Welche Porträts sind zeremoniell und intim? D.g

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Diego Velazquez (?), Kopie des Originals von Rubens, „Reiterporträt Philipps IV.“

Zeremonielles Porträt, repräsentatives Porträt- ein für die Hofkultur charakteristischer Subtyp des Porträts. Erhielt während der Zeit des entwickelten Absolutismus eine besondere Entwicklung. Seine Hauptaufgabe besteht nicht nur darin, visuelle Ähnlichkeit zu vermitteln, sondern auch den Kunden hervorzuheben und die abgebildete Person mit einer Gottheit (im Fall eines Porträts eines Monarchen) oder einem Monarchen (im Fall eines Porträts eines Aristokraten) zu vergleichen.

Charakteristisch

Dabei handelt es sich in der Regel um die Darstellung einer Person in voller Größe (auf einem Pferd, stehend oder sitzend). Bei einem formellen Porträt wird die Figur meist vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund dargestellt; Durch größere Ausarbeitung kommt es einem narrativen Bild nahe, das nicht nur beeindruckende Dimensionen, sondern auch eine individuelle figurative Struktur impliziert.

Der Künstler stellt das Modell dar und lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die soziale Rolle der abgebildeten Person. Da die Hauptrolle des zeremoniellen Porträts ideologischer Natur war, führte dies zu einer gewissen eindimensionalen Charakterisierung: eine betonte Theatralik der Pose und eine eher üppige Umgebung (Säulen, Vorhänge, im Porträt des Monarchen - Insignien, Machtsymbole), was die spirituellen Eigenschaften des Modells in den Hintergrund drängte. Doch in den besten Werken des Genres erscheint das Modell in einer klar definierten Version, die sich als sehr ausdrucksstark erweist.

Das feierliche Porträt zeichnet sich durch offene Demonstrativität und den Wunsch aus, die dargestellte Person zu „historisieren“. Dies beeinflusst das Farbschema, das ausnahmslos elegant und dekorativ ist und den koloristischen Merkmalen des Innenraums entspricht (obwohl es sich je nach Stil der Epoche ändert und im Barock lokal und hell, im Rokoko weicher und voller Halbtöne und im Klassizismus zurückhaltend wird). ).

Untertypen

Abhängig von den Attributen kann ein zeremonielles Porträt sein:

- Krönung (seltener Thron)
- Reitsport
- Im Bild eines Kommandanten (Militär)
- Das Jagdporträt grenzt an das vordere an, kann aber auch intim sein.
  - Halbzeremoniell – hat das gleiche Konzept wie ein zeremonielles Porträt, hat aber normalerweise einen hüftlangen oder knielangen Schnitt und ziemlich entwickelte Accessoires

Krönungsporträt

Krönungsporträt – ein feierliches Bild des Monarchen „am Tag seiner Krönung“, der Thronbesteigung, im Krönungsornat (Krone, Mantel, mit Zepter und Reichsapfel), meist in voller Höhe (manchmal findet man ein sitzendes Thronporträt). ).

„Das kaiserliche Porträt wurde als Abdruck für die bedeutendsten Jahrhunderte konzipiert momentan Staatsidee. Bedeutende Rolle unveränderliche Formen trugen dazu bei, den bleibenden Wert der Gegenwart, die Stabilität der Staatsmacht usw. zu demonstrieren. In diesem Sinne Sonderstellung besetzte die sogenannte „Krönungsporträt“, das das Bild eines Herrschers mit Machtattributen voraussetzt und die gleiche heilige Beständigkeit beansprucht wie die Krönungszeremonie selbst. Tatsächlich erfuhr dieser Porträttyp von der Zeit Peters des Großen, als Katharina I. zum ersten Mal nach den neuen Regeln gekrönt wurde, bis zur Ära Katharinas II. nur geringfügige Veränderungen. Die Kaiserinnen – Anna Ioannowna, Elisabeth Petrowna, Katharina II. – erheben sich majestätisch über die Welt und ähneln in ihrer Silhouette einer unerschütterlichen Pyramide. Die königliche Stille wird durch das schwere Krönungsgewand und den schweren Krönungsmantel betont, deren ikonisches Gewicht der Krone, dem Zepter und dem Reichsapfel entspricht, die stets das Bild des Autokraten begleiteten.“

Zeremonielles Porträt

Das zeremonielle Porträt ist ein Typus historisches Porträt bestimmte soziale Orientierung. Am weitesten verbreitet waren solche Porträts am Hof. Das Hauptziel dieser Richtung war die Verherrlichung hochrangiger und adliger Personen, des Königshauses und ihres Gefolges. Die Aufgabe bestand darin, die Aufmerksamkeit auf die Verdienste und Leistungen des Kunden zu lenken, ihn zu erhöhen, manchmal sogar zu vergöttern.

Die gesellschaftliche Ordnung bestimmte die Art und Weise der künstlerischen Ausführung des zeremoniellen Porträts. Die Bilder waren oft große Größen, und die Person wurde in vollem Wachstum, stehend oder sitzend dargestellt. Die Atmosphäre strahlte Feierlichkeit aus, der Innenraum war üppig. Die ideologische Ausrichtung erforderte eine gewisse Steifheit der Posen und eine Künstlichkeit der Handlung. Der Künstler wollte die Bedeutung der Figur hervorheben, die Helden der Gemälde sind in üppige, zeremonielle Kostüme gekleidet, das Vorhandensein von Insignien und Insignien, Symbolen der Macht und Macht, war obligatorisch.

Die Aufgabe besteht darin, die visuelle Ähnlichkeit eines Modells mit dem Original anzuzeigen und internen Zustand In einem feierlichen Porträt, bei dem es vor allem auf den sozialen Status des Kunden ankommt, tritt die Person in den Hintergrund. Jedoch herausragende Künstler und in diesem engen Genre war es möglich, die Individualität, den Charakter und die Lebensweise eines Menschen widerzuspiegeln. Berühmte russische Porträtmaler, die hochrangige Persönlichkeiten auf ihren Leinwänden darstellten, waren Ivan Nikitin, Alexey Antropov, Fjodor Rokotov und Dmitry Levitsky.

Ivan Nikitich Nikitin – „Meister der Personen“, der Lieblingskünstler von Peter I., Gegenstand seines patriotischen Stolzes vor Ausländern, „damit sie wissen, dass es auch von unserem Volk gibt.“ gute Meister" Und Peter täuschte sich nicht: „Der Maler Iwan“ war der erste russische Porträtmaler auf europäischem Niveau und im europäischen Sinne des Wortes.

I.N. Nikitin stammte aus einer Moskauer Geistlichenfamilie. Anfänglich Kunstunterricht wahrscheinlich in der Moskauer Rüstkammer und ihrer Gravierwerkstatt unter der Leitung des niederländischen Graveurs A. Schonebeek erhalten. Im Jahr 1711 wurde es zusammen mit der Gravurwerkstatt nach St. Petersburg verlegt. Anscheinend lernte er, selbstständig Porträts zu malen, indem er die in Russland verfügbaren Werke ausländischer Meister studierte und kopierte. Dank seines Talents (und vielleicht auch seiner Verwandten, die in den Hofkirchen dienten) erlangte Nikitin schnell eine starke Position am Hof. Peter der Große erkannte seine Fähigkeiten und machte ihn bei I.G. Dangauer

In den frühen (vor 1716) Werken des Künstlers besteht eine deutliche Verbindung zu Parsuns – russischen Porträts des späten 15. Jahrhunderts mit ihrer harten und gebrochenen Schrift, den matten dunklen Hintergründen, der Flachheit des Bildes, dem Mangel an räumlicher Tiefe und der Konventionalität in der Verteilung aus Licht und Schatten. Gleichzeitig verfügen sie über unbestrittene kompositorische Fähigkeiten und die Fähigkeit, eine Figur wirkungsvoll zu drapieren, die Textur verschiedener Materialien zu vermitteln und satte Farbflecken harmonisch zu koordinieren. Aber die Hauptsache ist, dass diese Porträts ein Gefühl von besonderer realistischer Überzeugungskraft und psychologischer Authentizität hinterlassen. Nikitin ist der Schmeichelei, die in zeremoniellen Porträts üblich ist, völlig fremd.

In den Jahren 1716-20 I. N. Nikitin ist zusammen mit seinem jüngeren Bruder Roman, ebenfalls Maler, in Italien. Sie besuchten Florenz, wo sie unter der Leitung von Tommaso Redi studierten, Venedig und Rom. Roman Nikitin arbeitete außerdem in Paris, wobei N. Largillière tatsächlich als Meister aus Italien zurückkehrte. Er hat die Nachteile des Zeichnens und der Konventionen beseitigt frühe Arbeiten, behielt aber seine Hauptmerkmale bei: den allgemeinen Realismus der Malerei und die Direktheit psychologischer Merkmale, eine eher dunkle und satte Farbgebung, die dominiert wird warme Farbtöne. Leider lässt sich dies anhand der wenigen uns überlieferten Werke beurteilen.

Er malte (mehrmals) Porträts des Kaisers selbst, seiner Frau, der Großherzoginnen Anna, Elisabeth und Natalia und vieler anderer hochrangiger Beamter. Der Künstler war mit den Techniken des vorherrschenden Stils der Epoche vertraut – Rokoko, leicht und verspielt –, verwendete sie jedoch nur, wenn sie wirklich dem Charakter des Modells entsprachen, wie im Porträt des jungen Barons S.G. Stroganov (1726). Aber vielleicht ist Nikitins bestes Werk in Bezug auf die Schönheit der Malerei, die Tiefe und Komplexität psychologischer Eigenschaften „Porträt eines Bodenhetmans“ (1720er Jahre).

Im Jahr 1725 malte Nikitin den Zaren zum letzten Mal nach dem Leben. „Peter 1 auf seinem Sterbebett“ (im Museum der Akademie der Künste) – im Wesentlichen große Skizze, frei vorgetragen, aber doch ganzheitlich, nachdenklich und monumental.

Während der Regierungszeit von Katharina I. ließ er sich in Moskau nieder, wo sich sein wenig später aus dem Ausland zurückgekehrter Bruder hauptsächlich mit Kirchenmalerei beschäftigte.

Im Jahr 1732 wurde Ivan Nikitin zusammen mit den Brüdern Roman und Herodion (Erzpriester der Erzengel-Kathedrale in Moskau) wegen der Verbreitung von Verleumdungen gegen den Vizepräsidenten verhaftet Heilige Synode Feofan Prokopovich ist übrigens auch ein Förderer und Mitarbeiter von Peter. Möglicherweise wurde dies indirekt durch die gescheiterte Ehe des Künstlers und die anschließende Scheidung erleichtert: Die Verwandten seiner Ex-Frau versuchten, Nikitin auf jede erdenkliche Weise zu schaden. Ja, viele mochten ihn aufgrund seines direkten und unabhängigen Charakters sowieso nicht. Nach fünf Jahren Kasematten Peter-und-Paul-Festung, Verhör und Folter, die Brüder werden ins Exil geschickt. Ivan und Roman landeten in Tobolsk. Nach dem Tod der Kaiserin Anna Ioannowna im Jahr 1741 warteten sie auf ihre Rehabilitation. Doch der alte und kranke Künstler kehrte nie in seine Heimat Moskau zurück. Er ist wahrscheinlich irgendwo auf dem Weg zu ihr gestorben. Roman Nikitin starb Ende 1753 oder Anfang 1754.

I. N. Nikitin

Porträt von Kanzler G.I. Golovkin

1720g, Öl auf Leinwand, 90,9 x 73,4 cm.

Das Porträt von Golovkin gilt als eines der ersten Werke, die der Künstler nach seiner Rückkehr aus Italien fertigstellte. Graf Gavrila Ivanovich Golovkin, Vizekanzler und Mitarbeiter von Peter I., war dank seiner charakteristischen Geschicklichkeit und List besonders erfolgreich auf diplomatischem Gebiet. In der Inschrift auf der Rückseite des Porträts heißt es stolz: „Während seiner Amtszeit als Kanzler schloss er 72 Verträge mit verschiedenen Regierungen.“

Golovkins Gesicht fällt durch seinen intelligenten, durchdringenden Blick und die feste, willensstarke Lippenlinie auf; Umrahmt von einer silbernen Perücke ragt es aus dem schwarzen Raum des Hintergrunds hervor.

Nikitin hat es geschafft, sich in diesem Porträt auszudrücken perfektes Bild ein energischer Staatsmann – ein Mann aus der Zeit Peters. In seiner Haltung liegt kein Pomp, aber ein Gefühl von Selbstwertgefühl. Die majestätische Zurückhaltung der Pose, das Band und der Stern des Heiligen Andreas sowie der polnische Orden des Weißen Adlers in Form eines Kreuzes auf einer blauen Schleife verleihen Feierlichkeit und Bedeutung.

I. N. Nikitin

Porträt von Anna Petrowna, Tochter von Peter 1

Vor 1716, Öl auf Leinwand, 65 x 53 cm.

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Im Jahr 1716 wurde der Maler Ivan Nikitich Nikitin von Peter I. ins Ausland nach Italien geschickt. Man kann aber kaum sagen, dass er als einfacher Student dorthin geschickt wurde. In einem Brief an Katharina in Berlin vom 19. April 1716 schrieb Peter: „... bitten Sie den König, ihm (Nikitin) zu befehlen, seine Person abzuschreiben ... damit sie wissen, dass es unter unserem Volk gute Herren gibt.“ ” Und in Italien erhielt Nikitin als anerkannter Meister viel mehr aus der Staatskasse für den Unterhalt als andere königliche Rentner.

Porträt von Anna Petrowna, älteste Tochter Peter und Jekaterina Alekseevna, die Nikitin schon vor seiner Auslandsreise gemalt hatte, gaben dem russischen Zaren wirklich allen Grund, stolz auf seinen Künstler zu sein. Nikitin nahm Prinzessin Anna im Alter von 6-7 Jahren gefangen. Gemäß der Mode und den Regeln der Porträtkunst dieser Zeit wird das Mädchen als Erwachsene dargestellt: in koketter Pose, mit hoher Frisur und langen schwarzen Haaren, die über die Schultern gestreut sind, in einem tief ausgeschnittenen blauen Kleid mit großem Goldmuster und ein leuchtend rotes Gewand, gefüttert mit Hermelin, was auf den Besitz des Kindes der königlichen Familie hinweist.

In diesem Porträt (und in Nikitins Stil im Allgemeinen) ist die Farbe erstaunlich – überall ungewöhnlich intensiv, materiell, von innen heraus leuchtend und lässt keinen Raum für graue Schatten. Diesen Eindruck erreicht der Künstler, indem er die Farbschicht in den beleuchteten Bereichen mit immer helleren und dickeren Strichen aufbaut, während die Schatten hell, transparent und in zartesten Farbtönen bleiben – so sind Annas Gesicht und die offene Brust gemalt. Das Gefühl einer Farbenpracht auf dem Kaminsims wird durch schnelle orange und scharlachrote Striche erzeugt, die über den Rotton geworfen werden. Der Künstler stellt nicht die Gefühle oder den Charakter des Modells dar, aber mit der Kraft des Leuchtens der Farben, der unruhigen Bewegung der Linien scheint er es neu zu erschaffen und die Materie vor unseren Augen wiederzubeleben.

Anna Petrowna, Zarewna und Herzogin von Holstein, Tochter von Peter dem Großen und Katharina I. Zeitgenossen zufolge sah Anna ihrem Vater sehr ähnlich, sie war klug und schön, gebildet, sprach ausgezeichnet Französisch, Deutsch, Italienisch und Schwedisch, Peter Ich habe sie sehr geliebt.

Annas zukünftiger Ehemann, Herzog von Holstein-Gottorp, Friedrich Karl, kam 1721 nach Russland in der Hoffnung, mit Hilfe Peters des Großen Schleswig aus Dänemark zurückzugeben und erneut das Recht auf den schwedischen Thron zu erlangen. Der Frieden von Nystad (1721) enttäuschte die Erwartungen des Herzogs, da Russland versprach, sich nicht in die inneren Angelegenheiten Schwedens einzumischen.

Am 22. November 1724 wurde der lang ersehnte Ehevertrag für den Herzog unterzeichnet, wonach Anna und der Herzog übrigens für sich und ihre Nachkommen auf alle Rechte und Ansprüche auf die Krone des Russischen Reiches verzichteten; aber gleichzeitig gewährte sich Peter nach eigenem Ermessen das Recht, einen der aus dieser Ehe hervorgegangenen Fürsten zur Nachfolge der Krone und des Allrussischen Reiches zu berufen, und den Herzog verpflichtet, den Willen des Kaisers zu erfüllen ohne irgendwelche Bedingungen.

Sie starb am 4. März 1728 in Holstein, kaum zwanzig Jahre alt, nachdem sie von ihrem Sohn Karl Peter Ulrich (später Kaiser Peter III.) entbunden worden war.

A. P. Antropow

Porträt der Staatsdame A.M

1759g, Öl auf Leinwand, 57,2 x 44,8 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Im Jahr 1758 kehrte Alexei Petrowitsch Antropow nach einer langen Abwesenheit, die mit der Arbeit in Kiew und Moskau verbunden war, nach St. Petersburg zurück. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits über vierzig und genoss Respekt und Ruhm.

Allerdings wurde er zu Recht nicht zu den Meistern ersten Ranges gezählt. Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg beschloss Antropov, seine Kunst zu verbessern und nahm zwei Jahre lang Privatunterricht beim berühmten italienischen Porträtmaler P. Rotari. Das Ergebnis war wirklich wunderbar: Aus einem talentierten Handwerker wurde ein herausragender und, was besonders bemerkenswert ist, ein äußerst origineller russischer Künstler.

Das erste und beste Ergebnis dieser Ausbildung war das Porträt der Staatsdame A.M. Izmailova, geborene Naryshkina, einer entfernten Verwandten von Kaiserin Elisabeth väterlicherseits und ihrer Favoritin.

Izmailova, die engste Freundin von Kaiserin Elizaveta Petrovna, war in ihrer Jugend als Schönheit bekannt, doch als das Porträt entstand, war sie bereits eine alternde, adrett wirkende Person, die großen Einfluss am Hof genoss. Ohne Ausschmückung vermittelte der Künstler eine schwere Figur, ein volles Gesicht mit dicht nach der damaligen Mode gezogenen Augenbrauen und einer hellen Röte auf den Wangen. Der lebhafte, dem Betrachter zugewandte Blick der braunen Augen und die sarkastisch geschürzten Lippen verraten Izmailovas schlagfertigen Verstand und herrischen Charakter.

Die Besonderheiten von Anthropovs Stil liegen in der Farbgebung des Porträts. Der Künstler greift auf Farben von nahezu gängiger Druckhelligkeit zurück und präsentiert sie in so kontrastreichen Nebeneinanderstellungen, dass sie nur in flächigen Bildern denkbar erscheinen.

Ältere Wangen, dicke Frau Ihr Kopf leuchtet wie Mohnblumen und wird von einer Spitzenkappe umrahmt, die an den Seiten mit roten Schleifen verziert und mit rosa Bändern zusammengebunden ist. Über einer weißen Jacke wird ein bläulich-blaues Kleid getragen, das mit einem mit Diamanten besetzten Orden mit einem Porträt der Kaiserin und einer blassen Rose mit grünen Blättern geschmückt ist.

Die massive Figur von Izmailova steht vor einem sehr dunklen Hintergrund mit einem grünen Farbton. Mit einer solchen Palette verleiht Antropov jedoch jedem Ton Leuchtkraft und Tiefe, baut eine dreidimensionale Form auf, die dank der scharfen Kontraste satter Farben außergewöhnlich dynamisch wirkt, als wäre sie mit innerer Energie aufgeladen, langlebig und schwer. Und diese Formqualitäten verleihen dem Bild einen willensstarken, kühnen, ungewöhnlich lebendigen und farbenfrohen Charakter, der Elizabeths charmante und intelligente Vertraute auszeichnete, die in ihrer Jugend für ihre Schönheit berühmt war.

Dieses Werk des Künstlers erntete das Lob von Rotary und brachte Antropov den Ruhm als einer der besten russischen Porträtmaler, eine Gehaltserhöhung und den Rang eines Leutnants ein.

A. P. Antropow

Porträt von Prinzessin Tatiana Alekseevna Trubetskoy

1761g, Öl auf Leinwand, 54 x 42cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Prinzessin Tatjana Alekseevna – Tochter des Oberanklägers der Synode

Prinz A.S. Kozlovsky, Ehefrau von Prinz N.I

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Rätsel aus „Die französischen Botschafter“ von Hans Holbein.

Die Rolle der Farbe in einem Porträt

Untertitel

Charakteristisch

Untertypen

Abhängig von den Attributen kann ein zeremonielles Porträt sein:

- Krönung (seltener Thron)
- Reitsport
- Im Bild eines Kommandanten (Militär)
- Das Jagdporträt grenzt an das vordere an, kann aber auch intim sein.
  - Halbzeremoniell – hat das gleiche Konzept wie ein zeremonielles Porträt, hat aber normalerweise einen hüftlangen oder knielangen Schnitt und ziemlich entwickelte Accessoires

Krönungsporträt

„Das kaiserliche Porträt war als jahrhundertelanges Abbild der derzeit wichtigsten Staatsidee gedacht. Unveränderliche Formen spielten eine wesentliche Rolle bei der Demonstration des bleibenden Wertes der Gegenwart, der Stabilität der Staatsmacht usw. In diesem Sinne ist das sogenannte „Krönungsporträt“, das das Bild eines Herrschers mit Machtattributen voraussetzt und die gleiche heilige Beständigkeit beansprucht wie die Krönungszeremonie selbst. Tatsächlich erfuhr dieser Porträttyp von der Zeit Peters des Großen, als Katharina I. zum ersten Mal nach den neuen Regeln gekrönt wurde, bis zur Ära Katharinas II. nur geringfügige Veränderungen. Die Kaiserinnen – Anna Ioannowna, Elisabeth Petrowna, Katharina II. – erheben sich majestätisch über die Welt und ähneln in ihrer Silhouette einer unerschütterlichen Pyramide. Die königliche Unbeweglichkeit wird auch durch das schwere Krönungsgewand mit Mantel betont, dessen ikonisches Gewicht der Krone, dem Zepter und dem Reichsapfel entspricht, die stets das Bild des Autokraten begleiteten.“

Permanente Attribute:

Säulen, die die Stabilität der Regierung hervorheben sollen
Vorhänge, verglichen mit einem Theatervorhang, der sich gerade geöffnet hat und dem Publikum ein wundersames Phänomen offenbart

Am häufigsten werden Bildvorstellungen über das Königtum (insbesondere im 18. Jahrhundert) auf der Grundlage zeremonieller Porträts gebildet, von denen aktiv Kopien angefertigt und verbreitet wurden. Solche Porträts können „gelesen“ werden, weil sich das darin abgebildete Modell immer in einer Umgebung befindet, die dazu beiträgt, ein Gefühl von Bedeutung, Ungewöhnlichkeit und Feierlichkeit des Bildes zu erzeugen, und jedes Detail einen Hinweis auf die realen oder imaginären Vorzüge enthält Eigenschaften der Person, die wir vor uns sehen.
Es ist unmöglich, die meisten zeremoniellen Porträts nicht zu bewundern. Doch die Frage, wie wahr das Porträt ist, bleibt offen.

Zum Beispiel das Bild von Katharina, das ich geschaffen habe Jean-Marc Nattier im Jahr 1717:

Aber das intimere Porträt von Catherine in einem Peignoir, gemalt von Louis Caravacome in den 1720er Jahren.
Es scheint, dass die Forscher zu dem Schluss kamen, dass die Kaiserin im Porträt zunächst mit tiefem Ausschnitt dargestellt war und dann ein blaues Band auftauchte, was als Anspielung auf das Band des Ordens des Heiligen Andreas des Ersten verstanden werden kann. Angerufen und der hohe Status der Person. Der einzige Hinweis.

Louis Caravaque erhielt die Ernennung zum offiziellen Hofmaler – Hofmahler – erst unter Anna Ioannowna, doch zuvor gelang es ihm, eine Reihe von Porträts der Familie Peters des Großen zu malen. Darunter sind auch einige, die nach modernen Maßstäben ungewöhnlich sind.
Erstens erinnere ich mich persönlich sofort an das Porträt Zarewitsch Peter Petrowitsch im Bild des Amors

Hier muss natürlich gesagt werden, dass Russland die Galanterie des Rokoko aus Europa übernommen hat, zusammen mit seiner besonderen Atmosphäre der Maskerade und dem Spiel mit Helden und Göttern antike Mythologie, Verhaltensweisen, die die Bildtradition nur beeinträchtigen konnten.
Und doch liegt etwas Eigenartiges in der Tatsache, dass der kleine Peter „Shishechka“, wie sie ihn nannten liebevolle Eltern der es ihm auferlegt hat große Hoffnungen, das sehen wir so. Aber die Geburt dieses Jungen, der nicht einmal vier Jahre alt wurde, sowie sein zunächst relativ guter Gesundheitszustand besiegelten tatsächlich das Schicksal von Zarewitsch Alexei.
Wir können uns auch Pjotr Petrowitschs ältere Schwester Elisabeth vorstellen, die sich an das Porträt desselben Caravaque aus dem Jahr 1750 erinnert:

Oder ein Porträt seines Schülers Ivan Vishnyakov aus dem Jahr 1743:

Aber großer Erfolg Noch zu Lebzeiten der Kaiserin wurde ein weiteres Porträt von Elizaveta Petrovna verwendet, das Mitte der 1710er Jahre von Caravaque gemalt wurde und in dem sie im Bild der Göttin Flora dargestellt ist:

Die zukünftige Kaiserin wird nackt und liegend in einem blauen, mit Hermelin gefütterten Gewand dargestellt – ein Zeichen der Zugehörigkeit zur kaiserlichen Familie. In ihrer rechten Hand hält sie eine Miniatur mit einem Porträt von Peter I., an deren Rahmen ein blaues Andreasband befestigt ist.
Ja, das ist eine Tradition, aber in einem solchen Bild steckt auch eine gewisse Pikantheit. N. N. Wrangel hinterließ eine interessante Bemerkung zu dem Porträt: „Hier ist ein kleines Mädchen, ein achtjähriges unbekleidetes Kind mit dem Körper eines erwachsenen Mädchens, das kokett das Porträt ihres Vaters hält und so freundlich und zärtlich lächelt , als würde sie bereits an Saltykov, Shubin, Sivers, Rasumovsky, Shuvalov und all die anderen denken, die dieses schöne Geschöpf danach liebte.“
Allerdings bemerkte er auch, dass Elizabeth viele Bilder hatte.
Hier ist Elizaveta Petrovna in einem Herrenanzug, der ihr so gut stand:

A.L. Weinberg betrachtete das Porträt als Werk Caravaques und datierte es auf 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova glaubte, dass es sich hierbei um eine studentische Kopie von Levitsky aus dem Werk von Antropov handelte, die auf den ikonografischen Typus von Caravaque zurückgeht.

Und hier ist ein weiteres Porträt von Elisabeth im Herrenanzug – das Lehrbuch „Porträt der Kaiserin Elisabeth Petrowna auf einem Pferd mit einem kleinen Araber“, gemalt von Georg Christoph Groot aus dem Jahr 1743:

Dieses Porträt kann als zeremonielles Porträt bezeichnet werden. Hier ist der Orden des Heiligen Andreas des Erstberufenen, ein blaues Moiré-Band mit einem Schild, ein Marschallstab in der Hand der Kaiserin, eine Verklärungsuniform sowie die Tatsache, dass Elisabeth Petrowna wie ein auf einem Pferd sitzt Mann und die Militärflotte in der Bucht sichtbar.
Caravaque hat auch ein „Porträt eines Jungen im Jagdanzug“, über das verschiedene Versionen konstruiert wurden. Sie nannten es sowohl das Porträt von Peter II. als auch das Porträt Peter III und... ein Porträt von Elizabeth. Aus irgendeinem Grund ist es mir sehr nahe letzte Version.

Es gibt eine ganze Reihe zeremonieller Porträts von Katharina II. Sie wurden sowohl von nach Russland eingeladenen Ausländern als auch von russischen Künstlern geschrieben. Man erinnere sich beispielsweise an das Porträt von Katharina vor einem Spiegel von Vigilius Eriksen, bei dem der Künstler eine einzigartige Technik verwendet, die es ihm ermöglicht, die Kaiserin sowohl im Profil als auch von vorne zu zeigen.

Das Profilbild der Kaiserin diente für das von Rokotov gemalte zeremonielle Porträt:

Catherine selbst liebte offenbar ein weiteres von Eriksen gemaltes Porträt, das sie zu Pferd zeigt:

Würde es trotzdem tun! Schließlich symbolisiert das Porträt den für die Kaiserin verhängnisvollen Tag, den 28. Juni 1762, als sie an der Spitze der Verschwörer nach Oranienbaum aufbrach, um einen Palastputsch durchzuführen. Catherine sitzt rittlings auf ihrem berühmten Pferd Diamond und ist im Militärstil gekleidet – sie trägt die Uniform eines Garde-Infanterieoffiziers.
Das Porträt war ein großer Erfolg am Hof; im Auftrag der Kaiserin wiederholte er sein Werk dreimal und variierte dabei die Größe der Leinwand.

Eriksen malte auch ein Porträt von Katharina II. in Shugai und Kokoshnik:

Man erinnere sich vielleicht an das unzeremonielle Porträt von Katharina II. im Reiseanzug, gemalt von Michail Schibanow, einem Künstler, über den fast nichts bekannt ist. Liegt es nur daran, dass er Potemkin nahe stand?:

Ich erinnere mich an die unzeremoniellen Porträts von Katharina der Großen; es ist unmöglich, an dem von Borovikovsky geschaffenen Bild vorbeizukommen.

Der Künstler zeigte Katharina II. „zu Hause“, in Umhang und Mütze. Fortgeschrittene Jahre Eine Dame geht gemächlich durch die Gassen des Zarskaselski-Parks und stützt sich dabei auf einen Stab. Neben ihr sitzt ihr Lieblingshund, ein englischer Windhund.
Die Idee eines solchen Bildes entstand wahrscheinlich im literarischen und künstlerischen Kreis von Nikolai Lwow und ist eng mit einer neuen Kunstrichtung namens Sentimentalismus verbunden. Bezeichnend ist, dass das Porträt Katharinas II. nicht nach dem Leben ausgeführt wurde. Es gibt Hinweise darauf, dass ihr Lieblingskämmerer (Zimmerdiener), Perekusikhin, im Kleid der Kaiserin für den Künstler posierte.
Interessant ist übrigens, dass im 18. Jahrhundert in Russland nur 8 offizielle Hofmaler tätig waren, darunter nur einer Russe, und selbst dann endete sein Leben fast tragisch. Daher ist es nicht verwunderlich, dass russische Künstler keine Gelegenheit hatten, Kaiser und Kaiserinnen lebend zu malen.
Für diese Arbeit wurde Borovikovsky, über den Lampi arbeitete, der Titel „ernannter“ Akademiker verliehen. Doch trotz der Anerkennung durch die Akademie der Künste gefiel der Kaiserin das Porträt nicht und sie wurde nicht von der Palastabteilung erworben.
Aber genau in diesem Bild hat Puschkin sie in der „Ehrengeschichte“ „Die Tochter des Kapitäns“ festgehalten.

Kommunal Bildungseinrichtung

Zusätzliche Ausbildung Kinder

"Kinder Kunstschule»

WEIBLICHE BILDER IN PORTRÄTS DES 18. JAHRHUNDERTS

(F.S. Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Abgeschlossen von: Schüler der 4-A-Klasse.

Städtische Bildungseinrichtung der Kinderkunstschule Selenogorsk

Grigorjewa Anastasia Wladlenowna

Wissenschaftlicher Betreuer: Lehrer

Kunstgeschichte MOU DOD DHS

Solomatina Tatjana Leonidowna

Selenogorsk

Die Stellung der Frau in der russischen Gesellschaft des 18. Jahrhunderts und die Kunst des Porträts ………………………………………………………………………………… 3

Das Bild einer russischen Frau in der Porträtkunst des 18. Jahrhunderts…………4

2.1. Prunkvolles Frauenporträt der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

2.1. Merkmale des zeremoniellen Porträts;

2.2. UND I. Wischnjakow

2.3. D.G. Levitsky

Kammerbildnis einer Frau aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

Merkmale eines Kammerporträts

2.2.2. V.L. Borowikowski

2.2.3. F.S. Rokotova

Weiblich Porträt XVIII Jahrhundert - eine der höchsten Errungenschaften der russischen Porträtmalerei………………………………………………………16

Referenzliste………………………………………………………17

Abbildungsverzeichnis………………………………………………………18

Bewerbungen…………………………………………………………………………….19

Der Platz der Frau in der russischen Gesellschaft des 18. Jahrhunderts

Und die Kunst des Porträts

Seit Beginn des 18. Jahrhunderts haben Künstler ihre Fähigkeiten ausgehend von einer eher primitiven Darstellung des menschlichen Gesichts zu außergewöhnlicher Perfektion gebracht. Inländische Meister lernten bei ausländischen Malern und übernahmen deren Wissen nicht nur, sondern übertrafen es auch und fügten ihrer Kunst eine zutiefst russische Note hinzu (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Porträts vom Anfang des Jahrhunderts zeigen vor allem die soziale Zugehörigkeit eines Menschen, seine besten Seiten, seinen Prunk und manchmal auch imaginäre Schönheit. Doch im Laufe des Jahrhunderts veränderten sich der Staat, die öffentliche Stimmung sowie die Haltung des Künstlers gegenüber der dargestellten Person stark. Die Meister haben es sich nicht mehr zur Aufgabe gemacht, das Porträt wie das Vorbild aussehen zu lassen. Sie interessierten sich weniger für die Feierlichkeit der Präsentation als vielmehr für die innere Welt eines Menschen, sein Wesen, seine Veranlagung zur Spiritualität. Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts vermittelten Maler die Seele ihrer Modelle, die subtilsten Stimmungen und die Variabilität der Charaktere.

Ziel meiner Arbeit ist es, diese Tendenz zu beweisen, d.h. allmählicher Übergang von äußere Merkmale eines Menschen zur Übertragung seines inneren Zustandes.

Um dieses Problem zu lösen, konzentrierte ich meine Aufmerksamkeit auf die Porträtmalerei der folgenden herausragenden russischen Künstler:

UND I. Vishnyakova;

F.S. Rokotova;

D.G. Levitsky;

V.L. Borowikowski.

Um die Porträts dieser Künstler zu charakterisieren, habe ich eine Vielzahl von Quellen herangezogen, deren Liste am Ende der Arbeit aufgeführt ist. Unter den Büchern, die ich verwendet habe, befinden sich Werke zur Kunst der ausgewählten Zeit (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17) sowie Monographien, der Kreativität gewidmet einzelne Künstler (2,3, 9,13,15).

Das Bild einer russischen Frau in der Porträtkunst des 18. Jahrhunderts

Prunkvolles Frauenporträt der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts

Die führende Rolle in der Malerei der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts kam dem Porträt zu. Die Porträtkunst entwickelte sich in zwei Genres: formal und Kammerkunst.

Merkmale eines zeremoniellen Porträts

Das zeremonielle Porträt ist in vielerlei Hinsicht ein Produkt des Barockstils mit seinem schweren Prunk und seiner düsteren Erhabenheit. Seine Aufgabe ist es, nicht nur einen Menschen, sondern eine wichtige Person in ihrer ganzen Pracht zu zeigen sozialer Status. Daher die Fülle an Accessoires, die diese Position und den theatralischen Pomp der Pose betonen sollen. Das Modell wird vor dem Hintergrund einer Landschaft oder eines Innenraums dargestellt, jedoch immer im Vordergrund, oft in voller Höhe, als ob es den umgebenden Raum mit seiner Erhabenheit verdrängen würde. (12)

Mit zeremoniellen Porträts wurde einer der führenden Porträtmaler dieser Zeit, I.Ya., berühmt. Wischnjakow.

Das tadellose „Auge“ und der tadellose Geschmack des Künstlers machten Vishnyakov zu einem der besten Porträtmaler seiner Zeit. Kein Wunder, dass er nicht nur Porträts regierender Personen kopieren, sondern auch malen durfte, um sie dann für zahlreiche Paläste, Regierungsinstitutionen und private Würdenträger zu „replizieren“ (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn). html)

Dem Künstler gefielen der dekorative Luxus der zeremoniellen Gewänder seiner Zeit, ihre Theatralik und Festlichkeit. Mit Bewunderung vermittelt er die Materialität und Objektivität der Welt, entwirft sorgfältig und liebevoll erstaunliche Kostüme XVIII Jahrhundert, mit ihren Stoffen mit komplexen Mustern, verschiedenen Farben und Texturen, mit feinsten Stickereien, Spitzen und Verzierungen. Als Meisterdekorateur kreiert Vishnyakov eine außergewöhnliche Farbpalette. Und obwohl das Muster über den starren Falten der Kleidung zu liegen scheint, ist es greifbar und ähnelt, in den Worten des Kunstkritikers T.V. Ilyina, (6) der Quelle „dem Bereich der luxuriösen antiken russischen Miniaturen des 17. Jahrhunderts“. ” oder das florale Ornament eines Freskos aus dieser Zeit.“ Und über all diesem Reichtum der materiellen Welt schauen und atmen die Gesichter der Menschen.

Im Jahr 1743 malte Vishnyakov ein Porträt der Kaiserin Elisabeth – repräsentativ und prächtig. Elizabeth - in einer Krone, mit Zepter und Heulen, in einem luxuriösen, glänzenden Moiré-Kleid. Es ist merkwürdig, dass ihm dieses Porträt so gut gefiel, dass Vishnyakov von nun an beauftragt wurde, den Stil anderer Porträts von Elisabeth zu überprüfen, egal wer sie malte – er wurde sozusagen zum obersten Schiedsrichter in Fragen der kaiserlichen Ikonographie. In der Zwischenzeit porträtierte er selbst Elizabeth trotz der Pracht der Situation im Gegensatz zu ihr als eine gewöhnliche Frau – eine blutrünstige russische Schönheit mit schwarzen Augenbrauen und rosigen Wangen, eher freundlich und zugänglich als stattlich oder königlich. Nachdem sie sich die Eigenschaften der Macht angeeignet hatte, gewöhnte sich Elizabeth nie daran. Etwas Heimeliges, Warmes, Lächelndes und Rustikales, natürlich nicht ohne List und nicht ohne Intelligenz, blieb in ihrem Aussehen, und Vishnyakov spürte es deutlich.

Vishnyakovs Kinderporträts waren die besten.

Eines der interessantesten ist das Porträt von Sarah Fermor. (Abb.3) Dies ist ein für die damalige Zeit typisches Zeremonienbild. Das Mädchen ist in voller Länge an der Kreuzung zu sehen Freifläche und ein Landschaftshintergrund mit der obligatorischen Säule und dem schweren Vorhang. Sie trägt ein elegantes Kleid und hält einen Fächer. Ihre Haltung ist zurückhaltend, aber in dieser gefrorenen Feierlichkeit steckt viel Poesie, ein Gefühl ehrfürchtigen Lebens, umgeben von hoher Kunstfertigkeit und großer spiritueller Wärme. Das Porträt vereint, wie es für Vishnyakov typisch ist, scheinbar scharf gegensätzliche Merkmale: In ihm spürt man die noch immer lebendige russische mittelalterliche Tradition – und die Brillanz der Form der zeremoniellen europäischen Kunst des 18. Jahrhunderts. Die Figur und die Pose sind konventionell, der Hintergrund ist flach gehalten – er ist offen dekorative Landschaft, – aber das Gesicht ist dreidimensional geformt. Die exquisite Schrift des grau-grün-blauen Kleides verblüfft durch den Reichtum der vielschichtigen Malerei und hat eine Tradition der Verflachung. Es wird auf illusorische und materielle Weise vermittelt, wir erraten sogar die Art des Stoffes, aber die Blumen sind ohne Berücksichtigung der Falten in Moiré verstreut, und dieses „Muster“ liegt auf der Ebene, wie in einer alten russischen Miniatur. Und über dem gesamten Schema des zeremoniellen Porträts – und das ist das Erstaunlichste – lebt das ernste, traurige Gesicht eines kleinen Mädchens mit nachdenklichem Blick ein angespanntes Leben.

Das Farbschema – Silbertonmalerei, Verzicht auf helle lokale Flecken (was im Allgemeinen für den Pinsel dieses Meisters charakteristisch war) – ist der Natur des Modells geschuldet, zerbrechlich und luftig, ähnlich einer Art exotischer Blume (http://. (www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Wie aus einem Stängel wächst ihr Kopf auf einem dünnen Hals, ihre Arme hängen kraftlos herab, über deren übermäßige Länge mehr als ein Forscher geschrieben hat. Dies ist durchaus berechtigt, wenn wir das Porträt vom Standpunkt der akademischen Korrektheit der Zeichnung aus betrachten: Wir stellen fest, dass die Hände im Allgemeinen für Meister am schwierigsten waren, die keine systematische „schulische“ Ausbildung erhalten hatten, also für die Künstler der Mitte. 18. Jahrhundert und insbesondere Vishnyakov, aber ihre Länge betont auch hier harmonisch die Zerbrechlichkeit des Modells, ebenso wie die dünnen Bäume im Hintergrund. Sarah Farmer scheint nicht das wahre 18. Jahrhundert zu verkörpern, sondern das Vergängliche, das am besten in den skurrilen Klängen des Menuetts zum Ausdruck kommt, das 18. Jahrhundert, von dem man nur geträumt hat, und sie selbst ist unter Vishnyakovs Pinsel wie die Verkörperung eines Traums .

Vishnyakov schaffte es in seinen Werken, die Bewunderung für den Reichtum der materiellen Welt mit einem hohen Sinn für Monumentalität zu verbinden, der nicht durch die Liebe zum Detail verloren ging. Bei Vishnyakov geht dieser Monumentalismus auf zurück alte russische Tradition, während die Anmut und Raffinesse der dekorativen Struktur von einer hervorragenden Beherrschung der Formen der europäischen Kunst zeugen. Die harmonische Kombination dieser Eigenschaften macht Ivan Yakovlevich Vishnyakov zu einem der Allerbesten helle Künstler eine so komplexe Übergangszeit in der Kunst wie die Mitte des 18. Jahrhunderts in Russland.

D.G. Levitsky

In den Werken von Levitsky guter Platz nimmt ein zeremonielles Porträt ein. Hier kommt die seiner Malerei innewohnende Dekorativität in ihrer ganzen Brillanz zum Vorschein.

In zeremoniellen Porträts Reifezeit Levitsky befreit sich von theatralischer Rhetorik; sie sind erfüllt von Fröhlichkeit, festlichem Lebensgefühl, strahlendem und gesundem Optimismus.

Besonderes Augenmerk sollte auf die großen zeremoniellen Porträts von Studenten des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen in voller Länge gelegt werden, die ein einziges dekoratives Ensemble bilden.

„Porträt von Chowanskaja und Chruschtschowa“, 1773, Staatliches Russisches Museum (Abb. 8)

Im Auftrag von Katharina II. malte Levitsky eine Reihe von Porträts von Studenten des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Zwei Mädchen abgebildet dieses Porträt, Rollen ausspielen komische Oper„Die Launen der Liebe oder Ninetta am Hof.“

Chruschtschowa berührt mit gestemmten Armen spielerisch das Kinn ihrer Freundin. Ein spöttisches Lächeln spielt auf dem hässlichen, aber sehr ausdrucksstarken Gesicht des Mädchens. Sie spielt selbstbewusst die männliche Rolle. Ihre Partnerin Khovanskaya blickt den „Herren“ schüchtern an; ihre Verwirrung ist an der unbeholfenen Drehung ihres Kopfes zu erkennen, an der Art und Weise, wie ihre Hand hilflos auf dem glänzenden Satin ihres Rocks liegt. Wir sehen Landschaftsszenen, die einen englischen Park, klassische Ruinen und die Silhouette einer Burg darstellen. Auf der linken Seite ist ein ausladender Baum zu sehen – ein Hintergrund für die Figur von Chruschtschowa, im Vordergrund – ein falscher Hügel, der zusätzliches Licht vom Publikum abdeckt. Die Mädchen werden vom Licht der Rampenlichter beleuchtet, weshalb die Schatten auf dem Boden und die Konturen der Figuren so deutlich hervortreten. Chruschtschowa trägt ein dunkelgraues Seidenhemd, das mit goldenen Borten verziert ist. Im Institutstheater, wo nie Jungen auftraten, galt Chruschtschowa als konkurrenzlose Darstellerin männlicher Rollen. Doch nach dem College war ihr Schicksal erfolglos und sie konnte keinen wichtigen Platz in der Welt einnehmen. Und Katya Khovanskaya wird die Aufmerksamkeit aller auf sich ziehen, die Frau des Dichters Neledinsky-Meletsky und die erste Interpretin der von ihrem Ehemann geschriebenen Lieder werden.

„Porträt der Nelidova“ 1773 (Abb. 7)

Dies ist der älteste der Smoljaner. Noch während ihres Studiums an der Smolny-Universität wurde sie für ihr hervorragendes Schauspiel auf der Bühne bekannt, insbesondere beim Tanzen und Singen von Liedern. Im Porträt spielt sie eine Rolle im Theaterstück „Die Magd ist die Herrin“. Sie ist sich ihres eigenen Charmes bereits bewusst, hat das Bedürfnis zu gefallen und beherrscht die Fähigkeiten des theatralischen Verhaltens perfekt. Die Figur steht selbstbewusst in einer Ballettpose, der Griff hebt anmutig die Spitzenschürze an, rosa Bänder zieren den Strohhut der „Hirtin“ – alles vermittelt das Gefühl einer Porzellanpuppe. Und ein lebhaftes Gesicht, lachende Augen, ein Lächeln erklären, dass das alles nur ein Spiel ist. Vor dem Hintergrund sind zartgrüne Baumgruppen und leichte, elegante Wolken zu sehen

Porträts von E. I. Nelidova (1773), (Abb. 7) E. N. Khrushchova und E. N. Khovanskaya (1773), (Abb. 8), G. I. Alymova (1776) (Abb. 2) und andere. Die figurative Struktur dieser Werke ist mit der Charakteristik zeremonieller Porträts des 18. Jahrhunderts verbunden. Darstellung einer Frau als „fröhliches, fröhliches Wesen, das nur Lachen und Spaß liebt“. Aber unter Levitskys Pinsel wurde diese allgemeine Formel mit realistisch überzeugenden Lebensinhalten gefüllt.

Hoher Klassizismus in der Malerei – „Katharina die Zweite – Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit“, 1783, Staatliches Russisches Museum. (Abb. 3)

Dies ist eine echte Bilder-Ode mit allen inhärenten Merkmalen dieses Genres. Der Charakter ist eine Kaiserin in zeremonieller Kleidung, eine gerechte, vernünftige, ideale Herrscherin. Die Kaiserin präsentiert sich in einem weißen, silbern schimmernden Kleid strengen Schnitts mit einem Lorbeerkranz auf dem Kopf und einem Ordensband auf der Brust. Sie trägt ein schweres Gewand, das von ihren Schultern herabfließt und die Größe der Kaiserin betont.

Katharina wird vor dem Hintergrund eines feierlichen Vorhangs, breiter Falten, die breite Säulen umhüllen, und eines Sockels dargestellt, auf dem die Statue von Themis, der Göttin der Gerechtigkeit, steht. Hinter der Kolonnade, hinter einer strengen Balustrade, sind ein stürmischer Himmel und ein Meer mit darauf fahrenden Schiffen dargestellt. Catherine streckte mit einer breiten Geste ihre Hand über den beleuchteten Altar aus. Neben dem Altar sitzt auf dicken Blättern ein Adler, der Vogel des Zeus. Das Meer erinnert an die Erfolge der russischen Flotte im 18. Jahrhundert, die Gesetzesbände, die Katharina als Legislativkommission schuf, die Themis-Statue – an die von Dichtern verherrlichte Gesetzgebung der Kaiserin. Aber das ist natürlich nicht das wirkliche Erscheinungsbild von Katharina, sondern das Bild eines idealen Monarchen, wie ihn das Zeitalter der Aufklärung haben wollte. Das Gemälde war ein großer Erfolg und es wurden zahlreiche Kopien davon angefertigt.

V.L. Borowikowski

„Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park“ ist ein Porträt von Katharina II. von Wladimir Borowikowski, geschrieben im Einklang mit Sentimentalismus, einem der bedeutendsten berühmte Bilder Kaiserin.

Borovikovsky malte ein für die damalige Zeit ungewöhnliches Porträt, das vom Geist einer neuen Bewegung des Sentimentalismus durchdrungen war – im Gegensatz zum Klassizismus, der damals die kaiserlichen Porträts dominierte. Charaktereigenschaften Diese Richtung ist die Idealisierung des Lebens im Schoß der Natur, der Kult der Sensibilität und das Interesse am Innenleben des Menschen. Der Sentimentalismus manifestiert sich in der Ablehnung zeremonieller Palastinterieurs durch den Autor und seiner Vorliebe für die Natur, die „schöner als Paläste“ sei. „Zum ersten Mal in der russischen Kunst wird der Hintergrund eines Porträts zu einem wichtigen Element bei der Charakterisierung des Helden. Der Künstler verherrlicht die menschliche Existenz inmitten der natürlichen Umwelt und interpretiert die Natur als Quelle ästhetischen Vergnügens.

Die 65-jährige Katharina läuft im Zarskoje-Selo-Park spazieren und stützt sich wegen ihres Rheumas auf einen Stab. Ihre Kleidung ist ausgesprochen informell – sie trägt einen Morgenmantel, der mit einer Spitzenrüsche mit Satinschleife verziert ist, und eine Spitzenmütze, zu ihren Füßen tummelt sich ein Hund. Die Herrscherin wird nicht als Göttin dargestellt, sondern als einfache „Kasaner Gutsbesitzerin“, in der sie gerne auftrat letzten Jahren Leben, ein besinnliches Leben, ohne jegliche Amtsführung, Feierlichkeit und zeremonielles Drumherum. Das Porträt wurde zu einer inländischen Version Englischer Typ„Portrait-Spaziergang“. In der Dämmerung des Parks sieht man einen Pier mit Sphinxen, im See schwimmen Schwäne. Das Gesicht des Models ist verallgemeinert und bedingt geschrieben, ihr Alter wird gemildert.

So dringt „natürliche Einfachheit“ in das zeremonielle Porträt ein, was das Bild neben der Sentimentalität teilweise dem Klassizismus der Aufklärung näher bringt. Die Haltung der Kaiserin ist jedoch voller Würde, die Geste, mit der sie auf das Denkmal ihrer Siege zeigt, ist zurückhaltend und majestätisch.

Anders als Katharina – Levitskys Themis wird Borovikovskys Ekaterina als „alte Kasaner Gutsbesitzerin“ dargestellt, die mit ihrem geliebten italienischen Windhund durch den Garten spaziert. Borovikovsky schuf ein für die damalige Zeit ungewöhnliches Porträt. Catherine wird gezeigt, wie sie im Morgenmantel und mit Mütze im Zarskoje-Selo-Park spazieren geht, zu ihren Füßen ihr liebster italienischer Windhund. Sie erscheint dem Betrachter nicht als Felitsa, nicht als gottähnliche Königin, die vom Himmel herabgestiegen ist, sondern als einfache „Kasaner Gutsbesitzerin“, als die sie in ihren letzten Lebensjahren gerne erschien.

Der Künstler stellte die Figur Katharinas mit unübertroffener Sympathie dar. Dies ist keine alte Kaiserin, sondern in erster Linie eine Person, eine Frau, die der Staatsangelegenheiten und der Hofetikette ein wenig überdrüssig ist und die in ihrem freien Moment nichts dagegen hätte, allein zu sein, Erinnerungen zu schwelgen und die Natur zu bewundern. „In der russischen Kunst ist dies das erste Beispiel eines königlichen Porträts, das seinem Wesen nach intim ist und sich einem Genregemälde nähert.

Aber auch in diesem intimen Porträt gibt es ein „emblematisches Motiv einer Säule“ – die Chesme-Säule (Kahul-Obelisk – nach der Version des Porträts des Staatlichen Russischen Museums), das trotz aller Sentimentalität des Bildes von Katharina In der gesamten Handlung des Porträts symbolisiert es „Festigkeit oder Beständigkeit“, „Standhaftigkeit des Geistes“ und „feste Hoffnung“. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und dem geschickten Einsatz von Kostümen sehr elegant.

Vishnyakovs zeremonielle Porträts zeichnen sich durch einen hohen Sinn für Monumentalität aus, ohne dabei die Liebe zum Detail zu verlieren. Bei Vishnyakov geht dieser Monumentalismus auf die alte russische Tradition zurück, während die Anmut und Raffinesse der dekorativen Struktur von einer hervorragenden Beherrschung der Formen der europäischen Kunst zeugen.

Die Originalität des russischen Zeremonienporträts im Werk von Borovikovsky, das vor allem die Stellung des Menschen in der Klassengesellschaft verherrlichen sollte, war der Wunsch, die innere Welt des Menschen zu offenbaren. Seine Porträts sind vom Geist einer neuen Bewegung des Sentimentalismus durchdrungen – im Gegensatz zum Klassizismus, der damals die kaiserlichen Porträts dominierte.

Levitsky war sowohl bei intimen Porträts als auch bei zeremoniellen Bildern in voller Länge gleichermaßen gut.

Levitskys zeremonielle Porträts offenbaren den inhärenten dekorativen Charakter seiner Malerei in ihrer ganzen Pracht.

In den zeremoniellen Porträts seiner Reifezeit befreit sich Levitsky von der theatralischen Rhetorik; sie sind von einem Geist der Fröhlichkeit erfüllt.

2. Merkmale eines Kammerporträts der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts:

Kammerporträt – ein Porträt, bei dem die dargestellte Person in Halbfigur, Brust oder Schulter dargestellt wird. In einem Kammerporträt wird die Figur meist vor einem neutralen Hintergrund dargestellt.

Ein Kammerporträt ist nicht nur eine Reihe äußerer Merkmale, es ist eine neue Sichtweise auf eine Person. Wenn in einem zeremoniellen Bild das Kriterium für den Wert einer menschlichen Persönlichkeit ihre Handlungen waren (die der Betrachter durch Attribute erfuhr), dann treten in einem Kammerbild moralische Qualitäten in den Vordergrund.

Der Wunsch, die individuellen Qualitäten eines Menschen zu vermitteln und ihn gleichzeitig ethisch zu bewerten.

Borovikovsky wandte sich verschiedenen Formen der Porträtmalerei zu – intimen, formalen und Miniaturporträts. Wladimir Lukitsch Borovikovsky war der bekannteste russische sentimentale Künstler. Buch von A.I. Arkhangelskaya „Borovikovsky“ (3) erzählt von den Hauptetappen der Arbeit dieses wunderbaren russischen Künstlers, der auf Russisch verfasst wurde Bildende Kunst Vertreter des Sentimentalismus. Laut dem Autor ist V.L. Borovikovsky „ein Sänger der menschlichen Persönlichkeit, der danach strebt, das Ideal des Menschen so darzustellen, wie er und seine Zeitgenossen ihn sich vorgestellt haben.“ Er war der erste russische Porträtmaler, der die Schönheit des Gefühlslebens offenbarte. Kammerporträts nehmen in Borovikovskys Werk einen vorherrschenden Platz ein.

Borovikovsky wird bei vielen beliebt große Auswahl Petersburger Adel. Der Künstler porträtiert ganze „Familienclans“ – die Lopuchins, Tolstois, Arsenjews, Gagarins, Bezborodkos, die seinen Ruhm über verwandte Kanäle verbreiteten. Dieser Abschnitt seines Lebens umfasst Porträts von Katharina II, ihre vielen Enkelkinder, Finanzminister A.I. Wassiljew und seine Frau. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und dem geschickten Einsatz von Kostümen sehr elegant. Borovikovskys Helden sind meist untätig, die meisten Modelle sind im Rausch ihrer eigenen Sensibilität. Dies kommt durch das Porträt von M. I. Lopukhina (1797) und das Porträt von Skobeeva (Mitte der 1790er Jahre) sowie das Bild der Tochter von Katharina II. und A. G. Potemkin (1798) zum Ausdruck.

„Das Porträt von M.I. Lopukhina (Il. 7) (5) gehört zu der Zeit, als sich neben der Dominanz des Klassizismus auch der Sentimentalismus etablierte. Aufmerksamkeit auf Farbtöne individuelles Temperament Der Kult des einsam-privaten Daseins stellt eine eigentümliche Reaktion auf die gesellschaftliche Normativität des Klassizismus dar. Natürliche Leichtigkeit kommt in Lopukhinas künstlerisch nachlässiger Geste, der launischen und kapriziösen Neigung ihres Kopfes, der mutwilligen Biegung ihrer weichen Lippen und der verträumten Geistesabwesenheit ihres Blicks zum Ausdruck.“

Bild von M.I. Lopukhina besticht durch ihre sanfte Melancholie, außergewöhnliche Weichheit der Gesichtszüge und innere Harmonie. Diese Harmonie wird durch die gesamte künstlerische Struktur des Bildes vermittelt: Sowohl durch die Drehung des Kopfes als auch durch den Gesichtsausdruck der Frau wird sie durch einzelne poetische Details, wie zum Beispiel gepflückte und bereits am Stiel herabhängende Rosen, betont. Diese Harmonie ist leicht in der melodischen Glätte der Linien, in der Nachdenklichkeit und Unterordnung aller Teile des Porträts zu erkennen.
Gesicht M.I. Lopukhina mag weit vom klassischen Schönheitsideal entfernt sein, aber es ist von einem so unbeschreiblichen Charme erfüllt, einem solchen spirituellen Charme, dass viele klassische Schönheiten daneben wie ein kaltes und lebloses Schema wirken werden. Das fesselnde Bild einer sanften, melancholischen und verträumten Frau wird mit großer Aufrichtigkeit und Liebe vermittelt und die Künstlerin offenbart ihre spirituelle Welt mit erstaunlicher Überzeugungskraft.
Ein nachdenklicher, träger, traurig-verträumter Blick, ein sanftes Lächeln, die freie Leichtigkeit einer leicht müden Pose; glatte, rhythmisch fallende Linien; weiche, runde Formen; weißes Kleid, lila Schal und Rosen, blauer Gürtel, Aschehaarfarbe, grüner Hintergrund Laub und schließlich ein sanfter, luftiger Dunst, der den Raum erfüllt – all dies bildet eine solche Einheit aller bildnerischen Ausdrucksmittel, in der die Bildentstehung vollständiger und tiefer zum Vorschein kommt.

Das Porträt von Lopukhina wurde vor dem Hintergrund einer Landschaft gemalt. Sie steht im Garten und stützt sich auf eine alte Steinkonsole. Die Natur, in die sich die Heldin zurückgezogen hat, gleicht einer Ecke eines Landschaftsparks edles Anwesen. Sie personifiziert schöne Welt, voller natürlicher Charme und Reinheit. Verwelkte Rosen und Lilien rufen eine leichte Traurigkeit hervor, Gedanken über die vergängliche Schönheit. Sie spiegeln die Stimmung der Traurigkeit, Angst und Melancholie wider, in der Lopukhina versunken ist. Im Zeitalter des Sentimentalismus fühlen sich den Künstler besonders zu den komplexen Übergangszuständen der inneren Welt des Menschen hingezogen. Elegische Verträumtheit und träge Zärtlichkeit durchziehen das gesamte künstlerische Gefüge des Werkes. Lopukhinas Nachdenklichkeit und ihr leichtes Lächeln offenbaren ihr Eintauchen in die Welt ihrer eigenen Gefühle.

Die gesamte Komposition ist von langsamen, fließenden Rhythmen durchzogen. Die sanfte Rundung der Figur und die sanft gesenkte Hand werden von den abfallenden Ästen der Bäume, den weißen Birkenstämmen und den Roggenähren widergespiegelt. Unklare, verschwommene Konturen erzeugen ein Gefühl von Leichtigkeit Luftumgebung, ein transparenter Dunst, in den die Figur des Modells und die umgebende Natur „eingetaucht“ sind. Die um ihre Figur fließenden Konturen – manchmal verloren, manchmal in Form einer dünnen, flexiblen Linie erscheinend – rufen im Gedächtnis des Betrachters die Konturen antiker Statuen hervor. Fallende, zusammenlaufende oder glatte Brüche bildende Falten, die subtilsten und spirituellsten Züge des Gesichts – all das ist sozusagen keine Malerei, sondern Musik. Das sanfte Blau des Himmels, das gedämpfte Grün des Laubs, das Gold der Ohren mit leuchtenden Kornblumentupfern spiegeln die Farbe des perlweißen Kleides, des blauen Gürtels und der glitzernden Verzierung am Arm wider. Der fliederfarbene Schal wird von den Farbtönen verblassender Rosen widergespiegelt.

In Borovikovskys Porträts verkörpern „Lisanka und Daschenka“ (Abb. 6)(3) den Typus sensibler Mädchen dieser Zeit. Ihre sanften Gesichter sind Wange an Wange gepresst, ihre Bewegungen sind voller jugendlicher Anmut. Die Brünette ist ernst und verträumt, die Blondine lebhaft und lustig. Sie ergänzen sich gegenseitig und verschmelzen zu einer harmonischen Einheit. Der Charakter der Bilder entspricht den zarten Tönen kalter bläulich-lila und warmer goldrosa Blüten.

Borovikovsky war besonders gut darin, „junge Mädchen“ aus Adelsfamilien darzustellen. Dies ist das „Porträt von Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva“ (4), einer Schülerin des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen und Trauzeugin der Kaiserin Maria Fjodorowna. Die junge Frau aus Smolensk ist in einem „Peasanka“-Kostüm dargestellt: Sie trägt ein weites Kleid, einen Strohhut mit Ähren und in ihren Händen Apfel gießen. Die mollige Katenka zeichnet sich nicht durch die klassische Regelmäßigkeit ihrer Gesichtszüge aus. Eine nach oben gerichtete Nase, schlau funkelnde Augen und ein leichtes Lächeln dünner Lippen verleihen dem Bild jedoch Kühnheit und Koketterie. Borovikovsky hat die Spontaneität des Models, ihren lebhaften Charme und ihre Fröhlichkeit perfekt eingefangen.

F.S. Rokotow

Kreativität F.S. Rokotova (1735-1808) stellt eine der bezauberndsten und am schwierigsten zu erklärenden Seiten unserer Kultur dar.

Das zeremonielle Bild war weder Rokotovs Lieblingsbereich noch der typischste Bereich seiner Kreativität. Sein Lieblingsgenre ist das Ganzkörperporträt, bei dem die ganze Aufmerksamkeit des Künstlers auf das Leben des menschlichen Gesichts gerichtet ist. Sein Kompositionsschema zeichnete sich durch Einfachheit aus, die etwas an Monotonie grenzte. Gleichzeitig zeichnen sich seine Porträts durch subtiles malerisches Können aus.

Er fühlte sich von anderen Malaufgaben angezogen: der Schaffung kammerförmiger, intimer Gemälde, die die Vorstellungen des Meisters über eine erhabene spirituelle Struktur widerspiegeln sollten

Wenden wir uns der Arbeit von F.S. Rokotov, ein Anhänger der Kammerporträtmalerei, stellt fest, dass die ideale Herkunft dieses Künstlers mit den Merkmalen des Erscheinungsbildes einer Person sowie einer meisterhaften Darstellung der Gesichtszüge, der Kleidung und des Schmucks der porträtierten Person verbunden ist Der Künstler ist in der Lage, die spirituellen Qualitäten des Modells zu erkennen.

Bei Rokotovs Charakterisierung des Bildes ist die Ausdruckskraft der Augen und des Gesichtsausdrucks sehr wichtig, und der Künstler strebt nicht nach einer bestimmten Stimmungsvermittlung, sondern er möchte ein Gefühl der Flüchtigkeit und Flüchtigkeit der Gefühle einer Person erzeugen Werke überraschen durch ihre sanfte, raffinierte Schönheit Farbspektrum. Die meist auf drei Farben basierende Farbgebung bringt durch ihre Übergänge den Reichtum und die Komplexität des Innenlebens des Porträtierten zum Ausdruck. Der Künstler setzt das Hell-Dunkel auf einzigartige Weise ein, indem es das Gesicht hervorhebt und kleinere Details gleichsam auflöst.

Rokotovs Porträts sind auf den ersten Blick Geschichte. Dank ihnen haben wir die Möglichkeit, uns Bilder einer längst vergangenen Ära vorzustellen.

In den späten 1770er-1780er Jahren.

Diese Merkmale von Rokotovs Kreativität kamen am deutlichsten in den dort vertretenen Frauenporträts zum Ausdruck spezieller Ort in der Kunst des 18. Jahrhunderts. Zur Zeit seiner Schaffensblüte schafft der Maler eine Galerie des Schönen weibliche Bilder: A. P. Struyskoy (1772) (Abb. 13), V. E. Novosiltseva. (Abb. 14)

Das nächste Frauenporträt ist „Unbekannt im rosa Kleid“, gemalt in den 1770er Jahren. Es gilt als eines von Rokotovs Meisterwerken. Die feinsten Abstufungen von Rosa – von gesättigt in den Schatten bis hin zu warm und hell – erzeugen den Effekt des Flackerns und Flatterns der feinsten Licht-Luft-Umgebung, als stünden sie im Einklang mit den inneren spirituellen Bewegungen, die in Porträts des 18. Jahrhunderts ausnahmslos verborgen sind. ein freundliches Lächeln leuchtete durch die Tiefen seines Blicks. Dieses Bild ist von einem besonderen lyrischen Charme erfüllt.

Besonders hervorzuheben ist „Porträt einer unbekannten Frau in einem rosa Kleid“. Die Offenheit eines Menschen gegenüber anderen und der Welt setzt Intimität, versteckte Aufmerksamkeit und Interesse, vielleicht irgendwo Herablassung, ein Lächeln für sich selbst oder sogar Begeisterung und Fröhlichkeit, einen Impuls voller Adel voraus – und diese Offenheit, Vertrauen in den anderen Menschen und in die Welt als Ganzes - Eigenschaften der Jugend, der Jugend, insbesondere in Zeiten, in denen neue Ideale von Güte, Schönheit und Menschlichkeit in der Luft liegen wie der Hauch des Frühlings. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Das von Fjodor Stepanowitsch Rokotow gemalte Porträt einer unbekannten jungen Frau mit nachdenklich zusammengekniffenen Augen in einem hellrosa Kleid (Unbekannt in Rosa) besticht durch seine Subtilität und seinen spirituellen Reichtum. Rokotov schreibt sanft und luftig. In einer halben Andeutung, ohne etwas bis zum Ende herauszuziehen, vermittelt er die Transparenz von Spitze, die weiche Masse gepuderter Haare, ein strahlendes Gesicht mit schattierten Augen.

F. Rokotov „Porträt von A.P. Struyskoy“ (Abb. 13)

1772, Öl auf Leinwand, 59,8 x 47,5 cm

Das Porträt von Alexandra Struyskaya ist zweifellos das brillanteste Bild des Ideals schöne Frau in allen russischen Porträts. Dargestellt ist eine bezaubernde junge Frau voller betörender Anmut. Ein anmutiges ovales Gesicht, dünne fliegende Augenbrauen, ein leichtes Rouge und ein nachdenklicher, abwesender Blick. In ihren Augen liegen Stolz und spirituelle Reinheit. Das Porträt ist mit Farb- und Lichttönen gemalt. Schatten verwandeln sich subtil in Licht, Aschegrautöne fließen in Blau und Rosatöne in blasses Gold. Lichtspiele und Farbabstufungen sind nicht wahrnehmbar und erzeugen eine leichte Trübung, vielleicht eine Art Mysterium.

Über Rokotovs Liebe zu Struiska ist eine Legende erhalten geblieben, die offenbar vom besonderen Charme und Glück des Talents der Künstlerin inspiriert ist, die ihr Porträt geschaffen hat (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).

Levitsky

In seinen intimen Porträts herrscht spürbar eine sachliche Haltung gegenüber dem Modell vor. Die Merkmale der Individualität werden stärker verallgemeinert und typische Merkmale werden hervorgehoben. Levitsky bleibt ein großer Psychologe und ein brillanter Maler, zeigt aber nicht seine Haltung gegenüber dem Modell.

Lächeln der gleichen Art, zu helles Rouge auf den Wangen, eine Technik zum Faltenlegen. Daher ähneln sich die fröhliche Dame E.A. Bakunina (1782) und die primitiv-trockene Dorothea Schmidt (Anfang der 1780er Jahre) auf subtile Weise.

Porträt von Ursula Mniszech (Abb. 12)

1782., Öl auf Leinwand,

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Porträt von Ursula Mniszech entstand auf dem Höhepunkt des Könnens und Ruhmes der Künstlerin. Das Oval war in der Porträtpraxis von D. G. Levitsky selten, aber es war diese Form, die er für die exquisite Darstellung weltlicher Schönheit wählte. Mit natürlicher Illusion vermittelte der Meister die Transparenz von Spitze, die Zerbrechlichkeit von Satin und das graue Puder einer modischen hohen Perücke. Wangen und Wangenknochen „brennen“ durch die Hitze des aufgetragenen kosmetischen Rouges.

Das Gesicht ist mit verschmolzenen Strichen bemalt, die dank der transparenten aufgehellten Lasuren nicht zu unterscheiden sind und dem Porträt eine glatt lackierte Oberfläche verleihen. Auf einem dunklen Hintergrund werden bläulich-graue, silberne Asche- und goldblasse Töne vorteilhaft kombiniert.

Eine entfernte Kopfdrehung und ein freundlich gelehrtes Lächeln verleihen dem Gesicht einen höflichen, weltlichen Ausdruck. Ein kalter, direkter Blick wirkt ausweichend und verbirgt das Innere des Modells. Ihre Blondine Augen auf bewusst geheimnisvoll, aber nicht geheimnisvoll. Diese Frau ruft trotz ihres Willens Bewunderung hervor, genau wie das virtuose Gemälde des Meisters.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Abschluss:

In seinen intimen Porträts fängt Borovikovsky die Spontaneität des Models, ihren lebhaften Charme und ihre Fröhlichkeit perfekt ein. Borovikovsky war der erste russische Porträtmaler, der die Schönheit des Gefühlslebens offenbarte. Die Leinwände des Künstlers sind dank der anmutigen Pose der Modelle, der anmutigen Gesten und des geschickten Einsatzes von Kostümen sehr elegant. Borovikovskys Helden sind normalerweise untätig, die meisten Modelle sind von ihrer eigenen Sensibilität begeistert.

Die von Levitsky geschaffenen „intimen“ Porträts zeichnen sich durch die Tiefe und Vielseitigkeit psychologischer Merkmale aus; sie zeichnen sich durch große Zurückhaltung der künstlerischen Mittel aus.

F.S. Rokotov, Anhänger der Kammerporträtmalerei

Besonderheit Rokotov ist ein erhöhtes Interesse an innere Welt Person; Im Porträt betont der Künstler die Präsenz des komplexen spirituellen Lebens, poetisiert es, lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf und bekräftigt so seinen Wert.