Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Magkano ang halaga ng kontemporaryong sining? Aling mga buhay na artista ang nagtatamasa ng pinakamalaking pagkilala, ang sukat nito ay mga banknotes? Sinagot ng Artnet website ang tanong na ito sa pamamagitan ng pagsusuri sa mga resulta ng mga auction mula 2011 hanggang 2015 at pag-compile ng isang listahan pinakamahusay na nagbebenta ng mga kontemporaryong artista. Naku, walang creator mula sa Russia sa listahan.

10. Ed Rusha

Noong 60s ng huling siglo, si Ed, kasama ang mga sikat na artista tulad nina Andy Warhol at Jim Dine, ay nakibahagi sa makasaysayang kaganapan na "Bagong Larawan mga ordinaryong bagay" Isa ito sa mga unang eksibisyon ng umuusbong na istilo ng Pop Art sa Amerika. Para sa hindi maliwanag na mata, ang mga painting ni Rushei ay halos kamukha ng mga naka-stensil na inskripsiyon sa backdrop ng mga landscape o isang masasayang splash ng mga bulaklak. Gayunpaman, sa loob ng 4 na taon ang kanyang mga nilikha ay naibenta sa kabuuang halaga $129,030,255.

9. Richard Prince

Gumawa si Richard ng pangalan para sa kanyang sarili sa pamamagitan ng muling pagkuha ng mga larawan mula sa mga naka-print na advertisement, pag-edit ng mga ito sa random na pagkakasunud-sunod at pagpapaganda sa mga ito ng mga punchy slogan. Ang mga Marlboro cowboy, celebrity, porn star, nurse at biker girlfriend ay nagdusa lahat sa kanyang mga kamay. Nagpinta rin siya ng mga hood ng kotse. Pinahahalagahan ng publiko ang kanyang mga gawa $146,056,862– ito ang eksaktong halaga kung saan naibenta ang ilan sa mga gawa ng artist.

8. Yayoi Kusama

Ang artista, na may sakit sa pag-iisip, ay gustong takpan ang mga ibabaw ng mga tuldok ng pintura - tinatawag na "infinity nets". Nagawa niyang gawing trademark ang gisantes na ito at ang sarili niyang sakit at ngayon ay ang pinakamabentang kontemporaryong artista sa mundo ( $152,768,689).

7. Peter Doig

Isa sa mga kinatawan ng tradisyonal pagpipinta ng tanawin. Ang kanyang trabaho ay patuloy na popular sa mga manonood na pagod na sa hyper-ironic postmodernism - pagkatapos ng lahat, pagkatapos ng mga inskripsiyon, mga collage ng mga larawan at mga polka-dot na upuan, napakasarap itigil ang iyong tingin sa tropikal na tanawin ng gabi. Sa loob ng 4 na taon, naibenta ang mga kuwadro na gawa $155,229,785.

6. Fan Zeng

Mabenta rin ang mga calligraphic inscription, transparent watercolor landscape at portrait sa tradisyonal na istilong Tsino - $176,718,242 mula 2011 hanggang 2015.

5. Cui Ruzhou

Ang kontemporaryong Chinese artist na ito ay sikat sa kanyang mga ink painting ng mga bulaklak, ibon at landscape. Gayunpaman ordinaryong tao hindi maintindihan ang makapangyarihang kapangyarihan ng sining - at noong 2012, aksidenteng itinapon ng isang cleaning lady sa Grand Hayatt Hotel ang isa sa kanyang mga gawa na nagkakahalaga ng $3.7 milyon sa basurahan. Ang mga gawa ni Cui Ruzhou ay naibenta sa nakalipas na 4 na taon $223,551,382.

4. Zeng Fanzhi

Ang kumplikadong maraming kulay ay gawa ng isa pang artistang Tsino, kung saan ang mga buhay na nilalang at mga bagay ay nakakabit sa isang web o nawala sa isang kagubatan ng taglamig, pati na rin ang mga nagbabantang pioneer na may duguan na mga kamay, na naibenta rin nang mahusay mula 2011 hanggang 2015 - para sa $267,949,220.

3. Christopher Wool

Ang trademark ni Christopher ay malalaking puting canvases na may itim na letra. Apat sa mga titik na ito na nagbabaybay ng salitang Riot ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $29.9 milyon. At sa loob lamang ng 4 na taon, ang mga gawa ng artist ay naibenta sa halagang $323,997,854.

2. Jeff Koons

Ang dating asawa ng porn star na si Cicciolina ay mas gustong magtrabaho sa neo-pop genre. Siya ay lalong sikat sa kanyang mga iskulturang bakal na ginagaya ang mga laruang gawa sa mga pahaba na lobo. Para sa isa sa mga gawa (isang bakal na orange na aso) $58.4 milyon ang binayaran sa auction ni Christie. Balak din ni Jeff na maglagay ng crane sa harap ng Los Angeles Museum of Art kung saan sasabit ang isang steam locomotive upang ito ay bumubuga at naglalabas ng mga ulap ng usok. Mula 2011 hanggang 2015, nagbenta ng mga gawa ang Koons sa kabuuang halaga $379,778,439.

1. Gerard Richter

Sa unang lugar sa pagraranggo ng mga artist na may pinakamahusay na nagbebenta ng mga kuwadro na gawa ay isang master na hindi kahit na isaalang-alang ang kanyang sarili tulad. Ayon kay Gerard, sa mahabang panahon ay lumikha siya ng isang bagay na hindi nauugnay sa sining, komposisyon, kulay, pagkamalikhain, atbp. Ibig sabihin, tinakpan niya ang mga canvases na may mga mantsa ng pintura gamit ang mga scraper at spatula. Isa sa mga kuwadro na ito na tinatawag na "Abstract Image", na pinaka nakapagpapaalaala sa isang pakwan na namatay sa matinding paghihirap, ay pinahahalagahan sa auction ng Sotheby para sa $43.6 milyon, at ang mga gawa ng artist ay naibenta sa katamtamang halaga $1,165,527,419.

No. 20. $75,100,000. "Royal Red and Blue", Mark Rothko, ibinenta noong 2012.

Ang maringal na canvas ay isa sa walong gawa na pinili ng artist para sa kanyang landmark na solo exhibition sa Art Institute of Chicago.

No. 19. $76,700,000. "Masacre of the Innocents", Peter Paul Rubens, nilikha noong 1610.

Ang pagpipinta ay binili ni Kenneth Thompson sa Sotheby's sa London noong Hulyo 2002. Maliwanag at dramatikong gawain Maaaring makipagkumpitensya si Rubens para sa titulong "pinaka hindi inaasahang tagumpay." Pinahahalagahan ni Christie ang pagpipinta na ito sa 5 milyong euro lamang.

No. 18. $78,100,000. "Bal sa Moulin de la Galette", Pierre-Auguste Renoir, ipininta noong 1876.

Ang trabaho ay naibenta noong 1990, sa oras na iyon ay nakalista ito bilang pangalawang pinakamahal na pagpipinta sa mundo na naibenta. Ang may-ari ng obra maestra ay si Ryoei Saito, chairman ng Daishowa Paper Manufacturing Co. Nais niyang i-cremate ang canvas kasama niya pagkatapos ng kanyang kamatayan, ngunit ang kumpanya ay nagkaroon ng problema sa pananalapi sa mga obligasyon nito sa pautang, kaya ang pagpipinta ay kailangang gamitin bilang collateral.

No. 17. 80 milyong dolyar. "Turquoise Marilyn", Andy Warhol, ipininta noong 1964, ibinenta noong 2007.

Binili ni G. Steve Cohen. Ang presyo ay hindi nakumpirma, ngunit ang figure na ito ay karaniwang itinuturing na totoo.

No. 16. 80 milyong dolyar. "False Start" ni Jasper Johns, isinulat noong 1959

Ang pagpipinta ay pag-aari ni David Geffen, na nagbebenta nito sa CEO ng Citadel investment group, Kenneth S. Griffin. Ito ay kinikilala bilang ang pinakamahal na pagpipinta na nabili noong buhay ng artist, ang kultong master na si Jasper Johns.

No. 15. $82,500,000. "Portrait of Doctor Gachet", Vincent Van Gogh, 1890.

Ang Japanese businessman na si Ryoei Saito ay binili ang painting noong 1990 sa auction. Noong panahong iyon, ito ang pinakamahal na pagpipinta sa mundo. Bilang tugon sa hiyaw na lumitaw sa lipunan tungkol sa pagnanais ni Saito na i-cremate ang gawa ng sining kasama niya pagkatapos ng kamatayan, ipinaliwanag ng negosyante na, sa ganitong paraan, ipinapahayag niya ang kanyang walang pag-iimbot na pagmamahal sa pagpipinta.

No. 14. $86,300,000. "Triptych", Francis Bacon, 1976.

Ang tatlong bahaging obra maestra na ito ni Bacon ay sinira ang nakaraang rekord para sa kanyang mga gawang naibenta ($52.68 milyon). Ang pagpipinta ay binili ng bilyonaryo ng Russia na si Roman Abramovich.

No. 13. $87,900,000. "Portrait of Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912.

Ang nag-iisang modelo na inilalarawan ng dalawang beses ni Klimt at naibenta ilang buwan pagkatapos ng unang bersyon. Ito ay larawan ni Bloch-Bauer, isa sa apat na painting na nakakuha ng kabuuang $192 milyon noong 2006. Hindi kilala ang bumibili.

No. 12. $95,200,000. "Dora Maar na may pusa", Pablo Picasso, 1941.

Isa pang Picasso painting na napunta sa ilalim ng martilyo sa isang hindi kapani-paniwalang presyo. Noong 2006, nakuha ito ng isang misteryosong Russian na hindi kilalang tao, na sabay na bumili ng mga gawa nina Monet at Chagall na nagkakahalaga ng kabuuang $100 milyon.

No. 11. $104,200,000. "Boy with a Pipe", Pablo Picasso, 1905.

Ito ang unang pagpipinta na bumagsak sa $100 milyon na hadlang noong 2004. Kakatwa, ang pangalan ng taong nagpakita ng matinding interes sa larawan ni Picasso ay hindi kailanman ginawa sa publiko.

No. 10. $105,400,000. "Silver Car Crash (Double Disaster)", Andy Warhol, 1932.

Ito ang pinakamahal na gawa ng sikat na pop art legend, si Andy Warhol. Naging bituin ang larawan kontemporaryong sining, papunta sa ilalim ng martilyo sa Sotheby's.

No. 9. $106,500,000. "Hubad, berdeng dahon at dibdib", Pablo Picasso, 1932.

Ang sensual at makulay na obra maestra na ito ang naging pinakamahal na gawa ng Picasso na naibenta sa auction. Ang pagpipinta ay nasa koleksyon ni Gng. Sidney F. Brody at hindi naipakita sa publiko mula noong 1961.

No. 8. $110 milyon "Bandila", Jasper Johns, 1958.

Ang "Bandila" ay ang pinaka sikat na gawain Jasper Johns. Ipininta ng pintor ang kanyang unang bandila ng Amerika noong 1954-55.

No. 7. $119,900,000. "The Scream", Edvard Munch, 1895.

Ito ay isang kakaiba at pinaka makulay na gawa ng apat na bersyon ng obra maestra ni Edvard Munch na "The Scream". Isa lamang sa kanila ang nananatili sa pribadong mga kamay.

No. 6. $135,000,000. "Larawan ni Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt.

Hinahangad ni Maria Altman ang karapatang pagmamay-ari ang pagpipinta sa korte, dahil ipinamana ito ni Adele Bloch-Bauer gallery ng estado Kinansela ni Austria, at ng kanyang asawa ang donasyon sa gitna ng mga kaganapan ng World War II. Sa pagkakaroon ng mga legal na karapatan, ipinagbili ni Maria Altman ang larawan kay Ronald Lauder, na nagpakita nito sa kanyang gallery sa New York.

No. 5. $137,500,000. "Babae III", Willem de Kooning.

Ang isa pang pagpipinta na ibinebenta ni Geffen noong 2006, ngunit sa pagkakataong ito ang bumili ay ang bilyunaryo na si Stephen A. Cohen. Ang kakaibang abstraction na ito ay bahagi ng isang serye ng anim na obra maestra ni Kooning, na ipininta sa pagitan ng 1951 at 1953.

No. 4. $140,000,000. "No. 5, 1948", Jackson Pollock.

Tulad ng iniulat sa New York Times, ibinenta ng prodyuser at kolektor ng pelikula na si David Geffen ang pagpipinta kay David Martinez, ang kasosyo sa pamamahala ng FinTech Advisory, bagaman hindi kinumpirma ng huli ang impormasyon. Ang katotohanan ay nababalot ng misteryo.

Taun-taon, ang portal ng Artprice ay naglalathala ng isang listahan ng mga pinakamahal na artista sa mundo, na ang mga gawa ay ibinebenta sa auction para sa mga kahanga-hangang halaga. Bilang isang patakaran, ang rating na ito ay kinabibilangan ng mga pangalan ng mga sikat na pintor at eskultor, ang mga presyo ng kung saan ang mga gawa ay maaaring maging sanhi ng pagkahilo sa iyo. Kasama sa nangungunang sampung ng rating na "Artprcie" ang mga masters gaya ng: Claude Monet, Qi Baishi, Alberto Giacometti at Jeff Koons. Noong 2014, ang mga gawa ng sampu sa mga pinakamahal na artist at sculptor ay naibenta sa auction sa halagang $2.7 bilyon. Ang pinakamahal na gawa, ang iskultura na "Chariot" ni Giacometti, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $90 milyon. Gusto mo bang malaman kung sino ang nasa nangungunang limang pinakamahal na artista sa mundo? Basahin ang aming post.

10 LARAWAN

Ang materyal ay inihanda sa suporta ng online creativity hypermarket http://rosa.ua/catalog/s1161_molberti/, na nag-aalok ng malawak na seleksyon ng mga easel ng mga pinakasikat na uri.

1. Ang ikalimang lugar sa mga pinakamahal na artista sa mundo ay inookupahan ni Mark Rothko, isang Amerikanong artista, isang kinatawan ng abstract expressionism, at din ang lumikha ng "color field painting." Noong nakaraang taon, ang kanyang mga gawa ay naibenta sa auction sa kabuuang $249.2 milyon, at ang pinakamahal sa mga ito ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $59 milyon. (Larawan: Getty Images).
2. Ang pinakamahal na pagpipinta ni Mark Rothko ay "Orange, Red, Yellow" (pictured), na nabili sa Christie's noong Mayo 2012 sa halagang $77.5 million. (Larawan: Jeremy Yoder/flickr.com). 3. Nakuha ni Gerhard Richter ang ikaapat na puwesto sa ranggo - siya lamang ang nabubuhay na artista na kabilang sa nangungunang limang pinakamahal na masters sa mundo. Hindi siya labis na nagulat sa kanyang mataas na posisyon sa ranggo, ngunit sa kanyang pagkamalikhain, na sa pangkalahatan ay mahirap na uriin. Samakatuwid, hindi nakakagulat na ang kanyang mga gawa ay napakapopular at ibinebenta sa auction para sa mas mataas na halaga. (Larawan: Getty Images).
4. Noong 2014, may kabuuang 258 na gawa ni Gerhard Richter ang naibenta sa kabuuang halaga na $254.3 milyon. Ang kanyang pinakamahal na gawa ay ang 1989 na pagpipinta na "Abstraktes Bild" (nakalarawan), na noon bahay ng auction Nabenta si Christie sa halagang $28.7 milyon.
5. Ang ikatlong pwesto sa mga pinakamahal na artista sa mundo ay kinuha ni Francis Bacon, isang self-taught Irish artist. Noong nakaraang taon, 122 na mga painting ang naibenta sa halagang $270 milyon. (Larawan: Getty Images).
6. Ang pinakamahal na pagpipinta ni Francis Bacon ay ang triptych na "Three Sketches for a Portrait of Lucian Freud" (1969), na na-auction noong 2013 sa halagang $142.4 million. Ito ang kasalukuyang pinakamahal na gawa ng sining sa kasaysayan ng merkado ng auction. (Larawan: Garrett Bithell/flickr.com).
7. Sa pangalawang lugar sa ranggo ng mga pinakamahal na artista sa mundo ay si Pablo Picasso, na ang mga gawa ay naibenta noong nakaraang taon sa halagang $375 milyon. (Larawan: Getty Images).
8. Ang pinakamahal na gawa ni Pablo Picasso at ang pangatlo sa listahan ng mga pinakamahal na painting sa mundo ay ang “Hubad, berdeng dahon at bust" (nakalarawan) 1932, ibinenta noong 2010 sa halagang $106.5 milyon. (Larawan: James R fauxtoes/flickr.com).
9. Batay sa mga resulta ng 2014, si Andy Warhol ang naging pinakamahal na artista sa mundo. Ang kanyang mga pintura ay naibenta sa halagang $569.5 milyon. Para sa paghahambing, nabigo ang buong French art auction market na makamit ang naturang dami ng benta noong nakaraang taon. (Larawan: Getty Images).
10. Noong 2014, ang pinakamahal na pagpipinta ni Andy Warhol ay "Elvis Triple" (1963), na naibenta sa auction sa halagang $81.9 milyon. (Larawan: lar3/flickr.com).

Rating ng mga resulta ng auction ng mga gawa ng sining ng Russia

1. Tanging ang mga resulta ng pampublikong auction ang tinanggap para sa pakikilahok.
2. Ang pag-aari ng mga artistang Ruso ay tinutukoy ng lugar ng kapanganakan. Ipinanganak sa Imperyo ng Russia o sa USSR - nangangahulugan ito na siya ay isang artistang Ruso, nang walang pagsasaalang-alang sa pinagmulang etniko o mga diskwento sa kung paano nabuo ang kapalaran sa hinaharap. Halimbawa, ang katotohanan na si Kandinsky sa magkaibang panahon ay may parehong Russian at German citizenship, at siya ay namatay na may French citizenship, ay hindi isang dahilan para magduda na ang artist ay Russian.
3. Panuntunan: isang artista - isang pagpipinta. Iyon ay, ang sitwasyon kung saan, mahigpit na pagsasalita, ang lahat ng mga unang lugar ay kailangang ilaan sa mga gawa ni Mark Rothko, ay nalutas sa ganitong paraan: iniiwan lamang namin ang pinakamahal na trabaho, at binabalewala ang lahat ng iba pang mga resulta para sa mga pagpipinta ng artist na ito. .

Ang rating ay batay sa mga resulta na isinasaalang-alang ang Buyers Premium, na ipinahayag sa dolyar (mga numero na ipinapakita sa mga auction sa Europa, ibig sabihin, sa pounds o euro, ay na-convert sa mga dolyar sa exchange rate sa araw ng pangangalakal). Samakatuwid, hindi ang "The Spanish Flu" ni Goncharova, na naibenta noong Pebrero 2, 2010 sa halagang £6.43 milyon, o ang pagpipinta na "View of Constantinople and the Bosphorus Strait" ni Aivazovsky, kung saan £3.23 milyon ang binayaran noong Abril 24, 2012, ay hindi kasama sa rating sa currency ng transaksyon, i.e. sa pounds, mas mahal ang mga ito kaysa sa mga painting na naganap sa ranking, ngunit hindi sila pinalad sa halaga ng palitan ng dolyar.

1. $86.88 milyon Mark Rothko. Kahel, Pula, Dilaw (1961)

Isa sa pinaka mga mahiwagang artista pagiging makabago. Ang kanyang landas ng buhay na parang pinagtagpi mula sa mga kontradiksyon - sa mga malikhaing paghahanap, sa mga aksyon, sa mga kilos... Itinuturing na isa sa mga ideologist at, siyempre, isang pangunahing pigura sa abstract expressionism ng Amerika, hindi nakatiis si Rothko nang ang kanyang mga gawa ay tinawag na abstract. Noong nakaraan, alam na alam niya kung ano ang pamumuhay mula sa kamay hanggang sa bibig, minsan ay mapanlinlang niyang ibinalik sa kanyang mga customer ang isang napakahusay na pag-unlad sa mga tuntunin ng pera ngayon, na iniwan ang kanyang sarili sa halos ganap na natapos na trabaho. Sa paghihintay para sa kanyang tagumpay at pagkakataon na kumita mula sa pagpipinta sa halos limampung taon, higit sa isang beses ay tumanggi siya sa mga taong maaaring sirain ang kanyang karera kung gusto nila. Hindi bababa sa, isang sosyalista sa puso, na ibinahagi ang mga ideya ni Marx at laban sa mayayaman at kayamanan, si Rothko ay naging may-akda ng pinakamahal na mga pintura sa mundo, na talagang naging isang katangian ng mataas na katayuan ng kanilang mga may-ari. (Hindi biro, ang record-breaking na “White Center,” na ibinebenta sa halagang $65 milyon, ay nagmula sa pamilyang Rockefeller.) Nangangarap ng pagkilala ng mass audience, sa kalaunan ay naging lumikha siya ng mga painting na talagang naiintindihan pa rin ng isang bilog. ng mga intelektwal at connoisseurs. Sa wakas, ang artista, na naghahanap ng pakikipag-usap sa Diyos sa pamamagitan ng musika ng kanyang mga canvases, ang artista, na ang mga gawa ay naging pangunahing elemento sa disenyo ng simbahan ng lahat ng relihiyon, ay nagtapos sa kanyang buhay sa isang ganap na desperadong pagkilos ng pakikipaglaban sa Diyos. ..

Si Rothko, na naalala ang Pale of Settlement at ang Cossacks, ay maaaring nagulat na ipinagmamalaki din nila siya bilang isang Russian artist. Gayunpaman, maraming anti-Semitism sa Amerika noong 1930s - hindi nagkataon na "pinutol" ng artista ang apelyido ng pamilya na Rotkovich. Ngunit tinawag namin siyang Ruso para sa isang dahilan. Upang magsimula sa, batay sa katotohanan ng kapanganakan. Ang Latvian Dvinsk, kasalukuyang Daugavpils, sa oras ng kapanganakan ni Marcus Rotkovich, ay bahagi ng Russia at mananatili hanggang sa pagbagsak ng imperyo, hanggang 1918. Totoo, hindi na makikita ni Rothko ang rebolusyon. Noong 1913, dinala ang batang lalaki sa USA, lumipat ang pamilya sa Portland, Oregon. Iyon ay, ginugol ko ang aking pagkabata at pagbibinata sa Russia, kung saan nabuo ang aking pananaw at pananaw sa buhay. Bilang karagdagan sa katotohanan na siya ay ipinanganak dito, si Rothko ay nauugnay sa Russia, tandaan namin, parehong mga tema at salungatan sa ideolohiya. Ito ay kilala na pinahahalagahan niya ang mga gawa ni Dostoevsky. At kahit na ang mga bisyong ginawa ni Rothko ay para sa ilang kadahilanan na nauugnay sa mundo sa mga Ruso. Para sa ilang kadahilanan, ang depresyon sa Kanluran ay tinatawag na isang "sakit na Ruso." Alin ang hindi isang argumento, siyempre, ngunit isa pang ugnayan sa integridad ng kalikasan ng Russian artist.

Kinailangan ni Rothko ng 15 mahabang taon upang makagawa ng mga makabagong pagtuklas sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng dumaan sa maraming makasagisag na libangan, kabilang ang surrealism at figurative expressionism, noong kalagitnaan ng 1940s ay lubos niyang pinasimple ang istraktura ng kanyang mga pagpipinta, na nililimitahan ang mga paraan ng pagpapahayag sa ilang mga makukulay na bloke na bumubuo sa komposisyon. Ang intelektwal na batayan ng kanyang trabaho ay halos palaging isang bagay ng interpretasyon. Karaniwang hindi nagbibigay ng direktang sagot si Rothko, umaasa sa pakikilahok ng manonood sa pag-unawa sa gawain. Ang tanging bagay na tiyak niyang maasahan ay ang emosyonal na gawain ng manonood. Ang kanyang mga painting ay hindi para sa pahinga, hindi para sa pagpapahinga at hindi para sa "visual massage". Ang mga ito ay dinisenyo para sa empatiya. Ang ilan ay nakikita ang mga ito bilang mga bintana na nagpapahintulot sa isa na tingnan ang kaluluwa ng manonood, habang ang iba ay nakikita ang mga ito bilang mga pintuan sa ibang mundo. Mayroong isang opinyon (marahil ang pinakamalapit sa katotohanan) na ang kanyang mga patlang ng kulay ay mga metaporikal na larawan ng Diyos.

Ang pandekorasyon na kapangyarihan ng "mga patlang ng kulay" ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng isang bilang ng mga espesyal na pamamaraan na ginamit ni Rothko. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay hindi pinahihintulutan ang napakalaking mga frame - sa karamihan ng mga manipis na gilid sa kulay ng canvas. Ang artist ay sadyang tinted ang mga gilid ng mga painting sa isang gradient upang ang pictorial field ay nawala ang mga hangganan nito. Ang malabo na mga hangganan ng panloob na mga parisukat ay isa ring pamamaraan, isang paraan na walang kaibahan upang lumikha ng epekto ng panginginig, ang tila magkakapatong na mga bloke ng kulay, ang pagpintig ng mga spot, tulad ng pagkutitap ng liwanag mula sa mga electric lamp. Ang malambot na pagkatunaw ng kulay sa loob ng kulay ay partikular na nakamit sa mga langis, hanggang sa lumipat si Rothko sa opaque na acrylic noong huling bahagi ng ikaanimnapung taon. At ang nahanap na epekto ng electrical pulsation ay tumindi kung titingnan mo ang mga kuwadro na gawa nang malapitan. Ayon sa plano ng artist, pinakamainam para sa manonood na tingnan ang mga three-meter canvases mula sa layo na hindi hihigit sa kalahating metro.

Ngayon, ang mga painting ni Rothko ay ang pagmamalaki ng anumang sikat na museo ng modernong sining. Kaya, sa English Tate Gallery mayroong isang Rothko hall, kung saan nakatira ang siyam na mga kuwadro mula sa mga ipininta sa ilalim ng kontrata sa Four Seasons restaurant. Mayroong isang kuwento na konektado sa proyektong ito na lubos na nagpapahiwatig ng karakter ni Rothko. Noong 1959, nilapitan ang artist sa pamamagitan ng rekomendasyon mula sa mga may-ari ng naka-istilong restaurant na "Seasons," na binuksan sa hindi pangkaraniwang skyscraper ng New York na Seagram Building (pinangalanan sa kumpanya na gumawa ng alkohol). Ang halaga ng kontrata sa pera ngayon ay halos $3 milyon - isang napakalaking bayad kahit na para sa isang itinatag, kinikilalang artista, gaya ni Rothko noong panahong iyon. Gayunpaman, nang halos matapos ang trabaho, hindi inaasahang ibinalik ni Rothko ang advance at tumanggi itong ibigay sa customer. Kabilang sa mga pangunahing dahilan ng biglaang pagkilos, isinasaalang-alang ng mga biographer ang pag-aatubili na pasayahin ang naghaharing uri at aliwin ang mayayaman sa hapunan. Pinaniniwalaan din na masama ang loob ni Rothko nang malaman niyang hindi makikita ng mga ordinaryong empleyadong nagtatrabaho sa gusali ang kanyang mga painting. Gayunpaman, ang pinakabagong bersyon ay mukhang masyadong romantiko.

Makalipas ang halos 10 taon, nag-donate si Rothko ng ilan sa mga canvases na inihanda para sa Four Seasons sa Tate Gallery sa London. Sa isang mapait na kabalintunaan ng kapalaran, noong Pebrero 25, 1970, ang araw na ang mga kahon na may mga kuwadro na gawa ay nakarating sa daungan ng Ingles, ang artista ay natagpuang patay sa kanyang studio - na pinutol ang kanyang mga ugat at (tila para sa garantiya) isang malaking dosis ng mga tabletas sa pagtulog sa kanyang tiyan.

Ngayon, ang trabaho ni Rothko ay nakakaranas ng isa pang alon ng taos-pusong interes. Ang mga seminar ay gaganapin, ang mga eksibisyon ay binuksan, ang mga monograph ay nai-publish. Sa pampang ng Daugava, sa tinubuang-bayan ng artista, isang monumento ang itinayo.

Ang mga gawa ni Rothko ay hindi pambihira sa merkado (tulad ng, halimbawa, mga kuwadro na gawa ni Malevich). Bawat taon, humigit-kumulang 10–15 piraso ng kanyang mga painting lamang ang inilalagay para sa auction sa mga auction, hindi binibilang ang mga graphics. Ibig sabihin, walang kakulangan, ngunit milyon-milyon at sampu-sampung milyong dolyar ang binabayaran para sa kanila. At ang gayong mga presyo ay hindi sinasadya. Sa halip, ito ay isang pagkilala sa kanyang pagbabago, isang pagnanais na magbukas ng mga bagong layer ng kahulugan at sumali sa malikhaing kababalaghan ng isa sa mga pinaka mahiwagang artista ng Russia.

Noong Mayo 8, 2012, sa auction ng post-war at kontemporaryong sining sa Christie's, ang canvas na "Orange, Red, Yellow" mula 1961 ay napunta sa $86.88 milyon, kasama ang komisyon. Ang gawa ay nagmula sa koleksyon ng Pennsylvania art patron na si David Pincus. Binili ni David at ng kanyang asawang si Gerry ang trabaho, na may sukat na 2.4 × 2.1 metro, mula sa Marlborough Gallery, at pagkatapos ay ipinahiram ito sa Philadelphia Museum of Art sa mahabang panahon. Ang pagpipinta na "Orange, Red, Yellow" ay naging hindi lamang ang pinakamahal na gawa ng isang artista ng pinagmulang Ruso, kundi pati na rin ang pinakamahal na gawa ng post-war at kontemporaryong sining na ibinebenta sa open auction.

2. $60.00 milyon. Suprematist na komposisyon (1916)

Para sa aking mahabang buhay una kasama si Robert, at pagkatapos ng kanyang kamatayan noong 1941 lamang, nagawang subukan ni Sonya ang maraming genre sa sining. Siya ay nakikibahagi sa pagpipinta, paglalarawan ng libro, theatrical sketches(sa partikular, idinisenyo niya ang tanawin ng ballet ni Diaghilev na "Cleopatra"), disenyo ng damit, panloob na disenyo, mga pattern ng tela at kahit na pag-tune ng kotse.

Ang mga maagang portrait at abstraction ni Sonia Delaunay mula 1900s-10s, pati na rin ang mga gawa mula sa Color Rhythms series mula 1950s-60s, ay napakasikat sa mga internasyonal at pambansang French auction. Ang kanilang mga presyo ay madalas na umabot ng ilang daang libong dolyar. Ang pangunahing record ng artist ay naitakda higit sa 10 taon na ang nakalilipas - noong Hunyo 14, 2002 sa Calmels Cohen Paris auction. Pagkatapos ang abstract na gawa na "Market in Minho", na isinulat noong 1915, sa panahon ng buhay ng mag-asawang Delaunay sa Spain (1914–1920), ay naibenta sa halagang €4.6 milyon.

32. $4.30 milyon. Vision to the Youth Bartholomew (1922)

Kung susuriin namin ang aming mga artista sa isang kakaibang sukat ng "Russianness," kung gayon si Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862–1942) ay maaaring ligtas na mailagay sa isang lugar sa simula ng listahan. Ang kanyang mga pagpipinta na naglalarawan sa mga santo, monghe, at madre sa isang liriko na "Nesterov" na tanawin, na ganap na naaayon sa lubos na espirituwal na kalagayan ng mga bayani, ay naging isang natatanging kababalaghan sa kasaysayan ng sining ng Russia. Sa kanyang mga canvases, pinag-usapan ni Nesterov ang tungkol sa Holy Rus', tungkol sa espesyal na espirituwal na landas nito. Ang artist, sa kanyang sariling mga salita, ay "iniwasan ang pagpapakita ng malakas na mga hilig, mas pinipili sa kanila ang isang katamtamang tanawin, isang taong nabubuhay ng isang panloob na espirituwal na buhay sa mga bisig ng ating Inang Kalikasan." At ayon kay Alexander Benois, si Nesterov, kasama si Surikov, ay ang tanging artistang Ruso na hindi bababa sa bahagyang malapit sa matayog na banal na mga salita ng "The Idiot" at "Karamazovs".

Ang espesyal na istilo at pagiging relihiyoso ng mga pagpipinta ni Nesterov ay nabuo mula sa maraming mga kadahilanan. Naimpluwensyahan din siya ng kanyang paglaki sa isang patriarchal, debotong merchant na pamilya sa lungsod ng Ufa na may mga karaniwang tanawin ng Russia, at ang kanyang mga taon ng pag-aaral kasama ang mga Itinerant na Perov, Savrasov at Pryanishnikov sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (mula sa sa kanila pinagtibay niya ang ideya ng sining na nakakaantig sa isip at puso) at mula kay Pavel Chistyakov sa Academy of Arts (dito kinuha niya ang pamamaraan ng akademikong pagguhit), at mga paglalakbay sa Europa para sa inspirasyon, at isang malalim na personal na drama ( ang pagkamatay ng kanyang minamahal na asawang si Maria isang araw pagkatapos ng kapanganakan ng kanilang anak na si Olga).

Bilang resulta, sa pagtatapos ng 1880s - simula ng 1890s, natagpuan na ni Nesterov ang kanyang tema, at sa oras na ito isinulat niya ang "Vision to the Youth Bartholomew" (1889–1890). Ang balangkas ng larawan ay kinuha mula sa Buhay ni St. Sergius. Ang kabataang si Bartholomew (ang hinaharap na Sergius ng Radonezh) ay nakilala ang isang anghel sa pagkukunwari ng isang monghe at natanggap ang pagpapala ng Diyos mula sa kanya upang maunawaan ang Banal na Kasulatan at malampasan ang kanyang mga kapatid at kapantay. Ang larawan ay napuno ng isang pakiramdam ng mapaghimala - ito ay hindi lamang at hindi gaanong sa mga pigura ni Bartholomew at ng Banal na Elder, kundi pati na rin sa nakapalibot na tanawin, na kung saan ay lalo na maligaya at espirituwal.

Sa kanyang pagbagsak ng mga taon, ang artista ay higit sa isang beses na tinawag na "Bartholomew" ang kanyang pangunahing gawain: "... kung tatlumpu, limampung taon pagkatapos ng aking kamatayan ay may sinasabi pa rin siya sa mga tao, nangangahulugan iyon na siya ay buhay, nangangahulugan iyon na ako ay buhay." Ang pagpipinta ay naging isang sensasyon sa ika-18 na eksibisyon ng mga Itinerant at agad na ginawang sikat ang batang Ufa artist (Nesterov ay hindi pa tatlumpu noong panahong iyon). Nakuha ni P. M. Tretyakov ang "Vision..." para sa kanyang koleksyon, sa kabila ng mga pagtatangka na pigilan siya mula sa, tulad ng inilagay ni Nesterov, "orthodox Wanderers," na tama na napansin sa gawain ang paghina ng "rationalistic" na mga pundasyon ng kilusan. Gayunpaman, nakuha na ng artista ang kanyang sariling kurso sa sining, na sa huli ay naging tanyag sa kanya.

Sa pagdating ng kapangyarihang Sobyet, hindi dumating ang pinakamagandang panahon para kay Nesterov sa kanyang relihiyosong pagpipinta. Lumipat ang artist sa mga portrait (sa kabutihang palad ay nagkaroon siya ng pagkakataon na magpinta lamang ng mga taong lubos niyang nagustuhan), ngunit hindi naglakas-loob na isipin ang tungkol sa kanyang mga nakaraang paksa. Gayunpaman, nang noong unang bahagi ng 1920s mayroong isang bulung-bulungan tungkol sa paghahanda ng isang malaking eksibisyon ng sining ng Russia sa Amerika, mabilis na nagpasya si Nesterov na lumahok sa pag-asa ng bagong madla. Sumulat siya ng ilang mga gawa para sa eksibisyon, kabilang ang pag-uulit ng may-akda ng "Vision to the Youth Bartholomew" (1922), na tinatawag na "Vision to St. Sergius in adolescence" sa American press. Ang bagong bersyon ay mas maliit sa format (91 × 109) kumpara sa bersyon ng Tretyakov (160 × 211), ang buwan ay lumitaw sa kalangitan, ang mga kulay ng tanawin ay medyo mas madilim, at mayroong higit na kaseryosohan sa mukha ng kabataan Bartholomew. Si Nesterov, tulad nito, ay nagbubuod sa larawang ito ng magagandang pagbabago na naganap mula noong isinulat ang unang "Vision...".

Ang mga painting ni Nesterov ay kabilang sa iilan sa 1924 Russian Art Exhibition sa New York na binili. Ang "Vision to the Youth Bartholomew" ay natapos sa koleksyon ng mga sikat na kolektor at patron ni Nicholas Roerich - Louis at Nettie Horsch. Mula noon hanggang 2007, ang trabaho ay ipinasa sa pamilyang ito sa pamamagitan ng mana. At sa wakas, noong Abril 17, 2007, sa Sotheby's Russian auction, ang canvas ay inalok na may pagtatantya na $2–3 milyon at madaling lumampas dito. Ang huling presyo ng martilyo, na naging rekord para sa Nesterov, ay $4.30 milyon Sa resultang ito, pumasok siya sa aming rating.

33. $4.05 milyon. Mga sugarol (1919)

Si Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) ay isa pang kahanga-hangang artist ng Russian emigration, kasama sa aming rating kasama sina Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya at Sonia Delaunay. Ang impormasyon tungkol sa buhay ng artista ay napakakaunting naghihintay sa kanyang talambuhay. Napag-alaman na si Vera Shlesinger ay ipinanganak noong 1896 sa Moscow sa isang pamilyang Ruso at isang babaeng Pranses mula sa Burgundy. Nag-aral siya sa Moscow kasama si Ilya Mashkov at halos ang kanyang paboritong mag-aaral, at pagkatapos ay kumuha ng mga aralin sa Kyiv kasama si Alexandra Exter. Noong 1918, pinakasalan niya ang abogado na si Rokhlin at sumama sa kanya sa Tiflis. Mula doon, noong unang bahagi ng 1920s, lumipat ang mag-asawa sa France, kung saan nagsimulang aktibong magpakita si Vera sa Autumn Salon, Salon of the Independents at Salon of the Tuileries. Sa kanyang istilo ng pagpipinta, una niyang sinundan ang mga ideya ng Cubism at Post-Impresionism, ngunit noong unang bahagi ng 1930s ay nakabuo na siya ng kanyang sariling istilo, na tinawag ng isang French magazine na "isang artistikong balanse sa pagitan ng Courbet at Renoir." Sa mga taong iyon, si Vera ay nakatira nang hiwalay sa kanyang asawa, sa Montparnasse, at may couturier na si Paul Poiret sa kanyang mga tagahanga, pangunahing tema sa pagpipinta ay pinili niya ang mga babaeng portrait at hubad, na maaaring pinadali ng kanyang kakilala kay Zinaida Serebryakova (kahit na isang larawan ng isang hubad na Serebryakova ni Rokhlina ay nakaligtas), at ang mga personal na eksibisyon ng artist ay ginanap sa mga gallery ng Paris. Ngunit noong Abril 1934, nagpakamatay ang 38-anyos na si Vera Rokhlina. Nananatiling misteryo kung ano ang ginawa ng isang babae sa kanyang kalakasan, na marami nang nakamit sa larangan ng pagkamalikhain, sa kanyang sariling buhay. Ang kanyang napaaga na pagkamatay ay tinawag na pinakamalaking pagkawala sa eksena ng sining sa Paris noong mga taong iyon.

Ang legacy ni Rokhlina ay matatagpuan higit sa lahat sa ibang bansa, kung saan ginugol ni Vera ang huling 13 taon ng kanyang buhay at kung saan ang kanyang talento ay ganap na nahayag. Noong 1990s at unang bahagi ng 2000s, nagsimulang magsagawa ng mga solong eksibisyon ang mga museo at gallery ng Pransya ni Rokhlina at kasama ang kanyang trabaho sa mga grupong eksibisyon ng mga artista mula sa School of Paris. Nalaman ng mga kolektor ang tungkol sa kanya, ang kanyang mga gawa ay nagsimulang ibenta sa mga auction, at medyo maayos. Ang rurok ng mga benta at presyo ay naganap noong 2007–2008, nang halos isang daang libong dolyar para sa isang magandang format na pagpipinta ni Rokhlina ay naging karaniwan. At kaya noong Hunyo 24, 2008, sa auction ng gabi ng mga impresyonista at modernista sa Christie's sa London, ang cubist painting ni Vera Rokhlina na "Gamblers", na ipininta bago ang paglipat, noong 1919, ay hindi inaasahang nabili sa 8 beses ang pagtatantya - sa halagang £2.057 milyon ( $4.05 milyon) na may pagtatantya na £250–350 libo.

34. $4.02 milyon. Gabi sa Normandy (1861)

35. $3.97 milyon. Silangang lungsod. Bukhara (1912)

Para kay Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968), ang anak ng isang icon na pintor mula sa lungsod ng Saratov, nagtapos sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (kung saan nag-aral siya kasama sina Arkhipov, Serov at Korovin), isa sa mga organizer. ng asosasyong Blue Rose, isa sa mga pangunahing at, Tiyak, ang pinaka kinikilalang tema ng pagkamalikhain sa publiko ay ang Silangan. Nang ang unang simbolistang panahon ni Pavel Kuznetsov noong 1900s na may mga semi-kamangha-manghang mga imahe ng "Fountains", "Awakenings" at "Births" ay naubos ang sarili, ang artist ay pumunta sa Silangan para sa inspirasyon. Naalala niya kung paano, bilang isang bata, binisita niya ang kanyang lolo sa Trans-Volga steppes at pinagmasdan ang buhay ng mga nomad. "Bigla kong naalala ang tungkol sa mga steppes at pumunta sa Kirghiz," isinulat ni Kuznetsov. Mula 1909 hanggang 1914, si Kuznetsov ay gumugol ng ilang buwan sa Kyrgyz steppes, kasama ng mga nomad, na napuno ng kanilang paraan ng pamumuhay at tinanggap sila bilang kanyang kamag-anak, "Scythian" na kaluluwa. Noong 1912–1913, ang artista ay naglakbay sa mga lungsod ng Gitnang Asya, nanirahan sa Bukhara, Samarkand, at sa paanan ng mga Pamir. Noong 1920s, nagpatuloy ang pag-aaral ng Silangan sa Transcaucasia at Crimea.

Ang resulta ng mga paglalakbay sa silangang ito ay isang serye ng mga nakamamanghang pagpipinta kung saan madarama ng isang tao ang "Goluborozovsky" na pag-ibig para sa asul na palette, at ang simbolismo ng mga icon at mga fresco ng templo na malapit sa artist mula pagkabata, at ang pinaghihinalaang karanasan ng mga artista tulad ng Gauguin, Andre Derain at Georges Braque, at, siyempre, lahat ng mahika ng Silangan. Ang mga oriental na pagpipinta ni Kuznetsov ay mainit na natanggap hindi lamang sa Russia, kundi pati na rin sa mga eksibisyon sa Paris at New York.

Malaki malikhaing swerte naging cycle ng mga painting na "Eastern City" na isinulat sa Bukhara noong 1912. Isa sa pinakamalaking painting sa seryeng "Eastern City". Bukhara” ay na-auction sa MacDougall noong Hunyo 2014 na may tinatayang £1.9–3 milyon Ang gawa ay may hindi nagkakamali na pinagmulan at kasaysayan ng eksibisyon: ito ay binili nang direkta mula sa artist; ay hindi nagbago ng lugar ng paninirahan mula noong kalagitnaan ng 1950s; lumahok sa mga eksibisyon ng World of Art, ang eksibisyon ng sining ng Sobyet sa Japan, pati na rin sa lahat ng mga pangunahing buhay at posthumous retrospectives ng artist. Bilang resulta, ang isang rekord na presyo para sa Kuznetsov ay binayaran para sa pagpipinta: £2.37 milyon ($3.97 milyon).

36. $3.82 milyon si Alexander Deineka. Mga Bayani ng Unang Limang Taon na Plano (1936)

37. $3.72 milyon. The Shepherd of the Hills (1920)

Si Boris Dmitrievich Grigoriev (1886–1939) ay lumipat mula sa Russia noong 1919. Siya ay naging isa sa mga pinakatanyag na artista ng Russia sa ibang bansa, ngunit sa parehong oras ay nakalimutan siya sa kanyang tinubuang-bayan sa loob ng maraming mga dekada, at ang kanyang unang mga eksibisyon sa USSR ay naganap lamang sa huling bahagi ng 1980s. Ngunit ngayon siya ay isa sa mga pinaka-hinahangad at lubos na pinahahalagahan na mga may-akda sa merkado ng sining ng Russia, ang kanyang mga gawa, parehong mga kuwadro na gawa at mga graphic, ay ibinebenta sa daan-daang libo at milyon-milyong dolyar.

Ang artista ay napakahusay noong 1926 sumulat siya sa makata na si Kamensky: "Ngayon ako ang unang master sa mundo.<…>Hindi ako humihingi ng paumanhin para sa mga pariralang ito. Kailangan mong malaman kung sino ka, kung hindi, hindi mo alam kung ano ang gagawin. Oo, at ang aking buhay ay banal mula sa higit sa karaniwan na trabaho at higit sa karaniwan na mga damdamin, at ang aking 40 taon ay nagpapatunay nito. Hindi ako natatakot sa anumang kumpetisyon, anumang pagkakasunud-sunod, anumang paksa, anumang laki at anumang bilis.

Marahil ang pinakasikat ay ang kanyang mga siklo na "Lahi" at "Mga Mukha ng Russia" - napakalapit sa espiritu at naiiba lamang sa na ang una ay nilikha bago ang paglipat, at ang pangalawa ay nasa Paris. Sa mga siklo na ito, ipinakita sa amin ang isang gallery ng mga uri ("mga mukha") ng mga magsasaka ng Russia: ang mga matatandang lalaki, babae, at mga bata ay mukhang malungkot nang diretso sa manonood, nakakaakit sila ng mata at sa parehong oras ay tinataboy ito. Si Grigoriev ay hindi nangangahulugang hilig na gawing perpekto o pagandahin ang mga ipininta niya sa kabaligtaran, kung minsan ay nagdadala siya ng mga imahe sa katawa-tawa. Kabilang sa mga "mukha" na ipininta na sa paglipat, ang mga larawan ng mga kontemporaryo ni Grigoriev - mga makata, aktor - ay idinagdag sa mga larawan ng magsasaka. Sining na Teatro, pati na rin ang mga self-portraits. Ang imahe ng magsasaka na "Lahi" ay lumawak sa isang pangkalahatang imahe ng isang inabandunang, ngunit hindi nakalimutan na Inang Bayan.

Ang isa sa mga larawang ito - ang makata na si Nikolai Klyuev sa imahe ng isang pastol - ay naging pinakamahal na pagpipinta ni Boris Grigoriev. Sa auction ng Sotheby noong Nobyembre 3, 2008, ang akdang "The Shepherd of the Hills" mula 1920 ay naibenta sa halagang $3.72 milyon na may tinatayang $2.5–3.5 milyon Ang larawan ay kopya ng may-akda ng isang nawalang larawan mula 1918.

Website ng editoryal

Pansin! Ang lahat ng mga materyales sa site at ang database ng mga resulta ng auction sa site, kabilang ang nakalarawan na impormasyon ng sanggunian tungkol sa mga gawa na ibinebenta sa auction, ay inilaan para sa eksklusibong paggamit alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinahihintulutan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyales na ibinigay ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa isang kahilingan mula sa awtorisadong katawan.

Ang pagraranggo ng pinakamahal na mga gawa ng mga buhay na artista ay isang konstruksiyon na hindi gaanong nagsasabi tungkol sa papel at lugar ng artist sa kasaysayan ng sining kaysa sa edad at kalusugan.

Ang mga patakaran para sa pag-compile ng aming rating ay simple: una, ang mga transaksyon lamang sa mga gawa ng mga buhay na may-akda ay isinasaalang-alang; pangalawa, ang mga benta sa pampublikong auction lamang ang isinasaalang-alang; at pangatlo, ang panuntunang "isang artista - isang gawa" ay sinusunod (kung sa pagraranggo ng mga gawa ay dalawang rekord ang nabibilang kay Jones, kung gayon ang pinakamahal na isa lamang ang nananatili, at ang iba ay hindi isinasaalang-alang). Ang pagraranggo ay isinasagawa sa mga tuntunin ng mga dolyar (sa halaga ng palitan sa petsa ng pagbebenta).

1. JEFF KOONS Kuneho. 1986. $91.075 milyon

Kapag mas matagal mong pinapanood ang auction career ni Jeff Koons (1955), mas magiging kumbinsido ka na walang imposible para sa pop art. Maaari mong humanga ang mga eskultura ni Koons sa anyo ng mga laruan ng lobo, o maaari mong isaalang-alang ang mga ito na kitsch at masamang lasa - iyong karapatan. Isang bagay ang hindi maitatanggi: Ang mga pag-install ni Jeff Koons ay nagkakahalaga ng napakalaking halaga ng pera.

Sinimulan ni Jeff Koons ang kanyang landas tungo sa katanyagan bilang pinakamatagumpay na buhay na artista sa mundo noong 2007, nang ang kanyang higanteng pag-install ng metal na "Hanging Heart" ay binili sa halagang $23.6 milyon sa Sotheby's Ang gawa ay binili ng gallery ni Larry Gagosian, na kumakatawan sa Koons isinulat na sa interes ng bilyonaryo ng Ukrainian na si Victor Pinchuk), nakuha ng Gallery hindi lamang isang pag-install, ngunit, sa katunayan, isang gawa ng sining ng alahas, kahit na ang gawa ay hindi gawa sa ginto (ang materyal ay hindi kinakalawang na asero) at ito ay malinaw na mas malaki ang sukat kaysa sa isang ordinaryong palawit (ang eskultura ay may taas na 2.7 m ay may timbang na 1,600 kg), ngunit may katulad na layunin na ginugol sa paggawa ng komposisyon na may sampu mga layer ng pintura Bilang isang resulta, isang malaking halaga ng pera ang binayaran para sa kamangha-manghang "dekorasyon".

Sumunod ay ang pagbebenta ng “Balloon Flower” na kulay lila sa halagang £12.92 milyon ($25.8 milyon) sa Christie’s London auction noong Hunyo 30, 2008. Kapansin-pansin, pitong taon na ang nakalipas, binili ng mga dating may-ari ng "Bulaklak" ang trabaho sa halagang $1.1 milyon. Madaling kalkulahin iyon sa panahong ito presyo sa pamilihan nadagdagan ng halos 25 beses.

Ang pagbaba sa merkado ng sining noong 2008–2009 ay nagbigay ng dahilan para sa mga nag-aalinlangan na magreklamo na ang Koons fad ay lumipas na. Ngunit nagkamali sila: kasama ang merkado ng sining, muling nabuhay ang interes sa mga gawa ni Koons. Ang kahalili ni Andy Warhol bilang hari ng pop art ay nag-update ng kanyang personal na record noong Nobyembre 2012 sa pagbebenta sa Christie's ng isang multi-colored sculpture na "Tulips" mula sa seryeng "Celebration" sa halagang $33.7 milyon, kasama ang komisyon.

Ngunit ang "Tulips" ay literal na "mga bulaklak" at matalinhaga. Pagkalipas lamang ng isang taon, noong Nobyembre 2013, ang pagbebenta ng hindi kinakalawang na asero na iskultura na "Balloon Dog (Orange)" ay sumunod: ang presyo ng martilyo ay kasing dami ng $58.4 milyon! Isang napakagandang halaga para sa isang buhay na artista. Ang isang gawa ng isang kontemporaryong may-akda ay naibenta para sa presyo ng isang Van Gogh o Picasso painting. Ito ay dati nang mga berry...

Sa resultang ito, naghari si Koons ng ilang taon sa tuktok ng ranggo ng mga buhay na artista. Noong Nobyembre 2018, saglit siyang nalampasan ni David Hockney (tingnan ang pangalawang lugar sa aming pagraranggo). Ngunit pagkalipas lamang ng anim na buwan, bumalik sa normal ang lahat: noong Mayo 15, 2019, sa New York, sa auction ni Christie ng post-war at kontemporaryong sining, isang iskultura ng aklat-aralin para sa Koons mula 1986 ang naibenta - isang pilak na "Kuneho" gawa sa hindi kinakalawang na asero, na ginagaya ang isang lobo na may katulad na hugis.

Sa kabuuan, gumawa si Koons ng 3 ganoong biro kasama ang isang orihinal na kopya. Kasama sa auction ang isang kopya ng "Rabbit" number 2 - mula sa koleksyon ng publisher ng kulto na si Cy Newhouse, co-owner ng Conde Nast publishing house (mga magazine na Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, atbp.). Ang pilak na "Kuneho" ay binili ng "ama ng kaakit-akit" na si Cy Newhouse noong 1992 para sa isang kahanga-hangang halaga ayon sa mga pamantayan ng mga taong iyon - $1 milyon. Matapos ang 27 taon sa pakikipaglaban ng 10 bidder, ang presyo ng martilyo ng iskultura ay 80 beses kaysa sa dating presyo ng pagbebenta. At isinasaalang-alang ang komisyon ng Buyer's Premium, ang huling resulta ay $91.075 milyon, isang rekord para sa lahat ng buhay na artista.

2. DAVID HOCKNEY Portrait ng Artist. Pool na may dalawang figure. 1972. $90,312,500

Si David Hockney (1937) ay isa sa pinakamahalagang British artist noong ika-20 siglo. Noong 2011, ayon sa isang survey ng libu-libong propesyonal na British artist at sculptor, si David Hockney ay binoto bilang pinaka-maimpluwensyang British artist sa lahat ng panahon. Kasabay nito, tinalo ni Hockney ang mga masters gaya nina William Turner at Francis Bacon. Ang kanyang trabaho ay karaniwang nauuri bilang pop art, bagaman sa kanyang mga unang gawa ay mas nahilig siya sa ekspresyonismo sa diwa ni Francis Bacon.

Si David Hockney ay ipinanganak at lumaki sa England, sa county ng Yorkshire. Ang ina ng hinaharap na artista ay pinanatili ang pamilya sa puritanical na mahigpit, at ang kanyang ama, isang simpleng accountant na gumawa ng isang maliit na baguhan na pagguhit, ay hinikayat ang kanyang anak na kumuha ng pagpipinta. Sa kanyang twenties, lumipat si David sa California, kung saan siya nanirahan sa kabuuan ng halos tatlong dekada. May dalawa pa siyang workshop doon. Ginawa ni Hockney ang mga bayani ng kanyang mga gawa na lokal na mayayamang tao, ang kanilang mga villa, swimming pool, at mga damuhan na basang-basa sa araw ng California. Ang isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa noong panahon ng mga Amerikano - ang pagpipinta na "Splash" - ay isang imahe ng isang bigkis ng mga splashes na tumataas mula sa isang pool pagkatapos tumalon ang isang lalaki sa tubig. Upang ilarawan ang bigkis na ito, na "nabubuhay" nang hindi hihigit sa dalawang segundo, nagtrabaho si Hockney sa loob ng dalawang linggo. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's noong 2006 sa halagang $5.4 milyon at sa loob ng ilang panahon ay itinuturing na kanyang pinakamahal na trabaho.

Si Hockney (1937) ay lampas na sa walumpu, ngunit siya ay gumagawa pa rin at kahit na nag-imbento ng mga bagong artistikong pamamaraan gamit ang mga teknikal na inobasyon. Noong unang panahon, nagkaroon siya ng ideya na gumawa ng malalaking collage mula sa Polaroids, nag-print ng kanyang mga gawa sa mga fax machine, at ngayon ang artist ay masigasig na nag-master ng pagguhit sa iPad. Ang mga pintura na iginuhit sa isang tablet ay sumasakop sa isang karapat-dapat na lugar sa kanyang mga eksibisyon.

Noong 2005, sa wakas ay bumalik si Hockney mula sa States sa England. Ngayon ay nagpinta siya sa open air at sa studio ng malalaking (kadalasang binubuo ng ilang bahagi) ng mga landscape ng mga lokal na kagubatan at heath. Ayon kay Hockney, sa loob ng 30 taon na ginugol niya sa California, naging hindi siya sanay sa simpleng pagbabago ng mga panahon kung kaya't ito ay tunay na nabighani at nabighani sa kanya. Ang buong cycle ng kanyang kamakailang mga gawa ay nakatuon, halimbawa, sa parehong tanawin sa iba't ibang oras ng taon.

Noong 2018, ilang beses na sinira ng mga presyo para sa mga painting ni Hockney ang $10 milyon. At noong Nobyembre 15, 2018, nagrehistro si Christie ng bagong ganap na rekord para sa gawain ng isang buhay na artista - $90,312,500 para sa pagpipinta na "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)."

3. GERHARD RICHTER Abstract na pagpipinta. 1986. $46.3 milyon

Klasikong pamumuhay Gerhard Richter (1932) pumangalawa sa aming ranking. Ang German artist ang nangunguna sa kanyang mga buhay na kasamahan hanggang sa masira ang 58 million record ni Jeff Koons. Ngunit ang sitwasyong ito ay malamang na hindi makayanan ang namumunong awtoridad ni Richter sa merkado ng sining. Sa pagtatapos ng 2012, ang taunang paglilipat ng auction ng German artist ay pangalawa lamang sa mga kina Andy Warhol at Pablo Picasso.

Sa loob ng maraming taon, walang naglalarawan sa tagumpay na sinapit ni Richter ngayon. Sa loob ng mga dekada, sinakop ng artista ang isang katamtamang lugar sa kontemporaryong merkado ng sining at hindi nagsusumikap para sa katanyagan. Masasabi nating naunahan siya ng kasikatan nang mag-isa. Itinuturing ng marami na ang panimulang punto ay ang pagbili ng MoMA ng New York noong 1995 ng serye ng mga gawa ni Richter na "Oktubre 18, 1977". Ang museo ng Amerika ay nagbayad ng $3 milyon para sa 15 mga kuwadro na gawa sa kulay abong mga tono at sa lalong madaling panahon ay nagsimulang mag-isip tungkol sa paghawak ng isang ganap na retrospective ng German artist. Ang engrandeng eksibisyon ay nagbukas pagkalipas ng anim na taon, noong 2001, at mula noon ang interes sa gawain ni Richter ay lumago nang mabilis. Mula 2004 hanggang 2008, ang mga presyo para sa kanyang mga painting ay triple. Noong 2010, ang mga gawa ni Richter ay nagdala na ng $76.9 milyon noong 2011, ayon sa website ng Artnet, ang mga gawa ni Richter sa mga auction ay nakakuha ng kabuuang $200 milyon, at noong 2012 (ayon sa Artprice) - $262.7 milyon - higit pa sa gawa ng iba pa. buhay na artista.

Habang, halimbawa, ang napakalaking tagumpay ni Jasper Johns sa auction ay sinamahan lamang ng maagang mga gawa, hindi karaniwan para sa mga gawa ni Richter ang ganoong matinding paghahati: pare-parehong stable ang demand para sa mga bagay mula sa iba't ibang panahon ng creative, kung saan napakarami sa karera ni Richter. Sa nakalipas na animnapung taon, sinubukan ng artist na ito ang kanyang sarili sa halos lahat ng tradisyonal na mga genre ng pagpipinta - portrait, landscape, marine, hubad, still life at, siyempre, abstraction.

Ang kasaysayan ng mga talaan ng auction ni Richter ay nagsimula sa isang serye ng mga still lifes na "Mga Kandila". Ang 27 photorealistic na larawan ng mga kandila noong unang bahagi ng 1980s, sa panahon ng kanilang pagpipinta, ay nagkakahalaga lamang ng 15 thousand German mark ($5,800) bawat trabaho. Ngunit wala pa ring bumili ng "Mga Kandila" sa kanilang unang eksibisyon sa Max Hetzler Gallery sa Stuttgart. Pagkatapos ang tema ng mga kuwadro na gawa ay tinatawag na makaluma; ngayon ang "Mga Kandila" ay itinuturing na isang gawain para sa lahat ng panahon. At nagkakahalaga sila ng milyun-milyong dolyar.

Noong Pebrero 2008, "Kandila", isinulat noong 1983, ay hindi inaasahang binili sa halagang £ 7.97 milyon ($16 milyon). Ang personal na rekord na ito ay tumagal ng tatlo at kalahating taon. Pagkatapos noong Oktubre 2011 isa pa "Kandila" (1982) napunta sa ilalim ng martilyo sa Christie's para sa £ 10.46 milyon ($16.48 milyon). Sa rekord na ito, pumasok si Gerhard Richter sa nangungunang tatlong pinakamatagumpay na buhay na artista sa unang pagkakataon, na pumalit sa kanya sa likod nina Jasper Johns at Jeff Koons.

Pagkatapos ay nagsimula ang matagumpay na martsa ng "Abstract Paintings" ni Richter. Ang artist ay nagpinta ng mga katulad na gawa gamit ang isang natatanging pagmamay-ari na pamamaraan: inilalapat niya ang isang halo ng mga simpleng kulay, at pagkatapos ay gumagamit ng mahabang scraper na kasing laki ng bumper ng kotse upang pahiran ang mga ito sa canvas. Gumagawa ito ng masalimuot na mga transition ng kulay, mga spot at guhitan. Ang pagsusuri sa ibabaw ng kanyang "Abstract Paintings" ay parang isang paghuhukay: sa mga ito, ang mga bakas ng iba't ibang "figure" ay makikita sa mga puwang ng maraming makulay na mga layer.

Nobyembre 9, 2011 sa Sotheby's auction ng kontemporaryo at post-war na sining, isang malakihan "Abstract na pagpipinta (849-3)" 1997 napunta sa ilalim ng martilyo para sa $20.8 milyon (£13.2 milyon). At makalipas ang anim na buwan, Mayo 8, 2012 sa auction ng post-war at kontemporaryong sining sa Christie's sa New York "Abstract na pagpipinta (798-3)" 1993 napunta para sa record $21.8 milyon(kabilang ang komisyon). Pagkalipas ng limang buwan - isa pang rekord: "Abstract na pagpipinta (809-4)" mula sa koleksyon ng rock musician na si Eric Clapton noong Oktubre 12, 2012 sa Sotheby's sa London ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa £ 21.3 milyon ($34.2 milyon). Ang hadlang ng 30 milyon ay kinuha ni Richter nang napakadali, na parang pinag-uusapan natin hindi tungkol sa modernong pagpipinta, ngunit tungkol sa mga obra maestra na isang daang taong gulang na - hindi kukulangin. Bagaman sa kaso ni Richter, tila ang pagsasama sa pantheon ng "mga dakila" ay naganap sa panahon ng buhay ng artista. Ang mga presyo para sa trabaho ng Aleman ay patuloy na tumataas.

Ang susunod na record ni Richter ay kabilang sa isang photorealistic na gawa - landscape "Cathedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Ang trabaho ay naibenta para sa 37.1 milyon sa Sotheby's auction Mayo 14, 2013. Ang tanawin ng pinakamagandang parisukat ay ipininta ng isang German artist noong 1968, na kinomisyon ng Siemens Electro, lalo na para sa opisina ng kumpanya sa Milan. Sa panahon ng pagsulat nito, ito ang pinakamalaking matalinghagang gawa ni Richter (may sukat na halos tatlo sa tatlong metro).

Ang rekord ng Cathedral Square ay tumagal ng halos dalawang taon, hanggang Pebrero 10, 2015 hindi siya nagambala "Abstract na pagpipinta" ( 1986): Ang presyo ng martilyo ay umabot sa £ 30.389 milyon ($46.3 milyon). Ang "Abstract Painting", na may sukat na 300.5 × 250.5 cm, na inilagay para sa auction sa Sotheby's ay isa sa mga unang malakihang gawa ni Richter sa pamamaraan ng kanyang espesyal na may-akda sa pag-scrap ng mga layer ng pintura. SA huling pagkakataon noong 1999, ang "Abstract Painting" na ito ay binili sa auction sa halagang $607 thousand (mula sa taong ito hanggang sa kasalukuyang pagbebenta, ang gawa ay ipinakita sa Ludwig Museum sa Cologne). Sa auction noong Pebrero 10, 2015, ang isang kliyenteng Amerikano, sa mga hakbang sa auction na £2 milyon, ay umabot sa presyo ng martilyo na $46.3 milyon, iyon ay, mula noong 1999, ang trabaho ay tumaas sa presyo ng higit sa 76 na beses.

4. CUI ZHUZHO “Great Snowy Mountains.” 2013. $39.577 milyon.

Sa loob ng mahabang panahon, hindi namin maingat na sinundan ang mga pag-unlad ng sitwasyon sa merkado ng sining ng Tsino, hindi nais na ma-overload ang aming mga mambabasa ng masyadong maraming impormasyon tungkol sa "hindi ang aming" sining. Maliban sa dissident na si Ai Weiwei, hindi man kasing mahal bilang siya ay isang matunog na artist, ang mga Chinese na may-akda ay tila napakarami at malayo sa amin upang bungkalin kung ano ang nangyayari sa kanilang merkado. Ngunit ang mga istatistika, tulad ng sinasabi nila, ay seryoso, at kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pinakamatagumpay na buhay na mga may-akda sa mundo, kung gayon hindi pa rin natin magagawa nang walang kuwento tungkol sa mga natitirang kinatawan ng kontemporaryong sining sa Celestial Empire.

Magsimula tayo sa Chinese artist Cui Ruzhuo. Ang artista ay ipinanganak noong 1944 sa Beijing at nanirahan sa USA mula 1981 hanggang 1996. Pagkabalik sa China ay nagsimula siyang magturo sa Pambansang Akademya sining Muling binibigyang kahulugan ni Cui Ruzhuo ang tradisyonal na istilong Chinese ng pagpipinta ng tinta at lumikha ng malalaking scroll painting na gustong ibigay ng mga negosyante at opisyal ng Tsino sa isa't isa bilang mga regalo. Sa Kanluran, kakaunti ang nalalaman tungkol sa kanya, bagama't dapat maalala ng marami ang kuwento ng $3.7 milyon na scroll, na napagkamalang itinapon ng mga tagapaglinis sa isang hotel sa Hong Kong, na napagkakamalang basura. Kaya, ito ay tiyak na scroll ni Cui Ruzhuo.

Si Cui Ruzhuo ay lampas na sa 70, at ang merkado para sa kanyang trabaho ay umuunlad. Mahigit sa 60 mga gawa ng artist na ito ang tumawid sa $1 milyon na marka, gayunpaman, ang kanyang mga gawa ay nakamit lamang ang tagumpay sa mga auction ng Tsino. Tunay na kahanga-hanga ang mga rekord ni Cui Ruzhuo. Una sa kanya "Landscape sa Niyebe" sa Poly Auction sa Hong Kong Abril 7, 2014 nakamit ang presyo ng martilyo na HK$184 milyon ( $23.7 milyon US).

Eksaktong isang taon mamaya Abril 6, 2015, sa isang espesyal na Poly Auction sa Hong Kong na eksklusibong nakatuon sa mga gawa ng Cui Ruzhuo, serye "Ang Great Snowy Landscape ng Jiangnan Mountain"(Ang Jiangnan ay isang makasaysayang rehiyon sa China, na sumasakop sa kanang pampang ng mas mababang bahagi ng Yangtze) ng walong landscape sa tinta sa papel ay umabot sa presyo ng martilyo na HK$236 milyon ( $30.444 milyon US).

Makalipas ang isang taon, naulit muli ang kasaysayan sa solo auction ni Cui Ruzhuo na ginanap ng Poly Auctions sa Hong Kong. Abril 4, 2016 anim na bahagi polyptych "Great Snowy Mountains" Naabot ng 2013 ang presyo ng martilyo (kabilang ang komisyon sa auction house) na HKD 306 milyon ($39.577 milyon US)). Sa ngayon, ito ay isang ganap na rekord sa mga Asian na nabubuhay na artista.

Ayon sa dealer ng sining na si Johnson Chan, na nagtatrabaho sa kontemporaryong sining ng Tsino sa loob ng 30 taon, mayroong walang kondisyon na pagnanais na itaas ang mga presyo para sa gawain ng may-akda na ito, ngunit ang lahat ng ito ay nangyayari sa isang antas ng presyo kung saan ang mga may karanasan na mga kolektor ay malamang na hindi gusto. para bumili ng kahit ano. "Nais ng mga Tsino na itaas ang mga rating ng kanilang mga artista sa pamamagitan ng pagpapalaki ng mga presyo ng kanilang mga gawa sa malalaking internasyonal na auction tulad ng inorganisa ng Poly sa Hong Kong, ngunit walang duda na ang mga rating na ito ay ganap na gawa-gawa," komento ni Johnson Chan sa Cui Ang pinakabagong tala ni Ruzhuo.

Ito, siyempre, ay opinyon lamang ng isang indibidwal na dealer, ngunit mayroon kaming isang tunay na rekord na naitala sa lahat ng mga database. Kaya isasaalang-alang natin siya. Si Cui Ruzhuo mismo, ayon sa kanyang mga pahayag, ay malayo sa kahinhinan ni Gerhard Richter pagdating sa kanyang mga tagumpay sa auction. Tila ang karerang ito para sa mga rekord ay seryosong nabighani sa kanya. "Umaasa ako na sa susunod na 5-10 taon ang mga presyo para sa aking mga gawa ay lalampas sa mga presyo para sa mga gawa ng Western masters tulad ng Picasso at Van Gogh. Ito ang pangarap ng mga Tsino,” sabi ni Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Bandila. 1983. $36 milyon

Ang ikatlong lugar sa ranggo ng mga buhay na artista ay kabilang sa isang Amerikano Jasper Johns (1930). Ang kasalukuyang record na presyo para sa trabaho ni Jones ay $ 36 milyon. Malaki ang ibinayad nila para sa kanyang sikat "Bandila" sa auction ni Christie Nobyembre 12, 2014.

Ang serye ng mga "flag" na mga pagpipinta, na sinimulan ni Jones noong kalagitnaan ng 1950s, kaagad pagkatapos bumalik ang artista mula sa hukbo, ay naging isa sa mga sentral sa kanyang trabaho. Kahit na sa kanyang kabataan, naging interesado ang artista sa ideya ng readymade, ang pagbabago ng isang pang-araw-araw na bagay sa isang gawa ng sining. Gayunpaman, ang mga watawat ni Jones ay hindi totoo, sila ay pininturahan ng langis sa canvas. Kaya, nakuha ng likhang sining ang mga katangian ng isang bagay mula sa ordinaryong buhay ito ay parehong imahe ng bandila at ang bandila mismo. Isang serye ng mga gawa na may mga flag ang nagdala kay Jasper John ng katanyagan sa mundo. Ngunit ang kanyang mga abstract na gawa ay hindi gaanong popular. Sa loob ng maraming taon, ang listahan ng mga pinakamahal na gawa, na pinagsama-sama ayon sa mga patakaran sa itaas, ay pinamumunuan ng kanyang abstract "Maling simula". Hanggang 2007, ang napakaliwanag at pandekorasyon na canvas na ito, na ipininta ni Jones noong 1959, ay itinuturing na may presyong halos hindi naa-access para sa isang buhay na artista (kahit na isang panghabambuhay na classic) - $ 17 milyon. Iyan ay kung magkano ang kanilang binayaran para dito sa ginto para sa merkado ng sining 1988.

Interestingly, hindi tuloy-tuloy ang panunungkulan ni Jasper Johns bilang record holder. Noong 1989, nagambala siya sa gawain ng kanyang kasamahan na si Willem de Kooning: ang dalawang-metro na abstraction na "Blending" ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $20.7 milyon Ngunit 8 taon mamaya, noong 1997, namatay si de Kooning. at ang “ False Start by Jones ay muling nakakuha ng unang pwesto sa auction ranking ng mga buhay na artista sa loob ng halos 10 taon.

Ngunit noong 2007 nagbago ang lahat. Ang rekord ng False Start ay unang nalampasan ng mga gawa ng bata at ambisyosong Damien Hirst at Jeff Koons. Pagkatapos ay nagkaroon ng record sale para sa $33.6 milyon ng painting na "The Sleeping Benefits Inspector" ni Lucien Freud (ngayon ay namatay na, at samakatuwid ay hindi nakikilahok sa rating na ito). Pagkatapos ay nagsimula ang mga rekord ni Gerhard Richter. Sa pangkalahatan, sa ngayon, na may kasalukuyang rekord na 36 milyon, si Jasper Johns, isa sa mga masters ng American post-war art, na nagtatrabaho sa intersection ng neo-Dadaism, abstract expressionism at pop art, ay nasa marangal na ikatlong lugar.

6. ED RUSHEY Basagin. 1963. $30.4 milyon

Ang biglaang tagumpay ng pagpipinta na "Smash" ng isang Amerikanong artista Edward Rushay (b. 1937) sa auction Christie's Nobyembre 12, 2014 dinala ang may-akda na ito sa bilang ng mga pinakamahal na buhay na artista. Ang dating record na presyo para sa gawa ni Ed Rusha (ang apelyido na Ruscha ay madalas na binibigkas sa Russian bilang "Rusha", ngunit ang tamang pagbigkas ay Rusha) ay "lamang" $6.98 milyon: magkano ang binayaran para sa kanyang canvas na "The Burning Gas Istasyon” noong 2007. Makalipas ang pitong taon "Smash" na may pagtatantya na $15–20 milyon ay umabot sa presyo ng martilyo $30.4 milyon. Malinaw na ang merkado para sa mga gawa ng may-akda na ito ay umabot sa isang bagong antas - hindi para sa wala na pinalamutian ni Barack Obama ang White House ng kanyang mga gawa, at si Larry Gagosian mismo ay nagpapakita sa kanya sa kanyang mga gallery.

Si Ed Ruscha ay hindi kailanman nahilig sa post-war New York na may pagkahumaling sa abstract expressionism. Sa halip, sa loob ng mahigit 40 taon, tumingin siya sa California para sa inspirasyon, kung saan lumipat siya mula sa Nebraska sa edad na 18. Ang artist ay nakatayo sa pinagmulan ng isang bagong kilusan sa sining, na tinatawag na pop art. Kasama sina Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud at iba pang mang-aawit kulturang popular Si Edward Rushey noong 1962 ay nakibahagi sa eksibisyon na "Bagong Larawan ng mga Ordinaryong Bagay" sa Pasadena Museum, na naging unang eksibisyon sa museo American pop art. Gayunpaman, si Ed Rusha mismo ay hindi nagustuhan kapag ang kanyang trabaho ay nauuri bilang pop art, conceptualism o ilang iba pang kilusan sa sining.

Ang kanyang natatanging istilo ay tinatawag na "text painting". Simula noong huling bahagi ng 1950s, nagsimulang magpinta ng mga salita si Ed Ruscha. Tulad ng para kay Warhol ang isang lata ng sopas ay naging isang gawa ng sining, para kay Ed Rushay ito ay mga ordinaryong salita at parirala, na kinuha mula sa isang billboard o packaging sa isang supermarket, o mula sa mga kredito ng isang pelikula (Ang Hollywood ay palaging "malapit" para sa Rushay, at hindi tulad ng maraming kapwa artista, iginagalang ni Rusche ang "pabrika ng pangarap"). Ang mga salita sa kanyang mga canvases ay nakakuha ng mga katangian ng tatlong-dimensional na mga bagay; Kapag tinitingnan ang kanyang mga canvases, ang unang bagay na nasa isip ay ang visual at tunog na pang-unawa ng ipininta na salita, at pagkatapos lamang ang kahulugan ng semantiko. Ang huli, bilang panuntunan, ay hindi maaaring malinaw na matukoy; Ang pagpili ng mga salita at parirala ni Rushay ay maaaring bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan. Ang parehong maliwanag na dilaw na salitang "Smash" sa isang malalim na asul na background ay maaaring perceived bilang isang agresibong tawag upang basagin ang isang bagay o isang tao sa mga piraso; bilang isang malungkot na pang-uri na kinuha sa labas ng konteksto (bahagi ng ilang headline ng pahayagan, halimbawa), o bilang isang hiwalay na salita na nahuli sa daloy ng urban ng mga visual na imahe. Nasisiyahan si Ed Ruscha sa kawalan ng katiyakan na ito. "Palagi akong may malalim na paggalang sa mga kakaiba, hindi maipaliwanag na mga bagay... Ang mga paliwanag sa isang kahulugan ay pumatay sa bagay," sabi niya sa isang pakikipanayam.

7. CHRISTOPHER WOOL Walang pamagat (RIOT). 1990. $29.93 milyon

Amerikanong artista Christopher Wool(1955) unang pumasok sa ranggo ng mga nabubuhay na artista noong 2013 - matapos ibenta ang akdang "Apocalypse Now" sa halagang $26.5 milyon. Ang halaga ng makasaysayang transaksyon na ito - higit sa $ 20 milyon - ay nagulat sa marami, dahil bago ang mga presyo para sa mga gawa ng artist ay hindi lalampas sa $ 8 milyon, gayunpaman, ang mabilis na paglaki ng merkado para sa mga gawa ni Christopher Wool ay maliwanag na sa oras na iyon: ang artist Kasama sa track record ang 48 mga transaksyon sa auction para sa mga halagang higit sa $1 milyon, at 22 sa mga ito (halos kalahati) ang naganap noong 2013. Pagkalipas ng dalawang taon, ang bilang ng mga gawa ni Chris Wool na naibenta ng higit sa $1 milyon ay umabot sa 70, at isang bagong personal na rekord ay hindi nagtagal. Sa auction Ang akda ni Sotheby noong Mayo 12, 2015 na "Walang Pamagat (RIOT)" ay naibenta sa halagang $ 29.93 milyon kasama ang Buyer's Premium.

Si Christopher Wool ay pangunahing kilala sa kanyang malakihang mga gawa ng itim na letra sa puting aluminum sheet. Sila ang mga, bilang panuntunan, ay nagtatakda ng mga tala sa mga auction. Ito ang lahat ng mga bagay mula sa huling bahagi ng 1980s - unang bahagi ng 1990s. Ayon sa alamat, isang araw ay naglalakad si Wool sa New York noong gabi at biglang nakakita ng graffiti sa mga itim na titik sa isang bagong puting trak - ang mga salitang sex at luv. Ang tanawing ito ay humanga sa kanya kaya't agad siyang bumalik sa workshop at nagsulat ng sarili niyang bersyon na may parehong mga salita. Ito ay 1987, at ang karagdagang paghahanap ng artist para sa mga salita at parirala para sa kanyang "liham" na mga gawa ay sumasalamin sa magkasalungat na diwa ng panahong ito. Ito ang slogan na "ibenta ang bahay, ibenta ang kotse, ibenta ang mga bata", na kinuha ni Wool mula sa pelikulang "Apocalypse Now", at ang salitang "FOOL" ("tanga") sa malalaking titik, at ang salitang "RIOT" (“rebelyon”), madalas na makikita sa mga headline ng pahayagan noong panahong iyon.

Inilapat ng lana ang mga salita at parirala sa mga aluminum sheet gamit ang mga stencil na may mga pinturang alkyd o enamel, na sadyang nag-iiwan ng mga pagtulo, marka ng stencil at iba pang ebidensya ng proseso ng paglikha. Hinati ng artista ang mga salita sa paraang hindi agad naiintindihan ng manonood ang kahulugan. Sa una ay makikita mo lamang ang isang kumpol ng mga titik, iyon ay, nakikita mo ang salita bilang isang visual na bagay, at pagkatapos ay binabasa at naiintindihan mo ang kahulugan ng parirala o salita. Gumamit ang Wool ng font na ginamit ng militar ng Amerika pagkatapos ng World War II, na nagpapataas ng impresyon ng isang order, isang direktiba, isang slogan. Ang mga gawang "liham" na ito ay nakikita bilang bahagi ng urban landscape, tulad ng ilegal na graffiti na lumabag sa kalinisan ng ibabaw ng ilang bagay sa kalye. Ang seryeng ito ng mga gawa ni Christopher Wool ay kinikilala bilang isa sa mga tugatog ng linguistic abstraction, at samakatuwid ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa kontemporaryong sining.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. $28.81 milyon

British Peter Doig(1959), kahit na siya ay kabilang sa henerasyon ng mga postmodernist na Koons at Hirst, pinili para sa kanyang sarili ang isang ganap na tradisyonal na genre ng landscape, na sa loob ng mahabang panahon ay hindi pabor sa mga advanced na artist. Sa kanyang trabaho, muling binuhay ni Peter Doig ang kumukupas na interes ng publiko sa matalinghagang pagpipinta. Ang kanyang mga gawa ay lubos na pinahahalagahan ng parehong mga kritiko at hindi mga espesyalista, at ang katibayan nito ay ang mabilis na pagtaas ng mga presyo para sa kanyang mga gawa. Kung noong unang bahagi ng 1990s ang kanyang mga landscape ay nagkakahalaga ng ilang libong dolyar, ngayon ay nagkakahalaga ito ng milyun-milyon.

Ang gawain ni Doig ay madalas na tinatawag na mahiwagang realismo. Batay sa tunay na mga landscape lumilikha siya ng pantasya, mahiwaga at madalas madilim na mga imahe. Ang artista ay mahilig maglarawan iniwan ng mga tao bagay: isang sira-sirang gusali na itinayo ng Le Corbusier sa gitna ng kagubatan o isang walang laman na puting canoe sa ibabaw ng isang lawa ng kagubatan. Bilang karagdagan sa kalikasan at imahinasyon, ang Doig ay inspirasyon ng mga nakakatakot na pelikula, mga lumang postkard, mga larawan, mga amateur na video, atbp. Ang mga painting ni Doig ay makulay, masalimuot, pandekorasyon at hindi nakakapukaw. Nakatutuwang magkaroon ng ganitong pagpipinta. Ang interes ng mga kolektor ay pinalakas din ng mababang produktibidad ng may-akda: ang artist na naninirahan sa Trinidad ay lumilikha ng hindi hihigit sa isang dosenang mga pagpipinta sa isang taon.

Noong unang bahagi ng 2000s, ang mga indibidwal na landscape ng artist ay nabili ng ilang daang libong dolyar. Kasabay nito, ang mga gawa ni Doig ay kasama sa Saatchi Gallery, sa Whitney Museum Biennial at sa koleksyon ng MoMA. Noong 2006, nalampasan ang antas ng auction na $1 milyon At nang sumunod na taon, isang hindi inaasahang tagumpay ang naganap: ang akdang “White Canoe,” na inaalok sa Sotheby's noong Pebrero 7, 2007 na may tinatayang $0.8–1.2 milyon, ay limang beses na mas mataas. kaysa sa paunang pagtatantya at naibenta sa halagang £5.7 milyon ($11.3 milyon). Sa oras na iyon, ito ay isang record na presyo para sa mga gawa ng isang buhay na European artist.

Noong 2008, nagkaroon ng solong eksibisyon si Doig sa Tate Gallery at Museum of Modern Art sa Paris. Ang multi-milyong dolyar na mga tag ng presyo para sa trabaho ni Doig ay naging karaniwan. Personal na pinakamahusay ni Peter Doig kani-kanina lang nagsimulang ma-update nang maraming beses sa isang taon - ang mayroon lang kaming oras na gawin ay baguhin ang larawan at ang lugar ng artist na ito sa aming rating ng mga buhay na may-akda.

Sa ngayon, ang pinakamahal na gawa ni Peter Doig ay ang snowy landscape na "Rosedale" mula 1991. Kapansin-pansin, ang rekord ay itinakda hindi sa Sotheby's o Christie's, ngunit sa auction ng kontemporaryong sining sa Phillips auction house. Nangyari ito noong Mayo 18, 2017. Isang view ng maniyebe na kapitbahayan sa Toronto na ibinenta ni Rosedale sa isang bumibili ng telepono sa halagang $28.81 milyon, humigit-kumulang $3 milyon na mas mataas sa nakaraang tala ($25.9 milyon para sa “Swallowed by the Mire”). Ang "Rosedale" ay nakibahagi sa pangunahing eksibisyon ni Doig sa Whitechapel Gallery sa London noong 1998, at sa pangkalahatan ang gawaing ito ay sariwa para sa merkado, at samakatuwid ang rekord na presyo ay karapat-dapat.

9. FRANK STELLA Cape of Pines. 1959. $28 milyon

Si Frank Stella ay isang kilalang kinatawan ng post-painterly abstraction at minimalism sa sining. Sa isang tiyak na yugto, siya ay inuri bilang isang kinatawan ng estilo ng pagpipinta ng matapang na gilid. Sa una, pinag-iba ni Stella ang mahigpit na geometricity, asetiko monochrome at nakabalangkas na kalikasan ng kanyang mga kuwadro na gawa sa spontaneity at kaguluhan ng mga painting ng abstract expressionists tulad ni Jackson Pollock.

Noong huling bahagi ng 1950s, ang artista ay napansin ng sikat na may-ari ng gallery na si Leo Castelli at iginawad sa isang eksibisyon sa unang pagkakataon. Dito ay ipinakita niya ang tinatawag na "Black Paintings" - mga canvases na pininturahan ng mga parallel na itim na linya na may manipis na mga puwang ng hindi pininturahan na canvas sa pagitan ng mga ito. Ang mga linya ay bumubuo ng mga geometric na hugis, medyo nakapagpapaalaala ng mga optical illusion, ang parehong mga larawang kumikislap, gumagalaw, umiikot, lumilikha ng isang pakiramdam ng malalim na espasyo kung titingnan mo ang mga ito nang mahabang panahon. Ipinagpatuloy ni Stella ang tema ng mga parallel na linya na may manipis na paghahati ng mga guhit sa kanyang mga gawa sa aluminyo at tanso. Ang mga kulay, ang pictorial na batayan at maging ang hugis ng mga kuwadro na gawa ay nagbago (bukod sa iba, ang mga gawa sa hugis ng mga titik U, T, L ay namumukod-tangi). Ngunit ang pangunahing prinsipyo ng kanyang pagpipinta ay kalinawan pa rin ng balangkas, monumentalidad, simpleng anyo, at monochrome. Sa mga sumunod na dekada, lumayo si Stella mula sa gayong geometric na pagpipinta tungo sa makinis, natural na mga anyo at linya, at mula sa mga monochromatic na pagpipinta tungo sa maliwanag at sari-saring mga paglipat ng kulay. Noong 1970s, nabighani si Stella ng malalaking pattern na ginagamit sa pagpinta ng mga barko. Ginamit sila ng artist para sa malalaking pagpipinta na may mga elemento ng pagtitipon - isinama niya ang mga piraso ng bakal na tubo o wire mesh sa mga gawa.

Sa kanyang mga unang panayam, hayagang tinalakay ni Frank Stella ang mga kahulugang inilagay sa kanyang mga gawa, o sa halip, ang kakulangan nito: "Ang nakikita mo ay kung ano ang nakikita mo." Ang isang pagpipinta ay isang bagay sa sarili nito, at hindi isang pagpaparami ng isang bagay. "Ito ay isang patag na ibabaw na may pintura dito at wala nang iba pa," sabi ni Stella.

Well, pinirmahan ni Frank Stella, ang "ibabaw na may pintura dito" ay maaaring nagkakahalaga ng milyun-milyong dolyar ngayon. Sa unang pagkakataon, pumasok si Frank Stella sa ranggo ng mga buhay na artista noong 2015 sa pagbebenta ng akdang "Crossing the Delaware" (1961) sa halagang $13.69 milyon, kasama ang komisyon.

Makalipas ang apat na taon, Mayo 15, 2019 bagong record Ang unang bahagi ng (1959) na gawaing "Cape of Pines" ay itinatag: ang presyo ng martilyo ay higit sa $28 milyon, kasama ang komisyon. Ito ay isa sa 29 na "itim na mga kuwadro na gawa" - ang mga parehong kung saan nag-debut si Stella sa kanyang unang eksibisyon sa New York. Ang nagtapos sa Princeton University na si Frank Stella ay 23 taong gulang noong panahong iyon. Madalas siyang walang sapat na pera para sa oil paint para sa mga artista. Ang batang artista ay kumita ng pera sa pag-aayos, talagang nagustuhan niya ang mga dalisay na kulay ng pintura, at pagkatapos ay lumitaw ang ideya na magtrabaho kasama ang pinturang ito sa canvas. Gamit ang itim na enamel na pintura, nagpinta si Stella ng mga parallel na guhit, na nag-iiwan ng mga manipis na linya ng hindi naka-primadong canvas sa pagitan ng mga ito. Bukod dito, nagsusulat siya nang walang mga pinuno, sa pamamagitan ng mata, nang walang paunang sketch. Hindi alam ni Stella kung gaano karaming mga itim na linya ang makikita sa isang partikular na pagpipinta. Halimbawa, sa pagpipinta na "Cape of Pines" mayroong 35 sa kanila Ang pamagat ng trabaho ay tumutukoy sa pangalan ng kapa sa Massachusetts Bay - Point of pines. Sa simula ng ikadalawampu siglo, ito ay isang malaking amusement park, at ngayon ito ay isa sa mga lugar ng lungsod ng Revere.

10. YOSHITOMO NARA Knife sa likod niya. 2000. $24.95 milyon

Si Yoshitomo Nara (1959) ay isa sa mga pangunahing tauhan ng Japanese neo-pop art. Japanese - dahil, sa kabila ng pandaigdigang katanyagan at maraming taon ng trabaho sa ibang bansa, ang kanyang trabaho ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang binibigkas na pambansang pagkakakilanlan. Ang mga paboritong karakter ni Nara ay mga batang babae at aso sa estilo ng Japanese manga at anime comics. Ang mga imahe na naimbento niya ay "napunta sa mga tao" sa loob ng maraming taon: ang mga ito ay naka-print sa mga T-shirt, mga souvenir at iba't ibang "merch" ay ginawa gamit ang mga ito. Ipinanganak sa isang mahirap na pamilya, malayo sa kabisera, hindi lamang siya minamahal para sa kanyang talento, ngunit pinahahalagahan din bilang isang taong gawa sa sarili. Ang artista ay gumagana nang mabilis at nagpapahayag. Nabatid na ang ilan sa kanyang mga obra maestra ay literal na natapos sa magdamag. Ang mga kuwadro na gawa at eskultura ng Yoshitomo Nara, bilang isang panuntunan, ay napaka laconic, at kahit na maramot sa kanilang paraan ng pagpapahayag, ngunit palagi silang nagdadala ng isang malakas na emosyonal na singil. Ang mga teenager na babae ni Nara ay madalas na tumitingin sa manonood na may masamang duling. Sa kanilang mga mata ay may kapangahasan, hamon at pagsalakay. Sa kanyang mga kamay - alinman sa isang kutsilyo o isang sigarilyo. May opinyon na ang mga itinatanghal na kabuktutan ng pag-uugali ay isang reaksyon sa mapang-aping moralidad sa lipunan, iba't ibang bawal, at mga prinsipyo ng edukasyon na pinagtibay ng mga Hapones. Ang halos medieval na kalubhaan at kahihiyan ay nagtutulak ng mga problema sa loob at lumikha ng lupa para sa isang naantalang emosyonal na pagsabog. Ang "The Knife Behind Your Back" ay maiikling sumasalamin sa isa sa mga pangunahing ideya ng artist. Sa gawaing ito ay may mapoot na tingin ng isang batang babae at isang kamay na nagbabantang inilagay sa likuran niya. Hanggang 2019, ang mga painting at sculpture ni Yoshitomo Nara ay umabot na sa milyon, o kahit ilang milyon, nang higit sa isang beses. Ngunit dalawampung milyon ang unang pagkakataon. Si Nara ay isa sa pinakasikat na artistang ipinanganak sa Hapon. At ngayon ang pinakamahal na buhay. Noong Oktubre 6, 2109, sa Sotheby's sa Hong Kong, kinuha niya ang titulong ito mula kay Takashi Murakami at kapansin-pansing tinalo ang 90-taong-gulang na avant-garde artist na si Yayoi Kusama (ang pinakamataas na presyo ng auction para sa kanyang mga painting ay papalapit na sa $9 milyon).

11. ZENG FANZHI Huling Hapunan. 2001. $23.3 milyon

Sa Sotheby's auction sa Hong Kong Oktubre 5, 2013 taon malakihang canvas "Ang Huling Hapunan" Artist ng Beijing Zeng Fanzhi (1964) ay naibenta sa halagang HK$160 milyon - $23.3 milyon USA. Ang pangwakas na halaga ng gawain ni Fanzhi, na isinulat, siyempre, sa ilalim ng impluwensya ng gawain ni Leonardo da Vinci, ay naging dalawang beses na mas mataas kaysa sa paunang pagtatantya na humigit-kumulang $10 milyon Ang dating rekord ng presyo ng Zeng Fanzhi ay $ 9.6 milyon, binayaran sa Christie's Hong Kong auction noong Mayo 2008 para sa trabaho "Serye ng maskara. 1996. Hindi. 6".

Ang "The Last Supper" ay ang pinakamalaking (2.2 × 4 meters) na pagpipinta ni Fanzhi sa seryeng "Masks", na sumasaklaw sa panahon mula 1994 hanggang 2001. Ang cycle ay nakatuon sa ebolusyon ng lipunang Tsino sa ilalim ng impluwensya mga reporma sa ekonomiya. Pagpapakilala ng mga elemento ng pamahalaang Tsino ekonomiya ng pamilihan humantong sa urbanisasyon at pagkakawatak-watak ng mga Tsino. Inilalarawan ng Fanzhi ang mga residente ng modernong lungsod ng Tsina na kailangang makipaglaban para sa isang lugar sa araw. Ang kilalang komposisyon ng fresco ni Leonardo sa pagbabasa ni Fanzhi ay may ganap na naiibang kahulugan: ang eksena ng pagkilos ay inilipat mula sa Jerusalem patungo sa isang silid-aralan sa isang paaralang Tsino na may mga tipikal na hieroglyph board sa mga dingding. Si "Kristo" at ang "mga apostol" ay naging mga pioneer na may mga iskarlata na kurbata, at si "Judas" lamang ang nagsusuot ng gintong kurbata - ito ay isang metapora para sa Kanluraning kapitalismo na tumagos at sumisira sa karaniwang paraan ng pamumuhay sa isang sosyalistang bansa.

Ang mga gawa ni Zeng Fanzhi ay estilistang malapit sa European expressionism at parehong dramatiko. Ngunit sa parehong oras sila ay puno ng Chinese simbolismo at pagtitiyak. Ang versatility na ito ay umaakit sa mga Chinese at Western collectors sa gawa ng artist. Ang direktang kumpirmasyon nito ay ang pinagmulan ng "The Last Supper": ang gawain ay inilagay para sa auction sikat na kolektor Chinese avant-garde noong 1980s - early 1990s - ng Belgian baron na si Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN tulay. 1980. $20.6 milyon

Sa auction Christie's May 13, 2015 abstract na gawain "Tulay" 85 taong gulang na Amerikanong artista Robert Ryman(Robert Ryman) ay naibenta para sa $20.6 milyon isinasaalang-alang ang komisyon - dalawang beses na mas mahal kaysa sa mas mababang pagtatantya.

Robert Ryman(1930) ay hindi kaagad napagtanto na nais niyang maging isang artista. Sa edad na 23, lumipat siya sa New York mula sa Nashville, Tennessee, na gustong maging isang jazz saxophonist. Hanggang sa naging sikat na musikero, kailangan niyang magtrabaho bilang security guard sa MoMA, kung saan nakilala niya sina Sol LeWitt at Dan Flavin. Ang una ay nagtrabaho sa museo bilang isang night secretary, at ang pangalawa bilang isang security guard at elevator operator. Humanga sa mga gawa ng abstract expressionist na nakita niya sa MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock at Newman - Si Robert Ryman ay nagpinta sa sarili noong 1955.

Si Ryman ay madalas na itinuturing na isang minimalist, ngunit mas gusto niyang tawaging "realist" dahil hindi siya interesado sa paglikha ng mga ilusyon, ipinapakita lamang niya ang mga katangian ng mga materyales na kanyang ginagamit. Karamihan sa kanyang mga gawa ay pininturahan ng mga pintura ng lahat ng posibleng mga kulay puti(mula sa kulay-abo o madilaw-dilaw hanggang sa nakasisilaw na puti) batay sa laconic square na hugis. Sa panahon ng kanyang karera, sinubukan ni Robert Ryman ang maraming materyales at diskarte: nagpinta siya sa langis, acrylic, casein, enamel, pastel, gouache, atbp. sa canvas, steel, plexiglass, aluminum, papel, corrugated cardboard, vinyl, wallpaper, atbp. Ang kanyang Pinayuhan siya ng kaibigan, propesyonal na restorer na si Orrin Riley sa pagiging corrosive ng mga materyales na naisip niyang gamitin. Gaya nga ng sinabi ng artista, “Wala akong tanong Ano magsulat, ang pangunahing bagay ay Paano sumulat". Ang lahat ay tungkol sa texture, ang likas na katangian ng mga stroke, ang hangganan sa pagitan ng ibabaw ng pintura at mga gilid ng base, pati na rin ang relasyon sa pagitan ng trabaho at dingding. Mula noong 1975, ang isang espesyal na elemento ng kanyang trabaho ay ang mga mounting, na idinisenyo ni Ryman sa kanyang sarili at sadyang hindi nakikita, na binibigyang-diin na ang kanyang gawa ay "kasing totoo ng mga dingding kung saan sila nakasabit." Mas gusto ni Ryman na bigyan ng "mga pangalan" ang kanyang mga gawa kaysa "mga pamagat." Ang "pangalan" ay ang tumutulong na makilala ang isang gawa mula sa isa pa, at madalas na pinangalanan ni Ryman ang kanyang mga gawa sa pamamagitan ng mga tatak ng pintura, kumpanya, atbp., at ang "pamagat" ay nag-aangkin ng ilang uri ng mga parunggit at malalim na nakatagong kahulugan, kung saan ang pagkakaroon nito sa kanyang mga gawa regular na tumatanggi ang artista. Walang mahalaga maliban sa materyal at pamamaraan.

13. DAMIEN HURST Nakakaantok na tagsibol. 2002. $19.2 milyon

Sa English artist Damien Hirst (1965) ay nakatakdang maging unang kumuha ng unang lugar sa rating na ito sa isang hindi pagkakaunawaan sa buhay na klasikong Jasper Johns. Ang nabanggit na gawaing "False Start" ay maaaring nanatiling isang hindi malulubog na pinuno sa mahabang panahon kung Hunyo 21, 2007 pag-install ng noon ay 42 taong gulang na si Hirst "Natutulog Spring"(2002) ay hindi naibenta sa Sotheby's para sa £ 9.76 milyon, ibig sabihin, para sa $19.2 milyon. Ang trabaho, sa pamamagitan ng paraan, ay may medyo hindi pangkaraniwang format. Sa isang banda, mayroong isang display cabinet na may mga dummies ng mga tabletas (6,136 na tabletas), mahalagang isang klasikong pag-install. Sa kabilang banda, ang showcase na ito ay ginawang patag (10 cm ang lalim), inilagay sa isang frame at isinabit sa dingding tulad ng isang plasma panel, sa gayon ay ganap na tinitiyak ang ginhawa ng pagmamay-ari na tipikal ng mga painting. Noong 2002, ang kapatid na babae ng installation na ito, si Sleepy Winter, ay naibenta sa halagang $7.4 milyon, higit sa kalahati ng presyo. "Ipinaliwanag" ng isang tao ang pagkakaiba sa presyo sa pamamagitan ng pagsasabi na ang mga tablet ay mas kupas sa taglamig. Ngunit malinaw na ang paliwanag na ito ay ganap na walang batayan, dahil ang mekanismo ng pagpepresyo para sa mga naturang bagay ay hindi na nauugnay sa kanilang pandekorasyon na kalikasan.

Noong 2007, kinilala ng marami si Hirst bilang may-akda ng pinakamahal na gawain sa mga buhay na artista. Ang tanong, gayunpaman, ay mula sa kategoryang "depende sa kung paano mo binibilang." Ang katotohanan ay ang Hirst ay ibinenta para sa mamahaling pounds, at si Jones sa ngayon ay mas murang dolyar, at kahit dalawampung taon na ang nakalipas. Ngunit kahit na magbilang tayo sa halaga ng mukha, nang hindi isinasaalang-alang ang 20-taong inflation, kung gayon ang trabaho ni Hirst ay mas mahal sa dolyar, at kay Jones sa pounds. Ang sitwasyon ay hangganan, at lahat ay malayang magpasya kung sino ang itinuturing na pinakamamahal. Ngunit hindi nagtagal si Hearst sa unang lugar. Sa parehong 2007, siya ay inilipat mula sa unang lugar ng Koons sa kanyang "Hanging Heart".

Sa bisperas pa lamang ng pandaigdigang pagbaba ng mga presyo para sa kontemporaryong sining, si Hirst ay nagsagawa ng hindi pa nagagawang batang artista undertaking - isang solong auction ng kanyang mga gawa, na naganap noong Setyembre 15, 2008 sa London. Ang balita ng pagkabangkarote ng Lehman Brothers na inihayag noong nakaraang araw ay hindi nakasira sa gana ng kontemporaryong mga mahilig sa sining: sa 223 na gawa na inaalok ng Sotheby's, lima lamang ang hindi nakahanap ng mga bagong may-ari (isa sa mga mamimili, sa pamamagitan ng paraan, ay Victor Pinchuk). Trabaho "gintong guya"- isang malaking pinalamanan na toro sa formaldehyde, na nakoronahan ng gintong disk - nagdala ng mas maraming £10.3 milyon ($18.6 milyon). Ito ang pinakamagandang resulta ni Hirst kung kalkulahin sa pounds (ang currency kung saan isinagawa ang transaksyon). Gayunpaman, kami ay nagraranggo sa mga tuntunin ng mga dolyar, kaya (nawa'y patawarin kami ng Golden Calf) isasaalang-alang pa rin namin ang "Sleepy Spring" bilang pinakamahusay na sale ni Hirst.

Mula noong 2008, si Hirst ay hindi nagkaroon ng mga benta sa antas ng "Sleepy Spring" at "The Golden Calf". Ang mga bagong rekord noong 2010s - para sa mga gawa nina Richter, Jones, Fanzhi, Wool at Koons - ay naglipat kay Damien sa ikaanim na puwesto sa aming ranking. Ngunit huwag tayong gumawa ng kategoryang paghatol tungkol sa pagtatapos ng panahon ng Hearst. Ayon sa mga analyst, si Hirst bilang isang "superstar" ay bumaba na sa kasaysayan, ibig sabihin ay mabibili siya sa napakahabang panahon; gayunpaman, ang pinakamalaking halaga sa hinaharap ay hinuhulaan para sa mga gawa na nilikha sa panahon ng pinaka-makabagong panahon ng kanyang karera, iyon ay, noong 1990s.

14. MAURIZIO CATTELAN Siya. 2001. $17.19 milyon

Ang Italyano na si Maurizio Cattelan (1960) ay dumating sa sining pagkatapos magtrabaho bilang isang security guard, cook, gardener at furniture designer. Ang self-taught artist ay naging sikat sa buong mundo para sa kanyang mga ironic na eskultura at installation. Naghulog siya ng meteorite sa Pope, ginawang tropeo ng pangangaso ang asawa ng kliyente, gumawa ng mga butas sa sahig ng Old Masters Museum, nagpakita ng higanteng gitnang daliri sa Milan Stock Exchange, at nagdala ng buhay na asno sa Frieze fair. Sa malapit na hinaharap, nangangako si Cattelan na mag-install ng gintong banyo sa Guggenheim Museum. Sa huli, ang mga kalokohan ni Maurizio Cattelan ay nakatanggap ng malawak na pagkilala sa mundo ng sining: inanyayahan siya sa Venice Biennale (ang pag-install na "Iba pa" noong 2011 - isang kawan ng dalawang libong kalapati na mukhang menacingly mula sa lahat ng mga tubo at beam sa mga pulutong ng mga bisitang dumadaan sa ibaba), ayusin na nakatanggap siya ng retrospective sa Guggenheim Museum sa New York (Nobyembre 2011) at sa wakas ay binayaran siya ng maraming pera para sa kanyang mga eskultura.

Mula noong 2010, ang pinakamahal na gawa ni Maurizio Cattelan ay isang wax sculpture ng isang lalaki na nakatingin sa labas ng butas sa sahig, na katulad ng hitsura ng artist mismo (Untitled, 2001). Ang sculpture-installation na ito, na mayroon sa tatlong kopya kasama ang kopya ng may-akda, ay unang ipinakita sa Boijmans van Beuningen Museum sa Rotterdam. Pagkatapos ay tumingin ang malikot na karakter na ito mula sa isang butas sa sahig ng bulwagan na may mga painting ng mga Dutch na pintor noong ika-18 - ika-19 na siglo. Sa gawaing ito, iniugnay ni Maurizio Cattellan ang kanyang sarili sa isang mapangahas na kriminal na sumalakay sa sagradong espasyo ng museo hall na may mga painting ng mga dakilang master. Kaya, nais niyang alisin ang sining ng halo ng kabanalan na ibinibigay dito ng mga pader ng museo. Ang gawa, na nangangailangan ng mga butas sa sahig na ipakita sa bawat oras, ay naibenta sa halagang $7.922 milyon sa Sotheby's.

Ang rekord ay tumagal hanggang Mayo 8, 2016, nang ang mas mapanuksong gawa ni Cattelan na "Him," na naglalarawan sa isang lumuluhod na Hitler, ay na-auction sa halagang $17.189 milyon. Kakaiba ang pangalan. Mapanganib ang pagpili ng karakter. Tulad ng lahat mula kay Cattelan. Ano ang ibig sabihin Niya? "Kanya" o "Kanyang makademonyo na kamahalan"? Malinaw na tiyak na hindi natin pinag-uusapan ang tungkol sa pagluwalhati sa imahe ng Fuhrer. Sa gawaing ito, lumilitaw si Hitler sa isang walang magawa, nakakaawa na anyo. At walang katotohanan - ang pagkakatawang-tao ni Satanas ay ginawang kasing tangkad ng isang bata, nakasuot ng costume ng schoolboy at nakaluhod na may mapagpakumbabang ekspresyon sa kanyang mukha. Para kay Cattelan, ang larawang ito ay isang paanyaya na mag-isip tungkol sa likas na katangian ng ganap na kasamaan at isang paraan upang maalis ang mga takot. Sa pamamagitan ng paraan, ang iskultura na "Kanya" ay kilala sa mga taga-Kanluran. Ang kanyang mga kapatid sa serye ay nai-exhibit nang higit sa 10 beses sa mga nangungunang museo sa buong mundo, kabilang ang Pompidou Center at ang Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTJAN Walang Pamagat (S III Inilabas sa France Face 43.14). 2011. $16.8 milyon

Noong Mayo 17, 2017, isa sa pinakamakapangyarihang mga painting ni Mark Grotjahn na inilagay para sa auction ay lumabas sa Christie's evening auction sa New York. Ang pagpipinta na "Walang Pamagat (S III Released to France Face 43.14)" ay ipinakita ng kolektor ng Paris na si Patrick Seguin na may pagtatantya na $13–16 milyon, at dahil ang pagbebenta ng lote ay ginagarantiyahan ng isang third party, walang partikular na nagulat. sa pamamagitan ng pagtatatag ng isang bagong personal na tala sa auction ng 49-taong-gulang na artist . Ang presyo ng martilyo na $14.75 milyon (at kabilang ang Buyer's Premium na $16.8 milyon) ay lumampas sa nakaraang tala ng auction ni Grotjahn ng higit sa $10 milyon, na naglagay sa kanya sa club ng mga buhay na artista na ang mga gawa ay nagbebenta ng walong-figure na halaga. Mayroon nang humigit-kumulang tatlumpu't pitong-figure na mga resulta (mga benta na higit sa $1 milyon, ngunit hindi hihigit sa $10 milyon) sa kaban ng auction ni Mark Grotjahn.

Si Mark Grotjahn (1968), kung saan nakita ng mga eksperto sa trabaho ang impluwensya ng modernismo, abstract minimalism, pop at op art, ay dumating sa kanyang signature style noong kalagitnaan ng 1990s, pagkatapos lumipat kasama ang kanyang kaibigan na si Brent Peterson sa Los Angeles at magbukas ng gallery doon "Kwarto 702" Tulad ng naaalala mismo ng artist, sa oras na iyon nagsimula siyang mag-isip tungkol sa kung ano ang nauna para sa kanya sa sining. Naghahanap siya ng motif kung saan siya mag-eksperimento. At napagtanto ko na siya ay palaging interesado sa linya at kulay. Ang mga eksperimento sa diwa ng Rayonism at minimalism na may linear na pananaw, maraming nawawalang punto at multi-kulay na abstract na tatsulok na hugis sa huli ay nagdala sa Grotjahn na katanyagan sa mundo.

Mula sa abstract na makulay na mga landscape na may maraming linya ng horizon at nawawalang mga punto ng pananaw, sa kalaunan ay nakarating siya sa mga triangular na hugis na nakapagpapaalaala sa mga pakpak ng butterfly. Mga painting ni Grotjahn 2001–2007 Yan ang tinatawag nilang "Butterflies". Ngayon, ang paglipat ng nawawalang punto o paggamit ng ilang nawawalang punto nang sabay-sabay, na magkakahiwalay sa espasyo, ay itinuturing na isa sa pinakamakapangyarihang mga diskarte ng artist.

Ang susunod na malaking serye ng mga gawa ay tinawag na "Mga Mukha"; sa mga abstract na linya ng seryeng ito ay makikilala ang mga katangian ng mukha ng tao, na pinasimple sa estado ng isang maskara sa diwa ng Matisse, Jawlensky o Brancusi. Sa pagsasalita tungkol sa labis na pagpapasimple at pag-istilo ng mga anyo, tungkol sa komposisyon na solusyon ng mga kuwadro na gawa, kapag ang mga nakakalat na tabas ng mga mata at bibig ay tila nakatingin sa amin mula sa kasukalan ng kagubatan, napansin ng mga mananaliksik ang koneksyon sa pagitan ng "Mga Mukha" ni Grotjan at ang sining ng mga primitive na tribo ng Africa at Oceania, habang ang artist mismo ay "gusto ang mga imaheng mata na nakatingin sa labas ng gubat. Naiimagine ko minsan ang mga mukha ng mga baboon o unggoy. Hindi ko masasabi na ako ay sinasadya o hindi sinasadya na naiimpluwensyahan ng primitive na sining ng Africa sa halip, naimpluwensyahan ako ng mga artista na naimpluwensyahan nito. Picasso ang pinaka-halatang halimbawa."

Ang mga gawa sa seryeng "Mga Mukha" ay tinatawag na brutal at eleganteng, nakalulugod sa mata at nakalulugod sa isip. Sa paglipas ng panahon, ang texture ng mga gawang ito ay nagbabago din: upang lumikha ng epekto ng panloob na espasyo, ang artist ay gumagamit ng malawak na mga stroke ng makapal na pintura, kahit na splashing sa estilo ng Pollock, ngunit ang ibabaw ng pagpipinta ay leveled upang sa malapit na pagsusuri ito lumilitaw na ganap na patag. Ang pagpipinta na "Walang Pamagat (S III Released to France Face 43.14)", na nagtakda ng talaan ng auction, ay tiyak na nabibilang sa sikat na seryeng ito ni Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Ang malungkot kong cowboy. $15.16 milyon

Hapon Takashi Murakami (1962) pumasok sa rating namin na may sculpture "Aking Lonely Cowboy", ibinebenta sa Sotheby's noong Mayo 2008 sa halagang $ 15.16 milyon. Sa pagbebentang ito, si Takashi Murakami ay matagal nang itinuturing na pinakamatagumpay na buhay na artistang Asyano - hanggang sa siya ay nalampasan ng pagbebenta ng The Last Supper ni Zeng Fanzhi.

Si Takashi Murakami ay nagtatrabaho bilang pintor, iskultor, fashion designer at animator. Nais ni Murakami na kumuha ng isang bagay na tunay na Hapones bilang batayan para sa kanyang trabaho, nang walang Kanluranin o anumang iba pang paghiram. Sa panahon ng kanyang mga taon ng estudyante siya ay nabighani sa tradisyonal pagpipinta ng Hapon Nihonga, kalaunan ay pinalitan ng sikat na sining ng anime at manga. Ito ay kung paano ipinanganak ang psychedelic Mr DOB, mga pattern ng nakangiting mga bulaklak at maliwanag, makintab na fiberglass sculpture, na parang diretso mula sa mga pahina ng Japanese comics. Itinuturing ng ilan na ang sining ni Murakami ay fast food at ang sagisag ng kabastusan, ang iba ay tinatawag ang artist na Japanese na si Andy Warhol - at sa hanay ng huli, tulad ng nakikita natin, mayroong maraming napakayamang tao.

Hiniram ni Murakami ang pangalan para sa kanyang eskultura mula sa pelikulang Andy Warhol na "Lonely Cowboys" (1968), na hindi kailanman napanood ng mga Hapones, tulad ng inamin niya, ngunit talagang nagustuhan niya ang kumbinasyon ng mga salita. Parehong ikinatuwa ni Murakami ang mga tagahanga ng erotikong Japanese comics at pinagtawanan sila ng isang iskultura. Nadagdagan ang laki, at tatlong-dimensional din, ang bayani ng anime ay nagiging isang fetish ng kultura ng masa. Ang masining na pahayag na ito ay lubos na nasa diwa ng klasikong Western pop art (tandaan ang furniture set ng Allen Jones o Koons' "The Pink Panther"), ngunit may pambansang twist.

17. KAWS. Album ng KAWS. 2005. $14,784,505

Ang KAWS ay ang pseudonym ng American artist na si Brian Donnelly mula sa New Jersey. Siya ang pinakabatang kalahok sa aming ranking, ipinanganak noong 1974. Nagsimula si Donnelly bilang isang animator sa Disney (nagpinta siya ng mga background para sa cartoon na "101 Dalmatians" at iba pa). Mula sa kanyang kabataan ay interesado siya sa graffiti. Ang kanyang signature na disenyo noong una ay isang bungo na may "X's" bilang kapalit ng mga eye socket. Ang mga gawa ng batang manunulat ay minahal ng mga show business figure at mga tao mula sa industriya ng fashion: nilikha niya ang cover para sa album ni Kanye West, at naglabas ng mga pakikipagtulungan sa Nike, Comme des Garçons at Uniqlo. Sa paglipas ng panahon, naging kilala ang KAWS sa mundo ng kontemporaryong sining. Ang kanyang signature figure, na nakapagpapaalaala kay Mickey Mouse, ay nag-ugat sa mga museo, pampublikong espasyo at pribadong koleksyon. Noong unang panahon, naglabas ang KAWS ng limitadong edisyon ng mga laruang vinyl kasama ang tatak na My Plastic Heart, at bigla silang naging paksa ng mataas na collectible na interes. Isa sa mga masigasig na kolektor ng mga "laruan" na ito ay ang tagapagtatag Itim na Bituin rapper na si Timati: halos nakolekta niya ang buong serye ng "Cavs Companions".

Nagtakda ng rekord ang gawa ng KAWS para sa gawa ng artist - $14.7 milyon - sa Sotheby's auction sa Hong Kong noong Abril 1, 2019. Dati, nasa koleksyon siya ng Japanese fashion designer na si Nigo. Meter canvas Ang KAWS Album - parangal sa pabalat ng sikat na album Ang Beatles"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" 1967. Sa halip na mga tao lang, may mga Kimpsons dito - mga naka-istilong character mula sa animated na seryeng The Simpsons na may "X's" sa halip na mga mata.

18. JIN SHANI Tajik na nobya. 1983. $13.89 milyon

Sa mga medyo bata at kontemporaryong Chinese artist, na lahat ay kabilang sa tinatawag na "new wave" noong huling bahagi ng 1980s sa Chinese art, ang aming rating ay hindi inaasahang kasama ang isang kinatawan ng isang ganap na naiibang henerasyon at ibang paaralan. Si Jin Shangyi, ngayon ay higit sa 80, ay isa sa mga kilalang kinatawan ng unang henerasyon ng mga artista sa komunistang Tsina. Ang mga pananaw ng grupong ito ng mga artista ay nabuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng kanilang pinakamalapit na komunistang kaalyado - ang USSR.

Ang opisyal na sining ng Sobyet, sosyalistang realismo, at pagpipinta ng langis, na noon ay hindi pangkaraniwan para sa Tsina (kumpara sa tradisyonal na pagpipinta ng tinta ng Tsino), ay nasa tugatog ng katanyagan noong 1950s, at ang artistang Sobyet na si Konstantin ay dumating upang magturo sa Beijing Art University sa loob ng tatlong taon (mula 1954 hanggang 1957). Si Jin Shani, na noong panahong iyon ay ang pinakabata sa grupo, ay napunta sa kanyang klase. Palaging naaalala ng artista ang kanyang guro na may labis na init, na sinasabi na si Maksimov ang nagturo sa kanya na maunawaan nang tama at ilarawan ang isang modelo. Sinanay ni K. M. Maksimov ang isang buong kalawakan ng mga realistang Tsino, na ngayon ay mga klasiko.

Sa gawain ni Jin Shan ay madarama ng isa ang impluwensya ng parehong Sobyet " malupit na istilo", at ang European school of painting. Ang artista ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng pamana ng Renaissance at klasisismo, habang itinuturing niyang kinakailangan upang mapanatili ang espiritu ng Tsino sa kanyang mga gawa. Ang pagpipinta na "Tajik Bride", na ipininta noong 1983, ay itinuturing na isang kinikilalang obra maestra, isang bagong milestone sa gawain ni Jin Shan. Ito ay inilagay para sa auction ng China Guardian noong Nobyembre 2013 at ibinenta nang maraming beses nang higit pa kaysa sa tantiya - sa halagang $13.89 milyon kasama ang komisyon.

19. BANKSY Decomposed Parliament. 2008. $12.14 milyon

Nagsimulang lumabas ang mga mural na may tag ng Banksy sa mga pader ng lungsod (una sa Britain at pagkatapos ay sa buong mundo) noong huling bahagi ng 1990s. Ang kanyang pilosopikal at kasabay nito ay maasim na graffiti ay nakatuon sa mga problema ng pag-atake ng estado sa mga kalayaan ng mga mamamayan, mga krimen laban sa kapaligiran, iresponsableng pagkonsumo, at ang kawalang-katauhan ng iligal na sistema ng paglipat. Sa paglipas ng panahon, ang pader ng Banksy ay nakakuha ng hindi pa nagagawang katanyagan sa media. Sa katunayan, naging isa siya sa mga pangunahing tagapagtaguyod ng opinyon ng publiko na kumundena sa pagpapaimbabaw ng mga estado at korporasyon, na nagbubunga ng lumalagong kawalang-katarungan sa sistemang kapitalista.

Ang kahalagahan ng Banksy, ang kahulugan ng "nerbiyos ng oras" at ang katumpakan ng kanyang mga metapora ay pinahahalagahan hindi lamang ng mga manonood, kundi pati na rin ng mga kolektor. Noong 2010s, daan-daang libo, o higit pa sa isang milyong dolyar ang ibinigay para sa kanyang mga gawa. Umabot sa punto kung saan nabasag at ninakaw ang graffiti ni Banksy kasama ng mga piraso ng dingding.

Sa isang panahon ng advanced na digital surveillance, pinamamahalaan pa rin ng Banksy na mapanatili ang anonymity. Mayroong isang bersyon na ito ay hindi na isang tao, ngunit isang grupo ng ilang mga artista, na pinamumunuan ng isang mahuhusay na babae. Iyon ay magpapaliwanag ng marami. At ang panlabas na pagkakaiba-iba ng mga manunulat, na nahuli sa mga lente ng mga camera ng saksi, at ang impersonal na stencil na paraan ng aplikasyon (nagbibigay ng mataas na bilis at hindi nangangailangan ng direktang pakikilahok ng may-akda), at ang nakakaantig na pagmamahalan ng mga paksa ng mga kuwadro na gawa ( bola, snowflake, atbp.). Magkagayunman, alam ng mga tao mula sa proyekto ng Banksy, kasama ang kanyang mga katulong, kung paano tikom ang kanilang bibig.

Noong 2019, ang pinakamahal na trabaho ni Banksy ay hindi inaasahang naging apat na metrong canvas na Devolved Parliament ("degraded," "decay," o "devolved" parliament). Ang mga chimpanzee na nagtatalo sa House of Commons ay tila kinukutya ang madla sa taon ng nakakahiyang Brexit. Nakapagtataka na ang pagpipinta ay ipininta 10 taon bago ang makasaysayang pagbabagong ito, at samakatuwid ay itinuturing ng isang tao na makahulang ito. Sa isang auction ng Sotheby noong Oktubre 3, 2019, sa panahon ng matinding pag-bid, binili ng hindi kilalang mamimili ang langis na ito sa halagang $12,143,000 - anim na beses na mas mahal kaysa sa paunang pagtatantya.

20. JOHN CURREN “Matamis at simple.” 1999. $12.007 milyon

Amerikanong artista John Curran (1962) kilala sa kanyang satirical figurative paintings ng provocative sexual at mga paksang panlipunan. Pinamamahalaan ng mga gawa ni Curren na pagsamahin ang mga diskarte sa pagpipinta ng mga matandang masters (lalo na si Lucas Cranach the Elder and the Mannerists) at mga larawan sa fashion mula sa mga makintab na magazine. Sa pagkamit ng mas malaking grotesquerie, madalas na binabaluktot ni Karren ang mga proporsyon ng katawan ng tao, pinalaki o binabawasan ang mga indibidwal na bahagi nito, at inilalarawan ang mga bayani sa mga sirang, mannered na pose.

Nagsimula si Curren noong 1989 sa mga larawan ng mga batang babae na muling iginuhit mula sa isang album ng paaralan; nagpatuloy noong unang bahagi ng 1990s na may mga painting ng mga busty beauties, na inspirasyon ng mga larawan mula sa Cosmopolitan at Playboy; noong 1992, lumitaw ang mga larawan ng mayayamang matatandang babae; at noong 1994, pinakasalan ni Curren ang iskultor na si Rachel Feinstein, na naging pangunahing muse at modelo niya sa loob ng maraming taon. Sa huling bahagi ng 1990s, ang teknikal na kasanayan ni Curren, na sinamahan ng kitsch at kababalaghan ng kanyang mga pagpipinta, ay nagdala sa kanya ng katanyagan. Noong 2003, kinuha ni Larry Gagosian ang trabaho ng pag-promote ng artist, at kung ang isang dealer na tulad ni Gagosian ay kukuha ng artist, kung gayon ang tagumpay ay garantisadong. Noong 2004, isang retrospective ni John Curran ang ginanap sa Whitney Museum.

Sa panahong ito, ang kanyang mga gawa ay nagsimulang magbenta para sa anim na figure na halaga. Ang kasalukuyang rekord para sa isang pagpipinta ni John Curren ay nabibilang sa akdang "Sweet and Simple," na ibinebenta noong Nobyembre 15, 2016 sa Christie's sa halagang $12 milyon. para kay John Curran, na Ngayon higit sa 50, ito ay talagang isang pambihirang tagumpay sa aking karera. Ang kanyang nakaraang record noong 2008 ay $5.5 milyon (binayaran pala, para sa parehong gawain, "Sweet and Simple").

21. BRYCE MARDEN Ang Dumalo. 1996–1999 $10.917 milyon

Ang isa pang buhay na American abstract artist sa aming ranking ay si Bryce Marden (1938). Ang mga gawa ni Marden sa istilong minimalism, at mula noong huling bahagi ng 1980s - gestural painting, namumukod-tangi sa kanilang kakaiba, bahagyang naka-mute na palette. Ang mga kumbinasyon ng kulay sa mga gawa ni Marden ay inspirasyon ng kanyang mga paglalakbay sa buong mundo - Greece, India, Thailand, Sri Lanka. Kabilang sa mga may-akda na nakaimpluwensya sa pag-unlad ni Marden ay si Jackson Pollock (noong unang bahagi ng 1960s, nagtrabaho si Marden bilang isang security guard sa Jewish Museum, kung saan nasaksihan niya ang "pagtulo" ni Pollock gamit ang kanyang sariling mga mata), Alberto Giacometti (kilala sa kanyang mga gawa sa Paris) at Robert Rauschenberg (ang ilang Marden ay nagtrabaho bilang kanyang katulong nang ilang panahon). Ang unang yugto ng trabaho ni Marden ay nakatuon sa mga klasikong minimalist na canvases na binubuo ng mga may kulay na hugis-parihaba na bloke (pahalang o patayo). Hindi tulad ng maraming iba pang mga minimalist, na naghanap ng perpektong kalidad ng mga gawa na tila ang mga ito ay naka-print sa pamamagitan ng isang makina sa halip na iginuhit ng isang tao, si Marden ay napanatili ang mga bakas ng gawa ng artist at pinagsama ang iba't ibang mga materyales (wax at oil paints). Mula noong kalagitnaan ng 1980s, sa ilalim ng impluwensya ng oriental calligraphy, ang geometric abstraction ay pinalitan ng mga paikot-ikot, parang meander na mga linya, ang background kung saan ay ang parehong mga patlang ng kulay ng monochrome. Ang isa sa mga "kahulugan" na gawang ito, "The Attended," ay ibinenta sa Sotheby's noong Nobyembre 2013 sa halagang $10.917 milyon, kasama ang komisyon.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 Disyembre 1959. $10.6 milyon

23. ZHANG XIAOGAN Pag-ibig na walang hanggan. $10.2 milyon

Isa pang kinatawan ng modernong sining ng Tsino - simbolista at surrealist Zhang Xiaogang (1958). Sa Sotheby's auction sa Hong Kong Abril 3, 2011, kung saan naibenta ang Chinese avant-garde art mula sa koleksyon ng Belgian baron na si Guy Ullens, isang triptych ni Zhang Xiaogang "Pag-ibig na walang hanggan" ay naibenta sa halagang $ 10.2 milyon. Sa oras na iyon, ito ay isang rekord hindi lamang para sa artist, ngunit para sa lahat ng kontemporaryong sining ng Tsino. Sinabi nila na ang gawa ni Xiaogang ay binili ng bilyunaryo na asawang si Wang Wei, na nagpaplanong magbukas ng sarili niyang museo.

Si Zhang Xiaogang, na interesado sa mistisismo at pilosopiyang Silangan, ay sumulat ng kuwento ng "Eternal Love" sa tatlong bahagi - buhay, kamatayan at muling pagsilang. Ang triptych na ito ay kasama sa iconic 1989 exhibition na "China/Avant-garde" sa National museo ng sining. Noong 1989 din, ang mga demonstrasyon ng estudyante ay brutal na sinupil ng militar sa Tiananmen Square. Kasunod ng kalunos-lunos na kaganapang ito, nagsimula ang paghigpit ng mga turnilyo - isang eksibisyon sa Pambansang Museo nagkalat, maraming artista ang nandayuhan. Bilang tugon sa sosyalistang realismo na ipinataw mula sa itaas, lumitaw ang direksyon ng mapang-uyam na realismo, isa sa mga pangunahing kinatawan nito ay si Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Walang magawa si Henry Moore. 1967. $9.9 milyon

Amerikano Bruce Nauman (1941), nagwagi ng pangunahing premyo sa 48th Venice Biennale (1999), ay tumagal ng mahabang panahon upang makamit ang kanyang record. Sinimulan ni Nauman ang kanyang karera noong dekada sisenta. Tinatawag siya ng mga connoisseurs, kasama sina Andy Warhol at Joseph Beuys, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang pigura sa sining ng ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo. Gayunpaman, ang matinding intelektwalidad at ganap na kawalan ng dekorasyon ng ilan sa kanyang mga gawa ay malinaw na pumigil sa kanyang mabilis na pagkilala at tagumpay sa pangkalahatang publiko. Madalas na nag-eeksperimento si Nauman sa wika, na nakatuklas ng mga hindi inaasahang kahulugan sa mga pamilyar na parirala. Ang mga salita ay nagiging sentral na mga karakter marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang mga neon pseudo-sign at panel. Tinawag mismo ni Nauman ang kanyang sarili na isang iskultor, bagaman sa nakalipas na apatnapung taon ay sinubukan niya ang kanyang sarili sa ganap na magkakaibang mga genre - iskultura, litrato, video art, pagtatanghal, graphics. Noong unang bahagi ng nineties, si Larry Gagosian ay bumigkas ng mga makahulang salita: "Hindi pa natin natatanto ang tunay na halaga ng gawain ni Nauman." Ganito nangyari: Mayo 17, 2001 sa Christie's, Nauman's 1967 work "Walang magawang Henry Moore (tanaw sa likod)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ay nagtakda ng bagong record sa post-war art segment. Isang cast ng mga kamay ni Nauman na nakatali sa likod, na gawa sa plaster at wax, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $ 9.9 milyon sa koleksyon ng French tycoon na si Francois Pinault (ayon sa iba pang mapagkukunan, ang American Phyllis Wattis). Ang pagtatantya para sa trabaho ay $2–3 milyon lamang, kaya ang resulta ay naging isang tunay na sorpresa sa lahat.

Bago ang maalamat na pagbebentang ito, dalawa lamang sa mga gawa ni Nauman ang tumawid sa milyong dolyar na marka. At sa kanyang buong karera sa auction, sa ngayon ay anim na gawa lamang, bilang karagdagan sa "Henry Moore...", ang napunta para sa pitong-figure sums, ngunit ang kanilang mga resulta ay hindi pa rin maihahambing sa siyam na milyon.

Ang "Helpless Henry Moore" ay isa sa isang serye ng mga polemikong gawa ni Nauman tungkol sa pigura ni Henry Moore (1898–1986), isang British artist na noong dekada ikaanimnapung taon ay itinuturing na isa sa mga pinakadakilang iskultor noong ikadalawampu siglo. Ang mga batang may-akda, na natagpuan ang kanilang sarili sa anino ng kinikilalang master, pagkatapos ay inatake siya ng masigasig na pagpuna. Ang gawa ni Nauman ay isang tugon sa kritisismong ito at kasabay nito ay isang pagmumuni-muni sa paksa ng pagkamalikhain. Ang pamagat ng akda ay nagiging isang pun, dahil pinagsasama nito ang dalawang kahulugan ng salitang Ingles na nakatali - nakatali (sa literal na kahulugan) at napapahamak sa isang tiyak na kapalaran.

Pansin! Ang lahat ng mga materyales sa site at ang database ng mga resulta ng auction sa site, kabilang ang nakalarawan na impormasyon ng sanggunian tungkol sa mga gawa na ibinebenta sa auction, ay inilaan para sa eksklusibong paggamit alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinahihintulutan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyales na ibinigay ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa isang kahilingan mula sa awtorisadong katawan.