Ein flämisches Dorf versank in Schneeverwehungen. Wintergrafiken von Bäumen – hell und zart vor dem Himmel. Auf dem Eis eines zugefrorenen Flusses laufen unbeschwerte Menschen Schlittschuh, laufen, spielen etwas und unterhalten sich angeregt. Hinter den Häusern öffnen sich schneebedeckte Weiten, hier und da ragen kleine Bäume aus dem Schnee, und weit, weit am Horizont sind die hohen Dächer der Stadt kaum zu erkennen ... Ruhe und Unbeschwertheit strahlen aus dem Gesamtbild - als wäre es eine Art flämischer „Sonntag“, eine lang ersehnte Ruhepause von der Arbeit.

Bruegel der Ältere, wie kein anderer Flämische Künstler, vereinte das Talent eines Landschaftsmalers und das Talent eines Miniaturisten. Seine Leidenschaft für die Landschaft wurde in ihm durch eine Reise nach Italien geweckt, durch die er sich in die lichtdurchflutete Natur verliebte und die Ideen und Ästhetik der Hochrenaissance verstand. Seine Liebe zum Detail wurde in seiner Heimat Flandern genährt, und jeder Quadratzentimeter jedes seiner Werke lebt wie eine eigenständige Miniatur, die mit unglaublicher Sorgfalt gemalt wurde. Die landschaftliche Großartigkeit des Universums – und das bunte Mosaik menschlicher Figuren …

Aber Bruegel ist nicht nur interessant anzusehen, sondern auch zu lesen: Der Künstler, der keine einzige Abhandlung, keinen einzigen Brief, nicht einmal ein Testament hinterlassen hat, hat Gemälde mit seiner philosophischen Botschaft gemalt. Es ist kein Zufall, dass jeder von ihnen Erbauung, Morallehre und Gleichnis genannt wird.

„Landschaft mit Schlittschuhläufern und einer Vogelfalle“ heißt dieses kleine Gemälde, das er kurz vor seinem Tod im Jahr 1565 in einer exquisiten Perlmutt-Farbgebung malte. Es erfreute sich besonderer Beliebtheit und heute sind 127 Exemplare davon bekannt, von denen 45 von Bruegel dem Jüngeren, dem Sohn des Künstlers, gemalt wurden.

Landschaft mit Vogelfalle Wo ist die Falle? Ehrlich gesagt, erkennt man es nicht sofort an dieser schweren Tür, die leicht über dem Boden liegt – darunter ist großzügig Getreide ausgestreut, und sorglose Vögel huschen genau wie Menschen umher. Wo ist der Vogelfänger? Kaum unter diesen kleinen Männchen in bunten Kleidern: Fast alle haben sich von uns abgewandt, jeder von etwas Eigenem mitgerissen, in sein Eigenes versunken... Wo ist denn der Vogelfänger? Zu ruhiger Musik Wintertag ein Anflug von Angst macht sich breit. Oder wartet er vielleicht hinter den Bäumen im Vordergrund auf seinen Moment? Wo sind wir, die Zuschauer, die Beobachter? Und wenn Sie jetzt Ihren Blick von den Vögeln wieder auf den Fluss richten? Sind das die kleinen Leute, die wir tatsächlich beobachten? Schließlich hat Peter der Joker (wie Bruegel von seinen Zeitgenossen genannt wurde) die Landschaft mit eingefangen Hochpunkt Die Vision hat uns aus irgendeinem Grund über das Geschehen gehoben, und wir können nicht in das Bild „eintreten“, das Eis betreten, als ob wir es wüssten, wir hätten etwas bemerkt, was Skater nicht sehen wollen ...

Bruegel hat mehr als einmal einen Fluss gemalt, an dem Menschen entlang rutschen, andere gehen, einige fallen und wieder aufstehen und einige bleiben stehen. Ich habe den Fluss mehr als einmal geschrieben Menschenleben. In jedem Gemälde nimmt dieses Symbol jedoch Gestalt an neue Bedeutung. Hier ist der Fluss eine Falle, eine Falle: Das Eis kann jederzeit brechen, und leichtfertige Gestalten haben keine Zeit, zu entkommen. Das menschliche Leben ist zerbrechlich und vergänglich. Ebenso wie das Leben der Vögel, die sich der Falle nicht bewusst sind. Eine weitere Bestätigung dieser Idee findet sich in der Darstellung von Vögeln und Menschen im Vordergrund: Sie unterscheiden sich kaum in der Größe.

In einigen Exemplaren von „The Bird Trap“ ist Joseph zu sehen, wie er in der Nähe eines der Häuser einen Esel anspannt. Niemand bemerkt ihn. Den Bewohnern bleibt die heilige Geschichte, die hier und jetzt geschieht, gleichgültig...

„In allen Werken unseres Bruegel ist mehr verborgen als dargestellt“, sagte Abraham Ortelius, ein niederländischer Geograph und Freund des Künstlers. Bruegel ist widersprüchlich – mittelalterlicher Skeptizismus und Renaissance-Glaube an den Menschen, Fantasie und realistisches Detail, Morallehre und Lebenslust sind in seinem Werk eng miteinander verflochten, aber irgendwo dort, hinter den ersten verständlichen semantischen Schichten, scheinen alle Gegensätze zusammenzulaufen. ..

für das Magazin „Mann ohne Grenzen“

Holz, Öl

Herkunft: Christie's-Auktion, London, 14. Mai 1971, Los 107 als „Pieter Bruegel der Jüngere“; über die Galerie Boskovitch, Brüssel, 1973 Christies-Auktion, London, 15. April 2015, Los 413; Privatsammlung von K. Mauerhaus

Der Tanz oder Tanz von St. Vitus (Witt) wird heute als schwere neurotische Störung bezeichnet – Chorea, eine Art Hyperkinese, „ein Syndrom, das durch unregelmäßige, ruckartige, unregelmäßige Bewegungen gekennzeichnet ist, die normalen Gesichtsbewegungen und Gesten ähneln, aber unterschiedlich sind.“ Von ihnen in Amplitude und Intensität gibt es aufwändigere und groteskere, die oft an Tanz erinnern“, wie Wikipedia schreibt. Aber woher kommt der Name selbst und warum griff Bruegel in seinem Werk auf eine so seltsame Handlung zurück?

Wissenschaftler streiten auch heute noch über die Entstehung des Phänomens, aber wie dem auch sei, es gibt mindestens ein zuverlässig aufgezeichnetes historisches Ereignis, das als „Epidemie von 1518“ bezeichnet wird. Eine gewisse Madame Troffea in der französischen Stadt Straßburg führte mehrere Tage lang krampfartige Bewegungen aus, die einem Tanz auf der Straße ähnelten. Überraschenderweise schlossen sich ihr nach und nach mehrere hundert Städter an. Infolgedessen starben Dutzende Menschen an Schlaganfällen, Herzinfarkten oder einfach an Erschöpfung, da dieser Tanzmarathon mehr als einen Tag oder sogar eine Woche dauerte.

Und wie sich herausstellt, ist dies nicht der erste Fall einer solchen psychogenen Epidemie! So wurden durch die beispiellose Rheinflut im Jahr 1374 die Ernten der deutschen Bauern vernichtet, was ihr ohnehin schon schwieriges Leben in eine Hölle am Rande von Leben und Tod verwandelte. Die Gläubigen, die sich in Aachen versammelten, um traditionell den Tag ihres Schutzpatrons Johannes des Täufers zu feiern, gerieten unter dem Einfluss von Stress, in ihrem verzweifelten Wunsch, dem Heiligen zu gefallen und um seine Hilfe zu bitten, in eine Tanzbacchanie – sie zuckten, fielen in Trance, ihre Gesichter drückten Leiden aus. Bis zu einem halben Tausend Menschen nahmen gleichzeitig an solchen Tänzen teil! Die Epidemie breitete sich allmählich auf Westeuropa aus und ließ in den Niederlanden nach.

Ein weiterer Grund für solche Massenpsychosen liegt im religiösen Aberglauben. Der heilige Vitus, der im vierten Jahrhundert lebte und an Chorea litt, bat Gott, alle Betroffenen zu heilen, bevor er vor seinem schmerzhaften Tod in einem Kessel mit siedendem Öl landete, wohin Kaiser Diokletian befahl, ihn zu werfen, weil er sich weigerte, dem christlichen Glauben abzuschwören Krankheit. Im Mittelalter glaubte man in Deutschland, dass das „Tanzen mit dem Tamburin“ vor der Statue des Heiligen Vitus an seinem Namenstag, dem 15. Juni, das ganze Jahr über Kraft und Gesundheit stärken könne. Der medizinische Begriff „Trochea“ oder „Tanz des Heiligen Veits“ wurde übrigens vom großen Paracelsus eingeführt. Die wiederholte Massentanzhysterie in Europa ist im Wesentlichen keine Chorea – es ist keine Krankheit, sondern eine Manifestation religiöser Überhöhung am Rande des Wahnsinns.

Es gibt einen bekannten Stich aus dem Jahr 1642 von Hendrick Hondius nach einer Zeichnung von Pieter Bruegel dem Älteren (1564) „Tanzwahn während einer Pilgerreise zur Kirche von Molenbeek-Saint-Jean“. Pieter Bruegel der Jüngere trat in die Fußstapfen seines Vaters und wandte sich ebenfalls einer Handlung zu, die, wie sich herausstellte, ganz gewöhnlich und zu seiner Zeit vertraut war. Übrigens wurden oft Musiker eingeladen, um den Tänzern zu „helfen“, wie wir in der auf dem Bild dargestellten Szene sehen können. Und ja! – Achten Sie auf die am Rahmen angebrachte Plakette: Hier steht ganz deutlich, dass das Gemälde zum Pinsel von Pieter Bruegel dem Älteren (dem Älteren) gehört. Was würde das bedeuten? ..

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Trinkkönig

Holz, Öl

Herkunft: Christie's Auktion, London, 6. Dezember 2011, Los 15; erworben 2014 in der Privatsammlung Kunstberatung von K. Mauerhaus;

„Der König trinkt!“ oder „Der trinkende König“ oder „Der Bohnenkönig“ ist ein in der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts sehr beliebtes Thema. Pieter Bruegel der Jüngere war bei weitem nicht der einzige Künstler, der sich in seinem Werk dem Thema der unkontrollierbar fröhlichen und betrunkenen Volksfeste zuwandte, die die Feier des katholischen Dreikönigsfestes begleiteten.

Ein obligatorisches Merkmal des Feiertags war ein Kuchen, dem vor dem Backen eine Bohne, ein Symbol des Sterns von Bethlehem, beigemischt wurde. Nach dem Servieren wurde der Kuchen entsprechend der Anzahl der Festteilnehmer geschnitten. Derjenige, der das Glück hatte, das begehrte Stück Bohnenkuchen zu ergattern, stand im Mittelpunkt aller Aufmerksamkeit, wurde zum Bohnenkönig und alle anderen wurden zu seinem Gefolge. Jeder versuchte, dem König zu gefallen und ihm jeden Wunsch zu erfüllen. Vom König wurde nicht viel verlangt – so oft wie möglich erhob er sein weit davon entferntes Glas mit dem Ausruf „Der König trinkt!“ Und es ist nicht nötig, Toasts zu erfinden und Reden zu halten – es reicht aus, Ihren „Untertanen“ einfach den Befehl für das nächste Trankopfer zu erteilen.

Dies ist die Art von gewagtem Trunkenheitsgelage, die Pieter Bruegel der Jüngere auf dem folgenden Bild zeigte: Hier sind Kinder, Hunde, Katzen und Hühner – alle sind warm und glücklich an diesem kalten Januartag am Feuer inmitten eines heißen Festmahls mit reichlich Getränken und Speisen, mit unprätentiösem Tanz zu Dudelsackklängen...

Achten Sie übrigens auf die unglaubliche Ähnlichkeit dieses Gemäldes mit dem Gemälde „Der König trinkt“ von Maarten van Cleve dem Älteren (1527 - 1581), einem Anhänger von Pieter Bruegel dem Älteren! . Es ist offensichtlich, dass die Palme hier van Cleve gehört, und Pieter Bruegel der Jüngere wurde unter anderem deutlich von den Werken dieses Künstlers beeinflusst.

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Volkszählung in Bethlehem

Holz, Öl

Herkunft: Privatsammlung, Europa; Piasa-Auktion, Paris, 31. März 2014, Los; Privatsammlung von K. Mauerhaus

Im Werk von Pieter Bruegel dem Jüngeren lassen sich zwei Hauptrichtungen deutlich erkennen: Genreszenen, die das Leben des einfachen Volkes darstellen, aus denen man heute das Leben und die Bräuche Flanderns im 17. Jahrhundert studieren kann – und hier folgt der talentierte Sohn die Spuren seines großen Vaters, die seine Traditionen fortführen, und christliche, biblische Szenen, aber im gleichen Stil dargestellt: Wir sehen Porträts von Zeitgenossen des Künstlers – ohne Zweifel. Urteilen Sie selbst: „Die Volkszählung in Bethlehem“ erinnert uns auf den ersten Blick nicht an die Ereignisse von vor mehr als zweitausend Jahren – alles, was auf der Leinwand dargestellt ist, ist so gewöhnlich, die Kostüme, Häuser, Gesichter und der Schnee, der auf den Straßen liegt entsprechen nicht unseren Vorstellungen und unserem Wissen über das antike Judäa. Schau genauer hin! Welche Art von Geld geben Bürger mit ihren Geschäftsbüchern an Beamte, die zu Besuch kommen? Ist das eine Volkszählung? Vielmehr geht es darum, Steuern einzutreiben! Und nur eine Frau auf einem Esel, in einen Umhang gehüllt (um ihre Schwangerschaft zu verbergen?), die einem Mann mit einem bestimmten Werkzeug, das einer Säge ähnelt, folgt, deutet auf ein Fragment aus dem Evangelium hin, das von der Ankunft des Zimmermanns Joseph und seiner Frau Maria erzählt Bethlehem und auf dem Weg zum Gasthaushof Es ist lustig, aber im Vordergrund schlachten sie eindeutig Weihnachtsschweine und bereiten sich auf die Feier der Geburt Christi vor! Auf diese Weise sind biblische Geschichte und Moderne in Flemings Gemälde eng miteinander verbunden.

Das Thema der Evangelienzählung erfreute sich offensichtlich großer Beliebtheit bei den Kunden von Pieter Bruegel dem Jüngeren, wenn dieses Werk bei weitem nicht das einzige ist und es sich tatsächlich um eine Kopie eines Gemäldes seines Vaters handelt. Aber im Gegensatz zu Bruegels „Volkszählung“ des Älteren sehen wir hier nur die untere Hälfte eines viel größeren Gemäldes. Aber das Königliche Museum der Schönen Künste in Antwerpen beherbergt eine vollständige Version der „Volkszählung“.

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Bauernkampf

Holz, Öl

Herkunft: Verkauf der Fursac-Sammlung, Galerie Fievez, Brüssel, 14. Dezember 1923, Nr. 33, als „Pierre II“, illustriert von PL. VII; Privatsammlungen, Europa; Galerie de Jonckheere, Paris, 2014; Privatsammlung von K. Mauerhaus.

Die Genreszenen von Pieter Bruegel dem Jüngeren spiegeln nicht nur das Leben in den Niederlanden seiner Zeit wider; Wie die Werke meines Vaters sind sie alle voll tiefe Bedeutung, sind manchmal erbaulicher Natur und enthalten eine gewisse Moral. So ist das Bild „Bauernkampf“. Den Details nach zu urteilen, haben wir es mit einem Konflikt zu tun, der währenddessen aufflammte Kartenspiel und entwickelte sich zu einem schweren Kampf, bei dem improvisierte Mittel als Argumente zum Einsatz kamen. Und die Argumente hier sind ernst! Zum Beispiel eine Heugabel, die eine Bäuerin an ihre Brust drückte und die sie niemals einem allzu wütenden Debattierer geben wollte, um Blutvergießen, wenn nicht gar Mord zu vermeiden. Und diese furiose Szene spielt sich vor dem Hintergrund eines völlig friedlichen Dorffestes ab.

Stimmen Sie zu, das ist uns Russen so nah! Nun, was ist eine Hochzeit in einem russischen Dorf ohne einen guten Kampf? „Dann haben sie den Bräutigam gefangen und lange geschlagen“, sang Wladimir Semenowitsch Wyssozki. Die menschliche Natur verändert sich im Laufe der Zeit nicht. Jahrhunderte sind vergangen, und das Thema eines unbedeutenden, unangemessenen, sinnlosen Alltagsstreits mit kriminellem Ausgang verliert nicht an Aktualität.

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Dudelsackspieler spielt auf der Straße, umgeben von Kindern

Holz, Öl

Herkunft: de Blomaert-Sammlung; Privatsammlung Schweiz; Galerie de Jonckheere Paris, 2015; Privatsammlung von K. Mauerhaus.

Ich versuche die Absicht des Künstlers zu verstehen, Hauptidee, ausgedrückt auf dieser Leinwand, aber ich sehe nur eine Menge Kinder, die den Dudelsackspieler bewundernd betrachten. Mir kommt es so vor, als würde er noch nicht einmal spielen, und die Kinder sind schon in Erwartung der Musik erstarrt – für sie ist es ein unverständliches Mysterium, ein Wunder, das aus den Tiefen des hässlichen grauen Fells geholt wurde. Und es spielt keine Rolle, dass in der Nähe ein anderes Drama spielt und einer seiner Beteiligten bereits eine Hacke auf einen Gegner geschwungen hat und die Zuschauer entweder rennen, um zu sehen, wie alles ausgehen wird, oder um die streitenden Parteien zu unterstützen – schließlich Was auch immer es ist, die Unterhaltung liegt in ihrem primitiven, eintönigen Leben voller täglicher harter Arbeit. Und nur Kinder, rein und naiv, lauschen fasziniert den elenden Klängen von Dudelsäcken. „Im Land der Blinden und Krummen ist er König.“

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname „Infernal“ (1564/65 – 1637/38), und Werkstatt. Vogelfalle

Holz, Öl

Herkunft: Grace Wilkes, New York, die das Gemälde 1922 dem Metropolitan Museum of Art, New York, vermachte; Christie's Auktion, London 6. Juni 2012, Lot 72; Privatsammlung von K. Mauerhaus

Ich wage zu behaupten, dass „Winterlandschaft mit Vogelfalle“ oder „Winterlandschaft mit Schlittschuhläufern und Vogelfalle“ oder einfach „Vogelfalle“ wahrscheinlich das beliebteste Thema nicht nur bei Bruegels, sondern auch bei anderen niederländischen Künstlern ist; vielleicht ist er sogar noch beliebter als der Trinkkönig. Pieter Bruegel der Jüngere wandte sich so oft an ihn, dass es heute weltweit über hundert urheberrechtlich geschützte Kopien gibt, zwei davon sind in Russland zu sehen: in Staatliche Eremitage in St. Petersburg und Landesmuseum Bildende Kunst benannt nach. ALS. Puschkin in Moskau. Und nun ist ein drittes Exemplar in der Sammlung von K. Mauerhaus aufgetaucht.

Auf den ersten Blick sehen wir ein idyllisches Bild einer schneebedeckten niederländischen Stadt. Bewohner, ob jung oder alt, skaten auf dem zugefrorenen Fluss. Und die Vogelfalle selbst nehmen wir zunächst nicht als Falle wahr, sondern eher als Futterspender. Und erst nach einer Weile beginnen wir zu verstehen, dass dieser Futterautomat irgendwie seltsam ist: Eine alte Holztür liegt auf einer unzuverlässigen Unterlage, Futter ist darunter verstreut, die Vögel picken vertrauensvoll darauf herum, ohne sich der Bedrohung bewusst zu sein, die über ihnen schwebt. Der Holzpflock kann jeden Moment unter der Tür hervorrutschen und alle Vögel darunter werden zerquetscht. Welchen Sinn hat es, eine solche Struktur zu installieren, die für Vögel tödlich ist?

Im Vergleich zu den Vögeln, die im Vordergrund auf den Ästen sitzen, wirken die Menschen am Fluss nicht größer – und unwillkürlich drängt sich eine Analogie auf: Die Menschen und Vögel auf diesem Bild sind sich so ähnlich! So wie Vögel jederzeit getötet werden können, können Menschen unter fragiles Eis oder in ein Eisloch fallen. Die implizite Bedrohung, die tödliche Gefahr, die über Menschen und Vögeln schwebt, bringt sie zusammen und macht sie angesichts der Unerbittlichkeit des Schicksals gleich. Und es stellt sich die Frage: Ist das Risiko gerechtfertigt? Und ist es nicht der Fluss des Lebens selbst mit seinen Versuchungen, zahlreichen Herausforderungen und Prüfungen, den der Autor in dem Bild dargestellt hat?

Flämische (niederländische) Sprichwörter

Drei kleine Tondos von Pieter Bruegel dem Jüngeren, die in der Ausstellung präsentiert werden und niederländische Sprichwörter illustrieren, sind die geheimnisvollsten Werke des Meisters und wecken daher das größte Interesse. Für unvorbereitete Leute schlecht kenntnisreich über die Geschichte Die Niederlande, die Lebensweise, die mentalen Eigenschaften der Bevölkerung dieses Landes und derjenigen, die die Sprache nicht sprechen, das sind eher keine Sprichwörter, sondern echte Rätsel und Rätsel, die zu intensiven Recherchen führen, um zu verstehen, was der Künstler ist wollte es uns sagen. Deshalb hat Ihr bescheidener Diener große Anstrengungen unternommen, um die geheime Bedeutung dieser erstaunlichen Werke aufzudecken.

Das berühmte Gemälde „Flämische (niederländische) Sprichwörter“ von Pieter Bruegel dem Älteren steht Boschs Phantasmagorie in nichts nach. Dieses Gemälde ist immer noch Gegenstand der großen Aufmerksamkeit der Kunstkritiker. Die einzelnen Handlungsfragmente, aus denen sich dieses unheimlich-skurrile Mosaik zusammensetzt, werden durch zahlreiche Sprichwörter illustriert; Spezialisten konnten über hundert von ihnen identifizieren. Nicht alles ist entschlüsselt, denn einige Sprichwörter sind in Vergessenheit geraten, überholt oder werden nicht mehr verwendet. Die drei Tondos von Pieter Bruegel dem Jüngeren konnte ich jedoch aus den Beschreibungen des Gemäldes seines Vaters nicht entziffern: Der Sohn ging weiter als sein Vater. Seine Reihe flämischer Sprichwörter enthält sowohl Listen mit Geschichten seines Vaters als auch eigene Illustrationen von Sprichwörtern.

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Trunkenbold auf einem Ei

Holz, Öl. Durchmesser 12,5 cm

Herkunft: Hampel-Auktion, München 25. September 2014, Lot 642; Privatsammlung von K. Mauerhaus

Es gelang mir, im Internet einen Kupferstich von Jan Wierix aus der Serie „Zwölf flämische Sprichwörter“ zu finden, der auf einer Zeichnung von Pieter Bruegel dem Älteren (1568) basiert und um einen bestimmten Vierzeiler ergänzt wurde, dessen Übersetzung einige Mühe in Anspruch nehmen musste . Der Titel des Kupferstichs „Nur ein Narr brütet ein leeres Ei aus“ ist offensichtlich die letzte Zeile des Vierzeilers. Der zweite Satz wurde fast vollständig mit dem Google-Übersetzer übersetzt: „Sie lächeln immer und sind voller guter Laune ...“. Leider bin ich mir nicht sicher, ob ich den Text aus dem Stich richtig getippt habe; Es ist durchaus möglich, dass ich einige der Zeichen falsch interpretiert habe und es darin Umlaute gibt. Aber auf jeden Fall stimmen die Bedeutung des Vierzeilers und der Titel „Säufer auf einem Ei“, unter dem ein ähnliches Werk von Pieter Bruegel dem Jüngeren in Nischni ausgestellt wurde, irgendwie nicht überein: Das Ei auf dem Bild ist eindeutig nicht leer, und es ist nicht so sehr ein Narr, der darauf sitzt, sondern vielmehr ein Liebhaber von Trankopfern.

Übrigens gibt es im Königlichen Museum der Schönen Künste in Antwerpen ein weiteres, nur geringfügig ähnliches Werk von Pieter Bruegel dem Jüngeren größere Größe. Wenn Ihnen Recherchen aus der Reihe „Finde 10 (20,30...) Unterschiede“ gefallen, bitte: Flämische Sprichwörter!

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Ein Mann umarmt eine Dame, wenn sie eine Nadel in der Hand hat

Herkunft:

Ich wage es, meine bescheidene Meinung zur Handlung dieses Bildes zu äußern. Es scheint mir, dass wir über Nachlässigkeit, Nachlässigkeit und gedankenloses Handeln sprechen. Der Mann verhält sich eindeutig rücksichtslos! Nicht wahr?

Pieter Bruegel der Jüngere, Spitzname Hellish (1564/65 – 1637/38). Flämisches Sprichwort

Holz, Öl. Durchmesser 17,5 cm

Herkunft: Galerie Robert Finck, Brüssel, 1973; Sammlung von Baron de Warnand; Galerie de Jonckheree; Privatsammlung von K. Mauerhaus

Ich werde gar nicht erst versuchen, die Szene auf diesem Bild irgendwie zu interpretieren. Ich bin mir im Voraus sicher, dass ich falsch liegen werde. Lassen Sie mich nur sagen, dass viele niederländische Sprichwörter Entsprechungen im Russischen haben. Und aus irgendeinem Grund kam mir eine Zeile aus der berühmten Fabel von I.A. in den Sinn. Krylova: „Und Vaska hört zu und isst.“

Für die Zeitgenossen war es höchstwahrscheinlich nicht schwer, den Autor zu verstehen – für uns ist es Jahrhunderte später viel schwieriger. Ich denke, dass Kunsthistoriker noch viel Arbeit vor sich haben, um die in diesen Gemälden verborgenen Bedeutungen und ideologischen Botschaften des Meisters zu entschlüsseln. Vielleicht haben europäische Forscher bereits über Bruegels Werk geschrieben Wissenschaftliche Artikel und verteidigte sogar Dissertationen über Meisterwerke, die dank eines erstaunlichen Zufalls nun in einer Privatsammlung in Russland landeten. Wenn Sie sich für dieses Thema interessieren und relevante Veröffentlichungen finden, teilen Sie diese Informationen bitte in den Kommentaren!

Tatiana Shepeleva. Oktober 2016

(Anklickbar)
Pieter Bruegel der Ältere. Winterlandschaft mit Schlittschuhläufern und Vogelfalle, 1565. Öl auf Holz, 37x55,5 cm. Königliches Museum Kunst von Belgien, Brüssel.

Nicht umsonst gilt Pieter Bruegel von Muzhitsky (der Ältere) neben all seinen anderen Verdiensten als Begründer der Landschaft – wie schön die Winterlandschaft mit Fluss und Schlittschuhläufern gemalt ist, wie subtil der Meister hier vermittelt die Merkmale des nassen flämischen Winters, wie alle Details des Lebens der Flamen detailliert dargestellt werden. Natürlich ist diese Landschaft besser bekannt durch zahlreiche Kopien, die Pieter Bruegels ältester Sohn, ebenfalls Pieter, angefertigt hat. Pieter Bruegel der Jüngere erhielt den Spitznamen „Infernal“.

Die von Pieter Bruegel dem Jüngeren gemalte Eremitage-Kopie ist unten abgebildet.
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Winterlandschaft mit Schlittschuhläufern und Vogelfalle, 1615-1620. Holz (Eiche), Öl, 37,8x55,7 cm GE

Pieter Bruegel der Ältere hatte zwei Söhne, beide wurden Künstler und kopierten seine Werke. Daher ist es nicht verwunderlich, dass man sich im Erbe der Familie Bruegel verwirrt. Dennoch hatte jeder Vertreter dieser Künstlerfamilie sein eigenes kreatives Gesicht: ein „dunkleres“ mit zahlreichen Szenen der Passion Christi – des ältesten Sohnes von Pieter Bruegel (1564-1638), der den Spitznamen „Höllenbeste“ trägt; fröhlicher – vom jüngeren Jan Brueghel (1568-1625), der wegen seiner exquisiten Stillleben und Landschaften, meisterhaft gemalt und unglaublich attraktiv in der Farbe, den Spitznamen „Samt“ erhielt. Da der älteste Sohn keine Nachkommen hatte, sollte er der jüngere Pieter Bruegel bleiben, und der jüngste Sohn Jan hatte eine Familie, sein Sohn hieß Jan – so erschienen Jan Brueghel der Ältere und Jan Brueghel der Jüngere. Jans Enkel und Urenkel wurden ebenfalls Künstler, aber wir werden separat über sie sprechen, aber vorerst - hier sind Porträts der Söhne von Pieter Bruegel Muzhitsky (alle Bilder unten sind anklickbar):

Van Dycks Werkstatt. Porträt von Pieter Bruegel dem Jüngeren. Öl auf Leinwand, 58x45,5 cm GE; Rubens. Familie von Jan Brueghel dem Älteren, 1613-1615. Öl auf Holz, 125,1 x 95,2 cm Das Courtauld Institute of Art, London.

Im selben Königlichen Kunstmuseum in Brüssel, in dem sich Bruegel Muzhitskys „Winterlandschaft mit Vogelfalle“ befindet, befindet sich ein weiteres seiner Werke – eine frühe Version von „Die Anbetung der Könige“:


Pieter Bruegel der Ältere. Anbetung der Könige, um 1562. Tempera auf Leinwand, 124 x 169 cm.

Die Söhne kopierten dieses Werk ihres Vaters, mit geringfügigen Abweichungen; auf den beiden Kopien unten wird sehr deutlich, warum die Künstler ihre Spitznamen erhielten: die düstere Atmosphäre und die dunklen Farben der Kopie des ältesten Sohnes und die elegante, exquisite Farbszene von den Jüngeren gemalt - Optionen „Höllisch“ und „Samt“:

Pieter Bruegel der Jüngere. Anbetung der Heiligen Drei Könige, 17. Jahrhundert. Öl auf Leinwand, 140,2 x 171,5 cm. Königliches Kunstmuseum Antwerpen.

Jan Brueghel der Ältere (Samt). Anbetung der Könige, 1598. Kupfer, Öl, 33x48 cm.

Der jüngste Sohn liebte es, darauf zu schreiben Kupferplatten seine kleinformatigen Kompositionen – er tendierte zur Miniatur und zu sorgfältig ausgeschriebenen Entwürfen.

„Die Anbetung der Könige“ aus der Familie Bruegel ist besser bekannt in der späteren „verschneiten“ Version, in der die Bethlehem-Szene ins winterliche Flandern übertragen wird – es sind viele Kopien von Pieter Bruegel dem Jüngeren bekannt, die nach dem Original seines Vaters angefertigt wurden: eines davon Sie befinden sich in der Eremitage, ein weiteres im Rijksmuseum in Amsterdam, es gibt noch viele andere ...

Pieter Bruegel der Jüngere. Anbetung der Heiligen Drei Könige, v.p. 16. Jahrhundert Öl auf Leinwand, 36x56 cm GE

Pieter Bruegel der Jüngere. Anbetung der Heiligen Drei Könige, zwischen 1598 und 1638. Öl auf Holz, 41x57 cm. Rijksmuseum, Amsterdam.

Und das ist wahrscheinlich das Original. Jedenfalls gilt es derzeit als Werk von Pieter Bruegel dem Älteren:


Pieter Bruegel der Ältere. Anbetung der Könige, 1567. Öl auf Holz, 35x55 cm Museum „Am Römerholz“ – Sammlung Oskar Reinhart, Winterthur, Kanton Zürich, Schweiz.

„Velvet“ Bruegel würdigte auch Kompositionen zu religiösen Themen, er verfügt über eigenständige Werke – nachfolgend einige seiner Werke aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien.

Jan Brueghel der Ältere (Samt). Kreuzigung, um 1595. Kupfer, Öl, 26x35 cm.

Jan Brueghel der Ältere (Samt). Weg zum Markt, 1603. Kupfer, Öl, 18,4 x 26 cm.

Jan Brueghel der Ältere (Samt). Waldlandschaft mit Hirschjagd, um 1593. Kupfer, Öl, 25x36 cm.

Jan Brueghel der Ältere (Samt). Waldlandschaft und Berglandschaft mit der Versuchung Christi, beide um 1605–1610. Eichenbretter, Öl, 40x32 und 62x41,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Wien.

Bis auf die letzten beiden Landschaften sind alle gezeigten Gemälde auf Kupferplatten gemalt – dies war damals in Flandern üblich.

IN Wiener Museum Es gibt mehrere weitere berühmte Werke von Pieter Bruegel Muzhitsky aus verschiedenen Epochen. Die früheren „Die Schlacht von Fastenzeit und Maslenitsa“ und „Kinderspiele“ waren noch ganz im Geiste mittelalterlicher „dicht besiedelter“ Gemälde geschrieben, in denen die Gesichter der Menschen fast nicht personifiziert sind und die Komposition insgesamt eine Draufsicht darstellt der „menschliche Ameisenhaufen“, in dem jeder mit was beschäftigt ist – geschäftlich oder an einem kollektiven Spaß-Kampf-Arbeitsprozess teilnimmt ...

Pieter Bruegel der Ältere. Schlacht von Fastenzeit und Maslenitsa, 1559. Öl auf Eichenholzplatte, 118x164 cm.

Pieter Bruegel der Ältere. Kinderspiele, 1560. Öl auf Holz, 118x161 cm.

Seine Werke, in denen die Handlung in einer Landschaft stattfindet, sind kompositorisch völlig unterschiedlich. Landschaftspanorama vielleicht Protagonist Dieses majestätische Bild, und die Menschen sind nur Statisten. Die Szene, die dem Bild seinen Namen gibt, nimmt einen bescheidenen Platz am linken Rand ein...

Pieter Bruegel der Ältere. Selbstmord des Saul, 1562. Öl auf Holz, 34x55 cm.

Ebenso ist an einer winzigen Stelle in der Tiefe des Bildes die Evangeliumsszene der „Bekehrung des Saulus“ dargestellt und im Vordergrund eine vielfarbige Kavalkade, die eine Bergstraße entlang marschiert. Die Landschaft ist sowohl im Vordergrund als auch im Hintergrund gleichermaßen sorgfältig gemalt. Das malerische Können des Künstlers erreicht hier eine solche Virtuosität und Leichtigkeit des Schreibens, dass man das Bild mit der Lupe betrachten und nicht müde werden kann, es zu bewundern ...


Pieter Bruegel der Ältere. Bekehrung des Paulus (Saul), 1567. Öl auf Holz, 108x156 cm.

Eine weitere tragische Handlung zeigt Bruegel Muzhitsky als Alltagsszene: Inmitten einer meisterhaft gemalten Landschaft, in der marschierenden Menschenmenge im Hintergrund, sieht man den gebeugten Christus, der das Kreuz trägt, nicht sofort, im Vordergrund spielt sich nur das Drama ab ...

Pieter Bruegel der Ältere. Prozession nach Golgatha, 1564. Öl auf Eichenholz, 124x170 cm.

Zum Vergleich mit dieser Komposition präsentiere ich ein eigenständiges Gemälde von Pieter Bruegel dem Jüngeren zum gleichen Thema – das Ausmaß des Talents des Vaters übersteigt eindeutig die Fähigkeiten des Sohnes, obwohl er ein guter Maler ist ...

Pieter Bruegel der Jüngere. Golgatha, 17. Jahrhundert Öl auf Holz, 106,8×161,5 cm. Königliches Kunstmuseum Antwerpen.

Im Wiener Museum gibt es eine weitere berühmte „Kreuztragung“ – Bosch. Es ist sehr interessant, dieses Gemälde und seinen Umschlag (es ist Teil eines nicht erhaltenen Triptychons) nach Bruegels Gemälden zu betrachten ...

Bosch. „Kreuztragend“ und Rückseite „Kind mit Windrad und Gehhilfe“ um 1500. Öl auf Eichenholzplatte, 57,2 x 32 cm.

Abschließend schlage ich vor, einen Ausschnitt aus dem Film „Die Museumsuhr“ anzuschauen, den ich Museumsliebhabern empfohlen habe: Der Führer spricht über die Gemälde von Bruegel dem Älteren im Kunsthistorischen Museum Wien.

Pieter Bruegel der Ältere

(um 1525/1530–1569)

Das Werk von Pieter Bruegel dem Älteren (ca. 1525/1530–1569), genannt Muzhitsky, ist das Ergebnis der komplexen Entwicklung der niederländischen Kunst des 15. und 16. Jahrhunderts. Es bestimmte die neue, letzte und bedeutendste Etappe seiner Entwicklung, die die Züge des tragischen Humanismus offenbarte. Pieter Bruegel war ein aufgeklärter Mann. Freundliche Beziehungen verbanden ihn mit humanistischen Schriftstellern und Wissenschaftlern aus den Niederlanden und Italien. Bruegels hohe Bildung war mit gesundem Menschenverstand, geistiger Unabhängigkeit, Weisheit, Humor, Menschen- und Lebenskenntnis verbunden.

Landschaft mit Schlittschuhläufern und Vogelfalle, 1565

Ein flämisches Dorf versank in Schneeverwehungen. Wintergrafiken von Bäumen – hell und zart vor dem Himmel. Auf dem Eis eines zugefrorenen Flusses laufen unbeschwerte Menschen Schlittschuh, laufen, spielen etwas und unterhalten sich angeregt. Hinter den Häusern öffnen sich schneebedeckte Weiten, hier und da ragen niedrige Bäume aus dem Schnee und weit, weit am Horizont sind die hohen Dächer der Stadt kaum zu erkennen. Das ganze Bild strahlt Ruhe und Unbeschwertheit aus – als wäre es eine Art flämischer „Sonntag“, eine lang ersehnte Ruhepause von der einwöchigen Arbeit. Pieter Bruegel der Ältere vereinte wie kein anderer flämischer Künstler das Talent eines Landschaftsmalers mit dem Talent eines Miniaturisten. Eine Leidenschaft für die Landschaft wurde in ihm durch Italien geweckt, durch das Pieter Bruegel reiste und die Ideen und Ästhetik der Hochrenaissance verstand. Er war von der lichtdurchfluteten Natur fasziniert; Seine Liebe zum Detail wurde in seiner Heimat Flandern genährt, und jeder Quadratzentimeter jedes seiner Werke lebt wie eine eigenständige Miniatur, die mit unglaublicher Sorgfalt gemalt wurde. Die landschaftliche Erhabenheit des Universums – und das bunte Mosaik menschlicher Figuren.
...dieses kleine Gemälde, gestaltet in einem exquisiten Perlmutt-Farbschema... erfreute sich besonderer Beliebtheit, und heute sind 127 Exemplare davon bekannt, von denen 45 aus dem Pinsel von Bruegel dem Jüngeren, dem Sohn des Künstlers, stammen.
Wo ist die Falle? Ehrlich gesagt, erkennt man es nicht sofort an dieser schweren Tür, die leicht über dem Boden liegt – darunter ist großzügig Getreide ausgestreut, und sorglose Vögel huschen genau wie Menschen umher. Wo ist der Vogelfänger? Ein Hauch von Angst fließt in die ruhige Musik eines Wintertages ein.
Peter der Joker (wie Bruegel von seinen Zeitgenossen genannt wurde) hat die Landschaft von einem hohen Standpunkt aus eingefangen, aus irgendeinem Grund hat er uns über das Geschehen erhoben, und wir können das Bild nicht „betreten“, auf das Eis treten, als ob wir Wissen Sie, wir haben etwas bemerkt, das wir Eisschnellläufern nicht sehen wollen. Bruegel hat mehr als einmal einen Fluss gemalt, an dem Menschen entlang rutschen, andere gehen, einige fallen und wieder aufstehen, und einige bleiben stehen. Mehr als einmal hat er den Fluss des menschlichen Lebens geschrieben. Allerdings erhält dieses Symbol in jedem Gemälde eine neue Bedeutung. Hier ist der Fluss eine Falle, eine Falle: Das Eis kann jeden Moment brechen, und leichtfertige Gestalten haben keine Zeit zu entkommen. Das menschliche Leben ist zerbrechlich und vergänglich. Ebenso wie das Leben der Vögel, die sich der Falle nicht bewusst sind. Eine weitere Bestätigung dieser Idee findet sich in der Darstellung von Vögeln und Menschen im Vordergrund: Sie unterscheiden sich kaum in der Größe. Auf einigen Kopien des Gemäldes „Landschaft mit Skatern und einer Vogelfalle“ ist Joseph zu sehen, wie er in der Nähe eines der Häuser einen Esel anspannt. Niemand bemerkt ihn. Den Bewohnern bleibt die heilige Geschichte, die hier und jetzt geschieht, gleichgültig. Pieter Bruegels Malerei ist widersprüchlich – mittelalterlicher Skeptizismus und Renaissance-Glaube an den Menschen, Fantasie und realistisches Detail, Morallehre und Lebenslust sind in seinem Werk eng miteinander verflochten, aber es scheint, dass irgendwo dort, hinter den ersten klaren semantischen Schichten, alle Gegensätze zusammenlaufen ...

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Die Vier-Jahreszeiten-Landschaften wurden vom Antwerpener Finanzier Nicolas Jongelink in Auftrag gegeben, einem bekannten Kunstsammler, zu dessen Sammlung bereits andere Gemälde von Bruegel gehörten. Jongelink betrachtete seine Sammlung rein praktisch – als bequeme Möglichkeit, Geld anzulegen. Als der Künstler gerade mit der Arbeit an „Die Jahreszeiten“ begonnen hatte, hatte der Kunde bereits über sein Schicksal entschieden: Am 22. Februar 1565 übertrug Jongelink seine gesamte Sammlung an die Antwerpener Stadtkasse als Sicherheit für einen großen Kredit, den er von der Stadt aufgenommen hatte. Jongelink hat seine Anzahlung nie eingelöst, und beste Gemälde Bruegel war jahrzehntelang in der Stadtkasse eingesperrt. Seit vielen Jahren sorgen Bruegels Landschaftsbilder „Die vier Jahreszeiten“ für heftige Debatten unter Forschern. Sie streiten beispielsweise darüber, wie viele Gemälde ursprünglich in die Serie aufgenommen wurden: Einige vermuten, dass es zwölf davon waren und jedes einen bestimmten Monat darstellte; andere argumentieren, dass es nur vier davon gibt und sie den Jahreszeiten gewidmet sind, sodass entweder „Heuernte“ oder „Ernte“ aus dem Zyklus ausgeschlossen sind. Die plausibelste Version ist, dass Bruegel sechs Gemälde malte und jedes davon zwei Monaten gleichzeitig widmete. In den Gemälden „Jahreszeiten“ beginnt der Künstler, vergrößerte Menschenfiguren in den Vordergrund zu rücken. Dabei handelt es sich um Bauern, deren Berufe naturgemäß dem Wechsel der Jahreszeiten unterliegen. Somit handelt der Mensch als organischer Teil der Natur. Alle Landschaften sind nicht nur majestätisch, sondern auf ihre Art auch gemütlich. Das ist das freundliche Land der Niederlande, dessen Bewohner besser als andere Völker die Umwelt bewohnbar gemacht haben, ohne sie zu schädigen.

Jäger im Schnee, 1565

Bruegels Gemälde ist Teil einer Serie von sechs Gemälden, die die Jahreszeiten darstellen (fünf davon, darunter Jäger im Schnee, sind erhalten). Das Gemälde befindet sich in der Sammlung des Kunsthistorischen Museums in Wien. Im Gemälde „Jäger im Schnee“ erscheint der Winter unter dem Pinsel des Künstlers als Ebene, die im satten Weiß des unberührten Schnees erstrahlt und sich dem Betrachter plötzlich und aus großer Höhe wie im Flug offenbart; Ich kann nicht umhin, den grüngrauen Himmel das Himmelsgewölbe zu nennen: Er ist so majestätisch, kalt und ruhig. Die Komposition des Gemäldes „Jäger im Schnee“ nutzt eine für Bruegels Gemälde typische Technik – einen hohen Vordergrund, von dem aus sich der Blick auf die darunter liegende Ebene öffnet. Die diagonalen Linien aus Bäumen, Dächern und Hügeln lenken den Blick des Betrachters streng in den Bildraum, dorthin, wo Menschen arbeiten und Spaß haben. Alle ihre Aktivitäten finden in der Stille der frostigen Luft statt. Bäume und Figuren werden als erstarrte Silhouetten vor dem Hintergrund einer grauen Winterlandschaft dargestellt, und die Spitzen der spitzen Dächer erinnern an die zerklüfteten Berge in der Ferne. Dem Künstler und Philosophen-Maler Pieter Bruegel gelang es, die harmonische Einheit der Welt zu vermitteln: die Kraft, Majestät der Natur – und Schönheit Herd und Zuhause, die täglichen Angelegenheiten einer Privatperson. Vor dem Betrachter entfaltet sich ein Panorama eines wunderschönen, harmonisch arrangierten Winkels der Welt, für einen Moment der Realität entrissen, eingetaucht in die Stille eines Wintertages: Die Jäger erstarrten, das Gebell der Hunde verstummte, in den Höhen des Am Himmel war es, als ob ein Adler im freien Flug erstarrte. Doch die betörende Stille täuscht: Der Betrachter hat das Gefühl, am Rande des Erwachens zu stehen, und nun ist er bereit, zum Komplizen des Geschehens auf der Leinwand zu werden und den Jägern bis zum Fuß des Hügels nachzujagen. Das Gemälde „Jäger im Schnee“ von Pieter Bruegel gilt als eines davon größte Meisterwerke Weltlandschaftsmalerei.

Bruegel, Bach

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Dunkler Tag, 1565

Gemälde „Gloomy Day“ aus der Serie „Seasons“. Arbeiten Sie an dieser Serie von Landschaften, die das Ganze darstellen Jahreszyklus Bruegel widmete das gesamte Jahr 1565 den Veränderungen in der Natur. Seit vielen Jahren sorgen Bruegels Landschaftsbilder „Die vier Jahreszeiten“ für heftige Debatten unter Forschern. Sie streiten beispielsweise darüber, wie viele Gemälde ursprünglich in die Serie aufgenommen wurden: Einige vermuten, dass es zwölf davon waren und jedes einen bestimmten Monat darstellte; andere argumentieren, dass es nur vier davon gibt und sie den Jahreszeiten gewidmet sind, sodass entweder „Heuernte“ oder „Ernte“ aus dem Zyklus ausgeschlossen sind. Die plausibelste Version ist, dass Bruegel sechs Gemälde malte und jedes davon zwei Monaten gleichzeitig widmete. In den Gemälden „Jahreszeiten“ beginnt der Künstler, vergrößerte Menschenfiguren in den Vordergrund zu rücken. Dabei handelt es sich um Bauern, deren Berufe naturgemäß dem Wechsel der Jahreszeiten unterliegen. Somit handelt der Mensch als organischer Teil der Natur. Alle Landschaften sind nicht nur majestätisch, sondern auf ihre Art auch gemütlich. Das ist das freundliche Land der Niederlande, dessen Bewohner besser als andere Völker die Umwelt bewohnbar gemacht haben, ohne sie zu schädigen. Pieter Bruegel versteht es, dem Betrachter die einfachsten Dinge wie ein Wunder zu zeigen. In dem Gemälde „Dunkler Tag“ stellte Pieter Bruegel die Natur des frühen Frühlings, Ende Februar oder März, mit seinen zerrissenen, geschwollenen Wolken, den langsam aufflackernden rotbraunen Erdtönen, den belebenden kahlen Ästen und dem alles durchdringenden feuchten Frühlingswind dar .

Heuernte, 1565

Das Gemälde „Heuernte“ aus der Landschaftsserie „Die Jahreszeiten“ des Künstlers Pieter Bruegel ist den Sommermonaten Juni und Juli gewidmet. Während er den umfassenden Charakter seiner Panoramen beibehält, steht Bruegel im Mittelpunkt jedes einzelnen künstlerische Lösung vermittelt einen scharfen und letztendlich konkreten Sinn für die Realität. Es genügt, sich an die räumliche Ausrichtung der Szene des dem Frühling gewidmeten Gemäldes „Düsterer Tag“ zu erinnern; die Ausgewogenheit der ruhigen Rhythmen der Gemälde „Heuernte“ und „Ernte“...
Die Natur von Pieter Bruegel ist sowohl grandios als auch völlig menschennah und zuverlässig. Aber es wäre falsch, in der Gemäldeserie „Jahreszeiten“ nur das Leben der Natur zu sehen. Erstellt in malerische Gemälde Bruegels Welt ist von Menschen bevölkert.

Ernte, 1565

Das Gemälde „Ernte“ aus der Landschaftsserie „Die Jahreszeiten“ des Künstlers Pieter Bruegel ist dem schwülen August gewidmet. Im Gemälde „Ernte“ breitet sich direkt vor dem Betrachter ein Weizenfeld mit seinem kräftigen Bernsteingelb aus; Der Himmel über ihm ist lilaweiß, als hätte er seine ganze lebensspendende Wärme an die Erde abgegeben. In den Landschaften „Die vier Jahreszeiten“ zeigte Pieter Bruegel einen beneidenswerten Realitätssinn, der die Farbstruktur der Gemälde bestimmt – im Gemälde „Dunkler Tag“ prallen die rotbraunen Töne der Erde auf das kalte Grün Töne des Hintergrunds werden intensiver und flammen auf; in den Gemälden „Heuernte“ und „Ernte“ ist die dominierende Farbe Goldgelb – heiß und gleichmäßig; im Gemälde „Rückkehr der Herde“ nimmt die Farbe des Künstlers Rötungen und Rötungen an, die, wie es scheint, sofort einer stumpfen blaugrauen Palette weichen sollten; Im Gemälde „Jäger im Schnee“ ist die Gesamtfarbe kaltgrün.

Rückkehr der Herde, 1565

Pieter Bruegels Gemälde „Rückkehr der Herde“ ist dem November gewidmet. Die antiken griechischen stoischen Philosophen betrachteten das Universum als eine rational angeordnete und schöne Struktur, in der jedes Lebewesen seinen eigenen Platz hat: „Das Pferd wurde zum Ziehen und Tragen geschaffen, der Ochse zum Pflügen, der Hund zum Bewachen und Jagen; Der Mensch wurde geboren, um die ganze Welt mit seinem Blick zu erfassen.“ Zweifellos war Pieter Bruegel mit dieser Philosophie vertraut, und es gibt Grund zu der Annahme, dass einige dieser Ideen in die ideologische Struktur seiner Malerei eingewoben sind. Abraham Ortelius, ein flämischer Kartograph, sagte über seinen Freund, dass Bruegel „viele Dinge geschrieben hat, die einfach unmöglich zu schreiben sind.“ In allen Werken unseres Bruegel ist mehr verborgen, als dargestellt wird.“ Der abstrakte, imaginäre Kosmos der Philosophen wird vom Künstler in verkörpert sichtbare Natur, an die sich ein Mensch anpasst, weil er derselbe ist Bestandteil Natur, wie Pflanzen und Tiere – dies lässt sich im Gemälde „Rückkehr der Herde“ beobachten. Kühe, Bäume und Menschen sind in derselben Tonart geschrieben. Und obwohl Hirten eine besondere Verantwortung für die Lebewesen tragen, sind sie letzten Endes aus derselben Substanz wie andere Lebewesen herausgeschnitten und müssen ihre Bestimmung erfüllen. Pieter Bruegel öffnet den Weg zu einer konkreten Darstellung des Lebens der Menschen und entfernt sich in seiner weiteren Entwicklung von majestätischen Landschaftsmotiven und verliert die natürliche Einheit von Natur und Mensch.

Anbetung der Heiligen Drei Könige in einer Winterlandschaft, 1567

In Bruegels Werk geht die Winterlandschaft des Gemäldes auf die Realitäten der niederländischen Malerei zurück. In Pieter Bruegels Gemälde „Die Anbetung der Könige in einer Winterlandschaft“ wird die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Winterlandschaft und auf die Menschen gelenkt, die vor der Winterkälte fliehen. Der gesamte Bereich des Gemäldes von Pieter Bruegel dem Älteren ist mit einer Winterlandschaft mit Schnee und klaren Silhouetten kahler Bäume gefüllt, mit vielen Figuren geschäftiger Menschen, und nur irgendwo in der unteren linken Ecke sind die Heiligen Drei Könige zu sehen, die das Kind anbeten. Wenn Sie den Namen des Gemäldes nicht kennen, werden Sie es in dieser verschneiten niederländischen Landschaft finden Evangeliumsgeschichte ziemlich schwer.

(Renan)

In Palästen und Tempeln lauern,
Schimmernde Leinwände und Fresken.
Sie wurden von der Hand eines Italieners angezündet
Und verschwanden in ihrer königlichen Pracht ...
Die Ferne ist dunstig, die Kleider blühen,
Die Zahlen sind klar, aber nicht scharf.

Auf den Gesichtern von Feuer und Frieden
Wer wäre nicht von der Fusion fasziniert!
Und doch (Zeile für Zeile)
Immer (hinter der Seite Seite)
Ich werde Pieter Bruegel sein
Unglücklicher Student.

Land der faulen Leute, 1567

Pieter Bruegels Gemälde „Land der Faulen“ ist ein Beispiel für die scharfe Satire, die Bruegel auf die niederländische Gesellschaft der vorrevolutionären sechziger Jahre richtete. „Das Land der faulen Menschen“ ist ein Märchenland, ein Land mit Milchflüssen und Gelee-Bänken, das in vielen Märchen europäischer Länder weit verbreitet ist. Die didaktisch-moralisierende Bedeutung des Werkes ist völlig klar und deutlich – eine scharf spöttische Verurteilung der menschlichen Trägheit und Faulheit Rechts obere Ecke. Wer es betritt, bemerkt sofort ein gebratenes Schwein, das mit einem Messer im Rücken herumläuft, einen Wurstkorb, ein mit Pasteten bedecktes Hüttendach und unzählige andere Köstlichkeiten. Auf der Schwelle der Hütte liegt ein Mann, der gerade auf dem Land angekommen ist, mit offenem Mund und wartet darauf, dass ihm eine gebratene Taube in den Mund fliegt. In der Bildmitte liegen, wie die Speichen eines Rades, um einen Baum verteilt, drei Menschen, die an der Grenze ihrer Wünsche angelangt sind. An der Kleidung und den Gegenständen, die ihnen gehörten, kann man sie als Bauern, Soldaten und Schuljungen oder vielleicht als Geistliche erkennen. Die Erde dreht sich langsam, und die drei Charaktere auf ihr sind wie Figuren auf einem Karussell, wie ein Lotterierad. Sie machen sich überhaupt keine Sorgen um das Wetter und die Ernteaussichten, auch nicht um die Arena für die Listen, noch um Notenständer und Stifte. Sie schlafen, dösen oder entspannen sich einfach, träumen, während ihr verträumter Blick auf die Wolken gerichtet ist. An die sagenhafte Sättigung, die Pieter Bruegel 1567 in seinem Gemälde „Das Land der Faulen“ schilderte, war damals nicht zu denken. Der Herzog von Alba marschierte an der Spitze der spanischen Truppen in die Niederlande ein. Das Gemälde stellt nichts weiter dar als die Utopie eines wohlhabenden Lebens. Die durch ihre Einfachheit bemerkenswerte Komposition in der Bildmitte, die das Glücksrad symbolisiert, verstärkt diesen Eindruck nur.

Bauerntanz, 1568

Anscheinend ist es Bruegel gelungen, eines seiner besten Genrewerke zu schaffen – „Bauerntanz“. Seine Handlung enthält keine Allegorien und sein allgemeiner Charakter zeichnet sich durch in sich geschlossenes Pathos und strenge Rationalität aus. Dem Künstler geht es weniger um die Atmosphäre eines Bauernfestes oder das Malerische getrennte Gruppen, sondern die Bauern selbst – ihr Aussehen, ihre Gesichtszüge, Gewohnheiten, Art der Gesten und Art ihrer Bewegung. Die schweren und starken Figuren der Bauern werden in einem für Bruegel ungewöhnlichen Großmaßstab dargestellt und erzeugen die Elemente und die natürliche Kraft der Natur. Jede Figur ist in ein eisernes System kompositorischer Achsen eingebunden, das das gesamte Bild durchdringt. Und jede Figur scheint gestoppt zu sein – bei einem Tanz, einem Streit oder einem Kuss. Die Figuren scheinen zu wachsen, übertrieben in ihrer Größe und Bedeutung. Sie gewinnen fast überreale Überzeugungskraft, sind erfüllt von rauer, ja schonungsloser, aber unaufhaltsam beeindruckender Monumentalität, und die Szene als Ganzes verwandelt sich in eine Art Klumpen Charakteristische Eigenschaften die Bauernschaft, ihre spontane, mächtige Kraft.

Der Betrachter wird von Bruegel zu einer lebhaften Feier der Bauernhochzeit eingeladen. Das Bild ist voller Details: Links füllt ein Mann einen Krug mit Wein, an einer aus den Angeln gerissenen Tür werden Kuchen zum Tisch getragen, ein Dudelsackspieler blickt gierig auf die Leckerei. Bruegels Fähigkeit, die raue Erdigkeit der Bauern einzufangen, ist überall sichtbar. Die beschwipsten, unbeholfenen Charaktere, die Bruegels lebhafte Szenen bevölkern, sind das genaue Gegenteil des italienischen Ideals raffinierter Perfektion.

...Wenn man an unkomplizierte Seelen denkt,
Sie müssen sie nicht lösen:
Welche eignen sich zur Offenlegung?
Schlüssel zur Scheune und zum Lagerhaus, -
Gibt es immer einen Grund? Ich weiß es nicht
Aber ich erinnere mich an Bruegel.
...Wenn man über die Logik eines Bettlers nachdenkt,
Über den Geist, der einschläft,
Über das abgenutzte Ohr,
Zu den eisernen monströsen Märschen, -
Ich erinnere mich an Bruegel! -
Über Pieter Bruegel den Älteren.

Krüppel, 1568

1568 schuf Pieter Bruegel sein letztes Werk Berühmte Werke: „Die Krüppel“ (Paris, Louvre), „Das Gleichnis vom Blinden“, „Der Menschenfeind“ (beide Neapel, Museum Capodimonte), „Der Nestzerstörer“, „Der Sturm“ (beide Wien, Kunsthistorisches Museum), „ Die Elster am Galgen“ (Darmstadt, Stadtversammlungsmuseum). Dazu gehört das 1892 in den Louvre überführte Gemälde „Die Krüppel“. neueste Werke Künstler. Ein Jahr nach der Niederschrift starb Pieter Bruegel. Vor den Augen des Betrachters erscheint eine hässliche und gruselige Welt. Vor dem Hintergrund des grünen Grases drängen sich erbärmliche Krüppel, Menschenstümpfe, die einst vollwertige Menschen waren. In ihren Augen leuchten Misstrauen, Missverständnisse, Groll und ständig bedrückender Schmerz. Und die roten Backsteinmauern, die den Raum eng zusammendrücken, verstärken das Gefühl der Tragödie dessen, was in der Welt geschieht, noch mehr. Pieter Bruegel schafft in seinem Gemälde „Die Krüppel“ keine Allegorie, kein abstraktes philosophisches Bild der Weltordnung, sondern zeigt auf grausame Weise die Tragödie einzelner Menschen als Erbauung für die gesamte Menschheit.

Gleichnis vom Blinden, 1568

Die geniale Gabe der Verallgemeinerung und die Fähigkeit, eine dramatische Kollision oder Allegorie durch den Rhythmus von Gesten und Bewegungen auszudrücken, erreichten ihren Höhepunkt in Pieter Bruegels Gemälde „Das Gleichnis vom Blinden“. In den verschiedenen Stadien des Sturzes der Blindengestalten, dem blinden und stolpernden Führer folgend, in der unaufhaltsamen Logik dieses Sturzes, in den maskierten Gesichtern mit leeren Augenhöhlen, die ins klare Tageslicht blicken, das Bild der hereinstolpernden Menschheit die Dunkelheit war verkörpert. Dieses klare und tragische Bewusstsein für die Unvermeidlichkeit von Schicksal und Zeit, ein Gefühl für die Größe des Universums und ein Verständnis für den wahren Platz des Menschen darin machen Bruegel zu einem der größten Künstler und Weisen der Kunst Nördliche Renaissance. „Das Gleichnis vom Blinden“ ist ein Gemälde, das andere Namen hat – „Der Blinde“, „Parabel vom Blinden“, „Der Blinde führt den Blinden“. Die Quelle der Handlung ist das Matthäusevangelium (15, 12-19). Auf dem Gemälde stellte Bruegel sechs blinde Männer dar, die sich an einer Kette vorwärts bewegten und sich gegenseitig festhielten. Der blinde Führer, der zuerst geht, stolpert und fällt zusammen mit seinem Stab in die Grube. Der Blinde, der ihm folgt, stürzt sich auf ihn. Auch der dritte Stab, der mit dem zweiten Stab verbunden ist, wird seinen Vorgängern folgen. Der fünfte und der sechste wissen noch nichts, aber sie werden unweigerlich hinter ihren Gefährten in der Grube landen.
Nur eines: Der erblindete Mann wendet uns sein Gesicht zu – ein Grinsen auf seinem Mund und ein böser Blick aus leeren, nassen Augenhöhlen. Dieser Blick vervollständigt den Weg der Blinden – den Lebensweg der Menschen. Aber umso reiner – verlassener und reiner – ist die Landschaft, vor der ein Blinder stolpert und die nicht mehr von einem anderen verdeckt wird. Die Dorfkirche, sanfte Hügel, das sanfte Grün der Bruegel-Bäume sind voller Stille und Frische. Nur der trockene, leblose Stamm spiegelt mit seiner Biegung die Bewegung des Fallenden wider. Die Welt ist ruhig und ewig. Es ist die Natur, die menschlich ist, nicht der Mensch. Und Bruegel schafft kein philosophisches Weltbild, sondern die Tragödie der Menschheit.

Menschenfeind, 1568

Das Gemälde „Der Menschenfeind“ ist eines der letzten Gemälde des Künstlers Pieter Bruegel. Sowohl am Anfang als auch am Ende Lebensweg Bruegel reflektiert menschliche Laster, die Dummheit der Menschen oder die Zerbrechlichkeit des menschlichen Lebens. Das Gemälde „Misanthrop“ enthält die Worte: „Weil die Welt so heimtückisch ist, gehe ich in Trauerkleidung“ und zeigt einen jungen bösen Zwerg, der einem düsteren alten Mann eine Brieftasche stiehlt. Das Gemälde des Künstlers Pieter Bruegel „Der Menschenfeind“ ist offensichtlich nicht frei von Sarkasmus und dunkler Ironie. Was der Künstler mit seiner Malerei ausdrücken wollte, ist nicht ganz klar. Der Gedanke des Predigers, dass unser Leben „voller Eitelkeit der Eitelkeiten und Ärgernis des Geistes“ ist?

Elster am Galgen, 1568

Gemälde „Elster am Galgen“ oder „Tanz unter dem Galgen“ - letztes Bild Pieter Bruegel. Das Gemälde „Elster am Galgen“ verbindet die letzten Enttäuschungen des Künstlers, den Wunsch, zur früheren Harmonie zurückzukehren, und das Bewusstsein über die Unmöglichkeit einer solchen Rückkehr. Der Blickwinkel des Betrachters hoch über der Welt; Bauern tanzen leichtfertig in der Nähe der riesigen Tore des Galgens; Die ferne und unfassbare Landschaft, gefüllt mit transparentem Sonnenstaub, machen die subtile Originalität dieses Bildes aus. Pieter Bruegel schätzte das Gemälde „Die Elster am Galgen“ sehr und vermachte es seiner Frau Macken Cook.

Ein klares und tragisches Bewusstsein für die Unvermeidlichkeit von Schicksal und Zeit, ein Gespür für die Größe des Universums und ein Verständnis für den wahren Platz des Menschen darin machen Bruegel zu einem der größten Weisen in der Kunst der nördlichen Renaissance. Bruegels kraftvolle und temperamentvolle Kreativität zeichnete sich durch ein außergewöhnlich breites und tiefes Verständnis der Phänomene des Lebens aus und hatte einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische niederländische Kunst. Sie legte den Grundstein für die Entwicklung der Kunst Hollands und Flanderns im 17. Jahrhundert.

Es war dieses Werk, das zum Prototyp für Henrik Averkamps „Winterlandschaft mit Skatern“ aus „Bild der Woche“ wurde und Hunderte weitere inspirierte. Die Anerkennung von Bruegel dem Älteren ist phänomenal. Selbst kunstferne Menschen verfügen über Wissen auf Firmware-Ebene: Wenn auf dem Bild Winter ist, ragen die Mikrorohre niederländischer Öfen aus den Schneeverwehungen und die Mikrobevölkerung der Stadt ist auf die Straße geströmt , dann sind das die „Niederländer“, „Flemings“, das 16. Jahrhundert, die nördliche Renaissance.

Warum wird es leicht sein, Bruegel zu verstehen?

– Alle Gemälde des Gründers der Künstlerdynastie, Pieter Bruegel der Ältere, wurden zu seinen Lebzeiten verkauft. Sein treuester Kopist war sein ältester Sohn Peter (Spitzname Junior). Entgegen der landläufigen Meinung brachte der Vater den Kindern nicht das Schreiben bei. Er starb tatsächlich, als Peter erst 4 Jahre alt war und der Jüngste, Ian, erst ein Jahr alt war. Bruegel der Jüngere erfand die Lebensweise Druckerpresse und markierte damit eigentlich den Beginn der Massenzirkulationskunst aus merkantilistischen Gründen. Es war notwendig, die Nachfrage der Öffentlichkeit nach den Gemälden meines Vaters zu befriedigen.

– Es sind die Werke des Bodenforschers Bruegel dem Älteren (alias Muzhitsky), die größtenteils in die Formel „Hier ist mein Dorf, hier ist mein Zuhause“ passen, die im modernen Sinne zur relevantesten kommerziellen Kunst geworden sind. In einer Zeit schwacher Informationsverbreitung wurde „Winterlandschaft mit Vogelfalle“ in der 666. Potenz einfach zu „Hotel California“. Bruegel der Jüngere kopierte es mindestens 45 Mal. Heute bilden diese Kopien die Sammlungen der weltweit führenden Museen und Wohnzimmer.

– Wie jedes sich endlos verändernde Meme ist „Landscape“ dadurch wertvoll, dass es neben seinen Unterschieden auch die Wahrnehmung des Betrachters neu konfiguriert. Aufgrund der Tatsache, dass das Meme alt ist, wurden die Unterschiede und Merkmale zwar schon lange verwechselt. Selbst Experten unterscheiden nicht und erinnern sich nicht an alle Kopien und machen Fehler in Katalogen und Lehrbüchern. Aber das Meme verzeiht Fehler, denn um es zu zählen, reicht es allgemeiner Überblick Denken Sie an die Handlungspunkte. Auf jedem Bild sind das Wetter und die Tageszeit anders, auch die Stadtbewohner sind an manchen Stellen sorgfältiger gekleidet, aber die Hauptsache bleibt gleich: Ebenso runde Vögel und mit Schlittschuhen ausgestattete Flamen tummeln sich unbeschwert auf der Oberfläche des zugefrorenen Kanals. und in der Ecke liegt ein Brett.

Da Kunsthistoriker kein sehr gutes Gedächtnis haben, waren sie sich einig, dass die Reihenfolge, in der die Autoren Werke schufen, wie folgt ist:

„Falle-1565“

„Landschaft mit Schlittschuhläufern und Vogelfalle“, vermutlich Original von Bruegel dem Älteren, 1656, Wien, Kunsthistorisches Museum

„Falle-1602“

Kopie von Pieter Bruegel dem Jüngeren, auch „Winterlandschaft mit Vogelfalle und Flucht nach Ägypten“ genannt, 1602, Antwerpen, Mayer van der Beer Museum

„Falle-1620“

1620er Jahre, Kopie von Pieter Bruegel dem Jüngeren, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste

„Falle-1620-2“

Und ein weiteres Exemplar aus den 20er Jahren des 17. Jahrhunderts wird in Puschkinski in Moskau aufbewahrt

Wer ist hier?

Es scheint, dass das Spiel „Finde die Unterschiede“ im Fall einer Bruegel-Landschaft auf einen Vergleich von Farbe und Strichstärke beschränkt werden sollte. Die übrigen Parameter bleiben von Version zu Version nahezu unverändert. Die Spannung verschwindet nirgendwo, aufgepumpt durch ein bedrohliches Brett, das bereit ist, auf die Vögel zu fallen. Der berühmte Reim von Menschen und Vögeln, die angesichts des unvermeidlichen Todes gleichermaßen klein und gebrechlich sind, bleibt bestehen. In vielerlei Hinsicht verlieh dieser Reim dem Bild das Potenzial eines Memes.

Das Einzige, was sich mit dem Wetter merklich ändert, ist die emotionale Einschätzung der Aussicht, die Beine unter einer Holzdecke auszustrecken. Hier können wir ein Spektrum vom phlematischen Untergang des Originals bis zur Akzeptanz und dem eigentümlichen nordischen Zen der späteren, sonnigen Version beobachten.

Aber eine der Kopien stellt einen großen Meilenstein und den Beginn einer neuen Bildsprache in der Kunst dar, völlig unsichtbar ohne Lupe und Wissen darüber, was und wo man suchen muss. Und nur ein aufmerksamer Betrachter, der sich die Mühe machte, den Titel des Bildes noch einmal zu lesen und die Figuren zu zählen, bemerkte ihn – Joseph, der den Esel ausrüstete. Im Titel der Fassung von 1602 erscheint ein geheimnisvoller Zusatz: „... und die Flucht nach Ägypten“. Es scheint, dass der Kunstkritiker ein solches Symbol eingeführt hat, um das gesponserte Exemplar nicht zu verlieren.

Dies ist jedoch kein Code, sondern eine Bezeichnung für ein bestimmtes Thema, wie sie unter Malern der Renaissance sehr verbreitet ist. Die biblische Szene der Vorbereitung der Flucht der Familie Jesu Christi nach Ägypten vor dem Massaker an den Säuglingen ist im unteren rechten Teil der Leinwand zwischen dem Boot und der Gabelbrücke platziert. Es scheint, als sei es aus einer anderen Dimension aufgetaucht, als wäre es in eine Zeit- und Raumlücke gesickert, die durch mehrere Kopien derselben Landschaft entstanden ist. Und es sieht nicht einmal auffällig aus:

Figuren der Familie Joseph und des Esels sind mit einem Lichtkreis hervorgehoben

MIT Anfang des XVI Jahrhundert begannen die Niederländer, mythische Szenen in den Niederlanden vertrauten Landschaften darzustellen. Bruegels Zeitgenossen, selbst die gläubigsten, fanden es ebenso schwierig, sich mit dem Mythos zu verbinden, wie es schwierig ist, sich die ägyptische Hitze vorzustellen. Daher handelt es sich auf dem Bild nicht um Ägypten, sondern um dasselbe schneebedeckte Antwerpen, sondern die Situation des Evangeliums wird unter Beteiligung von Figuren in der Kleidung der Antwerpener Einwohner wiederholt.

Vertreter italienischer und Deutsche Renaissance habe das schon gemacht. Cranach beispielsweise platzierte die gleiche Fluchtszene im Schatten alpiner Tannen. Aber er hielt an dem Rahmen „ein Bild – eine Geschichte“ fest, dann verletzte der wilde Avantgarde-Künstler Bruegel unter dem Deckmantel eines Pop-Künstlers direkt die Struktur des Werkes und fügte Handlungseinlagen hinzu. Mit ihrer Hilfe materialisierten sich die Helden des Mythos inmitten der üblichen Wirtshäuser und Scheunen und der Mythos wurde so real wie die Scheune.