Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

MSE "School of Arts ng Shemonaikha District Akimat"

Proyekto ng pananaliksik

Mahusay na pianista - mga performer

Ika-19, ika-20, ika-21 na siglo

Inihanda: Tayurskikh Daria ika-5 baitang

Podfatilov Denis ika-3 baitang

Pinuno ng pangkat:

guro ng art school

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Panimula……………………………………………………………………2

XIX na siglo…………………………………………………………………..3

XX siglo………………………………………………………………………………………..13

XXI siglo……………………………………………………………………………….24

Konklusyon……………………………………………………………………

... "piano - ito ang simula at wakas ng lahat, hindi gaanong instrumento sa musika bilang isang paraan ng pamumuhay, at ang kahulugan ay hindi sa musika para sa kapakanan ng musika, ngunit sa musika para sa kapakanan ng piano."

Herold Schonberg

Mga piyanista– Ito mga musikero, dalubhasa sa pagganap ng piano mga gawang musikal.

Mahusay na piyanista. Paano nagiging mahusay na pianista ang mga tao? Ito ay palaging isang malaking halaga ng trabaho. At ang lahat ay nagsisimula sa pagkabata. Maraming pianista at kompositor ang nagsimulang mag-aral ng musika sa edad na 4, o kahit 3.Pagkatapos, kapag ang isang "malawak" na hugis ng palad ay nabuo, na sa hinaharap ay makakatulong upang maglaro nang mahusay.

Depende sa panahon ng pag-unlad ng musikang piano, kung minsan ay inilalagay sa mga pianista ang salungat na mga kahilingan. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maiiwasang magkakapatong sa propesyon ng isang kompositor. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng kanilang sariling piano music. At ang mga bihirang birtuoso lamang ang nagtagumpay na sumikat sa pamamagitan ng eksklusibong pagganap ng mga melodies ng ibang tao.
Sa anumang kaso, tulad ng sinumang musikero, mahalaga para sa isang pianista na maging taos-puso at emosyonal, upang mawala ang kanyang sarili sa musika na kanyang ginagampanan.

Ang kasaysayan ng piano music ay medyo kawili-wili. Mayroong ilang mga yugto sa loob nito, ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan, ang mga canon ng isang panahon ay itinakda ng isa (mas madalas na ilang) kompositor na mahusay na tumugtog ng isang instrumento (sa una ito ay ang harpsichord, at nang maglaon ay ang piano).

Samakatuwid, ang pag-highlight ng tatlong mga panahon sa kasaysayan ng pianismo, pinangalanan sila pagkatapos ng pinakasikat na mga kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninov. Kung gagamitin natin ang tradisyunal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga panahon ng klasisismo, pagkatapos ay romanticism at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Ang bawat isa sa kanila ay nanatili sa loob ng maraming siglo bilang isang mahusay na kompositor, ngunit sa kanilang panahon ay tinukoy din ng bawat isa ang mga pangunahing uso sa pianismo: klasiko, romantikismo at maagang modernismo. Kasabay nito, ang iba pang mahusay na pianista ay kumilos nang sabay-sabay sa bawat isa sa kanila. Ang ilan sa kanila ay mahusay ding kompositor. Ito ay sina: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann at iba pa.

Kung maglalakbay ka sa kasaysayan ng agham ng piano, matututo ka ng maraming kawili-wiling bagay. Halimbawa, na sa magkaibang panahon Sa paglipas ng mga siglo, ang mga pangunahing tradisyon sa pagtugtog ng piano ay tinutukoy ng isa o higit pang mahusay na kompositor na matatas sa pagtugtog ng harpsichord at nang maglaon, sa pagdating ng piano, ay mahuhusay na pianista.

Maraming mga sikat na performing pianist ang nakaaliw at nagpasaya sa mga tagapakinig at mahilig sa musika sa buong kasaysayan. Ang piano ay naging isa sa pinaka mga sikat na instrumento mula noong imbento nito, salamat sa versatility at kaaya-ayang tunog nito. Bagaman ang kasaysayan ay nagpapanatili ng ilang mga pangalan ng mga magagaling na pianista, ang anumang pagsusuri sa mga pinakasikat na pianista ay napaka-subjective, at ang mga pangalan ng naturang mga performer ay mahirap isama sa isang listahan.

Gayunpaman, mayroon pa ring mga pianista na nakaangat sa tugatog ng katanyagan at pagkilala sa buong mundo.

XIXsiglo

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo buhay musikal bagong tool kasama piano. Ang imbentor nitong "harpsichord na may piano at forte" ay isang master ng Paduan

Bartolomeo Cristofori.

Unti-unting bumubuti, nangibabaw ang piano sa pagsasanay sa musika. Ang isang instrumento na may mekanika ng martilyo ay naging posible upang makabuo ng mga tunog na may iba't ibang lakas at mailapat nang unti-unti crescendoAtdiminuendo. Ang mga katangiang ito ng piano ay tumutugma sa pagnanais para sa emosyonal na pagpapahayag ng tunog, para sa paghahatid sa kanilang paggalaw at pag-unlad ng mga imahe, kaisipan at damdamin na nag-aalala sa mga tao.

Sa pagdating ng piano at ang pagpapakilala nito sa performing practice, ipinanganak ang mga bagong kinatawan.

ika-19 na siglo isulong ang isang kalawakan ng mga natitirang kompositor na makabuluhang pinalawak ang mga hangganan ng teknikal at nagpapahayag na paraan ng piano. Sa pinakamalaking mga lungsod, mga sentro ng Europa ng musikal at kulturang gumaganap, mga pangunahing paaralan ng piano, ito:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Vienna(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg, atbp.);

Parisian, kalaunan ay kilala bilang Pranses(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer, atbp.);

Aleman(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow, atbp.);

Ruso(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton at Nikolai Rubinstein, atbp.).

Estilo ng pagganap ng ika-19 na siglo

Ang kasaysayan ng pag-unlad ng pianistic technique ay ang kasaysayan ng mga kultura at istilo. Kabilang sa mga kailangang-kailangan na kasanayan ng isang pianista noong ika-18 at ika-19 na siglo ay dapat magkaroon ng improvisasyon, kung gayon ang pianista ay hindi pa humiwalay sa kompositor, at kung siya ay gumanap ng musika ng ibang tao, kung gayon ang panuntunan ay itinuturing na isang napakalaya, indibidwal. malikhaing pagtrato ng musikal na teksto, nagkaroon ng kasanayan sa pangkulay at pagkakaiba-iba, na ngayon ay itinuturing na hindi katanggap-tanggap.

Ang estilo ng mga masters ng ika-19 na siglo ay napuno ng gayong masining na pagkukusa na isasaalang-alang namin itong ganap na walang lasa at hindi katanggap-tanggap.

Ang isang natitirang papel sa pag-unlad ng piano music at pianistic na kultura ay nabibilang sa Mga paaralan sa London at Vienna.

Ang nagtatag ng London School ay ang sikat na birtuoso, kompositor at guro

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi at tumugtog ang kanyang mga estudyante sa English na piano, na may magandang tunog at nangangailangan ng malinaw, malakas na pagpindot sa key, dahil ang instrumentong ito ay may napakahigpit na keyboard. Ang Viennese piano, na idinisenyo ng master na si Johann Stein at pinaboran ni Mozart, ay may mas malambing, bagaman hindi kasing lakas ng tunog, at may medyo magaan na keyboard. Samakatuwid, sa pagiging direktor at pagkatapos ay kapwa may-ari ng isa sa pinakamalaking kumpanya ng piano sa England, nakamit ni Clementi ang mga pagpapahusay sa mga instrumentong Ingles, na nagbibigay sa kanila ng higit na melodiousness at ginagawang mas magaan ang keyboard. Ang impetus para dito ay ang personal na pagpupulong ni Clementi kay Mozart noong 1781 sa Vienna, kung saan naganap ang kanilang kakaibang kompetisyon bilang mga kompositor at pianista sa korte ng Austrian emperor. Tinamaan si Clementi sa katapatan ng pagtugtog ni Mozart at ng kanyang "pagkanta sa piano."

Muzio Clementi - may-akda ng maraming gawa sa piano at isang pangunahing guro, lumikha ng kanyang sariling paaralan ng pagtugtog ng piano. Siya ang may-akda ng unang nakapagtuturo na mga teknikal na pagsasanay at etudes sa kasaysayan ng piano, na nagbibigay ng ideya ng kanyang mga prinsipyong pamamaraan.

Si Clementi mismo at ang kanyang mga mag-aaral (I. Kramer, D. Field - isa sa mga pinaka matalinong mag-aaral, E. Brekr) - mga pangunahing birtuoso ng unang bahagi ng ika-19 na siglo - ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na pamamaraan ng daliri. Si Clementi, kasama ang kanyang mga mag-aaral, ay lumikha ng isang progresibong pamamaraan na nakatuon sa pagbuo ng mga bagong paraan ng pagbibigay-kahulugan sa instrumento, ang paggamit ng buong "konsiyerto" na tunog at pananaw sa kaluwagan. Pedagogical work ni M. Clementi "Step to Parnassus, or the Art of playing the piano, embodied in 100 exercises in a strict and elegant style." Ang gawaing ito ay isang pangunahing paaralan para sa pagbuo ng mga kasanayan sa pianistic na humanga sa iba't ibang nilalaman at saklaw ng mga nakatalagang gawain sa pagganap. Maraming mga kinatawan ng paaralan sa London ang mga matapang na innovator sa larangan ng pianismo, na ginamit sa kanilang mga komposisyon, bilang karagdagan sa mga sipi ng daliri, dobleng mga tala, octaves, mga pormasyon ng chord, rehearsals at iba pang mga diskarte na nagbigay ng tunog na kinang at pagkakaiba-iba.

Ang paaralang Clementi ay nagbigay ng ilang mga tradisyon sa pagtuturo ng piano:

ang prinsipyo ng maraming oras ng mga teknikal na pagsasanay;

paglalaro ng "nakahiwalay", hugis-martilyo na mga daliri na may nakatigil na kamay;

higpit ng ritmo at magkasalungat na dinamika.

Ang mga tagapagtatag ng Paaralan ng Vienna ay mahusay na mga kompositor ng pianista: Haydn, Mozart at Beethoven.

Ang isang kilalang kinatawan ng progresibong piano pedagogy ay nagtamasa ng mahusay na katanyagan

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Ang "Theoretical and Practical Piano School" ni Czerny ay may maraming pagkakatulad sa "Manual" ni Hummel. Sa pagsasalita nang detalyado tungkol sa pamamaraan ng paglalaro, tungkol sa mga paraan ng pag-unlad nito at ang pagkuha ng mga kasanayang kinakailangan para sa isang pianista, binibigyang-diin niya sa ikatlong bahagi ng kanyang trabaho na ang lahat ng ito ay "isang paraan lamang upang makamit ang tunay na layunin ng sining. , na, walang alinlangan, ay upang ilagay ang kaluluwa sa pagganap at espiritu at sa gayon ay naiimpluwensyahan ang mga damdamin at kaisipan ng mga nakikinig.”

Dapat itong tapusin na ang mga pamamaraan ng pagtuturo ng ika-19 na siglo ay nabawasan sa puro teknikal na mga gawain, na batay sa pagnanais na bumuo ng lakas ng daliri at katatasan sa pamamagitan ng maraming oras ng pagsasanay. Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga pinakamagaling na performer, karamihan sa kanila ay mga estudyante ng Clementi, Adam, Czerny, Field at iba pang mga natitirang guro, na nakamit ang mataas na birtuosidad, matapang na bumuo ng mga bagong pamamaraan ng pagtugtog ng piano, na nakamit ang kapangyarihan ng tunog ng instrumento, ang ningning at ningning ng mga kumplikadong sipi. Ang partikular na kahalagahan sa texture ng kanilang mga gawa ay ang mga istruktura ng chord, octaves, double notes, rehearsals, mga diskarte sa paglipat ng kamay at iba pang mga epekto na nangangailangan ng partisipasyon ng buong kamay.

Paris ika-19 na siglo - ay ang sentro ng musikal kultura at birtuoso kasanayan. Ang nagtatag ng Parisian school of piano playing ay isinasaalang-alang kompositor, piyanista, guro

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Ang kanyang gawa na "Paraan para sa pag-aaral ng piano gamit ang isang handpiece" (1830) ay nagpatunay sa paggamit ng mga teknikal na kagamitan para sa pag-unlad. iba't ibang uri mga diskarte (pinong, pag-uunat ng kalamnan, atbp.). Tampok ang mga paaralan ng ganitong uri ay isang komunidad ng authoritarian pedagogical mga pag-install. Nagsimula ang pagsasanay sa pagbuo ng tamang posisyon sa instrumento at pag-master ng pinakasimpleng motor-technical formula, at kalaunan lang ay nagsimulang matuto ang mga estudyante ng mga musikal na piyesa.

Ang pagnanais para sa birtuosity ay humantong sa pagbilis ng takbo ng mga klase, ang pang-aabuso sa mga ehersisyo ng mekanikal na kalikasan, na humantong sa mga sakit sa trabaho at pagbaba sa kontrol ng pandinig.

Alemanya ika-19 na siglo Ang impluwensya ng literary-critical at pedagogical na aktibidad sa romantikong aesthetics ng bansang ito ay makabuluhan

Roberta Schumann (1810-1856)

Ang isang makabuluhang lugar sa mga gawa ni Robert Schumann ay inookupahan ng pagbuo ng mga tanong ng pagbuo ng isang musikero - isang tunay na artista ng isang bagong uri, sa panimula ay naiiba sa mga naka-istilong virtuosos. Itinuturing ng kompositor na ito ang isa sa pinakamabisang paraan ng pagpapalaki ng kultura ng musika.

Ang mga problema ng music pedagogy ay naaantig sa mga gawa ni R. Schumann "Home and Life Rules for Musicians", "Appendix to the Album for Youth", sa paunang salita sa Etudes batay sa Caprices ng Paganini Or.Z ng mga pangunahing isyu sa musika at pedagogical ay ang mga sumusunod: ang pakikipag-ugnayan ng etikal at aesthetic na edukasyon , ang pagkuha ng malalim at maraming nalalaman na kaalaman na nagiging batayan ng anumang pagsasanay, ang pagbabalangkas ng mga prinsipyo ng seryosong sining at pagpuna sa trend ng salon at pagnanasa. para sa "teknikal para sa kapakanan ng teknolohiya" sa pagbuo at pagganap ng sining;

Ang mga musikal at pedagogical na pananaw ni Schumann ay nagsilbi at patuloy na nagsisilbing batayan ng mga makabagong pamamaraan. Ang piano music ng kompositor ay aktibong ginagamit pa rin sa mga programang pang-edukasyon sa lahat ng antas.

Imposibleng hindi sabihin ang tungkol sa isang mahusay na kompositor at birtuoso na Polish pianist

Frederic Chopin (1810-1849)

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, si Frédéric Chopin ang naging unang kompositor na sumulat ng musika na eksklusibo para sa piano. pagiging matalinong bata Sumulat si Chopin ng maraming magaganda at kumplikadong mga piyesa ng piano na ikinatuwa ng maraming estudyante at performer ng piano sa loob ng maraming taon. Mabilis na nasakop ni Chopin ang Paris. Agad niyang namangha ang mga manonood sa kanyang orihinal at hindi pangkaraniwang pagganap. Noong panahong iyon, dinagsa ang Paris ng mga musikero mula sa iba't ibang bansa. Ang pinakasikat ay mga birtuoso na pianista. Ang kanilang paglalaro ay nakikilala sa pamamagitan ng teknikal na pagiging perpekto at kinang na nagpasindak sa manonood. Iyon ang dahilan kung bakit ang unang pagtatanghal ng konsiyerto ni Chopin ay parang isang matinding kaibahan. Ayon sa mga alaala ng mga kontemporaryo, ang kanyang pagganap ay nakakagulat na espirituwal at patula. Naaalala ng sikat na Hungarian na musikero na si Franz Liszt ang unang konsiyerto ni Chopin. Sinimulan din ang kanyang maningning na karera bilang isang pianista at kompositor: "Naaalala namin ang kanyang unang pagtatanghal sa Pleyel Hall, nang ang palakpakan, na tumaas nang may dobleng lakas, ay tila hindi sapat na maipahayag ang aming sigasig sa harap ng talento, na, kasama ang kagalakan. mga pagbabago sa larangan ng kanyang sining, nagbukas ng bagong yugto sa pagbuo ng mala-tula na damdamin." Sinakop ni Chopin ang Paris, tulad ng minsang sinakop ni Mozart at Beethoven ang Vienna. Tulad ni Liszt, kinilala siya bilang pinakamahusay na pianista sa mundo.

Hungarian na kompositor, pianista, konduktor, guro

Franz Liszt (1811-1886)

Kontemporaryo at kaibigan ni F. Chopin. Ang guro ni Ferenc sa piano ay si K. Czerny.

Gumaganap sa mga konsyerto mula sa edad na siyam, unang naging tanyag si Liszt bilang isang birtuoso na pianista.

Noong 1823-1835. nanirahan siya at nagbigay ng mga konsiyerto sa Paris, kung saan naganap din ang kanyang mga aktibidad sa pagtuturo at pagbubuo. Dito nakilala at naging malapit ang musikero kay G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand, at iba pang kilalang mga pigura ng sining at panitikan.

Noong 1835-1839 Naglakbay si Liszt sa Switzerland at Italya at sa panahong ito ay dinala ang kanyang kakayahan bilang isang pianista sa pagiging perpekto.

Sa kanyang paggawa ng trabaho, ipinasa ni Liszt ang ideya ng isang synthesis ng ilang mga sining, pangunahin ang musika at tula. Samakatuwid ang pangunahing prinsipyo nito ay programmatic (ang musika ay binubuo para sa isang partikular na balangkas o imahe). Ang resulta ng paglalakbay sa paligid ng Italya at pagkilala sa mga kuwadro na gawa ng mga master ng Italyano ay ang siklo ng piano na "Mga Taon ng Paglalakbay", pati na rin ang fantasy sonata na "After Reading Dante".

Si Franz Liszt ay gumawa din ng napakalaking kontribusyon sa pagbuo ng musikang piano ng konsiyerto.

Kultura ng musika ng Russia noong ika-19 na siglo. parang isang uri ng "time machine". Sa isang daang taon, ang Russia ay dumaan sa isang tatlong siglong paglalakbay, kung saan ang maayos at unti-unting pag-unlad ng pambansang mga paaralan ng kompositor malalaking bansa sa Kanlurang Europa. At tanging sa oras na ito ay nakuha ng mga kompositor ng Russia ang naipon na kayamanan sa totoong kahulugan ng salita. katutubong sining at muling buhayin dumas ng mga tao sa maganda at perpektong anyo ng klasikal na musika.

Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. Ang music pedagogy sa Russia ay nagsasagawa ng mga unang hakbang nito: isang Russian piano school ang nabuo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng aktibong pag-unlad ng mga dayuhang pamamaraan ng pagtuturo at sa parehong oras ang pagnanais ng mga advanced na guro ng Russia na lumikha ng isang pambansang paaralan ng pianismo.

Hindi tulad ng Kanlurang Europa, ang Russia ay hindi alam ang isang mataas na binuo clavier kultura, kahit na ang harpsichord ay kilala mula noong ika-16 na siglo. Ang mga tagapakinig ng Russia ay nagpakita ng malaking interes ng eksklusibo sa vocal music, at ang mga instrumento sa keyboard na umiral sa Russia ay ginamit upang samahan ang pagkanta at pagsayaw. Sa pagtatapos lamang ng ika-18 siglo. Ang interes sa pag-aaral na maglaro ng clavier ay lumalaki. Ang Clavichord School ni Simon Lelein at mga sipi mula sa "Clavier School" ni Daniel Gottlieb Türk ay nai-publish sa Russian.

Ang simula ng ika-19 na siglo ay nagsimula sa paglalathala ng treatise ni Vincenzo Manfredini na "Harmonic and Melodic Rules for Teaching All Music." Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang iba't ibang mga paaralan ng piano ng mga dayuhang musikero ay nai-publish sa Russian: "School of Piano Playing" ni M. Clementi (1816), "Complete Practical School for Piano" ni D. Steibelt ( 1830), “School” ni F. .

Kabilang sa mga kilalang musikero-mga guro ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. naroon sina I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Sa mga taong ito, ang mga paaralan ng mga domestic na may-akda ay ginawa din sa Russia, ang mga compiler kung saan hinahangad na ilapit ang mga pamamaraan ng pagtuturo sa mga gawain ng pagtuturo ng mga musikero ng Russia. Repertoire ng "School" ni I. Pracha (Czech, totoong pangalan na Jan Bohumir, hindi alam ang taon ng kapanganakan, namatay noong 1818; kompositor, sa mahabang panahon nagtrabaho sa St. Petersburg sa iba't-ibang institusyong pang-edukasyon guro ng musika) kasama, halimbawa, maraming mga gawa ng mga may-akda ng Russia.

Sa orihinal na manwal I. Pracha"Ang Kumpletong Paaralan para sa Piano..." (1806) ay isinasaalang-alang ang mga detalye ng kulturang gumaganap ng Russia; ang mga tanong tungkol sa edukasyong pangmusika ng mga bata ay itinaas. Si Prach ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng piano pedagogy. Tinutukoy nito ang mga teoretikal na posisyon batay sa mga tagubiling pamamaraan, na nagtatakda ng iba't ibang paraan ng pagpapatupad (harmonic figurations, arpeggios at chord, sirang octaves, atbp.) na may mga halimbawang naglalarawan ng isang partikular na pamamaraan o paggalaw.

Aktibidad J. Patlang bilang isang musikero at guro ay may malaking kahalagahan para sa Russian piano pedagogy. Sinanay niya ang isang kalawakan ng mga sikat na musikero, tulad ng M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke at marami pang iba. Siyempre, ang Field School ay napakahalaga. Maaari siyang ituring na tagapagtatag ng nangungunang paaralan ng piano. Noong 20-30s. ika-19 na siglo Sa kanyang mga pag-aaral, hinangad ni Field na ipailalim ang teknikal na gawain sa mga layuning masining: pagpapahayag ng mga parirala, filigree na pagtatapos ng tunog ng bawat nota, inilalantad ang nilalaman ng akda.

A. HenseltAtA. Gehrke

Nagturo sila sa mga pangkalahatang institusyong pang-edukasyon at sa St. Petersburg Conservatory. Ang kanilang pedagogical na pamamaraan ay sumasalamin sa progresibong direksyon ng Russian piano school, lalo na: pagbuo ng mga abot-tanaw batay sa paggamit ng isang malawak na repertoire, ang pagnanais na pagyamanin ang kalayaan ng mag-aaral. Sila ay masigasig na kalaban ng mga pamamaraan ng "pagsasanay" at "pagbabarena".

A. Villuan ay isang progresibong pag-iisip na guro. Ang kanyang makasaysayang papel ay na-unravel niya ang talento sa musika ni A. Rubinstein bilang isang bata at pinamamahalaang magbigay ng tamang direksyon sa kanyang pag-unlad. Ang pinakamahusay na panig Ang pamamaraan ng pedagogical ni Villouin, na ipinakita sa kanyang mga praktikal na aktibidad, ay makikita sa kanyang "School" (1863). Ang paraan ng paggawa ng tunog na natuklasan niya - "pag-awit" sa piano - ay naging isa sa pinakamakapangyarihan masining na paraan laro ni A. Rubinstein. Mga takip ng "Paaralan". malaking halaga kaalaman na may kaugnayan sa teknikal na pagsasanay at edukasyong pangmusika ng isang piyanista. Partikular na mahalaga ang mga pananaw ni Villouin sa pagkamit ng isang malamyos at malalim na tunog ng piano, sa pagbuo ng legato, kung saan ginagamit ang mga diskarteng may matatag na batayan na hindi pa rin nawawala ang kahalagahan nito hanggang sa araw na ito.

Sa kasaysayan ng pre-rebolusyonaryo at post-rebolusyonaryong sining ng Russia, ang nangungunang papel ay kabilang sa St. Petersburg at Moscow conservatories

pinakamalaking sentro ng kultura ng musika sa bansa. Ang mga aktibidad ng parehong conservatories ay nabuo sa malapit na pakikipag-ugnay, na natukoy hindi lamang sa pagkakapareho ng kanilang mga gawain, kundi pati na rin sa katotohanan na ang mga mag-aaral ng St. Petersburg Conservatory ay madalas na nagtatrabaho sa Moscow, at ang mga Muscovites ay naging mga guro ng St. Petersburg Conservatory .

Kaya, nagtapos si P. I. Tchaikovsky sa St. Petersburg Conservatory, pagkatapos ay naging isa sa mga unang propesor sa Moscow Conservatory; L. Nikolaev (isang mag-aaral ni V. Safonov sa Moscow Conservatory) - kalaunan ay isa sa mga nangungunang kinatawan ng piano school sa Leningrad; Ang mga mag-aaral ni Nikolaev na sina V. Sofronitsky at M. Yudina ay nagtrabaho sa Moscow nang maraming taon.

Mga tagapagtatag ng St. Petersburg at Moscow Conservatories, mga kapatid

Anton at Nikolai Rubinstein,

Sa mga taon ng pamumuno sa mga konserbatoryo, inilatag nila ang mga pangunahing pundasyon para sa pagsasanay ng mga batang musikero. Ang kanilang mga mag-aaral (A. Siloti, E. Sauer - mga mag-aaral ng Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - mga mag-aaral ni Anton) ay naging panganay sa isang kalawakan ng mga batang performer na nanalo ng pagkilala mula sa ang pamayanang musikal sa daigdig.

Sa pamamagitan ng pagsisikap ng magkakapatid na Rubinstein, nakuha ang pedagogy ng piano ng Russia noong huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. napakalaking awtoridad at internasyonal na pagkilala. Sa kanila ay utang ng Russia na nakuha nito ang isa sa mga unang lugar sa pagtuturo ng pagtugtog ng piano.

Maaari nating tapusin na ang mga advanced na musikero-mga guro ng Kanlurang Europa at Ruso noong ika-19 na siglo ay naghahanap ng makatwiran, orihinal na mga paraan upang maimpluwensyahan ang mag-aaral. Naghahanap sila ng mga epektibong paraan upang i-streamline ang gawaing teknikal. Malikhaing ginagamit ang mga tradisyon ng clavier music at ang mga ideya na nabuo sa mga nakaraang siglo tungkol sa kakanyahan ng proseso ng pagbuo ng pamamaraan ng pagganap ng isang pianista, ang pamamaraan ng ika-19 na siglo. dumating sa katwiran ng isang naaangkop na prinsipyo ng paglalaro - ang holistic na paggamit ng pianistic apparatus. Ito ay noong ika-19 na siglo na ang isang tunay na napakagandang base ng mga etudes at pagsasanay ay nilikha, na hanggang ngayon ay nananatiling kailangan sa pagtuturo ng piano.

Ang pagsusuri sa materyal na musikal ay nagpapakita na ang mga tagalikha nito ay likas sa pagnanais na maghanap para sa mga natural na paggalaw ng paglalaro, mga prinsipyo ng daliri na nauugnay sa mga tampok na istruktura ng kamay ng tao.

Kasabay nito, dapat tandaan na ang ika-19 na siglo. nagbigay ng pedagogy sa musika at edukasyon ng isang sistema ng makikinang na mga ideya at, higit sa lahat, ang pagnanais na turuan ang isang mahusay na edukadong musikero sa pamamagitan ng kapaki-pakinabang na pag-unlad ng kanyang malikhaing pagkatao.

XXsiglo

20 siglo - ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga pambihirang talento, natatanging pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo sila ay naging tanyag Hoffman At Cortot, Schnabel At Paderewski. At natural, SA. Rachmaninov, henyo Panahon ng Pilak, na minarkahan ang isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa kabuuan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista bilang Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Nagpapatuloy ang listahan...

Estilo ng pagganap ng ika-20 siglo

***

Ito ang pagnanais para sa malalim na pag-unawa sa teksto ng musika, at para sa isang tumpak na paghahatid ng intensyon ng kompositor, at isang pag-unawa sa estilo at katangian ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na nakapaloob sa akda.

***

Huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. - isang napakalaking kaganapan sa kasaysayan ng kulturang sining ng mundo. Ang paghaharap sa pagitan ng demokratikong kultura ng masa, na lalong pumapasok sa pakikibaka para sa kanilang mga karapatang panlipunan, at piling kultura bourgeoisie.

Kinilala ng pinakadakilang mga artista sa panahong ito ang mga tampok ng krisis sa ebolusyon bagong musika: "Nabubuhay tayo sa isang panahon kung saan ang batayan ng pag-iral ng tao ay nakakaranas ng isang pagkabigla," argued I. F. Stravinsky, ang modernong tao ay nawawala ang kanyang pakiramdam ng halaga at katatagan.... Dahil ang espiritu mismo ay may sakit, kung gayon ang musika ng ating panahon at lalo na kung ano ang nililikha nito , kung ano ang itinuturing niyang totoo ay may kasamang mga palatandaan ng kakulangan sa patolohiya.” Ang katulad na mga pag-amin ay maaaring marinig nang higit sa isang beses mula sa mga bibig ng iba pang mga pangunahing musikero.

Ngunit, sa kabila ng mga epekto ng krisis sa panahon, ang musika ay umabot sa mga bagong makikinang na taas. Ang piano pedagogy ay pinayaman ng maraming kawili-wiling mga gawa. Ang atensyon ng mga may-akda ng nai-publish na mga gawa ay nakadirekta sa mga isyu ng artistikong kasanayan ng mga mag-aaral.

Ang pinakatanyag na guro ng pianista G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan nakabuo ng mga pamamaraan para sa matagumpay na pagkatuto ng mag-aaral.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - piyanista, guro, manunulat ng musika. Nagtatag ng pinakamalaking paaralan ng pianista ng Sobyet. Lahat ng sinusulat niya ay puno ng madamdaming pagmamahal sa sining, para sa musikang piano at pagganap.

Karamihan sa Interes ay nagtatanghal sa amin ng isang aklat na tinatawag na "On the Art of Piano Playing".

Ang aklat ay isinulat sa masigla, matalinghagang wika, puno ng mga paghatol tungkol sa maraming kompositor, performer at guro. Naghahatid ito ng mga bagong problema at tanong na may kinalaman sa bawat piyanista. Mayroong maraming mga pahina sa loob nito na may katangian ng isang musikal na autobiography, na nakatuon sa mga alaala ng sariling malikhaing landas. Gayunpaman, sa improvisasyong ito, malinaw na lumilitaw ang mga pananaw ng may-akda sa sining ng piano at ang mga gawain ng isang guro. Sa kanyang mga gawa, isinulat ni Neuhaus ang tungkol sa masining na imahe, ritmo, tunog, trabaho sa pamamaraan, pagfinger at pedaling, ang mga gawain ng guro at mag-aaral, at ang aktibidad ng konsiyerto ng isang musikero.

Sa mahusay na panghihikayat, ipinakita niya na ang tinatawag na "textbook" na pamamaraan, na higit sa lahat ay nagbibigay ng isang recipe - "mahirap na mga patakaran", kahit na totoo at napatunayan, ay palaging magiging isang paunang, pinasimple na pamamaraan, na patuloy na nangangailangan ng pag-unlad, paglilinaw , kapag nahaharap sa totoong buhay na karagdagan, o, gaya ng sinabi niya mismo, "sa isang dialectical transformation." Siya ay matalas at may temperamental na sumasalungat sa "paraan ng pagtuturo" at "walang katapusang pagsuso ng parehong mga gawa" sa gawaing pedagogical, laban sa maling posisyon na "magagawa ng pamamahala ang lahat sa mga mag-aaral." Nagsusumikap siyang lutasin ang dialectically hindi lamang sa mga pangkalahatang problema sa musika at pagganap, kundi pati na rin sa mas tiyak na mga teknikal na isyu.

Sa pagtukoy sa tungkulin ng guro, naniniwala si Neuhaus na ang guro ay dapat magsikap na hindi maging isang guro ng piano bilang isang guro ng musika.

Sa kanyang gawaing pedagogical, binigyang pansin ni Neuhaus ang ugnayan sa pagitan ng "musika" at "teknikal". Kaya, siya, una sa lahat, ay naghanap para sa pagtagumpayan ng teknikal na kawalan ng katiyakan at katigasan ng mga paggalaw ng mag-aaral sa saklaw ng impluwensya sa pag-iisip ng mag-aaral, sa mga paraan ng musika mismo. Ganoon din ang ginawa niya nang magrekomenda ng mga pamamaraan para sa pagtatrabaho sa "mahirap na lugar" sa kanyang mga estudyante. Sa kanyang opinyon, ang lahat ng "mahirap", "kumplikado", "hindi pamilyar" ay dapat, kung maaari, ay mabawasan sa isang bagay na mas "madali", "simple", "pamilyar"; kasabay nito, mariing pinayuhan niyang huwag iwanan ang paraan ng pagtaas ng kahirapan, dahil sa tulong ng pamamaraang ito ang manlalaro ay nakakakuha ng mga kasanayan at karanasan na magpapahintulot sa kanya na ganap na malutas ang problema.

Sa wakas, si Neuhaus ay nagsumikap sa lahat upang mailapit ang mag-aaral sa musika, upang ihayag sa kanya ang nilalaman ng gawaing ipinapakita, at hindi lamang upang magbigay ng inspirasyon sa kanya ng isang matingkad na mala-tula na imahe, ngunit upang bigyan siya ng isang detalyadong pagsusuri sa anyo at istraktura ng trabaho - melody, armonya, ritmo, polyphony, texture - sa isang salita, ibunyag sa mag-aaral ang mga batas ng musika at mga paraan ng pagpapatupad nito.

Pinag-uusapan ritmo Bilang isa sa pinakamahalagang elemento na bumubuo sa proseso ng pagtatanghal, binibigyang-diin ni Neuhaus ang napakalaking kahalagahan ng "pagkadama ng kabuuan", ang kakayahan para sa "mahabang pag-iisip", kung wala ang pianista ay hindi maaaring matugunan ang anumang pangunahing gawain mula sa punto ng pagtingin sa anyo.

Malaking pagkakamali Itinuturing ng may-akda na ang pianista ay isang minamaliit tunog (hindi sapat ang pakikinig sa tunog) at ang muling pagsusuri nito, samakatuwid nga, “ninamnam ang senswal nitong kagandahan.” Sa pamamagitan ng paglalagay ng tanong na ito sa paraang ito, muling binibigyang kahulugan ni Neuhaus ang konsepto ng kagandahan ng tunog - hindi abstract, walang koneksyon sa istilo at nilalaman, ngunit hinuhusgahan ito mula sa pag-unawa sa istilo at katangian ng musikang ginaganap.

Kasabay nito, binibigyang-diin niya na ang gawaing musikal at "kumpiyansa sa musika" lamang ay hindi malulutas ang isyu ng mastering piano technique. Kailangan din ang pisikal na pagsasanay, kabilang ang paglalaro ng mabagal at malakas. "Kapag gumagawa ng ganitong uri ng trabaho," idinagdag niya, "ang mga sumusunod na tuntunin ay dapat sundin: siguraduhin na ang braso, ang buong braso, mula sa kamay hanggang sa magkasanib na balikat, ay ganap na libre, hindi "nagyeyelo" kahit saan, hindi kurot, hindi "tumigas", hindi nawawala ang potensyal (!) na kakayahang umangkop habang pinapanatili ang kumpletong kalmado at ginagamit lamang ang mga paggalaw na mahigpit na "kailangan".

Pagtukoy sa iyong pananaw sa daliri, Isinulat ni Neuhaus na ang pinakamahusay na fingering ay ang nagbibigay-daan sa iyo upang mas tumpak na ihatid ang kahulugan ng ibinigay na musika. Tinatawag niya ang pagfinger na nauugnay sa espiritu, karakter at istilo ng musika ng may-akda na pinakamaganda at aesthetically justified.

Tinutukoy ni Neuhaus ang problema sa katulad na paraan pedalisasyon. Tamang sabi niya na ang mga pangkalahatang tuntunin kung paano magpedal ay nauugnay sa masining na pagpedal dahil ang ilang seksyon ng syntax ay nauugnay sa wika ng isang makata. Mahalaga, sa kanyang opinyon, walang tamang pedal. Ang artistikong pedal ay hindi mapaghihiwalay sa sound image. Ang mga kaisipang ito ay sinusuportahan sa aklat ng isang bilang ng mga kagiliw-giliw na halimbawa, kung saan malinaw kung ano ang kahalagahan ng may-akda na nakalakip sa iba't ibang mga diskarte sa pagpedal.

Masasabi lamang na tiningnan ni Neuhaus ang pamamaraan ng pianista bilang isang bagay na organikong konektado sa pag-unawa sa musika at mga adhikain ng masining. Ito, sa katunayan, ang batayan ng Sobyet na gumaganap na paaralan sa pangkalahatan at, sa partikular, ang paaralan ng Neuhaus, na nagsanay ng mga kahanga-hangang performer tulad ng S. Richter, E. Gilels, J. Zak at marami pang iba pang natitirang pianista.

Ang mga artikulo at libro ay kumakatawan sa isang natatanging kontribusyon sa paaralan ng piano ng Sobyet

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Sa aklat na "At the Gates of Mastery" ang may-akda ay nagsasalita tungkol sa mga sikolohikal na kinakailangan para sa tagumpay ng pianistic na gawain. Sa gawaing ito, tinukoy niya ang "tatlong pangunahing link": isang malinaw na pananaw sa layunin, na nakatuon sa layuning ito at isang patuloy na pagnanais na makamit ito. Tama niyang sinabi na ang konklusyong ito ay hindi bago at hindi nalalapat sa mga pianista lamang, ngunit sa anumang larangan ng sining at aktibidad ng paggawa ng tao.

Sa paunang salita sa libro, pinag-uusapan niya ang kahalagahan ng pag-iisip ng pianista, tungkol sa papel sa kanyang gawain ng tamang sikolohikal na attunement, na isang kinakailangang kondisyon para sa matagumpay na pagsasanay. Ang paksang ito ay may malaking interes hindi lamang para sa mga gumaganap, kundi pati na rin para sa mga guro, kung saan higit na nakasalalay sa pagbuo ng pag-iisip ng mag-aaral at ang kanyang sikolohikal na attunement.

Sa pagsasalita tungkol sa layunin, kalooban, atensyon, konsentrasyon, pagpipigil sa sarili, imahinasyon at iba pang mga elemento na tumutukoy sa tagumpay sa gawain ng isang piyanista, idinagdag ni Kogan sa kanila ang pangangailangan para sa isang marubdob na pagnanais na ipahayag sa perpektong hugis ipinaglihi at minahal mga larawang pangmusika. Ibinibigay niya ang espesyal na atensyon sa isyu ng "creative calm" at ang excitement ng performer bago ang isang performance at habang tumutugtog sa isang concert.

Isinasaalang-alang ang iba't ibang yugto ng obra ng pianista sa isang piyesa, inilarawan ni Kogan nang detalyado ang tatlong yugto ng prosesong ito: 1) pagtingin at paunang pag-playback, 2) pag-aaral sa mga piraso, 3) "pagsasama-sama" ng trabaho bilang Ang huling yugto .

Nanirahan si Kogan sa partikular na detalye sa mga isyu ng pagbigkas, fingering, teknikal na regrouping at mental na representasyon ng mga paghihirap. halos lahat ng kanyang sinuri ay batay sa pianistic na prinsipyo ni Busoni.

Naglalaman din ang aklat ng pagsusuri ng ilang aspeto ng sining ng pagtatanghal, na nakatanggap ng kaunting pansin sa metodolohikal na panitikan. Kabilang dito, halimbawa, ang tanong ng verbal subtext ng iba't ibang yugto sa mga gawa sa piano, na maaaring magsilbing "auxiliary intonation guide", na ginagawang posible "upang mas madaling mahanap ang natural na pamamahagi ng paghinga, isang nakakumbinsi na "pagbigkas" ng indibidwal na intonasyon.”

Sa pagkakaroon ng pag-aaral ng pedagogical heritage ni Kogan, maaari nating tapusin na ang mga gawa ni Kogan ay higit na nailalarawan sa mga pangunahing patnubay na pamamaraan ng modernong Soviet pianistic school sa piano performing art.

Ang isa sa mga pinakadakilang pianista sa simula ng ating siglo, ay ang kaluwalhatian ng mga sining ng pagtatanghal ng ikadalawampu siglo.

Joseph Hoffman (1876-1957)

Ang kapalaran ng naglilibot na artista - isang kababalaghan na sa isang sibilisadong anyo ay nagpapanatili ng mga tradisyon ng mga gumagala na musikero - ay naging kapalaran ni Hoffmann sa loob ng mahabang panahon. Si Hoffman ay nakikibahagi din sa mga aktibidad sa pagtuturo, ngunit hindi sila kasing husay ng mga gumaganap.

Si Hoffmann ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa panahon ng pagsasanay. Ang pangangailangan para sa isang Guro, ang pangangailangan na magtiwala sa kanya, ang kanyang kahalagahan para sa pagbuo ng isang tagapalabas - ito ang mga motibo na paulit-ulit na lumilitaw sa mga pahina ng mga libro ni Hoffmann. Si Hoffmann mismo ay masuwerte sa kanyang mga guro - sila ang sikat na pianista at kompositor na si Moritz Moszkowski (may-akda ng makikinang na virtuoso etudes at salon plays) at ang sikat na Anton Rubinstein, na nakikipagkita sa kung kanino naging isa sa mga pangunahing kaganapan sa malikhaing buhay ni Hoffmann.

Isa pang mahalagang pangyayari sa buhay ni Hoffmann, na lubhang nakaimpluwensya sa kanya malikhaing tadhana, paraan ng pag-iisip, paraan ng pamumuhay, ang naging paglipat sa Amerika (at kalaunan ay ang pag-ampon ng American citizenship). Samakatuwid - isang matino, praktikal na pananaw sa buhay, isang mala-negosyo na diskarte sa anuman, kabilang ang malikhain, mga problema; Ang purong Amerikanong praktikal na ito ay kapansin-pansin sa parehong mga libro at artikulo.

Sa kanyang aklat na inilathala noong 1914 na pinamagatang "Piano Playing Answers to Questions about Piano Playing", mahalagang itinampok ni Hoffmann pangkalahatang probisyon, nagpo-promote ng mahusay na pagtugtog ng piano. Itinatampok niya ang bentahe ng pagsasanay sa umaga. Pinapayuhan na huwag mag-aral ng higit sa isang oras, o hindi hihigit sa dalawang oras sa isang pagkakataon. Ang lahat ay dapat depende sa iyong pisikal na kondisyon. Pinapayuhan din niya ang pagbabago ng oras at pagkakasunod-sunod ng mga akdang pinag-aaralan. Ang pokus ng pianista ay sa mga talakayan tungkol sa "teknolohiya" ng pagtugtog ng piano, na naunawaan niya nang husto. Itinuturing ni Hoffmann na mahalaga ang trabaho nang walang instrumento (na may at walang mga tala).

Partikular na mahalaga ang mga saloobin ni Hoffmann sa "teknikal na pag-iisip" - ang pangangailangan na simulan ang pagsusuri ng isang dula na may pagsusuri sa anyo at texture; Higit pa rito, sa proseso ng pagsusuri, ang bawat sipi ay “kailangang lubusang maging handa sa pag-iisip bago ito subukan sa piano.”

Si Hoffman ay napaka-moderno sa maraming katangian ng kanyang istilo. Ito ay malapit sa amin sa pagiging praktiko nito - lahat ay mahalagang, walang kalabisan.

Henyo ng Panahon ng Pilak, mahusay na pianista, kompositor, konduktor

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Nagsimulang sistematikong mag-aral ng musika sa edad na lima edad. Noong 1882, pumasok si Sergei sa St. Petersburg konserbatoryo Noong 1885 lumipat siya sa Moscow at naging isang mag-aaral sa Moscow Conservatory, kung saan nag-aral muna siya sa sikat na pianist-guro na si N. S. Zverev (na ang mag-aaral ay ang Russian composer at pianist na si Alexander Nikolaevich Scriabin), at mula 1888 kasama ang pianist at conductor. Alexander Ilyich Ziloti (piano); kompositor, pianista at konduktor na si Anton Stepanovich Arensky (komposisyon, instrumentasyon, pagkakatugma); kompositor, pianista at musikal at pampublikong pigura na si Sergei Ivanovich Taneyev (counterpoint sa mahigpit na pagsulat).

Si Rachmaninov ay isa sa mga pinakadakilang musikero sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang kanyang sining ay nakikilala sa pamamagitan ng mahalagang katotohanan, demokratikong oryentasyon, katapatan at emosyonal na kapunuan ng masining na pagpapahayag. Sinundan ni Rachmaninov ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga klasikong musikal, pangunahin ang Ruso. Siya ay isang madamdaming mang-aawit ng kalikasang Ruso.

Sa kanyang mga gawa, marubdob na impulses ng hindi mapagkakasundo na protesta at tahimik na pagmumuni-muni, nanginginig na pagkaalerto at malakas na determinasyon, madilim na trahedya at masigasig na anthemism ay malapit na magkakasamang nabubuhay. Ang musika ni Rachmaninov, na may hindi mauubos na melodic at subvocal polyphonic richness, ay sumisipsip ng mga pinagmulan ng katutubong kanta ng Russia at ilang mga tampok ng Znamenny chant. Ang isa sa mga orihinal na pundasyon ng istilong pangmusika ni Rachmaninov ay ang organikong kumbinasyon ng lawak at kalayaan ng melodic na paghinga na may ritmikong enerhiya. Ang tema ng tinubuang-bayan, sentro ng mature na pagkamalikhain Rachmaninov. Ang pangalan ni Rachmaninov bilang isang pianista ay katumbas ng mga pangalan nina F. Liszt at A. G. Rubinstein. Ang phenomenal technique, melodious depth of tone, flexible at imperous na ritmo ay ganap na napasakop sa paglalaro ni Rachmaninov.

Ang katanyagan ni Rachmaninov bilang isang pianista ay napakahusay at sa lalong madaling panahon ay naging tunay na maalamat. Isang espesyal na tagumpay nasiyahan sa kanyang mga interpretasyon ng kanyang sariling musika at mga gawa ng mga romantikong kompositor - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt. Ang aktibidad ng konsiyerto ni Rachmaninov bilang isang naglalakbay na birtuoso na pianist sa mga lungsod at bansa ay nagpatuloy nang walang pagkaantala sa loob ng halos 25 taon.

Sa America, kung saan nagkataon na lumipat siya upang manirahan, nakamit niya ang nakamamanghang tagumpay na nakasama ng isang dayuhang performer dito. Ang mga tagapakinig ay naaakit hindi lamang sa mataas na kasanayan sa pagganap ni Rachmaninov, kundi pati na rin sa paraan ng kanyang paglalaro at ang panlabas na asetisismo, kung saan nakatago ang maliwanag na kalikasan ng makikinang na musikero. "Ang isang taong may kakayahang ipahayag ang kanyang mga damdamin sa ganoong paraan at sa gayong puwersa ay dapat una sa lahat ay matutong makabisado ang mga ito nang perpekto, upang maging kanilang panginoon ..." ay isinulat sa isa sa mga pagsusuri.

Ang mga pag-record ng Gramophone ng paglalaro ni Rachmaninov ay nagbibigay ng ideya ng kanyang kahanga-hangang pamamaraan, pakiramdam ng anyo, at pambihirang responsableng saloobin sa detalye. Naimpluwensyahan ng pianism ni Rachmaninov ang mga namumukod-tanging masters ng piano performance tulad nina Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

American pianist - birtuoso ng Ukrainian-Jewish na pinagmulan, isa sa mga pinakadakilang pianista ng ikadalawampu siglo

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Ipinanganak sa Russia mula noong 1928 sa USA. Kinatawan romantikong istilo mga pagtatanghal (mga gawa ni F. Liszt, kabilang sa kanyang sariling mga transkripsyon, Fryderyk Chopin, mga kompositor ng Russia, atbp.).

Nag-aral si Vladimir Horowitz kasama sina V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky at F. M. Blumenfeld sa Kiev Music School, na binago sa Kyiv Conservatory noong Setyembre 1913. Sa pagtatapos noong 1920, hindi nakatanggap ng diploma si V. Horowitz, dahil wala siyang sertipiko ng pagkumpleto ng gymnasium. Ginawa niya ang kanyang unang solong konsiyerto sa Kharkov noong 1920 (ngunit ang unang dokumentadong pampublikong konsiyerto ay naganap noong Disyembre 1921 sa Kyiv). Pagkatapos ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa iba't ibang mga lungsod ng Russia kasama ang isang batang biyolinista mula sa Odessa, Nathan Milstein, kung saan madalas siyang binabayaran sa tinapay kaysa sa pera, dahil sa mahirap na sitwasyon sa ekonomiya sa bansa.

Mula noong 1922, si Horowitz, na nagbibigay ng mga konsyerto sa mga lungsod ng Russia, Ukraine, Georgia, at Armenia, ay nakaipon ng napakalaking repertoire. Halimbawa, sa loob ng tatlong buwan (Nobyembre 1924 - Enero 1925) gumanap siya ng higit sa 150 mga gawa sa sikat na "serye ng Leningrad", na binubuo ng 20 mga konsyerto. Sa kabila ng kanyang maagang tagumpay bilang isang pianist, pinanindigan ni Horowitz na gusto niyang maging isang kompositor, ngunit pinili ang isang karera bilang isang pianist upang matulungan ang kanyang pamilya, na nawalan ng buong kapalaran sa 1917 Revolution. Ang tagumpay ng "mga anak ng Rebolusyon" (tulad ng tawag sa kanila ni Lunacharsky sa isa sa kanyang mga artikulo) ay napakaganda. Ang mga club ng mga tagahanga ng mga batang musikero na ito ay lumitaw sa maraming lungsod.

Noong Setyembre 1925, nagkaroon ng pagkakataon si Vladimir Horowitz na pumunta sa Germany (opisyal na aalis siya upang mag-aral). Bago umalis, natutunan niya at nilalaro ang 1st concert ng P. I. Tchaikovsky sa Leningrad. Salamat sa komposisyong ito siya ay naging tanyag sa Europa. Ang konsiyerto na ito ay gumanap ng isang "fatal" na papel sa buhay ng pianista: sa bawat oras, pagkamit ng tagumpay sa Europa at Amerika, ginanap ni Horowitz ang unang konsiyerto ni Tchaikovsky. Kasunod ng pianista, umalis din si Milstein patungong Germany noong Disyembre 1925. Sa Europa, ang parehong musikero ay mabilis na nakakuha ng katanyagan bilang mga makikinang na birtuoso. Napili si Horowitz mga awtoridad ng Sobyet kumakatawan sa Ukraine sa inaugural na International Chopin Competition noong 1927, ngunit nagpasya ang pianista na manatili sa Kanluran at samakatuwid ay hindi lumahok sa kompetisyon. Hanggang 1940, nilibot niya ang halos lahat ng mga bansa sa Europa na may mga konsiyerto at isang nakamamanghang tagumpay sa lahat ng dako. Sa Paris, nang tumugtog si V. Horowitz, tinawag ang mga gendarmes para pakalmahin ang mga manonood, na nagsisibasag ng mga upuan sa sobrang tuwa. Noong 1928, nagbigay si Vladimir Horowitz ng isang napakatalino na pagganap sa Carnegie Hall sa New York at naglibot sa maraming mga lungsod sa Amerika na may matunog na tagumpay.

Russian pianist na may mga ugat ng Aleman

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Ginugol niya ang kanyang pagkabata at kabataan sa Odessa, kung saan nag-aral siya kasama ang kanyang ama, isang pianista at organista na nag-aral sa Vienna, at nagtrabaho bilang isang accompanist sa opera house. Ibinigay niya ang kanyang unang konsiyerto noong 1934. Sa edad na 22, pormal na itinuro sa sarili, pumasok siya sa Moscow Conservatory, kung saan nag-aral siya kay Heinrich Neuhaus. Noong 1940 ginawa niya ang kanyang unang pampublikong pagpapakita sa Moscow, gumaganap ng Prokofiev's 6th Sonata; pagkatapos ay naging unang tagapalabas ng kanyang ika-7 at ika-9 na sonata (ang huli ay nakatuon kay Richter). Noong 1945 nanalo siya sa All-Union Competition of Performing Musicians.

Mula sa kanyang mga unang hakbang sa larangan ng propesyonal, siya ay itinuturing na isang birtuoso at musikero ng pambihirang kalibre.

Para sa ilang henerasyon ng Sobyet at Mga musikero ng Russia at mga mahilig sa musika, si Richter ay hindi lamang isang namumukod-tanging pianista, kundi isang tagapagdala rin ng pinakamataas na artistikong at moral na awtoridad, ang personipikasyon ng modernong unibersal na musikero-edukador. Ang malaking repertoire ni Richter, na lumalawak hanggang sa mga nakaraang taon kanyang aktibong buhay, binuksan ang musika iba't ibang panahon, mula sa Bach's Well-Tempered Clavier at Handel's Suites hanggang sa Gershwin's Concerto, Webern's Variations at Stravinsky's Movements.

Sa lahat ng mga lugar ng repertoire, pinatunayan ni Richter ang kanyang sarili bilang isang natatanging artist, pinagsasama ang ganap na objectivity sa kanyang diskarte sa musikal na teksto (maingat na sinusunod ang mga tagubilin ng may-akda, kumpiyansa na kontrol sa mga detalye, pag-iwas sa retorika na pagmamalabis) na may hindi pangkaraniwang mataas na dramatikong tono at espirituwal. pokus ng interpretasyon

Ang matalas na kamalayan ni Richter sa responsibilidad sa sining at ang kakayahang italaga ang kanyang sarili ay ipinakita sa kanyang espesyal na pangako sa pagtatanghal ng ensemble. Sa unang bahagi ng karera ni Richter, ang kanyang pangunahing mga kasosyo sa grupo ay pianista, estudyante ng Neuhaus na si Anatoly Vedernikov, mang-aawit na si Nina Dorliak (soprano, asawa ni Richter), violinist na si Galina Barinova, cellist na si Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (ang kanilang perpekto, tunay na klasikal na pakikipagtulungan sa sarili nitong. paraan - lahat ng cello sonata ni Beethoven). Noong 1966, nagsimula ang partnership nina Richter at David Oistrakh; noong 1969 pinalabas nila ang Violin Sonata ni Shostakovich. Si Richter ay madalas na kasosyo ng Quartet. Borodin at kusang-loob na nakipagtulungan sa mga musikero ng nakababatang henerasyon, kabilang sina Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kocsis, pianists Vasily Lobanov at Andrei Gavrilov. Ang sining ni Richter bilang soloista at ensemble player ay na-immortalize sa napakaraming studio at concert recording.

Sobyet pianist, People's Artist ng USSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Nagsimulang tumugtog ng piano si Emil sa edad na lima at kalahating taon ang kanyang unang guro ay si Yakov Tkach. Ang pagkakaroon ng mabilis na nakamit ang makabuluhang tagumpay, ginawa ni Gilels ang kanyang unang pampublikong hitsura noong Mayo 1929, gumaganap ng mga gawa ni Liszt, Chopin, Scarlatti at iba pang mga kompositor. Noong 1930, pumasok si Gilels sa Odessa Institute of Music (ngayon ay Odessa Conservatory).

At sa susunod na taon ay nanalo siya sa All-Ukrainian Piano Competition, at makalipas ang isang taon ay nakilala niya si Arthur Rubinstein, na nagsasalita nang may pagsang-ayon sa kanyang pagganap.

Ang katanyagan ay dumating sa musikero pagkatapos ng kanyang tagumpay noong 1933 sa First All-Union Competition of Performing Musicians, na sinundan ng maraming mga konsyerto sa buong USSR. Matapos makapagtapos mula sa Odessa Conservatory noong 1935, pumasok si Gilels sa graduate school sa Moscow Conservatory sa klase ng Heinrich Neuhaus.

Sa ikalawang kalahati ng 1930s, nakamit ng pianista ang pangunahing tagumpay sa internasyonal: siya ay nakakuha ng pangalawang lugar sa internasyonal na kumpetisyon sa Vienna (1936), natalo lamang kay Yakov Flier, at makalipas ang dalawang taon ay naghiganti siya sa kanya, na nanalo sa Ysaïe Competition sa Brussels, kung saan nanatili si Flier sa ikatlong pwesto. Pagbalik sa Moscow, nagsimulang magturo si Gilels sa konserbatoryo bilang isang katulong sa Neuhaus.

Sa panahon ng digmaan, si Gilels ay nakibahagi sa gawaing patronage ng militar noong taglagas ng 1943 ay nagbigay siya ng mga konsyerto kinubkob ang Leningrad, pagkatapos ng digmaan ay bumalik siya sa aktibong konsiyerto at mga aktibidad sa pagtuturo. Madalas siyang gumanap kasama ang kanyang nakababatang kapatid na babae, ang violinist na si Elizaveta Gilels, gayundin si Yakov Zak. Noong 1950] bumuo siya ng isang piano trio kasama sina Leonid Kogan (violin) at Mstislav Rostropovich (cello), at noong 1945 nagbigay siya ng mga konsyerto sa ibang bansa sa unang pagkakataon (naging isa sa mga unang musikero ng Sobyet na pinahintulutang gawin ito), naglibot. sa Italy, Switzerland, France at Scandinavian na mga bansa. Noong 1954, siya ang unang musikero ng Sobyet na gumanap sa Pleyel Hall sa Paris. Noong 1955, ang pianista ang naging unang musikero ng Sobyet na dumating upang magbigay ng mga konsiyerto sa USA, kung saan siya nagtanghal ng Unang konsiyerto ng piano Ang Third Concerto nina Tchaikovsky at Rachmaninov kasama ang Philadelphia Orchestra na isinagawa ni Eugene Ormandy, at hindi nagtagal ay nagbigay ng solong konsiyerto sa Carnegie Hall, na isang malaking tagumpay. Noong 1960s at 1970s, si Gilels ay isa sa pinaka hinahangad na musikero ng Sobyet sa mundo, gumugugol ng halos siyam na buwan sa isang taon sa mga konsyerto at sa mga dayuhang paglilibot.

Upang buod, nais kong tandaan na ang mga prinsipyo ng metodolohikal at mga libro ng mga pinakatanyag na kinatawan ng pianismo ng Sobyet ay nagpapakita na ang mga pananaw ng mga musikero na ito, sa kabila ng sariling katangian ng kanilang diskarte sa pagganap ng piano at pedagogy, ay magkapareho. Ito ang pagnanais para sa malalim na pag-unawa sa teksto ng musika, at para sa isang tumpak na paghahatid ng intensyon ng kompositor, at isang pag-unawa sa estilo at katangian ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na nakapaloob sa akda.

Ang isang tipikal na pahayag sa bagay na ito ay G. G. Neuhaus: "Lahat tayo ay nagsasalita tungkol sa parehong bagay, ngunit sa iba't ibang mga salita." Tinutukoy ng pangkalahatan na ito ang mga prinsipyo ng paaralan ng pianist ng Sobyet, na nagsanay ng mga mahuhusay na pianista at mga natitirang guro.

XXIsiglo

Ano noon at ano ang piano performance art noong ika-20 siglo?

Ano ang bago sa simula ng XXI mga siglo?

Paano naging karaniwan ang pagtugtog ng piano ngayon, sa ikalawang dekada ng ika-21 siglo?

Estilo ng pagganap ng ika-21 siglo

***

Sa simula ng ika-21 siglo, dalawang pangunahing direksyon ng musical performing art ang patuloy na umiiral - transendental virtuosity at makabuluhang interpretasyon. Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang mga direksyong ito ay naging higit na puro, na nagiging hiwalay sa isa't isa. Gayunpaman, isang bagong kababalaghan ang lumitaw nang ang mga pianista ay maaaring sabay na maglingkod sa parehong mga alon ng gumaganap na sining.

***

Naka-on gumaganap ng mga tradisyon mga impluwensya kabuuang kumpetisyon kahibangan, sa Sa kasong ito, ang pambihirang mapagkumpitensyang antas ng pagganap ng mga musikal na gawa ay nagiging isang karaniwang pattern na dapat sundin, kabilang ang sa entablado ng konsiyerto.

Ang mga mithiin ng sound recording at ang mapagkumpitensyang antas ng pagganap, na nakakaimpluwensya sa mga tradisyon ng konsiyerto, ay humingi ng makabuluhang pagtaas sa kalidad ng pagtugtog ng piano. Ang bawat piraso ng programa, at hindi lamang ang mga encores, ay dapat tumunog sa antas ng isang obra maestra ng gumaganap na sining. Ano ang posible sa studio dahil sa sound engineering at pag-edit ng computer mula sa ilang mga opsyon sa pagganap, sa entablado ay dapat mangyari sa sandaling ito, dito at ngayon.

Ang mga internasyonal na kumpetisyon at festival ay nakakatulong sa globalisasyon ng piano art.

Madalas nating natutunan ang kanilang mga pangalan pagkatapos ng kumpetisyon ng Tchaikovsky. Ang kumpetisyon na ito ay nagdala ng katanyagan sa mga pianista tulad ng: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

American pianist na sumakop sa mga pusong Ruso

Unang nagwagi sa International Tchaikovsky Competition (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Ang American pianist na si Van Cliburn (aka Harvey Levan Clyburn) ay marahil ang pinakamamahal na dayuhang musikero sa ating bansa. Ang publikong Ruso ang unang nagpahalaga sa mga kasanayan sa pagganap ni Van Cliburn ay pagkatapos ng kanyang pagbisita sa Russia na siya ay naging isang sikat na musikero.

Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa piano sa edad na tatlong taon sa kanyang ina. Noong anim na taong gulang si Cliburn, lumipat ang pamilya sa Texas, kung saan nanalo siya sa isang kompetisyon sa edad na labintatlo at hindi nagtagal ay ginawa ang kanyang debut sa Carnegie Hall.

Noong 1951 pumasok siya sa Juilliard School, sa klase ng Rosina Levina, at sa mga darating na taon ay nakatanggap siya ng maraming parangal sa mga prestihiyosong American at international competitions.

Ang pangalan ni Cliburn ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo pagkatapos ng kanyang kahindik-hindik na tagumpay sa unang International Tchaikovsky Competition sa Moscow noong 1958. Nakuha ng batang pianista ang simpatiya ng kapwa miyembro ng hurado at ng publiko. Ito ay mas nakakagulat dahil ang aksyon ay naganap sa kasagsagan ng Cold War. Sa kanyang pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, si Cliburn ay binigyan ng isang kahanga-hanga, masigasig na pagtanggap. Ang musikero ay napuno ng pagmamahal at paggalang sa USSR at pagkatapos ng kumpetisyon ay dumating siya upang magbigay ng mga konsyerto nang higit sa isang beses.

Si Van Cliburn ay naglibot sa kanyang sariling bansa at sa ibang bansa. Siya ay gumanap sa harap ng royalty at mga pinuno ng estado, at sa harap ng lahat ng mga pangulo ng US. Siya ang naging unang classical music performer na nagkaroon ng platinum album. Ang kanyang pagganap ng Unang Piano Concerto ni Tchaikovsky ay nakabenta ng mahigit isang milyong kopya.

Mula noong 1962, ang Van Cliburn Piano Competition ay ginanap sa Fort Worth, Texas.

Russian pianist, guro ng musika, pampublikong pigura

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Ang talento ng musikal ni Vladimir Krainev ay nagpakita ng sarili sa pangalawang dalubhasang paaralan ng musika sa Kharkov, na pinasok niya sa edad na 5. Pagkalipas ng dalawang taon, naganap ang kanyang unang pagtatanghal sa malaking entablado- kasama ang orkestra ay ginampanan niya ang concerto ni Hayd at ang First Concerto ni Beethoven.

Sa suporta ng mga guro ng Kharkov, pumasok si Krainev sa Moscow Central paaralan ng musika sa Conservatory. Tchaikovsky sa klase ng Anaida Sumbatyan. Noong 1962 pumasok siya sa Conservatory. Tchaikovsky sa klase ni Heinrich Neuhaus, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay nag-aral siya kasama ang kanyang anak na si Stanislav Neuhaus, kung saan natapos niya ang kanyang graduate na pag-aaral noong 1969.

Ang pagkilala sa mundo ay dumating kay Vladimir Krainev noong unang bahagi ng 1960s, nang manalo siya ng mga pangunahing premyo sa mga pangunahing internasyonal na kompetisyon sa Leeds (Great Britain, 1963) at Lisbon (Portugal, 1964). Pagkatapos ng isang pagtatanghal sa Leeds, nakatanggap ang batang pianista ng imbitasyon na maglibot sa USA. Noong 1970, nanalo siya ng isang napakatalino na tagumpay sa IV International Competition na pinangalanang P.I. Tchaikovsky sa Moscow.

Mula noong 1966, si Vladimir Krainev ay naging soloista ng Moscow State Philharmonic. Mula noong 1987 - propesor sa Moscow Conservatory. Mula noong 1992 - propesor Mataas na paaralan musika at teatro sa Hannover (Germany).

Si Vladimir Krainev ay masinsinang naglibot sa Europa at USA, na gumaganap kasama ang mga namumukod-tanging konduktor tulad nina Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Si Krainev ay ang tagapag-ayos ng pagdiriwang ng "Vladimir Krainev Invites" sa Ukraine at ang International Competition for Young Pianists sa Kharkov (mula noong 1992), na pinangalanan sa kanya.

Noong 1994, nilikha ng piyanista ang International Charitable Foundation for Young Pianists. Ang Foundation ay nagbigay ng tulong at suporta sa hinaharap na mga propesyonal na musikero, lumikha ng mga kondisyon para sa kanilang pagkamalikhain sa Russia at sa ibang bansa, nag-organisa ng mga paglilibot at konsiyerto ng mga batang musikero, suportado. institusyong pang-edukasyon kultura at sining.

Sikat na conductor at pianist, People's Artist ng RSFSR, tagapagtatag at direktor mula 1990 hanggang 1999 at mula 2003 hanggang sa kasalukuyan ng Russian National Orchestra. Nagwagi ng gintong medalya sa 1978 International Tchaikovsky Competition at ang 2004 Grammy Award.

Si Mikhail Vasilievich Pletnev ay ipinanganak sa1957

Ginugol ni Pletnev ang kanyang pagkabata sa Saratov at Kazan, at sa edad na 7 nagsimula siyang pumasok sa paaralan ng musika sa Kazan Conservatory upang mag-aral ng piano. Mula sa edad na 13 nag-aral siya sa Central Music School sa Moscow Tchaikovsky Conservatory. Noong 1973, ang 16-taong-gulang na si Pletnev ay nanalo sa Grand Prix sa International kompetisyon ng kabataan sa Paris at sa sumunod na taon ay pumasok siya sa Moscow Conservatory, nag-aaral sa ilalim ng mga propesor na sina Yakov Flier at Lev Vlasenko.

Noong 1977, nanalo si Pletnev ng unang premyo sa All-Union Piano Competition sa Leningrad, at noong 1978 nanalo siya ng gintong medalya at unang premyo sa Moscow International Tchaikovsky Competition. Noong 1979, nagtapos si Pletnev mula sa conservatory, at noong 1981, nagtapos siya sa graduate school, pagkatapos nito ay naging katulong siya ni Vlasenko, at pagkatapos ay nagsimulang magturo sa kanyang sariling klase ng piano.

Ang pagiging isang soloista ng Konsiyerto ng Estado noong 1981, nakakuha si Pletnev ng katanyagan bilang isang birtuoso na pianista na nabanggit ng press ang kanyang mga interpretasyon sa gawa ni Tchaikovsky, ngunit din ang kanyang mga pagtatanghal ng Bach, Beethoven, Rachmaninoff at iba pang mga kompositor. Nakipagtulungan si Pletnev sa mga sikat na conductor gaya ni Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai at ang pinakasikat na symphony orchestra sa mundo, kabilang ang London Symphony at Los Angeles Philharmonic.

Noong 1980, ginawa ni Pletnev ang kanyang debut bilang isang konduktor, at pagkaraan ng sampung taon, noong 1990, sa tulong ng mga dayuhang donasyon, nilikha niya ang independiyenteng Russian National Symphony Orchestra (na kalaunan ay pinalitan ng pangalan ang Russian National Orchestra, RNO) at hanggang 1999 ang artistikong direktor, punong konduktor at pondo ng pangulo. Noong 2008, naging guest conductor si Pletnev sa Symphony Orchestra ng Italian Switzerland (Orchestra della Svizzera italiana). Noong 2006, nilikha ni Pletnev ang Pondo ng Suporta Pambansang kultura. Mula 2006 hanggang 2010, si Pletnev ay miyembro ng Presidential Council ng Russian Federation para sa Kultura at Art, at mula 2007 hanggang 2009 siya ay miyembro ng Russian Federation Commission para sa UNESCO.

Kazakh pianist, guro, propesor at rektor ng Kazakh National Conservatory na pinangalanang Kurmangazy,

People's Artist ng Kazakhstan, nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon, propesor

Si Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova ay ipinanganak noong 1957

Nagtapos mula sa Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan. Kurmangazy, Moscow State Conservatory. P. I. Tchaikovsky at graduate school (kasama si Propesor L. N. Vlasenko).

Mula noong 1979 - concertmaster ng Estado akademikong teatro Opera at Ballet na pinangalanan. Abai at trainee assistant sa Moscow State Conservatory. P.I. Tchaikovsky. 1981 - senior teacher, associate professor, pinuno ng departamento ng espesyal na piano sa Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan. Kurmangazy. Mula noong 1983 - soloist ng Kazakh State Philharmonic na pinangalanan. Dzhambula. Mula noong 1993 - propesor sa Almaty State Conservatory na pinangalanan. Kurmangazy. 1994 - itinatag ang "Paaralan ng May-akda ng Zhania Aubakirova", nagtatrabaho gamit ang mga modernong pamamaraan at teknolohiyang pang-edukasyon. Mula noong 1997 - rektor ng Kazakh National Conservatory na pinangalanang Kurmangazy. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang konserbatoryo ay naging nangungunang unibersidad ng musika sa bansa at sentro ng kultura at pang-edukasyon ng republika noong 2001 ito ay iginawad sa Pambansang katayuan.

1998 - Sa inisyatiba ni Zhania Aubakirova, ang "Classics" na ahensya ng musika ay inayos, na may malaking tagumpay na gaganapin ang "Kazakh Seasons sa France", nag-organisa ng mga konsyerto sa higit sa 18 mga bansa, naitala ang higit sa 30 mga CD, at higit sa 20 musikal mga pelikula tungkol sa mga performer ng Kazakh. 2009 - noong Nobyembre, ang Student Symphony Orchestra ng Kazakh National Conservatory. Si Kurmangazy ay naglibot sa lima pinakamalalaking lungsod USA: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston at New York. Ang mga batang musikero, kasama ang kanilang rektor, People's Artist ng Republika ng Kazakhstan na si Zhaniya Aubakirova, ay gumanap sa pinakasikat na mga bulwagan sa mundo - ang Kennedy Center at Carnegie Hall.

Ang mga solong konsyerto at pagtatanghal ni Zhania Aubakirova kasama ang mga sikat na orkestra, nagpo-promote ng mga klasikong musikal sa mundo at ang mga gawa ng mga kompositor ng Kazakh, ay regular na ginaganap sa Kazakhstan, ang pinakamalaking mga bulwagan ng konsiyerto sa France, England, Germany, Japan, Russia, Poland, Italy, USA, Israel, Greece, at Hungary. Ang malalaking bulwagan ng Moscow Tchaikovsky Conservatory at ang St. Petersburg Philharmonic, ang Moscow House of Music.

Namumukod-tanging pianista sa ating panahon

Boris Berezovskyipinanganak noong 1969

Pumasok siya sa Moscow Conservatory sa klase ng natitirang pianista na si Eliso Virsaladze. Pagkaraan ng ilang oras, naramdaman ni Berezovsky na "masikip" sa klase ni Eliso Virsaladze, kung saan ang tradisyonal na repertoire lamang ang nilalaro, kaya nagsimula siyang kumuha ng mga pribadong aralin mula kay Alexander Sats. Ang Sats ay nagbubukas ng mga bagong abot-tanaw ng Russian classical na musika para kay Boris Berezovsky. Kasama niya, sinimulan ni Berezovsky na maglaro ng Medtner, maraming Rachmaninov at marami pang iba. Ngunit si Boris Berezovsky ay hindi kailanman nakapagtapos ng kanyang pag-aaral sa Moscow Conservatory ay pinatalsik siya dahil sa pagsali sa Tchaikovsky Competition habang pumasa sa kanyang huling pagsusulit. Ngunit ang sitwasyong ito ay hindi naging hadlang sa kanya na maging pinaka-virtuoso at hinahangad na tagapalabas sa ating panahon.

Sa loob ng higit sa sampung taon, si Boris Berezovsky ay gumaganap kasama ang mga pinakasikat na orkestra sa mundo: ang BBC Orchestra, ang London at New York Philharmonics, ang New Japan Philharmonic Orchestra, ang Birmingham at Philadelphia Symphony Orchestras. Si Berezovsky ay patuloy na nakikilahok sa iba't ibang mga pagdiriwang ng musika sa silid, at sa kanya solong konsiyerto maririnig sa Berlin at New York, Amsterdam at London. Nagsasalita ng Ingles nang matatas at Pranses.

Ang pianista ay may medyo malawak na discography. Ang mga huling tala ang kanyang mga konsyerto ay nakatanggap ng pinakamataas na rating mula sa mga kritiko. Ang German Recording Association ay parangal mataas na gantimpala Ang mga sonata ni Rachmaninov ay binigyang-kahulugan ni Boris Berezovsky. Ang mga pag-record ng mga gawa ni Ravel ay kasama sa mga klasikal na tsart ng Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, at Independent.

Si Boris Berezovsky ay ang nagwagi ng gintong medalya sa 9th International Tchaikovsky Competition, siya ay tinawag na "bagong Richter", ang tunog ni Berezovsky, na may transparent na pianissimo at isang rich spectrum mga dynamic na shade, ay kinikilala bilang ang pinakamagaling na pianista sa kanyang henerasyon. Ngayon ay lalo mong maririnig si Boris Berezovsky sa mga pangunahing yugto ng konsiyerto sa Russia.

Isa sa mga inspirado, matalinong performer, Ruso piyanista , guro, soloista Philharmonic ng Estado ng Moscow , People's Artist ng Russia

NikolaikaLeó HIVMeadowś Ingles ay ipinanganak sa1972

Nakuha ng kanyang paglalaro ang lahat ng pinakamahusay na maiaalok ng central music school at conservatory sa Moscow.

Ang inspiradong interpreter na ito, na nagtataglay ng makikinang na diskarte sa paglalaro, ay mayroon na ngayong isang pambihirang regalo para sa isang malikhaing diskarte sa materyal, isa sa iilan, nagagawa niyang ipaliwanag ang kislap ng Diyos sa mga gawa ni Beethoven, ihayag ang bihirang “inferal tunog” ng Mozart, i-play ang anumang karapat-dapat na materyal upang ang napapagod na manonood ay muling natuklasan ang mga melodies na tinugtog ng libu-libong beses sa isang ganap na naiibang embodiment.

Ngayon sa Russia maraming mga propesyonal na maaaring magpakita ng mataas na uri. Gayunpaman, sa anumang paraan ay mas mababa sa kanyang mga kilalang kasamahan, si Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso.

Maaari mong i-play ang mga classic sa iba't ibang paraan: bawat paaralan - Pranses, Aleman, Italyano - nag-aalok ng sarili nitong solusyon sa matataas na problema na may natatanging tunog.

Ngunit sinumang tunay na birtuoso na pianista ay "lumikha ng kanyang sariling mga klasiko," na isang katibayan ng henyo. Si Nikolai Lugansky ay tinawag na "pianist ni Richter" sa bukang-liwayway ng kanyang karera sa musika, pagkatapos ay inihambing din kay Alfred Cortot.

Si Nikolai Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso.

Sikat na Russian pianist, klasikal na musikero

Si Evgeniy Igrevich Kissin ay ipinanganak noong 1971

Sa edad na 6 ay pumasok siya sa Gnessin Music School. Ang una at tanging guro ay si Anna Pavlovna Kantor.

Noong una, bilang isang child prodigy, gumanap siya sa ilalim ng pangalang Zhenya Kissin. Sa edad na 10 siya ay gumanap kasama ang isang orkestra sa unang pagkakataon, na nagtanghal ng ika-20 concerto ni Mozart. Makalipas ang isang taon, nagbigay siya ng kanyang unang solo concert. Noong 1984 (sa edad na 12) nagtanghal siya ng 1st at 2nd piano concerto ni Chopin sa Malaking bulwagan Moscow Conservatory.

Noong 1985, nagpunta sa ibang bansa si Evgeny Kissin para sa mga konsyerto sa unang pagkakataon, at noong 1987 ginawa niya ang kanyang debut sa Kanlurang Europa sa Berlin Festival. Noong 1988 nagtanghal siya kasama si Herbert von Karajan sa Konsiyerto ng Bagong Taon Berlin Philharmonic Orchestra, gumaganap ng 1st concerto ni Tchaikovsky.

Noong Setyembre 1990, ginawa ni Kissin ang kanyang debut sa USA, kung saan gumanap siya ng 1st at 2nd concerto ni Chopin kasama ang New York Philharmonic Orchestra sa direksyon ni Zubin Mehta. Makalipas ang isang linggo, ang musikero ay nagbibigay ng solong konsiyerto sa Carnegie Hall. Noong Pebrero 1992, nakibahagi si Kissin sa seremonya Grammy Awards sa New York, ibinobrodkast sa telebisyon sa tinatayang isang bilyong anim na raang milyong manonood. Noong Agosto 1997, nagbigay siya ng isang recital sa pagdiriwang ng Proms sa Albert Hall ng London - ang unang gabi ng piano sa higit sa 100 taong kasaysayan ng pagdiriwang.

Si Kissin ay nagsasagawa ng masinsinang aktibidad sa konsiyerto sa Europa, Amerika at Asya, na nangongolekta ng patuloy na sold-out na mga tao; gumanap kasama ang mga nangungunang orkestra sa mundo sa ilalim ng baton ng mga konduktor tulad nina Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Yuri Temirkanov , Georg Solti at Maris Jansons; kabilang sa mga kasosyo sa musika ng kamara ni Kissin sina Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern at iba pa.

Gumaganap din si Evgeny Kissin ng mga gabi ng tula sa Yiddish at Russian. Isang CD na may mga recording ng mga gawa ng modernong tula sa Yiddish na ginanap ni E. Kissin "Af di klavn fun yidisher poetry" (On the keys of Jewish poetry) ay inilabas noong 2010. Ayon mismo kay Kissin, siya ay may malakas na pagkakakilanlang Hudyo mula pagkabata at nag-post ng mga materyal na pro-Israel sa kanyang personal na website.

Russian pianist, public figure, People's Artist ng Russia

Si Denis Leonidovich Matsuev ay ipinanganak noong 1975

Ginugol ni Denis Matsuev ang kanyang pagkabata sa kanyang katutubong Irkutsk. Ipinanganak sa isang malikhaing pamilya, isang batang lalaki na may kasama mga unang taon nag-aral ng musika. Una, nagpunta siya sa sekundaryong paaralan ng lungsod No. 11 na pinangalanang V.V Mayakovsky at sa parehong oras ay nagsimulang pumasok sa lokal na paaralan ng sining. Sa edad na labing-anim, pumasok si Denis Matsuev sa Irkutsk Music College. Gayunpaman, mabilis niyang napagtanto na ang kanyang talento ay nangangailangan ng mas masusing pagpapakinis. Sa family council napagpasyahan na lumipat sa kabisera. Naunawaan ng mga magulang na ang kanilang talentadong anak na lalaki ay maaaring magkaroon ng isang matagumpay na karera. malikhaing talambuhay. Si Denis Matsuev ay lumipat sa Moscow noong 1990.

Noong 1991, siya ay naging isang laureate ng International Public Charitable Foundation na tinatawag na "New Names". Salamat sa pangyayaring ito, na sa kanyang kabataan ay binisita niya ang higit sa apatnapung bansa sa mundo na may mga pagtatanghal sa konsiyerto. Dumating ang pinakamahalagang tao upang makinig sa kanyang birtuoso na tumutugtog: ang Reyna ng Inglatera, ang Papa at ang iba pa. Noong 1993, pinamamahalaang ni Denis Matsuev na pumasok sa Moscow State Conservatory. Kasabay nito, gumanap siya sa mga programa ng pampublikong pundasyon ng New Names, na naganap sa ilalim ng pamumuno ng patron ni Denis na si Svyatoslav Belz. Noong 1995, ang artista ay tinanggap bilang isang soloista sa Moscow State Philharmonic. Pinahintulutan nito si Denis Leonidovich na palawakin ang saklaw ng kanyang mga aktibidad sa konsyerto.

Kasama ang kanyang tagumpay sa Eleventh International Pyotr Ilyich Tchaikovsky Competition, ang katanyagan sa mundo ay dumating sa musikero. Ang kanyang talambuhay ay pinalamutian ng nakamamatay na kaganapang ito noong 1998. Si Denis Matsuev ay naging isa sa pinakasikat na pianista sa mundo. Ang kanyang mahusay na mga pagtatanghal ay nagdulot ng isang mahusay na taginting sa mundo. Ang artist ay nagsimulang maimbitahan sa pinaka-prestihiyosong mga kaganapan. Halimbawa, gumanap siya sa seremonya ng pagsasara ng Olympics sa Sochi.

Mula noong 2004, taun-taon ay ipinakita ni Denis Matsuev ang kanyang personal na subscription. Ang pinakamahusay na mga orkestra ng symphony ng Russia at sa ibang bansa ay gumaganap kasama ang musikero doon.

Marami siyang ginagawa para sa kanyang bansa. Sa pagsisikap na maitanim sa mga tao ang pagmamahal sa musika, ang artist ay nag-oorganisa ng lahat ng uri ng mga pagdiriwang at mga kumpetisyon. Bukod dito, nagsusumikap siyang hawakan ang mga ito sa iba't ibang mga rehiyon ng Russia, upang ang lahat ng mga residente ng bansa ay maaaring hawakan ang mataas na sining at marinig ang napakatalino na pagtatanghal ng pinakamahusay na mga gawa sa musika.

Sa konklusyon, ibubuod namin ang mga pangunahing direksyon at uso sa pag-unlad ng sining ng piano sa ika-21 siglo. Sa birtuoso at makabuluhang direksyon ng piano art, ang mga sumusunod na salik ay matatagpuan na kasama ng pag-unlad: tumuon sa kalidad at aesthetics ng sound recording, nadagdagan ang pagpapahayag ng conjugation ng tono, pinalawak na mga posibilidad sa larangan ng agogy at timbre ng tunog, pagbagal ng tempo at pagpapababa ng average na dynamic na antas ng pagganap, polyphonization ng texture. Ang mga salik na ito ay nag-aambag sa paglago ng lalim at modernong pag-renew ng nilalaman ng pagganap. Kasabay nito, ang piano concert repertoire ay ina-update dahil sa pagtuklas ng mga bagong mataas na artistikong mga gawa na hindi pa pinahahalagahan dati.

Gayunpaman, ito ay ang paglalahat at kabuluhan ng intonasyon ang mga pangunahing uso sa pag-unlad ng sining ng piano ng ika-21 siglo.

Ang listahang ito ng mga gumaganap na pianist ay nagpapakita na ang piano ay nag-aalok ng halos walang limitasyong inspirasyon. Sa loob ng tatlong siglo, ang mga performer ng piano music ay nagpasaya sa mga tagapakinig at nagbigay inspirasyon sa kanila sa kanilang sariling mga pagsasamantala sa mundo ng musika.

Kahit anong oras pa ang musikero, ang nagpagaling sa kanya ay hindi lamang ang kanyang talento, kundi pati na rin ang kanyang kumpletong pagsipsip sa musika!!!

PSAng pagkakaroon ng pag-aaral ng panitikan sa isyung ito, napagpasyahan namin na ang pag-unlad ng mga paaralan ng piano mula sa sandali ng kanilang pagbuo hanggang sa ating panahon ay natutukoy ng espirituwal na kakayahang umangkop ng personalidad ng master, at ang mga paghahanap sa pedagogical ay nagsilbing isang malikhaing batayan at, sa katotohanan, isang insentibo para sa pagkamalikhain. Sinuportahan ng mga progresibong musikero na pang-edukasyon ang lahat ng kanilang itinuturing na mahalaga sa sining; mataas na civic ideals, misyonero na layunin ng pagkamalikhain.

Ang mga saloobin ng mga pangunahing gumaganap na musikero at guro ay palaging naglalayong bumuo ng mga prinsipyo sa pagtuturo na tumutugon sa mga ideya tungkol sa mga gawain ng pagganap. Ito ay higit na tinutukoy ang nilalaman ng mga akdang pang-agham na nakatuon sa pagtugtog ng instrumento.

Ang mga sinaunang treatise ng panahon ng clavierism ay nagsalita tungkol sa pagbubuo ng musika, mga diskarte sa improvisasyon at pag-aayos mga komposisyong musikal, nakaupo sa likod ng instrumento, fingering at mga panuntunan ng laro. Ang lahat ng ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na sa panahon ng pre-piano ang tagapalabas ay isang kompositor na nagpakilala sa mga tagapakinig sa kanyang sariling mga gawa at ang kanyang mga kasanayan sa improvisasyon. Ang propesyon ng performer-interpreter (ngunit hindi kompositor ng musika) sa mga taong iyon ay hindi pa umusbong bilang isang espesyal na anyo malikhaing aktibidad musikero. Noong ika-19 na siglo lamang, kasabay ng pag-usbong ng bagong instrumento sa entablado ng konsiyerto - ang piano - at ang pagkahilig sa birtuosidad sa pagtugtog, nagkaroon ng unti-unting pagkakaiba-iba ng mga musikero, kompositor, performer at guro na nagtuturo kung paano tumugtog ng instrumentong ito.

Ang nilalaman ng mga akdang siyentipiko sa sining ng musika ay nagbago din sa maraming paraan. Ang iba't ibang mga pag-aaral, aklat-aralin at mga gawa sa mga pamamaraan ng pagtuturo ay hindi na isinasaalang-alang ang lahat ng mga isyu na may kaugnayan sa musikal na pagkamalikhain, pagganap at pedagogy. Ang paksa ng bawat gawain ay isang tiyak na lugar lamang ng musicology. Ang mga may-akda ng mga libro sa piano art ay pangunahing interesado sa mga isyu ng mastering pianistic technique, at karamihan sa kanila ay nakatuon sa mga paksang ito. mga gawaing metodolohikal at mga pantulong sa pagtuturo. Kaya, sa loob ng maraming taon, ang mga teoretikal na gawa sa pagganap ng piano ay nabawasan sa mga problema sa pagtatatag ng mga makatwirang diskarte sa paglalaro na ginagawang posible upang makamit ang virtuoso technique. Sa pagtatapos lamang ng ika-19 at ika-20 siglo, ang mga natitirang musikero ay bumaling sa mga artistikong isyu ng pagganap ng sining, na tumutukoy sa mga gawain ng interpretasyon, pag-unawa sa istilo at nilalaman ng mga gawang musikal. Ang mga problemang ito ay nauugnay din sa mga tanong ng pamamaraan ng pagtugtog ng piano. Ang pinakamahalagang layunin ng guro ay turuan ang isang musikero na ang sining ng pagganap ay hindi isang pagpapakita ng teknikal na kasanayan, ngunit ang kakayahang ihatid ang pinakaloob na kahulugan ng isang gawa ng sining sa pamumuhay, matalinghagang anyo ng pagpapahayag.

Dalubhasa sa piano performance ng mga musikal na gawa.

Ang isang kawili-wiling katotohanan ay na para sa propesyon ng isang pianista ay lalong mahalaga na magsimulang tumugtog ng musika sa napakaagang edad, mga tatlo o apat na taon. Pagkatapos ay nabuo ang isang "malawak" na hugis ng palad, na sa hinaharap ay makakatulong upang maglaro nang mahusay.

Depende sa panahon ng pag-unlad ng musikang piano, kung minsan ay inilalagay sa mga pianista ang salungat na mga kahilingan. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maaaring hindi intersect sa. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng kanilang sariling piano music. At ang mga bihirang birtuoso lamang ang nagtagumpay na sumikat sa pamamagitan ng eksklusibong pagganap ng mga melodies ng ibang tao.

Sa anumang kaso, tulad ng sinumang musikero, mahalaga para sa isang pianista na maging taos-puso at emosyonal, upang mawala ang kanyang sarili sa musika na kanyang ginagampanan. Ayon kay Harold Schonberg, isang sikat na kritiko ng musika, hindi lamang ito isang instrumento, ito ay isang paraan ng pamumuhay, na nangangahulugan na ang kahulugan ng buhay ng isang pianista ay hindi lamang musika, ngunit musika para sa kapakanan ng piano.

Mozart, Liszt at Rachmaninov - mga klasiko ng sining ng piano

Ang kasaysayan ng piano music ay medyo kawili-wili. Mayroong ilang mga yugto sa loob nito, ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan ang mga canon ng panahon ay itinakda ng isa (mas madalas na marami) na mahusay na tumugtog ng isang instrumento (sa una ito ay ang harpsichord, at nang maglaon ay ang piano).

Samakatuwid, ang pag-highlight ng tatlong mga panahon sa kasaysayan ng pianismo, pinangalanan sila pagkatapos ng pinakasikat na mga kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninov. Kung gagamitin natin ang tradisyunal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga panahon ng klasisismo, pagkatapos ay romanticism at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Mga sikat na piyanista noong ika-18 at ika-19 na siglo

Sa bawat isa sa mga panahong ito, nagtrabaho din ang iba pang mga pianista, na marami sa kanila ay sabay-sabay na mga kompositor ng mga gawang musikal at nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kasaysayan ng musikang piano. Dalawa sa tatlo yan" Mga klasikong Vienna» Sina Schubert at Beethoven, ang mga Aleman na sina Brahms at Schumann, ang Pole Chopin at ang Pranses na si Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

Sa panahong ito, pangunahing kinakailangan ang mga piyanista na makapag-improvise. Ang propesyon ng isang pianista ay malapit na konektado sa pag-compose. At kahit na gumaganap ng mga gawa ng ibang tao, ang kanyang sariling interpretasyon, isang libreng interpretasyon, ay itinuturing na tama. Ngayon, ang gayong pagtatanghal ay maituturing na walang lasa, hindi tama, kahit na walang kakayahan.

Mga sikat na piyanista noong ika-20 at ika-21 siglo

Ang ika-20 siglo ay ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga pambihirang talento, natatanging pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo, naging tanyag sina Hoffmann at Cortot, Schnabel at Paderewski. At natural, si Rachmaninov, ang henyo ng Silver Age, na minarkahan ang isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa kabuuan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista tulad nina Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Svyatoslav Richter

Ang mga namumukod-tanging pianista gaya ng American Van Cliburn, na naging unang nagwagi ng International Tchaikovsky Competition noong 1958, ay nagpatuloy sa kanilang musikal na pagkamalikhain sa simula ng ika-21 siglo. Ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa musikero na nanalo sa parehong kumpetisyon sa susunod na taon - ang pinakasikat na pop pianist na si Vladimir Ashkenazy.

Ang bawat classical music lover ay maaaring pangalanan ang kanyang paborito.

Si Alfred Brendel ay hindi isang child prodigy, at ang kanyang mga magulang ay walang kinalaman sa musika. Nagsimula ang kanyang karera nang walang gaanong kasiglahan at dahan-dahang umunlad. Marahil ito ang sikreto ng kanyang mahabang buhay? Sa simula ng taong ito, si Brendel ay naging 77, ngunit siya iskedyul ng konsiyerto minsan ay may kasamang 8-10 pagtatanghal bawat buwan.

Isang solo performance ni Alfred Brendel sa concert hall ang inihayag para sa June 30 Teatro ng Mariinsky. Ang pianist para sa konsiyerto na ito ay hindi mahanap sa opisyal na website. Ngunit mayroong isang petsa para sa paparating na konsiyerto sa Moscow, na magaganap sa Nobyembre 14. Gayunpaman, si Gergiev ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang kakayahang malutas ang mga hindi malulutas na problema.

BASAHIN DIN:

Ang isa pang contender para sa unang lugar sa improvised ranking ay si Grigory Sokolov. At least iyon ang sasabihin nila sa St. Bilang isang patakaran, isang beses sa isang taon si Sokolov ay pumupunta sa kanyang bayan at nagbibigay ng isang konsiyerto sa Great Hall ng St. Petersburg Philharmonic (ang huling isa ay noong Marso ng taong ito), ngunit siya ay regular na hindi pinapansin ang Moscow. Ngayong tag-araw, naglalaro si Sokolov sa Italy, Germany, Switzerland, Austria, France, Portugal at Poland. Kasama sa programa ang sonata ni Mozart at preludes ni Chopin. Ang mga ruta na pinakamalapit sa Russia ay ang Krakow at Warsaw, kung saan mararating ni Sokolov sa Agosto.
Kung tatawagin mo si Martha Argerich na pinakamahusay na pianista sa mga kababaihan, tiyak na may tututol: sa mga lalaki din. Hindi ikinahihiya ng mga tagahanga ng temperamental na Chilean ang biglaang pagbabago ng mood ng pianist o madalas na pagkansela ng mga konsyerto. Ang pariralang "ang konsiyerto ay binalak, ngunit hindi ginagarantiyahan" ay eksakto kung ano ang ibig sabihin nito.

Gagastos si Martha Argerich ngayong Hunyo, gaya ng dati, sa lungsod ng Lugano sa Switzerland, kung saan siya mismo Music Festival. Ang mga programa at kalahok ay nagbabago, ngunit isang bagay ang nananatiling hindi nagbabago: tuwing gabi si Argerich mismo ay nakikilahok sa pagganap ng isa sa mga gawa. Noong Hulyo, gumaganap din si Argerich sa Europa: sa Cyprus, Germany at Switzerland.

Ang Canadian na si Marc-Andre Hamelin ay madalas na tinatawag na tagapagmana ni Glen Gould. Ang paghahambing ay pilay sa magkabilang binti: Si Gould ay isang recluse, si Hamelin ay aktibong naglilibot, si Gould ay sikat sa kanyang mathematically kalkulado na mga interpretasyon ni Bach, si Hamelin ay nagmamarka ng pagbabalik ng romantikong istilo ng birtuoso.

Nagtanghal si Marc-Andre Hamelin sa Moscow noong Marso ng taong ito bilang bahagi ng parehong subscription bilang Maurizio Pollini. Si Hamelin ay naglilibot sa Europa sa Hunyo. Kasama sa kanyang iskedyul ang mga solo concert sa Copenhagen at Bonn at isang festival appearance sa Norway.

Kung may makakita kay Mikhail Pletnev na tumutugtog ng piano, agad na ipaalam mga ahensya ng balita, at ikaw ay magiging may-akda ng isang pandamdam sa mundo. Ang dahilan kung bakit isa sa ang pinakamahusay na pianista Tinapos ng Russia ang kanyang karera sa pagganap, na hindi maintindihan ng ordinaryong isip - ang kanyang mga huling konsyerto ay kasing ganda ng dati. Ngayon ang pangalan ni Pletnev ay matatagpuan lamang sa mga poster bilang isang konduktor. Pero aasa pa rin tayo.
Isang seryosong batang lalaki na lampas sa kanyang mga taon sa isang pioneer tie - ganito pa rin ang naaalala ni Evgeny Kissin, kahit na ang mga pioneer o ang batang iyon ay matagal nang hindi nakita. Ngayon siya ay isa sa pinakasikat na klasikal na musikero sa mundo. Siya ang dating tinawag ni Pollini na pinakamaliwanag sa mga musikero ng bagong henerasyon. Ang kanyang pamamaraan ay kahanga-hanga, ngunit madalas na malamig - na parang ang musikero ay nawalan ng isang bagay na napakahalaga kasama ng kanyang pagkabata at hinding-hindi ito mahahanap.

Noong Hunyo, nilibot ni Evgeny Kissin ang Switzerland, Austria at Germany kasama ang orkestra ng Kremerata Baltica, na tumutugtog sa ika-20 at ika-27 na konsiyerto ni Mozart. Ang susunod na paglilibot ay naka-iskedyul para sa Oktubre: Sasamahan ni Kissin si Dmitry Hvorostovsky sa Frankfurt, Munich, Paris at London.

Si Arkady Volodos ay isa pa sa mga "galit na kabataan" ng kasalukuyang pianismo na tumatanggi sa mga kumpetisyon sa prinsipyo. Siya ay isang tunay na mamamayan ng mundo: siya ay ipinanganak sa St. Petersburg, nag-aral sa kanyang bayan, pagkatapos ay sa Moscow, Paris at Madrid. Una, ang mga pag-record ay dumating sa Moscow batang piyanista, na inilabas ng Sony, at saka lang siya nagpakita. Tila nagiging panuntunan na ang kanyang mga taunang konsiyerto sa kabisera.

Sinimulan ni Arkady Volodos ang Hunyo sa isang pagtatanghal sa Paris sa tag-araw, maririnig siya sa Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen at Oslo, gayundin sa maliit na bayan ng Duszniki sa Poland sa tradisyonal na pagdiriwang ng Chopin.

Nanalo si Ivo Pogorelich sa mga internasyonal na kumpetisyon, ngunit ang kanyang pagkatalo ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa mundo: noong 1980, ang isang pianista mula sa Yugoslavia ay hindi pinahintulutan sa ikatlong round ng Chopin Competition sa Warsaw. Bilang isang resulta, si Martha Argerich ay nagbitiw sa hurado, at ang katanyagan ay nahulog sa batang pianista.

Noong 1999, huminto si Pogorelich sa pagganap. Sinasabi nila na ang dahilan nito ay ang pagharang sa pianista sa Philadelphia at London ng hindi nasisiyahang mga tagapakinig. Ayon sa isa pang bersyon, ang sanhi ng depresyon ng musikero ay ang pagkamatay ng kanyang asawa. Kamakailan ay bumalik si Pogorelich sa entablado ng konsiyerto, ngunit kakaunti ang pagganap.

Ang huling posisyon sa listahan ay ang pinakamahirap na punan. Kung tutuusin, napakaraming mahuhusay na pianista pa rin ang natitira: Si Christian Zimmerman na ipinanganak sa Poland, American Murray Perahia, Japanese Mitsuko Ushida, Korean Kun Woo Peck o Chinese Lang Lang. Ipinagpatuloy nina Vladimir Ashkenazy at Daniel Barenboim ang kanilang mga karera. Ang sinumang mahilig sa musika ay magpapangalan sa kanyang paborito. Kaya hayaan ang isang lugar sa nangungunang sampung manatiling bakante.

Piano at katulad nito mga Instrumentong pangmusika ay umiral nang higit sa isang siglo, ngunit ang pianismo - ang sining ng pagtugtog ng mga ito - bilang isang hiwalay na agham ay higit lamang sa dalawang siglo ang edad. At sa lahat ng mahabang taon na lumipas mula nang mabuo ito, ang pinakamahuhusay na pianista, na marami sa kanila ay mga kompositor din, ay lumikha ng mga teoretikal na pundasyon at mga pangunahing pamamaraan ng kasanayang ito, pinahusay ito at pinasaya ang mga nakapaligid sa kanila sa kanilang walang katulad na pagtugtog.

Kung pinag-uusapan natin kung sino ang pinakamahusay na pianista sa mundo mula nang ipanganak ang sining ng pagtugtog ng piano, kung gayon mayroong puwang para sa higit sa isang dosenang mga pangalan mula sa iba't ibang bansa at paaralan. Sa kasalukuyang panahon, imposibleng masuri ang antas ng karunungan ng instrumento ng marami sa kanila dahil sa mga layuning dahilan: sa panahong ang ilan sa mga ito mga mahuhusay na musikero, mga kompositor at performer, ang sound recording ay hindi pa umiiral. Gayunpaman, hindi ito nangangahulugan na ang mga merito ng gayong mga tao ay dapat na ipantay kumpara sa mga ipinanganak nang mas huli at pantay na dalubhasa sa paghawak ng mga instrumento sa keyboard - pagkatapos ng lahat, ang isang tao ay maaaring umasa sa patotoo ng kanilang mga kontemporaryo.

Kabilang sa mga dakilang pianista ng mga nakaraang siglo, walang alinlangan na banggitin ang napakatalino na Austrian na si Wolfgang Amadeus Mozart, na mula sa isang maagang edad ay nagpakita ng mga himala ng kasanayan sa pagganap at kahit na, sa edad na apat o limang, ay itinuturing na isang henyo. Hindi gaanong kapansin-pansin ang kanyang kababayan, ngunit mula sa Hungarian na pinagmulan, si Franz Liszt, na nabuhay at nagtrabaho nang kaunti mamaya - na noong ika-19 na siglo, na, ayon sa mga eksperto, ay ang nagtatag ng master class bilang isang paraan upang mapabuti ang mga kasanayan ng isang tao.

Sa paligid ng parehong oras, sa pagtatapos ng ika-18 at ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, isang buong kalawakan ng mga tunay na namumukod-tanging pianista, na mga kompositor din, ay lumitaw sa iba't ibang mga bansa sa Europa, pangunahin ang Austrian Empire at Germany. Ang mga Aleman na sina Johannes Brahms at Robert Schumann, ang Pole Frederic Chopin, ang mga Austrian na sina Ludwig van Beethoven at Franz Schubert, ang Pranses na si Charles Valentin Alkan - bawat isa sa kanila ay lumikha ng maraming makikinang na mga gawa at naalala sa kanilang natatanging istilo ng pagganap. Sa pamamagitan ng paraan, sa oras na iyon sa pianismo mayroong isang nangingibabaw na tendensya patungo sa improvisasyon, paglikha ng isang bagay ng sarili, at hindi maiiwasang pagpapakilala ng mga kagiliw-giliw na pagsasaayos at orihinal na mga interpretasyon kahit na sa mga gawa ng nakaraang mga siglo at panahon.

Siyempre, hindi mabibigo ang isang tao na banggitin ang isa sa mga pinakatanyag na masters ng pianism na si Sergei Rachmaninov, na ang natatangi, hindi maihahambing na mga kasanayan sa pagganap at nakikilalang mga gawa ay nakaimpluwensya sa marami sa kanyang mga kontemporaryo at sa mga nabuhay at umalingawngaw sa ibang pagkakataon.

Ang pinakamahusay na mga pianista sa ating panahon at ang mga nabuhay sa simula hanggang kalagitnaan ng ikadalawampu siglo ay karapat-dapat ding bigyang pansin: Ignacy Paderewski, Joseph Hoffmann, Svyatoslav Richter, Alfred Cortot, Arthur Rubinstein, Harvey Lieven Van Cliburn, Wilhelm Kempff, Emil Gilels, Vladimir Ashkenazy at iba pa.

Kaya, mayroon talagang ilang mga tunay na namumukod-tanging mga dalubhasa sa pagganap ng piano, at tiyak na sa mga darating na taon ang mga taong nakatakdang humanga sa mga kritiko ng musika at mga kontemporaryo sa kanilang hindi kapani-paniwalang pagtugtog ay isisilang.

Ang pinakasikat na piyanista ay hindi si Mozart

Kung kukuha ka ng poll tungkol sa kung sino ang pinakasikat na pianist sa kasaysayan, malamang na sasagutin ng karamihan si Mozart. Gayunpaman, hindi lamang ganap na pinagkadalubhasaan ni Wolfgang Amadeus ang instrumento, ngunit isa ring likas na kompositor.

Ito ay kilala na ang natatanging memorya, hindi kapani-paniwalang kakayahang mag-improvise at ang talento ng isang mahusay na pianista ay nabuo lamang salamat sa ama ng maliit na henyo. Bilang resulta ng mga pang-araw-araw na ehersisyo sa ilalim ng banta na maikulong sa isang aparador, ang isang bata na nasa 4 na taong gulang ay madaling makapagsagawa ng sapat. kumplikadong mga gawa, nakakagulat sa iba. Hindi gaanong sikat si Salieri, na walang kislap ng henyo, ang walang hanggang kalaban ni Mozart, na hindi patas na inakusahan ng kanyang mga inapo ng kanyang pinagplanohang pagpatay.

Sa pamamagitan ng paraan, sa karamihan ng mga kaso, ang isang musikero ay nagiging isang kompositor at sa gayon ay nakakamit ng katanyagan. Samakatuwid, hindi ka dapat magulat na halos anumang makikinang na musikero ay nagiging isang pantay na sikat na kompositor. Ito ay napakabihirang na ang isang tao ay namamahala upang makamit ang katanyagan lamang bilang isang tagapalabas.

Domestic pianists

Ang kasaysayan ng musika ay alam ng maraming mga halimbawa kapag ang isang sikat na piyanista sa mas malaking lawak naging tanyag dahil sa hindi kapani-paniwalang tagumpay ng kanyang mga nilikha. Nakakatuwang malaman na maraming ganoong mga henyo ang ipinanganak sa Russia. Ang Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich ay isang maliit na bahagi lamang ng kalawakan ng mga mahuhusay na musikero ng Russia. Kabilang sa modernong mga sikat na performer Ang espesyal na pagbanggit ay dapat gawin kay Denis Matsuev, isang karapat-dapat na kahalili sa mga tradisyon ng paaralan ng musika ng Russia.

Malamang na naaalala ng sinumang ipinanganak sa Unyong Sobyet ang tagumpay na natamo niya sa mga nakaraang taon Cold War sikat at birtuoso na performer na si Van Cliburn. Ang nagwagi sa unang International Tchaikovsky Competition, ang batang Amerikanong pianista ay hindi natakot na pumunta sa isang bansang sarado sa lipunang Kanluranin. Ang unang piano concerto ni Tchaikovsky, na ginawa niya, ay naging unang platinum album sa mga klasikal na musikero.

Sa pamamagitan ng paraan, sa kasaysayan ng pianismo mayroong tatlong mga panahon, na ipinangalan sa mga dakilang pianista: Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Ang panahon ni Mozart ay kumakatawan sa klasisismo, ang panahon ni Liszt ay nailalarawan sa pamamagitan ng sopistikadong romantikismo, at ang panahon ni Rachmaninoff, nang naaayon, ay minarkahan ang simula ng modernismo. Hindi natin dapat kalimutan na kasabay ng mga sikat na musikero na ito, ang mga dakilang pianista tulad nina Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, at Chopin ay nagtatrabaho.

Mga modernong piyanista

Ang ilang mga tao ay naniniwala na ang kasagsagan ng pianismo ay tapos na, at mga modernong performer at ang mga kompositor ay halos walang maihaharap sa nasirang publiko. Gayunpaman, nilikha ang henyo na si Svyatoslav Richter sa pagtatapos ng huling siglo. Sa pangkalahatan, ang ika-20 siglo ay itinuturing ng mga eksperto bilang ang kasagsagan ng sining ng piano. Ang simula ng siglo ay minarkahan ng hitsura ng mga kahanga-hangang pianista tulad ng Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Carto at, siyempre, Rachmaninoff. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, lumitaw ang mga pangalan tulad ng Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Sina Vladimir Ashkenazy at Denis Matsuev, mga piano virtuoso, ay nagpapasaya sa mga tagahanga sa kanilang talento kahit ngayon. Ito ay malamang na ang ika-21 siglo ay mahirap sa mga talento sa musika at sa hinaharap.