, nach St. Petersburg zurück. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits über vierzig und genoss Respekt und Ruhm.

Allerdings wurde er zu Recht nicht zu den Meistern ersten Ranges gezählt. Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg beschloss Antropov, seine Kunst zu verbessern und nahm zwei Jahre lang Privatunterricht beim berühmten italienischen Porträtmaler P. Rotari. Das Ergebnis war wirklich wunderbar: Aus einem talentierten Handwerker wurde ein herausragender und, was besonders bemerkenswert ist, ein äußerst origineller russischer Künstler.

Das erste und beste Ergebnis dieser Ausbildung war das Porträt der Staatsdame A.M. Izmailova, geborene Naryshkina, einer entfernten Verwandten von Kaiserin Elisabeth väterlicherseits und ihrer Favoritin.

Izmailova, die engste Freundin von Kaiserin Elizaveta Petrovna, war in ihrer Jugend als Schönheit bekannt, doch als das Porträt entstand, war sie bereits eine alternde, adrett wirkende Person, die großen Einfluss am Hof genoss. Ohne Ausschmückung vermittelte der Künstler eine schwere Figur, ein volles Gesicht mit dicht nach der damaligen Mode gezogenen Augenbrauen und einer hellen Röte auf den Wangen. Der lebhafte, dem Betrachter zugewandte Blick der braunen Augen und die sarkastisch geschürzten Lippen verraten Izmailovas schlagfertigen Verstand und herrischen Charakter.

Die Besonderheiten von Anthropovs Stil liegen in der Farbgebung des Porträts. Der Künstler greift auf Farben von geradezu beliebter Druckhelligkeit zurück und präsentiert sie in so kontrastreichen Gegenüberstellungen, dass sie nur in flächigen Bildern denkbar erscheinen.

Ältere Wangen, dicke Frau Ihr Kopf leuchtet wie Mohnblumen und wird von einer Spitzenkappe umrahmt, die an den Seiten mit roten Schleifen verziert und mit rosa Bändern zusammengebunden ist. Über einer weißen Jacke wird ein bläulich-blaues Kleid getragen, das mit einem mit Diamanten besetzten Orden mit einem Porträt der Kaiserin und einer blassen Rose mit grünen Blättern geschmückt ist.

Die massive Figur von Izmailova steht vor einem sehr dunklen Hintergrund mit einem grünen Farbton. Mit einer solchen Palette verleiht Antropov jedoch jedem Ton Leuchtkraft und Tiefe, baut eine dreidimensionale Form auf, die dank der scharfen Kontraste satter Farben außergewöhnlich dynamisch wirkt, als wäre sie mit innerer Energie aufgeladen, langlebig und schwer. Und diese Formqualitäten verleihen dem Bild einen willensstarken, kühnen, ungewöhnlich lebendigen und farbenfrohen Charakter, der Elizabeths charmante und intelligente Vertraute auszeichnete, die in ihrer Jugend für ihre Schönheit berühmt war.

Dieses Werk des Künstlers brachte das Lob von Rotary ein und brachte Antropov Ruhm als einer der besten russischen Porträtmaler, eine Gehaltserhöhung und den Rang eines Leutnants.

A. P. Antropow