Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Barnett Newman, Newman din (eng. Barnett Newman; Enero 29, 1905, New York - Hulyo 4, 1970, New York) - Amerikanong artista, isang kilalang kinatawan ng abstract expressionism.

TALAMBUHAY NG ARTISTA

Si Newman ay isinilang sa isang pamilya ng mga Judiong imigrante mula sa Poland. Pagkatapos mag-aral ng pagpipinta sa Art Students League kasama si Duncan Smith, nagawa niyang italaga ang kanyang sarili sa sining lamang noong 1937.

Sa una ay nagtrabaho siya sa isang awtomatikong paraan, na lumikha ng isang serye ng mga calligraphic-surrealist na mga guhit noong 1944-1945 at itinatag pagkalipas ng 3 taon kasama sina William Baziotis at Robert Motherwell paaralan ng sining. Sa oras na ito, pininturahan ng artist ang kanyang abstract expressionist paintings.

Noong 1950 lamang inayos ni Barnett Newman ang kanyang unang solong eksibisyon, na sinalubong ng matinding kritisismo. Pagkatapos nito, ang artist ay tumatagal ng 8-taong pahinga, na kanyang nakatuon sa pagbuo ng kanyang mga kasanayan. Ang resulta ay isang retrospective ng kanyang trabaho noong 1958, na ipinakita niya sa publiko. Ang kanyang mga kuwadro ay halos mga monochromatic na ibabaw, na parang "tinahi" na may mga kulay na linya na contrasting sa pangunahing tono.

Noong 1966, inorganisa ni Lawrence Alloway ang isang eksibisyon sa Solomon Guggenheim Museum sa New York na pinamagatang "Daan ng Krus." Inalis niya ang mga huling pagdududa kahit na sa mga artist na pinahahalagahan ang mga teknikal na katangian ni Newman (liwanag ng kulay, malaking format) kaysa sa totoo, metapisiko na kahulugan ng kanyang gawa.

"Ang workshop ay isang santuwaryo," ipinahayag ng artist.

Ang mga pinakabagong gawa ni Newman ay mga komposisyon sa hugis ng isosceles triangle. Ang mga retrospective na eksibisyon ng gawa ni Newman ay ginanap noong 1972 sa New York, at pagkatapos ay sa London, Amsterdam at Paris. Ang kanyang mga pintura ay kinakatawan sa maraming pribado at pampublikong mga koleksyon sa New York (Museum kontemporaryong sining), Los Angeles (“Onement VI”, 1953, Weisman collection), Basel (“Day before one”, 1951), London (“Adam”, 1951-1952, Gal. Tate), Stockholm (“Tertia”, 1964 , National Museum) at Houston (Mennil collection). Sa Pambansa museo ng modernong sining. Ang Pompidou Center sa Paris ay naglalaman ng painting na "Shining Forth" (1961) at isang koleksyon ng mga print.

PAGLIKHA

Sumulat si Clement Greenberg: "Ang mga hangganan ng malalaking canvases ni Newman ay gumaganap ng parehong papel bilang mga panloob na linya ng mga form. Sila ay naghahati, ngunit hindi naghihiwalay, nagsasara o nagbubukod ng anuman. Nagtakda sila ng mga hangganan ngunit hindi nililimitahan ang anuman."

Si Newman ay tinawag na isang halimbawa ng mataas na modernismo, isang nangunguna sa minimalism, isang eksistensyalista, at isang espirituwal na pintor na nakakuha ng inspirasyon mula sa mistisismo ng mga Hudyo. Sinabi mismo ni Newman noong 1947, nang siya ay dumating sa mature na istilo, na ang anumang sining na karapat-dapat sa pangalan nito ay dapat tumugon sa “buhay,” “tao,” “kalikasan,” “kamatayan,” at “trahedya.” Palaging iginiit ni Newman ang mayamang emosyonal na nilalaman ng kanyang trabaho, bagaman sa panahon ng kanyang buhay ang kanyang trabaho ay nagdulot ng hindi pagkakaunawaan at mga akusasyon ng "kawalan ng laman."

Si Newman ay isa sa mga nangungunang kinatawan ng sining pagkatapos ng digmaang Amerikano. Kasama nina Rothko at Still, kinakatawan niya ang isang bahagi ng paaralan sa New York na salungat sa pagpipinta ng aksyon. Hanggang 1960 siya ay gumanap ng isang medyo katamtaman na papel. Gayunpaman, ang mga mahigpit na anyo at malalawak na ibabaw ni Newman ay may partikular na kapansin-pansing impluwensya sa at, lalo na, kung saan pangunahing problema may mga patayong patlang ng kulay at ang kanilang lokasyon sa kalawakan.

Pagkatapos ay nagsimulang magtrabaho ang artist sa isang malaking format at sa maliliwanag na kulay, upang ang mga vertical na larangan ng kulay ay nakakuha ng kaluwagan at ang kanilang extension sa espasyo ay ganap na hinihigop ang atensyon ng madla ("Abraham", 1949, New York, Museum of Modern Art) . Ganito nasira ang primitive rectangle ng painting. Ang patayong dibisyon na nakasulat sa parihaba ang naging susunod na salik sa pagitan ng mga bahagi; kinukumpirma nito ang orihinal na pamamaraan sa loob ng eroplano: ang bawat bahagi ng larawan ay nasa isa pa sa isang relasyon ng pormal na pagkakatulad, tulad ng buong larawan ay nauugnay sa dingding ("Sino ang natatakot sa pula, dilaw, asul?", 1966- 1967, Amsterdam, Museo ng Lungsod).

Ngunit ang direksyong ito ay hindi maaaring isaalang-alang mula sa isang pormal na pananaw. Itinuturing mismo ng artist ang kanyang mga gawa na halos simboliko. Tulad ng ibang mga master ng henerasyong iyon, ang mga pamagat ng kanyang mga kuwadro na gawa ay madalas na metaporiko at polysemantic, sa parehong oras intelektwal at patula.

"ONEMENT" SERIES

Ang "Onement" (anim na kuwadro na may ganitong pamagat) ay sumasalamin sa pagkakaisa, kabuuan, pagkakumpleto. Ang talambuhay ng artist na si Thomas Hess ay nagsabi na sa wikang Ingles Walang salitang "onement", ito ay nagmula sa "pagbabayad-sala", na nangangahulugang "pagtubos".

Ang seryeng "Onement" ay isa sa mga pangunahing proyekto ng trabaho ni Newman. Ang mga canvases ng seryeng ito, nang hindi nagdedetalye, ay nagpapakita ng katangian ng artist malikhaing pamamaraan gawa: maraming kulay o pare-parehong naka-texture na background na may mga vertical na guhit. Ang artist mismo ay tinawag silang kidlat (zip). Sinabi niya na ang terminong ito ay mas angkop - nauugnay sa paggalaw at hindi pagkakumpleto. Itinuring ni Newman na ang pariralang "tapos na trabaho" ay charlatanic. "Onement1" (1948) - una gawaing pagpipinta, na malinaw na nagpahayag ng direksyon ng paghahanap: ang isang malaking orange na laso na tumatakbo sa labas ng gitna ng larawan ay lumilikha ng epekto ng patuloy na dynamism.

Bilang karagdagan, ang artist ay nagtrabaho din sa iskultura, higit sa lahat ay gawa sa bakal ("Here 1", 1962; "Here II", 1965; "Here III", ibid.; "Broken Obelisk", 1963-1967; "ZimZum", 1962 ), sa itaas ng modelo ng sinagoga (1963) at lithographs ("Cantos", 1963-1964, Paris, National Museum of Modern Art. Center Pompidou). Ang gawa ng orihinal na artist na ito, na kung minsan ay umabot sa tunay na lalim at bihirang mahulog sa kababawan at kapurihan, ay mananatili sa alaala sa mahabang panahon.

Amerikanong artista, iskultor, pilosopo at sanaysay Barnett Newman (1905-1970) naisip ko yun "Ang pagkamalikhain ay hindi lamang ang pinakamataas, kundi pati na rin ang pangunahing estado ng kamalayan ng tao".

Ngunit upang patunayan ito sa mundo, ang kinatawan ng abstract expressionism ay kailangang magtiis ng isang barrage ng kawalang-kasiyahan at hindi pagkakaunawaan mula sa mga kritiko, sirain ang kanyang mga gawa na nilikha sa loob ng 40 taon, kumuha ng walong taong pahinga, at pagkatapos lamang ng lahat ng naranasan niya, maging isang halimbawa ng mataas na modernismo.

Ngayon pag-usapan natin ang lahat sa pagkakasunud-sunod.

New York, USA. Enero 29, 1905 Ipinanganak sa isang pamilya ng mga Judiong emigrante mula sa Poland hinaharap na artista Barnett Newman. Ang batang lalaki ay nagkaroon ng interes sa pagpipinta habang nasa paaralan pa. Unti-unti, ito ay lumago sa gawain ng kanyang buong buhay, at ang natanggap na pilosopikal na antas ay pinatindi lamang ang pagnanais na patunayan sa mundo na "Ang unang tao ay isang artista!", dahil “Si Adan, na kumain mula sa Puno ng Kaalaman, ay naghangad na makakuha malikhaing buhay, upang maging katulad ng Diyos - "tagalikha ng mga mundo".

Ang mga unang gawa ng pintor ay mga libreng asosasyon, pangarap, o, sa madaling salita, isang paraan ng automatismo. Sa istilo ni Jackson Pollock, si Newman noong 1944-1945 ay lumikha ng isang serye ng mga calligraphic-surreal na mga guhit na Untitled, The Blessing.

Ang mga kuwadro na gawa, na ipinakita sa isang personal na eksibisyon noong 1950, ay nakikilala sa pamamagitan ng paggamit ng mga parunggit at isang kabalintunaan na kumbinasyon ng mga anyo. Ang ibig sabihin ng marami o walang ibig sabihin ay ang prinsipyo ng surrealismo, kaya naman naiintindihan ng lahat ang unang bahagi ng Newman sa kanilang sariling paraan. Ang artist mismo ang nagsabi na ang kanyang mga gawa ay mayaman sa emosyonal na nilalaman. Nagtakda siya ng isang mataas na layunin para sa kanyang sarili - upang lumiko sa mga konsepto ng paggawa ng panahon: tao, kalikasan, buhay, kamatayan.

Ang mga pamagat ng mga pagpipinta ni Newman ay idinisenyo upang pukawin ang mga damdamin at damdaming ibinibigay ng may-akda nang may kulay lamang sa isang mundong walang layunin. Sa kasamaang palad, inakusahan ng mga kritiko ang kanyang trabaho na walang laman. Kaugnay nito, pinilit ni Newman na umalis sa arena ng sining nang ilang oras ang hindi nakakaakit na mga pagsusuri, ngunit, tulad ng nangyari, hindi umalis, ngunit upang itago. Isang walong taong pahinga ang humantong sa artist sa abstract expressionism.

Ang panimulang punto para sa isang bagong yugto ng pagkamalikhain ng expressionist ay isang retrospective ng kanyang mga gawa. Ang mga gawa ni Barnett Newman, na ipinakita sa publiko noong 1858, ay isinagawa sa isang ganap na bagong paraan. Ang kanyang mga canvases ay naging mas malaking format at ginawa sa maliliwanag na kulay. Ang isang tinatawag na "zipper" o patayong guhit ay lumitaw sa kanila - business card Bagong tao.

Ang serye ng Onement ("Pagtubos"), na binubuo ng anim na mga pintura, ay sumasalamin sa pagkakaisa at kabuuan ng buhay. Ang artista ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga pilosopikal na halaga, kaya ang lahat ng mga gawa ay maaaring ituring na simboliko, at ang kanilang mga pangalan ay metaporikal. Ang mga hangganan ng tono sa kanila ay hindi aktwal na naghihiwalay ng anuman, ngunit ipahayag ang isa sa mga pangunahing prinsipyo ng Amerika - kalayaan. Sumulat ang American art critic na si Clement Greenberg:

"Ang mga hangganan ng malalaking canvases ni Newman ay gumaganap ng parehong papel bilang mga panloob na linya ng mga form. Naghahati sila, ngunit hindi naghihiwalay, nagsasara o nagbubukod ng anuman. Nagtakda sila ng mga hangganan, ngunit hindi nililimitahan ang anuman."

Bilang karagdagan sa pagpipinta, nagtrabaho din si Newman sa iskultura. Ang Broken Obelisk ay humanga sa monumentalidad nito. Ito ay isang baligtad na obelisk na tila lumulutang sa hangin. Ang mga piramide at obelisk ay matagal nang itinuturing na isang simbolo ng kamatayan, ngunit muling binibigyang kahulugan ng artist ang konseptong ito, na ginagawang kamatayan ang walang katapusang buhay.

Habang lumilikha ng mga abstract na pagpipinta, si Barnett Newman ay lumikha ng kanyang sariling mga tagubilin para sa pag-unawa sa kanyang trabaho. Iginiit niya na ang kanyang mga canvases, salungat sa kasalukuyang prinsipyo, ay dapat na tingnan hindi mula sa layo na katumbas ng taas ng canvas, ngunit mula sa pagiging eksklusibong malapit dito. Lumilikha ito ng epekto ng paglulubog sa mundo ng mga makukulay na larangan.

Maya-maya pa dakilang kinatawan Ang abstract expressionist ay nagsimulang maglagay ng mga karatula na may mga tagubilin nang direkta sa mga eksibisyon, sa paniniwalang malapit sa kanyang trabaho maaari silang mag-apela sa kamalayan sa sarili ng isang tao.

1. Pablo Picasso. Pangarap - $155 milyon

Ipininta ng master ang gawaing ito noong 1932 sa kanyang kastilyo ng Boisgeloup, na matatagpuan 63 km mula sa Paris. Si Maria-Therese Walter, na sa oras na iyon ay ang kanyang tanging modelo, pangunahing tauhang babae at muse, ay nag-pose para sa kanya. Ang "The Dream" ay nilikha sa panahon ng tinatawag na "panahon ng surrealism", isa sa pinakamahirap at hindi pantay na panahon sa trabaho ni Picasso. Ang katamtamang laki ng canvas (130x97 cm) ay unang naibenta sa Christie's auction noong Setyembre 11, 1997 at napunta sa ilalim ng martilyo sa halagang $48.4 milyon Pagkaraan ng siyam na taon, ang pagpipinta ay muling lumitaw sa merkado ng sining, ngunit may halaga na $139 Gayunpaman, bago ang pagbebenta, isang hindi inaasahang insidente ang naganap: isang araw bago ang palitan para sa napagkasunduang halaga, nakatayo nang nakatalikod sa pagpipinta, sinabi niya sa kanyang mga bisita ang tungkol sa buhay ng artista, siya ay nadala sa pamamagitan ng. ang kanyang kuwento at emosyonal na sisingilin na siya gesticulated sa lahat ng oras, Steve Wynn hindi inaasahang pindutin ang pagpipinta gamit ang kanyang kanang siko at napunit ito Naturally, ang deal ay nakansela, at ang pagpipinta ay ipinadala para sa pagpapanumbalik Noong Marso 2013, nalaman na ang dating kalaban para sa pagpipinta ay si Steven Cohen, ang parehong "nasira." at ang "Dream" ni Picasso ay naibenta sa halagang $155 milyon para sa pintor na ito (ipinahayag ni Stephen Cohen ang opinyon na pagkatapos ng pagpapanumbalik ay naging mas mahusay ang pagpipinta, at siya mismo ay nagdagdag ng $16 milyon sa itaas). Walang sinuman ang nakabili ng mas mahal kaysa sa Picasso.

2. Francis Bacon. Tatlong pag-aaral ng larawan ni Lucian Freud - $142.4 milyon

Ang gawaing ito ay ipininta ng pintor noong 1969 sa Royal College of Art sa London. Inilalarawan nito ang isa pang pintor ng Britanya at ang malapit na kaibigan ni Bacon noong panahong iyon, si Lucian Freud. Ang bawat bahagi ng triptych ay may parehong sukat na 198x147.5 cm Ito ay unang ipinakita sa isang eksibisyon sa Turin, sa Galleria d'Arte Galatea. Noong kalagitnaan ng 70s ng huling siglo, tatlong bahagi ng triptych, pagkatapos ng isang eksibisyon sa Grand Palais, ay pumunta sa iba't ibang direksyon - Roma, Paris at Japan, at noong huling bahagi ng 80s, sa pamamagitan ng pagsisikap ng isang kolektor ng Italyano mula sa Ang Rome, Francesco de Simone Niques, ay muling pinagsama at ipinakita noong 1999 sa American Yale Center para sa British Art. Noong Nobyembre 12, 2013, sa loob ng 6 na minuto, naibenta ang triptych sa auction ni Christie para sa isang record na presyo bukas na bidding presyo - $142.4 milyon. Sa una, ang pangalan ng bumibili ay hindi iniulat, ngunit pagkaraan ng ilang oras ay nakilala ito. Taliwas sa di-umano'y alingawngaw ayon sa kung saan ang gawa ng English artist ay binili ng kapatid ng Emir ng Qatar na si Al-Mayassa-bint-Hamad-bin-Khalifa-al-Tan at, sa katunayan, ang masayang may-ari ng triptych ni Francis Bacon "Three Studies for a Portrait of Lucian Freud" ay ang 70 taong gulang na si Elaine Winn, dating asawa Ang American tycoon na si Steve Wynn, ang parehong nagsiko kay Picasso.

3. Barnett Newman. Anna's Light - $106 milyon

Si Barnett Newman ay mayroon lamang siyam na pampublikong benta (hindi tulad ng Picasso, na mayroon nang 359), na hindi pumipigil sa Amerikanong ito na maging nasa elite division ng karamihan. mahal na mga artista. Sa totoo lang, walang maraming naibebentang gawa si Barnett Newman - 120 lang, dahil personal niyang winasak ang lahat ng mga naunang gawa niya noong 1940. Ang Liwanag ni Anna, na ipininta ni Newman noong 1968 at pinangalanan bilang alaala ng kanyang ina, na namatay noong 1965, ay ang pinakamalaki sa lahat. malikhaing pamana artista. Ang mga sukat nito ay tunay na kahanga-hanga - 610.5 x 275 cm Para kay Newman ito ay napakahalaga, inilagay niya ang espesyal na kahalagahan sa laki bilang pangunahing bahagi ng visual na karanasan. At siyempre, hindi natin dapat kalimutan ang tungkol sa hanay ng pulang kulay, na pinagsama ng artist sa ilang mga layer upang makamit ang ninanais na saturation at gawin itong pisikal na nakikita para sa manonood, na nangingibabaw sa kanya. Ang artista ay nakatagpo ng isang tao na may isang alon ng hindi mahahati na kulay, na, sa kanyang opinyon, ay dapat na maging nakabubuo na simula ng isang bagong mundo, dahil, sa mga salita ni Newman mismo, "ang tao ay isang trahedya na nilalang, at ang kakanyahan nito. ang trahedya ay nasa metapisiko na problema ng bahagi at ng kabuuan."

4. Andy Warhol. Silver Car Crash (Double Wreck) – $105.4 milyon

Ang gawang ito ng hari ng pop art, na may petsang 1963, ay isang 250x400 cm na canvas kung saan inilipat at ginawang kopya ang isang larawang kinunan mula sa isang pahayagan ng isang kotseng bumagsak sa puno gamit ang silk-screen printing (paboritong pamamaraan ng Warhol). Para sa gawaing ito, gumamit si Warhol ng silver reflective paint. Isa ito sa apat na dalawang bahagi na gawa ni Warhol mula 1963 na naglalarawan ng mga aksidente sa sasakyan, kung saan ang kalahati ay naglalarawan ng isang aksidente sa kalsada at ang isa ay isang monochrome na silver surface. Ang natitirang tatlong mga gawa sa serye, sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Kamatayan at Kalamidad," ay naka-imbak sa mga koleksyon ng museo USA, Switzerland at Austria. Sa aking palagay, si Warhol ay nakabuo ng isang mahusay na metapora para sa buhay at kamatayan, kapag ang trahedya ay katabi ng isang ganap na kawalan. Ang pagpipinta ay dumaan na sa mga koleksyon ng Gunther Sachs, Charles Saatchi at Thomas Ammann, na nagdaragdag lamang sa bigat ng kolektor nito at nagpapataas ng presyo nito.

5. Jeff Koons. Aso mula sa hot air balloon— $58.4 milyon

Tagapagmana ng Duchamp at maliwanag na kinatawan simulationism sa kontemporaryong sining, gumawa si Jeff Koons ng isang buong serye ng mga eskultura noong 1990s na ginagaya ang mga laruan na gawa sa pahaba. mga lobo. Limang halimbawa ng mga aso ang ginawa. Ang lahat ng mga ito ay gawa sa makintab, pinakintab na salamin na bakal at naiiba lamang sa isa't isa sa kulay. Bilang karagdagan sa orange na "Balloon Dog" na naibenta sa halagang $58.4 milyon, mayroon ding mga purple, red, yellow at blue. Ang taas ng mga higanteng aso ay umabot sa tatlong metro, at bawat isa ay tumitimbang ng isang tonelada. Ang mga eskultura mula sa seryeng ito ay kasama sa koleksyon mga sikat na kolektor Steven Cohen, Eli Broad at Francois Pinault. Matapos ang pagbebenta noong 2013, nakuha ni Jeff Koons ang katayuan ng pinakamahal na buhay na artista.

6. Jackson Pollock. Numero 19 - $58.4 milyon

Si Jackson Pollock, na nagtrabaho gamit ang dripping technique na kanyang naimbento, ay lumikha ng "Number 19" noong 1948, noong ang abstract expressionism ay umuusbong lamang sa Amerika. Kasabay nito, dapat maunawaan ng isa na ang abstract expressionism ay hindi isang solong kilusan na may sarili nitong kilusan mga tampok na istilo, ngunit sa halip ay isang pangkalahatang pananaw sa mismong kalikasan ng sining - isang kusang pagpapahayag panloob na mundo, subjective na mga asosasyon ng hindi malay sa hindi organisado lohikal na pag-iisip abstract na mga anyo. At sa ganitong diwa, si Pollock ang pinaka-maimpluwensyang mangangaral ng kilusang ito at isang ganap na klasiko. Ang kanyang "action painting" ay nagbigay ng isang malakas na puwersa sa umuusbong na bagong sining. Ang pagkakaroon ng isang maliit na sukat (78.4 x 57.4 cm), ang pagpipinta ni Jackson Pollock na "Number 19" ay ipininta sa panahon ng pinaka-produktibong panahon ng buhay ng master, ilang sandali bago ang kanyang unang solo na eksibisyon sa Betty Parsons Gallery, na naging isang pang-amoy at isang pinansiyal. tagumpay. Tulad ng makikita ngayon, ang tagumpay na ito ay kasama ng gawain ni Pollock hanggang sa araw na ito.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3) - $57.3 milyon

Muli sa listahan ay ang taong nag-imbento ng disco mirror ball: Andy Warhol. Sa pagkakataong ito ay may orihinal na itim at puting imahe ng isang life-size na bote ng Coca-Cola (176.2 x 137.2 cm), na nilikha noong 1962. Ito ay pinaniniwalaan na sa gawaing ito nagsimula ang martsa ng pop art sa buong planeta. Marami ang nagsasabi na lumikha si Warhol ng "portrait of a generation" sa pamamagitan ng pagpili na ilarawan ito sa canvas unibersal na simbolo. Ipinaliwanag mismo ng master ang kanyang pinili tulad ng sumusunod: "Ang nagpapaganda sa Amerika ay ang pinakamayamang tao ay bumili ng eksaktong parehong mga kalakal bilang ang pinakamahihirap. Alam mo na umiinom ng Coca-Cola ang Presidente, tuwang-tuwa si Liz Taylor sa Coca-Cola at ikaw, isipin mo, makakainom ka rin ng Coca-Cola! Ang Coca-Cola ay palaging ang parehong Coca-Cola, gaano man karaming pera ang babayaran mo." Upang maging patas, hindi si Andy Warhol ang unang artista na na-inspirasyon ng isang bote ng Coke. Nabatid na sina Salvador Dali at Marisol Escobar ay mayroon ding malambot na damdamin para sa kanya, ngunit si Warhol ang nagawang lumikha ng panghuling obra maestra mula sa kanya.

8. Roy Lichtenstein. Babae sa isang sumbrero na may mga bulaklak - $56.1 milyon

Ang sikat na maliit na pop art work (127x101.6 cm) ay batay sa 1940 na pagpipinta ng parehong pangalan ni Pablo Picasso. Ayon kay Lichtenstein, ang Spanish master ay naging object ng pop culture sa kanyang buhay at samakatuwid dapat na siya ngayon ay kabilang sa lahat. Si Picasso, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi lamang ang artist na "isinalin" ni Lichtenstein sa ganitong paraan sa pinasimpleng wika ng pop culture. Nandiyan din sina Monet, Matisse, Leger, Mondrian. Ngunit kung ang pangunahing ideya ng pop art ay ang pagbabago ng mga kalakal sa sining, kung gayon ang buong kabalintunaan dito ay nasa kabaligtaran na kilusan. Kaya si Roy Lichtenstein, na nakatanggap ng klasikal na edukasyon sa larangan sining, "tinanggal" ang impluwensya ng kanyang mga kagalang-galang na mga nauna, kung saan siya nahulog sa kanyang kabataan, balintuna na inilipat ang kanilang mga gawa sa rehistro ng stereotypical mass consciousness sa tulong ng mga marangya na kulay, imitasyon ng pang-industriya na pag-print at aesthetics ng comic book. Ngunit sa nangyari, ang mga obra maestra na naging "pekeng" ng kamay ni Lichtenstein ay nagbabalik na ngayon sa amin bilang mga bagong obra maestra.

9. Alberto Giacometti. Malaking Payat na Ulo (Big Head Diego) – $50 milyon

Ang eskultura ni Alberto Giacometti, na nilikha noong 1955, ay 65 sentimetro ang taas na bust ng nakababatang kapatid ng iskultor, na naging paborito niyang sitter sa buong buhay niya. Inihagis sa tanso, ito ay inilaan upang mai-install sa isang plaza ng kalye sa New York, ngunit hindi ito nakarating doon. Kasama ng kanyang maalamat na Walking Man, ang iskulturang ito ay itinuturing ding iconic para sa gawa ni Giacometti. Ang "Diego's Big Head" ay isa sa pinaka-radikal at emosyonal na mga gawa ng may-akda. Ang kanyang natatanging pamamaraan ay lumilikha ng impresyon ng hindi kumpleto at sumisimbolo sa di-kasakdalan ng mundo, at ang kahinaan, kahinaan at kawalan ng pagtatanggol ng tao sa mga imahe ng master ay naglalaman ng mga ideya ng eksistensyalismo - kapaligiran tulad ng asido, sinisira nito at binabago ang ibabaw ng katawan, na pinipilit ang isang tao na buong tapang na mabuhay sa kanyang buhay sa walang hanggang paggalaw at isang walang hanggang paghahanap para sa isang mas mahusay na kapalaran. Sa kasamaang palad, natigil ang trabaho sa Big Head ni Diego dahil sa pagkamatay ng may-akda. Kaya, sa katunayan, ito ay isa sa pinakabagong mga gawa Giacometti.

10. Jean-Michel Basquiat. Foggy Heads - $48.8 milyon

Anuman ang masabi ng isa, ang neo-expressionist na si Jean-Michel Basquiat, isang mang-aawit ng New York underground noong unang kalahati ng dekada 80, na nagbukas ng mundo ng graffiti para sa atin at namatay sa edad na 27 mula sa labis na dosis ng heroin, ay nakikipagtulungan sa ang kanyang maliwanag at maikling kwento buhay. Ang artist ay sa wakas ay "nasubok" at ngayon ay inilagay sa isang par sa Warhol at Pollock, dalawang colossuses ng American art ng ika-20 siglo. Ito ay malinaw na kinumpirma ng mga benta sa auction. Ang dating maximum para sa pagbebenta ng mga painting ng artist na ito ay naitala sa $28.97 milyon. Ngayon ay naipasa na at, sa paghusga ng mga eksperto, hindi ito ang limitasyon - tataas lamang ang presyo. Pagpinta ng "Blizzarded Heads" (182.8x213.3 cm) — maagang trabaho pintor, na ipininta niya noong 1982, noong panahong nabighani siya sa mga maskarang ritwal, kalansay at mga paksang Haitian, at nang maganap ang kaganapang nagpapaliwanag sa kanya. mamaya buhay nakipagkita kay Andy Warhol, kung kanino, sa pamamagitan ng paraan, siya ay kasunod na lumikha ng ilang magkasanib na mga gawa.

Si Barnett Newman ang pinakakilalang kinatawan ng American division ng abstract art. Ipinanganak siya noong 1905 sa New York. Ang isa pang karaniwang spelling ng kanyang apelyido ay Newman. Sa mga mapagkukunan sa wikang Ingles siya ay kilala bilang Barnett Newman.

Ilang mga painting ang nakaligtas

Sa pamamagitan ng paraan, ang artist na si Barnett Newman ay ganap na nawasak ang lahat ng kanyang maagang mga canvases ay na-cross out at, sa kasamaang-palad, hindi sa lahat ng isang stroke ng kanyang brush. Samakatuwid, ngayon, kapag pinag-uusapan ang gawain ni Newman, pinag-aaralan ng mga mananaliksik ang eksklusibong "nakaligtas" na mga pagpipinta late period sa halagang 120 piraso, sa loob ng isang takdang panahon na halos dalawampu't limang taon.

Mga yugto ng pagbuo

Ang kanyang mga magulang ay mga imigrante mula sa Poland, Hudyo ang pinagmulan. Nag-aral ng pagpipinta ang batang si Barnett Newman sa Art Students League, na kilala rin bilang Art Student League. Ang panahong ito ng pagkamalikhain ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga eksperimento sa istilong automatismo ni Jackson Pollock, pagkatapos ay nabighani si Barnett Newman sa mga graphic, at siya ay bumulusok nang husto sa eroplano ng pagguhit na may mga surrealist na tendensya. Kapansin-pansin na sa parehong oras ay lumikha siya ng isang art school kasama ang mga figure ng American painting noong ikadalawampu siglo bilang Rothko, Motherwell at Baziotis.

Oras na para magbukas

Ang unang solong eksibisyon, na eksklusibong ipinakita ng mga pagpipinta ni Barnett Newman, ay literal na sinira ng mga kritiko ng sining sa mga artikulo ng pagsusuri. Ang resulta ay matagal na depresyon at pag-aatubili na ipakita ang kanyang mga gawa sa publiko, na nagawang makayanan ng artist makalipas lamang ang walong taon, nang magpasya siyang magpakita ng retrospective ng kanyang umiiral na mga gawa. Bilang karagdagan, sa panahong ito ay sinira ni Newman ang lahat ng kanyang maagang mga gawa, kaya masasabi natin nang may kumpiyansa na hindi lamang siya isang mapaghingi na master ng brush, ngunit mahina din.

Karamihan mga tanyag na gawa Barnett Newman - mga painting na ipininta sa pagitan ng 1947 at 1970. Ito ay mga programmatic canvases, na pinangalanan sa isang kalunus-lunos na paraan, na nagsasabi tungkol sa walang bagay na mundo sa pamamagitan lamang ng paggalaw ng brush. Ang "Utos", "Pagkakaisa", "The Chasm of Euclid", "Midnight Blue" at iba pang mga gawa ng abstract artist ngayon ay bumubuo ng mga pribadong koleksyon, kabilang ang koleksyon ng pamilya ng artist, at ipinapakita din sa ilang mga museo sa Estados Unidos. Ang Museo ng Modernong Sining sa New York ay marahil ang pinaka kumpletong koleksyon, na sumasaklaw sa iba't ibang panahon ng buhay ng artista.

ugali ni Newman

Ang mga kritiko ay nagraranggo sa kanya sa mga kinatawan ng Amerikano Ang nasabing isang kilalang teorista bilang Clement Greenberg ay nagbigay sa pagpipinta na ito ng kahulugan ng field painting na literal na nananatili dito, na malinaw na nagpapakita ng pagkakaiba sa pagitan ng mga nilikha sa isang linear na paraan ng automatism at sparkling Matitingkad na kulay malalaking Rothko at Newman na mga eroplano. Ang "Field Painting" ay hindi nagpapahiwatig ng mga pastoral na landscape, ngunit nailalarawan ang pagmamahal ng dalawang masters para sa monochromatic na malalaking pahalang na eroplano sa kanilang mga gawa. Isinasaalang-alang ng mga mananaliksik na ang estilo na ito ay may binibigkas na pilosopiko na tono, at ang mga hangganan ng mga tono na ipinakita sa canvas ay hindi aktwal na naghihiwalay ng anuman, na nangangahulugang ito ay isang pagpipinta na nagpapahayag ng isa sa mga pangunahing prinsipyo ng Amerika - kalayaan.

Inspirasyon

Si Barnett Newman (ang artista) ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga pilosopikal na halaga. Noong 1947, ipinahayag niya ang mataas na layunin ng anumang sining - hindi para maging panandalian, ngunit lumiko sa mga konseptong gumagawa ng kapanahunan: buhay, kamatayan, tao at kalikasan. Ang mga kumplikadong pangalan na ibinigay sa mga canvases ay nagbigay-diin sa palette ng mga damdamin at emosyon na sinubukan ng artist na ihatid nang may kulay lamang sa isang hindi layunin na mundo. Sa kasamaang palad, mga kritiko ng sining Na-appreciate namin ang diskarteng ito nang maglaon.

Paano tingnan ang mga pagpipinta ni Newman

Mayroong isang hindi binibigkas na panuntunan sa mga artista at mahilig sa sining: upang makakuha ng isang pangkalahatang impression ng canvas, kailangan mong lumayo mula dito sa layo na katumbas ng taas nito. Ang isang katulad na prinsipyo ay pinamamahalaan mula sa Middle Ages hanggang sa Renaissance at higit pa pagkatapos, ngunit iginiit ni Barnett Newman na ang kanyang mga kuwadro ay dapat na tingnan nang eksklusibo mula sa isang malapit na distansya. Ano ang ibinibigay ng diskarteng ito? Ang epekto ng paglubog ng manonood sa mundo ng makulay na larangan. Nang maglaon, ang master ng New York ay nagsimulang mag-post ng mga tagubilin kung paano direktang tumingin sa kanyang mga kuwadro na gawa sa mga eksibisyon.

Mahal na pagbili

Ang hindi tinanggap ng kanyang mga kasabayan hanggang sa huli na panahon ng kanyang trabaho ay pinahahalagahan sa kalaunan at lalo na sa ating panahon. Ang mga canvases ng American master of abstract art ay pana-panahong lumalabas sa mga kilalang auction, kabilang ang sikat na auction Sotheby's. Isa sa kanila, na pumasok sa ilalim ng martilyo Kamakailan lamang, ay nagkakahalaga ng $30 milyon.

At sa parehong oras, ang pagkamalikhain ng artist ay hindi nakakaganyak sa lahat. positibong emosyon. Ang Onement VI ni Barnett Newman ay tinawag ng ilan sa mga pinakawalang halaga at kasuklam-suklam na mga piraso ng sining na dumating sa auction. Ang presyo para sa pagpipinta sa huling sale noong 2013 sa Sotheby's ay higit sa $43 milyon;

Ang paglikha ay iniuugnay sa tinatawag na kidlat, kumpara sa pahalang na "mga patlang". Ang kabuuang sukat ng trabaho ay 2.6 x 3 m.

Inialay ni Barnett Newman ang "Anna's Light" sa kanyang yumaong ina. Sa mahigpit na pagsasalita, ang bagay na ito ay isang pahalang na canvas ng kahanga-hangang laki, na puno ng carmine red na pintura. Noong 2013, ang "obra maestra" ay inilagay din sa auction at napunta sa ilalim ng martilyo para sa 106 (!) milyong dolyar.

SA teknikal na bahagi Kapansin-pansin ang canvas dahil kinailangan ni Newman na makipagpunyagi sa makinang na kapangyarihan ng pulang kulay, na kumukuha ng karagdagang liwanag mula sa translucent white primed canvas. Ang ilang mga layer ng pulang pintura ay nag-alis ng kulay ng kalidad na ito at ginawa itong "mapurol" at "pagluluksa", sa paraang, sa opinyon ng artist, dapat itong nasa sitwasyong ito.