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Allein der Ausdruck „zeremonielles Porträt“ weckt die Vorstellung von etwas ungewöhnlich Feierlichem. Männer erscheinen sofort mit Adleraugen, in prächtigen Anzügen, mit Insignien behängt, gekrönt mit Lorbeerkränzen oder Königskronen. Oder wunderschöne Damen in luxuriösen Outfits, Diamanten, Fächer aus Straußenfedern und winzige, sagenhaft teure Hunde.

Eigentlich bedeutet „zeremoniell“ feierlich; früher war es ein feierlicher Truppendurchzug, und mit dem Aufkommen des Porträts bedeutete es feierliches Stehen an Ort und Stelle.

Das zeremonielle Porträt entstand in der Ära des Absolutismus, als Monarchen, die sich erheben und verewigen wollten, ihr majestätisches Bildnis bei Hofkünstlern in Auftrag gaben. Der Hauptzweck des zeremoniellen Porträts bestand darin, hochrangige Personen, Könige und deren Gefolge zu verherrlichen. Die Aufmerksamkeit richtete sich auf die Verdienste und Leistungen des Kunden, der Künstler strebte nach Erhöhung, manchmal nahe an der Vergöttlichung. Die ersten zeremoniellen Porträts zeichneten sich durch eine gewisse Steifheit und „Eingefrorenheit“ aus.

Aber später, als zeremonielle Porträts nicht nur von Monarchen und Höflingen, sondern auch von einfach wohlhabenden Leuten in Auftrag gegeben wurden, wurde das zeremonielle Porträt viel lebendiger.
Die Bilder waren meistens große Größen, und der Mann wurde in dargestellt volle Höhe, stehend oder sitzend. Der Hintergrund für ein zeremonielles Porträt war entweder ein üppiger Innenraum oder ein Schlachtfeld, wenn es sich um ein Porträt eines Militärs handelte. In jedem Fall sollte die Atmosphäre feierlich sein und die Bedeutung der Figur hervorheben. Aus demselben Grund sind die Helden der Gemälde in üppige, zeremonielle Kostüme gekleidet, stets geschmückt mit Insignien und Insignien, die Macht und Macht symbolisieren.
Die Aufgabe eines feierlichen Porträts bestand zunächst im Wesentlichen nicht darin, die Individualität des Kunden widerzuspiegeln, sondern seinen sozialen Status zu bekräftigen. Aber auch in diesem engen Genre gelang es herausragenden Künstlern, die Individualität, den Charakter und die Lebensweise eines Menschen darzustellen.

Ein markantes Beispiel für ein zeremonielles Porträt, bei dem es dem Künstler gelang, die Grenzen des Genres zu überschreiten, ist das Porträt von P.A. Demidov, einem Unternehmer und Philanthropen, von Levitsky.

Das Porträt ist unglaublich charmant dank der kontrastierenden Kombination von Demidov, gekleidet in Robe und Mütze, mit einer Gießkanne in der Hand, aber in zeremonieller Pose und vor dem Hintergrund eines spektakulären Interieurs aus Bronze und schweren Vorhängen. Älterer Mann lächelt ironisch, als würde er die Kuriosität einer solchen Interpretation des zeremoniellen Porträts erkennen. Diese seltsame Kombination enthält jedoch einen subtilen Hinweis, der Demidovs Zeitgenossen klar war. Topfblumen, Pflanzenzwiebeln und ein Gartenbuch sind keine zufälligen Gegenstände. Diese Vertonung enthält eine Allegorie auf die wohltätigen Aktivitäten des Industriellen Prokopiy Demidov. Im Hintergrund des Bildes ist das Gebäude des Moskauer Waisenhauses zu sehen, an dessen Organisation er beteiligt war. Die Kinder, die dort Zuflucht gefunden haben, sind die „Blumen des Lebens“, und Demidov, der sich um sie kümmert, ist Gärtner. Diese Darstellung des Charakters hat ihn nicht herabgesetzt, sondern im Gegenteil erhöht. Vor uns erscheint ein Mann, der eigenwillig und exzentrisch, aber gleichzeitig großzügig und intelligent ist.

Wie Sie sehen, kann ein zeremonielles Porträt sehr vielfältig sein. Wenn Sie sich für die Bestellung eines zeremoniellen Porträts entscheiden, aber keine Ahnung haben, welchen Jahrhundertstil Sie wählen sollen und wie er im Allgemeinen aussehen soll, wird der Künstler die Wahl treffen eine große Auswahl an Möglichkeiten für Sie. Als Grundlage für ein zeremonielles Porträt kann jedes historische Porträt verwendet werden und Innendetails, Kostüme, Schmuck und Insignien können nach Ihren Wünschen ausgewählt werden. Sie haben die Kraft, sich in jeder Epoche wiederzufinden, umgeben Sie sich mit einer eleganten, dekorativen Farbgebung. Egal, ob Sie den Luxus des Barock, die sanfte und intime Atmosphäre des Rokoko voller Halbtöne oder den zurückhaltenden Stil des Klassizismus anstreben. Jede Wahl wird Ihre Umgebung sein. Sie können ein Porträt auf einem Pferd, vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund, in einem luxuriösen Anzug oder die Art und Weise wählen, wie Dmitry Levitsky seinen Kunden porträtieren konnte – mit einem subtilen, raffinierten Hinweis auf Ihre Tätigkeit. Kontaktieren Sie uns und Ihr Porträt kann nicht nur zu einer Dekoration für Ihr Zuhause, sondern auch für unsere Galerie werden.

1 Was ist ein zeremonielles Porträt?

2 Wie man ein formelles Porträt betrachtet – ein Beispiel

3 Unabhängige Aufgabe

1. Was ist ein zeremonielles Porträt?

„Er [Harry Potter] war sehr schläfrig und wunderte sich nicht einmal darüber, dass die Menschen auf den Porträts, die in den Fluren hingen, miteinander flüsterten und mit dem Finger auf die Erstklässler zeigten.<…>Sie standen am Ende des Korridors vor dem Porträt einer sehr dicken Frau in einem rosa Seidenkleid.

- Passwort? – fragte die Frau streng.

— Kaput draconis, - antwortete Percy und das Porträt bewegte sich zur Seite und enthüllte ein rundes Loch in der Wand.“

Viele Menschen erinnern sich wahrscheinlich an diese Episode aus JK Rowlings Buch Harry Potter und Stein der Weisen" Im Schloss Hogwarts sind alle Wunder, einschließlich der zum Leben erweckten Porträts, an der Tagesordnung. Allerdings in Englische Literatur Dieses Motiv tauchte lange vor JK Rowling auf Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert: Es wurde vom Schriftsteller Horace Walpole im Roman „Das Schloss von Otranto“ (1764) eingeführt. Die sehr geheimnisvolle Atmosphäre von Burgen und Schlössern, deren unverzichtbares Merkmal Familienporträts, stumme Zeugen der Vergangenheit, Intrigen, Leidenschaften und Tragödien sind, lädt zu solchen Fantasien ein.

Das als Gespräch zwischen animierten Porträts angelegte Werk ist auch in der russischen Literatur zu finden XVIII Jahrhundert. Die Autorin war Kaiserin Katharina II. selbst. Dabei handelt es sich um ein Theaterstück namens „Chesme Palace“, in dem ein Gespräch zwischen Gemälden und Medaillons abgespielt wird, als ob es nachts von einem Wächter belauscht würde. Die Helden des Aufsatzes waren keine fiktiven Gemälde aus einem fiktiven Schloss, sondern tatsächlich existierende Porträts historische Persönlichkeiten, meist Monarchen Europas – Zeitgenossen Katharinas und Mitglieder ihrer Familien.

Benjamin West. Porträt von George, Prinz von Wales und Prinz Frederick, dem späteren Herzog von York. 1778Staatliche Eremitage

Mariano Salvador Maella. Porträt von Carlos III. Zwischen 1773 und 1782Staatliche Eremitage

Mariano Salvador Maella. Porträt von Carlos de Bourbon, Prinz von Asturien. Zwischen 1773 und 1782Staatliche Eremitage

Miguel Antonio do Amaral. Porträt von Maria Francisca, Prinzessin von Brasilien und Beirano. Um 1773Staatliche Eremitage

Miguel Antonio do Amaral. Porträt von José Manuel, König von Portugal. Um 1773Staatliche Eremitage

Miguel Antonio do Amaral. Porträt von Marianna Victoria, Königin von Portugal. Um 1773Staatliche Eremitage

Diese Gemälde schmückten den Reisepalast an der Straße von St. Petersburg nach Zarskoje Selo, der 1774–1777 vom Architekten Juri Felten erbaut wurde  Der Chesme-Palast existiert noch heute und beherbergt eine der St. Petersburger Universitäten. Aber jetzt sind darin keine Porträts mehr zu sehen: Sie werden in verschiedenen Museen aufbewahrt, die meisten davon in der Staatlichen Eremitage in St. Petersburg.. Die Galerie war sehr repräsentativ – sie umfasste 59 Personen malerische Porträts. Darüber waren Marmormedaillons mit Flachreliefbildern russischer Großfürsten, Zaren und Kaiser angebracht, die vom Bildhauer Fedot Shubin ausgeführt wurden – es gab fast genauso viele, 58  Jetzt werden die Medaillons in der Rüstkammer des Moskauer Kremls aufbewahrt.. Es gab auch ein Porträt von Katharina in der Galerie, im ersten Flur von der Haupttreppe aus – ihr Bild schien die Gäste wie eine Gastgeberin zu begrüßen. Mit der Platzierung ihres Porträts in diesem Palast wollte Katharina ihre Verbundenheit mit den europäischen Herrscherdynastien demonstrieren (die Monarchen Europas waren durch familiäre Bindungen miteinander verbunden, daher war die Sammlung eine Art Familiengalerie) und sich gleichzeitig in diese einzufügen die Reihen der russischen Herrscher. So versuchte Katharina II., die dadurch den Thron bestieg und ebenfalls keine Russin war, ihre Thronansprüche zu beweisen.

Während Katharina in dem Stück die europäischen Herrscher nicht im besten Licht zeigt und sich über ihre Schwächen und Unzulänglichkeiten lustig macht, werden die Herrscher in den Porträts selbst ganz anders dargestellt. Wenn man sie betrachtet, kann man kaum glauben, dass die abgebildeten Monarchen solch unbedeutende Gespräche führen können.

Dies sind die typischsten Beispiele zeremonieller Porträtmalerei – die Künstler waren voller Respekt vor ihren Modellen. In Russland tauchte diese Art von Porträt genau im 18. Jahrhundert auf.

Was sich in der russischen Kunst im 18. Jahrhundert veränderte

Sechs Jahrhunderte lang (vom 11. bis zum 17. Jahrhundert) entwickelte sich die altrussische Malerei, die die byzantinische Tradition fortsetzte, fast ausschließlich im kirchlichen Mainstream. Was ist der Unterschied zwischen einer Ikone und einem Gemälde? Es ist keineswegs so, dass die Motive für die Ikonenmalerei aus der Heiligen Schrift und anderen kirchlichen Texten stammen und dass die Ikonen Jesus, seine Jünger und heiliggesprochenen Heiligen darstellen. Dasselbe kann man in Gemälden sehen – in religiösen Gemälden. Noch wichtiger ist, dass eine Ikone ein Bild ist, das zum Gebet gedacht ist; dadurch wendet sich der Gläubige an Gott. Der Ikonenmaler malt kein Gesicht, sondern ein Gesicht, ein Bild der Heiligkeit; Eine Ikone ist ein Zeichen der himmlischen Welt, der spirituellen Existenz. Daher die Sonderregeln (Kanon) und künstlerische Medien Ikonographie. Die Aufgabe eines Porträtmalers ist eine andere – es ist in erster Linie eine Geschichte über eine Person.

Im 17. Jahrhundert tauchten in Russland die ersten weltlichen Porträts auf – Bilder von Königen und ihrem Gefolge. Sie wurden „Parsuns“ genannt, von Lateinisches Wort Persona- Persönlichkeit, Gesicht. Der Zweck der Parsuna bestand jedoch immer noch nicht so sehr darin, eine bestimmte Person einzufangen (obwohl die Gesichtszüge auf diesen Bildern individualisiert sind), sondern darin, die Person als Vertreter einer Adelsfamilie zu verherrlichen. Eine neue Technik erschien: Das Schreiben mit Tempera auf Holz wurde durch Ölgemälde auf Leinwand ersetzt. Doch die künstlerischen Mittel der Parsuns gehen auf die Ikonenmalerei zurück: Die ersten Porträts wurden von Leuten aus der Rüstkammer (dem wichtigsten Zentrum) geschaffen künstlerisches Leben XVII Jahrhundert), genauer gesagt - aus ihrer Ikonenmalerei-Werkstatt.

Unbekannter Künstler. Porträt (Parsun) des Zaren Alexei Michailowitsch. Ende 1670 – Anfang 1680er Jahre Staatliches Historisches Museum

Die ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts waren von den grandiosen Umgestaltungen Peters I. geprägt, die alle Lebensbereiche des Landes erfassten. Vieles von dem, was Peter tat, hatte einen Anfang, aber er beschleunigte diese Prozesse entscheidend, indem er Russland jetzt und sofort reformieren wollte. Mit der Lösung neuer Staatsaufgaben ging die Schaffung einer neuen Kultur einher. Die beiden Haupttrends waren Säkularisierung (die führende Kunst war nicht religiös, sondern säkular, um neuen Interessen und Bedürfnissen gerecht zu werden) und die Vertrautheit mit europäischen Traditionen, auch in den schönen Künsten.

Peter begann, Werke antiker und europäischer Kunst zu erwerben, und seine Mitarbeiter folgten seinem Beispiel. Er lud europäische Meister nach Russland ein, die nicht nur Aufträge erfüllen, sondern auch russische Studenten ausbilden sollten. Russische Künstler wurden auf Staatskosten zum Studium ins Ausland geschickt (dies wurde als „Pensionierung“ bezeichnet, da die Studenten für die Reise eine „Pension“ erhielten). Peter träumte auch davon, eine Akademie der Künste zu gründen. Dies gelang seiner Tochter Elisabeth, die 1757 in St. Petersburg die Akademie der drei bedeutendsten Künste (Malerei, Bildhauerei und Architektur) gründete. Die Gründung der Akademie war die logische Konsequenz des Wandels in der Kunst. Ausländische Künstler-Lehrer wurden hierher eingeladen und die Tradition der Rentner, die unter Peters ersten Nachfolgern unterbrochen wurde, wurde wiederbelebt. Aber die Hauptsache ist, dass das europäische System der Kunsterziehung übernommen wurde, also eine besondere Reihenfolge und Lehrmethoden.

Um Reformen umzusetzen, brauchte Peter aktive Mitarbeiter. Nun wurde eine Person unter dem Gesichtspunkt des Nutzens beurteilt, den sie dem Staat bringt – „nach persönlichen Verdiensten“ und nicht aufgrund der Zugehörigkeit zu einer alten Familie. Ein neues Verständnis der Rolle des Einzelnen spiegelte sich in der Entwicklung des Porträtgenres und vor allem in seiner zeremoniellen Uniform wider, die in direktem Zusammenhang mit staatlichen Aufgaben steht.

Was ist ein zeremonielles Porträt?

Die Hauptaufgabe eines feierlichen Porträts besteht darin, dem Publikum den hohen sozialen Status einer Person zu zeigen. Daher erscheint das Modell in solchen Porträts in diesem Anzug, in diesem Interieur und umgeben von jenen „Accessoires“, die auf ihren hohen Status hinweisen: immer in luxuriöser Kleidung und vor der Kulisse prächtiger Palastsäle, wenn es sich um einen Monarchen handelt, dann mit dem Machtattribute, sei es eine souveräne Amtsperson oder ein Befehlshaber – manchmal mit Befehlen und anderen Insignien, die den Platz einer Person in der Staatshierarchie bestimmen.

Doch nicht nur Attribute erlauben es dem Künstler, das gesellschaftliche Ansehen einer Person zu verdeutlichen. Es gibt eine ganze Reihe künstlerischer Mittel, die die Meister des 18. Jahrhunderts in zeremoniellen Porträts einsetzten, um dem Betrachter die Bedeutung des Helden näher zu bringen. Erstens handelt es sich um großformatige Gemälde. Und dadurch bestimmt sich bereits die Distanz in der Beziehung zum Betrachter: Wenn man eine Miniatur in die Hand nehmen und näher an sich heranbringen kann, dann muss ein solches Porträt aus der Distanz betrachtet werden. Zweitens ist im zeremoniellen Porträt das Modell in voller Größe dargestellt. Ein weiterer Trick ist ein niedriger Horizont. Horizont – die sichtbare Grenze des Himmels und der Erdoberfläche, die ungefähr auf Augenhöhe des Menschen liegt; In der Malerei wird eine konventionelle, imaginäre Horizontlinie zum Leitfaden für den Künstler beim Aufbau einer Komposition: Wird sie tief in der Komposition des Gemäldes platziert, hat der Betrachter das Gefühl, das Bild von unten nach oben zu betrachten. Der niedrige Horizont hebt die Figur hervor und verleiht ihr Kraft und Erhabenheit.

In den Palastsälen wurden in vergoldeten Rahmen gerahmte Zeremonienporträts aufgestellt; Über dem Porträt des Monarchen könnte sich ein Baldachin befinden. Die Umgebung, in der sie gezeigt wurden, bestimmte den Verhaltensstil des Publikums. Das Bild ersetzt gewissermaßen die darin Dargestellte, und der Betrachter soll sich davor genauso verhalten wie in der Gegenwart des Modells selbst.

Ein zeremonielles Porträt zeichnet sich immer durch einen lobenden (d. h. feierlichen, lobenden) Tonfall aus: Das Modell ist notwendigerweise ein perfekter Monarch, ein großer Feldherr oder ein Herausragender Staatsmann, die Verkörperung jener Tugenden, die für seinen Rang und die Art seiner Tätigkeit charakteristisch sein sollten. Daher wurde schon früh eine Reihe stabiler Formeln gebildet – ikonografische Schemata (Körperhaltungen, Gesten, Attribute), die bestimmte Ideen zum Ausdruck brachten. Sie verwandelten sich in eine Art verschlüsselte Botschaften, die mit geringfügigen Abweichungen von einem Porträt zum anderen wiederholt wurden. Aber Abweichungen von solchen Kanons waren besonders deutlich zu spüren und immer bedeutungsvoll.

Was ist Allegorie?

In der Kunst des 17.-18. Jahrhunderts verbreitete sich die Allegorie. Allegorie (aus dem Griechischen. Allegorie- „anders sagen“) ist künstlerisches Bild, in dem abstrakte Konzepte (Gerechtigkeit, Liebe und andere), die in sichtbarer Form schwer zu vermitteln sind, allegorisch dargestellt werden, ihre Bedeutung wird durch einen Gegenstand oder ein Lebewesen vermittelt. Die allegorische Methode basiert auf dem Analogieprinzip. In der Welt der Allegorien ist beispielsweise ein Löwe die Verkörperung von Stärke, da dieses Tier stark ist. Jedes allegorische Bild kann als in die Sprache der Malerei übersetzter Text wahrgenommen werden. Der Betrachter muss eine Rückübersetzung durchführen, also die Bedeutung der allegorischen Komposition entschlüsseln. Allegorien werden auch heute noch als künstlerisches Mittel verwendet. Und Sie können versuchen, dieses oder jenes Konzept allegorisch darzustellen, basierend auf Ihren eigenen Ideen und Kenntnissen. Aber werden dich alle verstehen? Ein wesentliches Merkmal der Kunst des 17.-18. Jahrhunderts war die Regelung der Bedeutung von Allegorien. Dem Bild wurde eine bestimmte Bedeutung zugewiesen, die das gegenseitige Verständnis zwischen Künstler und Betrachter sicherte.

Jacopo Amiconi. Porträt von Kaiser Peter I. mit Minerva. 1732-1734 Staatliche Eremitage

Die wichtigste Quelle für Allegorien war antike Mythologie. Zum Beispiel in einem Porträt Italienischer Künstler Jacopo Amiconi Peter I. wird Minerva vorgestellt, die Göttin des weisen Krieges (sie ist an ihren Attributen zu erkennen: Kettenhemd und Speer). Amor krönt Peter mit der Kaiserkrone – 1721 wurde Russland zum Reich erklärt. So verherrlicht das Bild Petrus als einen weisen Herrscher, der die Schweden besiegte Nordischer Krieg und dank dieser erhöht internationalen Status Russland.

Aber das gleiche Objekt oder die gleiche Kreatur kann es verschiedene Situationen fungieren als Allegorien verschiedener Konzepte und sollten daher kontextabhängig interpretiert werden. Beispielsweise kann eine Eule sowohl als Gefährtin von Minerva, der Göttin der Weisheit (die Eule galt als kluger Vogel), als auch als Allegorie der Nacht (die Eule ist ein Nachtvogel) fungieren. Um den Betrachtern das Lesen der Bedeutungen zu erleichtern, wurden spezielle Nachschlagewerke (oder „ikonologische Lexika“) zusammengestellt.

Johann Gottfried Tannauer. Peter I. in der Schlacht von Poltawa. 1724 oder 1725

Im Werk Schöne Künste Allegorie könnte als eigenständiges Motiv vorhanden sein. So wird Peter in Johann Gottfried Tannauers Gemälde „Peter I. in der Schlacht bei Poltawa“ zu Pferd vor dem Hintergrund einer recht realistisch dargestellten Schlacht dargestellt. Aber über ihm, dem Sieger, schwebt die geflügelte Figur der Herrlichkeit mit Trompete und Krone.

Häufiger entwickelten sich Allegorien jedoch zu einem Gesamtsystem, in dessen Rahmen sie komplexe Beziehungen zueinander eingingen. Solche allegorischen Systeme wurden in der Regel nicht von den Künstlern selbst, sondern von „Erfindern“ erfunden. Zu verschiedenen Zeiten konnten Vertreter des Klerus, Persönlichkeiten der Akademie der Wissenschaften, Lehrer der Akademie der Künste, Historiker und Schriftsteller diese Rolle spielen. Sie verfassten, wie heutige Drehbuchautoren, ein „Programm“, das der Künstler in ein Werk umsetzen sollte.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts beherrschten Künstler und Zuschauer die allegorische Sprache so gut, dass witziges Umdenken traditioneller Bilder, Understatement und Anspielungen geschätzt wurden. Und bis zum Ende des Jahrhunderts verschwanden allegorische Tugendbilder in Form von Göttern oder Menschen nach und nach vollständig aus dem zeremoniellen Porträt. An ihre Stelle trat ein Attributobjekt, das wie die Allegorie die Idee der Komposition kommunizierte, gleichzeitig aber nicht gegen das Prinzip der Lebensähnlichkeit verstieß – in der Sprache des 18. Jahrhunderts war es standesgemäß der dargestellten Situation.

Johann Baptist Lampi der Ältere. Porträt von Katharina II. mit allegorischen Figuren aus Geschichte und Chronos. Spätestens 1793 Staatliches Russisches Museum

Johann Baptist Lampi der Ältere. Porträt von Katharina II. mit allegorischen Figuren der Wahrheit und Macht (Festung). 1792–1793 Staatliche Eremitage

Vergleichen wir zum Beispiel zwei Porträts von Katharina II. von Johann Baptist Lampi – „Porträt von Katharina II. mit den Figuren der Geschichte und des Chronos“ und „Porträt von Katharina II. mit den allegorischen Figuren von Wahrheit und Macht (Festung)“. Sie entstanden fast gleichzeitig. Aber im ersten werden Geschichte und Chronos (Zeit) als Menschen dargestellt – eine Frau und ein alter Mann mit den entsprechenden Attributen: Die Geschichte hält Katharinas Taten in ihren Schriften fest, und Chronos blickt mit einer Sense am Fuß ihres Throns auf die Kaiserin mit Bewunderung – die Zeit hat keine Macht über sie. Dies sind Geschöpfe aus Fleisch und Blut, sie können mit Catherine interagieren und mit ihr kommunizieren. Im zweiten Porträt werden Wahrheit und Festung ebenfalls allegorisch dargestellt – in Form weiblicher Figuren: eine – Wahrheit – mit einem Spiegel, die zweite – Festung – mit einer Säule. Aber hier werden die animierten Verkörperungen von Ideen nicht als lebende Menschen, sondern als ihre skulpturalen Bilder präsentiert. Einerseits wird das Gemälde äußerst wahrheitsgetreu (solche Skulpturen könnten durchaus in dem Innenraum vorhanden gewesen sein, in dem die Kaiserin vor den Augen ihrer Untertanen erschien), und andererseits vermittelt es immer noch die im allegorischen Bild verschlüsselte Idee . In diesem Fall ist das allegorische Bild nun als Bild im Bild „versteckt“.

2. Wie man ein formelles Porträt betrachtet – ein Beispiel

Was wissen wir über das Porträt?

Vor uns liegt „Porträt von Katharina der Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit“, die Version des Autors aus dem Jahr 1783. Dmitry Levitsky schuf mehrere Versionen dieses Porträts und wurde anschließend von anderen Künstlern viele Male wiederholt.

Dmitri Levitsky. Porträt von Katharina der Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit. 1783 Staatliches Russisches Museum

Mehrere von Levitsky selbst und seinen Zeitgenossen verfasste Aufsätze helfen, das allegorische Programm des Porträts zu verstehen. Im Jahr 1783 veröffentlichte die Zeitschrift „Gesprächspartner der Liebhaber des russischen Wortes“ Gedichte des Dichters Ippolit Bogdanovich:

Levitsky! eine russische Gottheit dargestellt,
Auf wem die sieben Meere in Wonne ruhen,
Mit deinem Pinsel hast du in Peters Stadt gezeigt
Unsterbliche Schönheit und sterblicher Triumph.
Die Vereinigung der Parnassianischen Schwestern nachahmen wollen,
Ich wünschte, ich könnte die Muse um Hilfe bitten, so wie Sie
Es ist russisch, eine Gottheit mit einem Stift darzustellen;
Aber Apollo ist eifersüchtig auf ihn und lobt ihn selbst.

Ohne das Programm des Porträts im Detail preiszugeben, drückte Bogdanovich die Hauptidee aus: Der Künstler stellte in einer kreativen Verbindung mit der Muse Katharina dar und verglich sie mit einer Göttin, dank der das ganze von den sieben Meeren umspülte Land gedeiht .

Als Reaktion darauf verfasste der Künstler eine eigene, detailliertere Erläuterung der Bedeutung des Porträts, die in derselben Publikation veröffentlicht wurde:

„Die Mitte des Bildes stellt das Innere des Tempels der Göttin der Gerechtigkeit dar, vor der Ihre kaiserliche Majestät in Gestalt des Gesetzgebers, Mohnblumen auf dem Altar verbrennend, ihren kostbaren Frieden für den allgemeinen Frieden opfert.“ Anstelle der üblichen Kaiserkrone wird es mit einer Lorbeerkrone gekrönt, die die auf seinem Kopf aufgesetzte Zivilkrone schmückt. Die Insignien des St.-Wladimir-Ordens stellen herausragende Leistungen dar, die für ihre Arbeit zum Wohle des Vaterlandes bekannt sind und deren Wahrheit die dem Gesetzgeber zu Füßen liegenden Bücher bezeugen. Der siegreiche Adler ruht auf den Gesetzen und der mit Perun bewaffnete Wächter sorgt für deren Integrität. In der Ferne ist das offene Meer zu sehen, und auf der flatternden russischen Flagge symbolisiert der auf einem Militärschild abgebildete Merkurstab geschützten Handel.“

Gesprächspartner für Liebhaber des russischen Wortes. St. Petersburg, 1783. T. 6

Levitsky wies auch darauf hin, dass er die Idee des Porträts „einem Kunstliebhaber“ verdankte, der ihn bat, seinen Namen nicht zu nennen. Später stellte sich heraus, dass der „Erfinder“ Nikolai Alexandrowitsch Lwow war, ein im Renaissance-Maßstab begabter Meister: Er war Architekt, Zeichner, Kupferstecher, Dichter, Musiker, Theoretiker und Kunsthistoriker, die Seele eines literarischen Kreises, dem herausragende Persönlichkeiten angehörten Dichter dieser Zeit.

Ein weiterer Text, der im Zusammenhang mit diesem Porträt entstand, ist Gabriel Derzhavins berühmte Ode „Die Vision von Murza“.  Murza- ein Adelstitel in den tatarischen mittelalterlichen Staaten. In „Die Vision von Murza“ und in der Ode „Felitsa“ nennt sich Derzhavin Murza und Katharina II. – Felitsa: Dies ist der Name der fiktiven „Prinzessin der Kirgisisch-Kaisak-Horde“ aus einem von der Kaiserin selbst verfassten Märchen für ihren Enkel Alexander.(1783).

Ich sah eine wundervolle Vision:
Eine Frau kam aus den Wolken herab,
Sie stieg aus und fand eine Priesterin
Oder die Göttin vor mir.
Weiße Kleidung floss
Darauf ist eine silberne Welle;
Die Krone der Stadt steht auf dem Kopf,
Die Perser trugen einen goldenen Gürtel;
Aus schwarzfeurigem Leinen,
Regenbogenähnliches Outfit
Vom Schulter-Zahnfleischstreifen
An meiner linken Hüfte hängend;
Hand ausgestreckt auf dem Altar
Auf dem Opfer erhitzt sie sich
Brennende Räuchermohnblumen,
Diente der höchsten Gottheit.
Mitternachtsadler, riesig,
Begleiter des Blitzes zum Triumph,
Heroischer Verkünder des Ruhms,
Sitzt vor ihr auf einem Stapel Bücher,
Heilig waren seine Satzungen;
Erloschener Donner in seinen Klauen
Und Lorbeer mit Olivenzweigen
Er hielt es, als ob er schliefe.

Wen sehe ich so kühn,
Und wessen Lippen fallen mir auf?
Wer bist du? Göttin oder Priesterin? —
Der Traum ist es wert, dass ich gefragt habe.
Sie sagte zu mir: „Ich bin Felitsa“...

Was sehen wir im Porträt?

Was sagt der Orden des Heiligen Wladimir?

Levitskys Porträt ist mit der Geschichte des Ordens des heiligen Fürsten Wladimir verbunden. Dieser Orden wurde am 22. September 1782 ins Leben gerufen, seine Satzung (d. h. ein Dokument, das das Verfahren zur Verleihung des Ordens und die damit verbundenen Zeremonien beschreibt) wurde von Alexander Andrejewitsch Bezborodko, dem faktischen Führer der russischen Außenpolitik, verfasst. Und das ist kein Zufall: Die Gründung des Ordens war mit einem der wichtigsten außenpolitischen Pläne Katharinas verbunden –. Nach diesem Projekt sollte Russland die Türken aus Europa vertreiben, die Kontrolle über Konstantinopel übernehmen und auf dem Balkan erstens ein unabhängiges griechisches Reich bilden (an der Spitze sollte der Enkel der Kaiserin, Großherzog Konstantin), stehen zweitens der von der Macht der Türken befreite Staat Dakien unter der Schirmherrschaft Russlands, zu dem auch die Donaufürstentümer gehören sollten.

Neben rein praktischen Zwecken hatte der Plan eine große ideologische Bedeutung. Russisches Reich der Mächtigste sein Orthodoxer Staat, positionierte sich als Erbe des großen Byzanz, das von den Türken zerstört wurde (1453 eroberten sie Konstantinopel). Rus übernahm 988 unter Fürst Wladimir die Orthodoxie aus Byzanz. Dies erklärt die Gründung eines dem Fürsten Wladimir gewidmeten Ordens durch Katharina, gerade als sie von Gedanken über das griechische Projekt besessen war.

Katharina gelang es nie, das griechische Projekt umzusetzen. Aber Kunstdenkmäler erinnern uns daran. In den frühen 1780er Jahren wurde in der Nähe von Zarskoje Selo nach dem Entwurf von Charles Cameron (einem in Russland tätigen schottischen Architekten) die Modellstadt Sofia errichtet. Das Zentrum dieser Stadt war die monumentale Sophienkathedrale (das Projekt wurde ebenfalls von Cameron entworfen) – in Erinnerung an die Hauptattraktion Christlicher Schrein, die sich im Besitz der Türken befand, die Kirche Hagia Sophia in Konstantinopel. Neben der Zarskoje-Selo-Kirche sollte das Haus der Kavallerie-Duma des St.-Wladimir-Ordens für Treffen seiner Kavaliere gebaut werden. In den frühen 1780er Jahren wurden ihre Porträts bei Levitsky in Auftrag gegeben – die Gemälde waren für das „Ordenshaus“ bestimmt und das Porträt von Katharina sollte im Mittelpunkt des Ensembles stehen. Der Bau des Tempels wurde jedoch erst 1788 abgeschlossen, und mit dem Bau des „Ordenshauses“ wurde offenbar noch nicht einmal begonnen. Nach dem Tod der Kaiserin im Jahr 1796 geriet der Plan völlig in Vergessenheit.

Doch als 1783 das Porträt der Katharina entstand, stand das griechische Projekt im Rampenlicht. In diesem Jahr wurde die Krim von Russland annektiert (zuvor war das Krim-Khanat ein Vasall). Osmanisches Reich). Dieser außenpolitische Erfolg wird eines der wenigen wirklichen Ergebnisse des Projekts sein. Und das erklärt, warum der Orden des Heiligen Wladimir einen so wichtigen Platz im Porträt einnimmt.

Wie unterscheidet sich Levitskys Porträt von Borovikovskys Porträt?

Wladimir Borowikowski. Porträt von Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park. 1794

„Porträt von Katharina der Gesetzgeberin“ wird oft mit „Porträt von Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park“ von Wladimir Borowikowski verglichen. Beide Gemälde zeigen das gleiche Modell, sind aber selbst völlig unterschiedlich. Das erste ist ein eindrucksvolles Beispiel eines zeremoniellen Kaiserporträts, während das zweite ein beredtes Beispiel eines Kammerporträts ist.

Was ist der Unterschied zwischen dem zeremoniellen und dem kammerbildlichen Porträttyp? Es entsteht ein feierliches Porträt mit dem Ziel, den hohen Status des Models und seinen Platz in der gesellschaftlichen Hierarchie zu demonstrieren. In einem Kammerporträt offenbart der Künstler eine andere Seite des Lebens eines Menschen – die private. Unterschiedliche Aufgaben verursachen Unterschiede künstlerische Techniken. „Porträt von Katharina II. auf einem Spaziergang“ ist kleinformatig (94,5 x 66 cm) – und das lenkt den Betrachter sofort auf eine intime Wahrnehmung. Um das Porträt zu betrachten, müssen Sie sich ihm nähern. Es ist, als ob er uns einlädt, uns ohne Zögern zu nähern, während ein großformatiges Porträt uns dazu zwingt, in respektvoller Distanz zu verharren. Katharina im Morgenmantel und mit Mütze, zu ihren Füßen ihr italienischer Lieblingswindhund, ohne die üblichen Attribute kaiserlicher Macht, nicht in den üppigen Palastsälen, sondern in einem abgeschiedenen Garten – sie erscheint nicht als gottähnliche Herrscherin, sondern als wenn ein einfacher Grundbesitzer. Das Porträt zelebriert die Schönheit der menschlichen Existenz in einer natürlichen Umgebung.

Doch welchen Gedanken kann sich die Kaiserin im Schoß der Natur hingeben? Der Künstler scheint uns einzuladen, das Rätsel zu lösen. Catherine befindet sich im Zarskoje-Selo-Park. Mit ihrer Hand zeigt sie auf die Tschesma-Säule – ein Denkmal für den Sieg Russlands über die Türkei in der Schlacht von Tschesma im Jahr 1770, das auf einer Insel mitten im Großen Teich steht. Das gegenüberliegende Ufer liegt versteckt hinter den Baumwipfeln. Aber wenn wir um den Teich herumgingen und uns weiter in die von Catherine angegebene Richtung bewegten, dann hätten wir dort, bereits außerhalb des Parks, einen Blick auf die Sophienkathedrale (die gleiche, die von Charles Cameron erbaut wurde). Er ist auf dem Gemälde nicht abgebildet, aber jeder aufgeklärte Betrachter wusste, dass er dort war und wusste, welche Bedeutung er in Catherines politischem und architektonischem Programm hatte. Die Bedeutung der Geste der Kaiserin im Porträt wird deutlich: Durch Seesiege (und die Säule erhebt sich mitten auf der Wasseroberfläche) sollte Russland den Weg nach Sofia, zum orthodoxen Reich mit seiner Hauptstadt Konstantinopel, ebnen.

Was sehen wir also? Das intime Porträt, das seiner Natur nach eher an den privaten als an den öffentlichen Bereich gerichtet ist, dient als Ausdruck der imperialen Ambitionen des obersten russischen „Grundbesitzers“, dessen Ländereien sich bis nach Konstantinopel erstrecken sollten. Die Idee, die traditionell durch ein zeremonielles Porträt ausgedrückt wird, wird in die Form eines Kammerporträts gekleidet. Warum? Auf diese Frage gibt es keine eindeutige Antwort. Aber wir können eine Vermutung anstellen. Große Prunkporträts wurden meist im Auftrag der Kaiserin selbst, eines Adligen oder einer anderen Institution angefertigt. Es ist bekannt, dass dieses Porträt nicht von Katharina in Auftrag gegeben wurde. Es wurde wahrscheinlich gemalt, um die Fähigkeit des Künstlers zur Präsentation im Palast zu bezeugen. Vielleicht hat der Erfinder (höchstwahrscheinlich war es derselbe Nikolai Lwow) den politischen Inhalt absichtlich in ungewöhnlicher Form verschleiert. Ein witziges Paradoxon (eine Grundbesitzerin, aber was sind ihre Besitztümer!) hätte die Aufmerksamkeit des Publikums erregen sollen. Gleichzeitig entsprach das Porträt einem neuen künstlerischen Geschmack (man nannte ihn Sentimentalismus) – dem Wunsch nach dem Natürlichen, Interesse am Innenleben eines Menschen, seinen Gefühlen, im Gegensatz zu langweiliger Rationalität. Das Porträt gefiel der Kaiserin jedoch nicht. Vielleicht, weil er unwissentlich Erinnerungen an ihr politisches Scheitern wieder aufleben ließ. Obwohl das Denkmal für den glänzenden Sieg über die Türkei das dominierende Element des Porträts ist, regt es auch zum Nachdenken über die weitere Entwicklung der Ereignisse an, über das griechische Projekt – ein Plan, den Katharina trotz erfolgreicher Militäreinsätze nicht umsetzen konnte. Konstantinopel wurde nie die Hauptstadt des neuen orthodoxen Reiches.

3. Unabhängige Aufgabe

Jetzt können Sie versuchen, eines der anderen drei Porträts selbst zu analysieren. Einfache Fragen können Ihnen dabei helfen, die Richtung Ihrer Suche zu bestimmen.

1. Godfrey Kneller. Porträt von Peter I. 1698. Aus der Sammlung der British Royal Collection (Queen's Gallery, Kensington Palace, London)

Godfrey Kneller. Porträt von Peter I. 1698 Royal Collection Trust/Ihre Majestät Königin Elizabeth II

Porträts von Peter I. wurden nicht nur von russischen Künstlern gemalt. Dieses Porträt wurde für König Wilhelm III. (von Oranien) von England von Sir Godfrey Kneller (1646-1723) geschaffen, einem Meister aus Lübeck, der in Amsterdam und Venedig studierte und den größten Teil seines Lebens in Großbritannien verbrachte, wo er arbeitete großer Erfolg als Porträtmaler.

Unterstützende Fragen

1. Das Porträt wurde im Auftrag des englischen Königs Wilhelm III., der auch Statthalter der Niederlande war, nach dem Leben in Den Haag gemalt. Das Porträt wurde möglicherweise in London fertiggestellt. Wann und unter welchen Umständen besuchte Peter I. Den Haag und London?

2. Was erlaubt uns, dieses Porträt als ein zeremonielles zu charakterisieren?

3. Vergleichen Sie das vom europäischen Meister geschaffene Porträt mit zeitgenössischen russischen Porträts von Parsuns. Wo wird mehr auf das Persönliche geachtet?

4. Mit welchen Mitteln wird die soziale Stellung des Modells dargestellt und mit welchen Mitteln wird es psychologisch charakterisiert?

5. Auf welche Reforminitiativen Petrus deutet das Porträt hin? Wie sind sie mit England verbunden?

2. Alexey Antropov. Porträt von Kaiser Peter III. 1762. Aus der Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie

Alexey Antropov. Porträt des Kaisers Peter III. 1762 Zustand Tretjakow-Galerie/ Wikimedia Commons

Unterstützende Fragen

1. Beschreiben Sie die Umgebung, in der das Modell präsentiert wird. Wie verhält sich das Bild des Kaisers zu dieser Situation? Mit welchen künstlerischen Mitteln charakterisiert der Künstler das Modell?

2. Vergleichen Sie das von Antropov geschaffene Bild von Peter III. mit dem, was über die Persönlichkeit und die Herrschaft des Kaisers bekannt ist.

3. Dmitri Levitsky. Ursula Mniszech. 1782. Aus der Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie

Dmitri Levitsky. Ursula Mniszech. 1782 Staatliche Tretjakow-Galerie / Google Art Project

Ursula Mniszek (ca. 1750 – 1808) – polnische Aristokratin, Nichte von Stanislav August Poniatowski, Gräfin, Ehefrau des litauischen Kronmarschalls Graf Mniszek, Staatsdame des russischen Kaiserhofs.

Schlüsselfrage

Diese Art von Porträt wird üblicherweise als Zwischenporträt zwischen Kammer- und Zeremonienporträt bezeichnet. Welche Merkmale dieser Genrevarianten vereint es? 

Dmitri Levitsky
Porträt von Katharina der Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit
1783

Die majestätische, stattliche Gestalt der Kaiserin, die ideale, „überirdische“ Schönheit ihres Gesichts, die prachtvolle Dekoration – sowie die überaus beachtliche Größe des Porträts (261 x 201 cm) dürften beim Betrachter Ehrfurcht vor dem Modell hervorgerufen haben .

Zeremonielles Porträt, repräsentatives Porträt- ein für die Hofkultur charakteristischer Subtyp des Porträts. Erhielt während der Zeit des entwickelten Absolutismus eine besondere Entwicklung. Seine Hauptaufgabe besteht nicht nur darin, visuelle Ähnlichkeit zu vermitteln, sondern auch den Kunden hervorzuheben, die abgebildete Person mit einer Gottheit (im Falle eines Porträts eines Monarchen) oder einem Monarchen (im Falle eines Porträts eines Aristokraten) zu vergleichen.

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Rätsel aus „Die französischen Botschafter“ von Hans Holbein.

Die Rolle der Farbe in einem Porträt

Untertitel

Merkmal

Dabei handelt es sich in der Regel um die Darstellung einer Person in voller Größe (auf einem Pferd, stehend oder sitzend). Bei einem formellen Porträt wird die Figur meist vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund dargestellt; Durch größere Ausarbeitung kommt es einem narrativen Bild nahe, das nicht nur beeindruckende Dimensionen, sondern auch eine individuelle figurative Struktur impliziert.

Der Künstler stellt das Modell dar und lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die soziale Rolle der abgebildeten Person. Da die Hauptrolle des zeremoniellen Porträts ideologischer Natur war, führte dies zu einer gewissen eindimensionalen Charakterisierung: eine betonte Theatralik der Pose und eine eher üppige Umgebung (Säulen, Vorhänge, im Porträt des Monarchen - Insignien, Machtsymbole), was die spirituellen Eigenschaften des Modells in den Hintergrund drängte. Doch in den besten Werken des Genres erscheint das Modell in einer klar definierten Version, die sich als sehr ausdrucksstark erweist.

Das feierliche Porträt zeichnet sich durch offene Demonstrativität und den Wunsch aus, die dargestellte Person zu „historisieren“. Dies beeinflusst das Farbschema, das ausnahmslos elegant und dekorativ ist und den koloristischen Merkmalen des Innenraums entspricht (obwohl es sich je nach Stil der Epoche ändert und im Barock lokal und hell, im Rokoko weicher und voller Halbtöne und im Klassizismus zurückhaltend wird). ).

Untertypen

Abhängig von den Attributen kann ein zeremonielles Porträt sein:

• • Krönung (seltener Thron)
  • Reitsport
  • Im Bild eines Kommandanten (Militär)
  • Das Jagdporträt grenzt an das vordere an, kann aber auch intim sein.
    • Halbzeremoniell – hat das gleiche Konzept wie ein zeremonielles Porträt, hat aber normalerweise einen hüftlangen oder knielangen Schnitt und ziemlich entwickelte Accessoires

Krönungsporträt

Krönungsporträt – ein feierliches Bild des Monarchen „am Tag seiner Krönung“, der Thronbesteigung, im Krönungsornat (Krone, Mantel, mit Zepter und Reichsapfel), meist in voller Höhe (manchmal findet man ein sitzendes Thronporträt). ).

„Das kaiserliche Porträt war als jahrhundertelange Prägung des derzeit wichtigsten Staatsgedankens gedacht. Unveränderliche Formen trugen wesentlich dazu bei, den bleibenden Wert der Gegenwart, die Stabilität der Staatsmacht usw. zu demonstrieren. In diesem Sinne Sonderstellung besetzte die sogenannte „Krönungsporträt“, das das Bild eines Herrschers mit den Attributen der Macht voraussetzt und die gleiche heilige Beständigkeit beansprucht wie die Krönungszeremonie selbst. Tatsächlich erfuhr dieser Porträttyp von der Zeit Peters des Großen, als Katharina I. zum ersten Mal nach den neuen Regeln gekrönt wurde, bis zur Ära Katharinas II. nur geringfügige Veränderungen. Die Kaiserinnen – Anna Ioannowna, Elisabeth Petrowna, Katharina II. – erheben sich majestätisch über die Welt und ähneln in ihrer Silhouette einer unerschütterlichen Pyramide. Die königliche Unbeweglichkeit wird auch durch das schwere Krönungsgewand mit Mantel betont, dessen ikonisches Gewicht der Krone, dem Zepter und dem Reichsapfel entspricht, die stets das Bild des Autokraten begleiteten.“

Permanente Attribute:

• Säulen, die die Stabilität der Regierung hervorheben sollen
• Vorhänge, verglichen mit einem Theatervorhang, der sich gerade geöffnet hat und dem Publikum ein wundersames Phänomen offenbart

Zu der Zeit, über die wir sprechen, war die Weltkunst bereits entwickelt bestimmter Typ zeremonielles Porträt, dessen Gesichtszüge stark von Klassenvorstellungen beeinflusst waren. Der Sinn und Inhalt solcher Werke besteht vor allem darin, die dargestellte Person als bedeutende Person, als Vertreter der höchsten privilegierten Klasse, als Träger hoher Ränge und Titel darzustellen. Diese Aufgabe bestimmte auch die Wahl der Ausdrucksmittel, die die Künstler bei der Erstellung zeremonieller Porträts verwendeten. Das darin abgebildete Modell befindet sich immer in einer Umgebung, die dazu beiträgt, ein Gefühl von Bedeutung, Ungewöhnlichkeit und Feierlichkeit des Bildes zu erzeugen, und jedes Detail enthält einen Hinweis auf die realen oder imaginären Vorzüge und Tugenden der Person, vor der wir sehen uns. In den ersten uns überlieferten Werken erscheint Levitsky als ein Künstler, der die Malerei bereits fließend beherrscht und sich der vor ihm entwickelten Techniken zur Erstellung komplexer kompositorischer Porträts bestens bewusst ist. Hier beginnt er jedoch gerade erst, nach einer Möglichkeit zu suchen, neue Prinzipien der menschlichen Darstellung in seiner Kunst zum Ausdruck zu bringen.

Unter diesem Gesichtspunkt sind die Porträts von A. F. Kokorinov (1769), B. V. Umsky (1770) und N. A. Sezemova (1770) sehr interessant. Alle von ihnen sind nach dem bereits etablierten Schema zur Lösung eines zeremoniellen Porträts gebaut. Im Zentrum steht die Figur des Porträtierten, klar und volumetrisch vor dem Hintergrund gezeichnet. Es gibt Accessoires, die eine große Bedeutung haben. Gleichzeitig verstärken sie das Gefühl der strengen Ausgewogenheit in der Komposition und verleihen dem Porträt zusammen mit der Farbe einen gewissen dekorativen Klang. Ein vollständiges Bild davon, wie ein typisches zeremonielles Porträt des 18 fast theatralische Konvention und Raffinesse >>> .

"Gemäldeporträt des Rektors der Akademie Alexander Filippovich Kokorinov"

Öl auf Leinwand.

Kokorinov steht an einem dunkel lackierten, mit Bronze verzierten Schreibtisch, auf dem Zeichnungen des Gebäudes der Akademie der Künste, Bücher und Papiere liegen. Kokorinov trägt eine hellbraune Uniform, die dicht mit Goldborten bestickt ist, und darüber einen Seidenkaftan mit hellbraunem Fellbesatz. Jabot und Manschetten aus feinster Spitze, eine hohe weiße Krawatte und ein Schwert runden die formelle Kleidung ab.

Kokorinovs Gesicht ist mit einem höflichen Lächeln und einem Ausdruck stolzer Ruhe dem Publikum zugewandt. In seinem kräftigen Gesicht mit den markanten Wangenknochen, in seiner kräftigen Figur spürt man innere Gelassenheit und lebendige Energie, und in den Tiefen seiner ruhigen Augen lauerten entweder Traurigkeit oder Müdigkeit. Aber all dies wird unter dem Deckmantel weltlicher Höflichkeit und Größe verborgen. Die ihn umgebenden Gegenstände erzählen ausführlich von Kokorinov. Die prächtige Ausstattung und luxuriöse Kleidung zeugen von der bedeutenden Stellung, die Kokorinov einnimmt. Und Bücher, Papiere und Zeichnungen verdeutlichen die Geschichte und erklären, dass vor uns eine prominente Kulturfigur, ein bedeutender Architekt, einer der Schöpfer des majestätischen Gebäudes der Akademie der Künste, steht.

Alles in Kokorinovs Porträt: Farbgebung, Komposition, sorgfältig ausgewählte, hervorragend bemalte Accessoires, formelle Kleidung – trägt dazu bei, eine Stimmung der Feierlichkeit und Hochstimmung zu schaffen. Kokorinov war kein edler Mann, der zur Spitze der herrschenden Klasse gehörte. Aber die Stärke etablierter Vorstellungen über den Zweck einer zeremoniellen Darstellung einer Person und die Gewohnheit bestimmter Schemata zur Konstruktion eines repräsentativen Porträts zwingen den Künstler, Kokorinov zu malen – einen talentierten Architekten, einen Mann, der durch seine Arbeit eine bestimmte Position in der Welt erreicht hat Gesellschaft, als wäre er ein Aristokrat, ein edler Würdenträger. Und all das Ausdrucksmittel, die Levitsky hier verwendet, erlauben es uns, über Kokorinov nur das zu erfahren, was der Künstler der Tradition folgend für möglich oder für notwendig hielt, zu sagen.

Erwähnt werden auch die für jedes Prunkbild des 18. Jahrhunderts verbindlichen Eigenschaften Porträt des Steuerbauers Nikifor Artemyevich Sezemov >>> .

"Porträt des Steuerbauers Nikifor Artemyevich Sezemov"

Öl auf Leinwand.

Aber im Gegensatz zu den Porträts von Kokorinov und Umsky, bei denen es sich um klassische Zeremonienbilder handelt, weist dieses Werk von Levitsky Merkmale auf, die beredt darauf hinweisen, dass der Künstler sich auf einen Weg der Suche begibt, der ihn später zu neuen, tiefgreifenden und originellen Lösungen führen wird.

Zwar hatte Levitsky in diesem Fall die Möglichkeit, sich von den traditionellen Methoden der zeremoniellen Darstellung der Merkmale von Sezemovs Biografie und Persönlichkeit zu lösen. Sezemov – „ein Dorfbewohner aus Wyzhigina“ – wie die Inschrift auf der Rückseite der Leinwand, auf der das Porträt gemalt war, besagt, war ein Leibeigener des Grafen P. B. Sheremetev. Dank seiner Intelligenz, seines Unternehmergeists und seiner Energie häufte er als Steuerfarm ein riesiges Vermögen an, das es Sezemov ermöglichte, sich in großem Umfang für wohltätige Zwecke zu engagieren. Das Porträt wurde bei Levitsky in Auftrag gegeben, weil Sezemov dem Moskauer Waisenhaus zwanzigtausend Rubel gespendet hatte.

Ein solcher Held in einem zeremoniellen Porträt ist eine Ausnahmeerscheinung für Kunst XVIII Jahrhundert. Wie hat Levitsky ihn dargestellt?

Vor uns steht ein beleibter, ruhiger Mann mittleren Alters mit einem energischen, intelligenten Gesicht, das von Falten durchzogen ist. Im hartnäckigen Blick durchdringender Augen liegt die Klugheit und List eines Menschen, der das Leben gut kennt. Er ist bärtig, ohne Perücke. Schwarzes Haar in einen Kreis geschnitten. Und Sezemov ist auf russische Art gekleidet: Er trägt einen langen, pelzgefütterten Kaftan, der wie damals üblich mit einem Gürtel unterhalb der Taille versehen ist einfache Leute. Es gibt keinen luxuriösen Rahmen auf der Leinwand, der für Gemälde dieser Art obligatorisch ist.

Und doch ist dieses Porträt ein zeremonielles, feierliches Bild einer Person. Sezemov zeigt mit einer breiten Geste auf das Papier, das er in der Hand hält. Auf diesem Papier ist ein Plan des Waisenhauses gezeichnet, darunter ein gewickeltes Baby und ein passender Text aus der Heiligen Schrift. All diese Details führen uns sofort in den Ideenkreis zurück, der mit zeremoniellen Bildern verbunden ist. Offensichtlich wurde das Porträt von Sezemov geschaffen, um über die sozialen Tugenden des reichen Steuerbauern zu sprechen – seine großzügige Wohltätigkeit, seine Fürsorge für die „Waisen und Obdachlosen“. Darüber hinaus vermittelt der Künstler durch die Vermittlung der „demokratischen“ Züge von Sezemovs Auftritt gleichzeitig das Gefühl, dass er zwar ein Mann vor uns ist, aber ein außergewöhnlicher Mann. Seine Haltung ist feierlich und majestätisch. Und „gewöhnliche“ Kleidung aus bläulich-grüner Seide, besetzt mit goldbraunem Fell, sieht nicht weniger teuer und elegant aus als jeder luxuriöse Anzug eines Aristokraten.

Die etwas ungewöhnliche Lösung des zeremoniellen Porträts, bei dem es dem Künstler gelang, die einzigartige Originalität der äußeren und inneren Erscheinung des Modells etwas abseits des üblichen Schemas zu vermitteln, die Ungewöhnlichkeit dieses Modells selbst legt nahe, dass der Künstler nach Wegen sucht die individuelle Ausdruckskraft des Bildes der dargestellten Person zu vermitteln und erreicht dies auch in einem so einzigartigen Kunstfeld wie dem Prunkporträt des 18. Jahrhunderts.

Porträt des Bergbaubesitzers Prokofy Akinfievich Demidov >>> wurde 1773 von Levitsky geschrieben.

„Porträt des Bergbaubesitzers Prokofi Akinfijewitsch Demidow“

Öl auf Leinwand.

Demidov wird vor dem Hintergrund majestätischer Säulen und in schweren Falten fallender Vorhänge dargestellt. Hinter den Säulen befindet sich das Gebäude des Waisenhauses, für dessen Bau Demidov große Geldsummen gespendet hat. Für seine weitverbreitete Wohltätigkeit und sein Engagement für die Bildung der jüngeren Generation (im Gebäude des Waisenhauses befand sich die von Demidov gegründete Handelsschule für Kaufmannskinder) wird der Bergmann in dem Porträt verherrlicht.

In Demidovs Gesicht liegt ein wohlwollender, wohlwollender und zugleich herablassender Ausdruck, der für zeremonielle Porträts obligatorisch ist. Mit einer lebhaften, entspannten und zugleich offen demonstrativen Geste lenkt er die Aufmerksamkeit des Publikums auf die ihn umgebenden Objekte. Demidovs Satinkleidung funkelt und schimmert in Scharlach- und Silbertönen. Wir sehen, dass Levitsky in diesem Werk das äußere Schema eines zeremoniellen Porträts mit der obligatorischen Kombination von Repräsentativität, Monumentalität und Dekorativität sowie jene Stimmung besonderer Hochstimmung, dieses Pathos der Erhebung der dargestellten Person beibehielt, ohne die solche Werke unmöglich sind . Darüber hinaus übertrifft dieses Porträt in Umfang, Feierlichkeit und Anzahl der Accessoires bei weitem alles, was Levitsky zuvor in dieser Weise geschaffen hatte.

Aber wenn das Gebäude des Waisenhauses ein natürliches Detail für diese Art von Malerei ist, dann sprengen die restlichen Accessoires sofort den traditionellen Rahmen eines zeremoniellen Porträts. Demidov steht, auf eine große Gießkanne aus Metall gestützt, neben einem Tisch, auf dem Blumenzwiebeln einiger Pflanzen und Bücher liegen, die möglicherweise über Botanik arbeiten. Am Fuß der Säulen stehen Töpfe mit Pflanzen, die offenbar Gegenstand besonderer Sorgfalt und des Stolzes des Besitzers sind, denn Demidov zeigt auf sie und nicht auf das Waisenhaus. Und Demidov ist zu Hause gekleidet. Er trägt einen Morgenmantel und einen Schlummertrunk. Auch wenn wir im Bild blühender Pflanzen eine Allegorie der Jugenderziehung sehen, dann darüber hinaus symbolische Bedeutung, die den Porträtierten umgebenden Gegenstände, sein Outfit enthalten einen direkten und offenen Hinweis auf seine persönlichen Vorlieben, Neigungen und Charaktereigenschaften. All diese Details lassen uns daran denken, dass Demidov nicht nur für seine großzügige Wohltätigkeit und sein Engagement für das Gedeihen der häuslichen Bildung bekannt war. Unter seinen Zeitgenossen war er auch als großer Gartenliebhaber, Exzentriker und Originalität bekannt.

Demidovs ganzes Leben ist eine seltsame Mischung aus vernünftigem Handeln und ungezügelter Extravaganz, eine gewagte Herausforderung für den öffentlichen Geschmack und die absurden, unhöflichen Handlungen eines tyrannischen Herrn. Und diese Eigenartigkeit des Charakters des Kunden fand seinen Ausdruck im Gemälde.

Schließlich war es eine Exzentrik, sich in einer so intimen Form in einem feierlichen Porträt darstellen zu lassen, das zudem für eine offizielle Institution bestimmt war. Diese Exzentrizität kam jedoch der Suche von Levitsky zugute, der nach einer tiefergehenden und wahrheitsgetreueren Offenbarung des menschlichen Charakters strebte.
Dem Künstler gelingt hier eine große Vollständigkeit der Charakterisierung der dargestellten Person. Unter der Maske herrschaftlicher Nachlässigkeit und Extravaganz der Erscheinung erkennen wir deutlich die lebendigen Merkmale ungewöhnlicher Natur.
Demidovs Gesicht ist das glatte Gesicht eines gesättigten und müden Mannes, mit weichen, etwas schlaffen Wangen, einer ungesunden Altersröte, mit Schatten unter den Augen, der nachdenklich und leicht spöttisch unter schweren Lidern hervorschaut. Kurze, leicht hochgezogene Augenbrauen und fest zusammengepresste, verächtlich gefaltete Lippen verleihen Demidovs Physiognomie trotz der Höflichkeit des Lächelns, das sie berührte, einen Ausdruck seniler Sentimentalität und Mürrischkeit. Eine seltsame Kombination aus bissiger Ironie und etwas Ähnlichem wie Herablassung oder leicht spöttischer Gutmütigkeit verleiht Demidovs Gesicht eine einzigartige Originalität. Demidovs Pose ist sehr ausdrucksstark; sie hat ein Gefühl von lässiger Anmut. Seine Figur ist charakteristisch, schon merklich schwerer.

Levitsky gelang es, im Porträt von Demidov ein komplexes Bild eines Mannes mit einer breiten Seele zu schaffen, der über einen aufmerksamen Geist verfügt, der in der Lage ist, freundlich und mitfühlend zu sein und gleichzeitig unglaubliche und extravagante Taten zu begehen.
Das zeremonielle russische Porträt des 18. Jahrhunderts hatte noch nie eine solche Vollständigkeit, Kraft und Objektivität der Merkmale gekannt. Allerdings hatten Levitskys Vorgänger in intimen Porträts bereits großes Geschick darin erlangt, den Charakter einer Person zu offenbaren. Aber auch in diesem Genre gelang es Levitsky, sich durchzusetzen.

Er erwies sich in dem Werk, das er fast zeitgleich mit Demidov malte, als bemerkenswerter Meister der intimen Porträts. Porträt des großen französischen Philosophen und Pädagogen Denis Diderot>>> , der vom 28. September 1773 bis 22. Februar 1774 in St. Petersburg lebte.

Die Persönlichkeit Diderots, der mit all seinen Aktivitäten den Triumph des menschlichen Geistes bestätigte, gab dem Künstler große Möglichkeiten, das Bild eines starken, mutiger Mann ausgestattet mit einem hohen und einsichtigen Geist. Gleichzeitig ich selbst großer Philosoph bemerkte, dass es äußerst schwierig sei, sein Porträt zu malen. „Ich hatte täglich hundert verschiedene Gesichter, je nachdem, mit welchem ​​Thema ich mich beschäftigte … Ich habe ein Gesicht, das einen Künstler täuscht.“ Levitsky zeigte Diderot als wäre er mit sich allein, wie er im Alltag sein könnte.

Diderot im Morgenmantel, ohne Perücke. Das spärliche Haar liegt in losen Strähnen auf ihrem kahl werdenden Kopf. Der offene Kragen des Hemdes gibt den Blick auf den Hals eines alten Mannes frei. Aber vielleicht ist Diderots Gesicht gerade deshalb so bedeutungsvoll: Alle seine Gesichtszüge zeugen von schöpferischem Talent, ständiger Denkarbeit und starkem Willen.

Sehr interessant ist das große aus dem Jahr 1783 Porträt von Katharina II. - Gesetzgeberin>>> .

„Porträt der Kaiserin Katharina II. – Gesetzgeberin“

Öl auf Leinwand.

Dabei handelt es sich nicht nur um ein Porträt und nicht nur um ein Prunkbild der Kaiserin, von denen viele im 18. Jahrhundert entstanden sind. Dabei handelt es sich um eine Art bildliche Ode, eine politische Erklärung, die die Ideale der führenden Persönlichkeiten der Zeit zum Ausdruck bringt und von ihnen in verschleierter Form der Kaiserin überreicht wird.

Das „Programm“ des Films wurde von N. A. Lvov entwickelt. In diesem Programm brachte er die Vorstellungen einiger russischer Pädagogen über einen idealen, gerechten und vernünftigen Monarchen zum Ausdruck.

Und Levitsky besang in der Form eines zeremoniellen, verherrlichenden Porträtbildes, in dem der Inhalt des Bildes vor allem anhand von Einzelheiten der Situation offenbart wird, das edle Ideal des öffentlichen Dienstes einer Person und vor allem des Monarchen. gegenüber der Gesellschaft, dem Staat, drückte das humane und schöne, aber im Wesentlichen utopische Inhaltsprogramm des von Lvov zusammengestellten Films aus.

Katharina II. in einem weißen, silberschimmernden Kleid von strengem Schnitt, mit einem Lorbeerkranz auf dem Kopf und einem Ordensband auf der Brust, in einem schweren Gewand, das ihr von den Schultern fällt, erscheint vor uns schön, unterstützend, feierlich und unzugänglich.

Das Aussehen der großen, schlanken jungen Frau im Porträt ähnelt nur entfernt der echten Katharina. Aber Levitsky hat es sich nicht zur Aufgabe gemacht, den Anschein wahrheitsgetreu zu zeigen und zu vermitteln innere Welt Königin. Er schuf das Bild eines idealen Herrschers, und Katharina, wie sie auf der Leinwand dargestellt ist, entspricht voll und ganz allegorische Bedeutung Gemälde.

G. R. Derzhavin, der auf dieses Werk von Levitsky mit dem Gedicht „Vision von Murza“ reagierte, beschrieb die Heldin des Porträts wie folgt:

Ich sah eine wundervolle Vision:
Eine Frau kam aus den Wolken herab, -
Sie stieg aus und fand eine Priesterin
Oder die Göttin vor mir.

Die Figur der Katharina ist vor dem Hintergrund eines feierlichen Vorhangs gezeichnet, dessen breite Falten die grandiosen Säulen und den Sockel umhüllen, auf dem die Skulptur der Themis, der Göttin der Gerechtigkeit, steht. Hinter der Kolonnade, hinter der strengen Balustrade, herrscht ein stürmischer Himmel und ein Meer, auf dem Schiffe fahren. Catherine streckte mit einer breiten Geste ihre Hand über den beleuchteten Altar aus. Neben dem Altar sitzt auf dicken Wälzern ein Adler – der Vogel von Zeus, dem König des Olymp.

All diese Attribute können Erinnerungen an Ereignisse wecken, die tatsächlich während der Regierungszeit von Katharina II. stattgefunden haben. Damals donnerte der Ruhm der Seesiege der russischen Flotte am Schwarzen Meer und die Krim wurde von Russland annektiert. Katharina erließ Gesetze und schuf sogar demonstrativ eine ganze Gesetzgebungskommission, deren Arbeit allerdings keine nennenswerten Ergebnisse zeitigte, sondern der ganzen Welt zeigen sollte, dass Katharina eine „ideale Monarchin“ war.

Doch in dem von Levitsky geschaffenen Porträt enthalten alle auf der Leinwand dargestellten Objekte mehr als nur einen Hinweis auf reale Ereignisse der Zeit.

Das Gemälde „Katharina II. – Gesetzgeberin“ war ein großer Erfolg. Es wurde vom Künstler selbst mehr als einmal wiederholt. Es wurden viele Kopien davon angefertigt. Sie löste nicht nur bei Derzhavin eine poetische Reaktion aus. Auch der Dichter Bogdanovich widmete ihr ein Gedicht. Als Reaktion auf all diese Lobpreisungen und Freuden entschlüsselte Levitsky selbst in der Zeitschrift „Interlocutor of Lovers of the Russian Word“ von 1783 (Teil VI) den Inhalt des Bildes, als ob er die Richtigkeit seiner Lesart durch Zeitgenossen bestätigen würde:

„Die Mitte des Bildes stellt das Innere des Tempels der Göttin der Gerechtigkeit dar, vor der Ihre kaiserliche Majestät in Gestalt eines Gesetzgebers, Mohnblumen auf dem Altar verbrennend, ihren kostbaren Frieden für den allgemeinen Frieden opfert.“ Anstelle der üblichen Kaiserkrone wird es mit einer Lorbeerkrone gekrönt, die die auf seinem Kopf aufgesetzte Zivilkrone schmückt. Die Insignien des St.-Wladimir-Ordens stellen die berühmte Auszeichnung für die zum Wohle des Vaterlandes geleistete Arbeit dar, deren Wahrheit die dem Gesetzgeber zu Füßen liegenden Bücher bezeugen. Der siegreiche Adler ruht auf den Gesetzen, und der Wächter, bewaffnet mit Perun (was etwa den Blitz bedeutet, den der Adler in seinen Klauen hält), wacht über deren Unversehrtheit ...“

In dieser Beschreibung ist eindeutig die Aufforderung enthalten, dem Staat zu dienen und sich „sorgfältig um sein Wohlergehen zu kümmern“. Es ist dieses patriotische Pathos, dieser visuelle Ausdruck des Traums einer vernünftigen, aufgeklärten, „gesetzestreuen“ Regierung des Landes, der die Bedeutung und den Hauptinhalt von Levitskys Gemälde ausmacht.

Am Hof ​​verbreiteten sich zeremonielle Porträts. Sie verherrlichten das Königshaus und sein Gefolge. In der Regel wurde eine Person in vollem Wachstum, stehend oder sitzend auf einem Pferd dargestellt. Der Hintergrund diente meist als Landschaft oder architektonische Strukturen. Der Künstler konzentrierte sich zunächst auf soziale Rolle Ihr Modell. Gleichzeitig gerieten ihre spirituellen Qualitäten oft in den Hintergrund. Unter Besonderheiten ein zeremonielles Porträt – die Pose der Figur wird hervorgehoben, das Bild zahlreicher Insignien und die prächtige Umgebung.

Zeremonielles Porträt im Werk Levitskys

In Russland blühte die Kunst der zeremoniellen Porträts in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts auf. Der größte Vertreter Genre wurde Dmitri Grigorjewitsch Levitsky. Einer von beste Werke des Künstlers sowie eines der ungewöhnlichsten zeremoniellen Porträts der Weltkunst war das „Porträt von Prokofy Akinfievich Demidov“.

Der berühmte Philanthrop ist vor dem Hintergrund der Säulen des Waisenhauses dargestellt, dessen Treuhänder er war. Gleichzeitig trägt Demidov selbst einen Morgenmantel, stützt sich auf eine Gießkanne und ist von Zimmerpflanzen umgeben. Levitsky sagt hier, dass sein Held den Waisenkindern aus dem Waisenhaus ebenso viel Liebe entgegenbringt wie den zarten Zimmerpflanzen.

Zu diesem Genre gehört auch eine Reihe von Porträts von Studenten des Smolny Institute of Noble Maidens. Charmante junge Damen treten auf der Theaterbühne auf und studieren Naturwissenschaften und Kunst. Diese Serie ist für Russland zu einer neuen Art zeremonieller Porträts geworden – dem sogenannten „Rollenporträt“, bei dem das Bildthema nicht real, sondern ein betont theatralisches Leben ist.

Die künstlerische Originalität des Porträts von Katharina II. von Borovikovsky

Eines der einzigartigsten Beispiele eines zeremoniellen Porträts war das Gemälde von Levitskys jüngerem Zeitgenossen, Wladimir Lukitsch Borowikowski, „Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park“. Der Künstler stellte die Kaiserin in gewöhnlicher Kleidung dar, nichts erinnerte an ihre königliche Größe. Ihr geliebter Hund tobt zu Catherines Füßen.

Interessanterweise reagierte die Kaiserin selbst zwar sehr kühl auf ihr Porträt von Borovikovsky, es wurde jedoch später als eines der besten anerkannt. Auf diesem Bild erscheint Katharina vor Masha Mironova auf den Seiten von Puschkins Erzählung „Die Tochter des Kapitäns“.

So gelang es talentierten Künstlern oft, die eher starren Grenzen des Genres des zeremoniellen Porträts zu überwinden.