De Boillier

Ang pagguhit mula sa buhay ay palaging propesyonal na malikhaing pagsasanay. Sa panahon ng pagsasanay na ito, aktibong umuunlad ang ating mga mata, utak at kamay. Sa pamamagitan ng ating mga mata sinasanay natin ang proseso ng pang-unawa. Ang utak ay responsable para sa proseso ng abstraction at visual na pag-iisip - sa pamamagitan ng pagguhit mula sa buhay, nag-aambag tayo sa pag-unlad nito sa lugar na ito. Sa sandaling ito, ang kamay ay bubuo ng kasanayan sa pagtatrabaho sa materyal, natututong lumikha ng isang imahe sa eroplano ng larawan nang mas mahusay at teknikal. Samakatuwid, walang alinlangan na ang pagguhit ng kalikasan mula sa buhay ay kapansin-pansing nagpapataas ng antas ng malikhaing kasanayan. Sa artikulong ito gusto kong pag-usapan kung paano kapaki-pakinabang ang plein airs para sa mga artista, tungkol sa pagpili ng paksa at ang mga pangunahing teknikal na pamamaraan para sa sketching mula sa kalikasan. Ibinabahagi ko ang aking maliit na mga trick upang gawing mas kasiya-siya at kumportable ang pagpipinta sa labas sa aking isa pang artikulo:

Ang mga benepisyo ng plein air practice

Ang pagguhit mula sa buhay ay palaging propesyonal na malikhaing pagsasanay. Sa prosesong ito, marami sa mga kasanayang kailangan para sa masining na aktibidad. Ang plein air exercises ay epektibong nagtataguyod ng pagkakahanay ng mata at kamay, at umuunlad visual na pag-iisip at matalinghagang memorya. Maaari nating pag-usapan nang walang katapusan ang tungkol sa mga pakinabang ng pagguhit mula sa buhay - pinayaman nila ang kanilang sarili kaalaman sa masining, ang proseso ng pagtatrabaho sa materyal ay napabuti, ang pakiramdam ng kulay ay umabot sa isang bagong antas. Sa plein air, ang artista ay hindi walang isip na kinokopya ang kanyang nakikita, ngunit aktibo mga aktibidad sa pananaliksik, maingat na pinag-aaralan ang mundo sa paligid niya, na napansin ang pinaka banayad na mga pagbabago dito. Salamat sa pagsasanay na ito, isang ganap na bagong paningin ng kulay, hugis, at ang buong espasyo sa paligid ay nangyayari. Ang iba't ibang mga shade ay nagbubukas sa harap ng iyong mga mata, at ngayon sa karaniwang berde ay makakahanap ka na ng pula, lila, asul... Ang gawain ng artist ay tama na sabihin ang tungkol dito sa kanyang trabaho, na naglalarawan kung ano ang nakita niya sa sa sandaling ito.

Ngunit kabilang sa napakahalagang praktikal na benepisyong ito, mayroong hindi nakikitang isa pang mahalagang bahagi ng plein air practice - malapit na pakikipag-ugnayan sa mundo ng buhay na kalikasan, na espirituwal na nagpapayaman sa isang tao. Ang gayong pag-uusap ay palaging nag-iiwan ng isang partikular na inspiradong imprint sa loob, na pinagmumulan ng lakas ng pagkamalikhain. Kapag nagpinta ng en plein air, kinakailangang ilipat sa sketch ang estado ng kalikasan na naghari noong panahong iyon. Maaaring bahagyang ihatid ng litrato mga kinakailangang kulay, pananaw sa himpapawid, ngunit isang bagay na nabubuhay kung saan napuno ang sandaling ito ay mawawala. Kapag gumuhit mula sa isang larawan, hindi mo ganap na mararanasan ang mood, ang hininga ng sandali, ang paglalaro ng liwanag at anino, ang paggalaw ng buhay ng napakahuli na oras na iyon. Iyon ang dahilan kung bakit napakadalas ng plein air sketches ay nagiging mas masigla, na may katangian ng naihatid na kapaligiran.

Gustung-gusto ko talaga ang plein air practice dahil nakikita mo ang tanawin hindi lamang ng iyong mga mata. Naririnig mo ang bulong ng mga dahon at ang tunog ng tubig, nararamdaman mo ang isang bagay na hindi nakikita, na bumabalot sa lahat ng bagay sa paligid. At ang mga sensasyong ito ay inililipat sa pamamagitan ng brush at mga pintura sa canvas o papel.

Mga sketch

Ang isa sa mga pangunahing gawain ng mga sketch ay upang maihatid ang estado, upang ituon ang unang impresyon ng kalikasan. Tinutukoy ng limitasyon ng oras ang mga detalye ng sketch. Kailangang lumikha masining na imahe, upang bumuo ng isang ideya ng kalikasan, gamit ang isang minimum na visual at compositional na paraan, nang hindi napupunta sa hindi kinakailangang detalye, ngunit nagdidirekta ng vector ng pansin sa pangunahing bagay. Ang mga sketches ay napaka kapaki-pakinabang na ehersisyo. Kapag gumaganap ang mga ito, aktibong nabubuo ng artist ang kasanayan sa pagsasaulo, pagpaparami ng isang kulay na imahe at pagbuo ng panandaliang visual memory. Ang kakayahang maghatid ng isang kulay na estado ng imahe ay napakahalaga para sa emosyonal na pagpapahayag ng isang pagpipinta. Ito ay ang sistematikong pagpapatupad ng mga sketch na nagbibigay-daan sa isa na tama na mahanap at maihatid ang coloristic na imahe ng kalikasan sa pamamagitan ng mga pintura.

Pagpili ng eksena

Anumang bagay mula sa buong pagkakaiba-iba ng nakapaligid na mundo ay maaaring gamitin bilang isang likas na katangian para sa mga sketch: mga motif ng landscape, mga lansangan ng lungsod, mga buhay pa rin sa bukas na hangin at marami pa. Ang pinakamahalagang bagay ay ang napiling motibo ay partikular na tumutugon sa iyo, hindi nag-iiwan sa iyo na walang malasakit, nakakakuha sa iyo ng ilan sa mga kakaibang katangian nito, na maaaring hindi halata sa iba sa unang tingin. Kapag lumiwanag ang iyong mga mata kapag tumingin ka sa kalikasan at ang iyong mga kamay ay hindi makapaghintay na hawakan ang mga pintura, ang pagpili ay ginawa nang tama. Kailangan mo lamang mahanap ang pinakamainam na punto ng view sa napiling balangkas, na makakatulong sa iyo na makita ang pinakamahalaga at katangian ng mga bagay sa kalikasan. Ang isang tamang napiling format ay makakatulong din sa iyo na bigyang-diin ang kakaiba ng motif. Para sa mga panandaliang sketch, mas mahusay na pumili ng mga simpleng eksena na may maliit na bilang ng mga bagay na kasama sa kanila. Makakatulong ito sa iyo na maiwasan ang labis na detalye, na hindi palaging may positibong epekto sa integridad ng sketch. Kung ang iyong pagsasanay sa plein air Kung hindi ka pa mayaman, hindi ka dapat agad na kumuha ng mga panorama ng lungsod, ngunit mas mahusay na magsimula sa mga simpleng natural na motif. Maging ang relasyon ng langit at malinis na bukid, na umaabot hanggang abot-tanaw, ay maaaring maging lubhang kawili-wili, lalo na para sa paglutas ng mga problema sa kulay. Ang ganitong mga plot ay magiging perpekto para sa pagsasagawa ng mga panandaliang sketch. Makakatulong sila sa pagbuo ng karanasan at kumpiyansa na kailangan para makagawa ng higit pa kumplikadong mga gawain.

Teknik at mga diskarte sa pagpipinta

Ang anumang materyal na sining ay maaaring gamitin plein air - walang mga paghihigpit. Ang pinakamahalagang bagay ay ang napiling materyal ay pamilyar sa iyo, dahil sa larangan hindi posible na pag-aralan ang mga katangian at pag-uugali ng materyal nang detalyado. Pagkatapos pumili ng isang balangkas, kailangan mong maingat na pag-aralan ang kulay at tonal na mga relasyon ng lahat ng mga sangkap dito. Sa panahon ng trabaho, kinakailangan na patuloy na ihambing ang resulta sa kulay at tono sa kalikasan. Upang mas tumpak na maunawaan ang pagkakaiba sa tono, kailangan mong duling nang mas madalas, tumingin sa kalikasan, pagkatapos ay sa trabaho. Kapag naghahambing ng mga kulay, kailangan mong patuloy na tanungin ang iyong sarili ng mga tanong tungkol sa kung aling kulay ang mas malamig, alin ang mas mainit at kung magkano, anong mga kulay ang naroroon pa rin sa kulay na ito? Kaya pare-pareho paghahambing na pagsusuri ay makakatulong sa iyo na lumikha ng tamang kapaligiran sa larawan, tama na ihatid ang mood kapaligiran. Ang bawat estado ng kalikasan ay nailalarawan sa pamamagitan ng sarili nitong kulay at tonal na mga relasyon - kung sila ay natagpuan nang tama, kung gayon ang sketch ay maghahatid ng nais na estado. Halimbawa, ang araw sa umaga ay magpapapaliwanag sa mga bagay na may kulay-rosas-dilaw na kulay, na nagiging mga anino na asul-lilang.

Ang pag-unlad ng trabaho sa sketch ay dapat na nakaayos ayon sa prinsipyo "mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak." Iyon ay, ang mga pangunahing masa ay nalutas muna, ang gawain ay isinasagawa sa malalaking lugar, at ang malawak na mga brush ay ginagamit. At tanging sa wakas ay ibinibigay ang oras sa mas detalyadong pag-aaral. Sa loob ng mahabang panahon, sa plein air, nagkaroon ako ng problema tulad ng "paghuhukay sa mga detalye" - nang walang oras upang ilatag ang pangkalahatang masa, maingat akong gumuhit ng mga blades ng damo, nagtataka kung bakit wala akong oras upang gumawa isang sketch sa loob ng tatlong oras. Ang problemang ito ay nalutas sa pamamagitan ng katotohanan na sa unang yugto ay nagsimula akong kumuha lamang ng malalaking brush, na patuloy na nagpapaalala sa aking sarili kung ano ang pinakamahalaga. Iniiwan ko ang mga detalye sa huli, na nagbibigay sa kanila ng papel ng mga accent na nagpapayaman sa larawan. Hindi na kailangang lituhin ang isang sketch sa mahaba, multi-session na trabaho sa studio, sinusubukang gumawa ng sketch sa antas ng pagiging perpekto, o ganap na hindi kinakailangang photographic accuracy. Ang pagsasagawa ng mga etudes ay may sariling mga gawain at lohika. Ang pangunahing bagay dito ay ang paglipat ng mga impression, hanay ng kulay, ang mood na tumatagos sa mundo sa paligid natin sa sandaling ito. Ang kalikasan mismo ay maaaring magsabi sa iyo kung anong teknikal na pamamaraan ang gagamitin upang magsagawa ng sketch kung maingat mong pag-aaralan ito. Kadalasan maaari itong magdikta sa paraan ng paglalapat ng pintura, ang likas na katangian ng mga stroke - kung ito ay isang makinis na punan o makapal na mga stroke na nag-iiwan sa texture ng brush, mauunawaan mo, na nakakakuha ng likas na katangian ng kung ano ang nasa harap ng iyong mga mata. Ang isang sketch na pinagsasama ang iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta ay mukhang buhay na buhay at kawili-wili, kaya ipinapayo ko sa iyo na mag-eksperimento sa loob ng isang trabaho, na ginagawang iba-iba ang layer ng pintura sa texture at pamamaraan ng aplikasyon ng pintura. Upang maisagawa ang gawaing ito, tutulungan ka rin ng mga brush ng iba't ibang mga hugis at bristles, na ang bawat isa ay mag-iiwan ng sarili nitong marka ng katangian. Huwag pabayaan ang mga tool tulad ng basahan at mga daliri, maaari silang lumikha ng mga kamangha-manghang epekto kung nagtatrabaho ka sa mga langis o pastel. Ang lahat ng mga teknikal na puntong ito ay dapat makatulong sa iyo sa paglikha ng isang masining na imahe.

Ang mga alaala na dinadala ko mula sa plein air ay nakatago sa mga stroke ng pintura. Kaya't hindi sila mawawala, hindi matutunaw sa kaibuturan ng memorya. Kapag gumuhit, ang artist ay hindi mekanikal na inililipat ang kanyang nakikita sa isang canvas o sheet, ngunit hindi nakikitang kumokonekta sa balangkas, na naaalala ang bawat detalye, sa isang sandali ay naging kung ano ang nasa paligid niya - alinman sa isang mabagyong daloy ng ilog, o isang nanginginig na asul na kalangitan o isang mabangong talim ng damo. Ang oras ay lumilipas, ngunit kung ano ang nakikita at nakuha ay madaling makikita sa harap ng panloob na mata sa lahat ng pinakamaliit na detalye. Mararamdaman mo pa ang hanging silangan at ang hugong ng bumblebee. Iguhit kung ano ang sumasalamin sa kagalakan, kapana-panabik, at walang malasakit sa iyong puso! Pagkatapos ng lahat, ang mood ng balangkas ay hindi nakikitang mananatili sa loob mo.

Paano magpinta ng sketch sa mga langis

(sa website sa lalong madaling panahon ito ay binalak na panoorin ang video na "Painting Lessons" nang libre mga pintura ng langis»

Gusto kong ilarawan kung paano ko inilalapat ang mga materyales na inilarawan sa itaas at mga pamamaraan ng pagtatrabaho sa pagsasanay. Halimbawa, napili ang landscape na "End of Summer".

Sa pagtatapos ng tag-araw - simula ng taglagas, ang mga dahon sa mga puno ay nagiging dilaw, ang damo ay nagiging iba't ibang kulay. Ang mga anino mula sa mga puno ay nagiging mas malamig, na may isang lilang tint. Mas malapit sa abot-tanaw, dahil sa asul na kalangitan, ang mga puno at mga halaman ay tila mas malamig kaysa sa mainit na tag-araw. Ang taglagas ay ang oras kung kailan hindi mo maaaring hayaang lumipas ang isang araw nang hindi nagpinta sa bukas na hangin. Ang dalawa hanggang tatlong oras na pagtatrabaho sa mga pintura ng langis sa isang araw para sa akin ay personal na nagiging minuto ng kumpleto kapayapaan ng isip, kapayapaan at pagkakaisa sa kalikasan.

Upang ipinta ang sketch na ito, kailangan ko ng isang canvas na ginagamot sa gelatin at acrylic primer, na dati ay nakadikit sa tablet. Nagpasya akong gawin ang underpainting na may tempera paints, kaya nag-stock ako mga kinakailangang materyales para sa langis at tempera painting. Gumawa ako ng viewfinder mula sa itim na papel ayon sa laki ng inihandang canvas. Bilang karagdagan sa sketchbook, para sa kumpletong kaginhawaan, kumuha ako ng isang folding chair at isang payong.

Ang pagkakaroon ng napili ang pinaka-kaakit-akit na view ng landscape gamit ang viewfinder, na nasuri ang komposisyon at tonal na mga relasyon ng hinaharap na sketch, nagsimula akong magtrabaho.

Upang magpinta ng isang larawan sa langis mula sa isang larawan (), kakailanganin mo ng isang paunang, tumpak na pagguhit ng lapis. Sa aking kaso, ang pagtatayo ng komposisyon at paunang pagguhit sa canvas ay maaaring gawin sa isang manipis na kolinsky brush No. 2 at transparent, ocher tempera na pintura. Gamit ang viewfinder, natukoy ko na ang pangunahing pokus ng sketch ay mga halaman. Batay dito, inilagay ko ang horizon line sa itaas ng gitna ng canvas. Upang bigyang-diin ang pananaw ng landscape, pati na rin ang balanse ng komposisyon, binalangkas ko ang isang kalsada na papunta sa malayo.

Bago simulan ang underpainting gamit ang tempera paint, ginawa ko sa isip ang paghahanda.

1. Maingat na sinuri ang tonal na relasyon ng landscape.

2. Itakda ang pinakamagaan at pinaka-puspos na lugar.

3. Natukoy kung aling mga kulay ang mangingibabaw sa sketch sa foreground, gitna at background.

Upang maiwasan ang mga pagkakamali sa karagdagang pagbuo ng tonal ng trabaho, sinisimulan ko ang underpainting na may pinakamaraming puspos na mga fragment ng larawan, hindi alintana kung ito ay isang still life o pigura ng tao. Susunod na sumulat ako mula sa pinakamadilim hanggang sa pinakamaliwanag. Madalas na nangyayari na ang puting lupa ng canvas ay ang pinaka-minimal na saturated na lugar sa sketch. Sa ganitong mga kaso, binibigyan ko ang lupa ng mainit o malamig na lilim, depende sa mga pangyayari at lugar ng pagpipinta (sa silid-aralan o sa open air).

Sa landscape na "End of Summer", ang pinakamainam na solusyon ay ang pagsasakatuparan ng underpainting, simula sa mga puno sa background. Ang katotohanan ay ang mga halaman at ibabaw ng lupa sa background ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay-lila-asul na guhit at may magaan na tono, malapit sa langit. Mga pintura na ginamit: sky blue, cadmium violet, Neapolitan red-violet, zinc at titanium white sa isang 1:1 ratio.

Sa itaas ng mga puno malapit sa abot-tanaw, ang kalangitan ay may ocher-reddish tint at naging pinakamaliwanag na elemento ng larawan sa tono. Mga pintura na ginamit: Moscow golden ocher, light cadmium pula, puti. Ang kaibahan ng mainit at malamig na lilim sa abot-tanaw ay minarkahan ang hangganan sa pagitan ng mga puno at kalangitan.

Magbibigay ako ng mga sipi mula sa mga tala ni D. Constable tungkol sa langit: “ Ang isang pintor ng landscape, kung saan ang langit ay hindi isa sa pinakamahalagang bahagi ng komposisyon, ay nagpapabaya sa kanyang pinakamahusay na katulong... Ang kalangitan ay isang napaka mahirap na pagsubok, parehong sa mga tuntunin ng komposisyon at pagpapatupad. Sa buong ningning nito, hindi ito dapat umusbong pasulong, ngunit dapat lamang pukawin ang ideya ng isang walang katapusang distansya. Hindi ito nalalapat, siyempre, sa mga bihirang natural na phenomena o mga random na epekto ng pag-iilaw, na palaging nakakaakit ng espesyal na atensyon..."

Sa paglipat sa medium shot, gumamit ako ng mas maraming contrasting at saturated tone para sa mga puno at iba pang mga halaman. Isinasaalang-alang ang aerial perspective, pininturahan ko ang anino at liwanag ng mas maiinit na kulay. Mga kulay ng anino na ginamit: cadmium violet, sky blue, umber nasunog, pulang ilaw ng cadmium. Mga pintura na ginagamit para sa liwanag: dilaw na okre, Moscow golden ocher, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, titanium puti.

Sa lupa na pinakamalapit sa manonood, ang damo at kalsada ay bahagyang mas magaan at mas mainit kaysa sa tono ng mga puno. Ang mga sumusunod na pintura ay ginamit dito: dilaw na okre, Moscow golden ocher, cadmium red, cadmium yellow lemon, carmine, English red, white.

Ang nasabing underpainting ay nagbigay na sa future sketch ng aerial perspective at natukoy ang kulay ng gawa.

Matapos matuyo ang tempera paint, nagsimula akong magpinta gamit ang mga langis.

Sa yugtong ito ng trabaho kailangan kong:

1. "Bigyang-diin" ang dami ng mga dahon at putot ng mga kalapit na puno.

2. Ihanda ang unang plano bilang batayan para sa susunod.

3. Isulat nang detalyado ang pangalawang plano ng sketch.

4. Idagdag, gamit ang glazing, iba't ibang shades sa mga tamang lugar sa sketch.

Kasunod ng underpainting na may tempera paints, nagpatuloy ako sa isang oil sketch ng mga puno sa background. Ang mga anino ng mga puno ay binigyan ng malabong balangkas gamit ang pinaghalong kulay. Mga pintura na ginamit: ubas itim, puti, asul na langit; Ang liwanag ay ipinakita gamit ang lemon yellow, white at sky blue na mga pintura.

Gamit ang isang bristle brush No. 16 pininturahan ko ang kalangitan, gamit ang tinatawag na stretching mula sa mainit-init (malapit sa abot-tanaw) na tono hanggang sa malamig at mula sa liwanag hanggang sa madilim, upang bigyan ito ng lakas ng tunog. Mga pintura na ginamit: sky blue, FC blue, cadmium violet, grape black, white. Habang pinipintura ang kalangitan, naglapat ako ng isang layer ng pintura sa isang diagonal na direksyon.

Gaya ng inilarawan sa itaas, hindi dapat magkaroon ng dalawang magkaparehong stroke sa pagpipinta (tingnan ang mga pamamaraan ng oil painting). Samakatuwid, gumamit ako ng mga brush ng iba't ibang laki (alinsunod sa mga fragment ng trabaho).

Ang liwanag sa foreground at background ng sketch ay ginawa gamit ang impasto stroke gamit ang isang palette knife.

Pagkatapos magdagdag ng lakas ng tunog sa mga puno ng puno at mga halaman sa background, lumipat ako sa mga detalye.

Sa huling yugto ng trabaho, ang kailangan ko lang gawin ay pintura nang mas maingat ang manipis na mga sanga ng puno, damo at mga seksyon ng kalsada gamit ang manipis na core brush (No. 2).

Tagumpay sa malikhaing aktibidad ay ipinagkakaloob, una sa lahat, sa artistang iyon na, sa patuloy na pagnanais na lumikha ng isang gawa ng sining, nagtagumpay, sa kabila ng iba't ibang mga paghihirap, anumang mga hadlang at hadlang sa kanyang landas buhay. Alalahanin si Vincent Van Gogh... Kung tutuusin, pinatunayan ng artist na ito (at hindi lamang siya) na ang isang tao sa kanyang tiyaga at pagnanais na makamit ang kanyang layunin ay may kakayahan ng maraming.

Isang araw sikat na iskultor Tinanong si Michelangelo: "Paano ka gumawa ng gayong kahanga-hangang mga eskultura kung saan siya ay sumagot: "Kumuha ako ng isang bato at pinutol ang lahat ng hindi kailangan dito." Ito ay halos pareho sa pagpipinta. Sa pamamagitan ng pagkakatulad, kailangan mo lamang ilagay ang nais na tono ng pintura sa kaukulang lugar sa canvas... Sa ganitong paraan maiparating ng artist ang kanyang mga damdamin at iniisip, na inilalantad sa manonood bagong realidad. Ngunit upang malaman kung paano, ano at saan ilalagay ang tono ng pintura, kailangan mong magtrabaho at bumuo ng maraming, mag-aral at mahalin ang pagpipinta.

Ang pinakamahusay na guro para sa isang pintor ay kalikasan, at walang sinuman ang makapagtuturo ng higit sa kalikasan. Ang mga guro ay gumagabay, nagpapayo at nagtuturo lamang sa nagsisimulang pintor ng mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta at nagbabahagi ng kanilang sariling mga obserbasyon. Nasaan ka man, anuman ang iyong nararamdaman, at anuman ang iyong kalooban, laging subukang pansinin sa katotohanan sa paligid mo na, sa unang tingin, ay tila hindi kawili-wili sa iyo. ordinaryong tao. Obserbahan at ihambing ang mga tonal na relasyon ng langit at lupa, background at foreground na kulay. Gumawa ng mabilis na mga sketch mula sa buhay araw-araw at sa anumang pagkakataon ay sirain ang mga ito sa ibang pagkakataon. Kahit na ang ilan sa kanila ay hindi lumabas sa paraang perpektong nakikita mo sila.

Subukang isipin ang iyong sarili sa papel ng isang naturalista na nag-aaral ng mga natural na phenomena at mga gawi ng hayop; isang physiognomist na nag-aaral ng mga tampok na istruktura at ekspresyon ng mukha ng mga tao sa pagtatangkang hulaan at matukoy ang kanilang mga katangian ng karakter.

Dapat ipakita ng artist ang kanyang oras sa canvas at sa parehong oras ay maipahayag ang kanyang sarili, na nangangailangan ng kanyang patuloy na pagiging bukas sa mundo sa paligid niya.

Bigyang-pansin ang mga taong nakapaligid sa iyo: pantomime, ekspresyon ng mukha, istilo ng pananamit (gumawa ng mabilis na sketch).

Upang palawakin ang iyong sariling propesyonal na abot-tanaw, subukang bumisita sa pinakamaraming eksibisyon at museo hangga't maaari, pag-aralan ang mga reproduksyon ng mahuhusay na pintor, at magbasa ng iba't ibang literatura.

Ang malikhaing proseso at ang resulta ay malapit na nauugnay sa pananaw sa mundo ng artist. Ang larawan na kanyang nilikha ay nagsasangkot ng kanyang mga saloobin, damdamin, imahinasyon, kasanayan, at saloobin sa kung ano ang itinatanghal na palaging naghahanap ng pinaka-nagpapahayag na solusyon sa kanyang plano, pinag-iisipan ang balangkas at komposisyon. Ang mga imahe na lumilitaw sa kanyang imahinasyon ay may layunin na pinagmulan, ay ipinanganak mula sa nakikitang mga katangian ng katotohanan at may sariling mga tiyak na anyo. Samakatuwid, ang pintor, na naglalaman ng kanyang plano, ay lumiliko sa mga pag-aari ng mga bagay at phenomena na nakikita niya sa paningin. Tanging kung mayroong visual na authenticity ng kung ano ang itinatanghal ay maaaring ipahayag ng isang tao ang ilang mga damdamin, kaisipan, at pukawin ang kaukulang mga karanasan sa manonood, na ang mga nag-uugnay na ideya ay konektado sa layunin ng mundo. Sa magandang tanawin, makikita ng manonood hindi lamang ang mga materyal na bagay, kundi pati na rin ang natural na paglalaro ng liwanag at kulay, ang kulay-pilak na kinang ng hamog o ang paglalaro ng mga kulay sa kalangitan sa umaga. Ang ganitong imahe ay nagbubunga ng mga nakalimutang impresyon, nagpapagana ng imahinasyon, at nagpapagana ng mga kaisipan at damdaming nauugnay sa mga nakaraang karanasan, sa mga nakaraang karanasan. Ang emosyonal at aesthetic na epekto ng mga pagpipinta ay nauugnay sa mga kakaibang ito ng associative perception.

Hindi dapat isipin ng isang tao na ang may-akda ng isang pagpipinta, na sinusubukang makamit ang visual na pagiging tunay ng pagpipinta, ay dapat na mekanikal na kopyahin ang hitsura ng taong inilalarawan. Ang gawaing akademiko ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng katalusan, malalim at komprehensibong pag-aaral ng kalikasan. Kadalasan ang mga sketch na pang-edukasyon ay masyadong "tuyo", "fractional", "protocol", katulad ng bawat isa hindi lamang sa balangkas at pampakay na mga termino, kundi pati na rin sa teknikal na pagpapatupad. Ang lahat ng ito ay medyo natural, at ang "pagkatuyo" at pagkamahiyain ng gawaing pang-akademiko ay hindi maituturing na mga palatandaan ng kahinaan nito o kakulangan ng malikhaing talento ng may-akda.

Kasabay nito, ang malayang saloobin ng mag-aaral sa mga gawain ng sketch, ang isang tiyak na "magara" ay hindi mga palatandaan ng pagkamalikhain, tulad ng kung minsan ay pinaniniwalaan. Ang mga gawaing pang-edukasyon ay hindi sapat na emosyonal, sariwa at orihinal, dahil hindi pa rin sila perpekto sa masining na mga termino, dahil ang mga mag-aaral ay wala pang karanasan, kasanayan, at hindi alam ang buong iba't ibang paraan upang malutas. gawaing pang-edukasyon o pagpapatupad ng isang plano. Sa pamamagitan lamang ng karanasan ay darating ang libreng creative mastery ng kalikasan at mga batas nito, pati na rin ang teknikal na pagiging perpekto.

Ito ay tungkol gawaing pang-edukasyon ang mga itinalagang gawaing pang-edukasyon ay pare-pareho at malinaw na nalutas, at kasabay nito, ang mga malikhaing talento ng mga mag-aaral ay napangalagaan at napaunlad.

Pangunahing bahagi

Ang kakayahang makita at maihatid ang mga three-dimensional na hugis at kulay ng mga bagay sa isang eroplano ay ang kakanyahan ng pagpipinta. Ang kasanayang ito ay nakuha pangunahin sa pamamagitan ng mga pagsasanay mula sa kalikasan. Ang mas maraming pintor na nagpinta ng mga sketch mula sa buhay, nagiging mas matalas ang kanyang pakiramdam ng kulay, pagkakatugma ng mga kulay at ritmo ng mga linya. Bilang resulta ng patuloy na pagsasanay sa paglalarawan ng mga buhay na buhay, mga tanawin, mga ulo ng tao at mga pigura mula sa kalikasan, nabubuo ang pagmamasid, ang kakayahang bigyang-diin ang mahalaga, itapon ang pangalawa, at ipahayag ang sariling damdamin na dulot ng kagandahan ng nakapaligid na kalikasan at pagkakaiba-iba ng umunlad ang buhay.

Ang landas sa mastery ay nagsisimula sa pag-aaral ng mga teoretikal na pundasyon ng pagpipinta at sistematikong pagsasagawa ng mga praktikal na pagsasanay. Nang walang kaalaman sa mga batas ng pagpipinta, ang praktikal na gawain ng mga mag-aaral ay isinasagawa nang walang taros at bumabagal ang pagpapabuti ng propesyonal.

Ang maglarawan ay, una sa lahat, ang pangangatwiran. Kapag nagsimulang magpinta, kailangan mong pag-isipang mabuti ang iyong gawain at malinaw na tukuyin ang iyong layunin.

Sinabi rin ni Leonardo da Vinci na “yaong umiibig sa pagsasanay nang walang agham ay parang mga nilalang na namimilipit na naglalayag nang walang timon o kumpas, sapagkat hindi nila matiyak kung saan sila pupunta. Ang pagsasanay ay dapat palaging binuo sa mabuting teorya, at kung wala ito walang magagawa nang maayos sa kaso ng pagpipinta."

Kailan magsisimula ang isang artista? Bawat isa sa takdang panahon. Ang isang artista sa isang natural na setting ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng kapaligiran: mga magulang, guro, lipunan. Ang kapaligiran ay pinagmumulan ng pagkamalikhain at pagmulat ng talento.

Ang malikhaing personalidad ng bawat isa ay nabubuo nang iba. Samakatuwid, imposibleng matukoy ang threshold na naghihiwalay sa master mula sa mag-aaral. Minsan ito ay isang hakbang lamang, at kung minsan ay marami. Ang mastery ng mastery para sa isa ay nangyayari halos kaagad, para sa isa pa ito ay tumatagal ng mahabang panahon at hindi mahahalata.

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay puno ng iba't ibang halimbawa ng maaga artistikong pag-unlad at, sa kabaligtaran, medyo huli na. Kadalasan ang talento ay nagpapakita ng sarili sa isang kapaligiran ng sining, ngunit kadalasan ay nagmumula sa isang kapaligiran na dayuhan sa sining. Karamihan sa mga artista na kilala ang mga pangalan ay nakatanggap ng isang pang-akademikong edukasyon, ngunit hindi sa mga akademya. At ang ilan ay pinagkadalubhasaan ang pagpipinta sa kanilang sarili.

Ang bawat tunay na artista ay may isang tiyak na hanay ng mga katangian, kung wala ito ay hindi siya magtagumpay: pag-ibig sa kalikasan, pagkauhaw sa kaalaman.

Bakit napakatagal na pagpapakilala?

Sa paghahalungkat sa mga lumang folder, natuklasan ko ang ilang natitirang sketch mula sa aking apprenticeship, na pininturahan ng langis. Nakatutuwang balikan ang ilang dekada at alalahanin ang nararamdaman mo mula sa trabaho.

Ang bawat sketch ay isang pang-edukasyon, mabilis (hindi hihigit sa 15 minuto) na sketch sa mga kulay ng isang partikular na estado ng kalikasan. Ang bahagi ng mga sketch ay landscape: gabi, paglubog ng araw, gabi. Naturally, kailangan nilang isulat nang walang ilaw. Halimbawa, ang maliwanag na ilaw na mga bintana ng balkonahe ay pininturahan sa matinding kadiliman na may mga bukas na kulay na literal sa pagpindot.

Ang scanner, sa kasamaang-palad, ay hindi maiparating ang pagiging makulay tamang kulay. Iniharap niya ang lahat ng pinakamadilim na lugar bilang isang solidong itim na punan na walang kulay.

Nagsisimula ang artist sa gayong mga sketch "para sa estado". Kami, mga mag-aaral ng departamento ng pagpipinta, ay nagpinta ng daan-daang mga ito na may tanging layunin na "punan" ang aming mga kamay at mata, gamit ang kulay at ang pinakamalawak na brush.

Tungkol sa mga sketch sa araw, kung ang pagpipinta ay tila malabo, inirerekumenda ko ang pagpikit ng iyong mga mata at makita kung paano nabubulok ang patag na espasyo ng landscape sa liwanag at anino. Hindi mahalaga kung gaano teknikal at detalyado ang educational sketch. Ang mahalaga lang ay ang tamang ratio ng liwanag sa anino. Ito ang kakanyahan ng pagtatrabaho sa bukas na hangin, at hindi sa lahat ng intensyon ng pagpipinta ng isang malaking bilang ng mga landscape para sa pagbebenta.

Ngunit, bilang karagdagan sa at pagtanggi sa nakaraang talata, sabihin natin na ang pinakamahusay at pinaka-karapat-dapat na mga sketch, siyempre, ay naibenta nang matagal na ang nakalipas. Ang lahat ng ipinakita dito ay ang nananatili.

Tag: Easel painting

Ang sketch ay isang gawa ng pagpipinta ng isang pantulong na kalikasan at may limitadong sukat, na ganap na ginawa mula sa buhay.

Nagtatrabaho sa open air sa isang sketch, itinatakda ng artist ang kanyang sarili ang gawain ng matapat at buhay na sagisag ng kalikasan sa pagpipinta.

Ang mga sketch ay maaaring isang paraan ng pag-aaral ng kalikasan, mga pagsasanay na pang-edukasyon para sa artist, at isang paraan ng pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan. Madalas silang nagsisilbing materyal para sa paghahanda ng isang pagpipinta, halimbawa, pag-aaral ng mga indibidwal na lugar, lugar, puno, mga dahon at iba pang mga detalye na interesado sa pintor. Ang patuloy na pagtatrabaho sa mga ito sa lokasyon ay nakakatulong sa paglikha ng mga landscape.

Binibigyang-daan ka ng sketch painting na palakihin ang iyong mata, palakasin ang iyong kamay, at pagbutihin ang iyong mga kasanayan sa pagpipinta.

Ang isang sketch ay nangangailangan ng isang maingat na ginawang pagguhit, na dapat ay tumpak at totoo hindi lamang sa sukat, kundi pati na rin sa mga indibidwal na detalye at ang mga ugnayan sa pagitan nila. Ang mahalaga para sa kanya ay isang pangkalahatang eskematiko na pagguhit mula sa buhay na walang labis na detalye, katapatan at katumpakan ng mga pangunahing linya at balangkas ng mga bagay. Sa pagguhit, kailangang maiparating ng pintor ang kanyang naobserbahan at pinag-aaralan sa kalikasan. Gayunpaman, hindi lamang kung ano ang nakita, kundi pati na rin pangkalahatan - mahalaga, mahalaga, nang walang maliliit na detalye.

Ang pagguhit para sa sketch ay ginagawa sa papel, karton o direkta sa primed surface ng canvas na may lapis, uling, ngunit pinakamaganda sa lahat na may brush, isang pintura.

Sa gawain ng aming mga masters sa landscape, ang sketch ay inookupahan at sinasakop pa rin ang isang napakahalagang lugar. Mga hindi maunahang masters Ang pagpipinta ng sketch ay sina A.K. Sa mga tuntunin ng kanilang pagkakumpleto at artistikong kasanayan, marami sa kanilang mga sketch ay maaaring ituring na mga gawa ng independiyenteng kahalagahan.

Kapag lumilikha ng mga sketch, karaniwang itinatakda ng mga artista ang kanilang sarili ng ilang mga gawain, nilulutas ang mga ito gamit ang iba't ibang mga pamamaraan, depende sa indibidwal na katangian ang pintor mismo.

Pagkilala sa gawain sa mga sketch ng mga indibidwal na pintor ng landscape, ang kanilang mga pamamaraan ng pagsasagawa ng mga gawang ito, teknikal na mga tampok Ang pagtatrabaho sa mga ito ay walang alinlangan na interes para sa isang bata, baguhang artista, at makakatulong sa kanya na maiwasan ang maraming pagkakamali.

Namumukod-tanging Guro landscape N.K. Roerich na nakatalaga sa sketch painting magandang lugar sa kanyang pagkamalikhain. Gaya ng nabanggit na, malikhaing pamamaraan Ibinatay ni Roerich ang paglikha ng kanyang trabaho sa malapit, maalalahanin na pagmamasid at patuloy, insightful na pag-aaral ng kalikasan. Kapag nagsimulang magsulat ng isang sketch, una sa lahat ay itinakda niya ang kanyang sarili ng isang napaka-tiyak na gawain, ang solusyon na kanyang hinahangad. Ang ideya ng komposisyon ng trabaho, na lumitaw sa kaluluwa ng artist bilang isang resulta ng kanyang mga obserbasyon at pag-aaral ng kalikasan, ay naisip niya bago magsimula. gawaing pagpipinta. Kailan istrukturang komposisyon Ang sketch ay napagpasyahan sa pag-iisip, nang matukoy ang balangkas ng komposisyon at ang pangunahing coloristic na solusyon ay nakabalangkas, si Roerich ay nagsimulang gumuhit ng mga sketch, at pagkatapos ay magpinta.

Sa proseso ng mahabang pag-aaral ng kalikasan, ang sandali na natagpuan at sinaktan siya ng pintor ang naging batayan ng impresyon sa kanya; ang malikhaing natanto at naproseso sa isip na impresyon at ang masining na imahe na lumitaw batay dito ay patuloy na napanatili sa memorya habang nagtatrabaho sa sketch.

Alam na alam na sa sandaling naobserbahan sa kalikasan ang isang tao ay hindi na makikita muli, isinulat ni Roerich ang kanyang mga sketch nang mabilis, sa loob ng ilang oras. Kung hindi, imposibleng ihatid sa lahat ng paunang pagiging bago at kamadalian ng unang impresyon ito o ang estado ng kalikasan, dahil pagkatapos ng isang araw, at kung minsan pagkatapos ng ilang oras, ito ay magiging ganap na naiiba.

Naniniwala si Roerich na, siyempre, napakahalaga na mailarawan ang nakikita mo sa kalikasan, ngunit hindi gaanong mahalaga na makita kung ano ang gusto mong ilarawan. Ito, ayon kay Roerich, ang pangunahing kalidad ng isang artista, na binubuo sa katotohanan na ang isang tao ay dapat tumingin sa kalikasan hindi sa walang malasakit na tingin ng isang tagamasid, ngunit sa isang mapagmahal, madamdamin na titig, sa isip na pagpili at pagpuna sa kung ano ang gusto ng isang tao. Kung hindi mo ilalagay ang lahat ng simbuyo ng damdamin ng iyong kaluluwa, ang lahat ng iyong pagmamahal para dito sa pag-aaral ng kalikasan, hindi mo na kailangang ipinta ito.

Sa isang sketch, dapat ay makakahanap ka ng mga simpleng solusyon sa mga gawaing itinakda mo mismo, na tila hindi kumplikado sa manonood. Ang mga desisyong ito, parehong komposisyon at sa mga tuntunin ng kulay at disenyo, ay dapat na maigsi. Gayunpaman, nangangailangan ito hindi lamang ng karanasan, kundi pati na rin ang matatag na pagtitiwala sa pangunahing layunin na itinakda sa gawaing ito. Ang artist ay dapat na makapag-focus sa paglutas at pagkamit ng layuning ito, sa pangunahing bagay, at hindi sa pangalawa, gamit ang lahat ng kanyang mga kakayahan sa komposisyon at pagpipinta. Konsentrasyon, kalmado, ang kakayahang makita at i-highlight ang pangunahing bagay, bilis at katumpakan sa trabaho - ito ang susi sa tagumpay sa paglikha ng isang sketch.

Kailangan mong isulat ito sa pamamagitan ng pagkalkula ng iyong mga lakas at kakayahan, pagtukoy nang mas malaki o mas katumpakan kung gaano katagal ang estado ng kalikasan na kinagigiliwan ng artist. Kung hindi ito ginagawa, madaling magkamali - dahil nagbabago ang pag-iilaw sa lahat ng oras. Maaari rin itong mangyari tulad nito: nagsimula kang magpinta ng sketch sa ilalim ng ilang mga kundisyon, halimbawa, pininturahan mo ang lupa - ang araw ay nasa kaliwa, pagkatapos ay lumipat ka sa pagpipinta sa kalangitan, at ang araw ay tumawid na sa kabilang panig. , na hindi mo napansin at ito ay naging hindi kapani-paniwala. Hindi ka maaaring magpinta ng sketch nang masyadong mahaba - ang unang impression ng kalikasan ay mapurol, ang artist ay napapagod, unti-unting nawawala ang pagiging bago at talas ng pang-unawa.

Ang mga sketch ni Roerich ay palaging humanga sa kanilang orihinal na komposisyon, na tumutulong upang ipakita nang may pambihirang pagkakumpleto ang natatanging pagka-orihinal ng kalikasan.

Ang laki ng sketch ay walang maliit na kahalagahan para sa matagumpay na gawain ng artist. Samakatuwid, napakahalaga, na isinasaalang-alang ang iyong mga lakas at kakayahan, upang piliin para sa iyong mga sketch ang laki ng canvas na pinakamagaan at pinaka-maginhawa para sa pagtatrabaho sa medyo maikling panahon at sa parehong oras ay ginagawang posible upang makamit ang pagkakumpleto ng gawain. Karaniwang ginagamit ni Roerich ang karton na may sukat na 35.5x45.8 cm; Para sa kanyang mga sketch, gumamit siya ng mas maliit na karton.

Sa kanyang mga sketch, si Roerich, bilang panuntunan, ay pumili ng mga kulay na hindi buong lakas, ngunit sa halip ay mas mahina kaysa sa aktwal na mga ito, at hindi ganap na nagamit ang buong hanay ng kanilang palette. Sa paggawa nito, isinasaalang-alang ng artist: kung agad kang kumuha ng mga tunog, matinding tono, kung gayon kapag kailangan mong hampasin ang isang kulay na suntok, lalabas na ang buong saklaw ay nagamit na at walang kinalaman dito .

Habang nagtatrabaho sa sketch, nilimitahan ni Roerich ang kanyang palette nang hindi pinagkakalat ito ng mga hindi kinakailangang kulay, tama ang paniniwala na ang labis ay palaging humahantong sa malaking paghihirap sa pagsasama-sama ng kulay gamut sa isang solong kabuuan at inaalis ang katotohanan sa paghahatid ng mga relasyon sa kulay na sinusunod sa kalikasan.

Sa mga sketch ni Roerich, na may napakatalino na kasanayan, ang epekto ng pagsasama-sama ng tila hindi magkatugma na mga tono, na bumubuo ng panloob na pagkakaisa, at ang espesyal na pagiging simple at katapangan ng artist sa mga kaibahan ng kulay ay nakamit. Ang mga cleverly found juxtapositions of light and dark tones, bright and dull-sounding, ay nagbibigay sa kanyang mga painting ng isang pambihirang liwanag. Ang mga makukulay na tono nito ay tila napupuno at tinatablan ng liwanag. Ang ningning ng kulay ay isa sa mga kamangha-manghang katangian ni Roerich bilang isang pintor, na nagmumula sa isang madamdaming pag-aaral at pagmamasid sa kalikasan.

Si V. N. Baksheev ay nagtalaga ng maraming pansin at oras sa paggawa sa mga sketch. Ang bawat isa sa kanyang mga pintura ay pininturahan mula sa mga sketch. Nasa kanila na ang artist na sinubukan upang mahanap ang pinaka-katangian para sa napiling tema, na nakakamit hindi lamang panlabas na pagkakahawig sa kalikasan, kundi pati na rin ang panloob na kapunuan. Tiyak na nakatulong sa kanya ang mga sketch kapag lumilikha ng malalaking canvases - pinag-aralan niya ang anyo, kulay, liwanag. Gayunpaman, ang artist ay hindi kailanman walang pag-iisip na kinopya mula sa sketch, na naniniwala na ang paggawa sa isang pagpipinta ay isang malikhaing proseso kung saan ipinapahayag mo ang panloob na buhay at sikolohiya.

Ito ang sinabi ni Baksheev sa isa sa kanyang mga pag-uusap sa may-akda ng aklat na ito tungkol sa mga kinakailangan para sa sketch: " Una sa lahat, ang mga sketch ay dapat na mahigpit na iguguhit at totoo sa kulay. Kailangan mong pag-aralan nang mabuti ang kalikasan. Mahalagang alamin muna ang lahat: mga proporsyon, mga relasyon sa kulay, liwanag at mga anino - at pagkatapos lamang na magsimulang magpinta. At pagkatapos, kapag nagsimula kang magtrabaho sa mga pintura, kumbinsihin ang iyong sarili na ito ang iyong pinakamahusay na bagay, na ipinta mo ito nang maayos; tune in kaya at pagkatapos ay magsimula! Pinayuhan ako ni Polenov na maglagay muna ng maliwanag, tiyak na mga tono sa canvas, pagkatapos ay ang pinakamadilim at pinakamaliwanag; ang mga halftone ay inihambing kapwa may kaugnayan sa liwanag at madilim, at may kaugnayan sa mainit at malamig. Kailangan mong magpinta nang walang underpainting, sa mga bahagi at, kung maaari, sa buong kulay. Ang sketch ay dapat na mahusay na idinisenyo at detalyado ... Hindi ka rin maaaring magsulat ng mas mahusay kaysa sa likas na katangian, kung hindi, ito ay lalabas na mali» .

Si Baksheev ay gumugol ng iba't ibang dami ng oras sa mga sketch: nagawa niyang isulat ang ilan upang makumpleto sa loob ng isang araw, habang ang iba ay natapos niya sa mas mahabang panahon. Sa bahay, hindi siya gumawa ng anumang mga pagbabago o pagwawasto, dahil, bilang isang patakaran, ang pagpipinta ay naging mali.

Si S. V. Malyutin ay seryosong kasangkot sa sketch painting. Ang mga sketch ay maaaring nahahati sa dalawang uri. Ang ilan ay pangmatagalan: nilikha ang mga ito sa lokasyon, na may maingat na pag-elaborate ng mga form sa loob ng dalawa hanggang apat na oras at inilaan pangunahin para sa gumagana ang genre. Kasama sa pangalawang uri ang 15-20 minutong sketch na ginawa ng artist sa lokasyon sa kanyang madalas na paglalakbay sa rehiyon ng Moscow, sa Hilaga ng Russia, Crimea at iba pang mga lugar sa ating bansa. Sa mga sketch na ito ng mga karaniwang sukat (9x15 cm), na isinagawa sa mga plato ng tatlong-layer na tuyo at napapanahong plywood, hinabol ni Malyutin ang dalawahang layunin. Para sa kanya, ito ay, una, patuloy na pagsasanay ng kanyang mga mata at mga kamay sa lokasyon, at pangalawa, sa mga pag-aaral ng sketch na natagpuan ng artist ang kulay at tonal na relasyon na kailangan niya.

M. V. Nesterov ay napaka-matulungin sa pagpipinta ng sketch. Sa kanyang mga sketch maaari nating obserbahan ang isang pinag-isipang paraan ng pagpapatupad, na ganap na tumutugma sa kanyang saloobin sa ganitong uri ng pagkamalikhain. Sinabi ni Nesterov sa kanyang mga mag-aaral: " Ang isang sketch ay isang seryosong bagay! Ang mga sketch ay dapat na maingat na isulat. Hindi sila dapat maging random, ngunit naisip nang mabuti nang maaga, natagpuan at ganap na tumutugon malikhaing ideya artista. Kung nagsisinungaling ka sa sketch, magkakaroon ng higit pang mga kasinungalingan sa larawan.» .