Japan zeichnete sich seit jeher durch seine ehrfürchtige Haltung gegenüber der Bewahrung und Reproduktion seiner alten Traditionen aus, und diese bemerkenswerte Eigenschaft macht das Land aus aufgehende Sonne ein einzigartiger Ort, an dem moderne Innovationen harmonisch mit jahrhundertealten kulturellen Traditionen im Leben gewöhnlicher Japaner verbinden.

Wenn Sie bereits in Japan waren, sind Sie zweifellos auf rote und schwarze Suppenschüsseln, Tabletts, Essstäbchen und andere lackierte Gegenstände gestoßen (ihre eher minderwertigen Gegenstücke gibt es in unserem Land). Lackkunst ist eines der traditionellen japanischen Handwerke, das in der Antike entstand – die ersten Produkte wurden in Japan bereits in der Jomon-Zeit (14.000–300 v. Chr.) entdeckt – und hat bis heute überlebt. In der Neuzeit wurden japanische Lackwaren aktiv exportiert und wurden zu einer Art „Marke“ des Landes – es ist kein Zufall, dass das Wort „Japan“ in der westlichen Welt eine zweite Bedeutung erhielt – „Lack, lackiertes Produkt, Lack auftragen“.

Japanischer Lack ist eine organische Substanz, die aus dem Saft des Urushi-Baums (漆) hergestellt wird und durch Kratzen des Holzes gewonnen wird. Der resultierende Lack wird auch als Lack bezeichnet. Es wird angenommen, dass dieses Wort von zwei anderen japanischen Wörtern stammt: uruwashii (麗しい), was „schön, schön“ bedeutet, und uruosu (潤す), was „befeuchten“ bedeutet. Die Hieroglyphe Urushi selbst hat im Gegensatz zu anderen Baumnamen, die mit dem Schlüssel „Baum“ [木] geschrieben werden (桜 – Sakura, 梅 – Pflaume, 松 – Kiefer usw.), den Schlüssel „Wasser“ [氵], was unterstreicht, dass dieser Baum aufgrund des darin enthaltenen Wassers, also des Saftes, wertvoller ist. Auf Japanisch werden Lackwaren Shikki (漆器: 漆 „Lack, Lackholz“ + 器 „Werkzeug, Zubehör“) oder Nurimono (塗物: 塗る „auftragen, malen“ + 物 „Ding, Gegenstand“) genannt.

Der ausgehärtete Lack bildet eine wasserabweisende Schutzschicht, die das Verrotten des Artikels verhindert und ihn zudem weniger anfällig für Säuren, Laugen, Salze und Alkohol macht. Die für die Produkte verwendeten Materialien sind Holz (das am häufigsten verwendete Material), Leder, Papier, Keramik, Glas, Metall und sogar Kunststoff. Es gibt viele Möglichkeiten, Lackwaren herzustellen und zu dekorieren. Reden wir heute ein wenig über das Meiste bekannte Arten dieses japanische Handwerk.

Ouchi-Lackwaren

Die Ouchi-Lackkunst entstand dank der Bemühungen des Kriegsherrn Ouchi Hiroyo (1325–1380) in der Präfektur Yamaguchi (山口県). In dem Bemühen, seine Besitztümer in einen Anschein der damaligen Hauptstadt Kyoto (京都) zu verwandeln, lud er aktiv verschiedene Meister und Handwerker ein, wodurch die Kombination der Fähigkeiten und Ideen der Kyotoer Handwerker mit lokalen Traditionen entstand zu einer neuen einzigartigen Kultur.

Kishu-Lackwaren

Um das 14.-16. Jahrhundert. Buddhistische Mönche im Negoroji-Tempel (im Gebiet der modernen Stadt Iwade (岩出市), Präfektur Wakayama (和歌山県) begannen mit der Herstellung lackierter Gebrauchsgegenstände – Essstäbchen, Tabletts und Schüsseln als religiöse Gegenstände – Gegenstände für Gebete und Mantras. Da die Handwerkskunst an einigen Stellen nicht perfekt war, gab es Flecken auf den fertigen Gegenständen. besonderer Stil Produkte erhielten den Namen Negoro. Im 17. Jahrhundert erlangten die Lackwaren der Mönche mit Unterstützung der Behörden der Kishu-Domäne Berühmtheit und der Name dieses Gebiets wurde ihnen zugewiesen.

Lackierte Wakasa-Stäbe

Diese lackierten Küchenutensilien werden in Obama City (小浜市) in der Präfektur Fukui (福井県) hergestellt. Mehr als 80 % aller lackierten Essstäbchen in Japan werden hier hergestellt. Solche Zauberstäbe von außergewöhnlicher Schönheit und Anmut sind im Land der aufgehenden Sonne ein beliebtes Hochzeitsgeschenk.

Odawara-Lackwaren

Präfektur Kanagawa (神奈川県). Diese Art der Lackkunst geht auf die Kamakura-Zeit (1185–1333) zurück, als der starke und einflussreiche Hojo-Clan die Entwicklung des Handwerks aktiv förderte und die Stadt Odawara (小田原市) zu einem Zentrum der Lackproduktion machte. Während der Edo-Ära (1603–1868) wurden große Mengen solcher Gegenstände nach Edo (dem heutigen Tokio) exportiert – Schalen, Tabletts und sogar lackierte Rüstungen.

Kagawa-Lackwaren

Präfektur Kagawa (香川県). Im Jahr 1638 kam Daimyō Yorishige Matsudaira im Auftrag des Shogunats an diese Orte. Er zeichnete sich durch seine Liebe zu Lackarbeiten und Skulpturen aus und begann, diese Art von dekorativer und angewandter Kunst in seinem Bereich zu entwickeln. Zwei Jahrhunderte später erlangten Kagawa-Lackwaren dank der Arbeit des Meisters Tsukoku Tamakaji (1807-1869) im ganzen Land Berühmtheit. Der Einsatz spezieller Schleif- und Polierverfahren verleiht den Produkten einen außergewöhnlichen Glanz.

Wajima-Lackwaren

Präfektur Ishikawa (石川県). Das älteste erhaltene Beispiel dieser Art von Kunst ist das lackierte Tor des Shigezo-Tempels in der Stadt Wajima (輪島市), das um 1397 erbaut wurde. Während der Edo-Zeit (1603–1868) wurde Zinoko-Pulver aus zerkleinertem gebranntem Ton erfunden, das diese Lackwaren unglaublich langlebig machte, was ihre Nachfrage in der Bevölkerung stark beeinflusste.

Aizu-Lackwaren

Aizu-Kunsthandwerk ist eine der traditionellen Künste der Präfektur Fukushima (福島県). Die Entstehung dieses Handwerks geht auf das Jahr 1590 zurück, als der örtliche Feudalherr Gamo Ujisato begann, Handwerker aus seinen früheren Besitztümern zusammenzurufen und ihnen dann die neuesten Handwerkstechniken der damaligen Zeit weiterzugeben. Dadurch wurde Aizu zu einem der größten Hersteller von Lackwaren. Durch die Ausweitung der Produktion ergab sich die Möglichkeit, Produkte nach China und Holland zu exportieren, wodurch die Region auch in anderen Ländern bekannt wurde.

Tsugaru-Lackwaren

Tsugaru ist der Name des westlichen Teils der Präfektur Aomori (青森県). Die Tsugaru-Lackkunst entstand im 17. und 18. Jahrhundert, als während der Edo-Zeit die industrielle Entwicklung in den Städten gefördert wurde. Der Tsugaru-Stil entstand als Ergebnis dieses Aufstiegs, als die Handwerker und Kunsthandwerker der Region Anreize und Gelegenheit dazu erhielten weitere Entwicklung deine Fähigkeiten. Bei der Herstellung von Produkten wird noch immer die Methode angewendet, die vor mehr als 300 Jahren angewendet wurde.

Wir haben uns mehrere Grundstile japanischer Lackkunst angesehen. Zweifellos gibt es noch viel mehr davon und viele werden durch neue Techniken ergänzt und verbessert.

Das japanische Handwerk zur Herstellung von Lackwaren entstand in der Antike und hat bis heute überlebt und ist eine der elegantesten, harmonischsten und spektakulärsten Formen der dekorativen und angewandten Kunst der Welt. Dies ist einer von Kulturelle Traditionen, ohne Berücksichtigung dessen, was wir nicht in der Lage sein werden, die Vision der Welt vollständig zu erfassen, Ästhetische Prinzipien und der Charakter des japanischen Volkes.

Für eine unerfahrene Person kann es zunächst schwierig sein, alle Arten von lackierten Produkten zu verstehen. Daher ist es besser, in die Geschäfte zu gehen, in denen sie verkauft werden, sie sich persönlich anzusehen, mit dem Verkäufer zu plaudern und, wenn Sie etwas für sich und Ihre Freunde als Geschenk kaufen möchten, einen Artikel nach Ihrem Geschmack auszuwählen.

Wenn Sie vorhaben, das Land der aufgehenden Sonne zu besuchen, könnten unsere Kurse für Sie nützlich sein: Schauen Sie vorbei und melden Sie sich gleich an!

Hat sehr reiche Vergangenheit; Seine Tradition ist umfangreich und Japans einzigartige Stellung in der Welt hat großen Einfluss auf die vorherrschenden Stile und Techniken japanischer Künstler. Bekannte Tatsache Dass Japan viele Jahrhunderte lang ziemlich isoliert war, liegt nicht nur an der Geographie, sondern auch an der vorherrschenden kulturellen Tendenz Japans zur Isolation, die die Geschichte des Landes geprägt hat. Im Laufe der Jahrhunderte dessen, was wir als „japanische Zivilisation“ bezeichnen könnten, entwickelten sich Kultur und Kunst getrennt von denen im Rest der Welt. Und das macht sich sogar in der Praxis bemerkbar Japanische Malerei. Nihonga-Gemälde zählen beispielsweise zu den Hauptwerken der japanischen Malpraxis. Es basiert auf einer über tausendjährigen Tradition und die Gemälde werden meist mit Pinseln auf Vashi (japanisches Papier) oder Egina (Seide) gemalt.

Dennoch, japanische Kunst und Malerei wurden von ausländischen Einflüssen beeinflusst künstlerische Praktiken. Erstens war es chinesische Kunst im 16. Jahrhundert und Chinesische Kunst und die chinesische Kunsttradition, die in mehrfacher Hinsicht besonders einflussreich war. Ab dem 17. Jahrhundert wurde auch die japanische Malerei von westlichen Traditionen beeinflusst. Insbesondere in der Vorkriegszeit, die von 1868 bis 1945 dauerte, wurde die japanische Malerei vom Impressionismus beeinflusst Europäische Romantik. Gleichzeitig wurden auch neue europäische Kunstbewegungen maßgeblich von Japanern beeinflusst künstlerische Techniken. In der Kunstgeschichte wird dieser Einfluss als „Japanismus“ bezeichnet und ist insbesondere für die Impressionisten, Kubisten und Künstler der Moderne von Bedeutung.

Die lange Geschichte der japanischen Malerei kann als Synthese mehrerer Traditionen betrachtet werden, die Teile einer anerkannten japanischen Ästhetik hervorbringen. Erstens haben buddhistische Kunst und Malmethoden sowie religiöse Malerei die Ästhetik japanischer Gemälde maßgeblich geprägt. Wassertuschemalerei von Landschaften in der chinesischen Tradition literarische Malerei- ein weiteres wichtiges Element, das in vielen berühmten japanischen Gemälden bekannt ist; Die Malerei von Tieren und Pflanzen, insbesondere Vögeln und Blumen, wird normalerweise mit japanischen Kompositionen in Verbindung gebracht, ebenso wie Landschaften und Szenen aus Japan Alltagsleben. Endlich, großer Einfluss Die japanische Malerei hatte alte Vorstellungen von Schönheit aus der Philosophie und Kultur des alten Japan. Wabi, was vergängliche und raue Schönheit bedeutet, Sabi (die Schönheit der natürlichen Patina und des Alterns) und Yugen (tiefe Anmut und Subtilität) beeinflussen weiterhin die Ideale in der Praxis der japanischen Malerei.

Wenn wir uns schließlich auf die Auswahl der zehn berühmtesten japanischen Meisterwerke konzentrieren, müssen wir Ukiyo-e erwähnen, eine der beliebtesten Kunstgattungen in Japan, obwohl sie zur Druckgrafik gehört. Es dominierte die japanische Kunst vom 17. bis 19. Jahrhundert. Künstler dieses Genres schufen Holzschnitte und Gemälde zu Themen wie schönen Mädchen, Kabuki-Schauspielern und Sumo-Ringern sowie Szenen aus der Geschichte und der Geschichte Volksmärchen, Reiseszenen und Landschaften, Flora und Fauna und sogar Erotik.

Es ist immer schwierig, eine Liste zu erstellen beste Gemälde aus künstlerischen Traditionen. Viele erstaunliche Werke werden ausgeschlossen; Diese Liste enthält jedoch zehn der bekanntesten japanischen Gemälde der Welt. In diesem Artikel werden nur Gemälde vorgestellt, die vom 19. Jahrhundert bis heute entstanden sind.

Die japanische Malerei hat eine äußerst reiche Geschichte. Seit Jahrhunderten Japanische Künstler entwickelte eine Vielzahl einzigartiger Techniken und Stile, die Japans wertvollsten Beitrag zur Welt der Kunst darstellen. Eine dieser Techniken ist Sumi-e. Sumi-e bedeutet wörtlich „Tuschezeichnung“ und kombiniert Kalligraphie und Tuschemalerei, um eine seltene Schönheit pinselgezeichneter Kompositionen zu schaffen. Diese Schönheit ist paradox – alt und doch modern, einfach und doch komplex, kühn und doch zurückhaltend und spiegelt zweifellos die spirituelle Grundlage der Kunst im Zen-Buddhismus wider. Im sechsten Jahrhundert brachten buddhistische Priester aus China feste Tuscheblöcke und Bambuspinsel nach Japan, und in den letzten 14 Jahrhunderten hat Japan ein reiches Erbe der Tuschemalerei entwickelt.

Scrollen Sie nach unten und sehen Sie sich 10 japanische Meisterwerke der Malerei an

1. Katsushika Hokusai „Der Traum der Frau des Fischers“

Eines der bekanntesten japanischen Gemälde ist „Der Traum der Frau des Fischers“. Es wurde 1814 vom berühmten Künstler Hokusai gemalt. Nach strenger Definition kann dieses erstaunliche Werk von Hokusai nicht als Gemälde betrachtet werden, da es sich um einen Holzschnitt des Ukiyo-e-Genres aus dem Buch Young Pines (Kinoe no Komatsu) handelt, einem dreibändigen Shunga-Buch. Die Komposition zeigt einen jungen Ama-Taucher, der sexuell mit einem Krakenpaar umschlungen ist. Dieses Bild war im 19. und 20. Jahrhundert sehr einflussreich. Das Werk beeinflusste spätere Künstler wie Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff und Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro schreibt ein nostalgisches Gedicht, während er den Mond beobachtet“

Tessai Tomioka ist das Pseudonym eines berühmten japanischen Künstlers und Kalligraphen. Er gilt als der letzte große Künstler der Bunjing-Tradition und als einer der ersten großen Künstler des Nihonga-Stils. Bunjinga war eine Schule japanischer Malerei, die in der späten Edo-Ära unter Künstlern florierte, die sich als Literaten oder Intellektuelle betrachteten. Jeder dieser Künstler, einschließlich Tessaya, entwickelte seinen eigenen Stil und seine eigene Technik, aber sie alle waren große Fans davon chinesische Kunst und Kultur.

3. Fujishima Takeji „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“

Fujishima Takeji war ein japanischer Künstler, der für seine Arbeit zur Entwicklung der Romantik und des Impressionismus in der Yoga-Kunstbewegung (westlicher Stil) des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts bekannt war. 1905 reiste er nach Frankreich, wo er von den französischen Strömungen der Zeit, insbesondere dem Impressionismus, beeinflusst wurde, wie in seinem Gemälde „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“ aus dem Jahr 1932 zu sehen ist.

4. Kitagawa Utamaro „Zehn Arten weiblicher Gesichter, eine Sammlung herrschender Schönheiten“

Kitagawa Utamaro war ein bekannter japanischer Künstler, der 1753 geboren wurde und 1806 starb. Am bekanntesten ist er sicherlich für eine Serie mit dem Titel „Zehn Arten von Frauengesichtern“. Eine Sammlung dominanter Schönheiten, große Liebesthemen der klassischen Poesie“ (manchmal auch „Frauen in der Liebe“ genannt, enthält separate Stiche „Naked Love“ und „Thoughtful Love“). Er ist einer der bedeutendsten Künstler des Ukiyo-e-Holzschnitt-Genres.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai war einer der berühmtesten japanischen Künstler der Edo-Zeit. Seine Kunst wurde von der Arbeit von Tohaku beeinflusst, einem Künstler der Kano-Schule aus dem 16. Jahrhundert, der als einziger Künstler seiner Zeit Bildschirme vollständig mit Tinte auf einen zarten Hintergrund aus pulverisiertem Gold malte. Obwohl Kyosai als Cartoonist bekannt ist, hat er einige der bekanntesten Cartoons geschrieben Berühmte Gemälde in der japanischen Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts. „Tiger“ ist eines dieser Gemälde, die Kyosai mit Aquarell und Tusche geschaffen hat.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji vom Kawaguchi-See“

Hiroshi Yoshida gilt als eine der Hauptfiguren des Shin-hanga-Stils (Shin-hanga ist eine künstlerische Bewegung in Japan im frühen 20. Jahrhundert, während der Taisho- und Showa-Zeit, die wieder auflebte). traditionelle Kunst Ukiyo-e, das in der Edo- und Meiji-Zeit (17.-19. Jahrhundert) Wurzeln schlug. Er lernte in der Tradition der westlichen Ölmalerei, die während der Meiji-Zeit aus Japan übernommen wurde.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami ist wahrscheinlich der beliebteste japanische Künstler unserer Zeit. Seine Werke erzielen auf großen Auktionen astronomische Preise und seine Arbeiten inspirieren bereits neue Generationen von Künstlern nicht nur in Japan, sondern auch im Ausland. Murakamis Kunst umfasst eine Reihe von Medien und wird üblicherweise als superflach beschrieben. Seine Arbeit ist bekannt für die Verwendung von Farben, die Motive aus der japanischen Tradition und der traditionellen japanischen Kunst einbeziehen Popkultur. Der Inhalt seiner Bilder wird oft als „niedlich“, „psychedelisch“ oder „satirisch“ beschrieben.

8. Yayoi Kusama „Kürbis“

Yaoi Kusama ist auch einer der bekanntesten japanischen Künstler. Sie kreiert in einer Vielzahl von Medien, darunter Malerei, Collage, Scat-Skulptur, Performance, Umweltkunst und Installation, von denen die meisten ihr thematisches Interesse an psychedelischen Farben, Wiederholungen und Mustern zeigen. Eine der bekanntesten Serien dieses großen Künstlers ist die „Pumpkin“-Serie. Mit einem Tupfenmuster bedeckt, präsentiert sich ein regelmäßiger Kürbis in leuchtendem Gelb vor einem Netzhintergrund. Zusammen bilden alle diese Elemente eine visuelle Sprache, die unverkennbar dem Stil des Künstlers entspricht und über Jahrzehnte sorgfältiger Produktion und Reproduktion entwickelt und verfeinert wurde.

9. Tenmyoya Hisashi „Japanischer Geist Nr. 14“

Tenmyoya Hisashi ist ein zeitgenössischer japanischer Künstler, der für seine Neo-Nihonga-Gemälde bekannt ist. Er beteiligte sich an der Wiederbelebung der alten Tradition der japanischen Malerei, die das komplette Gegenteil der modernen japanischen Malerei darstellt. Im Jahr 2000 gründete er auch sein eigenes ein neuer Stil Butouha, der eine starke Haltung gegenüber Autoritäten an den Tag legt künstlerisches System durch seine Gemälde. „Japanese Spirit No. 14“ entstand als Teil des künstlerischen Schemas „BASARA“, das in der japanischen Kultur als das rebellische Verhalten der niederen Aristokratie während der Zeit der Streitenden Reiche interpretiert wird, um den Machthabern die Fähigkeit zu verweigern, etwas zu erreichen ideales Bild Leben, kleiden sich in üppige und luxuriöse Kleidung und handeln aus freiem Willen, nicht im Einklang mit ihrer sozialen Klasse.

10. Katsushika Hokusai „Die große Welle vor Kanagawa“

Endlich, " Eine große Welle in Kanagawa“ ist wahrscheinlich das bekannteste japanische Malerei jemals geschrieben. Das ist eigentlich das Meiste berühmtes Werk Kunst, die in Japan geschaffen wurde. Es zeigt große Wellen bedrohliche Boote vor der Küste der Präfektur Kanagawa. Obwohl die Welle manchmal mit einem Tsunami verwechselt wird, ist sie, wie der Titel des Gemäldes vermuten lässt, höchstwahrscheinlich einfach ungewöhnlich hoch. Das Gemälde ist in der Ukiyo-e-Tradition gefertigt.

Japan ist ein sehr interessanter Staat, bekannt für eine große Vielfalt an Traditionen und Bräuchen. Geographische Lage Das Land der aufgehenden Sonne isolierte es etwas von anderen Staaten und entwickelte sich dadurch ohne Rücksicht auf europäische Länder. Die Kultur Japans ist äußerst reich und vielfältig. Unter dem Einfluss der Geschichte entstanden eigenartige japanische Traditionen wichtige Ereignisse. Allmählich entwickelte sich Japan zu einem mächtigen, vereinten Staat Charaktereigenschaften und eine gewisse Mentalität der Bevölkerung.

Grundlegende Aspekte der japanischen Kultur

Die Kultur des Landes manifestiert sich in vielen Bereichen der Gesellschaft. In Japan sind seine Aspekte;

Für die Japaner ist das Teetrinken keine einfache Befriedigung der physiologischen Bedürfnisse des Körpers, sondern ein echter Kult. Die Teezeremonie in Japan wird von besonderen Attributen begleitet und enthält viele Traditionen. Eine solch ehrfürchtige Haltung gegenüber dem alltäglichen Prozess scheint ihren Ursprung in der Meditation buddhistischer Mönche zu haben. Sie haben dem Prozess des Teetrinkens so viel Bedeutung verliehen.

Für Europäer prägt der Begriff „Kimono“ die Nationalkleidung Japans. Im Land der aufgehenden Sonne selbst gibt es jedoch zwei Bedeutungen dieses Wortes – im engeren und im engeren Sinne Im weitem Sinne. Das Wort „Kimono“ bezieht sich in Japan nicht nur auf die Nationaltracht, sondern auf alle Kleidungsstücke im Allgemeinen. Unter dem Kimono werden in der Regel ein besonderes Gewand und sieben Gürtel getragen. Der im Sommer getragene Kimono heißt Yukata. Je nach Alter der Frau kann das Kleidungsmodell variieren.

In Japan werden zwei religiöse Bewegungen gleichzeitig erfolgreich gepredigt – Shintoismus und Buddhismus. Der Shintoismus entstand im alten Japan; er basiert auf der Verehrung verschiedener Kreaturen. Der Buddhismus wiederum ist in mehrere Spielarten unterteilt. In Japan gibt es viele Schulen, die die eine oder andere Richtung des Buddhismus fördern.

Steingärten sind für die japanische Kultur von besonderer Bedeutung. Sie sind nicht nur eine architektonische Schöpfung, die die Aufmerksamkeit von Touristen auf sich zieht, sondern auch ein Ort spirituellen Wachstums. Hier finden die Japaner Erleuchtung durch die Betrachtung von Steinstrukturen, die in einer besonderen Reihenfolge angeordnet sind. Steingärten haben ein spezifisches Design, das nur ein aufgeklärter Mensch entschlüsseln kann.

Tango no Sekku ist ein Fest der Jungen. Es ist nicht nur allen kleinen männlichen Vertretern gewidmet, sondern auch der Männlichkeit und Stärke des gesamten japanischen Volkes. Es ist üblich, den Feiertag im Frühling zu feiern, wenn die Natur erwacht und sich mit ihrer Schönheit erfreut. Am Tango no Sekku-Tag werden Jungen von ihren Eltern betreut. Ein Vater muss seinem Sohn alles erzählen Japanische Krieger und ihre Heldentaten. Und seine Mutter deckt ihm den Tisch mit leckerem Essen.

Kirschblüten gelten als das schönste Naturphänomen. Viele Touristen kommen hierher, um die Betrachtung einer blühenden Pflanze zu genießen. Im Frühling sind in japanischen Parks große Menschenmengen zu beobachten. Viele Familien machen Picknicks und beobachten die Schönheit japanischer Kirschbäume.

Zu den einzigartigen Traditionen des Landes gehört das Verbeugen. Sie repräsentieren die Regeln gute Manieren. Es ist nicht üblich, dass sich die Japaner verabschieden; stattdessen verbeugen sie sich genauso oft wie der Gesprächspartner.

Samurai stellen eine bestimmte Gesellschaftsschicht dar, die unter dem Einfluss von Traditionen und Bräuchen entstanden ist. Es hat einen direkten Bezug zur Kultur des Landes. Samurai sind Krieger, die einen bestimmten Dienst verrichten, der militärischer, sicherheitsbezogener oder häuslicher Natur sein kann. In jedem dieser Fälle verkörpern Samurai den Mut, die Männlichkeit und den Adel des japanischen Volkes.

Der Entstehungsprozess der Kultur des alten Japan

Mit der Entstehung der japanischen Sprache und Schrift begann sich die Kultur des alten Japan zu entwickeln. Die Grundlage dafür hat das Land der aufgehenden Sonne von China übernommen. Die japanische Schrift enthält auch Hieroglyphen, die ein ausländischer Staatsbürger nicht verstehen kann. Im Laufe der Zeit wurden der japanischen Sprache neue Wörter, Laute und Phrasen hinzugefügt. Er war jedoch völlig verwandelt Gemeinsamkeiten mit China ist noch nachvollziehbar.

Auch die Religiosität des Landes hat ihren Ursprung alte Jahrhunderte. Der Shintoismus war eine Folge der Entwicklung verschiedener Mythologien. An dieser Moment Diese Doktrin fördert den Kult der Führer und Toten. Der Buddhismus hat so tiefe Wurzeln, dass die Meinungen von Wissenschaftlern und Historikern über die Entstehung dieser Art von Religion sehr unterschiedlich sind.

Japanische Kunst

Fast alle in Japan praktizierten Kunstarten haben eine Grundidee: Ruhe und Entspannung. Es ist gerade die Harmonie des Menschen mit sich selbst, die Kunst ausmacht, unabhängig von der Art und Weise der Informationsvermittlung. Viele weltweit bekannte Kunstformen begannen ihre Entwicklung in Japan. Unter ihnen können wir Origami hervorheben – die Fähigkeit, verschiedene Formen aus Papier zu falten.

Ein weiterer beliebter Teil der japanischen Kunst ist Ikebana. Dabei handelt es sich um die Kunst, mit einer speziellen Technologie Blumensträuße zu formen. Von hier aus entstand eine ebenso beliebte Aktivität namens Bonsai. Dies ist die Schaffung verschiedener Kompositionen aus Zwergbäumen. In Omiya, nicht weit von Tokio entfernt, gibt es einen ganzen Bonsai-Park. Jeder hier vorgestellte Zwergbaum ist auf seine Art einzigartig und schön.

Die japanische Malerei verdient besondere Bedeutung, da jedes Gemälde etwas mit sich bringt versteckte Bedeutung. Als Design kommen in der Regel leuchtende Farben, kontrastreiche Übergänge und klare Linien zum Einsatz. Japan hat auch die Kunst der Kalligraphie. Dies ist die Fähigkeit, Hieroglyphen ästhetisch schön zu schreiben. Auch angewandte Kunst ist in Japan weit verbreitet. In Tokio gibt es ein ganzes Museum, das diesem Handwerk gewidmet ist. Hier sehen Sie Produkte aus Papier, Glas oder Metall. Und dies ist keine vollständige Liste der für diesen Zweck verwendeten Materialien.

Besondere Aufmerksamkeit verdient auch der japanische Einrichtungsstil. Es umfasst Funktionalität und Einfachheit sowie Originalität in der Ausführung. Darüber hinaus trägt die Innenarchitektur wie jede andere Form japanischer Kunst eine religiöse Philosophie.

Architektur Japans

Architektonische Strukturen werden in Japan auf die eine oder andere Weise mit Religion in Verbindung gebracht. Anfangs gab es in den Tempelgebäuden meist keine Blumen. Dies war auf die Verwendung von unlackiertem Holz im Bauwesen zurückzuführen. Später begannen sie, Rot- und Blautöne zu verwenden.

Hauptmaterial für architektonische Gebäude in Japan gilt er als Baum. Dies liegt daran, dass die Reserven dieser Ressource im Land recht groß sind. Abgesehen davon, dass Holz Wärme gut leitet und Feuchtigkeit aufnimmt, ist es auch praktisch bei Erdbeben, die in Japan recht häufig vorkommen. Wenn es sehr schwierig ist, ein Steinhaus nach der Zerstörung wiederherzustellen, ist es mit einem Holzhaus viel einfacher.

Das Hauptmerkmal der japanischen Architektur ist das Vorhandensein glatter geometrischer Formen. Am häufigsten sind dies Dreiecke und Rechtecke. Es ist fast unmöglich, in irgendeiner Struktur glatte und runde Linien zu finden. Hauptprinzip, auf deren Grundlage die Japaner ihre Häuser einrichten – die untrennbare Existenz des Inneren des Hauses und des Äußeren. Dies gilt für japanische Gärten. Sie sollten genau im gleichen Stil wie das Haus selbst dekoriert sein. Andernfalls gilt es als schlechte Form und völliger schlechter Geschmack. Die Japaner legen besonderen Wert auf ihre Gärten.

japanische Musik

In Planung musikalische Entwicklung Japan schaute auf andere Länder, die welche nutzten Musikinstrumente. Später modernisierte sie sie jedoch unter dem Einfluss lokaler Geschmäcker und Traditionen. Der erste, der die Formation beeinflusste klassische Musik Japans lokale Folklore, Dengaku, vermischte sich mit ausländischen Einflüssen und brachte die Musik hervor, die heute in Japan bekannt ist.

Ihr Beitrag dazu musikalische Ursprünge Auch die religiöse Seite des Themas trug dazu bei. Dank des Christentums verbreitete sich das Orgelspiel. Und der Buddhismus förderte das Flötenspiel.

An momentan Klassische Musik erfreute sich in Japan zunehmender Beliebtheit. Viele Vertreter dieser kreativen Zelle reisen ins Ausland nach Japan. Dazu gehören Goto Midori, Ozawa Seiji und Uchida Mitsuko. Vor relativ kurzer Zeit wurden in Japan Säle eröffnet, in denen man bequem klassische Musik hören kann. Dazu gehören die Kiyo Hall, die Osaka Symphony Hall, der Orchard usw.

Haushaltstraditionen Japans

Die Japaner sind ein wohlerzogenes Volk, das seine Traditionen und Bräuche achtet. Der respektvolle Umgang mit sich selbst und anderen gilt in Japan als Norm. Von Kindheit an werden den Kindern gute Manieren beigebracht, ihnen werden die Grundwerte des japanischen Volkes erklärt und sie werden auf jede erdenkliche Weise erzogen. Und das alles kommt der Gesellschaft zugute. Jeder Tourist, der aus einem anderen Land in das Land der aufgehenden Sonne kommt, ist überrascht, wie freundlich, freundlich und wohlerzogen die Japaner sind.

Im Gegensatz zu europäische Länder In Japan gilt seit langem ein Rauchverbot an öffentlichen Orten. Dies gilt auch für Privatgrundstücke. Das Rauchen in der Nähe anderer Personen ist nur mit deren Einverständnis gestattet.

Unter anderem halten sich die Japaner strikt an alle Hygieneregeln, die ihnen die Gesellschaft vorschreibt. Beispielsweise gibt es in jedem Raum, auch in religiösen Gebäuden, spezielle Strohmatten. Man kann sie nicht mit Schuhen betreten, sie gelten nicht nur als Innendekoration, sondern auch als echtes Sakrileg. Außerdem beschlossen die Japaner, sich vor möglichen Bakterien zu schützen, die sie von der Toilette an ihren Füßen tragen. auf jeden öffentlicher Platz und Wohnungen verfügen über spezielle Toilettenpantoffeln, die verhindern, dass schädliche Keime in andere Räume übertragen werden.

Für die Japaner ist Essen kein Lebensvorgang, sondern ein echter Kult. Vor dem Essen wischen die Japaner ihre Hände immer mit einem speziellen, mit Wasser angefeuchteten Handtuch ab, das Oshibori genannt wird. Das Gedecken des Tisches erfolgt nicht in beliebiger Reihenfolge, sondern nach einem speziellen Muster. Auch jedes Gerät hat seinen Platz. Die Japaner teilen sie in Männer und Frauen ein, und das ist ihnen sehr wichtig. In Japan werden Löffel nur zum Essen von O-Zoni-Suppe verwendet, die für das neue Jahr zubereitet wird. Die restlichen ersten Gänge trinken die Japaner am liebsten ausschließlich aus speziellen Schüsseln. Darüber hinaus gilt es nicht als schlechtes Benehmen, während des Essens mit den Lippen zu schmatzen. Es wird angenommen, dass auf diese Weise der Geschmack des Gerichts besser zur Geltung kommt.

Die Relevanz guter Manieren in Japan wird durch die folgenden Regeln belegt:

• Es ist notwendig, Ort und Zeit des Treffens im Voraus zu besprechen. In Japan gilt Verspätung als Unverschämtheit, die über die Grenzen des Anstands hinausgeht.
• Sie können Ihren Gesprächspartner nicht unterbrechen; Sie müssen geduldig warten, bis die Person sich zu Wort meldet, und dann beginnen, Ihre Meinung zu äußern.
• Wenn Sie die falsche Nummer anrufen, müssen Sie sich entschuldigen.
• Wenn Ihnen jemand zu Hilfe gekommen ist, müssen Sie ihm auf jeden Fall danken.
• Einige Gäste der Japaner gelten möglicherweise als Ehrengäste. Ihnen wird sogar ein besonderer Platz am Tisch zugewiesen, der sich in der Regel am weitesten vom Eingang des Raumes entfernt befindet.
• Wenn Sie Japanern ein Geschenk machen, sollten Sie sich für Ihre Bescheidenheit entschuldigen, ungeachtet dessen, was es darstellt. Das sind die Regeln, sie sollten nicht gebrochen werden.
• Während Männer am Esstisch sitzen, können sie ihre Beine übereinander schlagen, Frauen ist dies jedoch strengstens untersagt. Die Beine sollten angezogen sein und in eine Richtung zeigen.

Zu den Traditionen im japanischen Alltag gehört auch die Verehrung älterer Menschen. Es spielt keine Rolle, welchen Beruf, welches Einkommen, welches Aussehen oder welche Charaktereigenschaften eine Person hat, wenn sie älter ist, muss sie mit Respekt behandelt werden. Das Alter ruft in Japan Respekt und Stolz hervor. Dies bedeutet, dass die Person bestanden hat Langstrecke und jetzt verdient er Ehre.

Helfen Sie der Seite: Drücken Sie die Tasten

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der Ukiyo-e-Stil war in der japanischen Malerei immer noch vorherrschend. Im Jahr 1868, nach der Meiji-Revolution und der Öffnung der Grenzen, wurden Errungenschaften in Japan leichter zugänglich westliche Zivilisation, und Ukiyo-e kommt allmählich aus der Mode und wird durch Fotografie ersetzt.
Aber das Wichtigste zuerst.

Ukiyo-e-Stil

Ukiyo-e(Japanische Gemälde (Bilder) der sich verändernden Welt) – eine Richtung in der bildenden Kunst Japans. Ursprünglich wurde dieser buddhistische Begriff in der Bedeutung „die sterbliche Welt, das Tal des Kummers“ verwendet. Doch in der Edo-Ära, mit dem Aufkommen speziell ausgewiesener Stadtviertel, in denen das Kabuki-Theater blühte und sich die Häuser von Geishas und Kurtisanen befanden, wurde der Begriff neu interpretiert und als „die Welt der flüchtigen Freuden“ verstanden Welt der Liebe."
Ukiyo-e-Drucke sind die wichtigste Holzschnittart in Japan. Diese Kunstform wurde in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in der städtischen Kultur populär. Der Gründer von Ukiyo-e ist ein japanischer Maler und Grafiker. Hishikawa Moronobu.

H. Moronobu „Herbst in Asakusa. Blühende Kirsche im Ueno-Park.“ Bildschirmmalerei. Freer Gallery (Washington)
Ursprünglich waren die Gravuren schwarz-weiß und mit Tinte angefertigt. Vom Anfang des 18. Jahrhunderts. einige Werke wurden von Hand mit dem Pinsel bemalt.
Ukiyo-e-Drucke waren hauptsächlich für Stadtbewohner gedacht, die sich teurere Gemälde nicht leisten konnten.
Die Themen von Ukiyo-e sind Bilder des Alltags: wunderschöne Geishas, ​​Sumo-Ringer, beliebte Kabuki-Schauspieler und später Landschaftsdrucke.

Katsushika Hokusai „Die große Welle vor Kanagawa“ (1823-1831)
In der Zeit des 18. bis 19. Jahrhunderts. berühmte Künstler es gab Utamaro, Hokusai, Hiroshige und Toshusai Sharaku.
Zu einer Zeit, als der Ukiyo-e-Stil in Japan aus der Mode zu geraten begann, gewann er in Japan an Popularität Westeuropa und Amerika beginnen Kunstkritiker, Gravuren massenhaft zu kaufen.
Japanische Drucke inspirierten viele europäische Künstler, die im Stil des Kubismus, Impressionismus, Postimpressionismus arbeiteten: Vincent van Gogh, Claude Monet usw. Dieser Einfluss wurde „Japanismus“ genannt.

Vincent van Gogh „Porträt von Pater Tanguy“ (1887-1888). Leinwand, Öl. Rodin-Museum (Paris)

Berühmte Ukiyo-e-Künstler:

Hishikawa Moronobu (17. Jahrhundert)
Kitagawa Utamaro (18. Jahrhundert)
Kawanabe Kyosai (19. Jahrhundert)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX Jahrhundert)
Utagawa Hiroshige (19. Jahrhundert)
Utagawa Kunisada (19. Jahrhundert)
Utagawa Kuniyoshi (19. Jahrhundert)
Keisai Eisen (19. Jahrhundert)
Suzuki Harunobu (19. Jahrhundert)
Toyohara Kunitika (19. Jahrhundert)
Tsukioka Yoshitoshi (19. Jahrhundert)
Ogata Gekko (XIX-XX Jahrhundert)
Hasui Kawase (XX Jahrhundert)

Schauen wir uns die Kreativität einiger von ihnen an.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. Selbstporträt
Berühmter japanischer Ukiyo-e-Künstler, Illustrator und Graveur. Er arbeitete unter vielen Pseudonymen (mindestens 30). Er stammte aus einer Handwerkerfamilie und begann im Alter von 6 Jahren mit dem Zeichnen. Während er in einer Buchhandlung arbeitete, lernte er Lesen und Schreiben. Anschließend arbeitete er in einer Graveurwerkstatt – die Gravur war damals in Japan sehr beliebt.
1793-1794. Das unabhängige Leben des Künstlers beginnt, materiell recht schwierig, aber reich an Kunst – er studiert verschiedene Schulen Gemälde: Kano-Schule (Landschaften, Bilder von Vögeln und Tieren, Alltagsszenen; sie verzierten die Türen von Schiebewänden mit Mustern); Sotatsu-Schule (Darstellung des täglichen Lebens der Japaner und Japanische Landschaften an Schiebetüren). Nach und nach beginnt der Künstler, seinen eigenen Stil zu entwickeln.
Im Jahr 1796 begann der Künstler, das Pseudonym Hokusai zu verwenden, das später weithin bekannt wurde. Im Jahr 1800, im Alter von 41 Jahren, begann der Künstler, sich Gakejin Hokusai („Verrückter Hokusai der Malerei“) zu nennen.
Der Künstler begreift das Bild der Welt durch das Bewusstsein um die Bedeutung und den besonderen Wert des Alltagslebens der Menschen, ihrer Arbeit und Sorgen. Das Leben der Natur, seine Bedeutung und Schönheit in den Landschaften von Hokusai werden nur durch die Anwesenheit von Menschen in ihnen verständlich, die mit ihren alltäglichen Angelegenheiten beschäftigt sind. Hokusai verbrachte den größten Teil seines Lebens damit, durch das Land zu reisen und alles zu zeichnen, was er sah. Hokusai war nicht nur als Kupferstecher bekannt, sondern auch als Schriftsteller, Dichter und Maler.
Er war der erste japanische Gravurkünstler, in dessen Werklandschaft die Bedeutung einer eigenständigen Gattung erlangte. Hokusais Landschaften fingen das lebendige und majestätische Erscheinungsbild der japanischen Natur ein.
Für meine lange Zeit künstlerische Tätigkeit Er schuf etwa 30.000 Zeichnungen und Stiche und illustrierte etwa 500 Bücher.
Die Blütezeit von Hokusais Werk reicht bis in die 1820er und frühen 1830er Jahre zurück. Zu dieser Zeit schuf er seine beste Landschaftsserie. Diese Serien verblüffen durch ihre Tiefe und ihren Reichtum. künstlerische Vision Hokusai - aus einem breiten philosophischen Verständnis des Weltbildes in der Serie „36 Ansichten des Berges Fuji“ (1823-1829), der die epische Erhabenheit der Natur in der Serie „Brücken“ (1823-1829) zeigt und ihr Elementarwesen bewundert von der Kraft in „Wasserfälle“ (1827-1830) bis zum subtilen lyrischen Naturerlebnis in der Serie „Dichter Chinas und Japans“ (1830).

Katsushika Hokusai „Südwind. Klarer Tag". Farbholzschnitt (1823-1831) aus der Serie „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“
Einer der meisten bedeutende Arbeit Hokusai, in dem die Originalität seiner Arbeit als Künstler-Denker am deutlichsten zum Vorschein kam, ist die Serie „36 Ansichten von Fuji“. Größere Anzahl Die Blätter dieser Serie stellen verschiedene Genreszenen dar: einen Fischer, der sein Netz auswirft; Sägewerksarbeiter, die in einem Holzlager arbeiten; ein Böttcher, der eine Wanne baut usw. Alle diese Szenen spielen in einer Landschaft mit dem Berg Fuji im Hintergrund.
Hokusais Werk rief zahlreiche Nachahmungen hervor; die Zahl seiner Schüler war sehr groß. Aber fast alle Anhänger des Künstlers zeichnen sich dadurch aus, dass sie nur die äußere Seite seiner kreativen Methode assimilieren.

Surimono

Surimono ist eine Art traditioneller japanischer Kunst, ein Farbholzschnitt, der der japanischen städtischen Intelligenz als Geschenk diente. Der Grund für ein solches Geschenk könnten Jubiläen, die Geburt eines Sohnes, der Beginn der Kirschblütenzeit oder das bevorstehende sein Neues Jahr usw. Die Surimono-Genres waren vielfältig: Darstellungen von Figuren, Darstellungen von Tieren, Blumen und Vögeln sowie Landschaften.
Das mit visuellen, poetischen und technischen Mitteln geschaffene Bild musste Integrität aufweisen. Surimono ist eine Kunst, ein Spiel, eine Art der Unterhaltung und Teil des Lebens der Stadtbewohner.

Katsushika Hokusai „Karpfen“ (Surimono)
Hokusais Beitrag zur zunehmenden Beliebtheit des Surimono ist großartig: Er macht es zur wichtigsten japanischen Holzschnittart.
Die Menschen in Hokusais Surimono „leben“. Vor dem Hintergrund einer Landschaft dargestellt, interagieren sie aktiv mit dieser: Sie verdecken mit den Händen ihre Augen vor der Sonne, zeigen auf die Wolken, blicken in die endlosen Weiten und drehen dem Betrachter manchmal sogar den Rücken zu.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

„Manga“ (japanisch wörtlich „Zeichnungen von Hokusai“) ist eines davon die wichtigsten Werke im kreativen Erbe des Künstlers, das er auf dem Höhepunkt seines Ruhms geschaffen hat. „Manga“ ist ein Ausdruck von Hokusais Ansichten über Kreativität, seiner Philosophie und enthüllt die Geheimnisse des Meisters; Es ist nicht nur als Meilenstein in Hokusais Leben wertvoll, sondern auch als wichtige Informationsquelle über die Kultur und Kunst des spätfeudalen Japans. Hokusais Manga wird oft als „Enzyklopädie des japanischen Volkes“ bezeichnet. Die meisten Zeichnungen zeigten Szenen aus dem Stadtleben und enthielten viele Skizzen von Menschen. Die Sammlung war ein Tagebuch, in dem der Meister alles, was er im Leben sah, in Form von Zeichnungen (kein Text) aufzeichnete.

Katsushika Hokusai „Betrachtung des Berges Fuji“ (1814) Manga
Hokusai hatte, wie die japanische Kunst im Allgemeinen, einen erheblichen Einfluss auf die europäische Kunst des 19. Jahrhunderts, einschließlich des französischen Impressionismus. Die Themen von Hokusais Drucken sind in den Werken von Claude Monet, Pierre Auguste Renoir und anderen präsent.
Der letzte bedeutende Vertreter der japanischen Druckgrafik der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. war der Landschaftsmaler Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige ist ein japanischer Grafiker, ein Vertreter der Ukiyo-e-Bewegung und ein Meister des Farbholzschnitts. Autor von nicht weniger als 5400 Stichen. In lyrischen Landschaften mit Genremotiven vermittelte er die instabilen Zustände der Natur, die atmosphärischen Wirkungen von Schnee und Nebel. Er arbeitete unter dem Pseudonym Ando Hiroshige.
Ich habe meinen Vater und meine Mutter früh verloren. Nachdem er die Werke von Hokusai gesehen hatte, begann er, bildende Kunst zu studieren.
Hiroshige war ein Schüler des Kupferstechers Utagawa Toyohiro (1763–1828). Das erste Werk, das Hiroshige Berühmtheit verschaffte, war die 1834 veröffentlichte Druckserie „53 Tokaido-Stationen“. Hiroshige führte Hokusais Landschaftsgenre fort und entwickelte es auf seine eigene Weise weiter.
Der Tokaido war eine von fünf Straßen, die Edo mit anderen Teilen Japans verbanden. Sie verlief entlang der Ostküste von Honshu. Entlang dieser befanden sich 53 Poststationen, an denen den Reisenden Unterkunft, Verpflegung und Ställe angeboten wurden.
Im Jahr 1832 reiste Hiroshige als Teil einer offiziellen Delegation, die Pferde für den kaiserlichen Hof transportierte, durch den Tokaido. Die Landschaften hinterließen einen starken Eindruck auf den Künstler und er fertigte viele Skizzen an. Nach seiner Rückkehr in die Heimat schuf er einen Zyklus von 53 Werken. Der Erfolg dieser Serie machte Hiroshige zu einem der bedeutendsten und anerkanntesten Meister der Druckgrafik.

A. Hiroshige. 1. Station: Shinogawa

A. Hiroshige. Station 30: Maisaka

A. Hiroshige. 32. Station: Shirasuka
Was Hiroshige an der natürlichen Schönheit der Natur anzieht, ist die Ausdruckskraft.
Hiroshiges Werk beendet die Periode der glänzenden Blüte japanischer Farbholzschnitte im 18. und der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Gravur 1850-1860. habe keine nominiert bedeutender Künstler Stilisierung und Eklektizismus kommen darin immer deutlicher zum Ausdruck.
Im Jahr 1868 gab es in Japan bürgerliche Revolution und in den 1880er Jahren wurde daraus eine Monarchie. Diese Ereignisse markierten den Beginn einer neuen Etappe in der Geschichte der japanischen Kunst, denn... Japan trat in das Weltsystem der kapitalistischen Länder ein. In dieser Zeit entstanden in der japanischen Kunst zahlreiche Schulen und Gruppen. Einige von ihnen haben den Weg des Masterings eingeschlagen Europäische Kunst, andere japanische Künstler (zum Beispiel Kuroda Kiyoteri (1866-1924)) gingen zum Studium nach Europa. Aber es gab auch solche, die die Reinheit nationaler Traditionen bewahren wollten.
Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. In der Kunst Japans gab es eine Zeit der Überarbeitung des Alten künstlerische Tradition, europäische Kunst beherrschen, nach etwas Neuem suchen, sowie eigener Weg Entwicklung.

Angewandte Kunst Japans

Der Aufschwung der japanischen angewandten Kunst begann im Jahr spätes XVI V. Im 19. Jahrhundert Holzschnitzerei, Knochenschnitzerei, Keramik und Porzellan verbreiteten sich.
Es sollte auch darüber gesagt werden Netsuke– Miniaturskulptur, ein Werk japanischer dekorativer und angewandter Kunst. Ein Netsuke ist ein kleiner geschnitzter Schlüsselanhänger, der an traditioneller japanischer Kleidung, dem Kimono und dem Kosode, verwendet wurde.

Netsuke stellt Hotei dar (Gott der Kommunikation, des Spaßes und des Wohlstands). Elfenbein, moderne Arbeit
Das erste Netsuke erschien in Japan in der zweiten Hälfte des 16. und frühen 17. Jahrhunderts. MIT Ende des 19. Jahrhunderts V. und das gesamte 20. Jahrhundert. Netsuke wurden für den Export hergestellt. Sie werden noch heute hergestellt. Dies sind Souvenirprodukte, die am Fließband hergestellt werden, nicht sehr Gute Qualität. Aber die Kunst des Netsuke ist nicht verschwunden. Auch heute noch gibt es Handwerker, deren Spezialität das Netsuke-Schnitzen ist.

Netsuke mit einem Geheimnis

Mit diesem Artikel beginne ich eine Artikelserie über die Geschichte der japanischen bildenden Kunst. Diese Beiträge konzentrieren sich hauptsächlich auf die Malerei ab der Heian-Zeit, aber dieser Artikel ist eine Einführung und beschreibt die Entwicklung der Kunst bis zum 8. Jahrhundert.

Jomon-Zeit
Japanische Kultur hat sehr alte Wurzeln – die frühesten Funde stammen aus dem 10. Jahrtausend v. e. aber offiziell wird der Beginn der Jomon-Zeit auf 4500 v. Chr. geschätzt. e. Über diesen Zeitraum nekokit Ich habe einen sehr guten Beitrag geschrieben.
Die Einzigartigkeit der Jomon-Keramik liegt in ihrem Aussehen und ihrer Entwicklung Landwirtschaft, weist auf den Beginn der Jungsteinzeit hin. Doch schon im Mesolithikum, mehrere tausend Jahre vor dem Aufkommen der Landwirtschaft, schufen Jomon-Jäger und -Sammler recht komplexe Töpferformen.

Trotz des sehr frühen Aufkommens von Töpferwaren entwickelten die Menschen der Jomon-Ära die Technologie sehr langsam und blieben auf dem Niveau der Steinzeit.

Während der Mittleren Jomon-Zeit (2500–1500 v. Chr.) tauchten Keramikfiguren auf. Aber sowohl in der Mittel- als auch in der Spätzeit (1000-300 v. Chr.) bleiben sie abstrakt und stark stilisiert.

Von Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Jomon-Zeit, 1000-400 v. Chr.
Nationalmuseum Tokio

Ufologen glauben übrigens, dass es sich um Bilder von Außerirdischen handelt. In diesen Figuren sehen sie Raumanzüge, Brillen und Sauerstoffmasken auf ihren Gesichtern, und die Bilder von Spiralen auf den „Raumanzügen“ gelten als Karten von Galaxien.

Yayoi-Zeit
Yayoi ist eine kurze Periode in der japanischen Geschichte, die von 300 v. Chr. bis 300 n. Chr. dauert und die dramatischste ist kulturelle Veränderungen in der japanischen Gesellschaft. In dieser Zeit brachten Stämme, die vom Festland kamen und die indigene Bevölkerung der japanischen Inseln vertrieben, ihre Kultur und neue Technologien wie den Reisanbau und die Bronzeverarbeitung mit. Auch hier wurden die meisten Künste und Technologien der Yayoi-Zeit aus Korea und China importiert.

Kofun-Zeit
Zwischen 300 und 500 Jahren wurden Stammesführer in Hügeln namens „Kofun“ begraben. Dieser Zeitraum wird nach diesem Namen benannt.

In die Gräber wurden Dinge gelegt, die die Toten benötigen könnten. Dies sind Lebensmittel, Werkzeuge und Waffen, Schmuck, Tongeschirr, Spiegel und, was am interessantesten ist, Tonfiguren namens „Haniwa“.

Von Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68,5.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Der genaue Zweck der Figuren ist unbekannt, sie sind jedoch in allen Grabstätten der Kofun-Ära zu finden. Anhand dieser kleinen Figuren kann man sich vorstellen, wie die Menschen damals lebten, da Menschen mit Werkzeugen und Waffen und manchmal neben Häusern dargestellt sind.

Diese von chinesischen Traditionen beeinflussten Skulpturen weisen eigenständige Elemente auf, die nur der lokalen Kunst eigen sind.

Tänzerin, westliche Han-Dynastie (206 v. Chr.–9 n. Chr.), 2. Jahrhundert v. Chr.
China
Metropolitan Museum of Art, NY

Während der Kofun-Zeit wurden die Figuren raffinierter und vielfältiger. Dies sind Bilder von Soldaten, Jägern, Sängern, Tänzern und so weiter.

Aus Nohara, Konan-machi, Saitama.Gegenwart H. 64,2, 57,3.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Es gibt noch ein weiteres Merkmal dieser Skulpturen. Haniwa repräsentieren nicht nur die soziale Funktion, sondern auch die Stimmung der Figur. Ein Krieger zum Beispiel hat einen strengen Gesichtsausdruck. und auf den Gesichtern der Bauern liegt ein breites Lächeln.

Von Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Asuka-Zeit
Seit der Yayoi-Zeit Japanisch Kunst untrennbar mit der koreanischen oder chinesischen Kunst verbunden. Am deutlichsten wird dies im siebten und achten Jahrhundert, als sich die japanische Kunst rasch zu einer Vielzahl visueller Genres zu entwickeln begann.

Im 6. Jahrhundert kam es zu dramatischen Veränderungen in der japanischen Gesellschaft: Der erste japanische Staat Yamato nahm schließlich Gestalt an, und im Jahr 552 kam der Buddhismus nach Japan und brachte buddhistische Skulpturen und das Konzept eines Tempels mit sich, was der Grund dafür war für das Erscheinen von Tempeln in Japan – sowohl shintoistischen als auch buddhistischen.
Shinto-Schreine imitierten die Architektur von Getreidespeichern (Die allerersten Shinto-Schreine waren Getreidespeicher, in denen Erntefeiern abgehalten wurden. Bei rituellen Festen glaubten die Menschen, dass die Götter mit ihnen feierten.)
Shinto-Götter sind in erster Linie Naturkräfte, daher ist die Architektur dieser Schreine in die natürliche Natur wie Flüsse und Wälder integriert. Das ist wichtig zu verstehen. In der Shinto-Architektur waren von Menschenhand geschaffene Bauwerke als Erweiterung der natürlichen Welt gedacht.

Der erste buddhistische Tempel, Shitennoji, wurde erst 593 in Osaka erbaut. Diese frühen Tempel waren Nachahmungen koreanischer buddhistischer Tempel und bestanden aus einer zentralen Pagode, die von drei Gebäuden umgeben war, und einem überdachten Korridor.

Die Verbreitung des Buddhismus trug zu den Kontakten zwischen Japan und Korea mit China und zur Integration der chinesischen Kultur in die japanische Kultur bei.