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Die Ursprünge des Konzepts der „Böhmen“ liegen in der unglaublichen Popularität des sogenannten Zigeunermythos in Frankreich in den 30er und 40er Jahren, dessen Grundlage der abenteuerliche und wandernde Lebensstil der jungen, freien Straßenbewohner von Paris war aus den Normen der öffentlichen Moral. Das wohlklingende Wort „Bohemien“ löste lange Zeit ausschließlich kriminelle und keine künstlerischen oder künstlerischen Assoziationen aus. Kartenschärfer, Clochards und Diebe – das sind diejenigen, die stolz den Namen „Bohemian“ trugen.

Das Leben der Pariser Bohème wurde vom Sohn des Concierge, Journalisten und Schriftstellers Henri Murger poetisiert und ausgeschmückt. „Der Homer des Pariser Böhmens“ Murget verfasste eine ehrfürchtige Legende über das Talent und den Adel der Bewohner des Quartier Latin. Er verwandelte hungrige Ragamuffins und schlampige, vulgäre Mädchen in ruhelose Träumer und bezaubernde Schönheiten. „Szenen aus dem böhmischen Leben“ (1851), das Murgers Namen in ganz Europa bekannt machte, lockten nicht nur Wahrheits- und Abenteuersucher, die aus dem engen Rahmen eines anständigen Lebens ausgebrochen waren, auf den „lateinischen Boden“, sondern inspirierten auch mehr als eine Generation von Künstlern und Schriftstellern, um ihr kreatives Temperament zu testen.

Im Jahr 1893 beschlossen zwei Komponisten, eine Oper basierend auf der Handlung aus Murgets Roman zu schreiben: Ruggero Leoncavallo und Giacomo Puccini. Puccini, der seine arme, aber fröhliche Studentenjugend verherrlichen wollte, erwies sich als schneller und kam als Erster ins Ziel. Die Uraufführung seiner La Bohème fand am 1. Februar 1896 statt (die ermüdend lange Arbeit der Librettisten verzögerte die Sache noch sehr). Mit der für die Uraufführung ausgewählten Stadt Turin war der Maestro unzufrieden: Schließlich gebe es im Turiner Teatro del Reggio, erklärte er seinem Freund und Verleger Giulio Riccordi, nicht nur keine gute Akustik, sondern auch Zugaben seien verboten. In Turin gab es keine Zugabe. Das Publikum begrüßte Puccinis neues Werk mit höflichem Applaus, die Kritiker mit wütenden Artikeln.

Man sagte „La Bohème“ ein kurzes Schicksal voraus; dem Komponisten wurde geraten, seine Fehler zu begreifen und sich wieder auf den Weg zu machen wahre Kunst, wohin ihn Manon Lescaut vor drei Jahren brachte. Puccini hatte Pech mit den Schauspielern: Der Darsteller des Künstlers Marcel erwies sich als schrecklicher Schauspieler, und der Darsteller des Dichters Rudolph erwies sich als ungeeigneter Sänger. Doch an diesem Abend stand der 28-jährige Arturo Toscanini am Dirigentenpult. „Nach der Premiere von La Bohème“, erinnert sich Puccini, „erfüllten mich Traurigkeit und Melancholie, ich wollte weinen ... Ich verbrachte eine schreckliche Nacht und am Morgen wurde ich von einem böswilligen Gruß aus den Zeitungen begrüßt.“ Kritiker änderten ihre Meinung recht schnell. Im April nächstes Jahr in Palermo ist die Oper bereits mit einem Paukenschlag losgegangen.

Ljudmila Daniltschenko

„La Boheme“ des Bolschoi-Theaters

Ein Jahr nach der Uraufführung in Turin (1896) war La Bohème in Moskau von Künstlern zu hören Privatoper Savva Mamontov, darunter Nadezhda Zabela (Mimi) und Fjodor Schaljapin (Shaunar).

Dank der Bemühungen von Leonid Sobinov, der eine neue Übersetzung ins Russische in Auftrag gab und nicht nur die Rolle des Rudolf spielte, sondern auch – zum ersten Mal – als Regisseur fungierte, gelangte es 1911 in das Repertoire des Bolschoi-Theaters. Die Aufführung unterstützte die Chorsänger des Theaters (die Uraufführung fand beim Benefizauftritt des Chores statt), blieb aber nicht im Repertoire.

Im Gegensatz zu den ersten europäischen Produktionen dieses berühmten Opernmelodrams (im Londoner Covent Garden Theatre) blieb dieselbe Aufführung von 1897 bis 1974 erhalten Pariser Oper Komiker - von 1898 bis 1972) am Bolschoi „Böhmen“ unterschied sich nicht in der Langlebigkeit. Weder vor der Revolution noch danach. Allerdings fand die erste „sowjetische“ Produktion bereits vier Jahre nach dem siegreichen 17. Oktober statt.

Im Jahr 1932 wurde die neue Oper „La Bohème“ angesichts des intimen Charakters dieser Oper auf die Bühne der Zweigstelle geschickt, wo sie erneut nur für kurze Zeit lebte und 1956 durch die Bemühungen der nächsten Produktionsgruppe wiederbelebt wurde. Mit „La Bohème“ aus dem Jahr 1956 ist eine interessante Geschichte verbunden, die für die damalige Zeit nicht ganz typisch war. Mit dieser Produktion begann der Einstieg in Opernwelt der berühmte Dirigent polnischer Herkunft Jerzy Semkov, Absolvent des Leningrader Konservatoriums, der am Bolschoi-Theater ausgebildet wurde. (Drei Jahre nach dieser Premiere wurde er Chefdirigent des Warschauer Bolschoi-Theaters und zwei Jahre später ging er in den Westen.) Der junge Semkow zeichnete sich durch sein stolzes und unabhängiges Wesen aus und hielt es für notwendig, auf Kritik (ausgewogen) zu reagieren mit Lob) durch die Zeitung des Bolschoi-Theaters, in der er einzelne Fehleinschätzungen einer kleinen Anzahl von Proben erklärt. Seiner weiteren Karriere schadete dies jedoch überhaupt nicht.

Die aktuelle Produktion wurde 1996 anlässlich des 100. Jahrestags der Turiner Uraufführung ins Repertoire aufgenommen. Dies war ein erfolgreiches Werk ein Jahr bevor Peter Feranec zum Chefdirigenten des Bolschoi-Theaterorchesters ernannt wurde. Die Kritiker waren sich fast einig: Das Orchester unter der Leitung des slowakischen Dirigenten brachte sowohl den transparenten Impressionismus der Musik als auch ihre Herbheit perfekt zum Ausdruck und erinnerte einmal mehr daran, dass Puccini das 20. Jahrhundert ist (am Ende des 20. Jahrhunderts wurde diese Eigenschaft noch wahrgenommen). als Synonym für die Definition von „modern“). Die damalige Wiener Bolschoi-Theaterstiftung, die die Produktion unterstützte, empfahl dem Theater den starken österreichischen Traditionalistenregisseur Federick Mirdita. Bei dieser Produktion gab die berühmte St. Petersburger Künstlerin Marina Azizyan ihr Debüt am Bolschoi, und ein Jahr später lud Vladimir Vasiliev sie ein, seine Version von „ Schwanensee».

Auf die Lagereinheiten im Zusammenhang mit La Bohème ist das Bolschoi-Theatermuseum besonders stolz (neben den Bühnenbildskizzen von Konstantin Korowin und Fjodor Fjodorowski, in andere Zeit der die Inszenierungen dieser Oper entworfen hat) ist die erste Ausgabe des Klaviers (Ricordi and Company, Mailand, 1896), verziert mit dem Autogramm des Komponisten selbst.

Natalya Shadrina

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über die Leistung

Die Oper La Bohème von Giacomo Puccini ist eines seiner besten Werke. Zu einer Zeit wurde diese Kreation von Kritikern nicht akzeptiert, außerdem wurde vorhergesagt, dass sie nur von kurzer Dauer sei. Allerdings hat die Oper Jahrhunderte überdauert und wird heute erfolgreich an den führenden Theaterorten der Welt aufgeführt. Wer sich entscheidet, Karten für die Oper „La Bohème“ im Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Theater in der Inszenierung von Alexander Titel zu bestellen, kann sich von der Genialität von Puccinis Werk überzeugen.

Das Libretto für La Bohème wurde nach geschrieben gleichnamiger Roman Henri Murger, aber in der Inszenierung wird die Geschichte nicht direkt erzählt, sondern als Erinnerung an etwas, das für immer vergangen ist. Im Allgemeinen im Kern Handlung ist die Geschichte der Bewohner eines der ärmsten Viertel von Paris – Bohemiens, wie damals Studenten und arme Menschen ohne Arbeit genannt wurden. Während des gesamten Stücks klären zwei junge Menschenpaare ihre Beziehung zueinander. Das Ende der Geschichte ist traurig – der Tod einer der Heldinnen, Mimi, über deren Körper ihr geliebter Rudolf schluchzt.

Ohne Übertreibung können wir sagen, dass die Oper „La Bohème“ im Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Theater, für die unsere Kartenagentur den Kauf von Karten anbietet, eine echte Perle und Dekoration des Theaterrepertoires ist. Es hat alles, was den modernen Zuschauer begeistert – perfekte Musik, eine berührende Handlung und Tolles Spiel Schauspieler. Karten für diese Oper können Sie bei uns online oder telefonisch bestellen.

Die Dauer der Aufführung beträgt 2 Stunden 20 Minuten (mit einer Pause).

Komponist Giacomo Puccini
Libretto von Luigi Illica und Giuseppe Giacosa
Musikalischer Leiter und Bühnendirigent Wolf Gorelick
Dirigent Felix Korobov
Regisseur Alexander Titel
Produktionsdesigner Yuri Ustinov
Kostümbildnerin Irina Akimova
Lichtdesigner Ildar Bederdinov
Genre-Oper
Anzahl der Akte 4
Ausführungssprache: Italienisch
Originaltitel La Boheme
Dauer 2 Stunden 20 Minuten (eine Pause)
Premiere-Datum 01.07.1996
Altersgrenze 12+
Die Aufführung ist ein Preisträger des Russischen Nationalpreises Theaterpreis "Goldene Maske"1997 in 2 Nominierungen (" beste Arbeit Regisseur“; „am besten weibliche Rolle" - Olga Guryakova).

Ticketpreis: von 1500 bis 4000 Rubel.

Dirigent: Felix Korobov

Rudolf - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalya Petrozhitskaya
Marseille - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta – Irina Waschtschenko, Maria Pakhar
Schaunard – Andrey Baturkin, Dmitry Stepanovich
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benoit / Alcindor - Vladimir Sistov, Dmitry Stepanovich
Parpignol – Thomas Baum, Vyacheslav Voinarovsky

Grand Theatre Russland Dieses Jahr habe ich beschlossen, meine Saison mit einer Opernpremiere abzuschließen.

Und diese Premiere erwies sich als größer als sie selbst. Es scheint ein isoliertes Scheitern einer einzelnen Aufführung zu sein, aber es bündelt am deutlichsten alle problematischen Punkte der Politik der aktuellen Theaterleitung. Und alles andere als die rosigsten Aussichten wurden klar umrissen.

Also „La Boheme“.

Sie hatten kaum Zeit, die vorherige Inszenierung vom Plakat zu entfernen (obwohl sie sich übrigens wörtlich an das Libretto hält, war sie ästhetisch recht ansprechend), als auch schon die neue Produktion präsentiert wurde. Immerhin eine der bekanntesten Opern und vor allem auch mit den höchsten Einspielergebnissen der Welt.

Die Produktion wurde geleitet von Jean-Roman Vesperini. Ein junger Regisseur, gestern Assistent von Peter Stein. Er arbeitete mit ihm an mehreren Projekten in Russland, darunter „Aida“ am Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Theater. Und offenbar hat er sich zu sehr in die russische Kulturlandschaft integriert.

Als unabhängiger Regisseur war Vesperini völlig hilflos.

Während er sich den Film ansah, schien es, als ob das Einzige, was ihn bei der Produktion motivierte, darin bestand, jegliche Vergleiche mit Stein zu vermeiden. Und natürlich beschloss er, alles von anderen zu leihen. Stempel auf Stempel, Klischee auf Klischee  – „alles wurde tausendmal gesehen, ist längst alt geworden und eines natürlichen Todes gestorben.“

Das Endergebnis war nur eine riesige, geschmacklose Hochzeitstorte, die aus Banalitäten und dem Fehlen jeglicher ausgeprägter Individualität bestand.

Die Richtung hier ist statuarisch.

Direkt aus dem vorletzten Jahrhundert. Alle Stereotypen dafür Operngenre oft belächelt, gesammelt und ad absurdum geführt. Um die einfachsten Emotionen (Hustenanfall oder Überraschung) zu vermitteln, erstarren die Solisten plötzlich wie vor einem Schlaganfall, wölben mit aller Kraft die Augen, klimpern verschämt mit den Wimpern und umklammern dramatisch mit einer breiten Geste ihre Brust mit den Händen . Ansonsten - geht jeder einfach auf die Bühne, dreht sich zum Publikum um und singt. Alle. Und so zweieinhalb Stunden mit einer Pause.

Irgendwann hat man das Gefühl, dass die einzige schauspielerische Aufgabe, die der Regisseur den Darstellern gestellt hat, darin besteht, auf die Bühne zu gehen, einen kurzen Blick auf die Partner zu werfen, sich dem Publikum zuzuwenden und so laut zu singen, wie man kann, je lauter, desto besser. Am besten die Nuancen völlig vergessen. Und um zumindest den Anschein von Aktion zu erwecken, befahl der Regisseur den Solisten, intensiv über die Bühne zu gehen – „von rechts nach links, von oben nach unten, hier und dort“ – und begründete dieses Gehen stets mit einem nachdenklichen Gedanken Schauen Sie, sie haben absolut alle Objekte gespürt, denen sie unterwegs begegneten. Nur gelegentlich erhalten Künstler die Möglichkeit, sich an die Existenz des anderen zu erinnern.

Es klingt lustig, aber ich habe noch nie eine Produktion gesehen, bei der die Charaktere die Requisiten und Dekorationen um sie herum so intensiv und enthusiastisch ergriffen, berührt und gerieben haben. Im Ernst, wenn Sie sich entscheiden, diese Inszenierung zu sehen, zögern Sie nicht zu lange, denn es besteht die ernsthafte Gefahr, dass der Premierenglanz, den Bühnenbildner Bruno de Lavener dieser Aufführung verliehen hat, sehr schnell gelöscht wird.

Das Ergebnis war ein Lehrbuch, wörtlich, direkt und dadurch mit seiner Leere „La Boheme“ klaffend – Dachböden, Restaurants, Kamine, arme, arme junge Leute aus kreativen Berufen und karikaturhaft dumme, fette, wohlhabende Bourgeoisie.

Es scheint nicht zu heißen, dass etwas sehr Schreckliches passiert ist.

Viele Weltopernhäuser (unter denen die berühmte Metropolitan Opera besonders hervorsticht) präsentieren jährlich manchmal mehr als eine Premiere mit einer solchen „leeren“ Regie... Doch hier stellt sich die Frage nach Zweckmäßigkeit und künstlerischer Planung.

Erstens ist La Bohème eine der weltweit am häufigsten aufgeführten Opern der letzten Jahrzehnte. Wenn jemand mindestens einmal in der Oper war, war er wahrscheinlich in La Bohème. Und Wörtlichkeit ist für sie einfach kontraindiziert. Das Publikum ist einfach gelangweilt, wenn man im Voraus nicht nur genau vorhersagen kann, was als nächstes passieren wird, sondern auch, wie es aussehen wird.

Zweitens präsentieren Welttheater solche Produktionen mit einem transparenten und kalkulierten Ziel: Weltstars werden eingeladen, Solorollen zu spielen. Oft sehr unterschiedlich. Und es bedarf einer punktuellen, minimalistischen Regie, damit sich ein Gastdarsteller schnell und ohne unnötige Kopfschmerzen in die Rolle einarbeiten und seine persönlichen Erfolge auf die Bühne bringen kann. Und das klappt oft auch gut, denn in der Regel haben alle großen Weltnamen eine deutlich ausgeprägte künstlerisches Geschenk. Sie singen nicht nur, sondern können ihren Gesang dem Zuschauer auch dramatisch vermitteln. Sonst wären sie keine solchen Stars. Alle Solisten hier sind jung. Manche haben mehr Perspektiven, manche weniger, manche haben sich bereits etabliert, manche fangen gerade erst an, aber generell gibt es noch keine Entwicklungen. Und sie führen gehorsam alle Aufgaben des Regisseurs aus. Fleißig und bedingungslos.

Und das ist die größte Enttäuschung und Beleidigung dieser „Premiere“.

Tatsache ist, dass die Oper selbst ein sehr lebendiges und äußerst geistreiches Libretto hat. Puccini versuchte sein Bestes, diese Geschichte in sein Lieblingsmelodram zu verwandeln, wobei er fast gewaltsam eine Träne herausdrückte, aber glücklicherweise erlag ihm das Ausgangsmaterial nicht ganz. Und vielleicht liegt in diesem Umstand das Geheimnis einer solchen Massenpopularität, Leichtigkeit und Zugänglichkeit für den Zuschauer von „La Boheme“.

Tatsächlich sind alle Dialoge und Handlungswechsel dieser Oper im Geiste einer guten Serien-Sitcom arrangiert. Eine Sitcom über das Leben junger Menschen. Über die erste Begegnung mit Liebe, Eifersucht und Tod. Aber zunächst einmal  –  über eine starke Freundschaft, egal was passiert. Darüber, wie man nicht nur mit der Schönen befreundet ist, sondern auch mit dunkle Seite Person. Über die Fähigkeit, Schwächen zu vergeben an einen engen Freund und in schwierigen Zeiten da sein. Selbst in Schlussszene Mimis Tod im Vordergrund ist nicht ihre berühmte Sterbearie, sondern wie Rudolfs Freunde nicht die Kraft finden, ihrem Freund die tragische Nachricht zu überbringen. Während er sie nacheinander verwirrt untersucht und die Frage stellt: „Warum siehst du mich so an?“, versteht er innerlich bereits, „warum“.

Jugend, erster Test starke Gefühle und starke Erschütterungen  – „genau das, was diese Oper lebendig und interessant macht.“ Und selbst wenn Superstars mit herausragenden Stimmen in den Hauptrollen singen und es von einem herausragenden Regisseur inszeniert wird, scheitert oft alles am Mangel an jugendlichem Enthusiasmus  – „dem gleichen heiligen Feuer, das ein gutes Drama brennt.“

Aber hier ist das gesamte Team des Stücks – „Regisseur, Solisten, Dirigent“ – „sehr junge Leute“. Und sie sollen es einfach anzünden, einen Funken zünden, aus dem eine Flamme auflodert. Und sie nehmen und installieren 2018 einen solchen Dinosaurier. Auch mit schlecht verstecktem Aufwand. Und anstatt zu sehen, wie junge Talente mutig und mutig die Zukunft gestalten, sehen Sie, wie sie versuchen, in der Vergangenheit zu leben, und dabei selbst in den Wolken aufgewirbelten Staubs ersticken.

Natürlich versuchen einige Darsteller, ihre jugendliche Leichtigkeit nicht zu verlieren. Besonders erfolgreich gelingt dies im Männerensemble (in verschiedene Zusammensetzungen Im Allgemeinen erscheinen Schilikhowski und Todua in Marcels Gruppe. Ich glaube wirklich an den ersten – egal wie oft ich ihn gehört habe, er hat immer versucht, Plattitüden zu vermeiden. Der Zweite hat heute aus der Nebenrolle die Hauptrolle gemacht Schauspieler). Bei den Frauen ist alles viel bescheidener. Ich war in der zweiten Besetzung und zum ersten Mal ertappte ich mich bei dem Gedanken, dass ich noch nie in meinem Leben so lange darauf gewartet hatte, dass Mimi endlich starb. Gerüchten zufolge ist im ersten Fall nicht alles besser. Ich habe Angst, es mir vorzustellen, und möchte es auf keinen Fall überprüfen.

Aber die Hauptgeisel dieser „Premiere“ war Dirigent Evan Roger.

Das ist es, was mir wirklich leid tut. Trotz einiger Grobheiten und auch eines soliden Einsatzes von Banalitäten (anscheinend handelt es sich hierbei um ein sehr ansteckendes Bakterium) gelang es ihm, das Orchester des Bolschoi-Theaters aufzurütteln, was leider In letzter Zeit ist berüchtigt für den Snobismus und die Selbstgefälligkeit vieler seiner Musiker, weshalb sich das Theaterorchester unabhängig vom Dirigenten und dem dargebotenen Material stets selbst zu einem vorgegebenen Thema spielt. Ich vermute, dass das Geheimnis dieses Erfolgs Rogers natürlicher Charme und sein ansteckendes, gutmütiges Lächeln sind. Dadurch ist er der einzige in dieser Aufführung, der sein junges Alter behält und zumindest eine gewisse Frische mitbringt, wodurch selbst die abgedroschensten Techniken eher als jugendliche Naivität wahrgenommen werden, was dieser Oper sehr gut steht.

Gehen wir jedoch davon aus, dass dies alles nicht von Bedeutung ist und solch detaillierte Beschwerden nicht wert ist. Letztlich kommt es in jedem Theater zu Misserfolgen. Jeder hat das Recht zu scheitern und etwas zu verpassen.

Doch hier geht es nicht mehr um eine einzelne Aufführung, sondern um das Klima im gesamten Theater.

Vor nicht allzu langer Zeit war das Bolschoi eines der führenden und vielversprechendsten Opernhäuser der Welt. Menschen aus der ganzen Welt strömten herbei, um Tschernjakows „Ruslan und Ljudmila“ zu sehen. Es entstanden spezialisierte Agenturen, die dem Opernpublikum Kulturtourismus mit dem alleinigen Zweck zur Verfügung stellten, der Opernpremiere des Theaters beizuwohnen.

Jetzt beweist das Theater, dass es sich an ein lockeres Publikum fernab des Operngenres richtet und seine Pilgerreise hinter dem Kronleuchter fortsetzt. Und wenn es ausländische Gäste gibt, haben sie sich auch stark verändert. Jetzt kommen Busse mit chinesischen Touristen am Bolschoi an.

Und jetzt, wo eine weitere leblose Opernsaison mit einer solchen Premiere endet, scheint das Theater seinen freiwilligen Verzicht auf den Titel Welttheater zu unterzeichnen und den Status eines Provinztheaters zu akzeptieren. Offen zuzugeben, dass das Bolschoi auch in diesem Status kein Opern- und Balletttheater mehr ist. Jetzt nur noch Ballett. Und selbst das, mit sehr seltenen angenehmen Ausnahmen, meist klassisch. Und im Idealfall die Klassiker wieder aufleben lassen Sowjetzeit damit die Beamten einen Ort haben, an dem sie die Nomenklatura ausländischer Delegationen besuchen können.

Es ist sehr schmerzhaft, diese Wiedergeburt zu spüren. Die Wände sind die gleichen wie in den jüngsten „Rodelinda“, „Billy Budd“, „Eugene Onegin“, „Carmen“ von Pountney ... Aber außer den Wänden ist nichts mehr übrig. Jetzt gibt es so eine Balsamico-Kammer.

Aber auch isoliert von einem bestimmten Theater zeigte das „neue“ La Bohème eine viel größere und interessantere Besonderheit.

In den letzten Jahrzehnten gab es unter Opernfans heftige Debatten über Inszenierungen mit einer klaren Regievision und Interpretation der Opernhandlungen. Und in der Regel wurde der Grad der Empörung der Gegner des sogenannten „Regisseurs“ immer durch den abfälligen Satz „Ich werde mit geschlossenen Augen hingehen und zuhören“ gekennzeichnet.

Und so entstand für solche Konservativen eine eigene Produktion – quasi die Quintessenz ihrer Ideale. Ein sorgfältig und gewissenhaft zusammengestelltes Lehrbuch zur Führung der „breiten Geste“.

Es ist nur so, dass die überwiegende Mehrheit der Zuschauer in der Halle inzwischen von selbst die Augen schließt. Langeweile.

Sogar Gelegenheitszuschauer, die mit der Handlung von „La Bohème“ auf wundersame Weise nicht vertraut waren, begannen leise darüber zu flüstern, wie es bei der Arbeit und mit Freunden lief. Oder sie kicherten alle über die gleichen Klischees über die Oper, in der der Held jeweils zehn Minuten lang singt Fremdsprache als er stirbt.

Gleichzeitig war kein Applaus zu hören erfolgreiche Ausführung Arien, nämlich nach der lauten. Viele, die zum ersten Mal in die Oper kamen, waren sich sicher, dass es so sein sollte. Und zufrieden mit dieser Anerkennung, der Übereinstimmung ihrer Ideen mit der Realität, konnten sie ihre Langeweile zumindest irgendwie durch körperliche Aktivität loswerden  – „Klatschen.

Selbst beim Schlussapplaus (und dies ist die letzte Show der Saison!) gingen die lautesten Ovationen nicht an die Hauptdarsteller, sondern an den Zirkushund (fragen Sie nicht, akzeptieren Sie es – es gibt einen Zirkushund im Stück). . Nur dem Dirigenten gelang es, an diesen Erfolg heranzukommen.

Nach der Vorstellung blieb ich noch auf dem Weg aus dem Saal stehen. Ich schaute gezielt hinaus, sah aber niemanden mit tränenüberströmtem Gesicht oder zumindest leicht feuchten, nachdenklichen Augen. Und das auf „Bohemia“! Vielleicht habe ich natürlich an der falschen Stelle gesucht, aber normalerweise findet man solche Leute bei Puccini ohne große Schwierigkeiten. Es ist nur so, dass nicht alles in dieser Aufführung real ist. Überhaupt. Wie in jedem historische Rekonstruktion, alles, was geschieht, ist falsch und albern, hat schon vor langer Zeit seine Bedeutung verloren und sein eigentliches Wesen vergessen. Und solche Gefühle rufen bei niemandem hervor. Sogar diejenigen, die zum ersten Mal mit Puccini „Zwiebeln schneiden“.

Und hinter diesem Phänomen steckt eine interessante Moral: Nicht alles, was man persönlich für richtig und angenehm hält, ist Zukunft.

Heute ist das Operngenre weit über die erbitterte Debatte um „Regisseur“ und „Dirigent“ hinausgegangen. Der erste wird bald 100 Jahre alt. Bei der zweiten handelt es sich im Allgemeinen um eine natürliche Ressource. Und je aktiver wir der Bewegung der Rolltreppe entgegenlaufen, desto schneller landen wir ganz unten.

Von ganzem Herzen und aufrichtig wünsche ich dem Bolschoi-Theater, dass es dies versteht, aufhört, es allen recht zu machen, und seinen Kurs radikal korrigiert. Flirten Sie nicht mit dem lokalen Zuschauer, indem Sie ihn füttern verfügbare Tickets B. durch Gutscheine und Passkontrollen am Eingang, und zur Entwicklung des landschaftlichen und musikalischen Niveaus im Land. Jemand, aber das Bolschoi-Theater verfügt über alle Ressourcen dafür.

Demnächst verrate ich euch zum Beispiel ein schönes und warnendes Beispiel Als viel bescheideneres Theater in unserem Land führt es dank gutem Geschmack und vernünftiger Managementplanung bereits still und leise ein wichtiges Projekt durch, das unsere kulturelle Zukunft für die kommenden Jahre bestimmen wird.

Vorerst noch eins Opernpremiere im Bolschoi, das besonders schwer zu zerlegen ist, weil es einfach nichts gibt, woran man sich festhalten kann, zeigt ein bereits etabliertes System. Ein System dessen, was passiert, wenn die Theaterleitung zu leicht Kompromisse eingeht. Diese Kompromisse bewegen sich in der Hierarchie nach unten. Und dadurch wird die gesamte Atmosphäre vergiftet.

In diesem Zusammenhang würde ich mir sehr wünschen, dass ein „neues“ „La Bohème“ eine bessere Warnung vor der Zerstörungskraft des Flirtens mit Kompromissen für die Kunst darstellt Große Künstler und die Leitung unserer anderen Theater. Und vor allem natürlich an Sergej Wassiljewitsch Schenowach. Viele Fehler können vermieden werden. Vieles wird offensichtlich. Statt tausend Worte.

p.s.

Völlig verärgert zurückgekehrt, schaltete ich die Aufnahme von „La Bohème“ ein, die mir schon lange wärmstens empfohlen worden war. gute Menschen. Erst kürzlich gab er zu, dass er noch nie einer nicht schrecklichen „La Boheme“ begegnet sei. Keine einzige Produktion hat mich beeindruckt. Es ist nicht so, dass er nicht brüllte, aber er verspürte einfach keine anderen Emotionen als Gereiztheit. Und ich dachte schon, dass bei der Premiere von „Big“ das Problem eher bei mir und meinem Protest lag, dem Publikum mit billigen Methoden die Tränen herauszupressen.

Aber ich habe die Aufnahme eingeschaltet. Und noch nie habe ich im La Bohème so selten geblinzelt. Ein absolutes Meisterwerk. Beste Produktion, was heute bekannt ist. Musik, die man mehr als 100 Mal gehört hat, klingt völlig anders. Und die gesungene Darbietung ist absolut brillant. Ja, so ein „Böhmen“ gibt es! Wir haben lange auf sie gewartet und sie wurde gefunden!

Geduld... Ich werde Kraft schöpfen und meinen Fund unbedingt teilen. In der Zwischenzeit...

Liebe, Liebe wird für uns leider kein Brennholz ersetzen ...

– Uraufführung Wladislaw Schuwalow, der Puccinis Inszenierung als hoffnungslos festlich empfand.

Am Ende der 242. Spielzeit präsentierte das Bolschoi-Theater Neue Szene Puccinis Oper Böhmen” beim Lesen der internationalen Zusammensetzung von Regisseuren und Künstlern. Die vorherige Produktion des Bolschoi aus dem Jahr 1996 unter der Regie des Österreichers Federik Mirditta und unter der Leitung des Slowaken Peter Feranec lief über 110 Vorstellungen (die letzte fand ein Jahr vor der Neupremiere statt). Die Präsenz der Oper im Bolschoi-Repertoire ist seit der Uraufführung von La Bohème im Jahr 1911 eine alltägliche Geschichte. Aber auch erfolgreich funktionierende Geschichten sollten manchmal aktualisiert werden. Tatsächlich stellte sich heraus, dass sich die vorherige Produktion im Wesentlichen kaum von der aktuellen unterscheidet, mit Ausnahme einer ästhetischeren Szenografie und historische Tatsache dass es sich bei den Regisseuren, Dirigenten und Sängern der Neuauflage von La Bohème um junge Leute handelt. Aufgrund ihres Alters hätte von ihnen erwartet werden können, dass sie aufmerksamer mit dem Material umgehen.

Die Regisseure von La Bohème interpretieren den Ton des Bohème-Publikums oft als eine Atmosphäre demonstrativer Sentimentalität und albernen Spaßes, als hätten sie Angst, vom Stereotyp abzuweichen. In der Zwischenzeit, modernes Theater bietet verschiedene Lesungen an. Klaus Guth letztes Jahr in Paris Nationaloper hat die figurative Galerie von „La Bohemes“ radikal auf den Kopf gestellt: ein armes künstlerisches Unternehmen, getrieben von der Unordnung des Lebens Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert auf einem kalten Dachboden, wurde von Gut buchstäblich in einer Kapsel eingeschlossen Raumschiff, pflügt die kalten Weiten des Universums. Einsame Kosmonauten wurden besucht, entweder aus einem gesteigerten Gefühl des nahenden Endes oder aus Sauerstoffmangel künstlerische Visionen ein vergangenes oder nie existierendes Leben.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Vergangenheit und Zukunft sind von ihren Zeitgenossen gleichermaßen weit entfernt, sodass sich die Vorstellungen der Traditionalisten über die Bohemiens des vorletzten Jahrhunderts als nicht weniger utopisch erweisen als die von Guth. Auch aufgrund allzu sentimentalisierter Illusionen über den Feiertag der unbeschwerten Jugend. Gleichzeitig hatten Balzac und Hugo in den Skizzen der Bilder der Böhmen zunächst bekanntlich mehr Realismus. Henri Murget, der Autor von „Szenen aus dem Leben Böhmens“, beschrieb mit Schwerpunkt auf seiner eigenen Biografie eine Handlung über eine bisher unbekannte und nirgendwo anders zu findende neue Gesellschaftsschicht, deren Freiheit der Kreativität und Beziehungen in anständigen Kreisen gefürchtet war , während ich sie gleichzeitig bewundere. Nachbarin Mimi, die sich in den Dichter Rudolf verliebte, ging der Legende nach auf Murgers Geliebte zurück, die von ihm sehr schändlich verlassen wurde, um allein zu sterben. Textdichter Luigi Illica war als Frondeur bekannt, beteiligte sich an der Organisation radikaler Zeitschriften und lieferte Duelle, zweiter Librettist Giuseppe Giacosa diente als Puffer in den Auseinandersetzungen zwischen den hitzigen Naturen von Puccini und Illica.

Rebellischer Geist kreative Persönlichkeiten wurde auf die Spielregeln des Genres reduziert, und zwar immens romantische Oper Denn zu allen Zeiten wagten es nur wenige, es zu modernisieren. Die Regisseure wagten es nicht, die Charaktere der Charaktere an etwas Lebhafteres und Unvollkommeneres heranzuführen, und richteten ihre Bemühungen stets darauf, das Publikum zu berühren: mit unprätentiöser Komödie und skizzenhafter Romantik im ersten Akt, einem grenzenlosen Karneval im zweiten, lyrischer Melasse mit Traurigkeit endet im letzten. Jean-Roman Vesperini, der Regisseur und Produzent des neuen La Bohème, der über einige Erfahrungen mit Theater- und Opernproduktionen in Frankreich verfügt, arbeitet nicht zum ersten Mal in Russland. Er war Assistent von Peter Stein in „Aida“, das einen glänzenden Erfolg hatte, und in Berlioz‘ dramatischer Legende „Fausts Verdammnis“, die Stein vor zwei Jahren am Bolschoi-Theater inszenierte. Vermutlich bildete sich Vesperini in dieser Zeit eine Meinung über die russische Öffentlichkeit und die Erwartungen der Kunden. Immer wieder äußerte er die Aufgabe, Puccinis Oper im Stil des Filmmusicals „“ zu ästhetisieren, was für einen Opernregisseur, wenn auch ehrlich gesagt, an sich etwas seltsam klingt.

Die ästhetische Wette ist ebenso opportunistisch wie wenig falsch: In Russland liebt man immer noch alles, was glitzernd und mit einem Hauch von Glamour glitzert, und das, obwohl das schon seit der Veröffentlichung der Fall ist bester Film Luhrmanns „“ australische Handschrift ist, wenn nicht hoffnungslos, so doch auf jeden Fall veraltet. Darüber hinaus widerspricht das glamouröse Design dem Wesen des Bildes der Bohème – Kreisen mittelloser Künstler und allgemein marginaler Kunstschaffender um der Kunst willen, die glamourösen Charakteren nahe stehen, außer mit einem hohen Maß an Arroganz in der Darstellung künstlerischer Fähigkeiten. Viel wichtiger ist, dass der schwindelerregende Stil des australischen Postmodernisten von seinen Anhängern vor allem ein tadelloses Gespür für den Bearbeitungsrhythmus und Perfektionismus bei der Gestaltung von Details erfordert, was sich auf dem eingeschlagenen Weg der gezügelten Ästhetisierung als falsch herausstellen kann Segen für den Regisseur, aber ein Stolperstein.

Der Überlieferung nach entfaltet sich La Bohème in drei Schauplätzen: einem Dachboden mit einem breiten Fenster, einer Straße im Quartier Latin und dem Außenposten D'Enfer. Szenografie Bruno de Lavenera- höchst einladend Komponente Produktionen. Das Dachgeschoss wird durch einen dreistöckigen Baukörper dargestellt, der nur ein Drittel der Bühne einnimmt und die Aufgabe eines begrenzten Raumes erfüllt, in dem sich die Böhmen – ein Dichter, Maler, Philosoph und Musiker – schwierig, aber fröhlich zusammendrängen. Der Rest der Bühne, rechts und links vom „Dachgeschoss“, ist mit einem Vorhang abgedeckt. Auf den Vorhang wird ein Bild von Dächern mit Schornsteinen und Schornsteinen projiziert. Die Sänger betraten den ersten Akt und befanden sich auf der zweiten Ebene des Bücherregals, wo sich ein Tisch und der berühmte Ofen befanden, an den die ersten Trankopfer der erstarrten Künstler am Heiligabend gerichtet waren. Die Auftritte der Sänger in großer Höhe ermöglichten eine bessere Sicht auf das Geschehen von der Galerie und den Rängen aus, erschwerten jedoch den Kontakt zwischen den Künstlern und dem Orchester. Immer wieder flogen die Hände des amerikanischen Dirigenten Evan Rogers über die Bühne Orchestergraben. Den dritten Stock ihres eigenen Dachbodens erreichten die Sänger übrigens nur einmal.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Der Übergang vom ersten zum zweiten Akt erforderte nicht die übliche Pause für einen Szenenwechsel. Das Dachgeschoss bewegte sich gewissermaßen in verschiedene Richtungen und gab den Blick auf die begehrte Weite des Bühnenraums frei, der dem Betrachter bereits langweilig geworden war. Die Freude am Heiligabend im Stück wurde einfach durch die feierliche Hektik des Quartier Latin ersetzt: Fünfzig Statisten – müßige Nachtschwärmer – strömten auf die Bolschoi-Bühne. Der Hintergrund wurde mit zufällig gekreuzten LED-Streifen verziert, wodurch eine skurrile Atmosphäre entstand geometrische Figur, wie zufällig aus den zukünftigen Zeiten der „nicht-figurativen Kunst“ eingeflogen. In der Ferne waren die integrierten Schaufeln der Moulin Rouge-Mühle zu sehen.

Die Kostüme von Statisten und Chorsängern, angefertigt nach Kleidungsmustern unbekannter Epochen und in auffälligen Farben – Flieder, Hellgrün, Flieder, Kirsche, Türkis, Zitrone – riefen ein anhaltendes Gefühl einer übereifrigen Maskerade hervor, oder Kindermatinee. Der Auftritt des Spielzeugverkäufers Parpignol in einem scharlachroten Anzug (Tenor Marat Gali auf dem Fahrrad), gesalbt von einem Chor aus Kinderstimmen, sowie der Auftritt einer „Dame mit Hund“. Musetta ( Damiana Mizzi) erschien in Begleitung eines perfekt trainierten weißen Pudels und verschaffte dem Künstler zweifellos einen Teil der Zuneigung des Publikums. Unter den gewagten Bildern, die man von einer jungen Produktion erwarten kann (von denen es aber nur sehr wenige gibt), erinnere ich mich an einen Gardisten, der seine Armeehosen auszieht und ein Ballett-Tutu darunter zum Vorschein bringt.

Wurde der zweite Akt im Stil einer Varieté-Show präsentiert, bei der das Momus-Café elegant mit einem Bogen aus Glühbirnen geschmückt war, der offensichtlich an die Beleuchtung einer Kabarettbühne erinnerte, so folgte der dritte Akt dem Prinzip der Dramatik Der von Vesperini behauptete Gegensatz wurde umgekehrt entschieden. Die Kulisse des Outpost D'Enfer am Stadtrand von Paris bestand aus drei in einem spitzen Winkel angeordneten Abschnitten – einer Treppe, einem Zaun aus Zweigen und einer Ziegelmauer. In der Öffnung der Wand stand eine altmodische Laterne, und von oben ergossen sich Ströme streuenden, nebligen Lichts auf die gesamte Bühne, wie eine melancholische Skizze im Geiste der Impressionisten.

Die stilistische Vielfalt des Designs wurde durch stets helle Akzente unterstützt männliche Stimmen zweite Besetzung der Oper. Tenor Davide Giusti(übrigens hat er bereits die Rolle des Rudolf für Himmelman-Currentzis gespielt) und Bariton Aluda Todua nutzten die lyrische Seite ihrer Charaktere gnadenlos aus, sodass die Dramatik des Finales kaum zu glauben war. Die Lösung kam wiederum aus dem Bereich der Szenografie. In der letzten Episode von Mimis Tod wurde die Dachbodenstruktur abgetrennt, was die traurige Bedeutung des Augenblicks verstärkte: Alle lebenden Charaktere blieben auf der einen Seite der offenen Struktur und auf der anderen Seite das Bett mit Mimi, die allein starb. schwebte in die Ewigkeit.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Am Rande gab es Vorwürfe für das Orchester, das mit der deutlich emotionalen Interpretation nicht mithalten konnte Evan Rogerster– ein junger, lächelnder Dirigent in Schwarz, der auch mit Peter Stein zusammenarbeitete und bereits zwei „La Bohèmes“ inszeniert hatte. Rogerster selbst gab zu, dass er nach einer klanglichen Analogie zur heftigen Emotionalität der Charaktere suchte, obwohl es vernünftiger wäre anzunehmen, dass das Orchester die Sänger selbstbewusst einschränkte und dirigierte, einschließlich Maria Mudryak, die ihr ganzes Temperament in die Rolle der Mimi steckte und die offensichtlichen und eingebildeten Unglücke ihrer Heldin saftig auskostete.

Mit festlicher Stimmung und unnahbar eintönigem Charme erweckte die Inszenierung den erwartet positiven Eindruck beim Publikum. Der klassische Charakter der Oper über malerische Vagabunden und schwindsüchtige Schönheiten, in der leicht karikierte Tragödie mit frontaler Erhabenheit koexistiert, blieb einmal mehr bestehen. Der Repertoire-Hit hat stattgefunden und wird wohl noch weitere 20 Jahre in den traditionellen Vorstellungen von „La Bohème“ bleiben.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

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