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Moderne Kunst sie ist schwer zu beurteilen oder zu bewerten, da sie sich zunächst aus dem Rahmen einer solchen Möglichkeit herausnimmt. Gut, dass es das gibt Alexey Lifanov , der, obwohl er kein Japaner ist, Kunst besser versteht als ich. Wer, wenn nicht Alexei, würde mir helfen zu verstehen, was ich gesehen habe?
Ja, die Japaner sind seltsame Leute. Impressionen von der Ausstellung auf dem Gogol Boulevard.

Die Exponate der Ausstellung "Doppelte Perspektive" lassen sich bedingt in drei Teile gliedern (entsprechend den von den Autoren aufgeworfenen Themen). Die erste widmet sich dem Individuum und dem Staat, der Rolle der Ideologie Privatsphäre, das Diktat der Gesellschaft über das Individuum. Das zweite Thema ist verwandt: Der Mensch und sein Einfluss auf die Natur (und das sogar im Rahmen einer Ausstellung Diverse Künstleräußerte diametral entgegengesetzte Ansichten. Das dritte Thema ist rein japanisch und widmet sich der Ideologie von „Loli“ und anderen ephebophilen Dingen, die in der japanischen Gesellschaft gedeihen.

1. Die Werke von Kenji Yanobe sind in eine postapokalyptische Ästhetik verstrickt, allerdings ohne jeglichen „Stalkerismus“. Seine Arbeit ist auf der Ebene der Methode sehr naiv. "Sonnenkind" ist eine großformatige und berührende Skulptur. Was für ein Mensch sollte man sein, um sich der technogenen Welt zu widersetzen – kühn, entschlossen oder direkt und naiv?

3. Fortsetzung des Themas in einem noch übertrieben naiven Stil.

4. Motohiko Odani spricht über Pubertät, Sexualität und ihre Psychologie. Gegenüber dieser Skulptur befindet sich eine viel ausdrucksstärkere Videoinstallation, aber Sie müssen sie mit eigenen Augen sehen.

5. Makoto Aida entwickelt das Thema. Ein Bonsai-Baum mit mädchenhaften Köpfen ist ein hyperbolisches Symbol perverser Liebe. Die Symbolik ist transparent und bedarf kaum einer Erklärung.

6. Ein weiteres seiner Werke "Schüler der Harakiri-Schule". Grafisch ist es einfach unglaublich.

7. Fortsetzung des Themas "Kinder" von Yoshimoto Naro. Kindergesichter und nicht-kindliche Emotionen.

8. Takahiro Iwasaki hat aus allerlei Müll ein sehr bedingtes Diorama einer bestimmten Stadt geschaffen. Die Ästhetik der Stadt, die eigentlich eine Müllhalde ist, ist keine neue Idee, aber interessant umgesetzt.

10. Gemälde von Tadanori Yokoo – eine Collage aus Anspielungen, Zitaten und Archetypen. Gleichzeitig ist die Farbgebung einfach umwerfend.

11. Yayoi Kusama wandte sich der existenziellen Ästhetik von Sein und Nichtsein zu und schuf einen Raum, in dem der Raum bricht und auseinanderfällt.

12. Yasumasa Morimura machte eine Parodie auf eine Parodie. Er zeigt gar nicht Adolf Hitler, wie es scheint, sondern Ginkels Adenoid – eine Figur aus Chaplins Film „Der große Diktator“. Der Rest seiner Werke ist bereits den unmittelbaren Herrschern und Diktatoren gewidmet, aber die Essenz ist klar - die Bedrohung durch eine totale Ideologie.

13. Es gibt nur wenige Zuschauer, aber diejenigen, die es sind, diskutieren sehr enthusiastisch über das, was sie gesehen haben. Im Allgemeinen scheint es den Besuchern wirklich zu gefallen, was passiert.

14. Das ist der Kopf von George Bush. George Bush singt die US-Hymne. Die Idee ist einfach zu verstehen – über das Eindringen von Ideologie und Staat, sogar in den persönlichen Bereich einer Person.

15. Ratten-Pokémon. Meine Lieblingsstelle.

16. Teil der Ausstellung - Fotografien. Manchmal interessant, manchmal zu intim, um es zu verstehen.

18. Fotografien von Toshio Shibata. Hier wird die Idee des harmonischen Zusammenlebens von Mensch und Natur in Form von Fotografien gelöst, ästhetisch viel näher an der Abstraktion als am Realismus - eine so gut angepasste Geometrie und Komposition.

19. Einer der Grüße an Lenin.

Auf jeden Fall wurden die Ausstellungen geschaffen, um sie live zu besuchen, und nicht, um Fotoberichte auf Blogs zu sehen. Viele Arbeiten sind statisch und in der Größe eines Bildschirmfotos völlig unmöglich zu bewerten. Daher ist es besser, selbst in die Ausstellung „Doppelte Perspektive“ zu gehen.

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Das deckt viele Techniken und Stile ab. Im Laufe seiner Geschichte hat es erlebt große MengeÄnderungen. Neue Traditionen und Genres wurden hinzugefügt, und die ursprünglichen japanischen Prinzipien blieben erhalten. Zusammen mit unglaubliche Geschichte Die japanische Malerei ist auch bereit, viele einzigartige und interessante Fakten zu präsentieren.

altes japan

Die ersten Stile erscheinen in der ältesten historischen Periode des Landes, noch vor Christus. e. Damals war die Kunst ziemlich primitiv. Zuerst im Jahr 300 v. e., es gab verschiedene geometrische Figuren die auf Töpferwaren mit Stöcken hergestellt wurden. Ein solcher Fund von Archäologen als Ornament auf Bronzeglocken gehört einer späteren Zeit an.

Etwas später, bereits im Jahr 300 n. Chr. h. Höhlenmalereien erscheinen, die viel vielfältiger sind geometrische Verzierung. Dies sind bereits vollwertige Bilder mit Bildern. Sie wurden in den Krypten gefunden, und wahrscheinlich wurden die Menschen, die darauf gemalt sind, in diesen Gräberfeldern begraben.

Im 7. Jahrhundert n. Chr. e. Japan übernimmt die aus China stammende Schrift. Etwa zur gleichen Zeit stammen die ersten Gemälde von dort. Dann erscheint die Malerei als eigene Kunstsphäre.

edo

Edo ist bei weitem nicht das erste und nicht das letzte Gemälde, aber sie war es, die viele neue Dinge in die Kultur gebracht hat. Erstens sind es die Helligkeit und Brillanz, die der üblichen Technik hinzugefügt wurden, die in Schwarz- und Grautönen ausgeführt wird. Die meisten herausragender Künstler Dieser Stil wird als Sotasu bezeichnet. Er schuf klassische Gemälde, aber seine Charaktere waren sehr farbenfroh. Später wechselte er zur Natur und die meisten Landschaften wurden vor einem vergoldeten Hintergrund gemalt.

Zweitens erschien während der Edo-Zeit das Exotische, das Namban-Genre. Es verwendete moderne europäische und chinesische Techniken, die mit traditionellen japanischen Stilen verflochten waren.

Und drittens taucht die Nang-Schule auf. Darin imitieren oder kopieren die Künstler die Werke chinesischer Meister zunächst vollständig. Dann erscheint ein neuer Zweig, der Bunjing genannt wird.

Modernisierungszeit

Die Edo-Zeit ersetzt die Meiji, und jetzt japanische Malerei gezwungen zu gehen neue Bühne Entwicklung. Zu dieser Zeit wurden Genres wie der Western und dergleichen auf der ganzen Welt populär, sodass die Modernisierung der Kunst ein allgemeiner Stand der Dinge wurde. In Japan, einem Land, in dem alle Menschen Traditionen verehren, in gegebene Zeit Die Dinge waren ganz anders als in anderen Ländern. Hier entbrennt ein scharfer Wettbewerb zwischen europäischen und lokalen Technikern.

Die Regierung bevorzugt in dieser Phase junge Künstler, die dienen große Erwartungen Fähigkeiten in westlichen Stilen zu verbessern. Deshalb schicken sie sie an Schulen in Europa und Amerika.

Dies war jedoch nur zu Beginn der Periode. Tatsache ist, dass namhafte Kritiker die westliche Kunst ziemlich scharf kritisiert haben. Um viel Rummel um dieses Thema zu vermeiden, Europäische Stile und Techniken begannen, auf Ausstellungen verboten zu werden, ihre Ausstellung hörte auf, ebenso wie ihre Popularität.

Die Entstehung europäischer Stile

Dann kommt die Taisho-Periode. Zu dieser Zeit kehren junge Künstler, die zum Studium an ausländischen Schulen abgereist sind, in ihre Heimat zurück. Natürlich bringen sie neue Stile der japanischen Malerei mit, die den europäischen sehr ähnlich sind. Impressionismus und Postimpressionismus treten auf.

In diesem Stadium werden viele Schulen gebildet, in denen die alten japanische Stile. Aber es ist nicht möglich, westliche Tendenzen vollständig loszuwerden. Daher ist es notwendig, mehrere Techniken zu kombinieren, um sowohl Liebhaber der Klassiker als auch Fans der modernen europäischen Malerei zufrieden zu stellen.

Einige Schulen werden vom Staat finanziert, wodurch viele der nationalen Traditionen bewahrt werden. Private Händler hingegen sind gezwungen, dem Beispiel der Verbraucher zu folgen, die etwas Neues wollen, sie haben die Klassiker satt.

Gemälde aus dem Zweiten Weltkrieg

Nach Kriegsbeginn hielt sich die japanische Malerei einige Zeit vom Geschehen fern. Es entwickelte sich separat und unabhängig. Aber so konnte es nicht ewig weitergehen.

Im Laufe der Zeit wann politische Situation Dem Land geht es immer schlechter, hohe und angesehene Persönlichkeiten ziehen viele Künstler an. Einige von ihnen beginnen sogar zu Beginn des Krieges, in patriotischen Stilen zu schaffen. Der Rest beginnt diesen Prozess nur auf Anordnung der Behörden.

Dementsprechend konnte sich die japanische bildende Kunst während des Zweiten Weltkriegs nicht besonders entwickeln. Daher kann es zum Malen als stagnierend bezeichnet werden.

Ewiges Suibokuga

Die japanische Sumi-e-Malerei oder Suibokuga bedeutet „Tintenzeichnung“. Dies definiert den Stil und die Technik diese Kunst. Es kam aus China, aber die Japaner beschlossen, ihm einen eigenen Namen zu geben. Und anfangs hatte die Technik keine ästhetische Seite. Es wurde von den Mönchen zur Selbstverbesserung während des Zen-Studiums verwendet. Außerdem zeichneten sie zunächst Bilder und schulten später ihre Konzentration beim Betrachten. Die Mönche glaubten, dass strenge Linien, vage Töne und Schatten zur Verbesserung beitragen – all das nennt man Monochrom.

Japanische Tuschemalerei ist trotz der großen Vielfalt an Gemälden und Techniken nicht so kompliziert, wie es auf den ersten Blick scheinen mag. Es basiert auf nur 4 Grundstücken:

1. Chrysantheme.
2. Orchidee.
3. Pflaumenzweig.
4. Bambus.

Eine kleine Anzahl von Grundstücken macht die Entwicklung der Technologie nicht schnell. Einige Meister glauben, dass Lernen ein Leben lang anhält.

Trotz der Tatsache, dass Sumi-e vor langer Zeit aufgetaucht ist, ist es immer gefragt. Außerdem kann man heute die Meister dieser Schule nicht nur in Japan treffen, sie ist auch weit über die Grenzen Japans hinaus verbreitet.

Neuzeit

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs blühte die Kunst in Japan nur noch in Großstädte, Dorfbewohner und Dorfbewohner hatten genug Sorgen. Die Künstler versuchten größtenteils, den Kriegsverlusten den Rücken zu kehren und das moderne urbane Leben mit all seinen Verzierungen und Besonderheiten auf Leinwand darzustellen. Europäische und amerikanische Ideen wurden erfolgreich übernommen, aber dieser Zustand hielt nicht lange an. Viele Meister entfernten sich allmählich von ihnen zu japanischen Schulen.

Es ist immer in Mode geblieben. Daher kann sich die moderne japanische Malerei nur in der Ausführungstechnik oder den dabei verwendeten Materialien unterscheiden. Aber die meisten Künstler nehmen verschiedene Innovationen nicht gut wahr.

Ganz zu schweigen von modisch Moderne Subkulturen wie Anime und ähnliche Stile. Viele Künstler versuchen, die Grenze zwischen den Klassikern und dem, was heute gefragt ist, zu verwischen. Dieser Zustand ist größtenteils dem Handel geschuldet. Klassiker u traditionelle Genres Tatsächlich kaufen sie nicht, daher ist es unrentabel, als Künstler in Ihrem Lieblingsgenre zu arbeiten, Sie müssen sich an die Mode anpassen.

Fazit

Zweifellos ist die japanische Malerei eine wahre Fundgrube bildende Kunst. Vielleicht blieb das betreffende Land das einzige, das nicht den westlichen Trends folgte, sich nicht der Mode anpasste. Trotz vieler Schläge zum Zeitpunkt der Einführung neuer Techniken gelang es den japanischen Künstlern immer noch, sich zu verteidigen nationale Traditionen in vielen Genres. Das ist wohl auch der Grund, warum in der Neuzeit Gemälde im klassischen Stil auf Ausstellungen sehr geschätzt werden.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 Min. 18 Sek.)

Doppelte Perspektive: Japanische zeitgenössische Kunst
Die Kuratoren Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka

Teil eins: "Realität / gewöhnliche Welt". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Ermolaevsky-Gasse, 17
Zweiter Teil: "Imaginäre Welt / Fantasie". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Gogolevsky-Boulevard, 10

Das Moskauer Museum für Moderne Kunst präsentiert zusammen mit der Japan Foundation die Ausstellung „Double Perspective: Japanese Contemporary Art“, die der breiten Öffentlichkeit zeitgenössische japanische Künstler näher bringen soll.
Doppelte Perspektive ist zwei Kuratoren aus verschiedene Länder, zwei Standorte des Museums und eine zweiteilige Struktur des Projekts. Die von Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka kuratierte Ausstellung versammelt die Werke von mehr als 30 Künstlern verschiedener Stilrichtungen, die von den 1970er Jahren bis heute gearbeitet haben. Das Projekt besteht aus zwei Teilen – „Die reale Welt / Alltag“ und „Imaginäre Welt / Fantasien“ – die sich auf dem Museumsgelände in der Ermolaevsky Lane 17 und dem Gogolevsky Boulevard 10 befinden.

Erster Teil: "Realität/Gewöhnliche Welt"

Der erste Teil der Ausstellung „The Real World/Everyday Life“ präsentiert den Blick japanischer Künstler auf die Welt um uns herum durch einen Appell an die Weltgeschichte des 20. Jahrhunderts (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa und Yuken Teruya), Reflexionen über die Gerät moderne Gesellschaft(Dumb Type und Tadasu Takamine), die Interaktion mit dem urbanen Raum (Kontakt Gonzo und ChimPom) und die Suche nach Poesie im Alltag (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi und Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura in der Reihe der Videoarbeiten "Requiem" wird in verschiedenen wiedergeboren historische Charaktere: Chaplin, Schriftsteller Yukio Mishima und sogar Lenin – und stellt Episoden aus ihrem Leben nach. Ein anderer Projektteilnehmer, Tetsuya Umeda, schafft Installationen aus improvisierten Mitteln, gewöhnlichen Dingen – so wird der banalste Alltag zur Kunst. Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Yoko Ono – das berühmte „Cut Piece“ in der Fassung von 1965 und 2003 sowie die Klanginstallation „Cough Piece“ (1961). Die Ausstellung präsentiert die Werke von Kishio Suga, einem der zentralen Vertreter der Mono-Ha-Bewegung (Mono-Ha, übersetzt „Schule der Dinge“), die eine japanische Alternative zur westlichen Moderne bot. Die Fotostrecke stellt die Arbeiten von Toshio Shibata, Takashi Homma und Lieko Shiga vor.

Yayoi Kusama. "Ich bin hier, aber nirgendwo", 2000. Mixed media. Installation im Maison de la culture du Japan, Paris.
Sammlung des Autors

Die Arbeiten des zweiten Teils des Projekts werden dem Publikum eine freie, imaginäre Welt präsentieren, in der alles existiert, was wir nicht sehen können wahres Leben, alles was außerhalb davon ist. Die Arbeiten der Künstler dieses Teils der Ausstellung beziehen sich auf die japanische Popkultur, die Welt der Fantasie, Naivität, Mythen und Reflexionen über die kosmogonische Struktur der Welt. Jeder Ausstellungsteilnehmer legt seine eigene Bedeutung in den Begriff "Imagination". So auch der Künstler Tadanori Yokoo in seiner Beziehung zur imaginären Welt Hauptthema des Verschwindens seiner Werke, oder vielmehr des "Selbstverschwindens". Ein ähnliches Motiv lässt sich im Werk von Yayoi Kusama nachzeichnen: Indem sie ihre Fantasien in die Realität projiziert, erschafft sie eine Welt voller bizarrer Muster. Die Riesenskulptur „Child of the Sun“ (2011) von Kenji Yanobe entstand zu einer schrecklichen Zeit, als es zu einer Explosion kam Kernkraftwerk"Fukushima-1". Sein monumentales Objekt wird zum Schnittpunkt der Imaginationen. Der Künstler versteht, dass die Erfahrung an der Grenze des Realen zum Impuls für die Schaffung einer neuen Welt wird. Der Imaginary World/Fantasy-Teil enthält auch Werke von Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa und vielen mehr.
Einige der Werke sind eigens für die Ausstellung entstanden. Der Künstler Yoshinori Niva kam für sein Projekt „Wladimir Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“ (2012) nach Moskau, um in den Wohnungen der Moskauer Artefakte zu finden, die mit der Persönlichkeit des Revolutionärs in Verbindung stehen. Seine Arbeit ist eine Videodokumentation seiner Recherchen und Reisen durch Moskau. Der Künstler Tetsuya Umeda, dessen Arbeiten gleichzeitig an zwei Orten präsentiert werden, kommt nach Moskau, um seine Installationen vor Ort zu realisieren.
Diese beiden auf den ersten Blick unvergleichbaren Ausstellungsteile sollen die beiden Pole japanischer Kunst zeigen, die sich in Wirklichkeit als untrennbar voneinander erweisen.
Im Rahmen der Ausstellung sind auch offene Masterclasses und Kreativtreffen mit Projektbeteiligten geplant. Es gibt Vorträge des japanischen Kurators Kenjiro Hosaka und des Künstlers Kenji Yanobe. Für Russland ist diese Ausstellung zum ersten Mal in einem solchen Umfang modern japanische Kunst.

Yoshitomo Nara. "Bonbonblaue Nacht", 2001. 1166,5 x 100 cm, Acryl auf Leinwand
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. Äste und Betonblöcke. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Sonnenkind“, 2011. Fiberglas, Stahl, Neon etc. 620 x 444 x 263 cm. Installation im Gedenkpark Ezpo"70
Foto: Thomas Schwab

Kunst und Design

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01.02.18 09:02

Die heutige Kunstszene in Japan ist sehr vielfältig und provokativ: Betrachtet man die Arbeit von Meistern aus dem Land aufgehende Sonne Sie werden denken, dass Sie auf einem anderen Planeten gelandet sind! Es ist die Heimat von Innovatoren, die die Landschaft der Branche auf globaler Ebene verändert haben. Hier ist eine Liste von 10 zeitgenössischen japanischen Künstlern und ihren Kreationen, von den unglaublichen Kreaturen von Takashi Murakami (der heute seinen Geburtstag feiert) bis zum farbenfrohen Universum von Kusama.

Von futuristischen Welten bis hin zu gepunkteten Konstellationen: zeitgenössische japanische Künstler

Takashi Murakami: Traditionalist und Klassiker

Beginnen wir mit dem Helden des Anlasses! Takashi Murakami ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Japans und arbeitet an Gemälden, großformatigen Skulpturen und Mode. Murakamis Stil ist von Manga und Anime beeinflusst. Er ist der Gründer der Superflat-Bewegung, die Japaner unterstützt künstlerische Traditionen und Nachkriegskultur. Murakami beförderte viele seiner Zeitgenossen, auch einige von ihnen werden wir heute kennenlernen. „Subkulturelle“ Werke von Takashi Murakami werden auf dem Mode- und Kunstmarkt präsentiert. Sein provokanter Film My Lonesome Cowboy (1998) wurde 2008 in New York bei Sotheby's für einen Rekordpreis von 15,2 Millionen Dollar verkauft. Murakami arbeitete mit weltweit zusammen bekannte Marken Marc Jacobs, Louis Vuitton und Issey Miyake.

Tycho Asima und ihr surreales Universum

Als Mitglied der Kunstproduktionsfirma Kaikai Kiki und der Superflat-Bewegung (beide von Takashi Murakami gegründet) ist Chiho Ashima bekannt für ihre fantasievollen Stadtlandschaften und seltsamen Pop-Kreaturen. Der Künstler schafft surrealistische Träume, die von Dämonen, Geistern und jungen Schönheiten bewohnt werden, die vor dem Hintergrund einer fremden Natur dargestellt werden. Ihre Arbeiten sind meist großformatig und auf Papier, Leder, Plastik gedruckt. 2006 nahm dieser zeitgenössische japanische Künstler an Art on the Underground in London teil. Sie schuf 17 aufeinanderfolgende Bögen für die Plattform – die magische Landschaft verwandelte sich allmählich von Tag zu Nacht, von städtisch zu ländlich. Dieses Wunder erblühte an der U-Bahnstation Gloucester Road.

Chiharu Shima und unendliche Fäden

Ein anderer Künstler, Chiharu Shiota, arbeitet an großformatigen visuellen Installationen für bestimmte Sehenswürdigkeiten. Sie wurde in Osaka geboren, lebt aber jetzt in Deutschland – in Berlin. Zentrale Themen ihre arbeit ist vergessenheit und erinnerung, traum und realität, vergangenheit und gegenwart, aber auch eine konfrontation mit angst. Chiharu Shiotas berühmteste Werke sind die undurchdringlichen schwarzen Fadennetze, die viele Haushalts- und persönliche Gegenstände wie alte Stühle, Hochzeitskleid, verbranntes Klavier. Im Sommer 2014 verband Shiota mehr als 300 ihr gespendete Schuhe und Stiefel mit roten Garnfäden und hängte sie an Haken. Chiharus erste Ausstellung in der deutschen Hauptstadt fand während der Berlin Art Week 2016 statt und sorgte für Aufsehen.

Hey Arakawa: überall, nicht irgendwo

Ei Arakawa lässt sich von Zuständen des Wandels, Zeiten der Instabilität und Risikoelementen inspirieren, und seine Installationen symbolisieren oft die Themen Freundschaft und kollektive Arbeit. Glaubensbekenntnis der Moderne Japanischer Künstler ist definiert durch das performative Unbestimmte „überall, aber nirgendwo“. Seine Kreationen tauchen an unerwarteten Orten auf. 2013 wurden Arakawas Arbeiten auf der Biennale in Venedig und in der Ausstellung japanischer zeitgenössischer Kunst im Mori Art Museum (Tokio) ausgestellt. Die Installation Hawaiian Presence (2014) war eine Zusammenarbeit mit der in New York lebenden Künstlerin Carissa Rodriguez und wurde auf der Whitney Biennale gezeigt. Ebenfalls im Jahr 2014 boten Arakawa und sein Bruder Tomu, die als Duett namens United Brothers auftraten, den Besuchern der Frieze London ihre „Arbeit“ „The This Soup Taste Ambivalent“ mit „radioaktiven“ Fukushima-Daikon-Wurzeln an.

Koki Tanaka: Beziehung und Wiederholung

2015 wurde Koki Tanaka zur Künstlerin des Jahres gekürt. Tanaka erkundet allgemeine Erfahrung Kreativität und Ideenreichtum, fördert den Austausch zwischen den Projektbeteiligten und setzt sich für neue Regeln der Zusammenarbeit ein. Seine Installation im japanischen Pavillon auf der Biennale in Venedig 2013 bestand aus Videos von Objekten, die den Raum in eine Plattform für den Kunstaustausch verwandelten. Die Installationen von Koki Tanaka (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen Schauspieler) veranschaulichen die Beziehung zwischen Objekten und Handlungen, das Video enthält beispielsweise eine Aufzeichnung einfacher Gesten, mit denen er ausgeführt wird gewöhnliche Gegenstände(Messer schneiden Gemüse, Bier wird in ein Glas gegossen, Regenschirm aufgeklappt). Nichts Wesentliches passiert, aber obsessive Wiederholung und Aufmerksamkeit die kleinsten Details Lassen Sie den Betrachter das Alltägliche schätzen.

Mariko Mori und stromlinienförmige Formen

Eine andere zeitgenössische japanische Künstlerin, Mariko Mori, „beschwört“ Multimedia-Objekte herauf, indem sie Videos, Fotos und Objekte kombiniert. Sie hat eine minimalistische futuristische Vision und glatte, surreale Formen. Ein wiederkehrendes Thema in Moris Werk ist die Gegenüberstellung westlicher Legenden mit westliche Kultur. 2010 gründete Mariko die Fau Foundation, eine Bildungskultur gemeinnützige Organisation, für die sie eine Reihe ihrer Kunstinstallationen zu Ehren der sechs bewohnten Kontinente produzierte. Vor kurzem wurde die permanente Installation der Stiftung, The Ring: One with Nature, über einen malerischen Wasserfall in Resende in der Nähe von Rio de Janeiro gehisst.

Ryoji Ikeda: Ton- und Videosynthese

Ryoji Ikeda ist ein New-Media-Künstler und Komponist, dessen Arbeit sich hauptsächlich auf Klang in verschiedenen "rohen" Zuständen bezieht, von sinusförmigen Klängen bis hin zu Geräuschen, die Frequenzen am Rande des menschlichen Gehörs verwenden. Seine atemberaubenden Installationen umfassen computergenerierte Klänge, die visuell in Videoprojektionen oder digitale Vorlagen umgewandelt werden. Ikedas audiovisuelle Kunstobjekte verwenden Maßstab, Licht, Schatten, Lautstärke, elektronische Klänge und Rhythmus. Das berühmte Testobjekt des Künstlers besteht aus fünf Projektoren, die eine Fläche von 28 Metern Länge und 8 Metern Breite beleuchten. Das Gerät wandelt Daten (Text, Töne, Fotos und Filme) in einen Strichcode und binäre Muster aus Nullen und Einsen um.

Tatsuo Miyajima und LED-Zähler

Der moderne japanische Bildhauer und Montagekünstler Tatsuo Miyajima verwendet in seiner Kunst elektrische Schaltkreise, Videos, Computer und andere Geräte. Die Hauptkonzepte von Miyajima sind von humanistischen Ideen und buddhistischen Lehren inspiriert. Die LED-Zähler in seinem Aufbau blinken kontinuierlich in einer Wiederholung von 1 bis 9, was die Reise vom Leben zum Tod symbolisiert, aber die Endgültigkeit vermeidet, die durch 0 repräsentiert wird (Null kommt in Tatsuos Arbeit nie vor). Die allgegenwärtigen Zahlen in Rastern, Türmen und Diagrammen drücken Miyajimas Interesse an den Ideen von Kontinuität, Ewigkeit, Verbindung und dem Fluss von Zeit und Raum aus. Vor nicht allzu langer Zeit wurde Miyajimas Arrow of Time-Objekt auf der Eröffnungsausstellung "Incomplete Thoughts Visible in New York" gezeigt.

Nara Yoshimoto und die bösen Kinder

Nara Yoshimoto kreiert Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen von Kindern und Hunden, Themen, die das kindliche Gefühl von Langeweile und Frustration und die wilde Unabhängigkeit widerspiegeln, die Kleinkindern von Natur aus eigen ist. Die Ästhetik von Yoshimotos Werk erinnert an Tradition Buchillustrationen, ist eine Mischung aus unruhiger Spannung und der Liebe des Künstlers zum Punkrock. 2011 veranstaltete das Asian Society Museum in New York Yoshitomos erste Einzelausstellung mit dem Titel "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", die die 20-jährige Karriere eines zeitgenössischen japanischen Künstlers abdeckt. Die Exponate waren eng mit den Jugendsubkulturen der Welt, ihrer Entfremdung und ihrem Protest verbunden .

Yayoi Kusama und der Raum, der mit ausgefallenen Formen wächst

Auffallend kreative Biographie Yayoi Kusama dauert sieben Jahrzehnte. Während dieser Zeit gelang es einer erstaunlichen Japanerin, die Bereiche Malerei, Grafik, Collage, Skulptur, Kino, Gravur, Umweltkunst, Installation sowie Literatur, Mode und Kleidungsdesign zu studieren. Kusama entwickelte einen sehr unverwechselbaren Stil der Punktkunst, der zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Die illusorischen Visionen, die in den Werken der 88-jährigen Kusama präsentiert werden – wenn die Welt mit wuchernden fremdartigen Formen bedeckt zu sein scheint – sind das Ergebnis von Halluzinationen, die sie seit ihrer Kindheit erlebt. Räume mit bunten Punkten und "endlosen" Spiegeln, die ihre Anhäufungen reflektieren, sind erkennbar, sie sind mit nichts anderem zu verwechseln.

Was ist Anime und Manga? Die einfachste Definition sieht so aus:
Manga sind japanische Comics.
Anime ist japanische Animation.

Oft wird angenommen, dass die Begriffe „Manga“ und „Anime“ auf bestimmte Genres (Fantasy, Fantasy) und Grafikstile (realistisch, „ große Augen"). Das stimmt nicht. Die Begriffe "Manga" und "Anime" definieren nur die Grundkultur, auf deren Basis die entsprechenden Werke entstehen.
Es gibt kein anderes Land auf der Welt, das Comics und Animationen eine solche Aufmerksamkeit schenkt. Die Schöpfer populärer japanischer Comics sind sehr wohlhabende Leute (Takahashi Rumikom ist eine der reichsten Frauen Japans), die berühmtesten von ihnen sind nationale Berühmtheiten, Mangas machen etwa ein Viertel aller in Japan produzierten Drucksachen aus und werden unabhängig davon gelesen Alter und Geschlecht. Die Position des Anime ist etwas bescheidener, aber auch durchaus beneidenswert. Zum Beispiel gibt es kein Land auf der Welt, in dem die Schauspieler, die Sprachanimation (seiyu) machen, eine solche Anerkennung, Achtung und Liebe genießen würden. Japan - das einzige Land der Welt, nominiert für einen Oscar als „Bester ausländischer Film“ in voller Länge Zeichentrickfilm.

Unter anderem Anime und Manga - schöne Art bewerten nicht nur, wie moderne Japaner ihre ursprünglichen Traditionen reflektieren und erleben, sondern auch, wie sich die Motive und Handlungen anderer Völker in japanischen Werken widerspiegeln. Und es liegt keineswegs daran, dass Ersteres immer interessanter ist als Zweites. Sie müssen die japanische Sprache und Literaturtheorie sehr gut kennen, um wirklich zu verstehen, wie sich die japanische Versschrift (und die japanische Mentalität) von der europäischen unterscheidet. Und um zu verstehen, wie sich japanische Elfen von Tolkiens Elfen unterscheiden, schauen Sie sich einfach ein oder zwei Serien an.
Somit sind Anime und Manga eine Art „Hintertür“ zur Welt des japanischen Bewusstseins. Und wenn Sie durch diese Passage gehen, können Sie den Weg nicht nur abkürzen, ohne all die Zäune und Bastionen zu durchbrechen, die von der anderthalbtausend Jahre alten "Hochkultur" Japans errichtet wurden (die Kunst von Anime und Manga ist viel jünger, und es gibt weniger Traditionen darin), aber auch viel Vergnügen bekommen. Das Angenehme mit dem Angenehmen verbinden – was gibt es Schöneres?

Nun ein paar spezifische Anmerkungen zu Manga und Anime separat.

Manga

"Geschichten in Bildern" ist in Japan seit seiner Gründung bekannt. Kulturelle Geschichte. Sogar in Kofun-Hügeln (den Gräbern alter Herrscher) finden Archäologen Zeichnungen, die in Ideologie und Struktur ein wenig an Comics erinnern.
Die Verbreitung von "Geschichten in Bildern" wurde schon immer durch die Komplexität und Mehrdeutigkeit der japanischen Schrift erleichtert. Schon jetzt können japanische Kinder erst nach dem Abschluss "erwachsene" Bücher und Zeitungen lesen. Grundschule(mit 12 Jahren!). Fast unmittelbar nach dem Erscheinen der japanischen Prosa erschienen ihre illustrierten Nacherzählungen, in denen es wenig Text gab und Illustrationen die Hauptrolle spielten.

Die ersten japanischen Comics gelten als "Lustige Bilder aus dem Leben der Tiere", die im 12. Jahrhundert von einem buddhistischen Priester und Künstler Kakuyu (ein anderer Name ist Toba, Lebensjahre - 1053-1140) geschaffen wurden. Dabei handelt es sich um vier Papierrollen, die eine Folge von mit Tinte gezeichneten Schwarz-Weiß-Bildern mit Bildunterschriften darstellen. Die Bilder erzählten von Tieren, die Menschen darstellten, und von buddhistischen Mönchen, die gegen die Charta verstießen. Jetzt gelten diese Schriftrollen als heilige Reliquie und werden in dem Kloster aufbewahrt, in dem der Asket Kakuyu lebte.
Für fast tausend Jahre ihrer Geschichte sahen und hießen "Geschichten in Bildern" anders. Das Wort "Manga" (wörtlich - "seltsame (oder lustige) Bilder, Grotesken") wurde 1814 von dem berühmten Grafiker Katsushika Hokusai geprägt, und obwohl der Künstler es selbst für eine Reihe von Zeichnungen "aus dem Leben" verwendete, war der Begriff stecken, um sich auf Comics zu beziehen.
Die Entwicklung des Manga wurde stark von europäischen Cartoons und amerikanischen Comics beeinflusst, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Japan berühmt wurden. Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts - die Zeit der Suche nach einem Platz für Comics im System Japanische Kultur neue Zeit. Die militaristische Regierung, die verwendet Popkultur die Bevölkerung zu beeinflussen. Das Militär finanzierte „richtige“ Mangas (es begann sogar kurzzeitig in Farbe zu erscheinen) und verbot Mangas mit politischer Kritik, was ehemalige Karikaturisten dazu zwang, Abenteuer- und Fantasy-Plots zu meistern (zum Beispiel tauchte die Idee eines „Riesenroboters“ erstmals in auf ein revanchistischer Manga von 1943, in dem ein solcher Roboter die verhassten USA zerschmetterte). Endlich rein die Nachkriegszeit der große Tezuka Osamu hat mit seinen Werken eine echte Revolution in der Manga-Welt bewirkt und zusammen mit seinen Schülern und Anhängern Manga zum Mainstream der Massenkultur gemacht.

Manga ist fast immer schwarz-weiß, nur Cover und einzelne Illustrationen sind farbig gezeichnet. Die meisten Mangas sind "Fortsetzungs"-Serien, die in Zeitungen oder (häufiger) in wöchentlichen oder monatlichen Zeitschriften gedruckt werden. Der übliche Umfang eines Serienteils in einem Wochenmagazin beträgt 15-20 Seiten. Der bei Lesern beliebte Manga wird in Form von separaten Bänden nachgedruckt - Tankōbon. Es gibt natürlich sowohl Manga-Kurzgeschichten als auch Mangas, die sofort als Tankōbon veröffentlicht werden.
In Japan gibt es viele Manga-Magazine. Jeder von ihnen richtet sich an ein bestimmtes Publikum, sagen wir, jüngere Teenager, die sich für Science-Fiction interessieren, oder ältere Teenager, die sich für Ballett interessieren. Die stärksten Unterschiede bestehen zwischen Frauen und Männerzeitschriften. Die Zielgruppe solcher Zeitschriften reicht von Kleinkindern (Manga werden für sie ohne Unterschriften gedruckt) bis zu Männern und Frauen mittleren Alters. Es gibt bereits Experimente im Bereich Manga für Senioren. Natürlich hat diese Vielfalt des Publikums eine ganze Reihe von Stilen und Genres hervorgebracht, von Symbolismus über Fotorealismus bis hin zu Märchen philosophische Werke und Schulbücher.

Der Schöpfer eines Mangas wird „Mangaka“ genannt. Normalerweise zeichnet eine Person (oft mit Lehrlingsassistenten) Comics und schreibt Texte, aber es gibt auch Gruppenkreativität. Allerdings arbeiten normalerweise nicht mehr als drei oder vier Leute an einem einzigen Manga. Dadurch steigt die künstlerische Integrität und das persönliche Einkommen - wachsen. Neben dem professionellen Manga gibt es auch einen Amateur-Manga – „Doujinshi“. Viele Mangaka begannen als Schöpfer von Doujinshi („Doujinshika“). In großen Städten gibt es spezielle Märkte, auf denen Dōjinshiki ihre Produkte verkaufen und manchmal seriöse Verleger für ihre Arbeit finden.

Animes

Der Begriff "Anime" setzte sich erst Mitte der 1970er Jahre durch, davor wurde er allgemein als "Manga-eiga" ("Film-Comics") bezeichnet. Die Japaner begannen Mitte der 1910er Jahre mit Animationen zu experimentieren, und der erste Anime erschien 1917. Lange Zeit war Anime im Hinterhof des Kinos, aber auch hier spielten die Militaristen, die jede „korrekte“ Kunst unterstützten, eine förderliche Rolle. Die ersten beiden großen Anime-Filme wurden also 1943 bzw. 1945 veröffentlicht und waren „Spiel“-Propaganda, die die Macht der japanischen Armee verherrlichte. Wie im Fall von Manga spielte Tezuka Osamu eine entscheidende Rolle in der Geschichte von Anime, der vorschlug, die sinnlose Konkurrenz mit Walt Disney-Spielfilmen aufzugeben und zur Schaffung von Fernsehserien überzugehen, die die amerikanischen nicht in der Bildqualität, sondern übertreffen um das japanische Publikum anzusprechen.

Die meisten Animes sind TV-Serien und Serien, die für den Verkauf auf Video (OAV-Serien) vorgesehen sind. Es gibt jedoch auch viele Fernsehfilme und Anime in voller Länge. In Bezug auf die Vielfalt an Stilen, Genres und Zielgruppen ist Manga dem Anime deutlich überlegen, aber letzterer holt seinen Rivalen jedes Jahr auf. Andererseits sind viele Anime Adaptionen beliebter Mangas, und sie konkurrieren nicht, sondern unterstützen sich gegenseitig kommerziell. Die meisten Animes sind jedoch für Kinder und Jugendliche, obwohl es auch Animes für junge Erwachsene gibt. Das Publikum mittleren Alters erobert der „Familienanime“, den Kinder mit ihren Eltern anschauen. Die Serialität diktiert ihre eigenen Gesetze - die Macher von Anime neigen dazu weniger Technische Experimente, aber achten Sie sehr darauf, attraktive und interessante Bilder Charaktere (daher die Bedeutung einer hochwertigen Sprachausgabe) und Handlungsentwicklung. Anime-Designer sind wichtiger als Animatoren.
Anime wird von Anime-Studios produziert, die normalerweise relativ klein sind und von externen Sponsoren (TV-Kanälen, Spielzeugkonzernen, Manga-Verlagen) finanziert werden. In der Regel entstehen solche Studios um mehrere herausragende Schöpfer herum, und daher hat das Studio oft einen bestimmten „Studiostil“, der von führenden Designern vorgegeben wird.