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12 de junho comemora 75 anos Pintinho Corea - um dos músicos de jazz mais influentes e respeitados do mundo, vencedor de mais de duas dezenas de prêmios vovó(mais precisamente, em atualmente- 22) e mais de 40 nomeações para este prémio de maior prestígio na área da gravação, bem como muitos outros prémios internacionais.

Em 2012, o prestigiado prémio da Associação Internacional de Jornalistas de Jazz Jazz Award-2012 na categoria “Melhor Foto do Ano” foi recebido pelo autor regular de “Jazz.Ru”, que publica connosco desde 1998 - o mestre da fotografia de jazz russo, Pavel Korbut. O prémio foi atribuído ao seu trabalho “Pianist Chick Corea”, de 2011, que serviu de base para a capa da revista Jazz.Ru n.º 2-2011.

A entrega do prêmio ocorreu em agosto de 2012 no palco do festival de Moscou “Jazz in the Hermitage Garden”.

Antonio Armando Corea(Chick - "Chicken" - seu apelido de músico) nasceu em 12 de junho de 1941 em Chelsea, Massachusetts (um subúrbio de Boston). Até 1958, ele morou com os pais na casa número 149 da Chestnut Street, que em 2001 foi renomeada em homenagem ao seu famoso nativo. Rua Chick Corea. Em 1956, quando Corea estava na nona série, foi eleito “presidente” de sua turma e, segundo o relatório da escola, provou ser “o mais motivado para o sucesso, o mais cooperativo e o mais musical”. Segundo a mesma descrição, ele então, aos 15 anos, queria “tornar-se músico de jazz e escrever canções”. Seus ex-colegas lembram que ele era muito modesto, que seu pai liderava um conjunto amador que tocava para todo mundo eventos escolares(isso era incomum nesses lugares - todas as escolas vizinhas simplesmente tocavam discos), e o próprio Chick tocava trompete na orquestra da escola e acompanhava o coro da escola ao piano.

A grande carreira jazzística de Chick Corea começou em Nova York na primeira metade da década de 1960. como parte de grupos de jazz liderados por Mongo Santamaria, Willie Bobo, Herbie Mann E Stan Getz. Foi então que fez suas primeiras gravações solo.

A etapa mais importante na vida do músico foi o convite para o conjunto do grande revolucionário do jazz - trompetista Milhas Davis, em colaboração com quem Miles gravou álbuns importantes no final dos anos 60: “ Filés do Kilimanjaro», « De maneira silenciosa», « Cerveja de cadelas».

VÍDEO: 29 de agosto de 1970, Miles Davis toca uma improvisação de 38 minutos mais tarde chamada “Call It Anything” no Isle of Wight Rock Festival (Reino Unido).
Membros: Chick Corea e Keith Jarrett - teclados, Gary Bartz - saxofones, Dave Holland - baixo, Airto Moreira - percussão, Jack DeJohnette - bateria.

Desde então, Chick Corea recorreu repetidamente a uma variedade de estilos - do jazz acústico de vanguarda ao fusion e pós-bop. No final dos anos 80 e 90, Chick Corea interessou-se por grandes formas de concerto, criou um concerto para piano com uma orquestra sinfônica (gravado com a Orquestra Filarmônica de Londres), bem como versões de jazz de concertos de W.A. Mozart e outras grandes formas do maneiras cruzamento(na intersecção do jazz e da música acadêmica).

Ao longo dos anos, Chick Corea trabalhou com uma variedade de composições próprias - Círculo, Return To Forever, Elektric Band, Novo Trio e etc.

VÍDEO: Chick Corea com sua banda Return To Forever, 1973

Chick Corea já se apresentou nos maiores e mais prestigiados palcos de concertos da América, Europa e Ásia, participou nos mais importantes festivais e colaborou com músicos famosos ( Bobby McFerrin, John McLaughlin, Paco de Lucia, Herbie Hancock, Al DiMeola, John Patitucci, Bela Fleck e etc). Chick Corea lançou mais de 100 álbuns.

Um papel especial na vida de Chick Corea foi desempenhado pela colaboração com o vibrafonista Gary Burton. Em 1972, em um selo europeu pouco conhecido Edições de Música Contemporânea(“Editora de Música Contemporânea”), hoje conhecida por todos simplesmente como ECM, foi gravado um álbum pela dupla Chick Corea e Gary Burton, intitulado "Crystal Silence", " Silêncio Cristalino" A ideia de silêncio geralmente ocupava o chefe e produtor permanente ECM Manfred Eicher, não é à toa que o lema criativo de sua gravadora é traduzido para o russo como “O som mais bonito, depois do silêncio”. Chick e Gary se cruzaram por acaso em 1971 em Munique, onde fica a sede da empresa, na festival de jazz, e de repente descobriu que apenas os dois compareceram à jam session do festival após o show. Eles tentaram brincar juntos e, como dizem, “clicaram”. Foi assim que este dueto começou. É interessante que dois anos antes, quando Chick ainda tocava para Miles Davis, e Gary já tinha seu próprio quarteto de jazz-rock, eles já haviam tentado tocar juntos, mas em quarteto, e então não “clicou”: a seção rítmica ativa acabou sendo redundante para eles tocarem juntos.

Quando Corea começou a fazer duetos com Burton ele tinha acabado de criar seu próprio projeto de fusão Voltar para sempre, que estava destinado a se tornar um dos mais grupos famosos jazz rock clássico dos anos 70. Mas no primeiro álbum conjunto com Burton não havia free jazz (como em mais projeto inicial Coreia Círculo), nem jazz rock. Houve uma música verdadeiramente cristalina e leve, de natureza rítmica incrivelmente nítida, enquanto ambos os músicos usavam seus instrumentos, o piano e o vibrafone, respectivamente, enfatizando a percussividade nítida de seu som. Mas tudo isso é normal na estética sonora da empresa ECM, parecia muito reservado e romântico.

VÍDEO: show de Chick Corea e Gary Burton em Tóquio, 1981

O álbum foi um sucesso, e a dupla excursionou quase todos os anos em que Chick levava sua banda de jazz-rock de férias. No quente julho de 1982, Chick Corea e Gary Burton vieram a Moscou pela primeira vez, mas foi um dos momentos mais tensos da Guerra Fria, as relações entre União Soviética e os Estados Unidos da América estavam tão hostis como sempre e não houve concerto público. Alguns conseguiram assistir à sua apresentação fechada na Spaso House, residência do embaixador americano, e no dia seguinte houve uma jam session no salão da Union of Composers - onde os jazzistas soviéticos, como dizem inúmeras testemunhas, exageraram um pouco. , tentando impressionar as “superestrelas” estrangeiras "

Corea e Burton ouvindo uma jam em Moscou, 1982 (entre o público ao redor estão A.E. Petrov, A. Gradsky, N. Levinovsky, V. Feiertag, etc.) Foto de Alexander Zabrin do livro “Soviet Jazz”, 1987

Posteriormente, Chick e Gary vieram repetidamente para a Rússia pós-soviética, cada um com seus próprios projetos solo.

Então, Chick Corea se apresentou em Grande salão Conservatório de Moscou no âmbito do festival dedicado aos 100 anos da famosa sala de concertos, em abril de 2001. O conjunto com o qual veio então - The Chick Corea Novo Trio, isto é, ele mesmo, o contrabaixista Avishai Cohen de Israel e baterista Jeff Ballard, era na verdade a seção rítmica do então grande conjunto de Corea, A origem. Ao mesmo tempo, o BZK expressou obra sinfônica Corea - “Concerto N.º 1”, interpretado pelo maestro em conjunto com um trio e com a orquestra sinfónica da Sala Grande do Conservatório (basicamente orquestra estudantil). O diretor da orquestra, Yuri Botnar, regeu.

VÍDEO: Chick Corea e seu “Novo Trio” no ar do programa “Antropologia” da NTV, apresentado por Dmitry Dibrov (2001).
Entrevista e gravação única ao vivo do trio com Avishai Cohen e Jeff Ballard em estúdio de concerto.

O dueto com Burton reapareceu nos palcos de Moscou apenas em 2006, quando comemoraram o 35º aniversário de seu primeiro álbum conjunto com uma turnê mundial. Dois anos depois MEE seu álbum " O Novo Silêncio Cristalino", mais uma vez premiado com o Grammy.

E em abril de 2011, durante a nova turnê mundial do dueto Chick Corea - Gary Burton, os dois músicos famosos se apresentaram na Rússia pela terceira vez.

VÍDEO: Chick Corea e Gary Burton “La Fiesta”
Apresentação no festival Jazzwoche Burghausen, 2011

“Jazz.Ru” escreveu muito sobre o trabalho e performances de Chick Corea - pelo menos sobre todas as suas visitas, começando com shows no BZK em 2001 e terminando com uma apresentação em dueto com o vocalista Bobby McFerrin em 2012. Mas em no dia do seu 75º aniversário do famoso pianista, decidimos reproduzir os textos de duas de suas entrevistas: a primeira foi tirada dele pelo nosso correspondente em Yerevan Armen Manukyan nos bastidores do Festival de Jazz de Yerevan em 2000, e o segundo foi tirado dele por telefone antes das apresentações em Moscou em 2001 por um jornalista musical Andrei Solovyov, posteriormente coautor de longa data do nosso podcast de jazz “Ouça aqui”.

Chick Corea: “Meu propósito é entreter as pessoas” (2000)

O texto de uma entrevista exclusiva que o grande pianista deu ao jornalista de Yerevan Armen Manukyan nos bastidores do Festival de Jazz de Yerevan (ele não deu uma única entrevista durante toda a sua visita à Armênia no início de junho de 2000).

Agora, muitos estão tentando prever o caminho futuro do desenvolvimento do jazz. Alguns o veem em aliança com a eletrônica, outros - em simbiose com o folclore ou os clássicos. qual e sua OPINIAO?

Muitas vezes me perguntam sobre o futuro do jazz, e é uma pergunta muito boa e necessária que realmente precisamos nos fazer agora. Então, para mim não é tão importante se o jazz se parece mais com música sinfônica, ou folclore, ou se haverá mais ou menos ênfase na improvisação. Para mim o mais importante é a situação em que a música nasce e é executada. Música de verdade só pode existir em uma atmosfera calma e pacífica. Se a situação no país é tensa, as pessoas ficam intimidadas, então a arte, inclusive a música, sofre primeiro. Porque a música é, antes de tudo, músicos, e músicos são pessoas que vivem no campo. Portanto, se quisermos que a nossa música floresça, devemos criar um ambiente calmo, dar aos músicos liberdade criativa, numa palavra, uma vida feliz. Esta é uma tarefa muito difícil, mas devemos fazer tudo o que estiver ao nosso alcance para realizá-la. Mas a forma como a criatividade de um músico encontra expressão já não é tão importante.

Há uma opinião de que o jazz perdeu recentemente o seu propósito original - entreter e divertir as pessoas. Tornando-se música de profissionais, o jazz saiu dos clubes e bares, passando para as salas filarmónicas. O jazz tornou-se demasiado complexo, uma arte elitista.

Qualquer música que se torne demasiado séria perde a sua alma, a sua emotividade e, finalmente, perde os seus ouvintes. E não é apenas jazz. Um problema semelhante é inerente a qualquer outra forma de arte. Cada gênero tem seus profissionais e amadores, e o jazz nesse sentido não foge à regra. O jazz só pode ser considerado jazz verdadeiro quando é de boa qualidade, quando as pessoas o compreendem, quando o sentem e o apreciam. Hoje no concerto em Yerevan conseguimos agradar aos ouvintes, embora a nossa música não seja tão simples. Não creio que seja uma questão de complexidade ou simplicidade da música. O fato é que para alcançar o sucesso é necessário estabelecer um contato espiritual entre o intérprete e o ouvinte. E o principal executor desta tarefa é o músico, não o público. Ele deve criar uma atmosfera de compreensão e confiança mútua, só então poderá ser compreendido pelas pessoas.

Você toca e grava muito. O que seus fãs devem esperar no futuro próximo?

Tenho muitas ideias diferentes. Atualmente estou apaixonado por um projeto com meu sexteto Origem- Atuamos muito em diversos países do mundo. Eu também me apresento com frequência em meus projetos solo e acabei de lançar dois álbuns gravados durante minhas apresentações solo no Japão e na Europa. Colaboro com a Orquestra Filarmónica de Londres na execução dos meus concertos para piano. E, claro, experimento muito e trabalho com eletrônica no meu estúdio. É pouco provável que daí resulte algo que valha a pena, mas como resultado de tais experiências podem nascer novas ideias.

Você muda frequentemente suas preferências - você tocava música eletrônica, acústica e clássica. Quais períodos do seu trabalho você mais gosta?

Não se trata do estilo de música que executo. Sou músico e meu propósito é entreter as pessoas e, naturalmente, não quero me repetir indefinidamente. Se eu fosse ator, a cada temporada mudaria meu papel - trágico, comediante. Eu faria algo vanguardista para um círculo restrito de espectadores, divertido para o público em geral. Eu faço a mesma coisa que um músico. Procuro sempre criar algo novo para trazer alegria e prazer às pessoas.

Conhecemos muito bem o músico Corea e ao mesmo tempo não sabemos quase nada sobre sua vida fora da música.

Eu tenho dois filhos. Embora não sejam mais crianças. Meu filho, Fabius, toca instrumentos de percussão e escreve músicas. Ele tem sua própria banda e mais recentemente eles se apresentaram em Las Vegas em um show chamado Grupo Homens Azuis. Ele é casado com uma linda garota chamada Tracy. Ela é dançarina e coreógrafa e frequentemente se apresenta em Musicais da Broadway. Minha filha Liana, uma excelente pianista, adora muito seu instrumento e costuma se apresentar com as amigas, tocando jazz. Ela adora e prefere o jazz antigo dos anos 40 e 50. Meu pai faleceu há 12 anos e foi a ele que dediquei meu trabalho” Rumba do Armando"e mais recentemente -" Tango de Armando" Ele também era músico, tinha seu próprio grupo, muitas vezes eles se reuniam na nossa casa e tocavam, então eu cresci em um ambiente musical. Meu pai tinha uma coleção enorme de discos antigos de 78 rpm e eu os ouvia com frequência. Meu primeiro contato com o jazz veio através desses discos. Era a música de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell. Cresci cercado por músicos e jazz.

VÍDEO: apresentação solo de Chick Corea no festival Jazz à Vienne, França, 2012

Chick Corea: “Não tenho vergonha de estudar” (2001)

Na véspera da chegada de Chick Corea à Rússia em 2001, o jornalista Andrei Solovyov contactou-o por telefone e fez várias perguntas. Em primeiro lugar, claro, pedi ao pianista que comentasse o próprio facto da sua actuação na cidadela da música académica russa - o Grande Salão do Conservatório de Moscovo..
Você está realmente mais interessado em música clássica agora do que em jazz?

Quando toco ou gravo com um conjunto ou orquestra, tento não pensar muito no estilo e nos seus limites. É muito mais importante para mim entender os músicos com quem trabalho. O resultado depende de como se desenvolve o relacionamento entre os performers. Aqui não se trata apenas de estilo ou direção, mas de como você consegue encontrar um determinado som. Penso menos nas categorias - seja música clássica, jazz ou algum outro tipo, começo principalmente pelo som. Deste ponto de vista, a música académica - seja ela de câmara ou Orquestra Sinfónica- diferem em cores e capacidades sonoras especiais. Defini para mim um campo de atuação e posso dizer: tudo que tenho feito ultimamente está conectado internamente, todos os meus trabalhos têm muito em comum. Eu apenas uso meios diferentes para concretizar minhas ideias.

Nos últimos 30 anos, você voltou repetidamente à ideia de sintetizar jazz com música acadêmica - isso está relacionado com algum tipo de ritmo de vida, uma sensação interna do fluxo do tempo?

Não pense. Quando penso em música ou leio algo sobre ela, muitas vezes me parece que as estruturas e padrões associados ao tempo, ao processo da história, contêm demasiado potencial para erros. Parece-me que a situação é mais simples. Trabalho com composições clássicas quando me interessa e quando há oportunidade favorável.

Uma de suas gravações famosas (" Chapeleiro Louco") é um som paralelo ao conto de Alice no País das Maravilhas. Existe alguma base literária para as outras obras?

Eu penso isso " Chapeleiro Louco" é antes uma exceção à regra, e não tentei seguir literalmente os enredos emprestados de Lewis Carroll. O mesmo pode ser dito sobre o álbum " Meu coração espanhol”, onde muitas vezes tentam encontrar uma ou outra ideia de programa. Não existem paralelos literais com obras literárias, mas sempre me interessei pela cultura espanhola – poesia, pintura – e tudo isso pode influenciar o meu trabalho.

Todos o conhecem como um dos pioneiros na área da síntese do jazz e do rock. Como você se sente sobre o que está acontecendo no rock, pop e dance music hoje?

Continuo acompanhando com interesse o que está acontecendo nesta área. Aqui, como sempre, muita coisa está concentrada pessoas criativas que sempre inventam algo incomum. Não tenho vergonha de aprender com eles, estou sempre tentando entender o que eles têm a dizer, e sou grato pelas novas ideias de quem hoje grava música eletrônica dançante. Infelizmente, os jazzistas muitas vezes se comportam de maneira arrogante e consideram a música pop uma arte de segunda classe. Isso só prejudica a si mesmos. Compartilhar ideias e prestar muita atenção ao que seus vizinhos estão fazendo traz apenas benefícios para os músicos.

Na primeira metade dos anos 80 você já se apresentava na Rússia em dueto com o vibrafonista Gary Burton. Que impressões essa viagem deixou em você? De qual dos nossos músicos você se lembra?

Sim, claro, lembro-me desses passeios, foram muitas impressões diferentes. Dos músicos russos, gostei especialmente do pianista da época Nikolai Levinovsky, toquei com ele em uma jam session e conheci sua família. Em São Petersburgo também me encontrei com Igor Butman e com vários outros músicos maravilhosos - infelizmente não lembro seus nomes. Mas, em geral, estou mais familiarizado com os russos que vivem permanentemente em Nova York ou vêm frequentemente para a América. E na própria Rússia fiquei mais impressionado não com os músicos, mas com os ouvintes, porque o interesse pelas minhas apresentações era muito grande. Pareceu-me que os russos adoram jazz.

Todos o conhecem como um dos virtuosos mais técnicos do jazz moderno. O que você acha desses músicos que são menos preparados tecnicamente, mas ainda tentam se destacar na arte?

Não sei se é infelizmente ou felizmente, mas estou interessado em muitas coisas. Além disso, percebi que nem sempre os músicos conseguem fazer o avanço necessário para que a música se torne verdadeiramente livre. E isso não depende de tecnologia ou educação. Testemunhar tal evento é sempre interessante e emocionante. Mas, infelizmente, não há tempo suficiente para procurá-los.

Você consegue encontrar tempo para implementar novos projetos e planos?

Infelizmente, não é apenas uma questão de tempo. Depende muito do dinheiro. Os músicos precisam ser pagos; grandes despesas estão associadas a turnês e convites de artistas de diferentes países. Não sou livre para resolver esses problemas - não escrevo músicas para filmes (muitas pessoas ganham um bom dinheiro com isso), não promovo projetos comerciais. Portanto, qualquer plano, especialmente se a sua implementação envolver a participação de um grande número de pessoas, requer apoio financeiro, e eu próprio não tenho fundos suficientes. Quanto maior o conjunto, mais caro será o prazer de trabalhar com ele.

O que mais te atrai na música em primeiro lugar - a oportunidade de falar sobre coisas sérias, refletir os aspectos sublimes da vida, ou vice-versa - inteligência e ironia?

Parece-me que não devemos concentrar-nos na escolha entre estes estados. A ironia, assim como uma atitude séria perante a vida, é antes uma consequência de muito trabalho, um resultado. Cada estado emocional (e a música pode expressar uma ampla gama de experiências humanas) depende da sinceridade com que os músicos se comunicam. O contato com o público também é muito importante e, às vezes, muito difícil de ser estabelecido. Se o espírito de comunicação reina num concerto, a música pode influenciar profundamente tanto os ouvintes como os próprios intérpretes.

O que é mais valioso para você hoje - liberdade criativa ou disciplina, ordem?

Não creio que “liberdade” e “ordem” devam ser consideradas um par de opostos. A ausência de “liberdade” significa, antes, “escravidão”, e a “ordem”, por sua vez, se opõe ao “caos”. Liberdade e disciplina nunca interferem uma na outra. Ser livre significa ter a capacidade de tomar decisões e escolher de forma independente e responsável. Para conseguir isso, muitas vezes você precisa se forçar e fazer algo contra sua vontade.

Você foi um dos primeiros a introduzir sintetizadores e outros componentes eletrônicos no uso do jazz. Porém, ultimamente vocês têm se apresentado com mais frequência com programas acústicos, embora a técnica tenha se tornado muito mais avançada do que antigamente. Voltar para sempre. Isso significa que você está desiludido com a eletrônica e a considera inadequada para jazz?

Não, não tenho nada contra a electrónica, só acho que toda esta tecnologia é muito mais útil em casa do que no palco. Eu uso muitos aparelhos e instrumentos - eles facilitam o trabalho com a partitura, mas no palco só levo um piano Fender. Não porque eu não esteja interessado - apenas acarreta muitas dificuldades técnicas adicionais, principalmente com a configuração do som e a coordenação dos artistas.

VÍDEO: Chick Corea com a nova formação do Return to Forever no festival de Montreux, Suíça, 2008 - “Hymn of the Seventh Galaxy”
Chick Corea - teclados eletrônicos, Al DiMeola - guitarra, Stanley Clarke - baixo, Lenny White - bateria

O famoso pianista de jazz sobre a cultura russa, o Grande Salão do Conservatório e selfies no palco.

No dia 15 de maio, o famoso pianista de jazz Chick Corea, que detém o recorde de mais prêmios Grammy, se apresentou em Moscou.

Juntamente com o baixista Eddie Gomez e o baterista Brian Blade, eles deram um toque brilhante percorrer O trio, tendo tocado no final a famosa composição “Espanha”, - o público da Sala Tchaikovsky cantou junto com os músicos em coro.

Após o show, Chick Corea, de 75 anos, contou a Evgeny Konoplev como era a vida dos clássicos do jazz na época do YouTube.

EM última vez você se apresentou em Moscou em 2012. Muita coisa aconteceu desde então – no nosso país, no seu país, no mundo. Você sentiu alguma mudança durante a sua visita atual ou sente que esta ainda é a mesma Rússia?

Uma coisa é inevitável neste mundo: a mudança. Tudo está mudando – e, na minha opinião, mudando cada vez mais rápido. Mas este é um assunto para um sociólogo, não para um músico.

Quanto a mim, a minha ferramenta para aprender sobre a cultura e o mundo é o público que vejo à minha frente. São pessoas vivas, vieram e aqui estão. O show de hoje foi muito caloroso, o público foi muito receptivo e me diverti muito. Será disso que me lembrarei como resposta à pergunta: “O que você acha da Moscou de hoje?”

Muita coisa aconteceu para mim no show de hoje. Nosso trio teve uma turnê maravilhosa e de muito sucesso, e esta noite foi sua conclusão.

Os shows dessa turnê foram cada vez melhores e a banda ficou cada vez mais coesa. Hoje acabamos com isso. E meu concerto em São Petersburgo já será um concerto de piano solo.

Há muitos anos, você participou de um concerto, cujos lucros foram destinados à reforma e restauração do Grande Salão do Conservatório, um lendário local de Moscou. E você escreveu seu nome na história deste salão.

Ah, adorei essa ideia! Esta sala é de grande importância para mim - é aqui que foi gravado o maior concerto de Vladimir Horowitz, quando ele veio para cá já velho, tinha 83 anos.

Já assisti muitas vezes em DVD porque sou um grande fã desse pianista.

Para você, a Rússia é o país de Rachmaninov ou Igor Butman e outros músicos de jazz que você mencionou em entrevistas?

A Rússia para mim é tudo junto. É impossível descartar a história da Rússia, porque esta história deu muitos tesouros culturais - na música, no balé, em todas as direções. Mas desde os anos 50-60 do século passado, tal coisa surgiu aqui grande interesse ao jazz. Primeiro subterrâneo e agora gratuito.

Você sabe, eles me mostraram uma coisa hoje... um recorde. E estou muito orgulhoso do fato de que após o lançamento do meu álbum “Return to Forever” em 1972, alguns anos depois ele foi lançado pela gravadora Melodiya e se tornou o primeiro ou um dos primeiros discos de jazz publicados na Rússia oficialmente.

Em geral, não divido a cultura russa em “velha” e “nova”. Para mim é tudo um só tópico.

Os músicos concordam que sua técnica de tocar é inacreditável. Isso significa que você está pronto para tocar as músicas mais complexas. Você costuma sentir que, embora queira mostrar algo completamente novo e complexo, o público pode simplesmente não ser capaz de perceber essas coisas?

Acho que é uma questão de equilíbrio. Afinal, posso fazer com que o público se sinta confortável na minha sala, no meu espaço. Acredito - e minha experiência me convence disso - que se o público se sentir confortável, posso mostrar-lhes coisas de complexidade variada.

Se você notou, durante o show de hoje houve algumas partes em que soou muito, muito música sutil, e os ouvintes foram muito, muito receptivos a isso.

Gosto quando o público entende a mensagem e a ideia. Então procuro criar uma atmosfera onde o ouvinte possa entender uma variedade de ideias e eu possa mostrar algo que as pessoas nunca ouviram e combinar com coisas que já conhecem... e assim continuar a ter um diálogo de qualidade.

- Como você se sente em relação ao “novo público”? É difícil músico de jazz trazendo sua música para a era do YouTube?

Sim, há tantas coisas diferentes por aí e o mundo é tão diferente. A cada cinco anos, a sociedade e a cultura mudam drasticamente... Mas acredito que ainda é responsabilidade do artista procurar formas de comunicar e interagir com o público.

E você, devo dizer, é muito ativo na busca de novas formas de comunicação. Hoje o público se divertiu muito tanto com a filmagem do palco no seu celular quanto com a selfie que você tirou com os músicos durante os aplausos finais.

Bem, isso é apenas um lembrete para mim. E mostre para minha esposa. Mas também acho que permite que o público se sinta um pouco mais relaxado, menos formal. Não gosto de shows muito formais.

Garota Corea. Foto – Olga Karpova

Vocês viram muitos períodos de desenvolvimento musical. Você tem a sensação de que hoje em geral está perdendo seu significado? Algumas pessoas acreditam que ser uma estrela do rock e um rapper tem menos prestígio hoje do que era há algumas décadas. O que é muito mais legal é se tornar um banqueiro de investimentos ou um empreendedor de TI.

Quem pensa assim? Eu não penso assim. Você sabe, as pessoas são tão individuais - em cada família, cidade, cultura, faixa etária...

A humanidade é tão diferente. Portanto é impossível dizer que “eles” pensam “isto”. Eles pensam coisas diferentes. E para mim, o caminho para a verdadeira comunicação, para o verdadeiro trabalho em equipa, para a verdadeira criação reside precisamente no reconhecimento das pessoas como indivíduos.

Mas em uma família pode haver cinco ou dez pessoas - e cada uma será diferente da outra. Portanto, não há necessidade de generalizar. Acho que esta é a única maneira de buscar a verdade e construir relacionamentos.

Não posso deixar de fazer uma pergunta a você como dono de 22 estatuetas do Grammy. Quantos deveriam ser para você dizer: “É isso, já chega”?

- (Risos) Não depende de mim! Eu não escolho. Este é um trabalho em grupo. Gravamos um disco e então os especialistas do Grammy votam nele. E toda vez é um novo álbum e uma nova música.

Os prêmios dão confiança, mas também te impulsionam, porque te obrigam a entregar algo cada vez melhor. Simplesmente não tenho o direito de gravar e lançar a mesma música o tempo todo.

Os editores do Colta.ru gostariam de agradecer aos organizadores do concerto em Moscou, a empresa Ram Music, pela organização da entrevista.

Chick Corea é uma das figuras mais icónicas entre os jazzistas das últimas décadas. Nunca satisfeito com os resultados alcançados, Corea é sempre completamente apaixonado por vários projetos musicais ao mesmo tempo, e a sua curiosidade musical nunca conhece o limite. Pianista virtuoso que, junto com Herbie Hancock e Keith Jarrett, foi um dos principais estilistas surgidos desde Bill Evans e McCoy Tyner, Corea é também um dos poucos "tecladistas elétricos" com um estilo de tocar original e reconhecível. Além disso, é autor de diversos standards clássicos do jazz, como "Spain", "La Fiesta" e "Windows".

Corea começou a tocar piano com apenas 4 anos e durante a formação de seu gosto musical maior influência ele foi influenciado por Horace Silver e Bud Powell. Ganhou séria experiência musical tocando nas orquestras de Mongo Santamaria e Willie Bobo, Blue Mitchell, Herbie Mann e Stan Getz.

Sua gravação de estreia como líder de banda foi o álbum "Tones For Joan's Bones" em 1966, e o álbum "Now He Sings, Now He Sobs", gravado em trio com Miroslav Vitus e Roy Haynes em 1968, é considerado pelos críticos musicais como um álbum de jazz de classe mundial.

Após um curto período trabalhando com Sarah Vaughan, Corea juntou-se a Miles Davis como substituto de Hancock na orquestra, e permaneceu com Miles durante o importante período de transição de 1968-70. Ele participou de obras impressionantes de Miles como "Filles De Kilimanjaro", "In A Silent Way", "Bitches Brew".

Como parte da banda Circle com Anthony Braxton, Dave Holland e Barry Eltschul, ele começou a tocar jazz acústico de vanguarda após deixar Davis. E no final de 1971 ele mudou novamente de direção.

Após deixar o projeto Circle, Corea tocou brevemente com Stan Getz e depois formou o grupo Return To Forever com Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto e Flora Purim, que estreou no espírito da tradição melódica brasileira. Dentro de um ano, Corea, com Clark, Bill Connors e Lenny White, tentou transformar Return To Forever em uma banda líder de fusão de alta energia; em 1974, Al DiMeola assumiu o lugar de Connors. Numa época em que a música era orientada para o rock e utilizava improvisações de jazz, Corea permaneceu bastante reconhecível mesmo sob o véu do som eletrônico.

Após a separação do grupo no final dos anos 70, Corea e Clark tocaram em várias orquestras, dando a estes grupos um significado especial. Nos anos seguintes, Corea concentrou-se principalmente no som acústico e apareceu em público com a dupla Gary Burton e Herbie Hancock, ou no Michael Brecker Quartet, e até executou música clássica acadêmica.

Em 1985, Chick Corea formou um novo grupo de fusão, a Elektric Band, que eventualmente incluiu o baixista John Patitucci, o guitarrista Frank Gambale, o saxofonista Eric Marienthal e o baterista Dave Wickle. Alguns anos depois iniciou seu "Trio Acústico" com Patitucci e Wickle.

Durante 1996-97, Corea fez uma turnê como parte de um quinteto de estrelas, incluindo Kenny Garrett e Wallacy Roney, que executaram versões modernas de composições de Bud Powell e Thellonious Monk.

Atualmente toca músicas que entrelaçam com maestria passagens complexas de arranjos com partes solo em um estilo de fusão. Ele está trazendo o jazz de volta à sua antiga força, e cada fase de seu desenvolvimento criativo é lindamente representada em seus discos.

O verdadeiro nome do notável compositor e intérprete é Armando Anthony "Chick" Corea (Armando Anthony Corea). Ele nasceu em Chelsea (Massachusetts) no verão de 1941 em uma família de imigrantes italianos que viviam em uma cidade tradicional da época, vizinha de imigrantes da Rússia e do Leste Europeu. O pai de “Chick” é um sapateiro que gosta de jazz nas horas vagas. Foi ele quem começou a ensinar música ao filho quando ele tinha apenas 4 anos. A propósito, todas as 13 crianças desta família tiveram ouvido para música e sabia tocar um instrumento ou outro. O próprio Armondo Anthony dominou a arte de tocar piano, bateria, percussão e trompete.

“Chick” ganhou experiência musical mais aprofundada ao tocar nas orquestras de Mongo Santamaria, Willie Bobo (1962-63), com Blue Mitchell (1964-66), Herbie Mann e Stan Getz. Como líder de seu próprio grupo em 1966, gravou o álbum “Tones for Joan's Bones”. E alguns anos depois foi lançado o álbum “Now He Sings, Now He Sobs”, gravado em trio, com Miroslav Vitus. e Roy Hens. Hoje essas composições pertencem aos clássicos do jazz mundial. Um curto período de colaboração com Sarah Vaughn dá lugar a um trabalho frutífero (1968-70) como parte da orquestra de Miles Davis, onde Corea substituiu Hancock. projetos famosos como “Filles de Kilimanjaro”, “In s” foram criados.

Imediatamente após deixar Davis, o talentoso músico mudou suas preferências e começou a tocar jazz acústico de vanguarda como parte do grupo Circle, onde foi convidado por Anthony Braxton, Dave Holland e Beri Eltluch. Mas no final de 1971, Chick mudou de direção novamente: primeiro ele colaborou brevemente com Stan Getz e depois criou seu próprio grupo, Return to Forever. O grupo incluía Stanley Clarke, Joe Farrell, Flora Purim, que estreou na tradição do jazz brasileiro. Durante o ano seguinte, Corea e seus músicos tentaram realizar exclusivamente fusão de alta energia. É preciso dizer que naquela época (1974) o rock e os sons eletrônicos reinavam no mundo, mas mesmo por trás deles as improvisações de jazz eram facilmente discerníveis.

Por essas e outras vacilações e inconsistências criativas, Corea não foi favorecido pelos críticos musicais. Segundo eles, ele mudou de estilo, direção, instrumento com mais frequência do que outros, tentando combinar coisas incompatíveis, apresentando-se na mesma noite com programas paralelos. Até o momento, o compositor possui mais de 70 álbuns diferentes gravados em colaboração com músicos como Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Bobby McFerrin, Bella Fleck e outros. Desde 1992, “Chick” é dono da gravadora Stretch Records e do estúdio Mad Hatter em Los Angeles, que geram bons rendimentos. Mas uma vida calma e “bem alimentada” não o privou do amor ao aventureirismo e da sede de criar algo novo, do desejo de surpreender ouvintes e críticos. Ele possui conhecimento enciclopédico e sabe aplicar seus diversos talentos em diversas áreas. Durante sua carreira (dados de 2015), o músico foi indicado ao Grammy trinta e três vezes e a este mais prestigiado prêmio americano 22 vezes, e também ganhou duas vezes Grammy Latino Prêmios.

Corea visitou a URSS na década de 80, e suas visitas foram ditadas não só pela vontade de dar shows, mas de se conhecerem de perto Vida real na União Soviética. Em 2001 voltou a actuar no Salão Nobre do Conservatório, angariando fundos para renovar esta sala com uma acústica única. Em 2007, o seu concerto aconteceu no Tchaikovsky Concert Hall, onde se apresentou com Bella Fleco (banjo), e quatro anos depois “Chick” tocou com Harry Barton (vibrafone) no Svetlanov Hall da International House of Music.

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Chick Korea 75 anos // Ensaio de Mikhail Alperin

Chick inspirou gerações de músicos a encontrarem a sua própria voz neste mundo de imitações. Fui um dos que se apaixonou imediatamente pela sua “voz”.

Ainda considero o álbum solo de piano "Canção infantil" um exemplo único de fusão entre música improvisada e pensamento do compositor.

Até escrevi uma vez, há muitos anos, uma paródia de Nikolai Levinovsky, chamada “Bétulas Latino-Americanas ou uma Carta à Mãe Pintainho Coreia”.

Sim, eu era um lutador pela minha voz original em Moscou, onde tudo o que era doméstico naquela época era exótico, e o jazz pseudo-americano de Kozlov e Levinovsky era visto como uma “companhia”, como jeans e Coca Cola.

Naquela época meu próprio caminho Eu estava apenas começando, mas minha voz interior protestou contra as falsificações em qualquer área da vida. É o que penso agora.

Chick Korea me surpreendeu com seu talento no início, e perdi o interesse por ele rapidamente pelo fato de ele não ter evoluído como músico ao longo dos anos, mas pelo contrário

sucumbiu à mentalidade americana de entretenimento e nada mais. Ele é um exemplo para todos nós de como o mercado musical absorve talentos e o dólar se torna uma religião.

Poucas pessoas podem discordar da sociedade.

Eu sou uma minoria.

O público e a história da música lembram sempre não o sucesso dos músicos, mas a mensagem que cada artista deve transmitir através dos sons à sua maneira, com sons ou palavras.

A música não é entretenimento, mas uma ferramenta de cura para a educação espiritual de uma pessoa.

Uma pessoa precisa de cura e imersão transmeditativa no som para uma experiência constante de comunicação com os mundos sutis.

Quando um músico, como o grande Chick Korea, está focado no entretenimento e na dança como único meio de relaxamento após o trabalho árduo do “homem comum”, quero perguntar a Chick, você tem certeza de que todos estão tão cansados ​​​​depois do trabalho que eles estão prontos apenas para dançar ao som da música latina -jazz americano?

Você claramente não subestima o público, assim como você, eu acho.

Chick tem certeza de que nós, músicos, neste “mundo difícil” somos chamados a distrair as pessoas de pensamentos tristes.

Você vê quão primitivo o mestre pensa?

Esta divisão da velha escola entre arte séria e arte frívola deverá desaparecer em breve.

Sem a consciência destes processos por parte de cada pessoa individualmente, não será fácil fazê-lo.

Discografia de Chick Corea (a partir de 2016)

Como líder ou co-líder:

• Tons para Joan's Bones (1966)
• Bênção! (1968), lançado pela primeira vez como Turkish Women at the Bath (1967) sob o nome de Pete La Roca
• Agora ele canta, agora ele soluça (1968)
• É (1969)
• Sundance (1969)
• A Canção do Canto (1970)
• Círculo (1970)
• ARCO. (1971)
• Concerto em Paris (1971)
• Improvisações de Piano Vol. 1 (1971)
• Improvisações de Piano Vol. 2 (1972)
• Voltar para sempre (1972, ECM)
• Espaço Interior (1972)
• Silêncio de Cristal (1973, com Gary Burton)
• Garota Corea (1975)
• O Duende (1976)
• Meu coração espanhol (1976)
• O Chapeleiro Maluco (1978)
• Uma noite com Herbie Hancock e Chick Corea: In Concert (1978)
• Agente Secreto (1978)
• Amigos (1978)
• Delfos I (1979)
• Corea Hancock (1979)
• Dueto (1979, com Gary Burton)
• Chick Corea e Lionel Hampton em concerto (1980, com Lionel Hampton)
• In Concert, Zurique, 28 de outubro de 1979 (1980, com Gary Burton)
• Delfos II e III (1980)
• Toque em Passo (1980)
• Greatest Hits of 1790 (1980, com Philharmonia Virtuosi de Nova York, regida por Richard Kapp. Solista de piano em destaque em Mozart: "Elvira Madigan" e Beethoven: "Für Elise")
• Morar em Montreux (1981)
• Três Quartetos (1981)
• Trio de Música (1981)
• Pedra de Toque (1982)
• Lyric Suite for Sextet (1982, com Gary Burton)
• De novo e de novo (1983)
• Em Dois Pianos (1983, com Nicolas Economou)
• O Encontro (1983, com Friedrich Gulda)
• Canções Infantis (1984)
• Fantasia para dois pianos com Friedrich Gulda (1984)
• Viagem - com Steve Kujala (1984)
• Septeto (1985)
• A Banda Elétrica Chick Corea (1986)
• Anos-luz (1987, com banda elétrica)
• Trio Music ao vivo na Europa (1987)
• Summer Night - ao vivo (1987, com Acoustic Band)
• Chick Corea com Lionel Hampton (1988)
• Eye of the Beholder (1988, com Elektric Band)
• Banda acústica Chick Corea (1989)
• Feliz aniversário, Charlie Brown (1989)
• De dentro para fora (1990, com banda elétrica)
• Beneath the Mask (1991, com Elektric Band)
• Vivo (1991, com Banda Acústica)
• Peça (1992, com Bobby McFerrin)
• Banda Elétrica II: Pinte o Mundo (1993)
• Brisa do Mar (1993)
• Expressões (1993)
• Distorção do Tempo (1995)
• As Sessões de Mozart (1996, com Bobby McFerrin)
• Live from Elario's (First Gig) (1996, com Elektric Band)
• Ao vivo do Blue Note Tóquio (1996)
• Ao vivo do Country Club (1996)
• Do nada (1996)
• Relembrando Bud Powell (1997)
• Native Sense - Os Novos Duetos (1997, com Gary Burton)
• Ao vivo no Blue Note (1998, com Origin)
• Uma semana no Blue Note (1998, com Origin)
• Like Minds (1998, com Gary Burton, Pat Metheny, Roy Haynes, Dave Holland)
• Mudança (1999, com Origem)
• Corea Concerto – Espanha para Sexteto e Orquestra – Concerto para Piano No. 1 (1999, com Origem)
• Concerto Corea (1999)
• Piano Solo - Originais (2000)
• Piano Solo - Padrões (2000)
• Novo Trio: Passado, Presente e Futuros (2001)
• Encontro em Nova York (2003)
• To the Stars (2004, com Elektric Band)
• Rumba Flamenca (2005)
• A aventura final (2006)
• Super Trio (2006, com Steve Gadd e Christian McBride)
• O Encantamento (2007, com Bela Fleck)
• 5trios - 1. Dr. Joe (2007, com Antonio Sanchez, John Patitucci)
• 5trios - 2. De Miles (2007, com Eddie Gómez, Jack DeJohnette)
• 5trios - 3. Chillin" em Chelan (2007, com Christian McBride, Jeff Ballard)
• 5trios - 4. The Boston Three Party (2007, com Eddie Gomez, Airto Moreira)
• 5trios - 5. Brooklyn, Paris a Clearwater (2007, com Hadrien Feraud, Richie Barshay)
• O Novo Silêncio Cristalino (2008, com Gary Burton)
• Five Peace Band Live (2009, com John McLaughlin)
• Dueto (2009, com Hiromi Uehara)
• Orvieto (ECM, 2011) com Stefano Bollani
• Para sempre (2011)
• Explorações adicionais (2012) com Eddie Gomez e Paul Motian
• Casa Quente (2012) com Gary Burton
• A Vigília (2013) com Hadrien Feraud, Marcus Gilmore, Tim Garland e Charles Altura
• Trilogia (2013) (Universal, 3CD ao vivo)
• Piano Solo - Retratos (2014)
• Dois (com Bela Fleck) (2015)

• Circulando (1970)
• Círculo (1970)
• Círculo 1: Concerto Live in Germany (1970)
• Concerto em Paris (1971)
• Círculo 2: Reunião (1971)

Com Retorno para Sempre

• Voltar para sempre (1972)
• Leve como uma pena (1972)
• Hino da Sétima Galáxia (1973)
• Onde eu te conheci antes (1974)
• Sem Mistério (1975)
• Guerreiro Romântico (1976)
• Música mágica (1977)
• Ao vivo (1977)
• Retorno para Sempre - Retorno (2009)
• Return to Forever Returns: Ao vivo em Montreux (DVD) (2009)
• O Retorno da Nave-Mãe (2012) com Jean-Luc Ponty

Com Anthony Braxton

• O Braxton Completo 1971 (Liberdade, 1977)

Com Marion Brown

• Tarde de um Fauno da Geórgia (ECM, 1970)

Com Donald Byrd

• O Creeper (Nota Azul, 1967)

Com Stanley Clarke

• Filhos da Eternidade (Polydor, 1973)
• Jornada para o Amor (Nemperor Records, 1975)
• Pedras, seixos e areia (Épico, 1980)

Espaços (Vanguarda, 1970)

Com Miles Davis

• Water Babies (Columbia 1976, gravado em 1967-68)
• Filles de Kilimanjaro (Colômbia, 1969)
• De maneira silenciosa (Columbia, 1969)
• Viva na Europa 1969: The Bootleg Series Vol. 2 (Columbia Legacy lançado em 2013)
• Bitches Brew (Colômbia, 1970)
• Uma homenagem a Jack Johnson (Columbia, 1970)
• Black Beauty: Live at the Fillmore West (Columbia, 1977, gravado em 1970)
• Miles Davis em Fillmore: ao vivo no Fillmore East (Columbia, 1970)
• Miles no Fillmore - Miles Davis 1970: The Bootleg Series Vol. 3 (Columbia Legacy lançado em 2014)
• Circle in the Round (Columbia, 1979, gravado em 1955-70)
• Live-Evil (Columbia, 1971)
• Na Esquina (Columbia, 1972)
• Grande diversão (Colômbia, 1974)

Com Richard Davis

• A Filosofia do Espiritual (Cobblestone, 1971)

Com Joe Farrell

• Quarteto Joe Farrell (1970)
• Interior (CTI, 1971)
• Parque de Skate (1979)

• Doce Chuva (Verve, 1969)
• Capitão Marvel (Verve, 1972)

Com Herbie Hancock

• O Mundo de Gershwin (Verve, 1998)

Com Joe Henderson

• Relaxin" em Camarillo (Contemporâneo, 1979)
• Espelho Espelho (Pausa, 1980)
• Big Band (Verve, 1996)

Com Elvin Jones

• Carrossel (1971)

• Ecos de uma Era (1982)

• Ouvir é Ver! (Prestígio, 1969)
• Consciência! (Prestígio, 1970)

• Indo para o arco-íris (1971)

Com Pete La Roca

• Turkish Women at the Bath (1967), reeditado sob o nome de Corea como Bliss (1973)

Com Leis de Hubert

• As Leis do Jazz (Atlântico, 1964)
• Estatutos da Flauta (Atlântico, 1966)
• Causa das Leis (Atlântico, 1968)
• Flor Selvagem (Atlântico, 1972)

Com Herbie Mann

• Herbie Mann toca The Roar of the Greasepaint – O cheiro da multidão (Atlântico, 1965)
• Segunda-feira à noite às a Vila Portão (Atlântico, 1965)
• Latin Mann (Columbia, 1965)
• Aplausos de pé em Newport (Atlântico, 1965)

Com Azul Mitchell

• A coisa a fazer (1964)
• Abaixo isso! (Nota Azul, 1965)
• Boss Horn (Nota Azul, 1966)

Com Tete Montoliu

• Almoço em Los Angeles (Contemporâneo, 1980)

Com Airto Moreira

• Grátis (CTI, 1972)

• Manhattan Latina (Decca, 1964)

Wayne mais curto

• Moto Grosso Feio (Nota Azul, 1970)

Com Sonny Stitt

• Stitt se torna latino (Roost, 1963)

Com John Surman

• Conflagração (Amanhecer, 1971)

Com Gábor Szabó

• Mulher Fatal (Pepita, 1979)

• Explosão de Alma (Verve, 1966)

Com Miroslav Vitous

• Síncopas Universais (ECM, 2003)

Com Sadao Watanabe

• Viagem de ida e volta (1974)

• 1976: Chick Corea/Herbie Hancock/Keith Jarret/McCoy Tyner (Atlântico)
• 1987: Chick Corea Jazz Compacto (Polydor)
• 1993: Melhor de Chick Corea (Blue Note)
• 2002: Gravações Selecionadas (ECM)
• 2002: As sessões completas "Is" (Blue Note)
• 2004: O Melhor de Chick Corea (Universal)
• 2007: Herbie Mann-Chick Corea: as sessões completas da banda latina

Chick Corea com o programa "Solo Piano" na Filarmônica de Moscou

Ao longo dos seus mais de cinquenta anos de carreira, este músico lançou inúmeros discos, mudando diversas vezes de estilo. Ele participou de vários projetos, gravou individualmente, bem como com vários conjuntos e orquestras, e deixou um rico legado. Armando Anthony Corea nasceu em 12 de junho de 1941 em Chelsea, Massachusetts. Ele começou a aprender piano aos quatro anos de idade e preferia ouvir artistas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell e Lester Young. Ele também foi muito influenciado pelas obras de Beethoven e Mozart, que despertaram os instintos compositores de Chick. Corea iniciou sua carreira criativa nos conjuntos de Mongo Santamaria e Willie Bobo, depois trabalhou na companhia do trompetista Blue Mitchell e ajudou a gravar discos para Herbie Mann e Stan Getz. Em 1966, ele estreou em estúdio como líder de banda, mas Corea ainda não se opunha a trabalhar para outros artistas.

Chick acompanhou Sarah Vaughan por cerca de um ano, após o qual se juntou ao conjunto Miles Davis, onde tocou piano elétrico. O próximo passo na carreira do músico foi a criação do grupo de improvisação vanguardista "Circle". O projeto durou três anos até Corea mudar de foco. Sua nova banda se chamava "Return To Forever" e tocava músicas mais suaves com notável influência latino-americana.

Depois de fazer dois álbuns nesse sentido, Chick Corea adotou uma abordagem de fusão eletrônica semelhante à Orquestra Mahavishnu, fortalecendo o som da banda com a ajuda do baterista Lenny White e do guitarrista Bill Connors. Desenvolvendo seu estilo único no sintetizador Moog, Chick e RTF lançaram álbuns inovadores como "Where Have I Known You Before", "No Mystery" e "Romantic Warrior". Após a dissolução do Return To Forever, Corea começou a se inclinar para a música acústica, muitas vezes trabalhando em duetos, trios ou quartetos, e às vezes passando do jazz para o clássico. Em meados dos anos 80, Chick voltou a ser atraído pela fusão eletrónica, daí nascendo o projeto “The Chick Corea Elektric Band”. O grupo já existia há bastante tempo, mas no final da década Corea criou a “Akoustic Band” (que era essencialmente uma formação simplificada de “EB”) para manter o equilíbrio. Em 1992, Chick realizou seu sonho de longa data ao fundar sua própria gravadora, Stretch Records. No entanto, ele ainda tinha obrigações com sua antiga empresa, GRP Records, e em 1996 esse contrato foi concluído com o lançamento do box set de 5 discos Music Forever & Beyond, compilado a partir de gravações do período 1964-1996.

Agora Corea poderia lançar discos em sua própria gravadora, e seu primeiro lançamento pela Stretch foi um álbum dedicado ao pianista Bud Powell. Nesse mesmo ano, Chick gravou com a Orquestra de Câmara de St. Paul sob a direção de Bobby McFerrin. Isto foi seguido por um segundo álbum em dueto com Gary Burton (o primeiro foi lançado em 1977), que rendeu ao músico seu nono prêmio Grammy.

No final de 1997, Corea montou uma nova equipe, na qual voltou ao piano acústico. A estreia gravada ao vivo "Origin" foi um sucesso tão grande que um box set de seis discos, "A Week At The Blue Note", foi logo lançado, baseado nos três shows da banda no clube Blue Note. Tendo improvisado bastante com "Origin", Chick mais uma vez voltou-se para música clássica. Em 1999 gravou com Londres Orquestra Filarmônica, e no ano seguinte lançou dois discos solo: um com músicas próprias e outro com standards clássicos. Corea passou a década de 2000 com o projeto “The Chick Corea New Trio” (“Past, Present & Futures”), e depois de algum tempo reviveu mais uma vez a “Electric Band” (“To The Stars”). Em 2005, Chick prestou homenagem à música latina no programa "Rhumba Flamenco", após o qual encenou uma homenagem musical ao seu hobby não musical de Scientology ("The Ultimate Adventure").

O ano de 2007 acabou sendo um ano frutífero de lançamentos: após um dueto com a banjoista Bela Flek, Corea lançou uma série de cinco discos, gravados em vários trios. No ano seguinte, ele se juntou a John McLaughlin pela primeira vez desde Bitches Brew, de Miles, e também montou uma nova versão de "Return To Forever" para a turnê. O resto dos anos 2000 e início dos anos 10 também foram ocupados principalmente por colaborações com outros músicos, e em 2013 o incansável Chick Corea apresentou ao público a sua nova equipa “The Vigil”.

Última atualização 25/07/13