Roger Fenton. Mga prutas. 1860 Graham Clarke. Ang Litrato. Oxford, 1997

Tinukoy ng Encyclopedia of Photography nina Fred at Gloria McDarr ang salitang "still life" tulad ng sumusunod: " Pangkalahatang termino para sa mga larawan ng walang buhay na mga bagay, produkto at kalakal, kadalasang ginagamit sa advertising.” Kapag ang maliliit na bagay ay inilagay sa ibabaw ng isang mesa, ang still life photography ay tinatawag minsan na "table top" na photography. Maliban sa huling paglilinaw, ang kahulugan na ito ay medyo pare-pareho sa ginamit na may kaugnayan sa pagpipinta. Kapansin-pansin, ang termino mismo ay lumitaw nang mas huli kaysa sa imahe, at nagsimula noong simula ng ika-19 na siglo. Ang kumbinasyong Pranses na nature morte (patay o nahihiya na kalikasan) ay naiiba sa English still life at German stilleben (kalma, tahimik na buhay) hindi lamang sa spelling, kundi pati na rin sa kahulugan. Sa Holland, walang iisang termino sa lahat: bawat espesyalisasyon (almusal, bulaklak bouquet, isda still lifes) ay may sariling pangalan.

Ang mga bagay na walang buhay ay naroroon sa mga gawa ng sining mula pa noong panahon ng Paleolitiko. SA magkaibang panahon mayroon silang sariling papel at kahulugan. Ang mga gawa ni Hans Holbein, Caravaggio o Johannes Vermeer ay hindi pa rin buhay, ngunit sa kanilang mga gawa ay binibigyan ito ng isang espesyal na lugar kapwa sa masining at semantiko. Bilang malayang genre ang buhay pa rin ay lumitaw lamang noong ika-17 siglo.

Ang potograpiya, na humiram ng halos lahat ng mga genre mula sa pagpipinta, ay hindi gumawa ng isang pagbubukod para sa buhay na buhay. Tulad ng ipinapakita ng kasaysayan ng photography, buhay pa rin ang hindi gaanong kinakatawan sa photographic art, bagama't nagsimula ang kuwentong ito dito. Kabilang sa mga unang heliographic na eksperimento ni Nicéphore Niépce ay isang still life na binubuo ng isang bote, kutsilyo, kutsara, mangkok at tinapay na nakahiga sa isang mesa. Gumawa si Hippolyte Bayard ng komposisyon mula sa mga plaster cast noong 1839, si Jacques-Louis Daguerre ay gumawa ng ilang still life na may mga plaster cast, maliliit na eskultura, mga painting at mga fragment ng sinaunang friezes, Henry Fox Talbot - na may mga shell at fossil. Kapansin-pansin na ang mga buhay pa rin na may mga katangian ng sining ay natagpuan din sa mga kuwadro na gawa ni Jean Baptiste Chardin.

Madalas na inuulit ng mga photographer ang komposisyon at ginamit ang parehong mga paksa bilang mga artist. Ang pahayag ni Henry Fox Talbot na "ang Dutch na paaralan ng pagpipinta ay ang aming awtoritatibong mapagkukunan sa paglalarawan ng mga bagay sa pang-araw-araw na buhay" ay tila hindi napapansin, tulad ng ebidensya, halimbawa, sa pamamagitan ng gawa nina Roger Fenton, William Lake Price at Drew Diamond . Ang mga pangunahing paksa ng gayong mga still life ay mga bulaklak, prutas o patay na laro. Sa France, ang gawa ni Adolphe Braun ay katulad ng isang photographic na bersyon ng gawa ni Jean-Baptiste Oudry, isang sikat na pintor ng korte noong ika-19 na siglo ng royal hunt ni Louis XV.

Ang mga buhay na buhay ay karaniwang kinunan sa loob ng bahay, ngunit may mga pagbubukod. Dahil sa mahinang photosensitivity ng mga maagang photographic na materyales, mas gusto ng ilang photographer na magtrabaho sa hardin o front garden. Ang anumang magagamit na mga materyales ay ginamit (hagdan, kalaykay, kartilya, balde, atbp.), na kadalasang hinahalo sa mga gamit sa bahay, sariwang bulaklak, mga puno ay katabi ng mga bagay na walang buhay. Ito ay, halimbawa, ang mga buhay pa rin ni Louis-Rémy Robert, Hippolyte Bayard at Richard Jones.

Photographic still lifes batay sa paksa ng Vanitas (Latin para sa "ghostliness", "vanity"), isang mahalagang katangian na kung saan ay ang bungo, lumitaw sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, halimbawa, ni Louis Jules Duboc-Soleil, at lumitaw paminsan-minsan sa ika-20 siglo - Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe, atbp.

Sa simula ng ika-20 siglo, ang pagkuha ng litrato ay naghahanap ng mga bagong paraan at bagay upang maisama ang genre ng still life. Ang simpleng pagkuha ng mga bagay na pinagsama-sama ay hindi na sapat. Mga kumplikadong anggulo, close-up na photography, photograms, passion para sa hugis at texture ng bagay - lahat ito ay nagbibigay ng bagong hitsura sa lumang genre. Ang hanay ng mga bagay ay lumalawak: kasama ang mga karaniwang bagay sa bahay tulad ng isang tinidor o baso, lumilitaw ang mga pang-industriya na bagay (mga kasangkapan, mga bahagi ng makina at mga kagamitan sa makina). Ang mga katulad na paghahanap ay isinagawa ni Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus photographer, Edward Weston, William Underhill at iba pa.

Ang mundo ng mga ordinaryong bagay ay muling namumulaklak sa kalagitnaan ng siglo kasama ang mga buhay pa rin ni Josef Sudek. Ang malambot na nakakalat na ilaw ay nagbibigay sa isang ordinaryong bulaklak sa isang baso ng isang liriko at mapanglaw na kalooban.

Sa ikalawang kalahati ng huling siglo, ang buhay pa rin ay lalong in demand sa industriya ng advertising. Ang masayang unyon ng komersiyo at sining ay nakapaloob sa buhay na buhay ni Irving Pena. Klasiko, naka-istilong, balintuna, ngunit laging simple at sopistikado. Salamat sa master na ito, sa kauna-unahang pagkakataon noong 1944, isang photographic still life ang gumanda sa cover ng isang fashion magazine.

Kabilang sa mga litratista ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo na nagtrabaho sa genre na ito, isang espesyal na lugar ang pagmamay-ari ni Boris Smelov. Ang kanyang classic still lifes mula sa mga bagay ng sinaunang St. Petersburg buhay ay nakikilala sa pamamagitan ng perpektong komposisyon at hindi nagkakamali na pamamaraan. Si Joel-Peter Witkin ay isang walang kapantay na master ng "nakakagulat" na buhay pa rin. Ang pagsasalin mula sa Pranses na "patay na kalikasan" sa kasong ito ay tumpak na sumasalamin sa mga predilections ng may-akda - iba't ibang bahagi katawan ng tao sa kanilang sarili (“Torso”) o naka-frame ng mga bulaklak at prutas (“Ulo ng Babae”, “Pista ng mga Mangmang”, atbp.).

Sa dami ng mga termino, ang photographic still life ay mas mababa kaysa sa iba pang mga genre, na lumalabas lamang nang paminsan-minsan sa gawa ng isa o ibang may-akda. Pag-leaf sa mga libro sa kasaysayan ng photography at mga katalogo ng koleksyon mga pangunahing museo, ang pagkakataong makahanap ng hiwalay na seksyon na nakatuon sa buhay na buhay ay halos zero.

graduate na trabaho

1. Kasaysayan ng pag-unlad ng buhay pa

Sa fine art, ang isang still life (mula sa French natur morte - "dead nature") ay karaniwang tinatawag na isang imahe. walang buhay na mga bagay, pinagsama sa iisang compositional group. Para sa marami, mas pamilyar ang Aleman o Ingles na bersyon ng pagtatalagang still life at still leben (tahimik na buhay). Sa Dutch, ang pagtatalaga ng genre na ito ay parang tahimik, iyon ay, "tahimik na buhay", sa opinyon ng maraming mga artista at kritiko ng sining ito ang pinakatumpak na pagpapahayag ng kakanyahan ng genre, ngunit ganoon ang lakas ng tradisyon. na ang "still life" ay isang kilala at pinag-ugat na pangalan. Ang isang still life ay maaaring magkaroon ng parehong independiyenteng kahulugan at maging mahalaga bahagi komposisyon ng isang genre painting. Ang isang still life ay nagpapahayag ng saloobin ng isang tao sa mundo sa paligid niya. Inilalahad nito ang pag-unawa sa kagandahan na likas sa artista bilang isang tao sa kanyang panahon.

Ang buhay pa rin bilang isang independiyenteng genre ay lumitaw sa Flanders at Holland sa pagpasok ng ika-16 at ika-17 siglo, mabilis na nakamit ang pambihirang pagiging perpekto sa paghahatid ng pagkakaiba-iba ng mga bagay ng materyal na mundo. Ang proseso ng pagbuo ng still life ay nagpatuloy sa halos parehong paraan sa maraming bansa. Kanlurang Europa. Ngunit kung kukunin natin ang kasaysayan ng sining bilang isang buo, kung gayon ang unang yugto sa pag-unlad ng buhay pa rin ay nagsimula noong panahong Paleolitiko. Mayroong dalawang pangunahing pamamaraan na ginamit ng mga sinaunang artista: naturalismo at dekorasyon. Pagkatapos ang dalawang trend na ito ay nagsimulang magkalapit, at isang "semi-conscious" na buhay pa rin ang lilitaw, isang imahe ng mga indibidwal na bahagi ng isang bagay. Ang isang tunay na buong bagay ay matatagpuan lamang sa Panahon ng Tanso. Ang ikalawang yugto sa pag-unlad ng still life ay umabot sa rurok nito sa sining ng Egypt. Ang mga bagay ay palaging inilalarawan na nakahiwalay sa isa't isa. Sa unang pagkakataon, ipinakilala ang motif ng bulaklak, ang tema ng mga pinutol na halaman. Lumilitaw ang mga kaugnay na proporsyon sa mga gawa ng sining ng Aegean. Ang mga bagay ay inilalarawan sa tatlong-kapat, na nakaayos sa mga pangkat. Ipinagpatuloy ang mga tradisyon ng pagpipinta ng Aegean kulturang Griyego. Maaari nating hatulan ang genre ng fine art na ito sa pamamagitan ng mga vase. Ang mga bagay ay hindi na nakabitin sa hangin, ngunit may sariling " tunay na lugar"sa kalawakan: isang kalasag na nakasandal sa isang puno, isang mantle na itinapon sa isang sanga - ang tinatawag na "nakabitin" na buhay pa. din sa mga skit sa paaralan Ang isang "musical" still life ay madalas na inilalarawan. Ang isa pang uri ng Greek still life ay maaaring makilala: "antigo". Gumagawa ang mga artista ng mga larawan ng mga workshop: mga piraso ng estatwa, lagari, martilyo, mga sketch plate. Halos imposibleng makahanap ng mga larawan ng mga bulaklak at hayop sa mga plorera ng Greek.

Sa medyebal na sining, bilang isang resulta ng fragmentation ng komposisyon, ang paghahati ng pagpipinta sa mga natatanging rehistro, ang bagay ay nagiging isang katangian, at hindi ang bagay ng imahe. Ang dekorasyon ay patuloy na gumaganap ng isang mahalagang papel, lalo na aktibong ginagamit sa stained glass. mga Katolikong katedral. Ang malupit, marubdob na asetiko na sining ng Byzantium, na lumilikha ng walang kamatayan, napakalaking pangkalahatan, napakahusay na kabayanihan na mga imahe, gumamit ng mga larawan ng mga indibidwal na bagay na may pambihirang pagpapahayag.

Sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia, isang malaking papel ang ginampanan din ng ilang mga bagay na ipinakilala ng artist sa kanyang mahigpit na kanonikal na mga gawa. Nagdala sila ng spontaneity, sigla, at kung minsan ay tila isang bukas na pagpapahayag ng damdamin sa isang gawaing nakatuon sa isang abstract na mitolohiyang balangkas.

Ang buhay pa rin ay may mas malaking papel sa mga pagpipinta mga artista XV-XVI siglo sa panahon ng Renaissance. Ang pintor, na sa unang pagkakataon ay nagbigay pansin sa mundo sa paligid niya, ay naghangad na ipahiwatig ang lugar at matukoy ang halaga ng bawat bagay na nagsisilbi sa tao. Ang mga gamit sa bahay ay nakakuha ng maharlika at ipinagmamalaki na kahalagahan ng kanilang may-ari, ang kanilang pinaglingkuran. Sa malalaking canvases, ang buhay na walang buhay ay karaniwang sumasakop sa isang napakasimpleng lugar: isang basong sisidlan na may tubig, isang eleganteng pilak na plorera o pinong mga puting liryo sa manipis na mga tangkay na kadalasang nakakulong sa sulok ng larawan. Gayunpaman, sa paglalarawan ng mga bagay na ito ay mayroong napakaraming mala-tula na pag-ibig sa kalikasan, ang kanilang kahulugan ay lubos na na-espirituwal na dito mo na makikita ang lahat ng mga tampok na kalaunan ay tumutukoy sa independiyenteng pag-unlad ng buong genre.

Ang mga bagay at materyal na elemento ay nakatanggap ng bagong kahulugan sa mga pagpipinta noong ika-17 siglo - sa panahon ng nabuong genre ng still life. Sa mga kumplikadong komposisyon na may banghay na pampanitikan pumalit sila kasama ang iba pang mga bayani ng gawain. Ang pagsusuri sa mga gawa sa panahong ito, makikita ng isa kung ano ang isang mahalagang papel na sinimulan ng buhay pa rin sa pagpipinta. Nagsimulang lumitaw ang mga bagay sa mga akdang ito bilang pangunahing mga tauhan, na nagpapakita kung ano ang maaaring makamit ng isang artista sa pamamagitan ng paglalaan ng kanyang kakayahan sa ganitong uri ng sining.

Ang mga bagay na ginawa ng dalubhasa, masipag, matalinong mga kamay ay nagtataglay ng bakas ng mga iniisip, pagnanasa, at hilig ng isang tao. Pinaglilingkuran nila siya, nagpapasaya sa kanya, at nagbibigay-inspirasyon sa kanya ng isang lehitimong pakiramdam ng pagmamalaki. Ito ay hindi para sa wala na natutunan natin ang tungkol sa mga panahon na matagal nang nawala sa balat ng lupa mula sa mga pira-pirasong pinggan, kagamitan sa bahay at mga bagay na ritwal na naging nakakalat na mga pahina ng kasaysayan ng tao para sa mga arkeologo.

Ang pagsilip sa mundo sa paligid niya, ang pagtagos sa mga batas nito na may matanong na pag-iisip, pag-alis ng mga kaakit-akit na misteryo ng buhay, ang artist ay sumasalamin dito nang mas ganap at komprehensibo sa kanyang sining. Hindi lamang niya inilalarawan ang mundo sa paligid niya, ngunit ipinapahayag din ang kanyang pag-unawa, ang kanyang saloobin sa katotohanan.

Ang kasaysayan ng pagbuo at pag-unlad ng iba't ibang genre ng pagpipinta ay isang buhay na patotoo sa walang kapagurang trabaho kamalayan ng tao, nagsusumikap na yakapin ang walang katapusang iba't ibang mga aktibidad at maunawaan ang mga ito sa estetikong paraan. Ang genre ng still life ay nahayag lalo na sa Dutch proto-Renaissance painting. Ito ay bahagi pa rin ng interior, ngunit ang pag-ibig ng mga artista sa detalye ay lumilikha ng mga kamangha-manghang maliliit na buhay: mga pinggan, isang mesa ng trabaho, mga sapatos na nakatayo sa sahig. Ang lahat ng ito ay inilalarawan na may parehong pag-ibig tulad ng mga pigura ng mga tao at mga santo. Sa Italya, lumilitaw ang buhay na buhay mula sa tanawin. Kasunod nito, ang bagay ay tumatanggap ng isang uri ng independiyenteng aktibidad at nagiging kalahok sa aksyon. Mula noong proto-Renaissance, ang layunin ng mundo ay naging mas at mas makatotohanan, kung minsan kahit na halos nasasalat. Ito ay tumigil sa pagiging prop, ngunit nagiging pang-araw-araw na buhay. Noong ika-16 na siglo, ang mga artista Hilagang Renaissance Nagsisimula silang ilantad ang mga bagay, pinupunit ang kanilang mga takip (halimbawa, balat mula sa mga hayop).

Ang buhay pa rin ay isang medyo batang genre. Nagkamit ito ng independiyenteng kahalagahan sa Europa noong ika-17 siglo lamang. Ang kasaysayan ng pag-unlad ng still life ay kawili-wili at nakapagtuturo. Ang buhay pa rin ay umunlad lalo na nang buo at maliwanag sa Flanders at Netherlands. Ang buhay pa rin ay sa wakas ay itinatag bilang isang malayang genre ng pagpipinta. Ang paglitaw nito ay konektado sa mga rebolusyonaryong makasaysayang kaganapan, bilang isang resulta kung saan ang mga bansang ito, na nakakuha ng kalayaan, ay pumasok sa landas ng burges na pag-unlad sa simula ng ika-17 siglo. Para sa Europa noong panahong iyon, ito ay isang mahalaga at progresibong kababalaghan. Nagbukas ang mga bagong abot-tanaw para sa sining. Ang mga makasaysayang kondisyon at mga bagong relasyon sa lipunan ay nagdirekta at nagpasiya ng mga malikhaing kahilingan at pagbabago sa paglutas ng mga problemang kinakaharap ng pintor. Nang walang direktang paglalarawan makasaysayang mga pangyayari, ang mga artista ay tumingin sa mundo, nakakita ng mga bagong halaga sa tao. Buhay, pang-araw-araw na buhay, ay lumitaw sa harap nila na may hindi kilalang kahulugan at pagkakumpleto. Naakit sila sa mga kakaibang buhay ng bansa, katutubong kalikasan, mga bagay na nagtataglay ng imprint ng mga paggawa at araw ordinaryong mga tao. Ito ay mula rito, mula sa isang mulat, malalim na interes sa buhay ng mga tao, na hinimok ng mismong sistema, na lumitaw ang hiwalay at independiyenteng mga genre ng pang-araw-araw na pagpipinta, tanawin, at buhay na buhay.

Ang sining ng buhay pa rin, na binuo noong ika-17 siglo, ay tumutukoy sa mga pangunahing katangian ng genre na ito. Pagpipinta, nakatuon sa kapayapaan mga bagay, pinag-uusapan ang mga pangunahing katangian na likas sa mga bagay na nakapalibot sa isang tao, nagsiwalat ng saloobin ng artist at kontemporaryo sa kung ano ang inilalarawan, ipinahayag ang kalikasan at pagkakumpleto ng kaalaman sa katotohanan. Ang pintor ay naghatid ng materyal na pagkakaroon ng mga bagay, ang kanilang dami, timbang, texture, kulay, functional na halaga ng mga gamit sa bahay, ang kanilang buhay na koneksyon sa aktibidad ng tao. Ang kagandahan at pagiging perpekto ng mga kagamitan sa sambahayan ay natutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng kanilang pangangailangan, kundi pati na rin ng kasanayan ng kanilang lumikha. Ang tahimik na buhay ng rebolusyonaryong panahon ng matagumpay na burgesya ay sumasalamin sa paggalang ng artista sa mga bagong anyo ng pambansang buhay ng kanyang mga kababayan at paggalang sa trabaho.

Binuo noong ika-17 siglo, ang mga gawain ng genre sa pangkalahatang balangkas umiral sa European school hanggang kalagitnaan ng ika-19 siglo. Gayunpaman, hindi ito nangangahulugan na ang mga artista ay hindi nagtakda ng kanilang sarili ng mga bagong gawain, na mekanikal na inuulit ang mga handa na solusyon.

Sa paglipas ng mga panahon, hindi lamang ang mga pamamaraan at pamamaraan ng pagpipinta ng isang still life ang nagbago, ngunit ang artistikong karanasan ay naipon, at sa proseso ng pagbuo ay nabuo ang isang mas kumplikado at patuloy na nagpapayaman na pananaw sa mundo.

Paglikha ng malikhaing maliliwanag na accent sa silid ng mga bata, na ginawa gamit ang batik technique

Ang batik ay isang disenyo na inilapat sa isang espesyal na paraan. Ito ay tungkol tungkol sa ang orihinal na paraan pagdekorasyon ng tela sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pattern na may tinunaw na wax, na sinusundan ng pagpinta sa mga bahagi ng tela na nanatiling walang takip...

Mga teknolohikal na tampok ng pagganap ng still life sa graphics

Ang kasaysayan ng mga graphic bilang isang anyo ng sining ay bumalik sa ilang libong taon. Ang graphics ay ang pinakaluma sa lahat ng sining...

Mga tradisyon at inobasyon sa sining ng mga impresyonistang artista

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga pintor ng Pransya ay bahagi ng sistema, na nakakaranas ng impluwensya ng isang kumplikadong institusyong propesyonal na may mga departamento sa lahat ng pangunahing uri ng sining...

Kultura ng sining Klasikong France

Upang maunawaan kung bakit nagmula ang kilusang sining na ito at nakakuha ng ganitong katanyagan sa France, buksan natin ang kasaysayan ng estadong ito. maagang XVII siglo. Matapos ang pagpatay kay Haring Henry IV noong 1610, opisyal hanggang 1614...

Japanese animation

Ang paglitaw ng anime Ang unang Japanese animated na pelikula ay lumabas noong 1917. Ang mga ito ay maliliit na pelikula na mula isa hanggang limang minuto ang haba, at ang mga ito ay ginawa ng mga solong artista...

Japanese minimalism sa disenyo

Ang mga unang simula ng minimalism sa Europa ay natagpuan na noong ika-18 siglo: noong 1777, ang pinakadakilang makatang Aleman, pilosopo at pintor na si Johann Wolfgang Goethe ay nagtayo ng isang natatanging eskultura sa hardin ng kanyang tahanan sa tag-araw sa Weimar...

Ang buhay pa rin sa pagpipinta ay isang imahe ng mga static na walang buhay na bagay na pinagsama sa isang solong grupo. Ang isang still life ay maaaring iharap bilang isang independiyenteng pagpipinta, ngunit kung minsan ito ay nagiging bahagi ng komposisyon ng isang eksena sa genre o isang buong pagpipinta.

Ano ang buhay pa rin?

Ang ganitong pagpipinta ay ipinahayag sa subjective na saloobin ng isang tao sa mundo. Ipinapakita nito ang likas na pag-unawa ng master sa kagandahan, na nagiging sagisag ng mga pagpapahalagang panlipunan at ang aesthetic na ideal ng panahon. Ang buhay pa rin sa pagpipinta ay unti-unting nabago sa isang hiwalay makabuluhang genre. Ang prosesong ito ay tumagal ng daan-daang taon, at ang bawat bagong henerasyon ng mga artista ay naiintindihan ang mga canvases at kulay ayon sa mga uso ng panahon.

Ang papel ng still life sa komposisyon ng isang pagpipinta ay hindi limitado sa simpleng impormasyon, isang random na karagdagan sa pangunahing nilalaman. Depende sa makasaysayang mga kondisyon at panlipunang mga pangangailangan, ang mga bagay ay maaaring magkaroon ng higit o hindi gaanong aktibong bahagi sa paglikha ng isang komposisyon o isang indibidwal na imahe, na nakakubli sa isa o ibang layunin. Ang buhay pa rin sa pagpipinta bilang isang malayang genre ay idinisenyo upang mapagkakatiwalaang ihatid ang kagandahan ng mga bagay na nakapaligid sa isang tao araw-araw.

Minsan ang isang hiwalay na detalye o elemento ay biglang nakakuha ng malalim na kahulugan, tumatanggap ng sarili nitong kahulugan at tunog.

Kwento

Bilang isang luma at iginagalang na genre, ang still life painting ay nakakita ng mga tagumpay at kabiguan. Ang malubha, asetiko at minimalist ay tumulong sa paglikha ng walang kamatayan, monumental, pangkalahatan, kahanga-hangang kabayanihan na mga imahe. Nasiyahan ang mga iskultor sa imahe na may pambihirang pagpapahayag indibidwal na mga bagay. Ang mga uri ng still life sa pagpipinta at lahat ng uri ng klasipikasyon ay lumitaw sa panahon ng pagbuo ng kritisismo sa sining, bagaman ang mga canvases ay umiral nang matagal bago naisulat ang unang aklat-aralin.

Mga tradisyong iconograpiko at buhay pa rin

Sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia, isang malaking papel ang ginampanan ng ilang mga bagay na pinangahasan ng artista na ipakilala sa mahigpit na laconicism ng mga kanonikal na gawa. Nag-aambag sila sa pagpapakita ng lahat ng kaagad at ipinapakita ang pagpapahayag ng mga damdamin sa trabaho na nakatuon sa isang abstract o mythological na paksa.

Ang mga uri ng still life sa pagpipinta ay umiiral nang hiwalay sa mga icon painting, bagaman ang mahigpit na canon ay hindi nagbabawal sa paglalarawan ng ilang mga bagay na likas sa genre.

Buhay pa rin ang Renaissance

Gayunpaman, ang mga gawa noong ika-15-16 na siglo ay may malaking papel sa panahon ng Renaissance. Ang pintor ay unang nakakuha ng pansin sa mundo sa paligid niya at hinahangad na matukoy ang kahulugan ng bawat elemento sa paglilingkod sa sangkatauhan.

Ang modernong pagpipinta at buhay pa rin bilang isang sikat at minamahal na genre ay nagmula sa panahon ng Tricento. Ang pang-araw-araw na mga bagay ay nakakuha ng isang tiyak na maharlika at kahalagahan ng may-ari na kanilang pinaglilingkuran. Sa malalaking canvases, ang buhay pa rin, bilang panuntunan, ay mukhang napakahinhin at maingat - garapon ng salamin na may tubig, ang pilak ng isang eleganteng plorera o pinong mga liryo sa manipis na mga tangkay ay mas madalas na nakasiksik sa isang madilim na sulok ng larawan, tulad ng mga mahihirap at nakalimutang kamag-anak.

Gayunpaman, napakaraming pag-ibig sa imahe ng magaganda at malapit na mga bagay sa anyong patula na ang modernong pagpipinta, buhay pa at ang papel nito dito ay nahihiyang nakikita sa mga puwang ng mga tanawin at mabibigat na kurtina ng mga eksena sa genre.

Mahalagang sandali

Ang mga paksa ay nakakuha ng isang tunay na elemento sa mga pagpipinta at bagong kahulugan noong ika-17 siglo - isang panahon kung saan ang buhay na may mga bulaklak ay laganap at nangingibabaw. Ang ganitong uri ng mga pagpipinta ay nakakuha ng maraming tagahanga sa mga maharlika at klero. Sa mga kumplikadong komposisyon na may binibigkas na pampanitikan storyline ang mga eksena ay nakakuha ng kanilang lugar kasama ang mga pangunahing tauhan. Sa pagsusuri sa mga gawa ng panahon, madaling mapansin na ang mahalagang papel ng buhay na buhay ay katulad na ipinakita sa panitikan, teatro at eskultura. Ang mga bagay ay nagsimulang "kumilos" at "mabuhay" sa mga gawaing ito - ipinakita sila bilang pangunahing mga karakter, na nagpapakita ng pinakamahusay at pinakakapaki-pakinabang na mga aspeto ng mga bagay.

Ang mga bagay ng sining na ginawa ng masisipag at mahuhusay na manggagawa ay nagtataglay ng personal na imprint ng mga kaisipan, pagnanasa, at hilig. tiyak na tao. ang pagpipinta ay ang pinakamahusay mga pagsusulit sa sikolohikal tumulong na subaybayan ang kalagayang psycho-emosyonal at makamit ang panloob na pagkakaisa at integridad.

Ang mga bagay ay matapat na naglilingkod sa isang tao, na pinapalitan ang kanyang kasiyahan sa pang-araw-araw na mga bagay at nagbibigay-inspirasyon sa kanilang mga may-ari na makakuha ng mga bagong magaganda, eleganteng maliliit na bagay.

Flemish Renaissance

Hindi agad tinanggap ng mga tao ang pagpipinta ng gouache at still life bilang isang genre. Ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at malawakang pagpapatupad ng iba't ibang ideya at prinsipyo ay nagsisilbing paalala ng patuloy na pag-unlad ng pag-iisip. Ang buhay pa rin ay naging sikat at sunod sa moda noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang genre ay nagsimula sa Netherlands, maliwanag at maligaya Flanders, kung saan ang kalikasan mismo ay nag-aanyaya sa kagandahan at kasiyahan.

Ang pagpipinta ng gouache at still life ay umunlad sa panahon ng napakalaking pagbabago, isang kumpletong pagbabago sa mga institusyong pampulitika, panlipunan at relihiyon.

Kasalukuyang Flanders

Ang burges na direksyon ng pag-unlad sa Flanders ay naging isang bago at pag-unlad para sa buong Europa. Pagbabago sa buhay pampulitika humantong sa mga katulad na pagbabago sa kultura - ang mga abot-tanaw na nagbukas para sa mga artista ay hindi na limitado ng mga pagbabawal sa relihiyon at hindi na sinusuportahan ng mga nauugnay na tradisyon.

Ang buhay pa rin ay naging punong barko ng isang bagong sining na niluwalhati ang lahat ng natural, maliwanag at maganda. Ang mga mahigpit na canon ng Katolisismo ay hindi na pinigilan ang paglipad ng imahinasyon at pag-usisa ng mga pintor, at samakatuwid, kasama ng sining, ang agham at teknolohiya ay nagsimulang umunlad.

Ang mga karaniwang pang-araw-araw na bagay at bagay, na dating itinuturing na base at hindi karapat-dapat na banggitin, ay biglang tumaas sa antas ng mga bagay ng malapit na pag-aaral. Pandekorasyon na pagpipinta, ang still life at landscape ay naging isang tunay na salamin ng buhay - araw-araw na gawain, diyeta, kultura, mga ideya tungkol sa kagandahan.

Mga katangian ng genre

Ito ay mula rito, mula sa isang mulat, malalim na pag-aaral ng nakapaligid na mundo, na nabuo ang isang hiwalay na genre ng pang-araw-araw na pagpipinta, tanawin, at buhay pa rin.

Ang sining, na nakakuha ng ilang mga canon noong ika-17 siglo, ay tumutukoy sa pangunahing kalidad ng genre. Ang isang pagpipinta na nakatuon sa mundo ng mga bagay ay naglalarawan ng mga pangunahing katangian na likas sa mga bagay na nakapaligid sa isang tao, nagpapakita ng saloobin ng master at ang kanyang hypothetical na kontemporaryo sa kung ano ang ipinapakita, ay nagpapahayag ng kalikasan at pagkakumpleto ng kaalaman tungkol sa katotohanan. Ang artist ay kinakailangang ihatid ang materyal na pagkakaroon ng mga bagay, ang kanilang dami, timbang, mga texture, mga kulay, ang functional na layunin ng mga gamit sa bahay at ang kanilang mahalagang koneksyon sa aktibidad ng tao.

Mga gawain at problema ng buhay pa

Ang pandekorasyon na pagpipinta, buhay pa rin at pang-araw-araw na mga eksena ay sumisipsip sa mga bagong uso ng panahon - isang pag-alis mula sa mga canon at sa parehong oras na pinapanatili ang konserbatibong naturalismo ng imahe.

Ang buhay pa rin ng rebolusyonaryong panahon sa panahon ng kumpletong tagumpay ng burgesya ay sumasalamin sa paggalang ng artista sa mga bagong anyo ng pambansang buhay ng kanyang mga kababayan, paggalang sa gawain ng mga ordinaryong artisan, paghanga sa magagandang larawan kagandahan.

Ang mga problema at gawain ng genre sa kabuuan, na nabuo noong ika-17 siglo, ay hindi tinalakay sa mga paaralan sa Europa hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Samantala, patuloy na itinatakda ng mga artista ang kanilang sarili ng mga bago at bagong gawain, at hindi nagpatuloy sa mekanikal na paggawa ng mga handa na komposisyonal na solusyon at mga scheme ng kulay.

Mga modernong canvases

Ang mga larawan ng mga still life para sa pagpipinta, na inihanda sa mga modernong studio, ay malinaw na nagpapakita ng pagkakaiba sa pagitan ng pang-unawa sa mundo ng isang kontemporaryo at isang tao ng Middle Ages. Ang dynamics ng mga bagay ngayon ay lumampas sa lahat ng naiisip na limitasyon, at ang static na katangian ng mga bagay ay ang pamantayan para sa oras na iyon. Ang mga kumbinasyon ng kulay ng ika-17 siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang ningning at kadalisayan ng kulay. Ang mga rich shade ay magkatugma sa komposisyon at binibigyang diin ang mga intensyon at ideya ng artist. Ang kawalan ng anumang canon sa pinakamahusay na posibleng paraan naiimpluwensyahan pa rin ang mga buhay ng ika-20 at ika-21 siglo, kung minsan ay tumatama sa imahinasyon ng kanilang kapangitan o sadyang pagkakaiba-iba.

Ang mga pamamaraan para sa paglutas ng mga problema sa still life ay mabilis na nagbabago bawat dekada; ang mga pamamaraan at pamamaraan ay hindi nakakasabay sa imahinasyon ng mga kinikilala at hindi masyadong kinikilalang mga master.

Ang halaga ng mga pagpipinta ngayon ay nakasalalay sa pagpapahayag ng katotohanan sa pamamagitan ng mga mata ng mga kontemporaryong artista; sa pamamagitan ng embodiment sa canvas, lumitaw ang mga bagong mundo na makakapagsabi ng maraming tungkol sa kanilang mga lumikha sa mga tao sa hinaharap.

Impresyonistang impluwensya

Ang susunod na milestone sa kasaysayan ng still lifes ay impresyonismo. Ang buong ebolusyon ng direksyon ay makikita sa mga komposisyon sa pamamagitan ng mga kulay, pamamaraan at pag-unawa sa espasyo. Ang mga huling romantiko ng milenyo ay naglipat ng buhay tulad ng sa canvas - mabilis, maliwanag na mga stroke at nagpapahayag na mga detalye ang naging mga pundasyon ng estilo.

Pagpipinta, buhay pa rin mga kontemporaryong artista tiyak na taglay ang imprint ng kanilang mga impresyonistang inspirasyon sa pamamagitan ng kulay, pamamaraan at pamamaraan ng paglalarawan.

Isang pag-alis mula sa mga karaniwang canon ng klasisismo - tatlong mga plano, isang sentral na komposisyon at mga makasaysayang bayani- pinahintulutan ang mga artista na bumuo ng kanilang sariling pang-unawa sa kulay at liwanag, pati na rin upang malinaw at malinaw na ipakita ang libreng paglipad ng mga emosyon sa madla.

Ang mga pangunahing gawain ng mga impresyonista ay pagbabago pamamaraan ng pagpipinta at ang sikolohikal na nilalaman ng larawan. At ngayon, kahit na alam ang sitwasyon ng panahong iyon, mahirap hanapin ang tamang sagot sa tanong kung bakit ang mga impresyonistang tanawin, kasing saya at talino ng tula, ay nagdulot ng matinding pagtanggi at bastos na pangungutya mula sa mga mapiling kritiko at naliwanagan na publiko.

Ang impresyonistang pagpipinta ay hindi umaangkop sa pangkalahatang tinatanggap na balangkas, kaya ang mga buhay at tanawin ay itinuturing na isang bagay na bulgar, hindi karapat-dapat na kilalanin kasama ng iba pang pag-aaksaya ng mataas na sining.

Isang art exhibition na naging isang uri ng aktibidad ng misyonero para sa mga sikat na artista noong panahong iyon, ay naabot ang mga puso at nagpakita ng kagandahan at kagandahan. Ang mga larawan ng mga bagay at bagay sa lahat ng magagamit na paraan ay naging pangkaraniwan kahit na sa loob ng mga pader ng mga kakila-kilabot na institusyon na nagpapakilala lamang ng mga prinsipyo klasikal na sining. Ang matagumpay na prusisyon ng mga still life painting ay hindi tumigil mula noong katapusan ng ika-19 na siglo, at ang iba't ibang genre at diskarte ngayon ay nagpapahintulot sa isa na huwag matakot sa anumang mga eksperimento na may kulay, mga texture at mga materyales.

Ano ang buhay pa rin?

Ang buhay pa rin ay isang genre ng pagpipinta na naglalarawan walang buhay na kalikasan. Ang genre ay nagmula noong ika-17 siglo.

Ang buhay pa rin ay, una sa lahat, nakakagulat at kawili-wili dahil ginagawa nitong makita ng mga tao ang kagandahan at pagkakaisa sa araw-araw, nakakainip na mga bagay na patuloy na nakapaligid sa atin, ngunit hindi nakakaakit ng ating pansin.

Ang genre ay hindi kasing simple ng tila sa unang sulyap: sa karamihan ng mga kuwadro na ito, ang mga artista ay gumagamit ng alegorya - sinubukan nila ang isang tiyak na hanay ng mga bagay, ang kanilang pag-aayos, mga napiling kulay, pangkalahatang komposisyon sabihin sa mga tao ang isang bagay na mahalaga, ihatid kung ano ang ikinababahala nila, sabihin sa kanila ang tungkol sa kanilang mga damdamin at iniisip.

Sa kabila ng madilim na salin na "dead nature", madalas makulay ang mga canvases Matitingkad na kulay, galakin ang manonood sa kanilang pagka-orihinal at quirkiness, gisingin ang pagnanais na mabuhay at humanga sa mundo sa kanilang paligid, upang makita ang kagandahan sa loob nito.

Maraming uri at subtype ng still life, halimbawa, plot-thematic, creative, educational-creative, educational. Hinahati din sila ayon sa mga kulay na ginamit, pag-iilaw, pangkulay, oras ng pagpapatupad, lokasyon, atbp.

Ang mga nagtatag ng still life bilang isang independent genre ay ang Dutch at Flemish artist. Sa una, ang mga kuwadro na gawa ay lumitaw sa relihiyosong paggamit. Gayundin sa panahon ng kapanganakan ng genre, mga kuwadro na gawa ng isang madilim na kalikasan na may malalim pilosopikal na kahulugan At madilim na tono, sa gitna ng komposisyon, na kinabibilangan ng mga bungo, kandila at ilang iba pang katangian. Pagkatapos, unti-unting umuunlad, ang genre ay sumisipsip ng higit at higit pang mga bagong direksyon at paulit-ulit na naging mas laganap sa lahat ng mga lupon ng lipunan. Bulaklak, libro, gulay at prutas, seafood, pinggan at iba pang gamit sa bahay - lahat ay makikita sa sining. Ilan sa mga sikat na still life artist ay sina Ambrosius Buschaert, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aalst, Cornelis Briese.

Cezanne, Paul. Buhay pa rin na may granada at peras. 1885-1890
Cezanne, Paul. Still life na may mga mansanas at dalandan. 1895-1900

Sa Russia lumitaw ang genre maagang XVIII siglo, ngunit walang sinuman ang seryosong nag-aral nito; ito ay itinuturing na isang "mas mababang" genre. Sa simula ng ika-20 siglo, ang pagpipinta ng still life ay umabot sa pinakamalaking pag-unlad nito; nilikha ng mga artista ang kanilang mga obra maestra, nagtakda ng mga bagong layunin para sa kanilang sarili at naabot ang hindi masasabing mga taluktok sa kasanayan, ginamit hindi pangkaraniwang mga pamamaraan, mga napiling bagong larawan. Ang buhay pa rin ng Ruso, hindi katulad ng mga Kanluranin, ay hindi unti-unting umunlad, ngunit sa isang pinabilis na tulin. Nagtatrabaho sa genre na ito, naging sikat ang mga artistang Ruso tulad ng K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov at marami pang iba.

I. Levitan I. Levitan

Sa modernong pagpipinta, ang buhay pa rin ay sumasailalim sa isang bagong pagtaas at ngayon ay matatag na sumasakop sa nararapat na lugar nito sa iba pang mga genre ng pinong sining. Ngayon ito ay isa sa mga pinakasikat na lugar sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng isang malaking bilang ng mga pagkakataon para sa self-realization sa pagkamalikhain, ang mga artist ay nagpinta ng iba't ibang uri ng still lifes. At ang mga manonood, naman, ay bumibili ng mga kuwadro na gawa, pinalamutian ang kanilang mga interior sa kanila, pinasisigla ang kanilang tahanan at nagdudulot ng kaginhawahan at kagalakan dito. Ang mga museo ay patuloy na pinupunan ng mga buhay na buhay, parami nang parami ang mga bagong eksibisyon na nagbubukas sa iba't ibang mga lungsod at bansa, na umaakit sa mga madla ng mga manonood na interesado sa sining. Pagkalipas ng ilang siglo, na dumaan sa isang mahaba, ganap na landas ng pag-unlad, ang buhay pa rin ay may kaugnayan at hindi nawala ang kahalagahan nito sa pagpipinta ng mundo.

Mga tagubilin

Ang buhay pa rin bilang isang genre ay hindi kaagad lumitaw; sa loob ng mahabang panahon, ang mga kuwadro na naglalarawan ng mga bulaklak at mga gamit sa bahay ay ginamit bilang karagdagan sa pag-frame sa iba pang mga pagpipinta, pati na rin ang dekorasyon sa mga pintuan ng muwebles. Ang mga unang independiyenteng pagpipinta ay lumitaw noong ika-17 siglo. Pagkatapos ay nagsimulang gamitin ang mga larawan ng mga bagay bilang mga alegorya, at ang bawat bagay ay may karagdagang simbolikong kahulugan. Nang maglaon, ang buhay pa rin ay naging tanyag sa mga artista, ngunit itinuturing na isang mababang genre.

Mayroong ilang mga uri ng still life, ang isa sa pinakauna at pinakakaraniwan ay ang flower still life, ang susunod na pinakasikat ay ang still life ng isang set table. Ang simbolikong buhay na buhay ay patuloy ding umiiral. Ang isa pang uri na medyo kamakailan ay lumitaw ay abstract still life; sa istilong ito, ang mga bagay ay hindi inilalarawan nang realistiko, ang mga anyo ay eskematiko, at ang mga kulay ay walang makinis na paglipat.

Kung interesado ka sa pagguhit, malamang na nakagawa ka na ng maraming mga guhit at pagpipinta sa genre na ito. Upang gumuhit ng isang still life, hindi mo kailangang mag-aksaya ng oras at pagsisikap sa paghahanap ng mga kawili-wiling bagay na iguguhit; maaari kang palaging gumuhit magandang komposisyon mula sa mga bagay na laging nasa kamay. Gumamit ng drapery bilang background; ang isang maliit na piraso ng tela ay magiging maayos. Ayusin ang mga bagay upang makakuha ka ng ilang mga plano, tandaan na ang mga bagay Malaki ang mga mas maliit ay dapat nasa background at sa harap nila. Maglagay ng karagdagang pinagmumulan ng kulay sa gilid, magbibigay ito ng dami ng mga bagay. Ang regular na pagsasanay na may ganitong mga setting ay magbibigay-daan sa iyo upang mahasa ang iyong mga kasanayan sa pagguhit.

Video sa paksa

Mga Pinagmulan:

• Komposisyon sa buhay pa
• Ano ang buhay pa

Mabuti buhay pa ay ipinanganak nang matagal bago ka pumili ng pintura at brush. Ang tagumpay ay nakasalalay sa kung paano mo pipiliin ang mga bagay na iyong iguguhit at kung paano mo ito inaayos sa espasyo.

Mga tagubilin

Bumuo ng isang tema para sa iyong still life. Siyempre, maaari mong ilagay ang lahat ng mga item sa mesa nang sabay-sabay, ngunit ang mga bahagi na pinagsama ng isang kuwento, na hinulaan ng personalidad ng kanilang may-ari, o hindi bababa sa istilo, ay magiging mas lohikal.

Pagbukud-bukurin ang lahat ng mga bahagi ayon sa hugis. Maipapayo na ito ay iba-iba - maghanap ng mga bagay na mataas at mababa, malawak at makitid. Kung hindi, ang monotony ng mga hugis sa larawan ay hahantong sa lahat ng paghahalo sa isang masa at mga bagay na simpleng "nahuhulog" ng paningin.

Siguraduhin na hindi ito binubuo ng mga produkto at bagay na hindi tugma sa kulay. Kung nahihirapan kang matukoy ito sa pamamagitan ng mata, gumamit ng color wheel. Isulat ang isang equilateral triangle dito. Ang mga anggulo nito ay magsasaad ng tatlong pangunahing kulay na magkakasama. Bilang karagdagang mga kulay, maaari kang kumuha ng mga shade na nasa gilid ng mga pangunahing.

Pumili ng angkop na background. Maaari mong ilagay ang still life sa isang drapery o walang takip na ibabaw. Mahalaga na ito ay neutral sa kulay (kung ang mga kakulay ng mga bagay ay puspos) o pinagsama sa buong komposisyon. Sa anumang kaso, hindi dapat kunin ng background ang malaking bahagi ng atensyon ng manonood.