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Das Leben kreativer Menschen ist auf die eine oder andere Weise immer von einem Schleier des Geheimnisses umgeben, sondern auch verschiedene Sorten Gerüchte. Welche davon ist wahr und welche ist Fiktion, die seit Jahrhunderten gepflegt wird?

Mythos 1. Alle Künstler sind Trinker

Warum nicht Köche, Verkäufer, Mathematiklehrer oder Hausmeister? Ja, denn manche Menschen müssen „zur Inspiration“ auftanken. Es besteht kein Zweifel, dass einige Maler die Muse wirklich mit Methoden der Vierzig-Grad-Methode oder sogar mit Drogen beschwören. Viele große Menschen schreckten nicht vor der grünen Schlange zurück: Modigliani, Savrasov (und hier sind gleich zwei Stereotypen: Er ist nicht nur Künstler, er ist auch Russe!), Van Gogh, Gauguin und andere. Na und? Gab es unter den Vertretern anderer Tätigkeitsfelder tatsächlich zu wenig Trinker? Jelzin, Stalin, Peter der Große, Alexander der Große fielen nicht in ihrer Leidenschaft für die Malerei auf, aber ihre Leidenschaft für Alkohol ist willkommen.

Mythos 2. Alle Künstler sind arm

Mythos 3. Alle Künstler sind reich

Und wieder nein! Die Geschichte scheint weniger solcher Beispiele zu kennen. Statistiken sprechen für Porträtmaler, die den Realismus bevorzugten oder das Dargestellte ausschmückten. Porträts der Reichen (vom Adligen bis zum Kaiser) sind cooler als eine Goldmine. Die Favoriten von Katharina II. rauchen nervös am Spielfeldrand. Und doch holen die Beispiele aus dem vorherigen Absatz moderne Träumerkünstler aus der Welt der rosa Elefanten zurück auf die Erde. Wie man ein Werk zu einem angemessenen Preis verkauft, beschreibe ich in meinem Artikel „Für wie viel sollte ich Gemälde verkaufen?“ »

Mythos 4. Künstler sparen bei Geschenken

Er gab das Gemälde und alles war in Ordnung. Ich werde nicht über Opportunitätskosten sprechen (das heißt die Zeit, die der Maler für den Verkauf des Gemäldes hätte aufwenden können). Wir sprechen über die materielle Seite des Problems. Farben, Pinsel und andere Verbrauchsmaterialien kosten Geld, insbesondere Leinwände auf Keilrahmen sind teuer: Der Preis für eine einfache Leinwand im Format 40x50 beträgt durchschnittlich 500-700 Rubel. Fügen Sie jetzt ein maßgeschneidertes Baguette hinzu, das mehrere tausend Rubel kostet, und eine Matte, wenn es um Aquarelle geht! „Selbstgemacht“ kostet mich ein Vielfaches mehr als ein gekauftes Geschenk.

Mythos 5. Alle großen Künstler sind Männer

Oh nein, ich bin überhaupt keine Feministin, ganz im Gegenteil. Aber ich stelle dennoch eine Tatsache fest: Frauen war es jahrhundertelang nicht besonders gestattet, sich kreativ zu betätigen. Und sobald die Erlaubnis erteilt wurde, bestiegen Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassette und Berthe Morisot den malerischen Olymp. Sie schrieben auf Augenhöhe mit Männern, nicht schlechter! Gehen Sie jetzt in ein beliebiges Kunststudio – das Publikum ist wie in einem Friseursalon (auf zehn Mädchen kommen zwei Männer). Lesen Sie mehr über berühmte Künstler im Artikel „

Russischer Studentenfrühling 2017

Richtung: Journalismus

Nominierung: Bestes redaktionelles Material

Warum sind kreative Menschen etwas seltsam?

„Es gibt kaum ein höheres Vergnügen als das Vergnügen am Schaffen.“

N.V. Gogol

Sie haben den Ausdruck „kreativer Mensch“ wahrscheinlich schon mindestens einmal in Ihrem Leben gehört, und normalerweise hat er eine leicht ironische Konnotation mit der Bedeutung „ungewöhnlich, wunderbar“. Kreative Menschen denken, handeln und sprechen manchmal sogar anders gewöhnliche Menschen. Sie haben seltsame, unverständliche Gewohnheiten und Tagesabläufe. Sie können sich lächerlich kleiden und übermäßig emotional, kindisch und exzentrisch sein. Aber das Erstaunlichste ist, dass sie sich überhaupt nicht für seltsam halten. Sie haben einfach keine Zeit, auf solche Kleinigkeiten zu achten, weil sie völlig in ihre Kreativität versunken sind, und selbst wenn ein Mensch in den Augen der Öffentlichkeit im Allgemeinen kein Talent hat, liebt er seine Arbeit auf jeden Fall wirklich.

Warum kreative Leute seltsam? Man sagt oft, dass sie „in den Wolken fliegen“ oder „nicht von dieser Welt“ sind. Und das ist absolut wahr. Die Kreativität eines Menschen manifestiert sich vor allem durch seine Vorstellungskraft. Im Mittelpunkt von Bachs Musik, Puschkins Gedichten und Picassos Gemälden stand die Vorstellungskraft. Dank erhöhter Sensibilität ist der Schöpfer in seinem Alltagsleben Er ist ständig mit der Unvollkommenheit der Welt, Disharmonie, Chaos und Widersprüchen konfrontiert und bewegt sich daher mit Hilfe seiner Vorstellungskraft in eine wunderbare imaginäre Welt, in der es keinen Platz für alltägliche Probleme und Widrigkeiten gibt. Dort ist es sehr schön, und dorthin geht der Schöpfer jedes Mal, wenn er einen Pinsel in die Hand nimmt, Spitzenschuhe anzieht oder sich ans Klavier setzt (Zutreffendes unterstreichen). Der kreative Prozess selbst bereitet ihm große Freude, deshalb arbeitet er Tag und Nacht und vergisst Schlaf und Essen. Und er ist bestrebt, die Ergebnisse seiner kreativen Impulse anderen zu zeigen, um ihnen einen Teil von ihm zu geben ideale Welt um ihr Leben harmonischer, perfekter und schöner zu gestalten. In jedem Schöpfer steckt ein Romantiker, der davon träumt, die Realität zum Besseren zu verändern.

Eine weitere Eigenschaft kreativer Menschen ist die Fähigkeit, das Ungewöhnliche im Gewöhnlichen zu sehen. Schöpfer sind wie Kinder bereit, sich von allem überraschen zu lassen! Sie sind sehr aufmerksam, neugierig und lernfreudig. Der ständige Wunsch, neue Dinge auszuprobieren, unterscheidet einen kreativen Menschen von einem gewöhnlichen Menschen. Ein kreativer Mensch muss sich ständig weiterentwickeln und wachsen und seine Fähigkeiten verbessern.

Manchmal werden kreative Menschen aufgrund ihrer Urteilsfreiheit und ihres kreativen Mutes in der Gesellschaft unzureichend wahrgenommen. Der Schöpfer hat immer seine eigene Meinung und die Meinungen anderer beeinflussen ihn viel weniger als den typischen Durchschnittsmenschen. Dem Schöpfer ist es egal, was andere über ihn denken, und er missachtet ihn öffentliche Meinung führt oft zu negativen Urteilen von Außenstehenden. Kreativität an sich geht über Stereotypen und Schablonen hinaus, und ein solches Verhalten wird, wie Sie wissen, von der Masse nicht begrüßt. Die Masse hat ihre eigenen Regeln und Kreative passen definitiv nicht hinein.

Ein weiteres Merkmal kreativer Menschen nennen Psychologen eine positive Einstellung gegenüber komplexe Aufgaben. Schwierigkeiten motivieren sie nur dazu, immer härter zu arbeiten. Erwähnenswert ist übrigens die Effizienz der Macher. Sie werden ganz sicher nicht um sechs Uhr abends Hals über Kopf von der Arbeit rennen. Was ihr Privatleben betrifft, wirken sie vielleicht wie sorglose Faulpelze, aber in ihrer Arbeit sind sie sehr diszipliniert, engagiert und fleißig.

Und schließlich ist Talent wahrscheinlich die wichtigste Eigenschaft eines Schöpfers. Talent ist dem Menschen von Natur aus in seinen geistigen Fähigkeiten und anatomischen Eigenschaften innewohnend. „Talent ist wie eine Warze – entweder ist es da oder nicht“, sagte Faina Ranevskaya. Schon im Kindesalter merken Eltern, dass ihr Kind etwas besser kann als andere Kinder. Wahrscheinlich werde ich jetzt die Binsenweisheit erzählen, aber Talent kann für immer verschwinden, wenn es nicht rechtzeitig erkannt und durch harte Arbeit entwickelt wird. Neben Talent verfügen Kreative meist über ein gesteigertes Verlangen nach Schönheit, sozusagen über ein ausgeprägtes ästhetisches Gespür.

Zusammenfassend möchte ich das doch sagen kreative Persönlichkeiten werden nicht geboren, sondern werden. Es gibt eine Vielzahl von Beispielen, bei denen Selbstdisziplin und harte Arbeit echte Genies hervorgebracht haben, nicht schlechter als diejenigen, die ursprünglich talentiert waren. Mittlerweile gibt es viele Schulungen zur Kreativitätsentwicklung und Tests zum Erkennen Ihrer kreativen Neigungen. Aber im Allgemeinen spielt das alles keine Rolle, wenn Ihnen die Arbeit Freude bereitet. Und selbst wenn Sie nicht tanzen können, es aber absolut lieben, wagt es niemand, Sie aufzuhalten!

Fotoquelle: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/

Leute, wir haben unsere ganze Seele in die Seite gesteckt. Danke für das
dass Du diese Schönheit entdeckst. Danke für die Inspiration und die Gänsehaut.
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Hohe Kunst- eine komplexe Sache und für viele unverständlich. Renaissance-Malerei mit perfektes Bild zieht viele Bewunderer an, aber es fällt nicht jedem leicht zu glauben, dass die Werke von Picasso und Kandinsky wirklich sagenhaftes Geld kosten können. Die Fülle an nackten Menschen auf dem Bild ist ein weiteres Mysterium, ebenso wie das Paradox dieser Tatsache gute Gemälde muss nicht schön sein.

Webseite Die Antworten auf einige interessante Fragen zur Malerei habe ich durch die Betrachtung der Werke von Kunsthistorikern und Kulturexperten erfahren.

1. Ist Malen wirklich so teuer?

Hin und wieder hören wir von exorbitanten Summen, die für dieses oder jenes Gemälde gezahlt wurden. Aber in Wirklichkeit ist so viel Geld das Los von sehr wenigen Arbeitsplätzen. Die meisten Künstler haben noch nie große Geldsummen gesehen. Der Kunstkritiker Jonathan Binstock glaubt, dass es weltweit nur etwa 40 Autoren gibt, deren Gemälde als Summe mit vielen Nullen bewertet werden.

Marken beherrschen die Kunst

Lassen Sie uns das vielleicht eindrucksvollste Beispiel nennen. Sie haben wahrscheinlich schon vom Graffiti-Künstler Banksy gehört. Die ausgeprägte soziale Ausrichtung der Werke und die von einer Aura der Geheimhaltung umhüllte Biografie haben ihren Zweck erfüllt. Heute ist Banksy ein Künstler, dessen Werke mit mehrstelligen Beträgen bewertet werden. Sein Gemälde „Mädchen mit Ballon„wurde für 1,042 Millionen Pfund verkauft. Und die ganze Welt begann unmittelbar nach dem Verkauf über die Leistung seiner Zerstörung zu sprechen.

Banksy ist eine Marke und Marken verkaufen sich gut. Auf diese Weise, Der Preis eines Gemäldes wird maßgeblich vom Ruhm seines Autors bestimmt.

Der erfolgreiche Verkauf eines Gemäldes ist der Schlüssel zum Erfolg anderer

Der Künstler wird möglicherweise lange Zeit Pech haben; er wird in Armut und Dunkelheit dahinvegetieren und nicht in der Lage sein, seine Werke gewinnbringend zu verkaufen. Doch sobald es ihm gelingt, eines seiner Gemälde für viel Geld zu verkaufen, kann man sicher sein, dass der Preis seiner anderen Werke in die Höhe schnellen wird.

Seltenheit, Knappheit, Einzigartigkeit

Der niederländische Künstler Jan Vermeer gilt heute als unbezahlbar. Es gibt nicht viele Gemälde seines Pinsels – nur 36. Der Künstler malte recht ruhig langsam. Das 1990 verschollene Gemälde „Das Konzert“ des Niederländers hat heute einen Wert von etwa 200 Millionen US-Dollar. Seltenheit und Knappheit Gemälde beeinflusst die Tatsache, dass ihre Preise einfach himmelhoch sind.

Der legendäre Van Gogh ist eine Supermarke. Es gibt nur wenige Gemälde des Künstlers, und das ist offensichtlich er wird nichts mehr erschaffen. Seine Werke sind einzigartig.

Vor zehn Jahren wurde Malewitschs „Suprematistische Komposition“ für 60 Millionen Dollar verkauft. Ohne die Krise wäre es vielleicht für 100 Millionen Dollar verkauft worden. Malewitschs Gemälde befinden sich in Privatsammlungen in Hülle und Fülle, und wann das nächste Mal etwas dieser Klasse auf den Markt kommen wird, ist unbekannt. Vielleicht in 10 Jahren, vielleicht auch in 100.

Generell ist klar: Käufer sind bereit, exorbitante Geldbeträge zu zahlen für extrem seltene Gegenstände.

Innovation ist teuer

Eines der Werke von Richard Prince in Richtung „künstlerische Anleihen“.

Malerei übernimmt die Funktion der Anziehung

Heutzutage wächst das Niveau des Kulturtourismus und die Malerei erfüllt diesen Zweck Sehenswürdigkeiten. IN berühmte Museen Touristen stehen stundenlang Schlange. Und um sich zu behaupten und Weltruhm zu erlangen, muss die Galerie auf jeden Fall Originale berühmter und beliebter Maler besitzen.

Auch künstlich geschaffene Zentren des Kulturtourismus wachsen, etwa im Nahen Osten und in China. Kürzlich die königliche Familie Katar einen Privatvertrag über den Betrag abgeschlossen $ 250 Millionen- alles nur, damit das Land ein Bild hat Cezanne „Kartenspieler“.

Wenn man alles hat, beginnt man, sich zur Kunst hingezogen zu fühlen.

Im Jahr 2017 verkaufte der Milliardär Dmitry Rybolovlev dieses Gemälde für 450 Millionen Dollar an Leonardo da Vinci. Dies ist der teuerste Deal in der Welt der Malerei.

Was gibt es sonst noch zu tun, wenn man 4 Häuser und ein G5-Flugzeug hat? Es bleibt nur noch, Geld in die Malerei zu investieren, weil es eine der langlebigsten „Währungen“».

Laut Daten aus dem Jahr 2015 gibt es weltweit 34 Millionen Dollar-Millionäre. Und selbst wenn wir uns vorstellen, dass sich nur 1 % von ihnen für Kunst interessiert, stellt sich heraus, dass es nur solche gibt 340.000 Menschen sind bereit, große Summen für Gemälde auszugeben. Und die Bilder selbst berühmte Autoren, wie wir oben geschrieben haben, ziemlich viel, insbesondere im Vergleich zur Zahl der Millionäre. Darüber hinaus sind auch diejenigen, die sich nicht für die Malerei interessieren, aus Prestigegründen oder der Stabilität einer solchen Investition bereit, in sie zu investieren.

Es stellt sich also heraus, dass die hohen Kosten für die Lackierung größtenteils darauf zurückzuführen sind zu viel große Menge Geld jagt nach einer kleinen Menge Waren.

2. Brauchen alle Gemälde Rahmen?

Gemälde von Georges Seurat „Canal at Gravelines, Great Fort Philip“.

In Susie Hodges Buch „Why There Are So Many Naked People in Art“ geht es um den Zweck von Rahmen. Ja sie Schützen Sie die Bildränder und machen Sie darauf aufmerksam. Manche Rahmen sind aufwendig, andere sehr schlicht, sie lenken nicht von der Betrachtung ab. Der Zweck des Rahmens besteht darin, das Bild zu ergänzen und es optimal zur Geltung zu bringen.

Hier ist ein abstrakter Künstler Piet Mondrian verglich die Rahmen mit die Wand, die zwischen dem Betrachter und dem Gemälde steht. Er wollte dieses Gefühl der Distanz beseitigen. Und der Künstler schrieb bis an die Ränder der Leinwände und sogar an die Seitenwände.

Georges Seurat mochte keine Schatten, der von den Rahmen auf das Bild geworfen wird. Und er selbst stellte oft Rahmen aus winzigen Punkten unterschiedlicher Farbe dar. Übrigens wird in einem halben Jahrhundert das Farbfernsehen in Seurats Gemälden nach einem ähnlichen Prinzip funktionieren.

3. Warum sind auf den Gemälden so viele nackte Menschen zu sehen?

Fragment von Michelangelos Fresko „Die Erschaffung Adams“.

Schon die alten Griechen glaubten, dass der nackte Körper unglaublich schön sei.

In der Kunst am häufigsten Nacktheit - das ist ein Symbol. Ein Symbol für neues Leben, Aufrichtigkeit, die Hilflosigkeit eines Lebewesens sowie für Leben und Tod.

Darüber hinaus verursacht nichts so starke Emotionen im Betrachter, wie Nacktheit. Es kann Interesse, Verlegenheit, Scham oder Bewunderung sein.

4. Warum ist alles so flach und generell unrealistisch?

Malerei Tschechischer Künstler Bogumil Kubishty „Der Hypnotiseur“.

Vielleicht einer der häufigsten Vorwürfe dagegen moderne Meister hört sich so an: Künstler scheinen verlernt zu haben, die Realität zu vermitteln. Daher die falsche Vorstellung, dass Objekte flach aussehen.

Aber schauen wir uns zum Beispiel die Leinwände an Kubisten. Sie brechen die Perspektive, stellen Objekte aber gleichzeitig aus verschiedenen Blickwinkeln dar sogar zu unterschiedlichen Zeiten. Daher kann nicht gesagt werden, dass das Bild auf der Leinwand zweidimensional ist.

Es ist nicht mehr nötig, „wie es aussieht“ zu zeichnen – das kann die Fotografie. Um nach einer Antwort auf die Frage zu suchen, warum der Künstler die Realität auf diesem oder jenem Bild als flach dargestellt hat, müssen Sie daher suchen die Idee des Autors. Indem der Künstler einige Details des Bildes entfernt, lenkt er die Aufmerksamkeit auf andere. Durch die Vereinfachung des Bildes hat er

Aber die professionellen Avantgarde-Künstler des 19.–20. Jahrhunderts hinter sich hatten Kunstunterricht und eine starke Basis. Sie konnten schreiben, wie sie wollten, aber irgendwann habe beschlossen, es so zu machen, Nachahmung der Primitivisten. Wie es heißt, war dies beabsichtigt, da es sich um eine völlig neue (und daher für diejenigen, die das Alte satt haben, interessante) Art der Beeinflussung des Betrachters handelt.

Künstler hätten mit einem Gemälde im Geiste des akademischen Klassizismus gute Arbeit geleistet, und deshalb war es für sie langweilig. Der junge Picasso malte berührende und durchaus realistische Porträts. Aber der reife Künstler hat einen Weg gewählt, der schockiert, das Auge belebt und dabei hilft, einen kühlen Sinn für Farbe und Form zu demonstrieren.

6. Müssen Gemälde schön sein?

Schön bedeutet nicht gleich Kunst, und Kunst selbst stellt nicht immer Schönheit dar. Jeder hat eine andere Vorstellung von Schönheit und die Meinung eines Einzelnen kann nicht als Maßstab angesehen werden.

Machen wir eine Pause von der Malerei und ziehen wir eine Parallele zum Kino. Unter Kunstkritikern stoßen wir auf die folgende Meinung: Zu sagen, dass Gemälde auf jeden Fall schön sein müssen, ist dasselbe wie zu sagen, dass echtes Kino nur schön ist romantische Komödie oder ein Melodram mit Happy End. Und Psychodramen, Actionfilme, Thriller sind überhaupt kein Kino. Stimmen Sie zu, das hat Logik.

Kunst (einschließlich Malerei) muss die Sprache ihrer Zeit sprechen. Und um jedes Bild, auch ein realistisches, genießen zu können, müssen Sie wissen, was darauf abgebildet ist. Bei Ausstellungen lesen wir meist Bildunterschriften vor und nutzen sogar einen Audioguide.

Welche Art von Malerei liegt Ihnen nahe?

HALLO ZUSAMMEN! Wie immer ist die fröhliche Dreamy bei dir! Dieser Beitrag wurde erstellt, um einige Fragen aller an Künstlern interessierten Personen zu beantworten. Im gleichen Sinne meine ich, dass es solche, nun ja, nicht sehr seltsame Fragen gibt, die Menschen-/Monsterkünstler beleidigen können

Ich wiederhole noch einmal, dass dieser Beitrag nur einige Fragen beantworten wird: Warum ist ein Künstler...?

Seien Sie nicht beleidigt, wenn Sie Schriftsteller oder Sänger sind!

Eine Frage wird wahrscheinlich einige vereinen!

Kommen wir zur Frage!)

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(Einige Punkte aus meiner Erfahrung werden übernommen)

1. Warum sind Künstler traurig?

Hmm. Nun, das erste, was ich sagen kann, ist Kritik, weil einige Mitglieder der URA-Community genau diese Kritik nicht in milder Form äußern, was die Gefühle des Künstlers verletzt.

Mangelndes Verständnis von Freunden/Verwandten

Künstler sehen diese Welt völlig anders und nicht jeder kann verstehen, was und wie sie unsere Welt sehen.

Und man kann auch von gewöhnlichen Gefühlen sprechen, die sich auf die gleiche Weise äußern wie wir im Alltag.

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2. Warum arbeiten Künstler nachts?

Künstler können die ganze Nacht mit Malen verbringen

Lass mich morgen um sieben Uhr aufstehen,

Träume vertreiben.

Schließlich ist die Nacht die Zeit der Inspiration!

Und die Nacht ist nicht die Zeit für Träume.

Künstler können.

Malen.

Ich denke, die Antwort ist klar, aber wenn nicht, dann ...

Die Nacht ist eine ruhige Zeit, in der Inspiration kommt und sozusagen ruhig ist, in der dich niemand stört oder zieht.

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3. Warum finde ich Künstler seltsam?

Auf diese Frage werde ich zwei Antworten haben.

1. Kreative Menschen sind talentierte Menschen, die gerne nützlich sind und anderen Gutes tun. Sie mögen die Freiheit, daher werden Einschränkungen von ihnen als Verletzung von Rechten empfunden. Viele Menschen glauben, dass kreative Menschen einsam und unglücklich sind und nicht lange leben. Glücklicherweise ist dies nicht der Fall. Talent wird einem Menschen von Gott gegeben; Sie müssen nur den Moment nutzen und rechtzeitig damit beginnen, Ihre Fähigkeiten zu entwickeln.

Es ist erwähnenswert, dass es unter den Wunderkindern tatsächlich viele unglückliche Menschen gibt, da ihre Kreativität für andere nicht immer verständlich ist. In der Regel bewegt sich die Gehirnaktivität eines durchschnittlichen Menschen innerhalb bestimmter Grenzen und alles, was über diese Grenzen hinausgeht, wird als etwas Unnatürliches und Abnormes wahrgenommen. Aus diesem Grund ist es für kreative Menschen sehr schwierig, hier zu überleben grausame Welt, in dem es so viele hartnäckige Stereotypen und den Unwillen gibt, sich weiterzuentwickeln.

Die Neurowissenschaft bestätigt, dass talentierte Menschen anders denken und handeln. Der Geist kreativer Menschen ist im wahrsten Sinne des Wortes darauf ausgelegt, einzigartig und anders zu denken als die Mehrheit. Allerdings kann ein solches Geschenk der Natur das Leben erheblich erschweren und die Beziehungen zu anderen belasten. Wenn Sie einen kreativen Menschen kennen, haben Sie wahrscheinlich schon öfter gedacht, dass er in einer völlig anderen Welt lebt. In den meisten Fällen ist der Versuch, eine solche Persönlichkeit zu verstehen, ebenso sinnlos wie der Versuch, sie zu ändern. Um sich an einen solchen Menschen anpassen zu können, muss man lernen, die Welt mit seinen Augen zu betrachten.

2. Im Grunde sind Künstler gewöhnliche pragmatische Menschen mit einer entwickelten visuellen Wahrnehmung der Welt, die das Leben in Bildern und Bildern sehen. Die Geschichte über ihren Wahnsinn ist eine Lüge.

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4. Warum sind Künstler einsam?

Nun, das erste ist, dass nicht jeder ein Künstler ist.

Tatsächlich sind alle kreativen Menschen aus mehreren Gründen einsam. Zuallererst Genies. real kreative Person Ich kann in allem etwas Schönes sehen, aber viele Menschen verstehen es nicht. Dieses Missverständnis erzeugt Misstrauen. Zweitens denken und sehen kreative Menschen die Welt auf ihre eigene Weise, anders. Drittens ist ihre Intuition viel besser entwickelt und sie spüren die Gefühle und sehen die Gedanken anderer. Ein kreativer Mensch ist eine neue Stufe in der Vollkommenheit der Welt. Je mehr solche Menschen es gibt, desto besser können die einfachen Menschen die Probleme der ganzen Welt erkennen. Das bedeutet, dass es mehr Chancen gibt, das Problem zu beheben. Deshalb sind kreative Menschen Ratgeber für andere, wir lenken die Gedanken der Menschen in die richtige Richtung.

Ich hoffe, es ist klar.

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5. Warum kündigen manche Künstler ihren Job und machen etwas anderes?

Ich gebe Ihnen ein Beispiel von mir guter Freund(Komm aus der Depression heraus;-; bitte.)

Leider ist der genaue Grund, warum er alles entfernt hat, nicht bekannt, aber einige Punkte könnten dennoch dazu führen.

1. Dies ist die gleiche Kritik, die nicht in sanfter, sondern in grausamer und ungenauer Form geäußert wird.

2. Das sind die gleichen Kritiker, aber in einer Form, die sagt, wie man es macht, oder wie manche sie „Falsche Lehrer“ oder „CHSV sind keine Künstler“ nennen.

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Nun, die Frage ist nicht, warum, sondern wie dieses kleine Außergewöhnliche

6. Wie beruhigt man einen Künstler?

Biologen und Kognitionswissenschaftler glauben, dass Vorstellungen von Harmonie fest in unserem Gehirn verankert sind und es uns ermöglichen, sensibel auf die Schönheit der Formen in der Natur zu reagieren. Vermutlich mögen wir leuchtende Farben, weil die Fähigkeit, sie zu unterscheiden, einer der Anpassungsmechanismen ist, die unserer Spezies das Überleben ermöglichten. Wir erfreuen uns intuitiv an symmetrischen Gesichtern und harmonischen Mustern, und die Darstellung fröhlicher, positiver Motive bereitet uns natürliche Freude.

Gleichzeitig verlangen wir vom Künstler nicht, dass er uns mit seiner Kreativität „schön machen“ muss.

Auf Kunstobjekte werden umfassendere Kriterien angewendet, und der Begriff der Schönheit selbst wird als Bewertungskategorie betrachtet zeitgenössische Kunst dekonstruiert. Ist das Schwarze Quadrat schön? Und „Fountain“ von Marcel Duchamp? Und Marina Abramovics Performance „Rhythm 0“? Jedes dieser Kunstwerke ist eine Idee, die in Material oder Aktion verkörpert ist, und in keinem Fall versuchte der Künstler, den Geschmack anderer zu befriedigen.

Künstler hatten schon immer Gründe, das Komplexe, das Hässliche oder das Bizarre darzustellen. Gleichzeitig heißt es in der landläufigen Meinung, dass Künstler „vor“ (in der konventionellen klassischen Ära) das Wesen der Kunst noch nicht verzerrt hatten und es vorzogen, „schön zu malen“. Allerdings in Europäische Kultur Der künstlerische Begriff des Hässlichen tauchte viel früher auf als die moderne Kunst.

Philosophen und Theologen über das Hässliche

Neben der Theorie des Schönen, die sich in philosophischen Konzepten und Kunstwerken widerspiegelt, existiert seit jeher die Theorie des Hässlichen, in deren Rahmen das Hässliche und Hässliche ein bildwürdiges Thema sein könnte. Das Hässliche als Kunstgegenstand weckt bereits Interesse mittelalterliche Menschen- Wenn wir reden überüber ein talentiertes Bild, das die Idee der Hässlichkeit vollständig vermittelt. In diesem Fall wird das Objekt der Bewunderung nicht das schreckliche oder abstoßende Bild selbst sein, sondern die Kunstfertigkeit, mit der es geschaffen wurde.

Johan Huizinga weist darauf hin, dass die Malerei erst im Jahr 1400 die Fähigkeit erlangte, vollständig zu vermitteln ähnliche Geschichten. Damit verbindet er insbesondere die relativ späte Einführung so weit verbreiteter Themen wie „Der Triumph des Todes“ und „ Jüngstes Gericht" Ähnliches geschah mit Bildern vom Leiden der Märtyrer.

Die Qual der Heiligen: Schmerz und Schönheit

Die „Ästhetik des Martyriums“, die sich am deutlichsten in Bildern der Passion Christi manifestiert, blühte im Zeitalter des reifen Mittelalters auf und ging in die Kunst der Renaissance über. In der Ära frühes Mittelalter man traf eher auf vereinfachte Darstellungen der Kreuzigung als auf detaillierte Gemälde. Gleiches gilt für Gemälde, die die Folter von Märtyrern zeigen.

Allerdings sah das anthropozentrische Modell ein Interesse am Menschen und dementsprechend eine persönliche Leidenserfahrung vor.

Betrachtete man die Frage im Mittelalter von einer erbaulichen Seite, so begannen sich die Künstler der Renaissance für rein bildnerische Aspekte zu interessieren: die korrekte Darstellung der Anatomie, die Perspektive. Die erhöhte Aufmerksamkeit für die Körperlichkeit manifestierte sich in Bildern leidender Heiliger – das war legaler Weg Akte zeichnen menschliche Körper und achten Sie auf körperliche Erfahrungen.

Dies erklärt die Tendenz zu einer gewissen Ästhetisierung der körperlichen Qual von Heiligen. Ausgeglichene Kompositionen, anmutige Märtyrerposen – das sind die Zeichen solcher Bilder. Körperliche Schönheit ist zum Thema sorgfältiger Überlegungen geworden. Kunstkultur Diese Ära spiegelt das Interesse am Menschen in einer Vielzahl von Erscheinungsformen wider, einschließlich Leiden.

Erstaunlich und bizarr

Es gibt einen weiteren Bereich ästhetischer Erfahrung, teilweise neben dem Hässlichen – aber ohne solch eine düstere Färbung. Dieses Erlebnis war auch im Mittelalter gefragt, als alle Gegenstände versteckt waren symbolische Bedeutungen und in der Kultur der Renaissance mit ihrem Interesse an verschiedenen Phänomenen der materiellen Welt. Wir sprechen über die Kategorie erstaunlich, skurril und ausgefallen.

Die Menschen der Vergangenheit teilten nicht viel über den Ursprung von „Wundern“ – mystische Bilder und die Launen der Natur wurden als homogene Phänomene wahrgenommen.

Die Leidenschaft für das Sammeln von Kuriositäten, die sowohl Naturforscher als auch Monarchen auszeichnete, zeigt den Wunsch, die Geheimnisse des Universums zu berühren. So enthielt die Sammlung Kaiser Rudolfs II. sowohl Kunstwerke als auch Fragmente von Körpern sagenumwobener Tiere. Magisch und wissenschaftlich, symbolisch und ästhetisch – in den Wunderkammern waren diese Begriffe eng miteinander verknüpft.

Heutzutage haben wir Zugang zu jeglichem visuellen Material, aber die Menschen früherer Epochen hatten viel weniger davon. Geringe soziale Mobilität, die sitzende Lebensweise der meisten Menschen und Analphabetismus erlaubten es nicht, das Weltbild zu erweitern. Daher waren neue Bilder – in Bildern oder Storys – sehr gefragt und hinterließen einen beeindruckenden Eindruck.

Geschichten über Reisen in ferne Länder waren ein sehr beliebtes mittelalterliches Genre. In Geschichten über Reisen in den Osten gibt es viele fiktive Kreaturen, die zwar nicht unbedingt beängstigend und hässlich sind, aber dennoch legendär sind und gegen die üblichen Regeln verstoßen. Die Geschichten wurden durch entsprechende Bilder begleitet, die entsprechend dem Gehörten angefertigt wurden. Die Bewunderung, die diese Bilder hervorrufen, ist ästhetischer Natur – obwohl viele der abgebildeten Lebewesen oder Phänomene überhaupt nicht schön sind. Die Unterhaltungskraft, die sie begleitet, das Spektakelangebot, der Legendenstatus – das ist es, was den Zuschauer an ihnen zieht.

Der Johannesbrief aus dem 12. Jahrhundert war ein großer Erfolg. großer Einfluss in den Köpfen der Zeitgenossen – sowohl im ästhetischen als auch im politischen Sinne. Fernreisen gewidmet berühmtes Buch Marco Polo. Neben Daten, die mit echten historischen Informationen verwechselt werden können, gibt es jede Menge Übertreibungen und Kuriositäten. In der Beschreibung von Java Minor (Sumatra) behauptet Polo beispielsweise, er habe ein Einhorn gesehen, aber es erwies sich als nicht so schön und sanft, wie sie sagten, und brachte daher Enttäuschung mit sich.

Hier gibt es wilde Elefanten und Einhörner, nicht weniger als Elefanten; Sie haben Haare wie ein Büffel und die Beine eines Elefanten, in der Mitte der Stirn befindet sich ein dickes, schwarzes Horn; sie beißen, sage ich euch, mit ihrer Zunge; Sie haben lange Stacheln auf der Zunge und beißen mit der Zunge. Das Biest sieht hässlich aus. Sie sind nicht so, wie wir sie beschreiben; Sie werden einer Jungfrau nicht erliegen: Das sagen wir überhaupt nicht über sie.

Marco Polo Buch der Weltwunder

IN Bildende Kunst Ein Beispiel für das Skurrile sind Illustrationen für ein Buch des römischen Autors Julius Obsequentus aus dem 15. Jahrhundert. Der Meister, der sie geschaffen hat, trägt den Namen Meister Boucicaut – nach einer anderen Reihe von Werken, die er geschaffen hat („Das Stundenbuch des Marschalls Boucicaut“). Für die Menschen der Renaissance las sich die Abhandlung wie eine Mischung aus Geschichtslehrbuch und Fantasy-Roman – auch wenn einige von ihnen bezweifelten, dass es tatsächlich Steine ​​über irgendeiner der Provinzen regnen ließ, war es interessant, darüber zu lesen. Was können wir über die Bilder monströser Kreaturen sagen!

Miniaturen in Büchern über Geographie und Geschichte stellten legendäre Kreaturen dar – Einhörner, geflügelte und flügellose Drachen, Cynocephalus (Psiglavianer), Zyklopen, einbeinige Heschiapoden. Der klassische ästhetische Kanon in der Darstellung von Kreaturen ist zweifellos verzerrt: Es würde kaum jemandem in den Sinn kommen, Charaktere mit einem Gesicht auf der Brust als attraktiv zu bezeichnen.

Gleichzeitig stellen sie nicht die Bedrohung dar, die Bildern innewohnt höllische Qual und wecken Interesse. Man kann sich leicht einen Renaissance-Schuljungen vorstellen, der mit offenem Mund solche Bilder eifrig betrachtet.

Wir kennen komplexere Arten ästhetischer Eindrücke als nur „schön“. Wir finden matte, „staubige Farben“ edel und schätzen radikales Schwarz. Unsere Fantasie wird durch Kontraste angeregt – anmutig und rau, erhaben und niedrig. Wir wissen, wie man Schönheit in Fehlern und Mängeln erkennt und glauben, dass sie manchmal etwas Ideales wirklich einzigartig machen. Wir sehen das Spannende im Makabren und lieben es, unsere Nerven zu kitzeln. Herbstregen und heiße Lava von Vulkanen erscheinen uns wunderschön.

Der ästhetische Sinn war komplex und mehrdeutig verschiedene Epochen- auch solche, als Buchminiaturen und klassische Gemälde entstanden.

Wenn wir die Dinge mit den Augen von Menschen einer anderen Zeit betrachten, werden wir feststellen, dass auch sie mit komplexen Erfahrungen am Rande von Ablehnung und Interesse, Forscher-Neugier und Bewunderung bestens vertraut waren künstlerisches Talent Meister, egal was er darstellt.