Mit deren Hilfe sich japanische Geschichtenerzähler oder Sänger während der Aufführung begleiteten. Das nächste europäische Analogon von Shamisen ist. Shamisen zusammen mit Hayashi- und Shakuhachi-Flöten, Tsuzumi-Trommel und ... Bezieht sich auf traditionelle japanische Musikinstrumente.

Der Name steht im Gegensatz zum Genre der Bunraku- und Kabuki-Musik – Nagauta (langes Lied). Der bekannteste und komplexeste Darbietungsstil ist Gidayu, benannt nach Takemoto Gidayu (1651-1714), einer Figur Puppentheater Bunraku aus Osaka. Gidayus Instrumente und Plektren sind die größten, und Gidayu selbst ist sowohl Sänger als auch Kommentator des Bühnengeschehens. Die Arbeit des Geschichtenerzählers ist so komplex, dass sich mitten in der Aufführung das Gidayu ändert. Der Erzähler muss den Text und die Melodie absolut genau kennen. Seit dem 19. Jahrhundert traten auch Onna-Gidayu, weibliche Geschichtenerzählerinnen, auf.

Herkunft

Shamisen in seiner ursprünglichen Form stammt aus den Tiefen Westasiens, gelangte von dort nach China (13. Jahrhundert), wo es den Namen „Sansian“ erhielt, wanderte dann auf die Ryūkyū-Inseln (heute Okinawa) und gelangte erst von dort nach Japan . Dieses Ereignis ist – anders als die Zeit des Erscheinens anderer Musikinstrumente – sehr deutlich in der Geschichte verzeichnet und geht auf das Jahr 1562 zurück.

Der Vorgänger des Shamisen war der Sanshin, der im Ryūkyū-Königreich gespielt wurde, das damals eine Präfektur wurde. Sansin wiederum kommt von Chinesisches Instrument Sanjian, das sich aus zentralasiatischen Instrumenten entwickelte.

Die Shamisen war auch ein wesentliches Instrument für die reisenden blinden Gojo-Musiker, die zu Beginn des Tokugawa-Shogunats auftauchten.

Im Gegensatz zu Europa, wo traditionellen/antiken Instrumenten nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind die Shamisen und andere traditionelle Instrumente in Japan weithin bekannt und beliebt. Die Popularität ist nicht nur auf den Respekt der Japaner vor ihrer Kultur und Geschichte zurückzuführen, sondern auch auf die Verwendung nationaler Instrumente, insbesondere der Shamisen, im traditionellen japanischen Theater – vor allem im Kabuki- und Bunraku-Theater.

Die größte Verbreitung fand das Shamisen in der Tokugawa-Ära, und die Fähigkeit, es zu spielen, wurde in das obligatorische Trainingsprogramm für Maiko-Studenten-Geishas aufgenommen. Aus diesem Grund wurden „fröhliche Viertel“ oft als „Viertel, in denen Shamisen niemals aufhört“ bezeichnet.

Sorten und Anwendungen

Es gibt verschiedene Arten von Instrumenten, die sich in der Dicke des Halses voneinander unterscheiden.

Werkzeuge mit schmaler Hals werden aufgerufen hosozao und werden hauptsächlich in der Musik verwendet Nagauta.

Werkzeuge mit mittleres Griffbrett Dicken werden genannt Chuzao und werden in solchen Musikgenres verwendet wie Kiyomoto, tokiwazu, jiuta usw.

Im Norden Japans, insbesondere im Tsugaru-Gebiet (westlicher Teil der Präfektur Aomori), gibt es eine eigene eine Art Shamisen mit dickem Hals — Tsugarujamisen, dessen Spiel besondere Virtuosität erfordert. Der Tsugarujamisen mit dem dicksten Balken wird genannt futozao und wird verwendet in joruri.

Gerät

Der Körper des Shamisen ist ein Holzrahmen, der dicht mit Leder überzogen ist. Auf den Ryūkyū-Inseln wurde beispielsweise Schlangenhaut verwendet und in Japan selbst wurde zu diesem Zweck die Haut von Katzen oder Hunden verwendet. Der Korpus ist auf beiden Seiten mit Leder überzogen, zusätzlich ist ein kleines Stück Leder auf die vordere Membran geklebt, um diese vor Schlägen des Plektrums (Bati) zu schützen.

Zwischen den Wirbeln und dem unteren Ende des Halses, der aus der Mitte des Unterkorpus herausragt, sind drei Saiten unterschiedlicher Stärke gespannt. Saiten bestehen aus Seide, Nylon und Tetlon. Die Länge des Shamisen beträgt etwa 100 cm.

Das Shamisen wird mit einem großen Plektrum „Bati“ gespielt, das aus Materialien wie Holz, Elfenbein, Schildpatt, Büffelhorn und Kunststoff besteht. Bati für Nagaut und Dziut sind fast regelmäßige Dreiecke mit sehr scharfen Kanten.

Tsugarujamisen schlägt ein kleineres Plektrum vor, das eher an ein Ginkgobaumblatt erinnert.

Shamisen-Spieltechnik

Es haben sich drei Stile des Shamisen-Spiels herausgebildet:

Uta-mono ist ein Liedstil. Eines der Hauptgenres musikalische Begleitung Theateraufführungen Kabuki. Dieses Genre wird durch lange musikalische Zwischenspiele repräsentiert, die vom Hayashi-Ensemble gespielt werden (dieses Ensemble begleitet normalerweise Theateraufführungen, es besteht aus einer Flöte und drei Typen Schlagzeug).

Katari-mono – fantastischer Stil. Sie ist am charakteristischsten für die traditionelle japanische Musik und wird durch eine bestimmte Art des Gesangs repräsentiert.

Minyo ist ein Volkslied.

Als die Shamisen zum ersten Mal in Japan auftauchten, wurden die Saiten mit einem kleinen Plektrum (Yubikake) gezupft, und erst mit der Zeit begannen Musiker, ein Plektrum zu verwenden, was die klanglichen Fähigkeiten des Instruments erheblich erweiterte. Immer wenn die untere Saite gezupft wird, sind neben ihrem Klang auch Obertöne und leichte Geräusche zu hören, dieses Phänomen wird „Sawari“ („Berührung“) genannt. Savaris treten auch auf, wenn andere Saiten mit der unteren Saite mitschwingen, insbesondere wenn der Tonhöhenabstand zwischen den Saiten eine Oktave beträgt (zwei Oktaven, drei, eine Quinte usw.). Die Möglichkeit, diesen zusätzlichen Ton nutzen zu können, ist ein Zeichen hohes Können Der Künstler und der akustische Effekt selbst werden von den Shamisen-Herstellern streng kontrolliert.

Das Plektrum wird in der rechten Hand gehalten und im richtigen Moment wird der Klang der Saiten mit drei Fingern der linken Hand am bundlosen Hals gestoppt. Daumen und der kleine Finger werden im Spiel nicht verwendet. Die charakteristischste Technik des Shamisen-Spiels ist das gleichzeitige Anschlagen des Plektrums auf die Membran und auf die Saite. Daneben gibt es noch viele andere wichtige Faktoren, die die Besonderheiten des Klangs bestimmen, zum Beispiel die Dicke der Saiten, des Halses, der Membran, die Stelle, an der das Plektrum auf die Saiten trifft usw. Sie können die Saiten auch mit der linken Hand an der Shamisen zupfen, was zu einem eleganteren Timbre führt. Diese Fähigkeit, die Klangfarbe zu verändern, ist eines der Markenzeichen der Shamisen.

Zusätzlich zur Spielweise kann die Klangfarbe des Instruments durch Variation der Länge der Saite, des Halses oder des Plektrums sowie deren Größe, Dicke, Gewicht und Material verändert werden – Massenindikatoren! Es gibt fast zwei Dutzend Shamisen, die sich in Tonhöhe und Klangfarbe unterscheiden, und die Musiker wählen das Instrument aus, das am besten zu ihrer Musikrichtung passt, oder stimmen es unmittelbar vor der Aufführung neu.

In der Shamisen-Musik stimmt die Stimmlinie praktisch mit der des Instruments überein: Die Stimme ist der Melodie nur geringfügig voraus, was das Hören und Verstehen des Textes ermöglicht und außerdem den Kontrast zwischen dem Klang der Stimme und betont der Shamisen.

Shamisen in der modernen Musik

Aufgrund seines spezifischen Klangs wird Shamisen häufig verwendet, um den „nationalen“ Klang in einigen japanischen Filmen und Animes zu verstärken (ähnlich wie in Russland). So klingt Shamisen im Soundtrack der Anime-Serie Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu spielt im New-Age-Stil.

Es wird von Vertretern der europäischen musikalischen Avantgarde (zum Beispiel Henri Pousseur) verwendet.

Die von den Yoshida-Brüdern aufgeführten Kompositionen sind sehr beliebt; ihre Shamisen-Klänge ähneln.

Michiro Sato führt Improvisationen über die Shamisen durch Jazzpianist Glenn Horiuchi fügte Fragmente des Shamisen-Spiels in seine Kompositionen ein.

Gitarrist Kevin Kmetz leitet die kalifornische Band God of Shamisen, in der er den Tsugarujamisen spielt.

Video: Shamisen auf Video + Ton

Dank dieser Videos können Sie sich mit dem Tool vertraut machen und ansehen echtes Spiel darauf, lauschen Sie dem Klang, spüren Sie die Besonderheiten der Technik:

Ausverkauf: Wo kaufen/bestellen?

Die Enzyklopädie enthält noch keine Informationen darüber, wo Sie dieses Instrument kaufen oder bestellen können. Das können Sie ändern!

Ich habe einmal versprochen, über japanische Musikinstrumente zu sprechen. Diese Zeit ist gekommen. Biva kam ganz zufällig in meine Hände, aber es fiel ihr zu, das Thema zu eröffnen :)

Heute wird unsere Aufmerksamkeit von den magischen – wenn auch nicht sanften und nicht luftigen, sondern eher harten, metallischen und rhythmischen – Klängen eines traditionellen japanischen Musikinstruments namens Biwa gefangen genommen.
Biwa ist eine japanische Art von Laute oder Mandoline. Sie kam im 7. Jahrhundert aus China nach Japan. In China heißt ein ähnliches Instrument Pipa, kam aber im vierten Jahrhundert n. Chr. aus Persien nach China.
Und auch die Wurzeln der europäischen Laute reichen nach Zentralasien.
In Japan sind im Laufe der mehr als tausendjährigen Biwa-Entwicklung viele Modelle und viele Spiel- und Gesangsschulen entstanden.

(Dies ist eine Art Konzert für Biwa mit Orchester. Gion Shoja. Komponist Hirohisa Akigishi
In der Aufnahme ist der Prolog von „The tale“s of Heike“ (die Geschichte von Heike, die auch „Taira Monogatari“ genannt wird) enthalten. Das ist die Hauptsache moderne Arbeit, die auf der Biwa durchgeführt wird. Diese Aufnahme wurde 2004 in Seoul im Sejong-Zentrum gemacht.

Die Form des Instruments ähnelt einer nach oben gerichteten Mandelnuss. Die Vorderwand des Körpers ist leicht nach vorne gebogen, die Rückseite ist flach. Die Wände – also zwei Holzbretter – sind nicht weit voneinander entfernt, das Instrument ist recht flach. In der Vorderwand befinden sich drei Löcher.
Die Biwa besteht aus vier oder fünf Schnüren aus feinsten Seidenfäden, die mit Reiskleber zusammengeklebt sind. Am Hals befinden sich fünf sehr hohe Bünde.

Die Saiten sind recht locker gespannt, d.h. sie sind nicht sehr gespannt. Durch stärkeres Drücken der Saite verändert der Musiker deren Spannung, das heißt, er erhöht die Tonhöhe. Wir können sagen, dass das Instrument überhaupt nicht im westeuropäischen Sinne des Wortes gestimmt ist, aber der Musiker kann bestimmte Noten spielen, indem er die Kraft beim Andrücken der Saiten verändert.
Aber der Sinn des Spiels besteht nicht darin, den richtigen Ton zu treffen. Daher gibt es keinen festen Halt auf der Saite; der Finger ändert ständig den Druck, wodurch der Klang schwebend wird. Darüber hinaus kann man die Saite mit dem Finger an den breiten Bünden entlang bewegen, wodurch die Saite, wie bei einem solchen Indian, anfängt zu summen Saiteninstrumente wie eine Sitar oder eine Veena.

Die Biva wird senkrecht gehalten und beim Spielen wird ein dreieckiger Holzpickel in Form eines kleinen Fächers verwendet. Eine seiner Seiten erreicht eine Länge von 30 Zentimetern, es ist eine Art Spachtel. Diese Klingen herstellen - tolle Kunst Sie müssen gleichzeitig hart und elastisch sein. Das Holz für die Plektren wird zehn Jahre lang getrocknet. Es ist klar, dass es sich bei dem verwendeten Holz um eine seltene Holzart handelt.
Mit einem Plektrum kann man nicht nur die Saiten, sondern auch den Korpus treffen und auch die Saiten zerkratzen, allerdings sagen die Meister das moderne Technologie, das ist noch nie passiert.
Aber es ist klar, dass es weit mehr als eine Möglichkeit gibt, eine Saite mit einem so großen Plektrum anzuschlagen – und das ist natürlich durchaus hörbar.

BIWA (King Records, 1990)
Die CD enthält zwei Instrumentalstücke und vier Gesangs-Instrumentalstücke. Am beeindruckendsten ist das epische Lied „Kawanakajima“ („Insel zwischen zwei Flüssen“), gesungen von Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui starb 1978 und wurde im 19. Jahrhundert geboren. Er gehörte dazu berühmte Meister Bivs aus der Zeit vor dem Zweiten Weltkrieg.
Im 19. Jahrhundert und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erlebte die Biwa-Kunst ein Revival; allein in Tokio gab es 30 Meister, die nach dem Krieg Musikinstrumente herstellten, in ganz Japan – und auf der ganzen Welt – gab es nur noch einen; Diese Kunst hatte die Chance, für immer zu verschwinden, weil die Texte vom Samurai-Geist durchdrungen waren, der politisch inkorrekt geworden war.
Im Vergleich zur neuen Sängergeneration klingt Enomoto Shizuyas Stimme tragischer, hysterischer und, ich würde sagen, rücksichtsloser.
Die Insel, der dieses Lied gewidmet ist, ist ein Landstreifen zwischen zwei Flüssen. Im 16. Jahrhundert fanden an dieser Stelle mehrere Schlachten zwischen den Armeen zweier Heerführer statt.
Ich kann nicht glauben, dass das unterhaltsame Musik ist, die die Leute abends hören, wenn sie genug von wichtigen Dingen haben. Nein, nein, diese Musik erinnert die Samurai deutlich an ihre Pflicht und entfacht ihren Kampfgeist.

Ein weiteres berühmtes Ding ist Atsumori, und auf dem Bild ist auch eine Biwa zu sehen.

Scharfe metallische Schläge – wie ein Schwerthieb – kontrastieren mit der sich langsam entfaltenden Stimme des Sängers. Die Vokale ziehen sich lange hin, der Rhythmus ist frei, es gibt viele Pausen in der Musik, aber als träge kann man sie auf keinen Fall bezeichnen. Sie ist sehr angespannt und konzentriert.
Übrigens: Pausen, Leere, Momente der Stille Japanische Tradition gelten auch als akustisches Element, also als Schall. Es wird das Wort „ma“ genannt. Stille kann kurz oder lang, angespannt oder ruhig, unerwartet oder logisch sein. Stille betont bestimmte Klänge und verschiebt den Schwerpunkt in einer musikalischen Phrase.

In der Geschichte der Biwa gab es zwei parallele Strömungen: Erstens war die Biwa Teil der Hofkapelle. Eine alte Biwa lag horizontal auf dem Boden und wurde mit einem kleinen Plektrum gespielt. Es war ein Schlaginstrument.
Im Mittelalter wurde die Biva von Aristokraten und ihren Vasallen gespielt. Es wird angenommen, dass diese Musik rein instrumental war. IN klassische Literatur Viele Beschreibungen der mittelalterlichen Solo-Biwa, ihres anmutigen und raffinierten Klangs und ihrer erhabenen Melodien, die aus China kamen, sind erhalten geblieben, aber bis heute ist die Solo-Biwa nicht in der Tradition der Hofmusik erhalten geblieben. Im Gagaku-Orchester ist der Biwa-Part so einfach, dass man sich des Eindrucks nicht erwehren kann, dass im Laufe der Zeit etwas Wichtiges verloren gegangen ist.
Die Tradition der Biwa als Soloinstrument wurde im 13. Jahrhundert unterbrochen und erst im 20. Jahrhundert wiederbelebt.

„Ichinotani“ und Biwa von Silvain Guignard (Fragment). Europäische Version wie leicht es zu sehen ist

Aber Hauptfunktion Bivs sind eine Begleitung zu langen Liedern und Geschichten.
Bis zum 20. Jahrhundert wurde die Biwa fast ausschließlich von blinden Musikern gespielt; Einige von ihnen waren buddhistische Mönche und rezitierten Sutras und Hymnen, aber die meisten Sänger erzählten von den Kriegen und Schlachten legendärer Helden.
Das bekannteste Heldenepos aus dem Biwahoshi-Repertoire ist Heike Monogatari.
Dies ist ein riesiges und ziemlich blutiges Gedicht darüber, wie der Heike-Clan (alias Taire) nach einer kurzen Blütezeit in der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts vom Genji-Clan (alias Minamoto) besiegt wurde.
Das Gedicht hat 200 Episoden, von denen 176 gewöhnlich, 19 geheim und die restlichen 5 streng geheim sind.

(Entschuldigung für die Bild- und Tonqualität. Gespielt von Yukihiro Goto)
Alle Geschichten veranschaulichen auf die eine oder andere Weise die buddhistischen Vorstellungen von Ursache und Wirkung sowie die Vergänglichkeit des Schicksals.
Heutzutage wird die Heike Monogatari nur noch von wenigen Biwa-Spielern gespielt. Alle anderen haben ein viel moderneres Repertoire.
Es gibt jedoch die Meinung, dass die Heldenlieder, die im Mittelalter von blinden Mönchen gesungen wurden, ebenso verschwunden sind wie die Tradition der instrumentalen Hofbiva. Die Tradition des Heldengesangs wurde mehrmals wiederbelebt, jedoch höchstwahrscheinlich überhaupt nicht in der Form, in der sie vor 700 Jahren existierte.
Obwohl die Geschichte des Instruments bis ins 7. Jahrhundert zurückreicht, hat die bis heute erhaltene Musik offenbar nichts mehr mit dem Mittelalter zu tun, der Stil, der heute als alt und klassisch bezeichnet wird, ist erst vor nicht allzu langer Zeit entstanden .
Ein wichtiger Punkt in der Geschichte von Biwa ist das 16. Jahrhundert.
Dann wurde ein neues Instrument, die Satsuma Biwa, geschaffen: Der Anführer des Satsuma-Clans gab den Auftrag, die schwache und bescheidene Laute der blinden Mönche so zu verbessern, dass sie zu einem lauten Instrument mit beeindruckendem und scharfem Klang wird. Biwa wurde größer, sein Körper bestand aus härterem Holz. Ihr Sound ist maskuliner, wenn nicht sogar aggressiver geworden.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(besserer Klang, aber das Einbetten ist verboten)
Es wurden auch neue Lieder komponiert. Der Zweck dieser Aktion war Aufklärung und Propaganda: Junge Männer in der militärischen Ausbildung – also zukünftige Samurai – sollten beim Hören dieser Lieder ihren Geist stärken und die Grundlagen ritterlicher Tapferkeit erlernen.
Damals gab es keinen Kanon des Spielens und Singens – jeder Samurai konnte einen Heldentext rufen und für mehr Ausdruckskraft von Zeit zu Zeit die Saiten schlagen. Lieder forderten nicht nur junge Menschen zu Heldentaten auf, auch Samurai, die den Krieg überlebten, erzählten zu Biwa-Klängen von ihren Feldzügen.
Im Laufe der Zeit und durchaus Zivilbevölkerung begann sich intensiv für diese militaristische Musik zu interessieren. Dementsprechend entstand ein Stil für Zivilisten: Machi Fu (städtischer Stil) – und für Militärs: Shi Fu (Samurai-Stil).
Es erschienen neue Instrumentenvarianten. Nehmen wir an, Chikuzen-Biwa erschien im 19. Jahrhundert, es hat noch eine weitere: hohe Saite. Daher gilt dieses Biwa als feminin und weicher. Dementsprechend wird es von Frauen gespielt.

In allen epischen Liedern, die mit Biwa-Begleitung gesungen werden, besteht der Text aus rhythmischer Prosa, durchsetzt mit kurzen poetischen Passagen. Einige Phrasen werden zu kanonischen Melodien gesungen, gefolgt von kurzen Instrumentalpassagen. Aber in der Regel erklingt am Ende jeder Phrase oder Strophe ein oder zwei Schläge auf die Saiten der Biwa. Diese Beats unterscheiden sich in der Klangfarbe – die Biwa hat viel mehr Möglichkeiten als die Trommel.
Wenn die Klänge einer Biwa veranschaulichen, worüber der Erzähler singt, dann nur durch die Klangfarbe – ein dünner Klang oder ein dumpfer Klang, er klingt metallisch oder zischend... Der Text wird in klassischem Japanisch gesungen, die Zuhörer müssen verstehen, was gesagt wird : Intonation, Rhythmus und Klangfarbe hängen mit dem Inhalt des Dramas zusammen.
Das ist Musik zum direkten Zuhören, für alle, die sich in das Geschehen hineinversetzen und ganz darin gefangen sind.
Wir, die wir die Sprache nicht kennen, nehmen in dieser Musik offenbar einfach nicht viel wahr, aber das macht sie überraschenderweise nicht exotisch, skurril oder fantastisch. Nein, nein, es behält seine Aussagekraft und Überzeugungskraft.
Interessant ist auch, dass es sich um eine sehr emotionale Musik handelt, sehr intensiv, offen. Und die Japaner scheinen es – wie alle anderen Buddhisten auch – zu vermeiden, ihre Gefühle zu zeigen.

In Japan wird die Kraft, die das Universum bewegt, Ki genannt. Es ist eine spirituelle Kraft, die dem griechischen Pneuma ähnelt.
Der Ausdruck Ki hat in allen japanischen Künsten höchste Priorität. Im Makrokosmos entspricht Ki den Winden; im Mikrokosmos entspricht es der menschlichen Atmung. Im Japanischen gibt es viele Wörter, die mit Ki zu tun haben: ki-shф (Wetter), ki-haku (Geist).
Die Grundlage der Singstimme ist die Atmung, daher ist Singen eine der Manifestationen von Ki.
Die alten Japaner glaubten, dass sie durch das Sprechen oder noch besser: das Ausatmen eines Wortes einen spirituellen Akt vollbrachten. Und in der russischen Sprache sind sich die Wörter „Atem“ und „Geist“ überhaupt nicht fremd.
Die japanische Gesangstradition steht in direktem Zusammenhang mit dieser Haltung gegenüber dem Wort als einem bedeutungsvollen Atemzug.

Und dieser kurze Eintrag ist nicht gerecht Musikalisches Fragment, das ist Gagaku – zeremonielle Musik des japanischen Kaiserpalastes.

Der europäische Gesang basiert – wie jede andere Musik auch – auf der Tonhöhe und Dauer der Klänge. IN altes Japan Der Gesang verschmolz akustische Elemente wie Klangfarbe, seine Energie, Lautstärke und Qualität zu einer einzigen Klanghieroglyphe.
Das ist etwas unermesslich mehr als der richtige Ton.
Und Biwa-Musik unterscheidet sich in vielerlei Hinsicht von westeuropäischer Musik. Das japanische Instrument nimmt eine völlig andere Einstellung zu Klang und Rhythmus ein.
Der japanische modernistische Komponist Toru Takemitsu schrieb mehrere Werke, in denen neben einem Sinfonieorchester auch Biwa zum Einsatz kam. Es gibt eine traditionelle Art, Biwa-Musik aufzunehmen – im Vergleich zur westeuropäischen scheint sie sehr ungefähr zu sein.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Dies ist Toru Takemitsu gewidmet

Als sich der Interpret des Biwa-Teils in einer seiner Kompositionen freiwillig bereit erklärte, westeuropäische Notation zu studieren, verbot Takemitsu ihr dies. „Das ist das Letzte, was ich von Ihnen erwarten würde“, sagte der Komponist. - Ich werde die traditionelle Notation der Biwa-Musik selbst studieren und lernen, wie man sie verwendet. Sie benötigen keine westlichen Noten. Heutzutage stirbt der traditionelle Klangsinn aufgrund des westlichen Systems der Feinstimmung von Musikinstrumenten und des Notierens von Musik.“

Eines Tages verlor Kaiser Tennoh eine alte Biwa aus seinem Palast. Ihr Name war Genjo. Sie hatte keinen Preis, sie war sehr teuer. Der Kaiser konnte keinen Platz für sich finden. Wenn es gestohlen wurde, musste der Dieb es zerschlagen – es war unmöglich, es zu verkaufen. Der Kaiser war sich sicher, dass seine Biwa gestohlen worden war, um seine Seele zu verdunkeln.
Minamoto no Hiromasa war ein Aristokrat und ein ausgezeichneter Musiker. Er war auch sehr traurig über den Verlust.
Eines Nachts hörte er den Klang einer Saite – es konnte keinen Zweifel geben: Es war Genjos Biwa. Hiromasa weckte den Dienerjungen und sie machten sich auf den Weg, um den Dieb zu fangen. Sie näherten sich dem Geräusch, aber es entfernte sich weiter. Ein Geist spielte auf der Biwa – nur Hiromasa konnte die Klänge der Saiten hören.
Er folgte dem Geräusch, bis er den südlichsten Punkt Kyotos erreichte – das bedrohliche Rashomon-Tor. Hiromasa und sein Diener standen unter dem Tor, von oben waren die Klänge einer Laute zu hören. „Das ist kein Mensch“, flüsterte Hiromasa, „das ist ein Dämon.“
Er hob seine Stimme: „Hey, wer spielt da Genjo?“ Kaiser Tenno ist seit seinem Verschwinden auf der Suche nach dem Instrument. Ich weiß, dass du hier bist, ich bin dir den ganzen Weg vom Palast gefolgt!“
Die Musik verstummte, etwas fiel von oben und hing im Gang. Hiromasa zuckte zurück – er dachte, es sei ein Dämon. Aber oben an einem Seil hing Genjos Laute.
Der Kaiser freute sich sehr über Genjos Rückkehr; niemand zweifelte daran, dass es der Dämon war, der den Schatz gestohlen und ihn dann verschenkt hatte. Hiromasa wurde großzügig belohnt.
Genjou ist immer noch dabei kaiserlicher Palast. Dies ist nicht nur eine Laute, sie ist etwas Lebendiges mit eigenem Charakter. Wenn ein inkompetenter Musiker es aufnimmt, macht es keinen Ton.
Eines Tages brach im Palast ein Feuer aus. Alle rannten davon und niemand dachte daran, Genjo zu retten. Aber auf mysteriöse Weise wurde sie auf dem Rasen vor dem Palast gefunden, wo sie offenbar selbst angekommen war!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Dutar. Du - zwei. Teer - Schnur. Ein Instrument mit festen Bünden und zwei Sehnensaiten. Denken Sie, je weniger Saiten, desto einfacher ist das Spielen?

Dann hören Sie sich eines davon an die besten Meister Dutar spielend – Abdurakhim Khait, ein Uigure aus Xinjiang, China.
Es gibt auch ein turkmenisches Dutar. Die Saiten und Bünde der turkmenischen Dutar sind aus Metall, der Korpus ist ausgehöhlt, aus einem Stück Holz gefertigt, der Klang ist sehr hell und klangvoll. Die turkmenische Dutar ist seit drei Jahren eines meiner Lieblingsinstrumente, und die auf dem Foto gezeigte Dutar wurde mir erst kürzlich aus Taschkent mitgebracht. Erstaunliches Werkzeug!

Aserbaidschanische Saz. Die neun Saiten sind in drei Gruppen unterteilt, die jeweils im Einklang gestimmt sind. Ein ähnliches Instrument heißt in der Türkei Baglama.

Hören Sie sich unbedingt an, wie dieses Instrument in den Händen eines Meisters klingt. Wenn Sie wenig Zeit haben, dann schauen Sie mindestens ab 14:30 Uhr zu.
Abgeleitet von Saz und Baglama Griechisches Instrument Bouzouki und seine irische Variante.

Oud oder al-ud, wenn man dieses Instrument auf Arabisch nennt. Aus dem arabischen Namen dieses Instruments leitet sich der Name der europäischen Laute ab. Al-ud – Laute, Laute – hörst du? Ein normales Oud hat keine Bünde – die Bünde dieses Exemplars aus meiner Sammlung sind auf meine Initiative entstanden.

Hören Sie, wie ein Meister aus Marokko Oud spielt.

Aus der chinesischen zweisaitigen Violine Erhu mit einem einfachen Resonanzkörper und einer kleinen Membran aus Leder ging die zentralasiatische Gijak hervor, die im Kaukasus und in der Türkei Kemancha genannt wurde.

Hören Sie, wie die Kemancha klingt, wenn Imamyar Khasanov sie spielt.

Rubab hat fünf Saiten. Die ersten vier sind gedoppelt, jedes Paar ist unisono gestimmt und es gibt eine Basssaite. Der lange Hals hat Bünde, die der chromatischen Tonleiter von fast zwei Oktaven entsprechen, und einen kleinen Resonator mit einer Ledermembran. Was bedeuten Ihrer Meinung nach die nach unten gebogenen Hörner, die vom Hals zum Instrument hin verlaufen? Erinnert Sie seine Form nicht an einen Widderkopf? Aber okay, was für ein Sound! Sie hätten den Klang dieses Instruments hören sollen! Es vibriert und bebt trotz seines massiven Halses; es erfüllt den gesamten Raum mit seinem Klang.

Lauschen Sie dem Klang des Kashgar Rubab. Aber mein Rubab klingt ehrlich gesagt besser.

Der iranische Teer hat einen doppelt ausgehöhlten Körper aus einem einzigen Stück Holz und eine Membran aus dünner Fischhaut. Sechs gepaarte Saiten: zwei Stahlsaiten, dann eine Kombination aus Stahl und dünnem Kupfer, und das nächste Paar ist auf eine Oktave gestimmt – die dicke Kupfersaite ist eine Oktave tiefer als die dünne Stahlsaite gestimmt. Der iranische Teer weist aufdringliche Bünde aus Adern auf.

Hören Sie sich an, wie sich iranischer Teer anhört.
Der iranische Teer ist der Vorfahre mehrerer Instrumente. Einer davon ist der indische Setar (se – drei, tar – Saite), und auf die anderen beiden werde ich weiter unten eingehen.

Der aserbaidschanische Teer hat nicht sechs, sondern elf Saiten. Sechs sind die gleichen wie beim iranischen Tar, ein weiterer zusätzlicher Bass und vier Saiten, die nicht gespielt werden, aber beim Spielen mitschwingen, was dem Klang ein Echo verleiht und ihn länger hält. Tar und Kemancha sind vielleicht die beiden Hauptinstrumente der aserbaidschanischen Musik.

Hören Sie ab 10:30 Uhr oder zumindest ab 1:50 Uhr einige Minuten lang zu. Sie haben das noch nie gehört und konnten sich nicht vorstellen, dass eine solche Darbietung auf diesem Instrument möglich ist. Gespielt wird es von Imamyar Khasanovs Bruder Rufat.

Es gibt eine Hypothese, dass der Teer der Vorfahre der modernen europäischen Gitarre ist.

Als ich kürzlich über den elektrischen Kessel sprach, wurde mir vorgeworfen, dass ich dem Kessel die Seele entziehe. Wahrscheinlich wurde ungefähr das Gleiche zu der Person gesagt, die vor 90 Jahren die Idee hatte, einen Tonabnehmer in eine Akustikgitarre einzubauen. Etwa dreißig Jahre später entstanden die besten E-Gitarren, die bis heute der Standard sind. Ein weiteres Jahrzehnt später erschienen die Beatles, Rolling Stones, gefolgt von Pink Floyd.
Und all dieser Fortschritt hat die Hersteller nicht behindert Akustikgitarren und klassische Gitarrenkünstler.

Aber Musikinstrumente verbreiteten sich nicht immer von Ost nach West. Ungewöhnlich wurde zum Beispiel das Akkordeon beliebtes Werkzeug in Aserbaidschan im 19. Jahrhundert, als die ersten deutschen Siedler dort ankamen.

Mein Akkordeon wurde von demselben Meister hergestellt, der auch Instrumente für Aftandil Israfilov geschaffen hat. Hören Sie, wie ein solches Instrument klingt.

Die Welt der orientalischen Musikinstrumente ist groß und vielfältig. Ich habe Ihnen noch nicht einmal einen Teil meiner Sammlung gezeigt, und sie ist noch lange nicht vollständig. Aber ich muss Ihnen unbedingt noch von zwei weiteren Tools erzählen.
Eine Pfeife mit einer Glocke an der Spitze wird Zurna genannt. Und das Instrument darunter heißt Duduk oder Balaban.

Feiern und Hochzeiten beginnen mit den Klängen der Zurna im Kaukasus, in der Türkei und im Iran.

So sieht ein ähnliches Instrument in Usbekistan aus.

In Usbekistan und Tadschikistan wird Zurna Surnay genannt. In Zentralasien und im Iran werden die Klänge von Surnay und Tamburinen notwendigerweise durch die anhaltenden Klänge eines anderen Instruments – des Karnay – ergänzt. Karnai-surnai ist eine stabile Phrase, die den Beginn des Feiertags bezeichnet.

Es ist interessant, dass es in den Karpaten ein mit der Carnai verwandtes Instrument gibt, dessen Name vielen bekannt ist – Trembita.

Und die zweite Pfeife, die auf meinem Foto zu sehen ist, heißt Balaban oder Duduk. In der Türkei und im Iran wird dieses Instrument auch Mei genannt.

Hören Sie, wie Alikhan Samedov Balaban spielt.

Wir werden später auf den Balaban zurückkommen, aber zunächst möchte ich über das sprechen, was ich in Peking gesehen habe.
Wie Sie wissen, sammle ich Musikinstrumente. Und sobald ich während meiner Reise nach Peking eine freie Minute hatte, ging ich sofort in einen Musikinstrumentenladen. Was ich mir in diesem Laden gekauft habe, erzähle ich euch ein anderes Mal. Und nun zu dem, was ich nicht gekauft habe und was ich furchtbar bereue.
Auf der Vitrine stand eine Pfeife mit Glocke, deren Design genau an eine Zurna erinnerte.
- Wie heißt es? - Ich habe über den Übersetzer gefragt.
„Sona“, antworteten sie mir.
„Wie ähnlich es zu „sorna – surnay – zurna“ ist – dachte ich laut. Und der Übersetzer bestätigte meine Vermutung:
- Die Chinesen sprechen den Buchstaben r nicht mitten im Wort aus.

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Aber wissen Sie, Zurna und Balaban gehen Hand in Hand. Ihr Design hat viele Gemeinsamkeiten – vielleicht ist das der Grund. Und was denkst du? Neben dem Son-Instrument gab es ein weiteres Instrument – ​​Guan oder Guanji. So sah er aus:

So sieht er aus. Leute, Kameraden, Herren, das ist Duduk!
Wann ist er dort angekommen? Im achten Jahrhundert. Daher können wir davon ausgehen, dass es aus China stammt – Zeitpunkt und Geographie stimmen überein.
Bisher ist lediglich dokumentiert, dass sich dieses Instrument von Xinjiang nach Osten ausbreitete. Nun, wie spielt man dieses Instrument im modernen Xinjiang?

Sehen und hören Sie ab der 18. Sekunde! Hören Sie sich einfach den luxuriösen Klang des uigurischen Balaman an – ja, hier heißt er genauso wie in der aserbaidschanischen Sprache (es gibt auch eine solche Aussprache des Namens).

Suchen wir nach zusätzlichen Informationen in unabhängigen Quellen, zum Beispiel in der Iranica-Enzyklopädie:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
ein etwa 35 cm langes Blasinstrument mit zylindrischer Bohrung und doppeltem Rohrblatt, sieben Grifflöchern und einem Daumenloch, das im Osten Aserbaidschans im Iran und in der Republik Aserbaidschan gespielt wird.

Oder sympathisiert Iranika mit Aserbaidschanern? Nun, das TSB sagt auch, dass das Wort Duduk türkischen Ursprungs ist.
Haben Aserbaidschaner und Usbeken die Compiler bestochen?
Okay, Sie werden die Bulgaren bestimmt nicht verdächtigen, mit den Türken zu sympathisieren!
auf einer sehr seriösen bulgarischen Website für das Wort duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dyudyuk (vom türkischen düdük), pishchalka, svorche, glasnik, zusätzlich - Volksmusikinstrument vom Typ Aerophonit, halbgeschlossener Trubi.
Sie verweisen erneut auf den türkischen Ursprung des Wortes und nennen es ihr Volksinstrument.
Wie sich herausstellte, ist dieses Tool vor allem unter Menschen weit verbreitet Turkvölker oder unter Völkern, die mit den Türken in Kontakt standen. Und jede Nation betrachtet es zu Recht als ihr volkstümliches, nationales Instrument. Aber nur einer würdigt seine Entstehung.

Schließlich haben nur die Faulen nicht gehört, dass „Duduk ein altes armenisches Instrument ist“. Gleichzeitig weisen sie darauf hin, dass der Duduk vor dreitausend Jahren – also in der unbeweisbaren Vergangenheit – geschaffen wurde. Aber Fakten und elementare Logik zeigen, dass dem nicht so ist.

Gehen Sie zurück zum Anfang dieses Artikels und werfen Sie einen weiteren Blick auf die Musikinstrumente. Fast alle dieser Instrumente werden auch in Armenien gespielt. Aber es ist völlig klar, dass alle diese Instrumente bei viel zahlreicheren Völkern mit einer klaren und verständlichen Geschichte auftauchten, unter denen die Armenier lebten. Stellen Sie sich ein kleines Volk vor, das verstreut unter anderen Nationen mit eigenen Staaten und Reichen lebt. Werden solche Leute einen kompletten Satz Musikinstrumente für ein ganzes Orchester herstellen?
Ich muss zugeben, ich dachte auch: „Okay, das waren große und komplexe Instrumente, lassen wir sie mal beiseite. Aber konnten die Armenier überhaupt eine Pfeife entwickeln?“ Aber es stellt sich heraus: Nein, sie haben es sich nicht ausgedacht. Wenn sie sich das ausgedacht hätten, wäre dieses Rohr sauber gewesen Armenischer Name, und nicht das poetisch-metaphorische Cyranopoh (Seele des Aprikosenbaums), sondern etwas Einfacheres, Beliebteres, mit einer Wurzel oder sogar lautmalerisches. Inzwischen weisen alle Quellen auf die türkische Etymologie des Namens dieses Musikinstruments hin, und die Geographie und die Daten der Verbreitung zeigen, dass die Verbreitung des Duduk von Zentralasien aus begann.
Nun gut, lassen Sie uns noch eine Annahme treffen und sagen, dass der Duduk aus dem alten Armenien nach Xinjiang kam. Aber wie? Wer hat es dorthin gebracht? Welche Völker zogen um die Jahrtausendwende vom Kaukasus nach Zentralasien? Es gibt keine solchen Nationen! Doch die Türken zogen ständig von Zentralasien nach Westen. Sie hätten dieses Instrument durchaus im Kaukasus, auf dem Gebiet der heutigen Türkei und sogar in Bulgarien verbreiten können, wie aus den Dokumenten hervorgeht.

Ich erwarte ein weiteres Argument von Verteidigern der Version des armenischen Ursprungs des Duduk. Man sagt, dass echter Duduk nur aus Aprikosenholz hergestellt wird, das auf Lateinisch Prúnus armeniáca heißt. Aber erstens sind Aprikosen in Zentralasien nicht weniger verbreitet als im Kaukasus. Der lateinische Name weist nicht darauf hin, dass sich dieser Baum vom Gebiet des Verbreitungsgebiets aus in der ganzen Welt verbreitet hat geografischer Name Armenien. Es ist nur so, dass es von dort aus nach Europa gelangte und vor etwa dreihundert Jahren von Botanikern beschrieben wurde. Im Gegenteil, es gibt eine Version, dass sich die Aprikose aus dem Tien Shan verbreitet hat, von dem ein Teil in China und ein Teil in Zentralasien liegt. Zweitens zeigt die Erfahrung sehr talentierter Menschen, dass dieses Instrument sogar aus Bambus hergestellt werden kann. Und mein Lieblingsbalaban ist aus Maulbeere und klingt viel besser als die Aprikosen, die ich auch habe und die in Armenien hergestellt wurden.

Hören Sie, wie ich in ein paar Jahren gelernt habe, dieses Instrument zu spielen. An der Aufnahme teilgenommen Volkskünstler Turkmenistan Hasan Mamedov (Violine) und Volkskünstler der Ukraine, mein Mitbewohner in Fergana, Enver Izmailov (Gitarre).

Mit all dem möchte ich dem großen armenischen Duduk-Spieler Jivan Gasparyan meinen Tribut zollen. Es war dieser Mann, der die Duduk zu einem weltberühmten Instrument machte. Dank seiner Arbeit entstand in Armenien eine wunderbare Schule des Duduk-Spiels.
Aber rede“ Armenischer Duduk„ ist nur über bestimmte Instrumente legitim, wenn sie in Armenien hergestellt wurden, oder über die Art der Musik, die dank J. Gasparyan entstanden ist. Nur wer sich unbegründete Aussagen erlaubt, kann auf den armenischen Ursprung des Duduk hinweisen.

Bitte beachten Sie, dass ich selbst weder den genauen Ort noch den genauen Zeitpunkt des Erscheinens des Duduk angebe. Es ist wahrscheinlich unmöglich, dies festzustellen, und der Prototyp des Duduk ist älter als alle lebenden Völker. Aber ich baue meine Hypothese über die Verbreitung des Duduk auf, die auf Fakten und elementarer Logik basiert. Wenn mir jemand widersprechen möchte, möchte ich vorab bitten: Bitte verlassen Sie sich bei der Hypothesenbildung in gleicher Weise auf beweisbare und überprüfte Fakten aus unabhängigen Quellen, scheuen Sie sich nicht vor der Logik und versuchen Sie, eine andere verständliche Erklärung zu finden für die aufgeführten Fakten.

Xi Jinping, Vorsitzender der Volksrepublik China, sprach auf einem Symposium anlässlich des 69. Jahrestages des Sieges über die japanischen Invasoren im Zweiten Weltkrieg und forderte Japan auf, bei der Bewertung verantwortungsvoller vorzugehen...

Hinzugefügt: 04. März 2014

Nationale japanische Musik und Instrumente

Das Land der aufgehenden Sonne Japan hat eine unverwechselbare und einzigartige Kultur. Das Erbe einer großen Nation ist eng mit der Musik verbunden. Nationale japanische Musik ist das gleiche ursprüngliche Phänomen, das auf die Isolation des Landes zurückzuführen ist.

Die Menschen in Japan behandeln die Kulturdenkmäler ihrer Heimat stets mit Sorgfalt und Respekt. Ohne Musikinstrumente ist jede Musik unmöglich. Musikkultur Japan hat sein eigenes einzigartiges Genre. Dies erklärt die Vielfalt der Instrumente, mit denen musikalische Meisterwerke geschaffen werden.

Berühmte Musikinstrumente

Eines der berühmtesten japanischen Musikinstrumente ist Shamisen, was einer Laute entspricht. Es gehört zur Kategorie der Dreisaiter Zupfinstrumente. Er kam her sansina, was wiederum von kam Sanxian, dessen Heimat China ist.

Japanische Musik und Tanz kommen ohne Shamisen nicht aus, das auch heute noch verehrt wird. Japanische Inseln und wird häufig im japanischen Theater verwendet Bunraku und Kabuki. Wichtig ist auch, dass das Spielen des Shamisen in das Trainingsprogramm für Geishas – Maiko – aufgenommen wird.

Auch die japanische Nationalmusik ist untrennbar mit Flöten verbunden. Musikinstrument fue gehört zu einer Flötenfamilie, die für ihren hohen Klang bekannt ist. Sie sind aus Bambus gefertigt. Diese Flöte stammte von einer chinesischen Pfeife – „ paixiao«.

Die bekannteste Flöte aus der Fue-Familie ist Shakuhachi, was als verwendet wird Musikinstrument Zen-buddhistische Mönche. Der Legende nach wurde die Shakuhachi von einem einfachen Bauern erfunden. Als er Bambus transportierte, hörte er eine wunderbare Melodie, die aus dem Bambus erklang, als der Wind hineinblies.

Die Fue-Flöte wird wie die Shamisen häufig zur Begleitung in den Theatern Banraku und Kabuki sowie in verschiedenen Ensembles verwendet. Einige der Fouets können auf den westlichen Stil gestimmt werden und so zu Solisten werden. Es ist interessant, dass das Spielen des Fue früher nur für japanische Wandermönche typisch war.

Suikinkutsu

Ein weiteres Werkzeug, das darstellt Japanische Kultur Ist suikinkutsu. Es hat die Form eines umgedrehten Kruges, aus dem Wasser von oben fließt. Wenn es durch bestimmte Löcher ins Innere gelangt, erzeugt es einen Klang, der dem Läuten einer Glocke sehr ähnlich ist. Dieses Instrument wird vor der Teezeremonie gespielt und dient auch als Attribut eines traditionellen japanischen Gartens.

Der Einfachheit halber kann die Teezeremonie übrigens auch im Garten stattfinden. Der Klang des Instruments versetzt den Menschen in ein unerklärliches Gefühl der Entspannung und erzeugt eine besinnliche Stimmung. Dieser Zustand eignet sich sehr gut zum Eintauchen in Zen, da das Entspannen im Garten während der Teezeremonie zur Zen-Tradition gehört.

Das Tool ist für unsere Wahrnehmung verständlicher Taiko,was ins Russische übersetzt „Trommel“ bedeutet. Taiko wurde übrigens in militärischen Angelegenheiten berühmt, genau wie seine Kollegen in anderen Ländern. Wie es in den Chroniken von Gunji Yeshu heißt, bedeuteten neun mal neun Schläge einen Aufruf zum Kampf, und neun mal drei wiederum bedeuteten, dass der Feind verfolgt werden musste.

Es muss berücksichtigt werden, dass der Schlagzeuger beim Auftritt auf die Ästhetik des von ihm angebotenen Auftritts achtet, da nicht nur die Melodie und der Rhythmus des Auftritts wichtig sind, sondern auch Aussehen Instrument, auf dem die Melodie gespielt wird.

Genres japanischer Musik

Die japanische Volksmusik hat in ihrer Entwicklung einen langen Weg zurückgelegt. Am Anfang standen magische Lieder, später entwickelte und formierte sich das Lied Musikgenre beeinflusst vom Konfuzianismus und Buddhismus. Daher ist japanische Musik auf die eine oder andere Weise mit Ritualen verbunden, traditionelle Feiertage, Theateraufführungen und andere Aktivitäten. japanisch ethnische Musik, online anhören, in moderne Welt, zu jeder Tageszeit und an jedem Ort verfügbar, ist zu einem wichtigen Bestandteil geworden kulturelles Erbe Länder.

Es gibt zwei Hauptarten der beliebtesten japanischen Musik.

• Der erste ist syomyo, das buddhistische Gesänge darstellt.
• Zweite - Gagaku, das ist Orchester-Hofmusik.

Es gibt aber auch Genres, die keine antiken Wurzeln haben. Sie gehören dazu Yasugi Bushi und Enka.

Das beliebteste Genre japanischer Volkslieder ist Yasugi Bushi, das nach der Stadt Yasugi benannt ist. Das Thema des Genres ist verwandt mit alte Geschichte und mythische und poetische Geschichten. Aber Yasugi Bushi besteht nicht nur aus Liedern, sondern auch aus Tanz Sukui-Dojo sowie die Kunst des Jonglierens zur Musik Zeni Daiko, bei dem mit Münzen gefüllte Bambusstiele als Musikinstrument verwendet werden.

Enka, als Genre, entstand vor relativ kurzer Zeit, in Nachkriegszeit. Darin werden japanische Volksmotive mit Jazz- und Bluesmusik verflochten. Somit hat japanische Musik ihre eigene nationale Besonderheiten und unterscheidet sich damit von anderen Musikgenres in anderen Ländern. Es gibt also Musikinstrumente, sogenannte Singbrunnen, die Sie nirgendwo auf der Welt sehen werden, außer vielleicht in Tibet.

Japanische Musik gekennzeichnet durch ständig wechselndes Tempo und Rhythmus. Oft gibt es keine Größe. Japanische Musik ist den Geräuschen der Natur nahe, was sie noch mysteriöser und ungewöhnlicher macht.

Video: Japanische Musik online

Musikinstrument: Laute

Im Zeitalter von Überschallgeschwindigkeit und Nanotechnologie möchte man manchmal wirklich entspannen und dem Alltag entfliehen weltliche Eitelkeit und finden Sie sich in einer anderen Welt wieder, in der es keine modernen Unruhen gibt, zum Beispiel in der romantischen Ära der Renaissance. Heutzutage muss man dafür keine Zeitmaschine erfinden, sondern einfach irgendwo im Ismailowo-Kreml oder im Scheremetjew-Palast ein Konzert mit authentischer Musik besuchen. Dort hören Sie nicht nur wunderschöne Melodien, die Sie gedanklich in vergangene Zeiten versetzen, sondern lernen auch interessante Musikinstrumente kennen, auf denen unsere entfernten Vorfahren vor mehreren Jahrhunderten Musik spielten. Das Interesse an alter Musik wächst heute; moderne Interpreten beherrschen mit Begeisterung die Instrumente vergangener Epochen, darunter die Traversflöte, Viola da Gamba, Diskantgambe, barocke Kontrabassvioline, Cembalo und zweifellos ist die Laute ein Instrument der privilegierten Klassen und verdient besondere Aufmerksamkeit. Im Mittelalter nannten die Araber sie zu Recht die Königin der Musikinstrumente.

Klang

Die Laute gehört zur Familie der Zupfinstrumente; ihr Klang ähnelt in gewisser Weise einer Gitarre, ihre Stimme ist jedoch viel weicher und sanfter und ihre Klangfarbe ist samtiger und zitternder, da sie stärker mit Obertönen gesättigt ist. Die Klangquelle einer Laute sind gepaarte und einzelne Saiten, die der Interpret spielt rechte Hand zupft und mit der linken Hand gegen die Bünde drückt, wodurch sich deren Länge und damit die Tonhöhe verändert.

Der Notentext für das Instrument wurde mit Buchstaben auf einer sechszeiligen Zeile geschrieben, und die Dauer der Klänge wurde durch über den Buchstaben angebrachte Notizen angegeben. Reichweite Das Instrument hat etwa 3 Oktaven. Das Tool verfügt über keine spezifische Standardeinstellung.

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Interessante Fakten

• Für viele Völker diente das Bild einer Laute als Symbol für Harmonie, Jugend und Liebe. Für die Chinesen bedeutete es Weisheit sowie Zusammenhalt in Familie und Gesellschaft. Für Buddhisten - Harmonie in der Welt der Götter, für Christen - bedeutete eine Laute in den Händen von Engeln die Schönheit des Himmels und Versöhnung Naturkräfte. In der Kunst der Renaissance symbolisierte es Musik, und ein Instrument mit gerissenen Saiten deutete auf Meinungsverschiedenheiten und Zwietracht hin.
• Die Laute war ein Emblem – ein symbolisches Bild der Liebenden.
• Während der Renaissance wurde die Laute sehr oft auf Gemälden dargestellt; selbst Orpheus und Apollo wurden von damaligen Künstlern nicht mit einer Leier, sondern mit einer Laute gemalt. Und eine harmonischere Komposition als ein Mädchen oder ein Junge mit diesem romantischen Instrument kann man sich nicht vorstellen.
• Einst galt die sehr beliebte Laute als bevorzugtes Instrument des weltlichen Kreises, des Adels und des Königshauses. Im Osten wurde sie „Sultan der Instrumente“ genannt, und in europäischen Ländern gab es ein Sprichwort, dass die Orgel „der König aller Instrumente“ und die Laute „das Instrument aller Könige“ sei.
• Der große englische Dichter und Dramatiker William Shakespeare erwähnte die Laute in seinen Werken sehr oft. Er bewunderte seinen Klang und schrieb ihm die Fähigkeit zu, Zuhörer in einen Zustand der Ekstase zu versetzen.
• Der größte italienische Bildhauer, Künstler, Dichter und Denker Michelangelo Buonarroti bewunderte die Leistung des berühmten Lautenisten Francesco da Milano und sagte, dass er von der Musik göttlich inspiriert sei und alle seine Gedanken zu dieser Zeit dem Himmel zugewandt seien.
• Der Lautenspieler wird Lautenist genannt, und der Handwerker, der die Instrumente herstellt, wird Gitarrenbauer genannt.
• Instrumente der Bologneser Meister – der Gitarrenbauer L. Mahler und G. Frey sowie Vertreter der Handwerkerfamilie Tiffenbrucker aus Venedig und Padua, die im 17. und 18. Jahrhundert geschaffen wurden, kosten nach diesen Maßstäben astronomische Gelder.
• Das Erlernen des Lautenspiels war nicht so schwierig, wohl aber das Stimmen des Instruments, aus dem viele Saiten bestanden natürliche Materialien Problematisch war jedoch die aufgrund von Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen schlecht erhaltene Formation. Es gab einen sehr berühmten Witz: Ein Musiker, der Laute spielt, verbringt zwei Drittel seiner Zeit damit, das Instrument zu stimmen, und ein Drittel damit, Musik auf einem ungestimmten Instrument zu spielen.

Design

Das sehr elegante Design der Laute besteht aus Korpus und Hals und endet mit einem Stimmblock. Der birnenförmige Körper umfasst ein Deck und einen Körper, der als Resonator fungiert.

• Der Korpus besteht aus gebogenen, halbkugelförmigen Segmenten aus Hartholz: Ebenholz, Palisander, Kirsche oder Ahorn.
• Das Deck ist der vordere Teil des Körpers, der den Körper bedeckt. Es ist flach, oval geformt und meist aus Resonatorfichte gefertigt. An der Unterseite des Decks befindet sich ein Ständer und in der Mitte befindet sich ein Schallloch in Form eines eleganten, komplizierten Musters oder einer wunderschönen Blume.

Der relativ breite, aber kurze Hals der Laute ist auf gleicher Höhe mit dem Resonanzboden am Korpus befestigt. Darauf ist ein Griffbrett aus Ebenholz aufgeklebt, außerdem sind Bundanschläge aus Katgut angebracht. Oben am Hals befindet sich ein Sattel, der die Höhe der Saitenspannung beeinflusst.

Auch der Wirbelblock der Laute, an dem sich die Einstellstifte für die Saitenspannung befinden, verfügt über einen eigenen Besonderheit. Es liegt darin, dass der Block in einem ziemlich großen, fast rechten Winkel zum Halshals steht.

Die Anzahl der Saitenpaare auf verschiedenen Lauten variiert stark: 5 bis 16 und manchmal 24.

Gewicht Das Instrument ist sehr klein und wiegt ca. 400 g., Länge Werkzeug - ca. 80 cm.

Sorten

Die damals sehr beliebte Laute entwickelte sich sehr intensiv weiter. Musikalische Meister experimentierten ständig mit seiner Form, der Anzahl der Saiten und der Stimmung. Infolgedessen entstand eine ziemlich große Anzahl von Instrumentenvarianten. Zum Beispiel Renaissance-Lauten außer traditionelle Instrumente, zu denen Instrumente mit unterschiedlicher Anzahl gepaarter Saiten gehörten – Chöre –, verfügten über Typen unterschiedlicher Größe, die den Registern der menschlichen Stimme ähnelten: kleine Oktave, kleiner Diskant, Diskant, Alt, Tenor, Bass und Oktavbass. Darüber hinaus umfasst die Lautenfamilie die Barocklaute Al-Ud, Erzlaute, Torban, Kobza, Theorba, Kittaron, Zither, Bandora, Cantabile-Laute, Orpharion, Vandervogel-Laute, Mandora und Mandola.

Anwendung

Kunsthistoriker betrachten die Laute nicht nur als eines der interessantesten, sondern auch als grundlegend wichtiges Instrument der Geschichte. Europäische Musik 16.-17. Jahrhundert. Es hat in vielen Gesellschaftsschichten Anerkennung gefunden, vom einfachen Volk bis zum Königshaus, und wurde als Begleit-, Solo- und Ensembleinstrument eingesetzt. Die schnell wachsende Beliebtheit der Laute erforderte eine ständige Ergänzung und Aktualisierung des Repertoires. Sehr oft waren die Komponisten von Werken auch Interpreten, weshalb in europäischen Ländern eine ganze Galaxie wunderbarer Lautenkomponisten auftauchte. In Italien - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. In Spanien - L. Milan, M. Fuenllana. In Deutschland - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. In England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. In Polen - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. In Frankreich - E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese. Es sollte auch beachtet werden, dass selbst die größten Meister wie IST. Bach, A. Vivaldi, G. Händel, J. Haydn widmeten sich der Laute und bereicherten ihr Repertoire mit ihren Werken.

Gegenwärtig lässt das Interesse an alter Musik und gleichzeitig an der Laute nicht nach. Sein Klang ist zunehmend auf den Bühnen von Konzertsälen zu hören. Unter den modernen Komponisten, die heute für das Instrument komponieren, sind viele interessante Werke zu nennen: I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Berühmte Künstler

In der Renaissance und im Barock außerordentlich in Mode, doch von anderen Instrumenten verdrängt und zu Unrecht in Vergessenheit geraten, erweckt die Laute heute nicht nur bei authentischen Musikern wieder großes Interesse. Sein Klang ist mittlerweile zunehmend an verschiedenen Konzertorten zu hören, nicht nur solo, sondern auch im Ensemble mit anderen schönen alten Musikinstrumenten. Im 21. Jahrhundert sind V. Kaminik (Russland), P. O'Dett (USA), O. Timofeev (Russland), A. Krylov (Russland, Kanada) die berühmtesten Virtuosen, die viel zur Popularisierung des Instruments beitragen. , A. Suetin (Russland), B. Yang (China), Y. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norwegen), E. Karamazov (Kroatien), J. Held (Deutschland), L. Kirchhoff (Deutschland), E. Eguez (Argentinien), H. Smith (USA), J. Lindberg (Schweden), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Niederlande) und viele andere.

Geschichte

Es ist unmöglich, die gesamte Entstehungsgeschichte der Laute nachzuvollziehen, die in den östlichen Ländern als eines der fortschrittlichsten Instrumente galt. Ähnliche Instrumente waren bereits vor viertausend Jahren in vielen Ländern der Welt weit verbreitet. Sie wurden in Ägypten, Mesopotamien, China, Indien, Persien, Assyrien, Antikes Griechenland und Rom. Kunstwissenschaftler vermuten jedoch, dass die Laute einen unmittelbaren Vorgänger hatte – die Oud – ein Instrument, das im Nahen Osten noch immer besondere Verehrung genießt, und behaupten, dass es das Ergebnis der Schöpfung des Enkels des Propheten sei. Das Oud hatte einen birnenförmigen Körper, der aus Walnuss- oder Birnenholz gefertigt war, einen Korpus aus Kiefernholz, einen kurzen Hals und einen nach hinten gebogenen Kopf. Der Ton wurde mit einem Plektrum extrahiert.

Die Eroberung Europas durch die Laute begann im 8. Jahrhundert von Spanien und Katalonien aus, nachdem die Mauren die Iberische Halbinsel erobert hatten. Das Instrument verschmolz nicht nur sehr schnell mit den Kulturen dieser Länder, sondern verbreitete sich infolge der Kreuzzüge auch rasch in anderen europäischen Ländern: Italien. Frankreich, Deutschland, und verdrängte andere damals verwendete Instrumente wie die Cistra und die Pandura. Die immer beliebter werdende Laute erfuhr ständig verschiedene Verbesserungen. Die Handwerker nahmen Änderungen am Design des Instruments vor, modifizierten Korpus und Hals und fügten Saiten hinzu. Hatte es anfangs 4 bis 5 gepaarte Streichinstrumente – Chöre, so erhöhte sich die Zahl später allmählich. Im 14. Jahrhundert war die Laute in Europa nicht nur vollständig ausgereift, sondern wurde auch zu einem der beliebtesten Instrumente nicht nur am Hof, sondern auch beim Musizieren zu Hause. Es wurde nicht mehr nur als Begleitinstrument, sondern auch als Soloinstrument eingesetzt. Sie komponierten viele verschiedene Arten von Musik für die Laute und arrangierten nicht nur populäre Lieder und Tänze, sondern auch geistliche Musik. Im 15. Jahrhundert erfreute sich das Instrument noch größerer Beliebtheit; Maler stellten es häufig auf ihren künstlerischen Leinwänden dar. Komponisten bereichern ihr Repertoire weiterhin intensiv. Die Interpreten verzichten auf das Plektrum und bevorzugen die Fingerextraktionsmethode, die die technischen Möglichkeiten erheblich erweitert und die Aufführung sowohl harmonischer Begleitung als auch ermöglicht polyphone Musik. Lauten wurden immer besser und Instrumente mit sechs Saitenpaaren wurden zu den beliebtesten.

Im 16. Jahrhundert erreichte die Popularität der Laute ihren Höhepunkt. Es dominierte sowohl bei professionellen Musikern als auch bei Amateuren. Das Instrument erklang in den Palästen von Königen und Hochadligen sowie in den Häusern einfacher Bürger. Es diente zur Aufführung von Solo- und Ensemblewerken, zur Begleitung von Sängern und Chören sowie zur Begleitung von Orchestern. Schulen zur Herstellung von Lauteninstrumenten wurden in verschiedenen Ländern gegründet, die bekannteste davon befand sich in Italien in Bologna. Die Instrumente wurden ständig modifiziert, die Anzahl der Saitenpaare erhöhte sich: zunächst zehn, dann vierzehn und später erreichte ihre Zahl 36, was entsprechend Änderungen im Design des Instruments erforderte. Es gab viele Spielarten der Laute, darunter sieben, die der Tessitura der menschlichen Stimme entsprachen, von Disco bis Bass.

Gegen Ende des 17. Jahrhunderts begann die Beliebtheit der Laute merklich zu sinken, da sie nach und nach durch Instrumente wie z Gitarre, Cembalo, und etwas später das Klavier. Im 18. Jahrhundert wurde es eigentlich nicht mehr verwendet, mit Ausnahme einiger Sorten, die in Schweden, der Ukraine und Deutschland existierten. Und das erst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, aufgrund des erneuten Interesses an alte Instrumente Englische Enthusiasten, angeführt vom Instrumentenbauer, Berufsmusiker und Musikwissenschaftler Arnold Dolmich, steigerten die Aufmerksamkeit für die Laute erneut stark.

Die Laute ist ein altes, elegantes Musikinstrument mit einem wunderschönen Klang mit sanfter Stimme, das einst außer Gebrauch genommen und zu Unrecht vergessen wurde. Die Zeit verging, die Musiker erinnerten sich an ihn, zeigten Interesse und holten ihn erneut auf die Konzertbühne, um die Zuhörer mit ihrem anspruchsvollen Sound zu fesseln. Heutzutage nimmt die Laute häufig an authentischen Musikkonzerten teil und tritt sowohl als Solo- als auch als Ensembleinstrument auf.

Video: Laute hören