Theater englischsprachiger Länder. Londons erstes Theater
Die Ursprünge der englischen Theaterkunst gehen auf alte Ritualspiele zurück, die in englischen Dörfern bis ins 19. Jahrhundert überlebten. Zu ihren beliebtesten gehörten die „Maispiele“ – rituelle Feiern zu Ehren der Ankunft des Frühlings, deren fester Bestandteil seit dem 15. Jahrhundert ist. waren Robin Hood und seine Draufgänger. Im Mittelalter verbreiteten sich in England die Genres des Kirchendramas – Mysterien- und Moralstücke. Insbesondere in diesen Genres manifestierte sich die charakteristische englische Vorliebe für Humor und lebendige Lebensdetails. So war die Hauptfigur der englischen Moralstücke – religiöse allegorische Stücke – der Witzbold Sin, ein fröhlicher Vielfraß und Trunkenbold, einer der Vorfahren von Shakespeares Falstaff. Während der Renaissance brach das Renaissance-Drama in England im Gegensatz zu einer Reihe anderer europäischer Länder nicht mit mittelalterlichen Traditionen. In der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts entstanden, gelangte es schnell aus Schulen und Universitäten auf die Bühne des Platztheaters und stützte sich auf seine Erfahrungen (siehe Mittelalterliches Theater, Renaissance-Theater, W. Shakespeare).
Globus-Theater. Aussehen.
David Garrick als Richard III. in der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare. Drury Lane Theater. London. Aus einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.
Drury Lane. Theatergebäude. Aus einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.
Drury Lane. Auditorium. Aus einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.
George Bernard Shaw.
Charles Laughton als Galileo in B. Brechts Stück „Das Leben des Galileo“. 1947
Laurence Olivier als Richard III. in der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare.
„The Importance of Being Earnest“ von O. Wilde auf der Bühne des Old Vic Theatre in London.
Paul Scofield (links) als Salieri im Stück „Amadeus“ von P. Schaeffer.
Ende des 16. – Anfang des 17. Jahrhunderts. Die Theaterkunst Englands erlebt eine Ära rasanten Wohlstands. In London traten nacheinander Schauspieltruppen auf, die für sie spielten einfache Leute zunächst in den Innenhöfen von Hotels, dann in speziellen Theatergebäuden, von denen das erste 1576 erbaut wurde und „Theater“ genannt wurde. Dann erschienen in der englischen Hauptstadt weitere Theater mit klangvollen Namen – „Swan“, „Fortune“, „Nadezhda“. Die Stücke von William Shakespeare wurden auf der Bühne des berühmten Globe aufgeführt, und der Tragiker Richard Burbage (ca. 1567–1619) war der erste in der Weltkunst, der Hamlet, Othello und Lear spielte.
W. Shakespeare ist der größte englische Dramatiker der Renaissance. Aber es wäre falsch, ihn für ein Einzelgänger-Genie zu halten. Seiner Arbeit gingen die Stücke einer Gruppe von Dramatikern (J. Lily, R. Green, T. Kyd, C. Marlowe) voraus, in deren Komödien, historischen Chroniken und Tragödien die Ideen des Renaissance-Humanismus mit den Traditionen des Volkes verbunden wurden Brille. Neben Shakespeare waren der Meister der Gesellschaftssatire B. Johnson, der Autor philosophischer Tragödien J. Chapman und die Schöpfer romantischer Tragikomödien F. Beaumont und J. Fletcher. Shakespeares jüngere Zeitgenossen waren J. Webster, der blutige Horrortragödien schrieb, und J. Shirley, der Autor alltäglicher Komödien aus dem Londoner Leben.
In den 20–30er Jahren. XVII Jahrhundert darstellende Künste Englische Renaissance befindet sich in einer Krisenzeit und während der bürgerlichen Revolution wurden 1642 auf Anordnung des Parlaments Theater geschlossen. Sie nahmen ihre Tätigkeit erst nach der Wiederherstellung der Monarchie im Jahr 1660 wieder auf. Doch nun erschien anstelle der offenen Bühne des quadratischen Theaters eine nach drei Seiten geschlossene Bühne (nach dem Vorbild der italienischen und Französische Theater), das noch immer im Theater existiert.
Von den dramatischen Genres entwickelte sich die Komödie im Zeitalter der Wiederherstellung der Monarchie am fruchtbarsten. Die Komödienautoren W. Congreve, W. Wycherley und J. Farquer schufen wirkungsvoll konstruierte Werke voller brillantem, wenn auch etwas zynischem Witz. Unter der Feder dieser Dramatiker entstand ein typisch englisches Genre – „Komödien des Witzes“, in denen der Dialog, paradox und schnell, wie ein Austausch von Schwerthieben, fast wichtiger wird als der Verlauf der Handlung; Es sollte zwei Jahrhunderte später in den Werken von O. Wilde und B. Shaw wiedergeboren werden.
Die Komödie blieb auch im 18. Jahrhundert, während der Aufklärung, eines der Hauptgenres des englischen Dramas. The Beggar's Opera (1728) von John Gay (1685–1732) verbindet literarische und musikalische Parodie mit politischer Satire. Zu den frühen Werken von Henry Fielding (1707–1754) gehörten ergreifende politische Theaterstücke aus den 1730er Jahren. und enthält Kritik am Adel und an der Regierung („Der Richter in seiner eigenen Falle“, „Don Quijote in England“ usw.). Als Reaktion auf das Erscheinen dieser kühnen Anklagekomödien führten die herrschenden Kreise Englands eine strenge Theaterzensur ein. G. Fielding ist Autor politischer Rezensionen in Form einer Komödie („Historischer Kalender für 1736“, 1737; etc.). Die Komödien von Oliver Goldsmith (1728–1774; „Die Nacht der Irrtümer“, 1773) und Richard Sheridan (1751–1816; „Die Rivalen“, 1775; „Die Schule des Skandals“, 1777 usw.) sind von brillanter Form. richten sich gegen die Unmoral der „hohen“ Welt, die Heuchelei der bürgerlichen Verhältnisse, verbinden Gesellschaftssatire mit realistischer Helligkeit der Charaktere.
Die Prinzipien des Klassizismus (siehe Klassizismus) wurden nicht etabliert Englische Bühne Tendenz zur realistischen Authentizität. Im Gegensatz zur klassizistischen Tragödie entwickelte sich im englischen Drama das bürgerliche Drama von J. Lillo und J. Moore, das das Leben bürgerlich-philisterhafter Kreise schilderte. Der aufklärerische Realismus im englischen Theater erreichte seinen Höhepunkt im Werk des Schauspielers David Garrick (1717–1779), der nicht nur seine Zeitgenossen mit der Einsicht und Psychologie seiner Darstellung Shakespeare-Rollen verblüffte, sondern auch eine Reihe von Reformen durchführte der Bereich der Inszenierung von Aufführungen und der Organisation der Truppe. Für ihn war das Theater ein Erzieher der Gesellschaft.
Das 19. Jahrhundert war eine Zeit des Niedergangs des englischen Dramas und des Aufstiegs des englischen Romans. Die Kluft zwischen der Ebene von Roman und Drama ist im Allgemeinen inhärent Literatur des 19. Jahrhunderts c., in England erwies sich als besonders offensichtlich. Die Grundlage des Repertoires der größten englischen Schauspieler des 19. Jahrhunderts. E. Kean (siehe Edmund Kean), W. Macready, Ch. Kean, E. Terry, G. Irving komponierten Shakespeares Stücke. Im 19. Jahrhundert Auf der englischen Bühne entwickelte sich eine Art Shakespeare-Darbietung, die auf der Verwendung historisch korrekter Kulissen, detaillierter Volksszenen und einer Fülle technischer Effekte basierte. Inszenierungen von Shakespeare-Stücken von Charles Kean am Princess Theatre, S. Phelps am Sadler's Wells Theatre und G. Irving am Lyceum Theatre brachten die Entstehung der Regiekunst näher. Allerdings, wenn eingeschaltet Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert Die englische Regiekunst war geboren, sie versuchte zunächst im Namen der inhärenten Natur mit dem historischen Theateralltag des letzten Jahrhunderts zu brechen darstellende Künste Poesie und Konventionen. Beispielsweise versuchte der berühmte Regisseur Gordon Craig (1872–1966), eine Theateraufführung als eine Bewegung poetischer Metaphern aufzubauen, die sich in der Zeit entfalten und in Farbe, Licht und Transformationen des Theaterraums verkörpert werden.
Oscar Wilde (1854–1900) glänzte mit seinen ironischen Komödien, in denen er die heuchlerische Seriosität der Oberschicht lächerlich machte („Lady Windermere's Fan“, 1892; „An Ideal Husband“, 1895; „The Importance of Being Earnest“, 1899), in der englischen Dramatik ) und Bernard Shaw (1856–1950), dessen Werk voller kühner sozialer Ideen und mörderischer antibürgerlicher Kritik zu einem dramatischen Klassiker unseres Jahrhunderts geworden ist (The Widower's House, 1892; Mrs. Warren's Profession, 1894; Major Barbara , 1905; Pygmalion, 1913; „Wagen mit Äpfeln“, 1929;
In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. In England entstand ein System des kommerziellen Theaters, das bis heute in Kraft ist und ausschließlich auf die Unterhaltung des bürgerlichen Publikums ausgerichtet ist. Aber die fruchtbarsten Theaterauftritte fanden in England außerhalb des kommerziellen Theaters statt – auf den Bühnen der Repertoiretheater von Birmingham, Manchester, im Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-upon-Avon und insbesondere im Old Vic Theatre in London, das erlebte eine große Revolution in den 1930er Jahren. eine Zeit des schnellen Wohlstands. In diesen Jahren trat eine ganze Konstellation von Schauspielern auf der Bühne des Old Vic auf: John Gielgud, Laurence Olivier, Peggy Ashcroft und andere. Sie schufen einen Bühnenstil, der sich an nationalen Traditionen der Theaterkunst orientierte, gleichzeitig aber das dramatische Weltbild der Briten zum Ausdruck brachte, die die Schrecken des Ersten Weltkriegs (1914–1918) überlebten. Diese Haltung kam am konsequentesten in D. Gielguds Darstellung der Rolle des Hamlet und in den Bildern zum Ausdruck, die er in Tschechows Werken schuf: A. P. Tschechows Stücke, insbesondere „The Cherry Orchard“, wurden zu einem festen Bestandteil des englischen Theaterrepertoires.
In den 30er Jahren. In England und im Ausland erfreuten sich die Stücke von John Boynton Priestley (1894–1984) großer Beliebtheit, da sie die Schärfe der Handlung mit einer sozial anklagenden Bedeutung verbanden („A Dangerous Turn“, „Time and the Conway Family“).
Nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte das englische Theater eine Krise. Sein Weg aus der Krise der 50er Jahre. mit den Aktivitäten einer Gruppe englischer Schriftsteller verbunden, die als „Angry Young Men“ bekannt sind. Sie brachten die Unzufriedenheit der jungen Generation mit der bürgerlichen Realität zum Ausdruck. Zu dieser Gruppe gehören die Dramatiker D. Osborne („Look Back in Anger“, 1956), S. Delaney („A Taste of Honey“, 1958) und andere. In den 60–70er Jahren. Die Prinzipien des sozialpsychologischen Dramas wurden von D. Arden (Sergeant Musgrave's Dance, 1961), D. Mercer (Flint, 1970) und H. Pinter (The Watchman, 1960; No Man's Land, 1975) entwickelt.
Der Erneuerung der Dramaturgie folgte die Erneuerung der englischen Bühne. Angekommen neue Bühne Theatergeschichte Shakespeare. Das Stück „König Lear“, inszeniert von P. Brooke, mit Paul Scofield führende Rolle, vermittelte das tragische und nüchterne Weltbild der modernen Menschheit, die die Schrecken von Krieg und Faschismus erlebt hat. „The Chronicles of Shakespeare“ auf der Bühne des Royal Shakespeare Theatre (wie das Memorial Theatre in Stratford-upon-Avon seit 1961 genannt wurde) unter der Regie von P. Hall legte die sozialen Wurzeln der englischen Geschichte mit gnadenloser Klarheit offen.
In den 60–70er Jahren. Eine Jugendtheaterbewegung namens „fringe“ („Seitenlinie“) verbreitete sich in ganz England und war mit der Suche nach politisch aktiver Kunst verbunden, die direkt in den sozialen Kampf involviert war. Im Rahmen des Randes bildete sich eine neue Generation englischer Schauspieler, die dann in den 80er Jahren auf die Bühne des Royal Shakespeare Theatre kamen und Nationaltheater(erstellt 1963). Vielleicht muss diese Generation ein neues Wort in der englischen Theaterkunst sagen.
Wenn Sie jemals die Gelegenheit haben, die englische Stadt Stratford zu besuchen, sollten Sie unbedingt das Royal Shakespeare Theatre besuchen.
Shakespeare-Theater Das Globe ist eines der ältesten Theater Englands. The Globe liegt am Südufer der Themse. Den Ruhm des Theaters erlangten vor allem die ersten Bühnenaufführungen von Shakespeares Werken. Das Gebäude wurde aus verschiedenen Gründen dreimal umgebaut, was die reiche Geschichte von Shakespeares Theater ausmacht.
Die Entstehung des Shakespeare-Theaters
Die Geschichte des Globe Theatre reicht bis ins Jahr 1599 zurück, als in London, wo Theaterkunst schon immer beliebt war, öffentliche Theatergebäude nacheinander gebaut wurden. Für den Bau der neuen Arena wurden Baumaterialien verwendet – Holzkonstruktionen, die von einem anderen Gebäude übrig geblieben waren – das allererste öffentliche Theater mit dem logischen Namen „Theater“.
Die Besitzer des ursprünglichen Theatergebäudes, die Familie Burbage, bauten es 1576 in Shoreditch, wo sie das Grundstück pachteten.
Als die Grundstücksmieten stiegen, bauten sie das alte Gebäude ab und transportierten die Materialien zur Themse, wo sie ein neues Gebäude errichteten – Shakespeare's Globe Theatre. Alle Theater wurden außerhalb des Einflussbereichs der Stadt London gebaut, was durch die puritanischen Ansichten der Behörden erklärt wurde.
Während der Shakespeare-Ära gab es einen Übergang von der Amateurtheaterkunst zur professionellen Kunst. Es entstanden Schauspieltruppen, die zunächst ein Wanderdasein führten. Sie reisten in Städte und zeigten Auftritte auf Jahrmärkten. Vertreter der Aristokratie begannen, Schauspieler unter ihre Schirmherrschaft zu nehmen: Sie nahmen sie in die Reihen ihrer Diener auf.
Dies verschaffte den Schauspielern eine Stellung in der Gesellschaft, die allerdings sehr niedrig war. Truppen wurden oft nach diesem Prinzip benannt, zum Beispiel „Lord Chamberlain’s Servants“. Später, als James I. an die Macht kam, begannen nur noch Mitglieder der königlichen Familie, die Schauspieler zu bevormunden, und die Truppen wurden in „His Majesty the King’s Men“ oder andere Mitglieder der königlichen Familie umbenannt.
Die Truppe des Globus-Theaters war eine Partnerschaft von Schauspielern auf Aktien, d.h. Die Aktionäre erhielten Einnahmen aus Honoraren aus Aufführungen. Die Burbage-Brüder sowie William Shakespeare, der führende Dramatiker der Truppe, und drei weitere Schauspieler waren Anteilseigner des Globe. Nebendarsteller und Jugendliche wurden im Theater angestellt und erhielten keine Einkünfte aus Auftritten.
Das Shakespeare Theatre in London hatte die Form eines Achtecks. Typisch war das Globe-Auditorium: eine ovale Plattform ohne Dach, umgeben von einer großen Mauer. Ihren Namen verdankt die Arena der Statue des Atlas, der den Globus stützte und sich am Eingang befand. Diese Kugel oder dieser Globus war von einem Band mit der noch heute berühmten Aufschrift „ Die ganze Welt ist ein Theater“(wörtliche Übersetzung – „Die ganze Welt handelt“).
Shakespeares Theater bot Platz für 2.000 bis 3.000 Zuschauer. Von innen Hoch an der Wand befanden sich Logen für Vertreter der Aristokratie. Darüber befand sich eine Galerie für wohlhabende Leute. Der Rest befand sich rund um den Bühnenbereich, der in den Zuschauerraum hineinragte.
Von den Zuschauern wurde erwartet, dass sie während der Aufführung stehen. Einige besonders privilegierte Personen saßen direkt auf der Bühne. Eintrittskarten für reiche Leute, die bereit waren, für Sitzplätze auf der Galerie oder auf der Bühne zu zahlen, waren viel teurer als Sitzplätze im Parkett – rund um die Bühne.
Die Bühne war eine niedrige Plattform, die etwa einen Meter erhöht war. Auf der Bühne befand sich eine Luke, die unter die Bühne führte, aus der im Verlauf der Handlung Geister auftauchten. Auf der Bühne selbst gab es kaum Mobiliar und überhaupt keine Dekoration. Auf der Bühne gab es keinen Vorhang.
Über der Hinterbühne befand sich ein Balkon, auf dem sich die Figuren befanden, die im Stück im Schloss auftraten. Auf der Oberbühne befand sich eine Art Podest, auf dem auch Bühnenaktionen stattfanden.
Noch weiter oben befand sich ein hüttenartiges Bauwerk, in dem Szenen außerhalb des Fensters gespielt wurden. Interessant ist, dass zu Beginn der Aufführung im Globe eine Fahne auf dem Dach dieser Hütte hing, die schon von weitem sichtbar war und signalisierte, dass im Theater eine Aufführung stattfand.
Die Armut und gewisse Askese der Arena bestimmten, dass das Schauspiel und die Kraft des Dramas das Wichtigste waren, was auf der Bühne geschah. Es gab keine Hilfsmittel für ein umfassenderes Verständnis der Handlung; vieles wurde der Fantasie des Betrachters überlassen.
Bemerkenswert ist die Tatsache, dass die Zuschauer im Parkett während der Aufführung oft Nüsse oder Orangen aßen, was durch archäologische Funde bei Ausgrabungen bestätigt wurde. Das Publikum konnte lautstark über einige Momente der Aufführung diskutieren und seine Emotionen vor dem Geschehen, das es sah, nicht verbergen.
Das Publikum entlastete auch seine physiologischen Bedürfnisse direkt im Saal, so dass das Fehlen eines Daches eine Art Rettung für den Geruchssinn von Theaterliebhabern war. Daher können wir uns ungefähr vorstellen, wie hoch der Anteil der Theaterautoren und Schauspieler ist, die auf der Bühne stehen. 
Feuer
Im Juli 1613, während der Uraufführung von Shakespeares Stück Heinrich VIII. über das Leben des Monarchen, brannte das Globe-Gebäude nieder, das Publikum und die Truppe blieben jedoch unverletzt. Laut Drehbuch sollte eine der Kanonen abgefeuert werden, doch etwas ging schief und die Holzkonstruktionen und das Strohdach über der Bühne fingen Feuer.
Das Ende des ursprünglichen Globe-Gebäudes markierte einen Wandel in Literatur- und Theaterkreisen: Shakespeare hörte zu dieser Zeit auf, Theaterstücke zu schreiben.
Restaurierung des Theaters nach dem Brand
Im Jahr 1614 wurde das Arenagebäude restauriert und beim Bau wurde Stein verwendet. Das Dach über der Bühne wurde durch ein Ziegeldach ersetzt. Die Theatertruppe spielte bis zur Schließung des Globe im Jahr 1642 weiter. Dann erließen die puritanische Regierung und Cromwell ein Dekret, das alle Unterhaltungsdarbietungen, auch Theateraufführungen, verbot. Das Globe war, wie alle Theater, geschlossen.
Im Jahr 1644 wurde das Theatergebäude abgerissen und an seiner Stelle Wohnhäuser errichtet. Die Geschichte des Globus war fast 300 Jahre lang unterbrochen.
Der genaue Standort des ersten Globe in London war unbekannt, bis 1989 seine Fundamente in der Park Street unter einem Parkplatz gefunden wurden. Sein Umriss ist jetzt auf der Oberfläche des Parkplatzes markiert. Möglicherweise gibt es dort auch andere Überreste des „Globus“, aber jetzt ist diese Zone in der Liste der historischen Werte enthalten und daher können dort keine Ausgrabungen durchgeführt werden.
Bühne des Globe Theatre
Die Entstehung des modernen Shakespeare-Theaters
Der moderne Umbau des Globe Theatre-Gebäudes wurde überraschenderweise nicht von den Briten, sondern vom amerikanischen Regisseur, Schauspieler und Produzenten Sam Wanamaker vorgeschlagen. 1970 organisierte er den Globe Trust Fund, der das Theater restaurieren und eröffnen sollte Bildungszentrum und eine Dauerausstellung.
Wanamaker selbst starb 1993, die Eröffnung fand jedoch 1997 unter dem modernen Namen Shakespeare's Globe Theatre statt. Dieses Gebäude befindet sich 200-300 Meter vom ehemaligen Standort des Globe entfernt. Das Gebäude wurde im Einklang mit den damaligen Traditionen wieder aufgebaut und war das erste Gebäude, das nach dem Großen Brand von London im Jahr 1666 mit einem Strohdach gebaut werden durfte.
Aufführungen finden nur im Frühling und Sommer statt, weil... Das Gebäude wurde ohne Dach gebaut. 1995 der erste künstlerischer Leiter wurde Mark Rylance, der 2006 durch Dominic Dromgoole ersetzt wurde.
Täglich finden Führungen durch das moderne Theater statt. Kürzlich wurde neben dem Globe ein Themenpark-Museum eröffnet, das ausschließlich Shakespeare gewidmet ist. Neben der Tatsache, dass Sie dort die größte Ausstellung sehen können, die dem weltberühmten Dramatiker gewidmet ist, können Sie auch an Unterhaltungsveranstaltungen teilnehmen: Sehen Sie sich einen Schwertkampf an, schreiben Sie ein Sonett oder nehmen Sie an der Inszenierung eines Shakespeare-Stücks teil.
Englisches Theater
Das englische Theater des 18. Jahrhunderts spielte in der Entwicklungsgeschichte von allem eine sehr bemerkenswerte Rolle Europäisches Theater. Er wurde nicht nur zum Begründer der aufklärerischen Dramaturgie, sondern leistete auch einen wesentlichen Beitrag zu ihr. Trotzdem wurde die Tragödie im englischen Theater der Aufklärung durch eine neue ersetzt dramatisches Genre- bürgerliches Drama oder, wie es auch genannt wurde, bürgerliche Tragödie. In England entstanden die ersten Beispiele des bürgerlichen Dramas, das später auf die Bühnen Deutschlands, Frankreichs und Italiens gelangte. Nicht letzter Platz Auch Comedy gehörte zum Repertoire. Seine Form und sein Inhalt wurden auf die radikalste Weise seit der Renaissance reformiert.
Der Übergang vom Theater der Renaissance zum Theater der Aufklärung war langwierig, turbulent und ziemlich schmerzhaft. Das Renaissance-Theater verschwand allmählich, aber sie ließen es nicht eines natürlichen Todes sterben. Der letzte Schlag wurde ihm durch die vollendete puritanische Revolution versetzt. Seine alten Traditionen des sogenannten strengen Lebens passten perfekt in die moderne Umgebung. England, das bis dahin noch bunt, bunt und voller Leben gewesen war, wurde fromm, religiös und trug dunkle Uniformen. In einem solchen Leben gab es einfach keinen Platz für Theater. Alle Theater wurden geschlossen und wenig später niedergebrannt.
In den Jahren 1688-1689 fand in England die sogenannte Glorious Revolution statt. Danach vollzog sich in der Entwicklung des Theaters ein Übergang von der Renaissance zur Aufklärung. Als die Stuarts an die Macht zurückkehrten, restaurierten sie das Theater, das erhebliche Unterschiede zum Theater der vorherigen Ära aufwies.
Die Restaurationszeit blieb in der Geschichte Englands als eine Zeit der Abwertung aller moralischen und ethischen Werte. Nachdem die Aristokraten die Macht und alles, was damit zusammenhing, ergriffen hatten, frönten sie völligem Vergnügen. Es ist ganz natürlich, dass das Theater den neuen Stand der Moral widerspiegelte. Den Helden der auf der Bühne aufgeführten Stücke war eines nicht gestattet: den verhassten Puritanern zumindest in gewisser Weise ähnlich zu sein.
Mit dem Niedergang des Restaurationsregimes begann sich die Stellung der Dramatiker dramatisch zu verändern. Elemente des bürgerlichen Dramas und satirische Darstellungen ihrer Zeitgenossen tauchten in ihren Werken auf. Die Quelle des Comics waren jene Abweichungen von der menschlichen Norm, die in der Gesellschaft existierten.
Der Begründer der pädagogischen Komödie war William Congreve. Er wurde berühmt, nachdem er seine erste Komödie „The Old Bachelor“ (1692) geschrieben hatte.
Reis. 45. George Farquer
Noch näher an der Aufklärung stand George Farquer (1678-1707) ( Reis. 45). Er begann seine Arbeit mit dem Schreiben von Theaterstücken im Einklang mit der Komödie der Restauration. Doch dann vollzog sich in seinem Schaffen eine Wende hin zur politischen und gesellschaftlichen Satire.
Farquers Komödie The Recruiting Officer (1706) kritisierte die Methoden der Rekrutierung von Soldaten für die englische Armee. Die Komödie „Der listige Plan der Fops“ (1707) war das Ergebnis der gesamten Entwicklung der Sittenkomödie des 17. Jahrhunderts. Der Dramatiker hat so interessante und wahrheitsgetreue Bilder gemalt Provinzmoral dass seine Komödie die Quelle des Realismus des 18. Jahrhunderts war und die Namen vieler Charaktere zu bekannten Namen wurden.
In den frühen 1730er Jahren entstand ein Genre namens bürgerliches Drama. Sein Erscheinen erwies sich als schwerer Schlag für die Klassenästhetik des Genres. Gewöhnliche Menschen begannen, die Theaterbühne zu erobern. Wenig später wurde er alleiniger Eigentümer. Der überwältigende Erfolg des Stücks „Der Kaufmann von London oder die Geschichte von George Barnwell“ (1731) von George Lillo (1693-1739) trug zur Etablierung der bürgerlichen Tragödie auf der Bühne bei. Ein weiteres Stück von Lillo, eine Tragödie in Versen, wurde zum Nachahmungsobjekt. Fatale Neugier"(1736). Zeitweise war er nahe daran, Kriminalität in seinen Werken als Norm der bürgerlichen Gesellschaft darzustellen. Aber die idealisierende Tendenz übersteigt die kritische Tendenz. Die endlosen Predigten des vorbildlich tugendhaften Kaufmanns Thorogood in „The Merchant of London“ und der Aufruf, sein Kreuz resigniert zu tragen, mit dem „Fatal Curiosity“ endet, verleihen Lillos Stücken einen eher scheinheiligen Ton. Der Dramatiker näherte sich natürlich dem „kleinen Mann“, aber nur, um ihn vor schlechten Gedanken und Taten zu warnen.
Mehr als zwanzig Jahre nach der Niederschrift von „Der Kaufmann von London“ entstand in England eine weitere berühmte bürgerliche Tragödie: „Der Spieler“ (1753). Sein Autor war Edward Moore (1712-1757). Dieses Stück hatte viele dramatische Vorzüge, zeichnete sich aber einfach durch die erstaunliche Enge seines gesellschaftlichen Horizonts aus. Der Autor hat sich das einzige Ziel gesetzt – seine Zeitgenossen von der zerstörerischen Leidenschaft für Kartenspiele abzubringen. Die spätere Gesellschaftskritik auf der Bühne wurde in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts mit den Namen anderer Dramatiker in Verbindung gebracht.
Der radikalste Teil der englischen Schriftsteller sah in menschlichen Lastern nicht nur das Erbe der Vergangenheit, sondern auch das Ergebnis einer neuen Ordnung der Dinge. Der anerkannte Anführer dieses Trends war der große englische Satiriker Jonathan Swift, und seine treuesten Anhänger im Theater waren John Gay (1685-1732). (Abb. 46) und Henry Fielding (1707–1754).
Reis. 46. John Gay
Im 18. Jahrhundert begannen kleine Genres im englischen Theater zu blühen. Pantomime, Balladenoper und Probe erfreuen sich großer Beliebtheit. Die letzten beiden Genres drückten die kritischste Haltung gegenüber bestehenden Ordnungen aus.
Die Blütezeit der Balladenoper und tatsächlich der kritischen Bewegung, die mit kleineren Genres verbunden ist, begann mit der Produktion von John Gays The Beggar's Opera im Jahr 1728. Der Auftritt war ein überwältigender Erfolg. Die Liedtexte des Stücks wurden in Schaufenstern aufgehängt, auf Fächer geschrieben und auf der Straße gesungen. Es ist ein Fall bekannt, in dem zwei Schauspielerinnen um das Recht kämpften, die Rolle der Polly Peachum zu spielen. Am Eingang des Theaters herrschte mehr als zwei Monate hintereinander täglich regelrechtes Chaos.
Henry Fielding war in den 1730er Jahren auch ein sehr berühmter Dramatiker. Er schrieb 25 Theaterstücke. Darunter sind Werke wie „Der Richter in der Falle“ (1730), „The Grub Street Opera, or the Wife Under the Shoe“ (1731), „Don Quijote in England“ (1734), „Pasquin“ (1736). und „Historischer Kalender für 1736“ (1737).
Seit den 1760er Jahren drangen kritische Tendenzen zunehmend auch in den Bereich der sogenannten Korrekten Komödie vor. Zum ersten Mal seit Congreve und Farquer wird eine vollwertige realistische Sittenkomödie nachgebildet. Seitdem wird die sentimentale Komödie der heiteren Komödie gegenübergestellt.
Dieser Begriff wurde von Oliver Goldsmith (1728-1774) geprägt. Er ist Autor der Abhandlung „Ein Essay über das Theater oder ein Vergleich zwischen fröhlicher und sentimentaler Komödie“ (1772) und zwei Komödien: „Der Gute“ (1768) und „Die Nacht der Irrtümer“ (1773).
Reis. 47. Richard Brinsley Sheridan
Die Schule der fröhlichen Komödie bestimmte die Ankunft des größten englischen Dramatikers des 18. Jahrhunderts – Richard Brinsley Sheridan (1751–1816) ( Reis. 47). Im Alter von 24 Jahren drehte er seine erste Komödie, The Rivals (1775). Es folgten mehrere weitere Stücke, darunter „Duenna“ (1775). Im Jahr 1777 schuf Sheridan sein berühmtes Stück „The School for Scandal“. Zwei Jahre später erschien seine letzte Komödie „The Critic“. Die gesamte Arbeit von Sheridan als Komiker passte in weniger als fünf Jahre. Nur 20 Jahre später kehrte er zum Drama zurück und schrieb die Tragödie „Pizarro“ (1799). Seit der Restaurationszeit tendieren die darstellenden Künste Englands zum Klassizismus. Den ersten, aber sehr entscheidenden Schritt in Richtung Realismus machte Charles Maclean (1699-1797). Er war ein Comic-Charakterdarsteller. Im Jahr 1741 erhielt er die Rolle des Shylock (damals galt diese Rolle als komisch). Aber Maclean spielte diese Rolle als tragisch. Dies wurde zu einer großen ästhetischen Entdeckung, die weit über die Interpretation einer einzelnen Rolle hinausging. MacLean erkannte, dass die Zeit für den Realismus gekommen war, und sah viele seiner Merkmale voraus.
Im Bereich der darstellenden Künste waren die Aktivitäten von David Garrick (1717–1779) von großer Bedeutung. Garrick war Macleans Schüler, aber ein wirklich brillanter Schüler. David war der Sohn eines Offiziers französischer Nationalität und einer Irin. Seine Familie liebte das Theater, aber ihr Sohn wurde auf eine andere Karriere vorbereitet – die Karriere eines Anwalts. Garrick erwies sich jedoch als nachlässiger Schüler. Im Frühjahr 1741 landete er durch einen glücklichen Zufall auf der Bühne des Goodman's Fields Theatre. Danach nahm er mit dieser Truppe an Tourneen teil, bei denen er Macleans Rat nutzte, und bereits im Oktober spielte er brillant die Rolle von Richard III, die ihn berühmt machte ( Reis. 48).
Reis. 48. David Garrick als Richard III
Im Jahr 1747 kaufte Garrick das Drury Lane Theatre, das er fast 30 Jahre lang leitete. In all diesen Jahren war er eine zentrale Figur im Londoner Theater. In seinem Theater sammelte er beste Schauspieler Englische Hauptstadt. Obwohl alle Schauspieler aus verschiedenen Theatern kamen, gelang es Garrick, eine einzige Truppe zusammenzustellen. Er legte großen Wert auf die Proben, bei denen er gewissenhaft auf Deklamationen verzichtete, Natürlichkeit im Spiel der Schauspieler erreichte und die Rolle sorgfältig zu Ende brachte. Die erstellten Charaktere mussten so vielseitig wie möglich sein. Garricks Proben waren stundenlang und manchmal schmerzhaft für die Schauspieler, aber die Ergebnisse waren einfach großartig.
Von großer Bedeutung war Garricks vielfältige Schauspiel- und Regiearbeit, die sich in den Bereichen Tragödie und Komödie vertiefte. Er blieb als sein größter Vertreter in der Geschichte des englischen Theaters.
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Städtische Abteilung für Bildungsverwaltung von Polysajewo
Informations- und Methodenzentrum
Städtische Bildungseinrichtung
„Sekundarschule Nr. 35“
Geschichte des Theaters in Großbritannien
Forschungsprojekt
Polysajewo 2007
Städtische Abteilung für Bildungsverwaltung von Polysajewo
Informations- und Methodenzentrum
Städtische Bildungseinrichtung
„Sekundarschule Nr. 35“
Geschichte des Theaters in Großbritannien
Daria Putintseva,
Das vorgeschlagene Forschungspapier beschreibt die Geschichte des Theaters in Großbritannien. Das Forschungsprojekt charakterisiert das englische Theater vom Mittelalter bis zur Gegenwart, seine Richtungen und Tendenzen. Die Arbeit zeichnet die Entstehung und Entwicklung der wichtigsten Theaterrichtungen sowie die Originalität des Theaterkampfs nach verschiedene Stadien historische Entwicklung. Besonderes Augenmerk wird auf die Frage nach den nationalen Besonderheiten des englischen Theaters gelegt.
Geschichte des Theaters in Großbritannien: Forschungsarbeit / . – Polysayevo: Informations- und Methodenzentrum, 2007.
Erläuterung
Zweck der Arbeit: Kennenlernen einer fremden Sprachkultur.
Berufsziele: Erweiterung des kulturellen Wissens über Großbritannien.
Englisches Theater ist ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen des Landes Englische Kunst bereicherte den weltweiten Theaterprozess. Die Arbeit englischer Schauspieler, Regisseure und Dramatiker hat weit über die Grenzen Englands hinaus Liebe und Anerkennung gefunden.
Die Arbeit von Schauspielern, Regisseuren und Dramatikern aus Großbritannien genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe.
Die Geschichte des Theaters ist seit langem mit der Geschichte der Menschheit verbunden. Von dieser ersten Seite der Geschichte an erinnert sich die Menschheit, während sie sich an sich selbst erinnert, auch an das Theater, das zu ihrem ewigen Begleiter geworden ist.
Liebst du Theater genauso sehr wie ich? – fragte unser großer Landsmann Vissarion Belinsky seine Zeitgenossen, zutiefst davon überzeugt, dass ein Mensch nicht anders kann, als das Theater zu lieben.
Liebst du Theater? Vor mehr als 20 Jahrhunderten hätten die großen Väter des antiken Theaters, Aischylos und Sophokles, Euripides und Aristophanes, ihren Zuschauern, die die Steinbänke der riesigen Freiluft-Amphitheater von Hellas füllten, dieselbe Frage stellen können.
Ihnen folgten bereits in anderen Jahrhunderten andere historische Epochen Shakespeare und Ben Jonson in England hätten einen ähnlichen Appell an ihre Zeitgenossen richten können. Und alle haben die Menschen ihrer Zeit gefragt: „Magst du Theater?“ - hätte das Recht, mit einer positiven Antwort zu rechnen.
Englisches Theater, Literatur und Musik sind ein wesentlicher Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der englischen Kultur haben die Welt bereichert kultureller Prozess, erlangte weit über die Grenzen Englands hinaus Liebe und Anerkennung.
Die Arbeit englischer Dramatiker genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe. Die größten Schauspieler des russischen Theaters spielten in Shakespeares Tragödien.
In der Geschichte der englischen Kultur werden folgende Hauptperioden unterschieden: das Mittelalter, die Renaissance, das 17. Jahrhundert, das 18. Jahrhundert (das Zeitalter der Aufklärung), das 19. Jahrhundert (Romantik, Kritischer Realismus), der Zeitraum vom Ende des 19. Jahrhunderts – Anfang des 20. Jahrhunderts (1871 – 1917) und das 20. Jahrhundert, in dem zwei Zeiträume unterschieden werden: 1917 – 1945. und 1945–heute.
Frühes Mittelalter ( V – XI Jahrhunderte)
Im 6. Jahrhundert v. Chr. waren die britischen Inseln Opfer keltischer Invasionen. Im 1. Jahrhundert n. Chr. wurde Großbritannien von den Römern erobert. Die Herrschaft des Römischen Reiches dauerte bis zum 5. Jahrhundert, als die Angelsachsen und Jüten in Großbritannien einfielen. Angelsächsische Stämme brachten ihre Sprache, Kultur und Lebensweise auf die britischen Inseln.
Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters ist die Geschichte des Kampfes zwischen idealistischen, religiösen Lebensauffassungen und der realistischen Weltanschauung des Volkes.
Über viele Jahrhunderte hinweg wurden im Leben der Menschen im feudalen Europa die Traditionen heidnischer Ritualfeste mit theatralischen Elementen bewahrt: das Aufeinandertreffen von Winter und Sommer, die Maispiele, bei denen Szenen unter Beteiligung des Königs aufgeführt wurden und Maikönigin usw. usw. Truppen durchstreiften Europa Volksvergnügen - Histrions. Sie wussten, wie man alles macht: singen, tanzen, jonglieren, schauspielern. Durch die Aufführung komischer Szenen amüsierten sie oft nicht nur das Publikum, sondern machten sich auch über diejenigen lustig, die die einfachen Leute unterdrückten und unterdrückten. Deshalb verbot die Kirche rituelle Spiele und verfolgte Theaterstücke, war aber nicht in der Lage, die Liebe des Volkes zu Theateraufführungen zu zerstören.
Um den Gottesdienst, die Liturgie, effektiver zu gestalten, beginnen die Geistlichen selbst, theatralische Formen zu verwenden. Es entstand das erste Genre des mittelalterlichen Theaters – das liturgische Drama (IX.-XIII. Jahrhundert). Während der Liturgie spielten die Priester Geschichten aus der Heiligen Schrift vor. Im Laufe der Zeit wurden Aufführungen liturgischer Dramen vom Tempel auf die Veranda und den Kirchhof verlegt.
XI – XV Jahrhundert
Im 11. Jahrhundert wurden die britischen Inseln von den Normannen erobert. Dies hat dazu beigetragen Französischer Einfluss An kulturelles Leben Länder.
Im XIII-XIV Jahrhundert. Es entsteht ein neues Genre mittelalterlicher Theateraufführungen – miraculus („Wunder“). Die Handlung der Wunder ist den Legenden über Heilige und die Jungfrau Maria entlehnt.
Der Höhepunkt eines mittelalterlichen Theaters – Geheimnis . Es entwickelt sich im XIV.-XV. Jahrhundert, während der Blütezeit mittelalterlicher Städte. Auf städtischen Plätzen werden Mysterienspiele gespielt. Die Darstellung des Mysteriums war umfangreich – und in Bezug auf die Anzahl der Teilnehmer war Allegorie allegorisch. Die Charaktere in Moralstücken verkörperten normalerweise verschiedene Eigenschaften des Menschen, seine Laster und Tugenden.
Der Held des Moralmärchens ist im Allgemeinen ein Mensch. „Every Man“ war der Titel eines englischen Moralstücks aus dem späten 15. Jahrhundert. In diesem Stück erschien der Tod jedem Menschen und rief ihn auf eine „lange Reise“, sodass er jeden Begleiter mitnehmen konnte. Der Mann wandte sich Freundschaft, Verwandtschaft und Reichtum zu, wurde aber überall abgelehnt. Stärke, Schönheit, Vernunft und fünf Sinne stimmten zu, einen Menschen zu begleiten, aber am Rande des Grabes ließen sie ihn alle zurück. Nur gute Taten sprangen mit ihm ins Grab. Die moralische Literatur verzichtete auf biblische Themen, behielt aber die religiöse Erbauung bei.
Farce - das erste Genre des mittelalterlichen Theaters, das mit der religiösen Moral brach. Farce, ein lustiges und satirisches Genre, verspottete die sozialen, politischen und moralischen Konzepte der feudalen Gesellschaft. Die Farce zeigt dumme Ritter, gierige Kaufleute und üppige Mönche. Aber wahrer Held Dieses Genre, all die nicht sehr anständigen, aber immer lustigen, absurden Handlungen - ein fröhlicher Schurke aus dem einfachen Volk. In einer Farce hat derjenige Recht, der alle überlistet.
Die Erfahrung der Farce-Aufführungen wurde vom Theater späterer Epochen umfassend genutzt. Shakespeares Komödien übernahmen nicht nur die Slapstick-Techniken der Farce, sondern auch den Geist des populären Freidenkens, der sie erfüllte.
Renaissance
Im 15.-16. Jahrhundert fand in europäischen Ländern „die größte fortschrittliche Revolution von allem, was die Menschheit bis dahin erlebt hatte“ statt – der Übergang vom feudalen Mittelalter zur Neuzeit, gekennzeichnet durch die Anfangsphase der Entwicklung von Kapitalismus. Diese Übergangszeit wurde Renaissance oder Renaissance genannt.
Dies war die Ära des Aufkommens neue Kultur, Bruch mit religiösen Dogmen, eine Ära der rasanten Entwicklung von Kunst und Literatur, Wiederbelebung der Ideale der Antike. Einem Menschen eröffnen sich großartige Möglichkeiten zur aktiven schöpferischen Tätigkeit. In dieser Zeit findet die Bildung der nationalen Kultur statt.
Das 16. Jahrhundert war in England die Blütezeit des Dramas. Das englische Theater reagierte auf die Interessen des Volkes und erfreute sich in einem Umfeld des nationalen Aufschwungs äußerster Beliebtheit. Ende des 16. Jahrhunderts gab es in London etwa zwanzig Theater; Unter ihnen waren besonders das James Burbage Theatre und das Philip Henslowe Theatre bekannt. Entwicklung Theaterkultur Es verlief nicht ohne Schwierigkeiten; das Haupthindernis waren die Aktionen der Puritaner, die das Theater für eine „dämonische“ Angelegenheit hielten.
Zu den Dramatikern dieser Zeit gehörten Robert Greene, Thomas Kyd, Christopher Marlowe und andere.
Die Stücke von Beaumont (1584 – 1616) und Fletcher (1579 – 1625) kennzeichnen eine andere Ära in der Geschichte des englischen Theaters. Sie versuchten, das Theater zu aristokratisieren und den Bühnenaufführungen eine gewisse Raffinesse und Anstand zu verleihen. Edle, monarchische Ideen werden zum Thema des Theaters von Beaumont und Fletcher besondere Aufmerksamkeit. Von der Bühne sind ständig Rufe nach selbstlosem Dienst für den König zu hören.
William Shakespeare
Das Theater der englischen Renaissance verdankt seine Blüte vor allem William Shakespeare. Shakespeares Dramaturgie ist das Ergebnis aller bisherigen Entwicklungen des Dramas, der Höhepunkt des Theaters.
„Die Tragödie wurde auf dem Platz geboren“, schrieb er und bezog sich dabei auf die fernen Ursprünge von Shakespeares Werk – das Volkstheater der mittelalterlichen Mysterienspiele. Die Traditionen des Square Theatre – ein breites Spektrum an Veranstaltungen, der Wechsel von komödiantischen und tragischen Episoden, die Dynamik der Handlung – wurden von Shakespeares Vorgängern – den Dramatikern R. Green, C. Marlowe und anderen – bewahrt. Sie brachten freiheitsliebende Ideen auf die Bühne und zeigten neue Helden – solche mit starkem Willen und ganzheitlichem Charakter.
In der ersten, „optimistischen“ Phase seines Schaffens schrieb Shakespeare Komödien, umgeben von hellen, fröhlichen Stimmungen. Doch als sich vor dem anspruchsvollen Blick des Dichters ein „Meer von Katastrophen“ öffnete, als der unaufhaltsame Lauf der Geschichte die Widersprüche des Feudalismus und des aufkommenden Kapitalismus immer schärfer offenlegte, wurde der ideale Held in seinen Werken durch einen machthungrigen, ein Egoist und Selbstsüchtiger und manchmal sogar ein Krimineller.
Diese Wendung wurde erstmals in der Tragödie Hamlet offenbart. Aber Shakespeares Helden beugten sich nicht der Welt des Bösen. Indem sie in den Kampf eintraten und ihren allmächtigen Gegnern zum Opfer fielen, bekräftigten die Helden von Shakespeares Tragödien bis in ihren Tod hinein ihren Glauben an den Menschen und sein strahlendes Schicksal. Genau darin besteht die Unsterblichkeit von Shakespeares Tragödien und ihrem modernen Klang.
Shakespeares Globe Theatre befand sich neben anderen Theatern am Südufer der Themse, außerhalb von London, da die Behörden dort Aufführungen verboten hatten
William Shakespeare
Globus-Theater. Aussehen.
die Stadt selbst. Das Gebäude wurde von einem kleinen Turm gekrönt, auf dem während der Aufführung eine Flagge wehte.
Die Aktion fand unter freiem Himmel statt – eine Menschenmenge stand vor der Bühne, reiche Bürger befanden sich auf den Emporen, die in drei Rängen die runden Wände des Theaters umgaben. Die Bühne war in drei Teile unterteilt: die Vorderseite – das Proszenium, die Rückseite, getrennt durch zwei Seitensäulen und bedeckt mit einem strohgedeckten Baldachin, und die Oberseite – in Form eines Balkons. Die Bühne war mit Teppichen und Matten geschmückt, und oben hing ein Banner: Schwarz für Tragödien und Blau für Komödien. Der Ort der Handlung wurde durch ein Detail angegeben (der Baum zeigte an, dass die Handlung im Wald stattfand, und der Thron zeigte an, dass sie im Palast stattfand).
Die Zusammensetzung der Truppe war klein – nur 8-12 Personen. Manchmal musste jeder Schauspieler bis zu drei oder mehr Rollen im Stück spielen. Die Heldinnen wurden von hübschen, zerbrechlichen jungen Männern gespielt. Die größten tragischen Schauspieler waren Edward Alleyn, der mitspielte besonderer Erfolg in den Stücken von K. Marlowe und Richard Burbage - bester Darsteller Rollen von Hamlet, Lear, Othello und Macbeth. Richard Tarleton und William Kemp spielten komödiantische Rollen.
XVII Jahrhundert
Wenn während der Renaissance in England Drama und Theater ihre Blütezeit erlebten, war die Theatermoral in London damals recht frei, sowohl auf der Bühne als auch im Zuschauerraum herrschte völlige Leichtigkeit, sowohl Schauspieler als auch Zuschauer scheuten sich nicht vor Ausdrucksformen, dann im 17. Jahrhundert Sie wurden von den Puritanern verfolgt.
Während der Renaissance konnte man auf der Bühne einen Zauberer mit einem Hund sehen, der „den König von England, den Prinzen von Wales und, wenn er auf seinem Hintern sitzt, den Papst und den König von Spanien“ darstellte. Eine Frau in einer Komödie könnte von der Bühne aus verkünden, dass man anhand des Urins Wahrsagen kann, oder ein Herr könnte aufschreiben, wo er uriniert hat. „Auf unserer Bühne herrscht manchmal der gleiche Dreck und Gestank wie in Smithfield (einem Vorort von London, wo Jahrmärkte stattfanden und manchmal Ketzer verbrannt wurden), sagt Ben Jonson. „Alles dort wird beim richtigen Namen genannt“, schrieb Voltaire bereits im 18. Jahrhundert über die englische Bühne.
Über die Theatermoral lässt sich aus dem anonymen „Protest bzw. Klage von Schauspielern gegen die Unterdrückung ihres Berufs und ihren Ausschluss aus mehreren Theatern“ (1643) schließen. „Wir versprechen für die Zukunft, niemals ausschweifende Frauen in unsere Sixpence-Boxen aufzunehmen, die dorthin kommen, nur um sich von Lehrlingen und Anwaltsgehilfen mitreißen zu lassen, und keine anderen Frauen dieser Art, außer denen, die mit ihren Ehemännern oder Verwandten kommen Verwandte. Auch die Haltung gegenüber Tabak wird sich ändern: Er wird nicht mehr verkauft ... Was Schimpfwörter und ähnliche Gemeinheiten betrifft, die anständige Menschen empören und schlechte Menschen in Ausschweifungen treiben können, werden wir sie zusammen mit unmoralischen und unhöflichen Autoren – Dichtern – vollständig vertreiben .“
Das Schaffen von Theaterstücken und deren Aufführung wurden zu sündigen Tätigkeiten erklärt; Der Theaterbesuch wurde scharf verurteilt und galt als schädliche und schädliche Tätigkeit. Mit der Machtübernahme der Puritaner wurden Theateraufführungen in England verboten. Am 2. September 1642 schloss das englische Parlament Theater und verbot alle Aufführungen mit der Begründung, dass Aufführungen „oft ungezügelte Fröhlichkeit und Frivolität zum Ausdruck bringen“, während man seine Gedanken auf „Reue, Versöhnung und Hinwendung zu Gott“ richten sollte. Fünf Jahre später bestätigte das Parlament dieses Dekret, nun in schärferen Worten und ordnete an, diejenigen, die nicht gehorchten (Schauspieler), als Kriminelle ins Gefängnis zu schicken. Die Kultur befand sich in einer akuten Krise. Die Kirche kämpfte lange und beharrlich gegen Theateraufführungen. „Die Theater sind voll, aber die Kirchen sind leer“, beschweren sich die puritanischen Geistlichen. Im Theater „herrschen freie Gesten, lockere Reden, Gelächter und Spott, Küsse, Umarmungen und unbescheidene Blicke“, empört sich der Klerus. „Dort wird das Wort Gottes verletzt und die in unserem Staat etablierte göttliche Religion entweiht“, sagt der Oberbürgermeister.
Das Theater des 17. Jahrhunderts wurde von der puritanischen Bourgeoisie Englands als ein Theater der Ausschweifung und Verderbtheit dargestellt, ein Theater, das den Geschmack von Aristokraten und korrupten Bürgern bediente.
Es gab auch Verteidiger. Der Dramatiker Thomas Nash schrieb 1592, dass die Handlung der Stücke englischen Chroniken entlehnt sei, die großen Taten der Vorfahren aus dem „Grab des Vergessens“ geholt wurden und verurteilte damit die „dekadente und verweichlichte Moderne“, die die Stücke „anatomisierten“. eine Lüge, vergoldet mit äußerer Heiligkeit.“
Die Merkmale der Kultur wurden durch die Ereignisse der bürgerlichen Revolution bestimmt. Die Klassengegensätze zwischen der Bourgeoisie und den Großgrundbesitzern verschärften sich; die Regierung der bürgerlichen Republik wurde von Oliver Cromwell geleitet, dann wurde die Stuart-Monarchie wiederhergestellt.
Die Stuarts, die an die Macht zurückkehrten, eröffneten 1660 wieder Theater, und die brillante, aber unmoralische Komödie der Restaurationszeit schien die negative Einschätzung zu bestätigen, die Cromwells Mitarbeiter dem Theater gegeben hatten.
Nach dem Staatsstreich kam Wilhelm III. von Oranien an die Macht. Die Volksbewegung wuchs.
Wilhelm III. schloss die Theater nicht, ermahnte die Schauspieler aber per Dekret vom 1. Januar 2001 strikt: „Wenn sie weiterhin Stücke spielen, die gegen Religion und Anstand verstoßen, und Blasphemie und Unmoral auf der Bühne zulassen, dann dafür.“ müssen sie mit dem Kopf antworten.“
Im selben Jahr, 1698, wurde eine Abhandlung eines gewissen puritanischen Theologen namens Jeremy Collier unter dem sehr farbenfrohen Titel „ Kurzer Überblick Unmoral und Bosheit der englischen Bühne.“ Der Theologe verurteilte die bestehende Theaterpraxis scharf. Er schrieb, dass es auf der Bühne Wut und Bosheit gebe. „Blut und Barbarei werden fast vergöttlicht“, dass „der Begriff der Ehre pervertiert, christliche Prinzipien gedemütigt werden“, dass „Teufel und Helden aus dem gleichen Metall sind“ und eine radikale Umstrukturierung der Theateraktivitäten gefordert, die sie umkehren in eine Art Schule der Tugend, des guten Benehmens und des Anstands: „Ziel der Stücke ist es, Tugend zu fördern und Laster aufzudecken, die Zerbrechlichkeit menschlicher Größe, die plötzlichen Wechselfälle des Schicksals und die schädlichen Folgen von Gewalt und Ungerechtigkeit zu zeigen.“
Die englische Bourgeoisie wollte die Theater nicht mehr wie bisher schließen, sondern sie den Bedürfnissen der Klasse anpassen. Obwohl die „glorreiche Revolution“ von 1688 ein Bündnis zwischen dem Bürgertum und dem neuen Adel herbeiführte, blieb die Feindseligkeit bestehen. Die Positionen der Gutsbesitzer waren immer noch stark; die Aristokraten waren sich zwar der Lage unterworfen, aber keineswegs völlig versöhnt. Auch bei Theateraufführungen waren Angriffe auf den Adel zu hören.
Im Jahr 1713 versuchte Joseph Addison (1672–1719), die klassische Tragödie auf der englischen Bühne zu etablieren.
Zu dieser Zeit erschien ein neues Genre – das Drama, aber die Komödie wollte ihre Stellung nicht aufgeben. Das Publikum, das bei Aufführungen von „Der Kaufmann von London“ reichlich Tränen vergoss und vor dem düsteren Ende des Stücks voller Entsetzen war, wollte ab und zu lachen. Diese Gelegenheit bot ihnen Fielding und später Oliver Goldsmith und Richard Brinsley Sheridan.
Goldsmith wollte die „schwule Komödie“ der Zeit von Shakespeare und Ben Jonson wiederbeleben. In seiner Abhandlung „Ein Essay über das Theater oder eine Gegenüberstellung von fröhlicher und sentimentaler Komödie“ (1733) sprach er direkt darüber und schrieb mehrere komödiantische Stücke ohne Moralisierung, ohne große Tendenzen, wobei er sich fröhlich über die Unerfahrenheit junger Menschen lustig machte, die es sind leicht getäuscht. Die Stücke sind voller lustiger Fehler, die Charaktere sind ganz natürlich dargestellt.
Die größten Spuren in der Geschichte des englischen Dramas dieser Zeit hinterließ jedoch Richard Brinsley Sheridan (1751–1816). Er schrieb für kurze Zeit. Alle seine besten Stücke entstanden innerhalb von fünf Jahren. Der Brand seines Theaters in der Drury Lane versetzte dem Schriftsteller den letzten Schlag.
Der Klassizismus in seiner klassischen Form konnte in England keinen festen Boden finden. Dafür gab es zwei Gründe: die politische Lage des Landes und die Autorität von Shakespeares Theater.
Shakespeare stellte die Errungenschaften des antiken Dramas so weit in den Schatten, dass es nach ihm einfach undenkbar war, sich ausschließlich auf das Beispiel antiker griechischer Autoren zu verlassen. Englische Dramatiker, die für das Theater arbeiteten, konnten Aischylos, Sophokles und Euripides nicht so bedingungslos folgen wie ihre französischen Kollegen. Vor ihnen stand das Beispiel Shakespeares, der nach einem völlig anderen System arbeitete und beispiellose Ergebnisse erzielte.
1644 wurde Shakespeares Globe Theatre abgerissen, 1613 nach einem Brand wieder aufgebaut, 1649 das Fortune- und Phoenix-Theater und 1655 das Blackfriars. Die Schauspieler zerstreuten sich über das ganze Land, wurden Soldaten und verschwanden, wie ein anonymer Autor aus dem 17. Jahrhundert (Historia histrionica) berichtet.
Im Jahr 1643 verfassten die Schauspieler ein bewegendes, anonymes Dokument: eine Beschwerde über die Unterdrückung ihres Berufes. „Wir wenden uns an dich, großer Phoebus, und an dich, neun Schwestern – Musen, Schutzpatroninnen des Geistes und Beschützer von uns, armen, gedemütigten Schauspielern“, schrieben sie. „Wenn wir mit Hilfe Ihres allmächtigen Eingreifens wieder in unsere alten Theater zurückkehren und zu unserem Beruf zurückkehren könnten ...“ Die Schauspieler schrieben, dass die Komödien und Tragödien, die sie aufführten, „lebendige Reproduktionen der Handlungen der Menschen“ seien War ein Laster in ihnen, wurde es bestraft und die Tugend belohnt, dass „ Englische Rede wurde am korrektesten und natürlichsten ausgedrückt.“ Phoebus und neun Schwestern – Musen, Förderer der Künste – antworteten nicht. Das Theater erlitt irreparable Schäden.
John Milton, der größte englische Dichter des 17. Jahrhunderts, teilte nicht die ablehnende Haltung der Puritaner gegenüber Theateraufführungen. Milton war besonders stark gegen die Dramatiker und das Theater der Restaurationszeit, die einen betont unterhaltsamen Charakter hatten. Milton betrachtete die Tragödie als das Wichtigste in der dramatischen Kunst. klassische Designs antike griechische Kunst. Er ahmte sie nach, führte einen Refrain ein, der das Geschehen kommentierte, und stellte die Einheit der Zeit fest: Die Dauer der Ereignisse in der Tragödie überschreitet nicht 24 Stunden. Die Einheit von Ort und Handlung wird strikt gewahrt.
Restaurierungszeitraum
Die Restaurationszeit begann in England kurz nach Cromwells Tod.
Die von den Puritanern verhängten Verbote von Theateraufführungen und verschiedenen Unterhaltungsarten wurden aufgehoben. Die Theater wurden wiedereröffnet, unterschieden sich jedoch sowohl in ihrer äußeren Gestaltung als auch in der Art der Stücke stark vom englischen Theater des 16. bis frühen 17. Jahrhunderts. Auf der Bühne kamen üppige Kulissen und aufwendige Kostüme zum Einsatz.
Besonderen Erfolg hatten die Komödien von William Wycherley (1640 – 1716) und William Congreve (1670 – 1729).
Englische Theater Drury Lane und Covent Garden
Besuchen wir nun die Theater von London. 1663 wurde in London das Drury Lane Theatre gebaut, das das Recht auf ein Monopol bei der Auswahl des Repertoires erhielt. Im Jahr 1732 entstand ein weiteres großes Theater – Covent Garden. In den Londoner Theatern herrschte wenig Ordnung. Das Publikum stürmte in den Zuschauerraum und stürmte direkt am Parkett entlang, um sich Sitzplätze näher an der Bühne zu sichern. Von Zeit zu Zeit kam es zu einer Art „Theaterunruhen“ – Zuschauer, unzufrieden mit der Aufführung, der Preiserhöhung oder einem Darsteller, übertönten die Stimmen der Schauspieler, bewarfen sie mit Früchten und stürmten manchmal auf die Bühne.
In diesem aufrührerischen London des 18. Jahrhunderts versuchten die Schauspieler, ruhig aufzutreten und mit maßvoller Stimme zu sprechen. Der englische Klassizismus war jedoch nicht vollständig und integral – er wurde ständig durch die realistische Tradition von Shakespeare „korrigiert“.
Der Schauspieler Thomas Betterton (1635 – 1710) spielte die Rolle des Hamlet so, wie Burbage sie einst spielte, nachdem er Anweisungen von Shakespeare selbst erhalten hatte. Der Schauspieler James Queen (1693 – 1766), der den Briten als zu sehr klassizistisch erschien, spielte die Rolle des Falstaff recht realistisch. Im Jahr 1741 spielte Charles Maclean (1697–1797) realistischerweise Shylock in Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“. Im selben Jahr fungierte David Garrick (1717 – 1779), der zum größten realistischen Schauspieler des 18. Jahrhunderts wurde, als Richard III. Garrick spielte sowohl komische als auch tragische Rollen. Als Pantomime war Garrick unübertroffen. Sein Gesicht konnte alle Schattierungen und Übergänge von Gefühlen konsequent darstellen. Er wusste, wie man lustig, erbärmlich, majestätisch und gruselig ist. Garrick war ein sehr intelligenter Schauspieler mit einer ausgereiften und präzisen Technik und gleichzeitig ein gefühlvoller Schauspieler. Als Garrick einmal König Lear in Shakespeares Tragödie spielte, ließ er sich so hinreißen, dass er sich die Perücke vom Kopf riss und zur Seite warf.
Garrick leitete viele Jahre lang das Drury Lane Theatre, wo er eine wunderbare Truppe zusammenstellte und 25 Shakespeare-Aufführungen inszenierte. Vor ihm hatte niemand so gewissenhaft und beharrlich an der Inszenierung von Shakespeare-Stücken gearbeitet. Nach Garrick lernten die Menschen Shakespeare viel mehr zu schätzen als zuvor. Der Ruhm dieses Schauspielers donnerte in ganz Europa.
Garricks Werk fasste die Entwicklung des Theaters im 18. Jahrhundert zusammen – vom Klassizismus zum Realismus.
XVIII Jahrhundert
Zeitalter der Aufklärung
Im 18. Jahrhundert begann eine Übergangszeit, die mit den Franzosen endete bürgerliche Revolution. Die Befreiungsbewegung entwickelte sich und es entstand die Notwendigkeit, den Feudalismus zu zerstören und durch den Kapitalismus zu ersetzen.
Englische Literatur" href="/text/category/anglijskaya_literatura/" rel="bookmark">Englische Literatur in den 30er und 40er Jahren des 19. Jahrhunderts. Die Industrielle Revolution war ein starker Impuls für die Entwicklung des Kapitalismus im Land. Das Proletariat betrat die historische Arena.
Die turbulente Ära brachte das Aufblühen der demokratischen Kultur, einschließlich der Theaterkreativität, zum Leben.
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20. Jahrhundert
1945–heute
Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde der Zusammenbruch des britischen Empire im Zusammenhang mit der Bildung des sozialistischen Weltsystems und dem Anwachsen des nationalen Befreiungskrieges der Völker unvermeidlich und natürlich. Theater stehen für turbulente Wendeereignisse und gesellschaftliche Veränderungen.
In den ersten Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war John Boynton Priestley der beliebteste Schriftsteller Englands. Er hat über vierzig Theaterstücke geschrieben. Die bedeutendsten davon sind „Dangerous Corner“ (1932), „Time and the Conways“ („Time and the Conways“, 1937).
In Priestleys Stücken ist der Einfluss der Dramaturgie Tschechows spürbar. Priestley ist bestrebt, die Dramatik des Alltags zu vermitteln, das Leben mit all seinen Untertönen zu zeigen und nicht nur die Charaktere der Hauptfiguren, sondern auch der Nebenfiguren zu enthüllen.
Die Stücke von John Osborne (John Osborne, 1929) spielten eine wichtige Rolle in der englischen Kultur. Die Stücke von John Osborne stimulierten die Entwicklung des englischen Dramas in den 60er Jahren.
1956 wurde John Osbornes Stück „Look Back in Anger“ im Royal Court Theatre aufgeführt, was ein voller Erfolg war. Der Dramatiker vermittelte sehr genau die Stimmung der englischen Jugend dieser Zeit. Jimmy Porter betrat die Bühne, der junge „wütende“ Held, wie ihn Kritiker nannten. Dieser junge Mann aus den unteren Schichten, der sich in ein ihm feindseliges soziales Umfeld eingeschlichen hatte, hatte keine Ahnung, was ein anständiges Dasein ausmachte. Er griff zu den Waffen und scheute keine Mühen, gegen bestehende moralische Werte, die traditionelle Form des gesellschaftlichen Lebens und teilweise auch gegen soziale Gesetze. Dieselben Merkmale charakterisieren einige der modernen und historischen Charaktere in den Stücken von John Arden, Sheila Delaney und anderen.
In einigen Ländern verbessern fortschrittliche Schauspieler und Regisseure ihre Fähigkeiten mithilfe klassischer dramatischer Stoffe und der besten Beispiele realistischer Literatur. Sie nutzen die Klassiker, um drängende zeitgenössische Themen zu thematisieren. Der englische Schauspieler Laurence Olivier drückte in der Gestalt von Othello einen wütenden Protest gegen die aufkommende bürgerliche Zivilisation aus. Hamlet diente Paul Scofield als Ausdruck der traurigen, schwierigen Gedanken der jungen Nachkriegsgeneration europäischer Intellektueller, die sich für die in der Welt begangenen Verbrechen verantwortlich fühlten.
Die Inszenierungen der Shakespeare-Stücke des englischen Regisseurs Peter Brook erfreuen sich beim Publikum wohlverdienten Erfolgen.
Die Theaterkunst der letzten Zeit ist durch viele kleine professionelle, halbprofessionelle und nichtprofessionelle Ensembles gekennzeichnet, die von einem Ort zum anderen wandern; Intensivierung der Aktivitäten studentischer Theater; wachsender Protest von Schauspielern und Regisseuren gegen den Kommerzialismus in der Kunst. Junge Menschen nutzen die Bühne oft für hitzige politische Diskussionen. Das Theater geht auf die Straße, wo halbimprovisierte Aufführungen aufgeführt werden.
Fast jedes Phänomen der Theaterkreativität in England ist von schwerwiegenden inneren Widersprüchen durchdrungen, die mit einem Aufeinandertreffen gegensätzlicher ideologischer und ästhetischer Tendenzen behaftet sind.
John Osborne ist ein Anhänger des Theaters, das die sozialen Ordnungen in der kapitalistischen Welt kritisiert und die überzeugendste Waffe der Zeit darstellt.
John Osbornes Stücke prägten die Entwicklung des englischen Dramas in den 60er Jahren.
Die Originalität der Dramaturgie von Sean O'Casey, einem herausragenden anglo-irischen Dramatiker, wird durch ihre Verbindung mit der irischen Folkloretradition bestimmt. Seine Stücke zeichnen sich durch eine bizarre Kombination aus Tragik und Tragik aus
Laurence Olivier als Richard III
„Richard III“ von W. Shakespeare
komisch, real und fantastisch, alltäglich und erbärmlich. O'Caseys Dramen bedienen sich der Konventionen des expressionistischen Theaters.
Die Bewegung der Volkstheater, die vor allem pädagogische Ziele verfolgte, breitete sich über ganz Europa aus. In England entstand das Workshop Theatre, das unter der Leitung von Joan Littlewood sehr berühmt wurde.
London ist berühmt für seine Museen, historischen Gebäude und hochmodernen Restaurants. Aber nur das Theaterleben, das die Stadt dominiert, unterscheidet sie von anderen Städten. Wenn ein Stück in London erfolgreich war, würde es seinen Erfolg anderswo wiederholen.
Londons einziger Konkurrent kann New York mit dem Broadway sein, aber selbst das Land kann sich nicht mit Theatergebäuden rühmen, die auf eine lange und reiche Geschichte zurückblicken. Der zentrale Teil der Stadt, das West End, die Bezirke South Bank und Victoria überraschen mit einer besonderen Konzentration an Theatern – von kleinen Studios für 100 Zuschauer bis hin zu großen Melpomene-Tempeln. Wir bieten einen Überblick über die zehn meisten große Theater London.
Das Shaftesbury Theatre, direkt an der Holborn Street gelegen, gilt als eines der architektonisch und historisch wertvollsten Gebäude Großbritanniens. Dank eines kleinen Unfalls mit dem Dach des Gebäudes im Jahr 1973 wurde darauf aufmerksam gemacht. Seit 1968 wurde das berühmte Musical „Hair“ 1998 Mal auf der Bühne aufgeführt. Die Show, die die Hippie-Bewegung förderte, wurde später eingestellt. Als das Musical zum ersten Mal im West End aufgeführt wurde, wurde es vom Theaterzensor Lord Cameron Fromentil „Kim“ Baron Cobbold verboten. Die Produzenten wandten sich hilfesuchend an das Parlament, das die Erlaubnis erteilte, indem es einen Gesetzentwurf erließ, der das Verbot des Barons vollständig aufhob. Dieses beispiellose Ereignis in der Geschichte der Theaterkunst beendete die Theaterzensur in Großbritannien – nicht schlecht für ein Theater mit einer Kapazität von 1.400 Zuschauern.
Nur ein paar Blocks von Shaftesbury entfernt befindet sich das Palace Theatre, das ebenfalls 1.400 Zuschauern Platz bietet. Seine Spezialität sind Musicals wie Singin' in the Rain oder Spamalot. Das Theater wurde 1891 eröffnet und wurde unter der Schirmherrschaft von Richard d'Oyly Carte bekannt. In den 1960er Jahren wurden neben Opern auch Musicals, Filme und andere Shows aufgeführt „Sound of Music“ wurde 2385 Mal im Theater gezeigt. Das Theater wurde in die Liste der Gebäude in Großbritannien aufgenommen, die architektonischen und historischen Wert haben. Darüber hinaus wurden auch andere Gebäude in der Gegend in die Liste aufgenommen.
Das Adelphi Theater feierte kürzlich sein 200-jähriges Bestehen. Trotz der bescheidenen Größe des Gebäudes bietet das Theater Platz für 1.500 Zuschauer. Er ist bekannt für Produktionen wie „Chicago and Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat“. Das Art-Déco-Gebäude aus dem Jahr 1930 grenzt an das Strand Palace Hotel. Dies ist der vierte Bau in der gesamten Geschichte des Theaters seit 1809. Eine Gedenktafel an der Wand einer nahegelegenen Bar macht das Theater für den Tod des Schauspielers verantwortlich, der einst vom großen Terriss unterstützt wurde. Tatsächlich bekannte sich Prinz Richard Archer, ein gescheiterter Schauspieler, der aufgrund seiner Alkoholabhängigkeit an Popularität und Anstand verloren hatte, des Mordes an seinem Mentor Terriss im Zustand des Wahnsinns schuldig und wurde zur Zwangsbehandlung in eine psychiatrische Klinik gebracht, wo er leitete das Gefängnisorchester bis zu seinem Tod. Es heißt, dass der Geist des ungesühnten Terriss, der über das milde Urteil gegen seinen Schützling und Mörder verärgert ist, nachts immer noch durch das Theatergebäude wandert.
Einige Shows finden bereits seit Jahrzehnten im Londoner West End statt und das Victoria Palace bietet immer wieder neues Repertoire, wie zum Beispiel das Musical Billy Elliott. Obwohl er seit 2005 auf der Bühne steht, was eine Menge ist, wie man sagt regelmäßige Zuschauer. Das Theater hat eine lange Geschichte, die im Jahr 1832 begann, als es nur ein kleiner Konzertsaal war. Heute bietet das 1911 erbaute Gebäude Platz für 1.517 Zuschauer. Es ist mit einem Schiebedach ausgestattet, das in den Pausen geöffnet wird, um den Saal zu belüften. Es gab viele denkwürdige Aufführungen auf der Theaterbühne, aber die denkwürdigste davon war das patriotische Stück „Young England“ von 1934, das viele Zuschauer fand negative Bewertungen. Es dauerte nur 278 Vorstellungen.
Das Prince Edward Theatre liegt im Herzen von Soho und bietet Platz für 1.618 Personen. Es ist nach dem Thronfolger der britischen Krone, Edward VIII., benannt, einem König, der nur wenige Monate auf dem Thron saß und ihn im Namen der Liebe verließ. Traditionell finden auf der Bühne romantische Shows und Performances statt, zum Beispiel „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Miss Saigon“. Das Theater hat eine lange Geschichte, die bis ins Jahr 1930 zurückreicht, als es nur ein Kino und ein Tanzsaal war. Erst 1978 wurde das Theater eröffnet, zeitgleich mit der Premiere des Musicals „Evita“ über die weltberühmte Frau, die Frau des argentinischen Präsidenten. Das Stück wurde 3.000 Mal aufgeführt und die Schauspielerin Elaine Page, die Evita spielte, hatte einen glänzenden Start in ihre Theaterkarriere und wurde zum Star.
Trotz der Sanierung der Tottenham Court Road in London, um eine bessere Straßenkreuzung zu schaffen, bleibt eines unverändert – die riesige Statue von Freddie Mercury mit erhobener Hand, während er vor dem Dominion Theatre „We Will Rock You“ singt. Die Show läuft seit 2002 auf der Theaterbühne und war trotz unfreundlicher Kritiken der Kritiker ein Erfolg beim Publikum. Das 1929 auf dem Gelände einer alten Londoner Brauerei erbaute Theater bietet Platz für 2.000 Zuschauer. Das Gebäude beherbergt auch die Australian Sunday Church, die während der Messen die Bühne und Beleuchtung des Theaters nutzt.
Dies ist eines der großartigsten Theater in London. Die Säulen, die den zentralen Eingang schmücken, stammen aus dem Jahr 1834, und das Gebäude selbst wurde 1904 im Rokoko-Stil umgebaut. Im Laufe seiner Geschichte, die bis ins Jahr 1765 zurückreicht, gab es hier alles außer einem Theater. So fanden dort beispielsweise 50 Jahre lang Abendessen der Secret Beef Steak Society statt. 1939 wollte man das Gebäude schließen, konnte aber durch den Beginn des Straßenbaus gerettet werden. 14 Jahre lang wurde das Stück „Der König der Löwen“ auf der Bühne des Theaters aufgeführt, und die Disney-Dramatisierung scheint sich hier schon lange eingenistet zu haben und bringt gute Kasseneinnahmen.
Königliches Theater Aus diesem Grund gilt es als das führende Theater Londons, das 2.196 Zuschauern Platz bietet. Seit 1663 gab es an dieser Stelle mehrere Theater und die Drury Lane selbst gilt als Theaterstraße. Wie viele andere Theater arbeitete auch das Royal unter der Leitung von Andrew Lloyd Webber, dem Autor der Musicals „Evita“ und „Cats“. Weitere Produktionen, die auf der Bühne standen, sind „Oliver“, aus dem ein gleichnamiger Musikfilm entstand, „The Producers“, „Shrek and Charlie and the Chocolate Factory“, das noch immer läuft. Neben Musicals und Schauspielern ist das Theater auch für seine Geister bekannt, beispielsweise für den Geist eines Mannes im grauen Anzug und mit Dreispitz. Der Legende nach wurde er im 18. und 19. Jahrhundert im Theatergebäude getötet. Ein weiterer Geist ist Joseph Grimaldi, ein Clown, der nervösen Schauspielern auf der Bühne helfen soll.
Das London Paladium Theatre ist nicht nur in London, sondern auf der ganzen Welt berühmt. Es ist nur wenige Schritte von der Oxford Street entfernt. Bekannt wurde er durch die Nachtshow „Sunday Night at the London Palladium“, die von 1955 bis 1967 lief. Millionen von Zuschauern lernten die rotierende Bühne und Bühnenaktionen verschiedener Art kennen. Im Jahr 1966 versuchten die Eigentümer des Gebäudes, es für den weiteren Wiederaufbau zu verkaufen, aber es konnte dank Theaterinvestoren und der Tatsache, dass dort 1973 zusätzlich zum Theater ein Konzertsaal für Auftritte der Rockgruppe „Slade“ eröffnet wurde, gerettet werden “. Das ständige ausverkaufte Publikum und die aktiven Aktionen der Fans der Band ließen den Balkon im Saal fast einstürzen. Im Jahr 2014 wurde im Theatersaal die Talentshow „The X Factor: Das Musical“ eröffnet.
Wenn das Appollo Victoria Theater nicht das beliebteste in London ist, kann man es doch getrost als das höchste anerkennen. Es liegt nur wenige Meter vom Victoria Palace entfernt und bietet Platz für 2.500 Zuschauer. Mehrere Theater aus der vorgestellten Rezension befinden sich in der Nähe und bilden eine Art „Theaterland“. Apollo Victoria wurde 1930 eröffnet. Das Gebäude ist im Art-Deco-Stil mit einem nautischen Thema mit Springbrunnen und Muscheln als Dekoration gestaltet. Der Bau dauerte 18 Jahre Eisenbahn für das Musical „Starlight Express“, sodass sich der Zug entsprechend dem Drehbuch um den Zuschauerraum bewegen würde. Ein weiteres beliebtes Musical, das im Theater aufgeführt wird, ist „Wicked“. Die Einnahmen an den Kinokassen der Premiere beliefen sich auf 761.000 Pfund, und über einen Zeitraum von sieben Jahren werden die Einnahmen aus der Aufführung auf 150 Millionen geschätzt. Filmliebhaber behaupten, dass das Theater in naher Zukunft aussterben wird, aber Statistiken über die Anzahl der Zuschauer bei jedem Musical und die Höhe der Kasseneinnahmen deuten auf etwas anderes hin. Der Geruch von Rouge und Tünche, der Lärm im Zuschauerraum wird niemals verschwinden.
Jedoch, moderne Architektur stehen der Schönheit und Eleganz historischer Theaterbauten in nichts nach.
