Gemälde niederländischer Künstler. Niederländische Malerei Hauptmerkmale der niederländischen Renaissancekunst

Ich habe beschlossen, eine Auswahl von Niederländern zu treffen, die meiner Meinung nach auf der ganzen Welt berühmt sind ...

Also fangen wir an:

Oh ja, an erster Stelle natürlich - Vincent van Gogh, zu seinen Lebzeiten nicht anerkannt, aber von der modernen Welt wegen seiner leuchtenden Farben und seiner imaginären Einfachheit geliebt. Bis heute ist dies das Meiste beliebter Künstler unter Dieben.

Rembrandt van Rijn- großer niederländischer Maler und Kupferstecher. Eines seiner berühmtesten Gemälde ist „Die Nachtwache“, das Gemälde gilt als geheimnisvoll. Kunstkritiker und Kunstliebhaber rätseln seit Jahrhunderten über dieses Gemälde. So hat ein ehrwürdiger niederländischer Kunsthistoriker des frühen 19. Jahrhunderts Jahre damit verbracht, zu beweisen, dass die Abteilung anlässlich der Ankunft der französischen Königin Marie de Medici in Amsterdam im Jahr 1639 zur Parade geht. Das verlockendste unter den Geheimnissen der „Wache „ist das Bild eines seltsamen Mädchens in einem goldenen Outfit... Moderne Niederländer lieben und verehren diesen Künstler sehr... Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wird die Politik verfolgt, die Gemälde dieses Künstlers zurückzugeben ihre Heimat.

Johannes Vermeer aus Delft. Er lebte nur kurze Zeit, schrieb wenig und wurde erst spät entdeckt. Vermeers berühmtestes und „touristischstes“ Werk ist „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“ im Besitz des Haager Museums. Die meisten Gemälde von Vermeer gehören Museen und Privatsammlern in den Vereinigten Staaten. In Russland gibt es kein einziges Werk dieses niederländischen Künstlers.

Anne Frank– Das Tagebuch der Niederländerin Anne Frank ist eines der berühmtesten und eindrucksvollsten Dokumente über die Gräueltaten der Nazis. Anna führte vom 12. Juni 1942 bis zum 1. August 1944 ein Tagebuch. Zunächst schrieb sie nur für sich selbst, bis sie im Frühjahr 1944 im Radio eine Rede des niederländischen Bildungsministers Bolkenstein hörte. Er sagte, dass alle Beweise der Niederländer während der Besatzungszeit öffentliches Eigentum werden sollten. Anna war von diesen Worten beeindruckt und beschloss nach dem Krieg, ein Buch auf der Grundlage ihres Tagebuchs zu veröffentlichen.

Paul Verhoeven- berühmter niederländischer Regisseur. Schöpfer von Filmen wie: dem fantastischen Actionfilm „RoboCop“ (1987), der an den Kinokassen mehr als 50 Millionen Dollar einspielte, und dem Super-Actionfilm „Total Recall“ (1990) mit Arnold Schwarzenegger führende Rolle. Der größte Erfolg wurde mit dem Kultthriller Basic Instinct (1992) mit Sharon Stone und Michael Douglas erwartet. Das Erotikdrama „Showgirls“ (1995), das Verhoeven danach verfilmte, scheiterte an den Kinokassen völlig. Dem Regisseur gelang es, sich teilweise zu „rehabilitieren“, indem er den Science-Fiction-Actionfilm „Starship Troopers“ (1997) drehte. Teilweise erfolgreich war auch der Science-Fiction-Thriller „Der unsichtbare Mann“ (2000), nach dessen Veröffentlichung Verhoeven eine sechsjährige Schaffenspause einlegte.

Mata Hari- die wichtigste Kurtisane der Weltspionage. Margaretha Gertrude Zelle hat den Bund fürs Leben mit dem 38-jährigen Rudolf McLeod geschlossen. Das Paar, dessen Altersunterschied 20 Jahre betrug, lernte sich durch eine Anzeige in einer Zeitung kennen: Der einsame Polizist McLeod wollte romantische Kommunikation mit dem anderen Geschlecht, und ihn wählte Margareta als Objekt der Leidenschaft. Einige Zeit nach der Heirat und dem Umzug auf die Insel Java war Margareta jedoch desillusioniert von ihrer Auserwählten: McLeod, ein Holländer schottischer Herkunft, der unter Alkoholismus litt, ließ all seine Wut und mangelnde Erfüllung in militärischen Angelegenheiten an seiner Frau aus und zwei Kinder, und auch gehaltene Geliebte. Die Ehe scheiterte und Margareta konzentrierte sich auf das Studium der indonesischen Traditionen, insbesondere der lokalen Nationaltänze. Der Legende nach begann sie 1897 erstmals unter dem Pseudonym Mata Hari aufzutreten, was auf Malaiisch „Sonne“ bedeutet („mata“ – Auge, „hari“ – Tag, wörtlich „Auge des Tages“). Von diesem Zeitpunkt an beginnt die Verwandlung in einen Spion...

Armin Van Buren– Für alle Fans elektronischer Musik ist der Name des Niederländers Armin van Buuren der Name einer wahren Legende. Und das ist keine Übertreibung. Es ist wirklich schwer, die Bedeutung dieses Musikers, DJs und einfach außergewöhnlich energiegeladenen Menschen für die gesamte Trance-Branche zu überschätzen.

Tiesto– Richtiger Name: Thijs Vervest. Tiesto ist der DJ Nummer 2 der Welt (und oft die Nummer 1 auf der DJMag-Liste). Tiësto brach den Weltrekord für das Trinken von Red Bull in 24 Stunden, er schaffte es, 31 Dosen zu trinken – fast die doppelte tödliche Dosis, aber er will sie nicht mehr nehmen.

Dirk Nicholas Rechtsanwalt– niederländischer Fußballspieler (Mittelfeldspieler) und Fußballtrainer, ehemaliger Trainer der Nationalmannschaften der Niederlande, der Vereinigten Arabischen Emirate, Südkorea, Belgien, Russland sowie St. Petersburg Zenit, Rangers und andere Vereine. Nachdem Advocaat 2007 mit Zenit die russische Fußballmeisterschaft gewonnen hatte, war er der erste ausländische Trainer, der dieses Turnier gewann. Am 28. Mai 2008 wurde Dick Advocaat der Titel eines Ehrenbürgers von St. Petersburg verliehen. Darüber hinaus musste das Stadtparlament hierfür ein Sondergesetz für den Trainer persönlich erlassen, da das St. Petersburger Gesetz „Über den Titel „Ehrenbürger von St. Petersburg“ die Verleihung des Titels „Ehrenbürger von St. Petersburg“ nicht zuließ Ehrenbürger „allgemein“.

Benedikt Spinoza- Niederländischer rationalistischer Philosoph, Naturforscher, einer der Hauptvertreter der modernen Philosophie. Er wurde in eine jüdische Familie hineingeboren, aber die Juden exkommunizierten ihn. Christen hassten ihn gleichermaßen. Obwohl die Idee Gottes seine gesamte Philosophie dominiert, warfen ihm Kirchenmänner Atheismus vor. Die Lebensjahre Spinozas fielen mit dem Beginn der Neuzeit zusammen. In seinem Werk vollzog er eine Synthese wissenschaftlicher Ideen der Renaissance mit griechischer, stoischer, neuplatonischer und scholastischer Philosophie.

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Frühe niederländische Malerei(selten Alte niederländische Malerei) – eine der Etappen der nördlichen Renaissance, einer Ära der niederländischen und insbesondere der flämischen Malerei, die etwa ein Jahrhundert in der Geschichte der europäischen Kunst ab dem zweiten Viertel des 15. Jahrhunderts umfasst. Die spätgotische Kunst wurde zu dieser Zeit von der frühen Renaissance abgelöst. Wenn spätgotisch, in Frankreich erschienen, geschaffen universelle Sprache künstlerische Form, zu der auch viele niederländische Meister der Malerei beitrugen, dann bildete sich in der beschriebenen Zeit in den Niederlanden eine deutlich erkennbare eigenständige Malschule, die gekennzeichnet war durch realistische Art und Weise Briefe, die vor allem im Genre der Porträtmalerei ihren Ausdruck fanden.

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Seit dem 14. Jahrhundert erlebten diese Gebiete kulturelle und soziologische Veränderungen: Weltliche Auftraggeber lösten die Kirche als Hauptkunden von Kunstwerken ab. Die Niederlande als Kunstzentrum begannen, die spätgotische Kunst am französischen Hof in den Schatten zu stellen.
Die Niederlande waren auch durch die gemeinsame burgundische Dynastie mit Frankreich verbunden, daher die Flamen, Wallonen und Niederländische Künstler Sie fanden in Frankreich leicht Arbeit an den Höfen von Anjou, Orleans, Berry und beim französischen König selbst. Herausragende Meister Die Limburger Brüder von Geldern waren im Wesentlichen französische Künstler der internationalen Gotik. Mit seltenen Ausnahmen in der Person von Melchior Bruderlam blieben nur Maler niedrigeren Ranges in ihrer Heimat, den Niederlanden.
Zu den Ursprüngen der frühen niederländischen Malerei, verstanden in im engeren Sinne, steht Jan van Eyck, der 1432 die Arbeit an seinem wichtigsten Meisterwerk, dem Genter Altar, abschloss. Zeitgenossen betrachteten auch die Werke von Jan van Eyck und anderen Flämische Künstler„neue Kunst“, etwas völlig Neues. Chronologisch gesehen entwickelte sich die altniederländische Malerei etwa zeitgleich mit der italienischen Renaissance.
Mit dem Aufkommen des Porträts wurde erstmals ein weltliches, individualisiertes Thema zum Hauptmotiv der Malerei. Genrebilder und Stillleben erlangten ihren Durchbruch in der Kunst erst im niederländischen Barock des 17. Jahrhunderts. Der bürgerliche Charakter der frühen niederländischen Malerei weist auf den Beginn der Neuen Zeit hin. Zu den Auftraggebern gehörten neben Adel und Geistlichkeit zunehmend auch der reiche Adel und die Kaufleute. Der Mann auf den Gemälden wurde nicht mehr idealisiert. Vor dem Betrachter erscheinen echte Menschen mit all ihren menschlichen Fehlern. Falten, Tränensäcke – alles wurde auf dem Bild natürlich und ohne Schnörkel dargestellt. Heilige lebten nicht mehr ausschließlich in Kirchen; sie betraten auch die Häuser der Stadtbewohner.

Künstler

Als einer der allerersten Vertreter neuer künstlerischer Ansichten gilt neben Jan van Eyck der Meister Flemals, der derzeit als Robert Campin identifiziert wird. Sein Hauptwerk ist das Altarbild (oder Triptychon) der Verkündigung (anderer Name: Altarbild der Familie Merode; um 1425), das heute im Cloisters Museum in New York aufbewahrt wird.
Bereits für eine lange Zeit Die Existenz von Jan van Eycks Bruder Hubert wird in Frage gestellt. Neueste Forschung zeigte, dass Hubert van Eyck, der nur in wenigen Quellen erwähnt wird, nur ein mittelmäßiger Künstler der Genter Schule war, der weder Familie noch sonstige Beziehung zu Jan van Eyck hatte.
Als Kampens Schüler gilt Rogier van der Weyden, der vermutlich an der Arbeit am Merode-Triptychon beteiligt war. Im Gegenzug beeinflusste er Dirk Bouts und Hans Memling. Memlings Zeitgenosse war Hugo van der Hus, der erstmals 1465 erwähnt wurde.
Von dieser Serie sticht diejenige am meisten heraus geheimnisvoller Künstler diesmal Hieronymus Bosch, dessen Werk noch keine eindeutige Interpretation erhalten hat.
Neben diesen großen Meistern verdienen frühe niederländische Künstler wie Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden und Quentin Massys Erwähnung.
Ein auffälliges Phänomen war die Arbeit von Künstlern aus Leiden: Cornelis Engelbrechtsen und seinen Schülern Artgen van Leyden und Lucas van Leyden.
Von den Werken früher niederländischer Künstler ist bis heute nur ein kleiner Teil erhalten. Unzählige Gemälde und Zeichnungen fielen im Zuge der Reformation und der Kriege dem Bildersturm zum Opfer. Darüber hinaus wurden viele Werke stark beschädigt und erfordern eine aufwendige Restaurierung. Einige Werke sind nur in Kopien erhalten, während die meisten für immer verloren sind.
Das Werk der frühen Niederländer und Flamen wird in den größten Kunstmuseen der Welt präsentiert. Aber einige Altäre und Gemälde befinden sich noch immer an ihrem alten Platz – in Kirchen, Kathedralen und Schlössern, wie zum Beispiel der Genter Altar in der St.-Bavo-Kathedrale in Gent. Allerdings kann man es jetzt nur noch durch dickes Panzerglas betrachten.

Beeinflussen

Italien

Im Geburtsort der Renaissance, Italien, genoss Jan van Eyck hohes Ansehen. Wenige Jahre nach dem Tod des Künstlers rief der Humanist Bartolomeo Fazio van Eyck sogar an „Fürst unter den Malern des Jahrhunderts“.
Während Italienische Meister Sie verwendeten komplexe mathematische und geometrische Mittel, insbesondere das System der Perspektive, und konnten die „Wirklichkeit“ scheinbar ohne große Schwierigkeiten korrekt darstellen. Die Handlung in den Gemälden fand nicht mehr wie in der Gotik gleichzeitig auf einer Bühne statt. Räumlichkeiten werden nach den Gesetzen der Perspektive dargestellt und Landschaften sind kein schematischer Hintergrund mehr. Ein breiter, detaillierter Hintergrund führt den Blick in die Unendlichkeit. Kleidung, Möbel und Einrichtungsgegenstände wurden mit fotografischer Präzision präsentiert.

Spanien

Der erste Beweis für die Verbreitung nördlicher Maltechniken in Spanien findet sich im Königreich Aragon, zu dem Valencia, Katalonien und die Balearen gehörten. König Alfons V. schickte seinen Hofkünstler Ludwig Dalmau bereits 1431 nach Flandern. Im Jahr 1439 zog der Brügger Künstler Louis Alimbrot mit seiner Werkstatt nach Valencia. Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck besuchte Valencia vermutlich bereits 1427 als Teil einer burgundischen Delegation.
Valencia, damals eines der bedeutendsten Zentren des Mittelmeerraums, zog Künstler aus ganz Europa an. Neben den traditionellen Kunstschulen des „internationalen Stils“ gab es Werkstätten, die sowohl in flämischer als auch in flämischer Sprache arbeiteten Italienischer Stil. Hier entwickelte sich die sogenannte „spanisch-flämische“ Kunstrichtung, deren Hauptvertreter Bartolome Bermejo ist.
Die kastilischen Könige besaßen mehrere berühmte Werke Rogier van der Weyden, Hans Memling und Jan van Eyck. Darüber hinaus wurde der Gastkünstler Juan de Flandes („Jan von Flandern“, Nachname unbekannt) zum Hofporträtmaler von Königin Isabella, der den Grundstein für die realistische Schule der spanischen Hofporträtmalerei legte.

Portugal

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstand in Portugal in der Lissabonner Werkstatt des Hofkünstlers Nuno Gonçalves eine eigenständige Malschule. Das Werk dieses Künstlers steht in völliger Isolation: Er scheint weder Vorgänger noch Anhänger gehabt zu haben. Der flämische Einfluss ist besonders in seinem Polyptychon spürbar „Saint Vincent“ Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.
Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
Max Jakob Friedländer: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlin 1924-1937.
Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander und Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Original: Frühe niederländische Malerei. 2 Bde. Cambridge (Mass.) 1953)
Otto Pächt: Van Eyck, der Begründer der alten niederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. Hrsg. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
Norbert Wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Die Niederlande sind eine historische Region, die einen Teil des riesigen Tieflandes an der nordeuropäischen Küste vom Finnischen Meerbusen bis zum Ärmelkanal einnimmt. Derzeit umfasst dieses Gebiet die Staaten Niederlande (Holland), Belgien und Luxemburg.
Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches wurden die Niederlande zu einer bunten Ansammlung großer und kleiner halbunabhängiger Staaten. Die bedeutendsten unter ihnen waren das Herzogtum Brabant, die Grafschaften Flandern und Holland sowie das Bistum Utrecht. Im Norden des Landes war die Bevölkerung überwiegend deutsch – Friesen und Holländer; im Süden überwogen die Nachkommen der Gallier und Römer – die Flamen und Wallonen.
Die Niederländer arbeiteten selbstlos mit ihrem besonderen Talent, „die langweiligsten Dinge zu tun, ohne sich zu langweilen“, wie der französische Historiker Hippolyte Taine es über diese völlig dem Alltag gewidmeten Menschen ausdrückte. Sie kannten keine erhabene Poesie, aber sie verehrten die einfachsten Dinge umso ehrfürchtiger: ein sauberes, gemütliches Zuhause, einen warmen Herd, bescheidenes, aber schmackhaftes Essen. Der Niederländer ist es gewohnt, die Welt so zu betrachten riesiges Haus, in dem er aufgefordert ist, für Ordnung und Komfort zu sorgen.

Hauptmerkmale der niederländischen Renaissancekunst

die kleinsten Details

Die Kunst des 15. Jahrhunderts ist das goldene Zeitalter der niederländischen Malerei.
Sein hellster Vertreter Jan Van Eyck. OK. 1400-1441.
Der größte Meister der europäischen Malerei:
eröffnete mit seiner Kreativität eine neue Ära Frührenaissance in der niederländischen Kunst.
Er war Hofkünstler des burgundischen Herzogs Philipp des Guten.
Er war einer der ersten, der die plastischen und ausdrucksstarken Möglichkeiten der Ölmalerei beherrschte, indem er dünne, transparente Farbschichten übereinander legte (der sogenannte flämische Stil der mehrschichtigen transparenten Malerei).

Van Eycks größtes Werk war der Genter Altar, den er gemeinsam mit seinem Bruder schuf.
Der Genter Altar ist ein grandioses mehrstufiges Polyptychon. Seine Höhe im Mittelteil beträgt 3,5 m, die Breite im geöffneten Zustand beträgt 5 m.
Auf der Außenseite des Altars (wenn er geschlossen ist) ist der Tageszyklus zu sehen:
- In der unteren Reihe sind die Stifter dargestellt: Der Bürger Jodok Veidt und seine Frau beten vor den Statuen der Heiligen Johannes des Täufers und Johannes des Evangelisten, den Schutzherren der Kirche und der Kapelle.
- Oben ist die Szene der Verkündigung zu sehen, mit den Figuren der Muttergottes und des Erzengels Gabriel, getrennt durch das Bild eines Fensters, in dem die Stadtlandschaft zum Vorschein kommt.

Auf der Innenseite des Altars ist der Festzyklus dargestellt.
Wenn sich die Altartüren öffnen, vollzieht sich vor den Augen des Betrachters eine wirklich atemberaubende Verwandlung:
- die Größe des Polyptychons wird verdoppelt,
- Das Bild des Alltags wird augenblicklich durch das Schauspiel des irdischen Paradieses ersetzt.
- Die engen und düsteren Schränke verschwinden und die Welt scheint sich zu öffnen: Die weitläufige Landschaft erstrahlt in allen Farben der Palette, hell und frisch.
Das Gemälde des festlichen Zyklus ist dem in der christlichen bildenden Kunst seltenen Thema des Triumphs der verwandelten Welt gewidmet, der nach dem Jüngsten Gericht kommen sollte, wenn das Böse endgültig besiegt wird und Wahrheit und Harmonie auf der Erde hergestellt werden.

In der oberen Reihe:
- Im Mittelteil des Altars ist Gottvater auf einem Thron sitzend dargestellt,
- links und rechts vom Thron sitzen die Gottesmutter und Johannes der Täufer,
- dann sind auf beiden Seiten singende und musizierende Engel zu sehen,
- Die nackten Figuren von Adam und Eva schließen die Reihe.
Die unterste Gemäldereihe zeigt eine Szene der Anbetung des göttlichen Lammes.
- Mitten auf der Wiese erhebt sich ein Altar, darauf steht ein weißes Lamm, aus seiner durchbohrten Brust fließt Blut in einen Kelch
- Näher am Betrachter befindet sich ein Brunnen, aus dem lebendiges Wasser fließt.

Hieronymus Bosch (1450 - 1516)
Die Verbindung seiner Kunst mit Volkstraditionen, Folklore.
In seinen Werken kombinierte er auf raffinierte Weise die Merkmale mittelalterlicher Belletristik, Folklore, philosophischer Gleichnisse und Satire.
Er schuf mehrfigurige religiöse und allegorische Kompositionen, Gemälde zu den Themen Volkssprichwörter, Sprüche und Gleichnisse.
Boschs Werke sind voller Szenen und Episoden, lebendiger und skurril-fantastischer Bilder und Details, voller Ironie und Allegorie.

Boschs Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung realistischer Tendenzen in der niederländischen Malerei des 16. Jahrhunderts.
Komposition „Versuchung des Hl. Anthony“ ist einer der bekanntesten und geheimnisvolle Werke Künstler. Das Meisterwerk des Meisters war das Triptychon „Der Garten der Lüste“, eine komplizierte Allegorie, die viele verschiedene Interpretationen erfahren hat. Im gleichen Zeitraum entstanden die Triptychen „Das Jüngste Gericht“, „Anbetung der Könige“, die Kompositionen „St. Johannes auf Patmos“, „Johannes der Täufer in der Wildnis“.
Zur späten Schaffensperiode von Bosch gehören das Triptychon „Himmel und Hölle“, die Kompositionen „Der Landstreicher“ und „Das Tragen des Kreuzes“.

Die meisten Gemälde Boschs aus seiner Reife- und Spätzeit sind bizarre Grotesken mit tiefen philosophischen Untertönen.

Das von Philipp II. von Spanien sehr geschätzte große Triptychon „Heuhaufen“ gehört zur Reifezeit des Schaffens des Künstlers. Im Kern Altarkomposition Wahrscheinlich handelt es sich um ein altes niederländisches Sprichwort: „Die Welt ist ein Heuhaufen, und jeder versucht, so viel wie möglich daraus herauszuholen.“

Versuchung des hl. Antonia. Triptychon. Mittelteil Holz, Öl. 131,5 x 119 cm (Mittelteil), 131,5 x 53 cm (Blatt) Nationalmuseum antike Kunst, Lissabon
Garten der Freuden. Triptychon. Um 1485. Mittelteil
Holz, Öl. 220 x 195 cm (Mittelteil), 220 x 97 cm (Blatt), Prado-Museum, Madrid

Niederländische Kunst des 16. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch das Aufkommen des Interesses an der Antike und den Aktivitäten der Meister der italienischen Renaissance. Zu Beginn des Jahrhunderts entstand eine Bewegung, die auf der Nachahmung italienischer Vorbilder beruhte und den „Romanismus“ (von Roma, dem lateinischen Namen für Rom) nannte.
Der Höhepunkt der niederländischen Malerei in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war die Kreativität Pieter Bruegel der Ältere. 1525/30-1569. Spitzname Muzhitsky.
Er schuf zutiefst nationale Kunst und stützte sich dabei auf niederländische Traditionen und lokale Folklore.
Spielte eine große Rolle bei der Entstehung des bäuerlichen Genres und der nationalen Landschaft. In Bruegels Werk sind rauer Volkshumor, Lyrik und Tragödie, realistische Details und fantastische Groteske, Interesse an detaillierter Erzählung und der Wunsch nach umfassender Verallgemeinerung eng miteinander verbunden.

In Bruegels Werken besteht eine Nähe zu den moralisierenden Darbietungen des mittelalterlichen Volkstheaters.
Das Narrenduell zwischen Maslenitsa und Fastenzeit ist eine häufige Szene bei Kirmesaufführungen, die an winterlichen Abschiedstagen in den Niederlanden stattfinden.
Überall ist das Leben in vollem Gange: Es gibt Reigen, hier werden Fenster geputzt, einige spielen Würfel, andere handeln, jemand bettelt um Almosen, jemand wird zur Beerdigung gebracht ...

Sprichwörter. 1559. Das Gemälde ist eine Art Enzyklopädie der niederländischen Folklore.
Bruegels Figuren führen einander an der Nase, sitzen zwischen zwei Stühlen, schlagen ihre Köpfe gegen die Wand, hängen zwischen Himmel und Erde... Das niederländische Sprichwort „Und es gibt Risse im Dach“ hat eine ähnliche Bedeutung wie das russische „Und Die Wände haben Ohren.“ Das niederländische „Geld ins Wasser werfen“ bedeutet dasselbe wie das russische „Geld verschwenden“, „Geld in den Abfluss werfen“. Das ganze Bild ist der Verschwendung von Geld, Energie und ganzem Leben gewidmet – hier bedecken sie das Dach mit Pfannkuchen, schießen Pfeile ins Leere, scheren Schweine, wärmen sich an den Flammen eines brennenden Hauses und bekennen sich zum Teufel.

Die ganze Erde hatte eine Sprache und einen Dialekt. Sie zogen von Osten her, fanden eine Ebene im Land Schinar und ließen sich dort nieder. Und sie sagten zueinander: „Lasst uns Ziegel machen und sie mit Feuer verbrennen.“ Und sie verwendeten Ziegel statt Steine und irdenen Teer statt Kalk. Und sie sagten: „Lasst uns eine Stadt und einen Turm bauen, der bis zum Himmel reicht, und uns einen Namen machen, bevor wir über die ganze Erde zerstreut werden.“ Und der Herr kam herab, um die Stadt und den Turm zu sehen, die die Menschensöhne bauten. Und der Herr sagte: „Siehe, es ist ein Volk, und sie haben alle eine Sprache, und das ist es, was sie zu tun begannen, und sie werden nicht aufgeben, was sie vorhatten.“ Lasst uns hinuntergehen und ihre Sprache dort verwirren, sodass einer die Sprache des anderen nicht versteht.“ Und der Herr zerstreute sie von dort über die ganze Erde; und sie hörten auf, die Stadt und den Turm zu bauen. Deshalb wurde ihm der Name Babylon gegeben, denn dort verwirrte der Herr die Sprache der ganzen Erde, und von dort zerstreute der Herr sie über die ganze Erde (Genesis, Kapitel 11). Im Gegensatz zum bunten Treiben in Bruegels Frühwerk verblüfft dieses Gemälde den Betrachter durch seine Ruhe. Der auf dem Bild dargestellte Turm ähnelt dem römischen Amphitheater Kolosseum, das der Künstler in Italien sah, und gleichzeitig einem Ameisenhaufen. Auf allen Etagen des riesigen Bauwerks wird unermüdlich gearbeitet: Blöcke drehen sich, Leitern werden geworfen, Arbeiterfiguren huschen umher. Auffällig ist, dass die Verbindung zwischen den Bauherren bereits verloren gegangen ist, vermutlich aufgrund der begonnenen „Sprachvermischung“: Irgendwo ist der Bau in vollem Gange, irgendwo ist der Turm bereits zur Ruine geworden.

Nachdem Jesus zur Kreuzigung übergeben worden war, legten ihm die Soldaten ein schweres Kreuz auf und führten ihn zur Hinrichtungsstätte namens Golgatha. Unterwegs nahmen sie Simon von Zyrene gefangen, der vom Feld heimkehrte, und zwangen ihn, das Kreuz für Jesus zu tragen. Viele Menschen folgten Jesus, darunter auch Frauen, die um ihn weinten und klagten. „Die Kreuztragung“ ist ein religiöses, christliches Bild, aber kein Kirchenbild mehr. Bruegel brachte die Wahrheiten der Heiligen Schrift mit in Zusammenhang persönliche Erfahrung, reflektierte über biblische Texte und gab ihnen seine eigene Interpretation, d.h. verstieß offen gegen das damals geltende kaiserliche Dekret von 1550, das bei Androhung der Todesstrafe ein unabhängiges Studium der Bibel verbot.

Bruegel schafft eine Landschaftsserie „Die Monate“. „Jäger im Schnee“ findet von Dezember bis Januar statt.
Für einen Meister ist jede Jahreszeit zunächst einmal ein einzigartiger Zustand der Erde und des Himmels.

Eine Schar Bauern, fasziniert vom schnellen Rhythmus des Tanzes.

Notiz. Die Liste umfasst neben Künstlern aus den Niederlanden auch Maler aus Flandern.

Niederländische Kunst des 15. Jahrhunderts
Die ersten Manifestationen der Renaissancekunst in den Niederlanden gehen auf das frühe 15. Jahrhundert zurück. Die ersten Gemälde, die bereits zu den Denkmälern der Frührenaissance gezählt werden können, stammen von den Brüdern Hubert und Jan van Eyck. Beide – Hubert (gestorben 1426) und Jan (ca. 1390–1441) – spielten eine entscheidende Rolle bei der Entstehung der niederländischen Renaissance. Über Hubert ist fast nichts bekannt. Jan war offenbar ein sehr gebildeter Mensch, er studierte Geometrie, Chemie, Kartographie und führte einige diplomatische Aufträge für den Herzog von Burgund, Philipp den Guten, aus, in dessen Diensten übrigens seine Reise nach Portugal stattfand. Die ersten Schritte der Renaissance in den Niederlanden lassen sich anhand der Gemälde der Brüder beurteilen, die in den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts entstanden sind, darunter „Myrrhentragende Frauen am Grab“ (möglicherweise Teil eines Polyptychons; Rotterdam, Museum Boijmans van Beiningen), „Madonna in der Kirche“ (Berlin), „Saint Jerome“ (Detroit, Art Institute).

Die Brüder Van Eyck nehmen in der zeitgenössischen Kunst eine herausragende Stellung ein. Aber sie waren nicht allein. Gleichzeitig arbeiteten auch andere ihnen stilistisch und problematisch verwandte Maler mit ihnen. Unter ihnen gebührt der erste Platz zweifellos dem sogenannten Flemal-Meister. Es wurden viele raffinierte Versuche unternommen, seinen wahren Namen und seine wahre Herkunft herauszufinden. Die überzeugendste Version davon ist, dass dieser Künstler den Namen Robert Campin und eine ziemlich entwickelte Biografie erhält. Früher als Meister des Altars (oder „Verkündigung“) von Merode bezeichnet. Es gibt auch eine wenig überzeugende Sichtweise, die die ihm zugeschriebenen Werke dem jungen Rogier van der Weyden zuschreibt.

Über Campin ist bekannt, dass er 1378 oder 1379 in Valenciennes geboren wurde, 1406 in Tournai den Meistertitel erhielt, dort lebte, neben der Malerei viele dekorative Arbeiten ausführte und Lehrer einer Reihe von Malern war (u. a Rogier van der Weyden, auf den weiter unten eingegangen wird – ab 1426, und Jacques Darais – ab 1427) und gestorben im Jahr 1444. Kampens Kunst behielt alltägliche Züge im allgemeinen „pantheistischen“ Schema bei und erwies sich somit als sehr nah an der nächsten Generation niederländischer Maler. Die frühen Werke von Rogier van der Weyden und Jacques Darais, einem von Campin stark abhängigen Autor (zum Beispiel seine „Anbetung der Könige“ und „Die Begegnung von Maria und Elisabeth“, 1434–1435; Berlin), zeigen dies deutlich ein Interesse an der Kunst dieses Meisters, an dem zweifellos der Trend der Zeit erkennbar ist.

Rogier van der Weyden wurde 1399 oder 1400 geboren, erhielt seine Ausbildung bei Campin (also in Tournai), erhielt 1432 den Meistertitel und zog 1435 nach Brüssel, wo er offizieller Maler der Stadt war: 1449– 1450 reiste er nach Italien und starb 1464. Einige der größten Künstler der niederländischen Renaissance studierten bei ihm (zum Beispiel Memling), und er genoss großen Ruhm nicht nur in seiner Heimat, sondern auch in Italien (der berühmte Wissenschaftler und Philosoph). Nikolaus von Kues nannte ihn den größten Künstler; Dürer erwähnte später sein Werk. Das Werk von Rogier van der Weyden diente als nährende Grundlage für eine Vielzahl von Malern der nächsten Generation. Es genügt zu sagen, dass seine Werkstatt – die erste derart breit organisierte Werkstatt in den Niederlanden – einen starken Einfluss auf die beispiellose Verbreitung des Stils eines Meisters im 15. Jahrhundert hatte, diesen Stil schließlich auf die Summe der Schablonentechniken reduzierte und sogar spielte die Rolle einer Bremse für die Malerei am Ende des Jahrhunderts. Und doch lässt sich die Kunst der Mitte des 15. Jahrhunderts nicht auf die Rohir-Tradition reduzieren, obwohl sie eng mit ihr verbunden ist. Der andere Weg wird vor allem durch die Werke von Dirik Bouts und Albert Ouwater verkörpert. Sie sind, wie Rogier, der pantheistischen Lebensbewunderung einigermaßen fremd, und ihr Menschenbild verliert zunehmend den Bezug zu Fragen des Universums – philosophische, theologische und künstlerische Fragen, gewinnt immer mehr an Konkretheit und psychologischer Gewissheit. Doch Rogier van der Weyden, ein Meister der gesteigerten Klangdramatik, ein Künstler, der nach individuellen und zugleich erhabenen Bildern strebte, interessierte sich vor allem für den Bereich der menschlichen Geisteseigenschaften. Die Leistungen von Bouts und Ouwater liegen im Bereich der Steigerung der alltäglichen Authentizität des Bildes. Unter den formalen Problemen interessierten sie sich mehr für Fragen im Zusammenhang mit der Lösung weniger ausdrucksstarker als vielmehr visueller Probleme (nicht die Schärfe der Zeichnung und der Farbausdruck, sondern die räumliche Organisation des Bildes und die Natürlichkeit der Licht-Luft-Umgebung). .

Porträt einer jungen Frau, 1445, Kunstgalerie, Berlin

St. Ivo, 1450, National Gallery, London

Der heilige Lukas malt das Bild der Madonna, 1450, Museum Groningen, Brügge

Bevor wir uns jedoch mit der Arbeit dieser beiden Maler befassen, sollten wir uns mit einem Phänomen in kleinerem Maßstab befassen, das zeigt, dass die Entdeckungen der Kunst der Mitte des Jahrhunderts sowohl eine Fortsetzung der van Eyck-Kampen-Tradition als auch eine Abkehr davon darstellen Sie waren in beiden Eigenschaften zutiefst berechtigt. Der konservativere Maler Petrus Christus zeigt deutlich die historische Unausweichlichkeit dieses Abfalls, selbst für Künstler, die nicht zu radikalen Entdeckungen neigen. Ab 1444 wurde Christus Bürger von Brügge (er starb dort 1472/1473) – das heißt, er sah die besten Werke van Eycks und ließ sich von seiner Tradition beeinflussen. Ohne auf den scharfen Aphorismus von Rogier van der Weyden zurückzugreifen, gelang Christus eine individuellere und differenziertere Charakterisierung als van Eyck. Seine Porträts (E. Grimston – 1446, London, National Gallery; Kartäusermönch – 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) weisen jedoch gleichzeitig auf einen gewissen Rückgang der Bildsprache in seinem Werk hin. In der Kunst wurde der Drang nach dem Konkreten, Individuellen und Besonderen immer deutlicher. Vielleicht manifestierten sich diese Tendenzen am deutlichsten in der Arbeit von Bouts. Er war jünger als Rogier van der Weyden (geboren zwischen 1400 und 1410) und hatte weit entfernt von der dramatischen und analytischen Natur dieses Meisters. Doch die frühen Bouts stammen größtenteils von Rogier. Der Altar mit „Die Kreuzabnahme“ (Granada, Kathedrale) und eine Reihe weiterer Gemälde, beispielsweise „Grablegung“ (London, National Gallery), zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit dem Werk dieses Künstlers. Aber die Originalität ist hier schon spürbar – Bouts gibt seinen Charakteren mehr Raum, er interessiert sich weniger für die emotionale Umgebung als vielmehr für die Handlung, den eigentlichen Ablauf, seine Charaktere sind aktiver. Dasselbe gilt auch für Porträts. In ausgezeichneter Qualität Porträt eines Mannes(1462; London, National Gallery) Die gebetsvoll erhobenen – allerdings ohne jegliche Erhebung – Augen, ein besonderer Mund und ordentlich gefaltete Hände haben eine so individuelle Färbung, die van Eyck nicht kannte. Auch im Detail spürt man diese persönliche Note. In allen Werken des Meisters liegt eine etwas prosaische, aber unschuldig reale Widerspiegelung. Am auffälligsten ist es in seinen mehrfigurigen Kompositionen. Und vor allem in seinem berühmtesten Werk – dem Altar der Löwenkirche St. Peter (zwischen 1464 und 1467). Wenn der Betrachter van Eycks Werk immer als ein Wunder der Kreativität und Schöpfung wahrnimmt, dann entstehen vor den Werken von Bouts unterschiedliche Gefühle. Bouts’ kompositorisches Schaffen sagt Bände über ihn als Regisseur. In Anbetracht der Erfolge einer solchen „Regie“-Methode (d. h. einer Methode, bei der es die Aufgabe des Künstlers ist, charakteristische Merkmale so anzuordnen, als wären sie der Natur entnommen), Charaktere, die Szene organisieren) in den folgenden Jahrhunderten sollte man diesem Phänomen im Werk von Dirk Bouts Aufmerksamkeit schenken.

Die nächste Etappe der niederländischen Kunst umfasst die letzten drei oder vier Jahrzehnte des 15. Jahrhunderts – eine äußerst schwierige Zeit für das Leben des Landes und seiner Kultur. Diese Periode beginnt mit dem Werk von Joos van Wassenhove (oder Joos van Gent; zwischen 1435–1440 – nach 1476), einem Künstler, der eine bedeutende Rolle bei der Entstehung von spielte neues Gemälde, reiste aber 1472 nach Italien, akklimatisierte sich dort und beschäftigte sich ganz organisch mit der italienischen Kunst. Sein Altar mit der „Kreuzigung“ (Gent, St.-Bavo-Kirche) zeigt den Wunsch nach Erzählung, gleichzeitig aber auch den Wunsch, der Geschichte die kalte Leidenschaftslosigkeit zu entziehen. Letzteres möchte er mit Hilfe von Anmut und Dekorativität erreichen. Sein Altar ist ein weltliches Werk in der Natur mit einer hellen Farbgebung, die auf raffinierten schillernden Tönen basiert.
Diese Zeit wird mit der Arbeit eines Meisters von außergewöhnlichem Talent fortgesetzt – Hugo van der Goes. Er wurde um 1435 geboren, wurde 1467 Meister in Gent und starb 1482. Zu Hus' frühesten Werken gehören mehrere Bilder der Madonna mit Kind, die sich durch den lyrischen Aspekt des Bildes auszeichnen (Philadelphia, Museum of Art, und Brüssel, Museum) sowie das Gemälde „St. Museum). Hus entwickelt die Erkenntnisse von Rogier van der Weyden weiter und sieht in der Komposition nicht so sehr eine Möglichkeit, das Dargestellte harmonisch zu organisieren, sondern ein Mittel zur Konzentration und Offenlegung des emotionalen Inhalts der Szene. Ein Mensch zeichnet sich für Hus nur durch die Stärke seiner persönlichen Gefühle aus. Gleichzeitig wird Gus von tragischen Gefühlen angezogen. Das Bild der Heiligen Genevieve (auf der Rückseite der Beweinung) weist jedoch darauf hin, dass Hugo van der Goes auf der Suche nach nackten Gefühlen begann, auf deren ethische Bedeutung zu achten. Auf dem Altar von Portinari versucht Hus seinen Glauben an die spirituellen Fähigkeiten des Menschen zum Ausdruck zu bringen. Aber seine Kunst wird nervös und angespannt. Künstlerische Techniken Gusa ist vielfältig – vor allem, wenn es darum geht, die spirituelle Welt eines Menschen nachzubilden. Manchmal, etwa um die Reaktion der Hirten zu vermitteln, vergleicht er nahestehende Gefühle in einer bestimmten Reihenfolge. Manchmal, wie im Bild von Maria, skizziert der Künstler Gemeinsamkeiten Erlebnisse, aus denen der Betrachter das Gefühl als Ganzes vervollständigt. Manchmal – bei den Bildern eines engäugigen Engels oder Margarita – greift er auf kompositorische oder rhythmische Techniken zurück, um das Bild zu entschlüsseln. Manchmal wird für ihn gerade die Flüchtigkeit des psychologischen Ausdrucks zum Mittel der Charakterisierung – so spielt der Widerschein eines Lächelns auf dem trockenen, farblosen Gesicht von Maria Baroncelli. Und Pausen spielen eine große Rolle – bei der räumlichen Entscheidung und beim Handeln. Sie bieten die Möglichkeit, das Gefühl, das der Künstler im Bild skizziert hat, geistig zu entwickeln und zu vervollständigen. Der Charakter der Bilder von Hugo van der Goes hängt immer von der Rolle ab, die sie als Ganzes spielen sollen. Der dritte Hirte ist wirklich natürlich, Joseph ist völlig psychologisch, der Engel zu seiner Rechten ist fast unwirklich und die Bilder von Margarete und Magdalena sind komplex, synthetisch und auf äußerst subtilen psychologischen Abstufungen aufgebaut.

Hugo van der Goes wollte in seinen Bildern immer die spirituelle Sanftheit eines Menschen, seine innere Wärme ausdrücken und verkörpern. Aber im Wesentlichen deuten die neuesten Porträts des Künstlers auf eine wachsende Krise in Hus‘ Werk hin, denn seine spirituelle Struktur entstand nicht so sehr durch das Bewusstsein für die individuellen Qualitäten eines Menschen, sondern durch den tragischen Verlust der Einheit von Mensch und Welt der Künstler. Im letzten Werk – „Der Tod Mariens“ (Brügge, Museum) – führt diese Krise zum Zusammenbruch aller kreativen Bestrebungen des Künstlers. Die Verzweiflung der Apostel ist hoffnungslos. Ihre Gesten sind bedeutungslos. Der strahlend schwebende Christus scheint mit seinem Leiden ihr Leiden zu rechtfertigen, und seine durchbohrten Handflächen sind dem Betrachter zugewandt, und eine Figur von unbestimmter Größe verletzt die großräumige Struktur und den Realitätssinn. Es ist auch unmöglich, das Ausmaß der Realität der Erfahrung der Apostel zu verstehen, da sie alle das gleiche Gefühl hatten. Und es gehört weniger ihnen als vielmehr dem Künstler. Aber seine Träger sind immer noch physisch real und psychisch überzeugend. Ähnliche Bilder werden später wieder aufleben, als am Ende des 15. Jahrhunderts in der niederländischen Kultur eine hundertjährige Tradition zu Ende ging (in Bosch). Ein seltsamer Zickzack bildet die Grundlage der Bildkomposition und ordnet sie: der sitzende Apostel, der einzige regungslos, den Betrachter anschauend, von links nach rechts geneigt, die liegende Maria von rechts nach links, Christus schwebend von links nach rechts . Und derselbe Zickzack Farbschema: Die Figur des Sitzenden wird farblich mit Maria in Verbindung gebracht, die auf einem mattblauen Tuch liegende Person in einem ebenfalls blauen Gewand, aber von höchstem, extremem Blau, also dem ätherischen, immateriellen Blau Christi. Und rundherum sind die Farben der Gewänder der Apostel: Gelb, Grün, Blau – unendlich kalt, klar, unnatürlich. Das Gefühl in „The Assumption“ ist nackt. Es lässt keinen Raum für Hoffnung oder Menschlichkeit. Am Ende seines Lebens trat Hugo van der Goes in ein Kloster ein letzten Jahren wurden überschattet Geisteskrankheit. Anscheinend in diesen Biografische Fakten man erkennt darin die tragischen Widersprüche, die die Kunst des Meisters prägten. Hus‘ Werk war bekannt und geschätzt und erregte auch außerhalb der Niederlande Beachtung. Jean Clouet der Ältere (Meister von Moulins) wurde stark von seiner Kunst beeinflusst, Domenico Ghirlandaio kannte und studierte das Altarbild von Portinari. Seine Zeitgenossen verstanden ihn jedoch nicht. Die niederländische Kunst neigte sich zunehmend einem anderen Weg zu, und vereinzelte Spuren des Einflusses von Hus' Werk unterstreichen nur die Stärke und Verbreitung dieser anderen Trends. Sie kommen am umfassendsten und konsequentesten in den Werken von Hans Memling vor.

Irdische Eitelkeit, Triptychon, Mitteltafel,

Hölle, linke Tafel des Triptychons „Irdische Eitelkeiten“,
1485, Museum der Schönen Künste, Straßburg

Hans Memling, offenbar 1433 in Seligenstadt bei Frankfurt am Main geboren (gestorben 1494), erhielt eine hervorragende Ausbildung bei Rogier und erlangte nach seinem Umzug nach Brügge dort großen Ruhm. Schon relativ frühe Werke Entdecken Sie die Richtung seiner Suche. Die Prinzipien des Lichts und des Erhabenen erhielten von ihm eine viel weltlichere und irdischere Bedeutung und alles Irdische – eine gewisse ideelle Hochstimmung. Ein Beispiel ist der Altar mit Madonna, Heiligen und Stiftern (London, National Gallery). Memling ist bestrebt, das alltägliche Erscheinungsbild seiner wahren Helden zu bewahren und ihnen seine idealen Helden näher zu bringen. Das erhabene Prinzip hört auf, Ausdruck bestimmter pantheistisch verstandener allgemeiner Weltkräfte zu sein und wird zu einer natürlichen geistigen Eigenschaft des Menschen. Die Prinzipien von Memlings Werk treten deutlicher im sogenannten Floreins-Altar (1479; Brügge, Memling-Museum) hervor, dessen Hauptbühne und rechter Flügel im Wesentlichen kostenlose Kopien der entsprechenden Teile von Rogiers Münchner Altar sind. Er verkleinert den Altar entscheidend, schneidet die oberen und seitlichen Teile von Rogiers Komposition ab, reduziert die Zahl der Figuren und rückt das Geschehen sozusagen näher an den Betrachter heran. Das Ereignis verliert seinen majestätischen Umfang. Die Bilder der Teilnehmer verlieren ihre Repräsentativität und erhalten private Züge, die Komposition hat einen Hauch sanfter Harmonie und die Farbe verliert unter Beibehaltung von Reinheit und Transparenz vollständig Rogirovs kalten, scharfen Klang. Es scheint mit hellen, klaren Farbtönen zu zittern. Noch charakteristischer ist die „Verkündigung“ (um 1482; New York, Lehman-Sammlung), bei der Rogiers Schema verwendet wird; Das Marienbild weist Züge sanfter Idealisierung auf, der Engel ist deutlich genregebunden und die Innenausstattung ist mit Van-Eyck-artiger Liebe bemalt. Gleichzeitig dringen Motive zunehmend in Memlings Werk ein Italienische Renaissance- Girlanden, Putten usw., und die kompositorische Struktur wird immer maßvoller und klarer (Triptychon mit „Madonna und Kind, Engel und Spender“, Wien). Der Künstler versucht, die Grenze zwischen dem konkreten, bürgerlich-profanen Prinzip und dem idealisierenden, harmonischen zu verwischen.

Memlings Kunst erregte die große Aufmerksamkeit der Meister der nördlichen Provinzen. Sie interessierten sich aber auch für andere Merkmale – solche, die mit dem Einfluss von Hus verbunden waren. Die nördlichen Provinzen, darunter auch Holland, blieben in dieser Zeit sowohl wirtschaftlich als auch geistig hinter den südlichen zurück. Die frühe niederländische Malerei ging in der Regel nicht über die spätmittelalterliche und provinzielle Vorlage hinaus, und ihr handwerkliches Niveau erreichte nie die Kunstfertigkeit der flämischen Künstler. Nur mit letztes Quartal Im 15. Jahrhundert änderte sich die Situation dank der Kunst von Hertgen tot sint Jans. Er lebte in Haarlem bei den Johannitermönchen (denen er seinen Spitznamen verdankt – Sint Jans bedeutet Heiliger Johannes) und starb jung – achtundzwanzig Jahre alt (geboren um 1460/65 in Leiden (?), gestorben 1490 in Haarlem). 1495 ). Hertgen spürte vage die Angst, die Hus beunruhigte. Aber ohne sich auf seine tragischen Einsichten einzulassen, entdeckte er den sanften Charme des einfachen menschlichen Gefühls. Er steht Gus mit seinem Interesse am Inneren nahe, spirituelle Welt Person. Zu Goertgens Hauptwerken gehört ein Altarbild, das für die Harlemer Johanniter gemalt wurde. Von ihm ist der nun beidseitig gesägte rechte Flügel erhalten geblieben. Auf der Innenseite ist eine große, vielfigurige Trauerszene dargestellt. Gertgen erfüllt beide von der Zeit gestellten Aufgaben: Wärme und Menschlichkeit des Gefühls zu vermitteln und eine äußerst überzeugende Erzählung zu schaffen. Letzteres fällt besonders an der Außenseite der Tür auf, wo die Verbrennung der sterblichen Überreste Johannes des Täufers durch Julian den Abtrünnigen dargestellt ist. Die Handlungsteilnehmer sind mit einem übertriebenen Charakter ausgestattet und die Handlung ist in mehrere unabhängige Szenen unterteilt, die jeweils mit anschaulicher Beobachtung dargestellt werden. Unterwegs schafft der Meister vielleicht einen der ersten Europäische Kunst Neue Ära der Gruppenporträts: Auf dem Prinzip einer einfachen Kombination von Porträtmerkmalen aufgebaut, nimmt es das Werk des 16. Jahrhunderts vorweg. Seine „Familie Christi“ (Amsterdam, Rijksmuseum), präsentiert in einem Kirchenraum, interpretiert als reale räumliche Umgebung, trägt viel zum Verständnis von Geertgens Werk bei. Die Vordergrundfiguren bleiben bedeutungsvoll, zeigen keine Gefühle und bewahren ihr alltägliches Erscheinungsbild mit ruhiger Würde. Der Künstler schafft Bilder, die vielleicht die bürgerlichsten in der Kunst der Niederlande sind. Gleichzeitig ist es bezeichnend, dass Gertgen Zärtlichkeit, Süße und etwas Naivität nicht als äußerlich charakteristische Zeichen, sondern als bestimmte Eigenschaften versteht Seelenfrieden Person. Und diese Verschmelzung von bürgerlichem Lebensgefühl mit tiefer Emotionalität ist ein wichtiges Merkmal von Gertgens Werk. Es ist kein Zufall, dass er den spirituellen Bewegungen seiner Helden keinen erhabenen, universellen Charakter verlieh. Es ist, als würde er bewusst verhindern, dass seine Helden außergewöhnlich werden. Aus diesem Grund wirken sie nicht individuell. Sie sind zärtlich und haben keine anderen Gefühle oder fremden Gedanken; gerade die Klarheit und Reinheit ihrer Erfahrungen macht sie weit vom Alltag entfernt. Die daraus resultierende Idealität des Bildes wirkt jedoch niemals abstrakt oder künstlich. Diese Merkmale zeichnen auch eines der besten Werke des Künstlers aus, „Christmas“ (London, National Gallery), ein kleines Gemälde, das Gefühle der Aufregung und Überraschung verbirgt.
Gertgen starb früh, doch die Prinzipien seiner Kunst blieben nicht im Dunkeln. Der Meister des Braunschweiger Diptychons („Saint Bavo“, Braunschweig, Museum; „Weihnachten“, Amsterdam, Rijksmuseum) und einige andere anonyme Meister, die ihm am nächsten stehen, haben Hertgens Prinzipien jedoch nicht so sehr entwickelt und verleihen ihnen den Charakter eines weitverbreiteten Standards. Der vielleicht bedeutendste unter ihnen ist der Meister der Virgo inter virgines (benannt nach dem Gemälde des Amsterdamer Rijksmuseums, das Maria unter den heiligen Jungfrauen zeigt), der sich weniger für die psychologische Rechtfertigung von Emotionen als vielmehr für die Schärfe ihres Ausdrucks interessierte kleine, eher alltägliche und manchmal fast absichtlich hässliche Figuren („Entombment“, St. Louis, Museum; „Lamentation“, Liverpool; „Annunciation“, Rotterdam). Aber auch. Sein Werk ist eher ein Beweis für die Erschöpfung einer jahrhundertealten Tradition als ein Ausdruck ihrer Entwicklung.

Ein starker Rückgang des künstlerischen Niveaus ist auch in der Kunst der südlichen Provinzen spürbar, deren Meister zunehmend dazu neigten, sich von unbedeutenden Alltagsdetails mitreißen zu lassen. Interessanter als die anderen ist der sehr erzählerische Meister der Legende der Heiligen Ursula, der in den 80-90er Jahren des 15. Jahrhunderts in Brügge wirkte („Die Legende der Heiligen Ursula“; Brügge, Kloster der Schwarzen Schwestern). der unbekannte Autor von Porträts der Baroncelli-Ehegatten, denen es nicht an Können mangelt (Florenz, Uffizien), und auch ein sehr traditioneller Brügger Meister der Legende von St. Lucia (Altar von St. Lucia, 1480, Brügge, Kirche St. Jakobus, auch Polyptychon, Tallinn, Museum). Die Entstehung leerer, kleinlicher Kunst am Ende des 15. Jahrhunderts ist das unvermeidliche Gegenteil der Suche von Hus und Hertgen. Der Mensch hat die wichtigste Stütze seiner Weltanschauung verloren – den Glauben an die harmonische und günstige Ordnung des Universums. War die gemeinsame Folge davon jedoch nur die Verarmung des bisherigen Konzepts, so offenbarte ein genauerer Blick bedrohliche und mysteriöse Züge in der Welt. Zur Beantwortung der unlösbaren Fragen der Zeit wurden spätmittelalterliche Allegorien, Dämonologie und düstere Vorhersagen der Heiligen Schrift herangezogen. Unter Bedingungen wachsender akuter sozialer Widersprüche und schwerer Konflikte entstand Boschs Kunst.

Hieronymus van Aken, Spitzname Bosch, wurde in 's-Hertogenbosch geboren (dort gestorben 1516), also abseits der wichtigsten Kunstzentren der Niederlande. Seine frühen Werke sind nicht ohne einen Hauch von Primitivität. Aber schon jetzt verbinden sie auf seltsame Weise einen scharfen und verstörenden Sinn für das Leben in der Natur mit kalter Groteske in der Darstellung von Menschen. Bosch reagiert auf den Trend zeitgenössische Kunst- mit seinem Verlangen nach dem Realen, mit seiner Konkretisierung des Bildes einer Person und dann - der Reduzierung ihrer Rolle und Bedeutung. Er treibt diese Tendenz auf eine gewisse Grenze. In Boschs Kunst tauchen satirische oder besser gesagt sarkastische Bilder der Menschheit auf. Dies ist seine „Operation zur Beseitigung der Steine der Dummheit“ (Madrid, Prado). Die Operation wird von einem Mönch durchgeführt – und hier erscheint ein böses Lächeln auf den Klerus. Aber derjenige, dem es angetan wird, blickt den Betrachter aufmerksam an, und dieser Blick lässt uns in das Geschehen einbeziehen. Der Sarkasmus wächst in Boschs Werk; er stellt sich Menschen als Passagiere auf dem Narrenschiff vor (das Gemälde und die Zeichnung dazu befinden sich im Louvre). Er wendet sich dem Volkshumor zu – und unter seinen Händen nimmt dieser eine düstere und bittere Note an.
Bosch bekräftigt die düstere, irrationale und niedrige Natur des Lebens. Er drückt nicht nur seine Weltanschauung, sein Lebensgefühl aus, sondern gibt ihm auch eine moralische und ethische Bewertung. „Heuhaufen“ ist eines der bedeutendsten Werke von Bosch. In diesem Altar verschmilzt ein nackter Realitätssinn mit Allegorie. Der Heuhaufen spielt auf das alte flämische Sprichwort an: „Die Welt ist ein Heuhaufen, und jeder nimmt daraus, was er greifen kann“; Menschen küssen sich vor aller Öffentlichkeit und spielen Musik zwischen einem Engel und einer teuflischen Kreatur; Phantastische Kreaturen ziehen den Karren, und der Papst, der Kaiser und die einfachen Leute folgen ihm freudig und gehorsam: Einige rennen voraus, stürzen zwischen den Rädern hindurch und sterben zerquetscht. Die Landschaft in der Ferne ist weder fantastisch noch fabelhaft. Und über allem – auf einer Wolke – steht ein kleiner Christus mit erhobenen Händen. Es wäre jedoch falsch zu glauben, dass Bosch sich für die Methode der allegorischen Vergleiche interessiert. Im Gegenteil strebt er danach, dass seine Idee im Kern künstlerischer Entscheidungen verankert wird, damit sie dem Betrachter nicht als verschlüsseltes Sprichwort oder Gleichnis, sondern als verallgemeinernde bedingungslose Lebensweise erscheint. Mit einer dem Mittelalter unbekannten Raffinesse der Vorstellungskraft bevölkert Bosch seine Gemälde mit Kreaturen, die verschiedene Tierformen oder Tierformen mit Objekten der unbelebten Welt auf bizarre Weise kombinieren und sie in scheinbar unglaubliche Beziehungen bringen. Der Himmel färbt sich rot, mit Segeln ausgerüstete Vögel fliegen durch die Luft, monströse Kreaturen kriechen über die Erdoberfläche. Fische mit Pferdebeinen öffnen ihr Maul, daneben stehen Ratten, die lebende Holzstümpfe auf dem Rücken tragen, aus denen Menschen schlüpfen. Die Kruppe des Pferdes verwandelt sich in einen riesigen Krug, und auf dünnen, nackten Beinen schleicht sich ein Schwanzkopf irgendwohin. Alles kriecht und alles ist mit scharfen, kratzenden Formen ausgestattet. Und alles ist mit Energie infiziert: Jedes Geschöpf – klein, betrügerisch, hartnäckig – ist in eine böse und hastige Bewegung verwickelt. Bosch verleiht diesen phantasmagorischen Szenen größte Überzeugungskraft. Er verlässt das Bild der im Vordergrund ablaufenden Handlung und weitet es auf die ganze Welt aus. Er verleiht seinen vielfigurigen dramatischen Extravaganzen eine unheimliche Note in ihrer Universalität. Manchmal bringt er eine Dramatisierung eines Sprichworts in das Bild ein – aber es ist kein Humor mehr darin. Und in der Mitte platziert er eine kleine wehrlose Figur des Heiligen Antonius. Dies ist zum Beispiel der Altar mit der „Versuchung des Heiligen Antonius“ an der Mitteltür des Lissabonner Museums. Doch dann zeigt Bosch einen beispiellos scharfen, nackten Realitätssinn (besonders in den Szenen an den Außentüren des erwähnten Altars). In Boschs reifen Werken ist die Welt grenzenlos, aber ihre Räumlichkeit ist anders – weniger schnell. Die Luft erscheint klarer und feuchter. So ist „Johannes auf Patmos“ geschrieben. Auf der Rückseite dieses Gemäldes, auf der im Kreis Szenen des Martyriums Christi dargestellt sind, werden erstaunliche Landschaften präsentiert: transparent, sauber, mit weiten Flussflächen, hohen Himmeln und anderen – tragisch und intensiv („Kreuzigung“). Aber desto beharrlicher denkt Bosch an die Menschen. Er versucht, einen angemessenen Ausdruck ihres Lebens zu finden. Er greift auf die Form eines großen Altars zurück und schafft ein seltsames, phantasmagorisches, grandioses Schauspiel des sündigen Lebens der Menschen – den „Garten der Lüste“.

Die neuesten Werke des Künstlers vereinen auf seltsame Weise Fantasie und Realität seiner bisherigen Werke, sind aber gleichzeitig von einem Gefühl trauriger Versöhnung geprägt. Klumpen böser Kreaturen, die sich zuvor triumphal über das gesamte Bildfeld ausgebreitet hatten, zerbröckeln. Einzeln, klein, verstecken sie sich immer noch unter einem Baum, tauchen aus stillen Flussbächen auf oder laufen entlang verlassener, grasbedeckter Hügel. Aber sie wurden kleiner und verloren an Aktivität. Sie greifen Menschen nicht mehr an. Und er (immer noch der Heilige Antonius) sitzt zwischen ihnen – liest, denkt nach („Heiliger Antonius“, Prado). Bosch interessierte sich nicht für die Stellung eines einzelnen Menschen auf der Welt. Der heilige Antonius in seinem frühere Jobs wehrlos, erbärmlich, aber nicht einsam – tatsächlich wird ihm der Anteil an Unabhängigkeit entzogen, der es ihm ermöglichen würde, sich einsam zu fühlen. Nun bezieht sich die Landschaft konkret auf eine Person, und in Boschs Werk taucht das Thema der Einsamkeit des Menschen in der Welt auf. Die Kunst des 15. Jahrhunderts endet mit Bosch. Boschs Werk vollendet diese Phase reiner Einsichten, dann intensiver Suche und tragischer Enttäuschungen.
Aber der Trend, den seine Kunst verkörperte, war nicht der einzige. Nicht weniger symptomatisch ist ein anderer Trend, der mit der Arbeit eines Meisters von unermesslich kleinerem Maßstab verbunden ist – Gerard David. Er starb spät - 1523 (geboren um 1460). Aber er schloss wie Bosch das 15. Jahrhundert ab. Schon sein frühe Werke(„Annunciation“; Detroit) – prosaisch realistisch; Werke aus dem Ende der 1480er Jahre (zwei Gemälde zur Handlung des Prozesses gegen Kambyses; Brügge, Museum) zeigen eine enge Verbindung zu Bouts; Besser als andere sind Kompositionen lyrischer Natur mit einer entwickelten, aktiven Landschaftsumgebung („Rest on the Flight to Egypt“; Washington, National Gallery). Doch die Unmöglichkeit des Meisters, über die Grenzen des Jahrhunderts hinauszugehen, wird am deutlichsten in seinem Triptychon mit der „Taufe Christi“ (Anfang des 16. Jahrhunderts; Brügge, Museum) deutlich. Die Nähe und Miniaturität des Gemäldes scheint in direktem Widerspruch zum großen Maßstab des Gemäldes zu stehen. Die Realität in seiner Vision ist lebenslos, entmannt. Hinter der Intensität der Farbe verbirgt sich weder spirituelle Spannung noch ein Gefühl für die Kostbarkeit des Universums. Der Emailstil des Gemäldes ist kalt, in sich geschlossen und ohne emotionalen Zweck.

Das 15. Jahrhundert war in den Niederlanden eine Zeit großer Kunst. Bis zum Ende des Jahrhunderts war es erschöpft. Neue historische Bedingungen, der Übergang der Gesellschaft in eine andere Entwicklungsstufe, verursacht neue Bühne in der Entwicklung der Kunst. Es entstand Anfang des 16. Jahrhunderts. Aber in den Niederlanden, mit der ursprünglichen Kombination des säkularen Prinzips mit religiösen Kriterien bei der Beurteilung von Lebensphänomenen, charakteristisch für ihre Kunst, die von den Van Eycks stammt, mit der Unfähigkeit, einen Menschen in seiner autarken Größe außerhalb der Fragen wahrzunehmen der spirituellen Gemeinschaft mit der Welt oder mit Gott - in den Niederlanden musste eine neue Ära zwangsläufig erst nach der stärksten und schwersten Krise der gesamten bisherigen Weltanschauung kommen. War die Hochrenaissance in Italien eine logische Konsequenz der Kunst des Quattrocento, so gab es in den Niederlanden keinen solchen Zusammenhang. Gehe zu neue Ära erwies sich als besonders schmerzhaft, da es in vielerlei Hinsicht eine Verleugnung der bisherigen Kunst mit sich brachte. In Italien kam es bereits im 14. Jahrhundert zu einem Bruch mit mittelalterlichen Traditionen, und die Kunst der italienischen Renaissance behielt die Integrität ihrer Entwicklung während der gesamten Renaissance bei. In den Niederlanden war die Situation anders. Die Nutzung des mittelalterlichen Erbes im 15. Jahrhundert machte es schwierig, etablierte Traditionen im 16. Jahrhundert anzuwenden. Für niederländische Maler war die Grenze zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert mit einem radikalen Wandel ihrer Weltanschauung verbunden.

06.05.2014

Das Leben von Frans Hals war ebenso hell und ereignisreich wie seine Gemälde. Bis heute kennt die Welt Geschichten über die Trunkenheitsschlägereien von Khalsa, die er hin und wieder nach großen Feiertagen organisierte. Ein Künstler mit solch einem fröhlichen und gewalttätigen Charakter konnte sich in einem Land, in dem der Calvinismus Staatsreligion war, keinen Respekt verschaffen. Frans Hals wurde Anfang 1582 in Antwerpen geboren. Seine Familie verließ jedoch Antwerpen. 1591 kamen die Khals in Haarlem an. Frankreichs jüngerer Bruder wurde hier geboren ...

10.12.2012

Jan Steen ist einer der bekanntesten Vertreter der niederländischen Malerschule der Mitte des 17. Jahrhunderts. In den Werken dieses Künstlers finden Sie weder monumentale oder elegante Gemälde noch leuchtende Porträts großer Persönlichkeiten oder religiöse Bilder. Tatsächlich ist Jan Steen ein Meister der Alltagsszenen voller Spaß und funkelndem Humor seiner Zeit. Seine Gemälde zeigen Kinder, Trunkenbolde, gewöhnliche Menschen, Ghule und viele, viele andere. Jan wurde um 1626 in der südlichen Provinz Holland, der Stadt Leiden, geboren ...

07.12.2012

Das Werk des berühmten niederländischen Künstlers Hieronymus Bosch wird sowohl von Kritikern als auch von Kunstliebhabern immer noch zweideutig wahrgenommen. Was ist in Boschs Gemälden dargestellt: Dämonen der Unterwelt oder einfach durch Sünde entstellte Menschen? Wer war Hieronymus Bosch wirklich: ein besessener Psychopath, ein Sektierer, ein Seher oder einfach ein großer Künstler, eine Art antiker Surrealist wie Salvador Dali, der Ideen aus dem Bereich des Unbewussten bezog? Vielleicht sein Lebensweg...

24.11.2012

Der berühmte niederländische Künstler Pieter Bruegel der Ältere schuf seinen eigenen farbenfrohen Malstil, der sich deutlich von anderen Malern der Renaissance unterschied. Seine Bilder sind Bilder eines satirischen Volksepos, Bilder der Natur und des Dorflebens. Manche Werke faszinieren durch ihre Komposition – man möchte sie betrachten und betrachten und darüber streiten, was der Künstler dem Betrachter genau vermitteln wollte. Die Besonderheit von Bruegels Schrift und Weltanschauung erinnert an die Arbeit des frühen Surrealisten Hieronymus Bosch...

26.11.2011

Han van Meegeren (vollständiger Name Henrikus Antonius van Meegeren) wurde am 3. Mai 1889 in der Familie eines einfachen Schullehrers geboren. Der Junge verbrachte seine gesamte Freizeit in der Werkstatt seines Lieblingslehrers, der Korteling hieß. Seinem Vater gefiel es nicht, aber es war Korteling, der es schaffte, bei dem Jungen den Geschmack und die Fähigkeit zu entwickeln, den Schreibstil der Antike nachzuahmen. Van Meegeren erhielt gute Ausbildung. Im Alter von 18 Jahren trat er in die Technische Hochschule Delft ein, wo er einen Architekturkurs belegte. Parallel dazu studierte er an der...

13.10.2011

Der berühmte niederländische Künstler Johannes Jan Vermeer, bei uns als Vermeer von Delft bekannt, gilt zu Recht als einer der prominentesten Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Kunst. Er war ein Meister der Genreporträts und der sogenannten Haushaltsmalerei. Der zukünftige Künstler wurde im Oktober 1632 in der Stadt Delft geboren. Jan war das zweite Kind der Familie und der einzige Sohn. Sein Vater verkaufte Kunstgegenstände und beschäftigte sich mit der Seidenweberei. Seine Eltern waren mit dem Künstler Leonart Breimer befreundet, der...

18.04.2010

Der ohnehin schon abgedroschene Satz, dass alle Genies ein bisschen verrückt seien, passt einfach perfekt zum Schicksal des großen und brillanten postimpressionistischen Künstlers Vincent Van Gogh. Mit nur 37 Jahren hinterließ er ein reiches Erbe – etwa 1000 Gemälde und ebenso viele Zeichnungen. Diese Zahl ist umso beeindruckender, wenn man bedenkt, dass Van Gogh weniger als zehn Jahre seines Lebens der Malerei gewidmet hat. 1853 Am 30. März wurde im Dorf Grot-Zundert im Süden Hollands ein Junge namens Vincent geboren. Ein Jahr zuvor in der Familie eines Priesters, in die er hineingeboren wurde...