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Die klassische Ära ist der Höhepunkt der Entwicklung der griechischen Kunst, die berühmteste Periode in der Geschichte des antiken Griechenlands.

In der Ära der Hochklassik waren, wie auch in früheren Perioden, die Hauptmerkmale der griechischen Architektur mit dem Bau von Tempeln verbunden.

Der griechische Tempel galt als Wohnsitz einer Gottheit, daher gab es in allen griechischen Tempeln eine Statue des Gottes, zu dessen Ehren er errichtet wurde. Die Tempel von Hellas galten auch als die wichtigsten öffentlichen Gebäude: Dort wurden die Reichtümer der Polis und ihre Schatzkammer aufbewahrt.

Die Meister der Klassik haben das Problem der Synthese von Architektur und Skulptur brillant gelöst. Baudenkmäler der damaligen Zeit und ihre dekorative Ausschmückung bilden ein Ganzes. Giebel und Friese wurden aktiv zur Platzierung skulpturaler Kompositionen genutzt.

Als Materialien für den Bau von Tempeln wurden Holz und Marmor verwendet, für die Dekoration wurden häufig rote und blaue Farben sowie Vergoldungen verwendet. Auch die Arten griechischer Tempel waren vielfältig: Peripteren– rechteckige Gebäude, umgeben von einer Kolonnade, Dipter– Tempel mit einer doppelten Säulenreihe, Tempel runde Form – Monoptera Und tholos.

Zu Beginn des Y. Jahrhunderts. Chr Die bedeutendsten dorischen Tempel wurden gebaut: der Zeus-Tempel in Olympia und der Hera-Tempel in Paestum.

Das prächtige Tempelensemble nimmt in der Geschichte der griechischen Architektur einen besonderen Platz ein. Athener Akropolis- das berühmteste Gebäude der griechischen Klassiker. Während der griechisch-persischen Kriege schwer beschädigt, wurde es Mitte des 10. Jahrhunderts restauriert. Chr Am Wiederaufbau der Akropolis waren berühmte Architekten und Bildhauer beteiligt : Ictinus, Callicrates, Mnesicles, Phidias usw. Die Akropolis war Ausdruck der Stärke und Macht des demokratischen Athens und beeindruckt noch heute mit ihrer Majestät und außergewöhnlichen Harmonie. Das größte Bauwerk der Akropolis ist Parthenon- ein Tempel zu Ehren von Athene. Die Geschichte hat die Namen der Schöpfer bewahrt - Iktin Und Kallikrates. Es besteht aus hellem Marmor, ist von 46 Säulen dorischer Ordnung umgeben und von einem ionischen Fries eingerahmt, die die Verkörperung von Harmonie und Strenge darstellt. Auch die majestätischen Tore, die zur Akropolis führen, wurden in einer Kombination aus dorischem und ionischem Stil erbaut – Propyläen(Architekt Mnesikel).

Die ionische Ordnung dominiert in der Architektur des kleinen, aber anmutigen Tempels des Nike Apteros (flügellos). Im gleichen Stil wurde ein einzigartiger Tempel erbaut. zu Ehren von Athene, Poseidon und dem Helden Erechtheus Erechtheion - ein Beispiel für einen Tempel mit asymmetrischem Grundriss, der in der griechischen Architektur selten zu finden ist. Jede seiner Fassaden ist anders dekoriert. Der südliche ist besonders malerisch - Anstelle von Säulen gibt es sechs weibliche Figuren, berühmte Karyatiden.

Die Tempel der Akropolis lagen so auf dem Hügel, dass die Teilnehmer der feierlichen Nationalprozession zur Akropolis während des Hauptfeiertags der athenischen Bürger – der Großen Panathenäen – erst nach und nach einen Blick auf die einzelnen Gebäude hatten. Alle Bauwerke der Akropolis sind ungewöhnlich plastisch und proportioniert. Die Architekten des Parthenon berücksichtigten auch einige Merkmale des menschlichen Sehens: Die Säulen des Tempels sind ungleichmäßig voneinander entfernt, die Ecksäulen sind etwas massiver als die Innensäulen und im Allgemeinen ist alles leicht nach innen zu den Wänden geneigt des Gebäudes - dadurch wirken sie schlanker und höher.

Klassische griechische Skulptur des 5. Jahrhunderts. Chr wurde zum Vorbild klassischer Perfektion. Ihr Stil zeichnet sich durch Ausgewogenheit, strenge Symmetrie, Idealisierung und Statik aus. Personen griechische Statuen Immer leidenschaftslos und statisch ist die innere Welt der Helden frei von Individualität und Gefühlen. Individualisierung von Bildern, d.h. Die Kunst des Porträts kannte die antike Bildhauerei überhaupt nicht.

Eines der besten Beispiele frühklassischer Skulptur ist die bronzene „Wagenlenkerstatue“ aus Delphi. Trotz einer gewissen Spannung in der Statue ist ihre Haltung immer noch natürlicher als die der gefrorenen Kouros.

Das Jahrhundert der hohen griechischen Klassiker brachte drei herausragende Bildhauer hervor: Phidias, Myron und Polykleitos.

Phidias führte viele berühmte Werke auf. Er und seine Schüler führten das Berühmte auf Fries des Parthenon. Die 92 Metopen des Parthenon waren mit Reliefs gefüllt, die die Kämpfe der Griechen mit den Amazonen, Szenen des Trojanischen Krieges, Götter- und Riesenkämpfe darstellten. Mehr als 500 Figuren sind auf dem Fries dargestellt, keine wiederholt die andere. Der Skulpturenfries des Parthenon gilt als einer der Höhepunkte der klassischen Kunst. Phidias schuf auch eine 12 Meter hohe Statue Athen-Jungfrau. In der Form ist die Göttin dargestellt schöne Frau. Kleidung, Helm, Haare und Schild der Göttin waren aus reinem Gold, und Gesicht und Hände der Göttin waren mit Platten aus Elfenbein bedeckt. In die Augenhöhlen der Statue wurden Saphire eingesetzt. Phidias zeigte es der Welt neues Bild Athen ist eine Kriegergöttin und Göttin der Weisheit, eine wahre Schutzpatronin.

Ideal menschliche Persönlichkeit wurde von Phidias in einem anderen seiner berühmten verkörpert Statue des olympischen Zeus für den Tempel von Olympia. Diese Statue galt als eines der „sieben Weltwunder“; ihre Höhe betrug 14 Meter. Der schreckliche Gott wurde majestätisch auf einem Thron sitzend dargestellt. Gesicht

Zeus verkörperte die Idee von Weisheit und Philanthropie. Auch die Zeusstatue bestand aus Gold und Elfenbein.

Beide Werke des Phidias sind nicht erhalten. Sie sind uns nur aus der Beschreibung des antiken griechischen Historikers Pausanias (2. Jahrhundert v. Chr.) und aus Abbildungen auf Münzen bekannt. Außerdem Phidias besitzt ein weiteres skulpturales Bild - Athene die Kriegerin . Eine 12 Meter hohe Bronzestatue der Athene mit einem Speer, dessen goldene Spitze weit vom Meer entfernt sichtbar war, schmückt den Platz vor dem Parthenon. Das Konzept des „hohen Stils“ in der antiken griechischen Kunst ist mit dem Werk von Phidias verbunden, das sich in edler Einfachheit und zugleich in Erhabenheit ausdrückte.

Miron, der Mitte des 10. Jahrhunderts in Athen wirkte. Chr. war der erste griechische Bildhauer, dem es gelang, die menschliche Figur im Moment der schnellen Bewegung darzustellen. Am berühmtesten ist seine Bronzestatue „ Diskuswerfer», Verkörperung des Idealbildes eines menschlichen Bürgers. Es ist bezeichnend, dass selbst bei dieser Statue, die einen Mann in Bewegung darstellt, das Gesicht des Diskuswerfers ruhig und statisch ist.

Der dritte berühmte Bildhauer des 10. Jahrhunderts. Chr – Polykletus von Argos , Autor von berühmten Statuen von Hera, „Verwundete Amazone“ Und " Doryphora" Polykleitos war ein Kunsttheoretiker – er bestimmte die Regeln idealer Proportionen menschliche Figur und formulierte sie in der Abhandlung „ Kanon" Die Verkörperung des Kanons in der Praxis war die Statue „Doriphoros“. Nach der von Polykletus gefundenen Regel sollte der Kopf 1/7 der Gesamthöhe ausmachen, das Gesicht und die Hand 1/10, der Fuß 1/6 und die gerade Linie der Nase sollte die Linie fortsetzen die Stirn. Die Statuen von Polykleitos sind immer bewegungslos und statisch. Die Originalwerke von Polykletos und Myron sind nicht erhalten; nur ihre römischen Marmorkopien sind erhalten.

Zu den griechischen Künstlern des 5. Jahrhunderts. Chr hervorstechen Polygnotos, Apollodorus und Parrhasius. Leider sind ihre Gemälde nicht bis heute erhalten; nur Beschreibungen ihrer Zeitgenossen sind erhalten. Jedoch Davon sind wunderschöne Beispiele der Vasenmalerei erhalten geblieben hohes Können ihre Schöpfer. Die größten Vasenmaler der frühen griechischen Klassiker waren Euphronius Und Euthymides der in der Technik der rotfigurigen Komposition arbeitete, Dadurch war es möglich, das Volumen der Komposition besser zu vermitteln und die Details klarer zu erkennen. Die Motive der Malereien auf griechischen Vasen stammen überwiegend aus der Mythologie, allerdings aus dem 5. Jahrhundert. Chr Das Interesse der Maler an Szenen aus dem Alltag wächst

Die Kunst Griechenlands während der Spätklassik (spätes 1.–1. Jahrhundert v. Chr.).

In dieser Zeit geriet Griechenland in eine Krisenphase, die sich in politischer Instabilität, dem Zerfall der Polis-Institutionen und der Polis-Moral äußerte. Zu diesem Zeitpunkt erfolgt die Bildung neuer kulturelle Werte und Ideale. Neue philosophische Strömungen wie der Zynismus sind auf dem Vormarsch. Der große antike griechische Philosoph Platon schafft seine Lehre vom idealen Staat.

Wenn in der Ära der hohen Klassiker Athen das Zentrum der monumentalen Architektur war, dann im 4. Jahrhundert Chr das Zentrum der Architektur verlagerte sich nach Kleinasien, das erneut seine Blütezeit erlebte. Der dorische Stil dominierte auf dem griechischen Festland. aber mit leichteren Proportionen als zuvor. In den Städten Kleinasiens ist es erhalten geblieben Ionischer Stil, in dem der talentierte Architekt arbeitete Pytheas, der gebaut hat Tempel der Athene in Priene. Zum ersten Mal in der Geschichte der Architektur errichtete er ein so monumentales Gebäude wie Mausoleum, - das grandiose Grab des karischen Königs Movsol und seiner Frau Artemisia in der Stadt Halikarnassos. Diese 24-stufige, dreistufige Marmorpyramide, 49 m hoch, gekrönt von einer Skulptur, die vier Pferde in einem Geschirr darstellt – einer Quadriga – galt sie im Altertum als eines der „sieben Weltwunder“. Nicht weniger prächtig war die klassische Diptera, die auch als „Weltwunder“ gilt und nach einem Brand im Jahr 356 v. Chr. wieder aufgebaut wurde. Tempel der Artemis in der Stadt Ephesus. Die Majestät und Pracht dieser Gebäude näherten sie der Architektur des Alten Ostens und zeugten vom Herannahen einer neuen, hellenistischen Ära, in der griechische und östliche Kulturanleihen verschmolzen.

In der Architektur des 4. Jahrhunderts. Chr Die Hauptrolle spielten nicht mehr Tempel(kultur)bauten, sondern Bauten weltlichen Charakters: Theater, Versammlungsräume, Palästra, Turnhallen. In der Stadt Epidaurus wurde ein bemerkenswertes architektonisches Ensemble errichtet: Es umfasste einen Tempel, ein Stadion, Turnhallen, ein Besucherhaus, einen Konzertsaal und ein wunderschönes Theater – ein Meisterwerk des herausragenden Architekten Polykletus dem Jüngeren.

Die Skulptur der Spätklassiker wies eine Reihe neuer Merkmale auf. Sie wurde raffinierter und zeigte tiefe menschliche Gefühle, den inneren Zustand einer Person. Majestät und Würde wurden durch andere Trends ersetzt – dramatisches Pathos, besondere Lyrik und Anmut. Sie wurden in ihren Werken von den größten griechischen Bildhauern des 1. Jahrhunderts verkörpert. - Scopas, Praxiteles und Lysippos. Darüber hinaus nahmen in der Skulptur dieser Zeit Genre- und Alltagsmotive einen besonderen Platz ein und drängten religiöse und zivile in den Hintergrund.

Skopas schuf in der Regel mythologische Bilder, die durch ihre Dramatik und ihren Ausdruck beeindruckten. Sein " Mänade”, Der Tanzbegleiter des Dionysos ist ein Meisterwerk nicht nur der antiken, sondern auch der Weltkunst. (Friese des Halikarnassos-Mausoleums).

Jüngerer Zeitgenosse von Skopas Praxiteles modellierte hauptsächlich olympische Götter und Göttinnen. Seine Skulpturen sind in einer Pose verträumter Ruhe dargestellt: „Ruhender Satyr“, „Apollo“, „Hermes mit dem Baby Dionysos“. Seine berühmteste Statue ist „Aphrodite von Knidos“ - ein Prototyp vieler nachfolgender Bilder der Liebesgöttin. Zum ersten Mal in der Geschichte der griechischen Bildhauerei stellte Praxiteles Aphrodite als schöne nackte Frau dar.

Von Scopas und Praxiteles sind nur sehr wenige authentische Statuen erhalten; wir kennen hauptsächlich ihre römischen Kopien. Das Werk des Praxiteles hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Bildhauer der hellenistischen Ära und auf römische Meister.

Der Wunsch, die Vielfalt der Charaktere zu vermitteln, ist das Hauptmerkmal der Arbeit des großen Bildhauers Lysippos. Er hat ein wundervolles hinterlassen Büste von Alexander dem Großen und entwickelte einen neuen Kunststoffkanon, der den Kanon von Polykleitos („Apoxiomen“) ersetzte.

Athener Name Leohara im Zusammenhang mit der Lehrbucharbeit – „ Apollo Belvedere”. Diese Skulptur zeugte davon, wie sich das Ideal verändert hatte männliche Schönheit in der griechischen Kunst.

Im Allgemeinen in der Architektur, Skulptur und Malerei im 1. Jahrhundert. Chr gekennzeichnet durch die Geburt vieler Trends, die in der nächsten, hellenistischen Ära ihren vollen Ausdruck finden werden.

Kapitel „Die Kunst der Spätklassik (vom Ende der Peloponnesischen Kriege bis zur Entstehung des Makedonischen Reiches)“. Abschnitt „Die Kunst des antiken Griechenlands“. Allgemeine Kunstgeschichte. Band I. Kunst der Antike. Autor: Yu.D. Kolpinski; unter der allgemeinen Herausgeberschaft von A.D. Chegodaeva (Moskau, Staatsverlag„Kunst“, 1956)

Viertes Jahrhundert v. Chr war eine wichtige Etappe in der Entwicklung der antiken griechischen Kunst. Die Traditionen der Hochklassik wurden unter neuen historischen Bedingungen überarbeitet.

Das Wachstum der Sklaverei, die Konzentration immer größerer Reichtümer in den Händen einiger weniger großer Sklavenhalter, bereits ab der zweiten Hälfte des 5. Jahrhunderts. Chr behinderte die Entwicklung der freien Arbeit. Gegen Ende des Jahrhunderts wurde insbesondere in wirtschaftlich entwickelten Städten der Prozess des allmählichen Ruins kleiner freier Produzenten, der zu einem Rückgang des Anteils freier Arbeitskräfte führte, immer offensichtlicher.

Die Peloponnesischen Kriege, die das erste Symptom der aufkommenden Krise der Sklavenpolitik waren, verschärften und beschleunigten die Entwicklung dieser Krise enorm. In einer Reihe griechischer Stadtstaaten kam es zu Aufständen des ärmsten Teils freier Bürger und Sklaven. Gleichzeitig erforderte das Wachstum des Austauschs die Schaffung einer einzigen Macht, die in der Lage war, neue Märkte zu erobern und die erfolgreiche Unterdrückung von Aufständen der ausgebeuteten Massen sicherzustellen.

Auch das Bewusstsein der kulturellen und ethnischen Einheit der Hellenen geriet in entscheidenden Konflikt mit der Uneinigkeit und dem erbitterten Kampf der Politiken untereinander. Im Allgemeinen wird die durch Kriege und innere Unruhen geschwächte Politik zu einer Bremse für die weitere Entwicklung einer Sklavenhaltergesellschaft.

Unter den Sklavenhaltern gab es einen erbitterten Kampf, einen Ausweg aus der Krise zu finden, die die Grundlagen der Sklavengesellschaft bedrohte. Mitte des Jahrhunderts zeichnete sich ein Trend ab, der die Gegner der Sklavendemokratie vereinte – große Sklavenhalter, Kaufleute, Geldverleiher, die alle ihre Hoffnungen auf eine externe Kraft setzten, die in der Lage war, die Politik mit militärischen Mitteln zu unterwerfen und zu vereinen und die zu unterdrücken Bewegung der Armen und Organisation einer umfassenden militärischen und kommerziellen Expansion nach Osten. Eine solche Kraft war die wirtschaftlich relativ unterentwickelte mazedonische Monarchie, die über eine mächtige Armee verfügte, deren Zusammensetzung hauptsächlich aus der Landwirtschaft bestand. Die Unterwerfung der griechischen Stadtstaaten unter das Makedonische Reich und der Beginn der Eroberungen im Osten markierten das Ende der klassischen Periode der griechischen Geschichte.

Der Zusammenbruch der Polis brachte den Verlust des Ideals eines freien Bürgers mit sich. Gleichzeitig tragische Konflikte Die gesellschaftliche Realität führte zu einer komplexeren Sicht auf die Phänomene des gesellschaftlichen Lebens als zuvor und bereicherte das Bewusstsein der fortschrittlichen Menschen dieser Zeit. Verschärfung des Kampfes zwischen Materialismus und Idealismus, Mystik und Wissenschaftliche Methoden Wissen, heftige Auseinandersetzungen politischer Leidenschaften und zugleich Interesse an der Welt persönlicher Erfahrungen sind charakteristisch für das gesellschaftliche und kulturelle Leben des 4. Jahrhunderts voller innerer Widersprüche. Chr

Die veränderten Bedingungen des gesellschaftlichen Lebens führten zu einer Veränderung des Wesens des antiken Realismus.

Zusammen mit der Fortführung und Weiterentwicklung traditioneller klassischer Kunstformen des 4. Jahrhunderts. BC, insbesondere die Architektur, musste völlig neue Probleme lösen. Zum ersten Mal begann die Kunst, den ästhetischen Bedürfnissen und Interessen des Einzelnen und nicht der Polis als Ganzes zu dienen. Es erschienen auch Werke, die monarchische Prinzipien bekräftigten. Im gesamten 4. Jahrhundert. Chr Der Prozess der Abkehr einiger Vertreter der griechischen Kunst von den Idealen der Nationalität und des Heldentums des 5. Jahrhunderts intensivierte sich ständig. Chr

Gleichzeitig spiegelten sich darin die dramatischen Widersprüche der Epoche wider künstlerische Bilder Es zeigt den Helden in einem intensiven tragischen Kampf mit ihm feindlich gesinnten Kräften, überwältigt von tiefen und traurigen Erlebnissen, zerrissen von tiefen Zweifeln. Dies sind die Helden der Tragödien des Euripides und der Skulpturen des Scopas.

Einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Kunst hatte die Entwicklung der Kunst, die im 4. Jahrhundert endete. Chr Krise des Naiv-Fiction-Systems mythologische Ideen, deren entfernte Vorboten bereits im 5. Jahrhundert zu sehen sind. Chr Aber im 5. Jahrhundert. Chr Die volkstümliche künstlerische Fantasie bezog den Stoff für ihre erhabenen ethischen und ästhetischen Ideen noch immer aus antiken mythologischen Erzählungen und Glaubensvorstellungen, die den Menschen vertraut und nahe standen (Aischylos, Sophokles, Phidias usw.). Im 4. Jahrhundert interessierte sich der Künstler zunehmend für Aspekte der menschlichen Existenz, die nicht in die mythologischen Bilder und Vorstellungen der Vergangenheit passten. Künstler versuchten, in ihren Werken sowohl innere widersprüchliche Erfahrungen, Impulse der Leidenschaft als auch die Raffinesse und Durchdringung des menschlichen spirituellen Lebens auszudrücken. Es entstand ein Interesse am alltäglichen Leben und den charakteristischen Merkmalen der geistigen Verfassung eines Menschen, wenn auch in allgemeinster Form.

In der Kunst führender Meister des 4. Jahrhunderts. Chr - Scopas, Praxiteles, Lysippos - das Problem der Vermittlung menschlicher Erfahrungen wurde gestellt. Dadurch wurden erste Erfolge bei der Offenlegung des spirituellen Lebens des Einzelnen erzielt. Diese Trends betrafen alle Arten von Kunst, insbesondere Literatur und Theater. Diese sind; zum Beispiel „Charaktere“ von Theophrastus, die sich der Analyse der typischen Merkmale der geistigen Verfassung einer Person widmen – eines angeheuerten Kriegers, eines Angebers, eines Parasiten usw. All dies deutete nicht nur auf die Abkehr der Kunst von den Aufgaben hin ein verallgemeinertes typisches Bild des harmonisch Vollkommenen entwickelter Mensch, sondern auch, um eine Reihe von Problemen anzugehen, die nicht im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der Künstler des 5. Jahrhunderts standen. Chr

In der Entwicklung der griechischen Kunst der Spätklassik lassen sich deutlich zwei Phasen unterscheiden, die durch den Verlauf selbst bestimmt werden soziale Entwicklung. In den ersten zwei Dritteln des Jahrhunderts war die Kunst noch sehr organisch mit den Traditionen der hohen Klassik verbunden. Im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts. Chr In der Entwicklung der Kunst vollzieht sich ein scharfer Wandel, für den neue Bedingungen der gesellschaftlichen Entwicklung neue Aufgaben mit sich bringen. Zu dieser Zeit verschärfte sich der Kampf zwischen realistischen und antirealistischen Linien in der Kunst besonders.

Griechische Architektur des 4. Jahrhunderts. Chr hatte eine Reihe bedeutender Erfolge, obwohl seine Entwicklung sehr uneinheitlich und widersprüchlich war. Also im ersten Drittel des 4. Jahrhunderts. In der Architektur war ein bekannter Rückgang der Bautätigkeit zu verzeichnen, der die wirtschaftliche und soziale Krise widerspiegelte, die alle griechischen Stadtstaaten und insbesondere die im eigentlichen Griechenland gelegenen Stadtstaaten erfasste. Dieser Rückgang war jedoch alles andere als allgemeingültig. Am stärksten traf es sich in Athen, das in den Peloponnesischen Kriegen besiegt wurde. Auf dem Peloponnes hörte der Bau von Tempeln nicht auf. Ab dem zweiten Drittel des Jahrhunderts wurde der Bau wieder intensiviert. Im griechischen Kleinasien, teilweise auch auf der Halbinsel selbst, wurden zahlreiche architektonische Bauwerke errichtet.

Denkmäler des 4. Jahrhunderts Chr folgte im Allgemeinen den Grundsätzen des Ordnungssystems. Dennoch unterschieden sie sich charakterlich deutlich von den Werken hoher Klassiker. Der Bau von Tempeln wurde fortgesetzt, die Entwicklung war jedoch im Vergleich zum 5. Jahrhundert besonders weit verbreitet. erhielt den Bau von Theatern, Palästen, Turnhallen, Innenräumen für öffentliche Versammlungen (bouleuteria) usw.

Gleichzeitig entstanden in der Monumentalarchitektur Bauwerke, die der Verherrlichung einer individuellen Persönlichkeit gewidmet waren, und zwar nicht eines mythischen Helden, sondern der Persönlichkeit eines autokratischen Monarchen – ein für die Kunst des 5. Jahrhunderts völlig unglaubliches Phänomen. Chr Dies sind zum Beispiel das Grab des Herrschers von Carius Mausolos (Mausoleum von Halikarnassos) oder das Philippeion in Olympia, das den Sieg des makedonischen Königs Philipp über die griechischen Stadtstaaten verherrlichte.

Eines der ersten Baudenkmäler, das Merkmale der Spätklassik aufwies, wurde nach einem Brand im Jahr 394 v. Chr. wieder aufgebaut. Tempel der Athena Alea in Tegea (Peloponnes). Sowohl das Gebäude selbst als auch die Skulpturen, die es schmückten, wurden von Skopas geschaffen. In mancher Hinsicht entwickelte dieser Tempel die Traditionen des Tempels in Bassa weiter. So wurden im Tegea-Tempel alle drei Ordnungen verwendet – dorisch, ionisch und korinthisch. Die korinthische Ordnung wird insbesondere bei den Halbsäulen verwendet, die aus den Wänden herausragen und die Naos schmücken. Diese Halbsäulen waren untereinander und mit der Wand durch einen gemeinsamen, komplex profilierten Sockel verbunden, der entlang aller Wände des Raumes verlief. Im Allgemeinen zeichnete sich der Tempel durch seinen Reichtum an skulpturalen Dekorationen, seine Pracht und seine Vielfalt an architektonischen Dekorationen aus.

Zur Mitte hin. 4. Jahrhundert Chr gehört zum Ensemble des Heiligtums des Asklepios in Epidaurus, dessen Zentrum der Tempel des Heilgottes Asklepios war, aber das bemerkenswerteste Gebäude des Ensembles war das von Polykletus dem Jüngeren erbaute Theater, eines der schönsten Theater der Antike . Darin befanden sich, wie in den meisten Theatern dieser Zeit, Sitzplätze für Zuschauer (Theatron) am Hang. Insgesamt gab es 52 Reihen Steinbänke, auf denen mindestens 10.000 Menschen Platz fanden. Diese Reihen umrahmten das Orchester – die Plattform, auf der der Chor auftrat. In konzentrischen Reihen bedeckte das Theatron mehr als einen Halbkreis des Orchesters. Auf der den Zuschauerplätzen gegenüberliegenden Seite war das Orchester von einem Skene, aus dem Griechischen übersetzt einem Zelt, umgeben. Zunächst im 6. und frühen 5. Jahrhundert. Chr. war die Skene ein Zelt, in dem sich die Schauspieler auf ihren Auftritt vorbereiteten, jedoch bereits am Ende des 5. Jahrhunderts. Chr Die Bühne verwandelte sich in eine komplexe zweistufige Struktur, die mit Säulen geschmückt war und einen architektonischen Hintergrund bildete, vor dem die Schauspieler auftraten. Mehrere Ausgänge führten vom Inneren der Skene zum Orchester. Skena in Epidaurus verfügte über ein mit der ionischen Ordnung verziertes Proszenium – eine Steinplattform, die sich über die Ebene des Orchesters erhob und für die Leitung einzelner Theaterstücke durch die Hauptdarsteller gedacht war. Das Theater von Epidaurus wurde mit außergewöhnlichem künstlerischem Gespür in die Silhouette des sanften Hügels eingraviert. Skena, feierlich und anmutig in seiner Architektur, beleuchtet von der Sonne, hob sich wunderschön vom blauen Himmel und den fernen Konturen der Berge ab und unterschied gleichzeitig die Schauspieler und den Chor des Dramas von der umgebenden natürlichen Umgebung.

Das interessanteste der uns überlieferten, von Privatleuten errichteten Bauwerke ist das choregische Denkmal des Lysikrates in Athen (334 v. Chr.). Der Athener Lysikrates beschloss, in diesem Denkmal den Sieg des auf seine Kosten vorbereiteten Chores zu verewigen. Auf einem hohen, quadratischen Sockel, der aus länglichen und makellos behauenen Quadraten besteht, erhebt sich ein schlanker Zylinder mit anmutigen Halbsäulen korinthischer Ordnung. Entlang des Gebälks über dem schmalen und leicht profilierten Architrav verläuft ein durchgehendes Friesband mit frei verstreuten Reliefgruppen voller natürlicher Bewegung. Das sanft geneigte, kegelförmige Dach wird von einer schlanken Akroterie gekrönt, die als Ständer für den bronzenen Dreifuß dient, der Lysikrates als Preis für den von seinem Chor errungenen Sieg verliehen wurde. Die Kombination aus exquisiter Einfachheit und Anmut, die Intimität von Maßstab und Proportionen machen die Besonderheit dieses Denkmals aus, das sich durch seinen subtilen Geschmack und seine Anmut auszeichnet. Und doch ist das Erscheinen solcher Bauwerke mit dem Verlust der öffentlich-demokratischen Grundlage der Kunst durch die Architektur der Polis verbunden.

Wenn das Lysikrates-Denkmal das Erscheinen von Werken hellenistischer Architektur, Malerei und Skulptur vorwegnahm, die dem Privatleben einer Person gewidmet waren, dann wurden im „Philippeion“ etwas früher andere Aspekte der Entwicklung der Architektur der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts geschaffen Jahrhundert fand Ausdruck. Chr Philippeion wurde in den 30er Jahren des 4. Jahrhunderts erbaut. Chr in Olympia zu Ehren des Sieges des mazedonischen Königs Philipp im Jahr 338 über die Truppen von Athen und Böotien, die versuchten, die mazedonische Hegemonie in Hellas zu bekämpfen. Der runde Naos des Philippeion war von einer ionischen Kolonnade umgeben und im Inneren mit korinthischen Säulen geschmückt. Im Inneren des Naos standen Statuen der Könige der mazedonischen Dynastie, gefertigt in der Chrysoelephantin-Technik, die bis dahin nur zur Darstellung von Göttern verwendet wurde. Philippeion sollte die Idee des Vorrangs Mazedoniens in Griechenland propagieren, die königliche Autorität der Person des mazedonischen Königs und seiner Dynastie mit der Autorität des heiligen Ortes heiligen.

Die Entwicklungspfade der Architektur Kleinasiens in Griechenland unterschieden sich etwas von der Entwicklung der Architektur Griechenlands selbst. Sie zeichnete sich durch den Wunsch nach Üppigkeit und Grandiosität aus architektonische Strukturen. Besonders deutlich machten sich die Tendenzen der Abkehr von den Klassikern in der kleinasiatischen Architektur bemerkbar. Also Mitte und Ende des 4. Jahrhunderts erbaut. Chr Die riesigen ionischen Dipteren (der zweite Tempel der Artemis in Ephesus, der Tempel der Artemis in Sardes usw.) zeichneten sich durch die Pracht und den Luxus ihrer Dekoration aus, die weit vom Geist der wahren Klassiker entfernt war. Diese Tempel, die aus den Beschreibungen antiker Autoren bekannt sind, sind bis heute in sehr spärlichen Überresten erhalten geblieben.

Die Merkmale der Entwicklung der kleinasiatischen Architektur spiegelten sich am deutlichsten in dem um 353 v. Chr. erbauten Gebäude wider. Architekten Pytheas und Satyr Halikarnassos-Mausoleum – das Grab von Mausolos, dem Herrscher der persischen Provinz Karien.

Das Mausoleum überraschte nicht so sehr durch die majestätische Harmonie der Proportionen, sondern durch die Erhabenheit seiner Größe und den herrlichen Reichtum seiner Dekoration. In der Antike wurde es zu den sieben Weltwundern gezählt. Die Höhe des Mausoleums erreichte wahrscheinlich 40 - 50 m. Das Gebäude selbst war ein ziemlich komplexes Bauwerk, das lokale kleinasiatische Traditionen der griechischen Ordensarchitektur mit Motiven aus dem klassischen Osten kombinierte. Im 15. Jahrhundert Das Mausoleum wurde schwer beschädigt und eine genaue Rekonstruktion ist derzeit nicht möglich; Nur einige seiner allgemeinsten Merkmale sorgen unter Wissenschaftlern nicht für Meinungsverschiedenheiten. Im Grundriss war es ein Rechteck, das sich einem Quadrat näherte. Die erste Stufe im Verhältnis zu den nachfolgenden diente als Basis. Das Mausoleum war ein riesiges Steinprisma aus großen Quadraten. An den vier Ecken wurde die erste Etage von Reiterstatuen flankiert. In der Dicke dieses riesigen Steinblocks befand sich ein hoher gewölbter Raum, in dem sich die Gräber des Königs und seiner Frau befanden. Die zweite Etage bestand aus einem Raum, der von einer hohen Kolonnade ionischer Ordnung umgeben war. Zwischen den Säulen wurden Marmorstatuen von Löwen aufgestellt. Die dritte und letzte Ebene war eine Stufenpyramide, auf deren Spitze große Figuren des Herrschers und seiner Frau auf einem Streitwagen standen. Das Grab des Mausolos war von drei Friesreihen umgeben, deren genaue Position jedoch bekannt ist architektonisches Ensemble nicht installiert. Alle bildhauerischen Arbeiten wurden von griechischen Meistern ausgeführt, darunter Skopas.

Die Kombination aus bedrückender Gewalt und der enormen Größe des Erdgeschosses mit der prächtigen Feierlichkeit der Kolonnade sollte die Macht des Königs und die Größe seines Staates hervorheben.

So wurden alle Errungenschaften der klassischen Architektur und Kunst im Allgemeinen in den Dienst neuer gesellschaftlicher Ziele gestellt, die den Klassikern fremd waren und durch die unvermeidliche Entwicklung der antiken Gesellschaft entstanden. Die Entwicklung ging von der veralteten Isolation der Stadtstaaten zu mächtigen, wenn auch fragilen Sklavenhaltermonarchien über, die der Spitze der Gesellschaft die Möglichkeit boten, die Grundlagen der Sklaverei zu stärken.

Obwohl die Skulpturen aus dem 4. Jahrhundert stammen. Chr. sind, wie das gesamte antike Griechenland im Allgemeinen, hauptsächlich in römischen Kopien überliefert, dennoch können wir uns eine viel vollständigere Vorstellung von der Entwicklung der Skulptur dieser Zeit machen als von der Entwicklung von Architektur und Malerei. Die Verflechtung und der Kampf realistischer und antirealistischer Tendenzen in der Kunst des 4. Jahrhunderts. Chr viel akuter als im 5. Jahrhundert. Im 5. Jahrhundert Chr Der Hauptwiderspruch war der Widerspruch zwischen den Traditionen der sterbenden Archaik und der sich entwickelnden Klassiker. Hier wurden zwei Richtungen in der Entwicklung der Kunst selbst des 4. Jahrhunderts klar definiert.

Einerseits schufen einige Bildhauer, formal der Tradition hoher Klassiker folgend, vom Leben abstrahierte Kunst und führten weg von seinen akuten Widersprüchen und Konflikten in die Welt der leidenschaftslos kalten und abstrakt schönen Bilder. Diese Kunst stand je nach den Tendenzen ihrer Entwicklung dem realistischen und demokratischen Geist der Kunst der hohen Klassiker feindlich gegenüber. Es war jedoch nicht diese Richtung, deren prominenteste Vertreter Kephisodotos, Timotheus, Briaxis, Leochares waren, die das Wesen der Bildhauerei und Kunst im Allgemeinen dieser Zeit bestimmte.

Der allgemeine Charakter der Skulptur und Kunst der Spätklassik wurde hauptsächlich durch die schöpferische Tätigkeit realistischer Künstler bestimmt. Die führenden und größten Vertreter dieser Strömung waren Scopas, Praxiteles und Lysippos. Die realistische Richtung wurde nicht nur in der Bildhauerei, sondern auch in der Malerei (Apelles) weit verbreitet.

Die Ästhetik des Aristoteles war eine theoretische Verallgemeinerung der Errungenschaften der realistischen Kunst seiner Zeit. Es war im 4. Jahrhundert. Chr In den ästhetischen Aussagen des Aristoteles erhielten die Prinzipien des Realismus der Spätklassik eine konsequente und detaillierte Begründung.

Der Gegensatz zweier Richtungen in der Kunst des 4. Jahrhunderts. Chr erschien nicht sofort. Zunächst waren diese Richtungen in der Kunst des frühen 4. Jahrhunderts, in der Zeit des Übergangs von der Hochklassik zur Spätklassik, im Werk desselben Meisters teilweise widersprüchlich miteinander verflochten. So hatte die Kunst von Kephisodotos ein Interesse an der lyrischen Stimmung der Seele (die im Werk von Kephisodotos‘ Sohn, dem großen Praxiteles, weiterentwickelt wurde) und gleichzeitig Merkmale von bewusster Schönheit, äußerer Auffälligkeit und Eleganz. Die Statue von Kephisodotus „Eirene mit Plutos“, die die Göttin des Friedens mit dem Gott des Reichtums in ihren Armen darstellt, vereint neue Merkmale – eine Genreinterpretation der Handlung, ein sanftes lyrisches Gefühl – mit einer zweifellosen Tendenz, das Bild zu idealisieren und zu idealisieren seine äußere, etwas sentimentale Interpretation.

Einer der ersten Bildhauer, dessen Werk von einem neuen Verständnis des Realismus beeinflusst wurde, das sich von den Prinzipien des Realismus des 5. Jahrhunderts unterschied. Chr. gab es Demetrius aus Alopeka, dessen Tätigkeitsanfänge bis zum Ende des 5. Jahrhunderts zurückreichen. Nach allen Berichten war er einer der mutigsten Erneuerer der realistischen griechischen Kunst. Seine ganze Aufmerksamkeit widmete er der Entwicklung von Methoden, um die individuellen Merkmale der porträtierten Person wahrheitsgetreu wiederzugeben.

Meister der Porträtmalerei des 5. Jahrhunderts. In ihren Werken ließen sie jene Details der äußeren Erscheinung einer Person weg, die für die Schaffung eines heroischen Bildes nicht von Bedeutung schienen – Demetrius war der erste in der Geschichte der griechischen Kunst, der den Weg der Affirmation beschritt künstlerischer Wert einzigartige persönliche äußere Merkmale des Erscheinungsbildes einer Person.

Die Vorzüge und gleichzeitig die Grenzen der Kunst des Demetrius lassen sich bis zu einem gewissen Grad anhand der erhaltenen Kopie seines Porträts des Philosophen Antisthenes beurteilen, das um 375 v. Chr. angefertigt wurde. , - einer von neueste Werke Meister, in dem seine realistischen Bestrebungen besonders vollständig zum Ausdruck kamen. Das Gesicht von Antisthenes zeigt deutlich die Merkmale seines spezifischen individuellen Erscheinungsbildes: eine mit tiefen Falten bedeckte Stirn, ein zahnloser Mund, zerzaustes Haar, ein zerzauster Bart, ein Blick, ein wenig Stirnrunzeln. Dieses Porträt enthält jedoch keine komplexen psychologischen Merkmale. Große Erfolge Bei der Entwicklung von Aufgaben wurden die Merkmale der spirituellen Sphäre des Menschen von nachfolgenden Meistern – Scopas, Praxiteles und Lysippos – berücksichtigt.

Der größte Meister der ersten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr war Scopas. Die tragischen Widersprüche seiner Zeit fanden im Werk von Skopas ihren tiefsten künstlerischen Ausdruck. Scopas war eng mit den Traditionen sowohl der peloponnesischen als auch der attischen Schule verbunden und widmete sich der Schaffung monumentaler Heldenbilder. Auf diese Weise schien er die Traditionen der hohen Klassiker fortzusetzen. Die Kreativität von Skopas verblüfft durch ihren enormen Inhalt und ihre Vitalität. Die Helden von Skopas sind wie die Helden der großen Klassiker weiterhin die Verkörperung der schönsten Eigenschaften starker und tapferer Menschen. Sie unterscheiden sich jedoch von den Bildern hoher Klassiker durch die stürmische dramatische Spannung aller spirituellen Kräfte. Eine Heldentat hat nicht mehr den Charakter einer Tat, die für jeden würdigen Polisbürger selbstverständlich ist. Die Helden von Skopas stehen in einer ungewöhnlichen Spannung. Ein Ansturm von Leidenschaft stört die harmonische Klarheit, die für hohe Klassiker charakteristisch ist, verleiht Skopas‘ Bildern jedoch enormen Ausdruck, einen Hauch persönlicher, leidenschaftlicher Erfahrung.

Gleichzeitig führte Skopas in die klassische Kunst das Motiv des Leidens ein, eines inneren tragischen Zusammenbruchs, der indirekt die tragische Krise ethischer und ästhetischer Ideale widerspiegelt, die während der Blütezeit der Polis entstanden sind.

Während seiner fast fünfzigjährigen Tätigkeit war Skopas nicht nur als Bildhauer, sondern auch als Architekt tätig. Von seinem Werk ist uns nur sehr wenig überliefert. Vom Athene-Tempel in Tegea, der in der Antike für seine Schönheit berühmt war, sind nur dürftige Fragmente erhalten, aber selbst an ihnen kann man den Mut und die Tiefe der Kreativität des Künstlers beurteilen. Neben dem Gebäude selbst vollendete Skopas auch den skulpturalen Entwurf. Der westliche Giebel zeigte Szenen der Schlacht zwischen Achilles und Telephus im Caica-Tal, und der östliche Giebel zeigte die Jagd von Meleager und Atalanta auf den kaledonischen Eber.

Der Kopf eines verwundeten Kriegers vom Westgiebel scheint im Hinblick auf die allgemeine Interpretation der Bände Polykletus nahe zu stehen. Aber die schnelle, erbärmliche Drehung des zurückgeworfenen Kopfes, das scharfe und unruhige Spiel des Hell-Dunkels, die schmerzhaft hochgezogenen Augenbrauen, der halb geöffnete Mund verleihen ihr eine so leidenschaftliche Ausdruckskraft und Dramatik der Erfahrung, die die hohen Klassiker nicht kannten. Ein charakteristisches Merkmal dieses Kopfes ist die Verletzung der harmonischen Gesichtsstruktur, um die Stärke der mentalen Anspannung hervorzuheben. Die Scheitelpunkte der Augenbrauenbögen und des oberen Augapfelbogens fallen nicht zusammen, wodurch eine Dissonanz voller Dramatik entsteht. Es wurde ganz deutlich von den alten Griechen erfasst, deren Auge für die subtilsten Nuancen der plastischen Form empfänglich war, insbesondere wenn sie eine semantische Bedeutung hatten.

Es ist charakteristisch, dass Skopas der erste unter den Meistern der griechischen Klassik war, der Marmor stark bevorzugte und die Verwendung von Bronze, dem Lieblingsmaterial der Meister der hohen Klassik, insbesondere Myron und Polykletus, fast aufgab. Tatsächlich war Marmor, der ein warmes Licht- und Schattenspiel erzeugt und so subtile oder scharfe Texturkontraste ermöglicht, Skopas Werk näher als Bronze mit seinen klar gegossenen Formen und klaren Silhouettenkanten.

Die marmorne „Mänade“, die uns in einer kleinen, beschädigten antiken Kopie überliefert ist, verkörpert das Bild eines Mannes, der von einem heftigen Impuls der Leidenschaft besessen ist. Es ist nicht die Verkörperung des Bildes eines Helden, der seine Leidenschaften souverän meistern kann, sondern die Offenbarung einer außergewöhnlichen ekstatischen Leidenschaft, die einen Menschen erfasst, die charakteristisch für „The Maenad“ ist. Interessant ist, dass die Mänade von Skopas im Gegensatz zu den Skulpturen des 5. Jahrhunderts so gestaltet ist, dass sie von allen Seiten betrachtet werden kann.

Der Tanz der betrunkenen Mänade ist schnell. Ihr Kopf ist zurückgeworfen, ihr aus der Stirn zurückgeworfenes Haar fällt in einer schweren Welle auf ihre Schultern. Die Bewegung scharf geschwungener Falten eines kurzen Chiton-Schnitts an der Seite betont den heftigen Impuls des Körpers.

Der uns überlieferte Vierzeiler eines unbekannten griechischen Dichters vermittelt gut die allgemeine figurative Struktur von „Mänade“:

Der Parian-Stein ist ein Bacchant. Doch der Bildhauer gab dem Stein eine Seele.
Und betrunken wie sie war, sprang sie auf und begann zu tanzen.
Nachdem er diese Mänade in einer Raserei mit einer getöteten Ziege erschaffen hatte,
Du hast mit vergötternden Schnitzereien ein Wunder geschaffen, Skopas.

Zu den Werken des Skopas-Kreises gehört auch eine Statue von Meleager, dem Helden der mythischen Jagd auf den kaledonischen Eber. Nach dem Proportionssystem handelt es sich bei der Statue um eine Art Überarbeitung des Kanons des Polyklet. Allerdings betonte Skopas scharf die Schnelligkeit von Meleagers Kopf und verstärkte dadurch den pathetischen Charakter des Bildes. Skopas verlieh den Körperproportionen mehr Harmonie. Die Interpretation der Gesichts- und Körperformen, die im Allgemeinen schön, aber nervöser ausdrucksvoller als die von Polykleitos ist, zeichnet sich durch ihre Emotionalität aus. Scopas vermittelte in Meleager einen Zustand der Angst und Besorgnis. Für Skopas stellt sich heraus, dass das Interesse am direkten Ausdruck der Gefühle des Helden hauptsächlich mit einer Verletzung der Integrität und Harmonie der spirituellen Welt des Menschen verbunden ist.

Der Skopas-Meißel besitzt offenbar einen wunderschönen Grabstein – einen der am besten erhaltenen aus der ersten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr Dies ist der „Grabstein einer Jugend“, der am Fluss Ilissa gefunden wurde. Es unterscheidet sich von den meisten Reliefs dieser Art durch die besondere Dramatik des darin dargestellten Dialogs. Und der junge Mann, der die Welt verlassen hat, und der bärtige alte Mann, der sich traurig und nachdenklich von ihm verabschiedet und die Hand an die Lippen hebt, und die gebeugte Gestalt eines sitzenden, schlafenden Jungen, der den Tod verkörpert – sie alle sind nicht nur durchdrungen von der für griechische Grabsteine ​​typischen klaren und ruhigen Reflexion, zeichnen sich jedoch durch eine besondere vitale Tiefe und Gefühlsstärke aus.

Eine der bemerkenswertesten und neuesten Kreationen von Skopas sind seine Reliefs, die den Kampf der Griechen mit den Amazonen darstellen und für das Mausoleum von Halikarnassos angefertigt wurden.

Der große Meister wurde eingeladen, zusammen mit anderen griechischen Bildhauern – Timotheus, Briaxis und dem damals jungen Leochares – an diesem grandiosen Werk teilzunehmen. Der künstlerische Stil von Skopas unterschied sich deutlich von diesen künstlerische Mittel, die von seinen Kameraden verwendet wurden, und dies ermöglicht es uns, die von ihm geschaffenen Reliefs im erhaltenen Band des Frieses des Mausoleums hervorzuheben.

Der Vergleich mit dem Fries der Großen Panathenäen des Phidias lässt besonders deutlich erkennen, was für das Neue charakteristisch ist, das für den Halikarnassianischen Fries des Skopas charakteristisch ist. Die Bewegung der Figuren im Panathenäischen Fries entwickelt sich in ihrer ganzen Lebensvielfalt allmählich und konsequent. Das gleichmäßige Wachstum, der Höhepunkt und der Abschluss der Prozessionsbewegung erwecken den Eindruck eines vollständigen und harmonischen Ganzen. In der halikarnassischen „Amazonomachie“ wird die gleichmäßig und allmählich zunehmende Bewegung durch einen Rhythmus betont kontrastierender Gegensätze, plötzlicher Pausen und scharfer Bewegungsausbrüche ersetzt. Kontraste aus Licht und Schatten sowie flatternde Falten der Kleidung betonen die Gesamtdramatik der Komposition. „Amazonomachy“ fehlt das erhabene Pathos hoher Klassiker, aber das Aufeinanderprallen der Leidenschaften und die Heftigkeit des Kampfes werden mit außergewöhnlicher Kraft dargestellt. Dies wird durch den Kontrast zwischen den schnellen Bewegungen starker, muskulöser Krieger und schlanken, leichten Amazonen erleichtert.

Die Komposition des Frieses basiert auf der freien Platzierung immer neuer Gruppen in seinem gesamten Feld, die in verschiedenen Versionen das gleiche Thema eines gnadenlosen Kampfes wiederholen. Besonders ausdrucksstark ist das Relief, in dem ein griechischer Krieger, der seinen Schild nach vorne schiebt, mit einer Axt auf eine schlanke, halbnackte Amazone einschlägt, die sich zurücklehnt und ihre Arme erhebt, und in der nächsten Gruppe desselben Reliefs wird dieses Motiv weiterentwickelt : der Amazonas fiel; Sie stützt ihren Ellbogen auf den Boden und versucht mit ihrer schwächelnden Hand den Schlag des Griechen abzuwehren, der der verwundeten Frau gnadenlos den Garaus macht.

Das Relief ist prächtig und zeigt einen stark zurückgelehnten Krieger, der versucht, dem Ansturm einer Amazone zu widerstehen, die mit einer Hand ihren Schild ergriff und mit der anderen einen tödlichen Schlag versetzte. Links von dieser Gruppe ist eine Amazone zu sehen, die auf einem heißen Pferd reitet. Sie sitzt zurückgedreht und wirft offenbar einen Pfeil auf den Feind, der sie verfolgt. Das Pferd rennt fast über den zurückgelehnten Krieger. Das scharfe Zusammentreffen gegensätzlicher Bewegungen der Reiterin und des Kriegers und die ungewöhnliche Landung der Amazone verstärken mit ihren Kontrasten die Gesamtdramatik der Komposition.

Die Figur des Wagenlenkers auf dem uns überlieferten Fragment der dritten Platte des Skopas-Frieses ist voller außergewöhnlicher Kraft und Spannung.

Die Kunst von Skopas hatte großen Einfluss sowohl auf die zeitgenössische als auch auf die spätere griechische Kunst. Unter dem direkten Einfluss von Skopas schuf beispielsweise Pytheas (einer der Erbauer des Halikarnassos-Mausoleums) eine monumentale Skulpturengruppe von Mausolos und seiner Frau Artemisia, die auf der Quadriga an der Spitze des Mausoleums stand. Die etwa 3 m hohe Statue des Mausolos verbindet wahrhaft griechische Klarheit und Harmonie in der Gestaltung von Proportionen, Kleidungsfalten usw. mit dem Bild des nicht-griechischen Aussehens des Mausolos. Sein breites, strenges, leicht trauriges Gesicht, langes Haar Der lange, wallende Schnurrbart vermittelt nicht nur das einzigartige ethnische Erscheinungsbild eines Vertreters eines anderen Volkes, sondern zeugt auch vom Interesse der Bildhauer dieser Zeit an der Darstellung des spirituellen Lebens eines Menschen. Zum Kreis der Kunst von Skopas zählen die wunderschönen Reliefs auf den Sockeln der Säulen des neuen Artemis-Tempels in Ephesus. Besonders reizvoll ist die sanfte und nachdenkliche Figur des geflügelten Genies.

Von Scopas' jüngeren Zeitgenossen war nur der Einfluss des attischen Meisters Praxiteles so nachhaltig und tiefgreifend wie der von Scopas.

Im Gegensatz zur stürmischen und tragischen Kunst von Skopas wendet sich Praxiteles in seinem Werk Bildern zu, die vom Geist klarer und reiner Harmonie und ruhiger Nachdenklichkeit durchdrungen sind. Die Helden von Skopas werden fast immer in stürmischer und rasanter Aktion dargestellt, die Bilder von Praxiteles sind meist von einer Stimmung klarer und gelassener Kontemplation durchdrungen. Und doch ergänzen sich Scopas und Praxiteles. Obwohl auf unterschiedliche Weise, schaffen sowohl Scopas als auch Praxiteles Kunst, die den Zustand der Dinge offenbart menschliche Seele, menschliche Gefühle. Wie Scopas sucht Praxiteles nach Möglichkeiten, den Reichtum und die Schönheit des spirituellen Lebens eines Menschen zu offenbaren, ohne über das allgemeine Bild hinauszugehen wundervoller Mensch ohne einzigartige individuelle Merkmale. Die Statuen des Praxiteles stellen einen Mann dar, der ideal schön und harmonisch entwickelt ist. In dieser Hinsicht ist Praxiteles enger mit den Traditionen der hohen Klassiker verbunden als Scopas. Darüber hinaus zeichnen sich die besten Kreationen von Praxiteles durch noch größere Anmut und subtilere Vermittlung von Nuancen des spirituellen Lebens aus als viele Werke hoher Klassiker. Doch ein Vergleich eines Werkes von Praxiteles mit solchen Meisterwerken hoher Klassiker wie den „Moiras“ zeigt deutlich, dass die Errungenschaften der Kunst von Praxiteles um den hohen Preis erkauft wurden, den Geist heroischer Lebensbejahung, diese Kombination aus monumentaler Größe und zu verlieren natürliche Einfachheit, die in den Werken der Blütezeit erreicht wurde.

Frühe Werke Praxiteles wird immer noch direkt mit Beispielen hochklassischer Kunst in Verbindung gebracht. So verwendet Praxiteles in „Der Satyr, der Wein gießt“ den polykleitanischen Kanon. Obwohl uns der Satyr in mittelmäßigen römischen Kopien überliefert ist, geht aus diesen Kopien dennoch klar hervor, dass Praxiteles die majestätische Strenge des Kanons des Polykletos abgemildert hat. Die Bewegung des Satyrs ist anmutig, seine Figur ist schlank.

Die Arbeit reifer Stil Praxiteles (ca. 350 v. Chr.) ist sein „ruhender Satyr“. Der Satyr des Praxiteles ist ein eleganter, nachdenklicher junger Mann. Das einzige Detail im Aussehen eines Satyrs, das an seine „mythologische“ Herkunft erinnert, sind seine scharfen „Satyr“-Ohren. Allerdings sind sie fast unsichtbar, da sie in den weichen Locken seines dichten Haares verloren gehen. Der gutaussehende junge Mann lehnte sich ausruhend lässig an einen Baumstamm. Subtile Modellierungen sowie sanft über die Körperoberfläche gleitende Schatten erzeugen ein Gefühl des Atmens, einen Nervenkitzel des Lebens. Das über die Schulter geworfene Luchsfell unterstreicht mit seinen schweren Falten und der rauen Textur die außergewöhnliche Vitalität und Wärme des Körpers. Seine tiefliegenden Augen blicken aufmerksam auf die Welt um ihn herum, auf seinen Lippen liegt ein sanftes, leicht verschmitztes Lächeln und in seiner rechten Hand hält er die Flöte, die er gerade gespielt hat.

Praxiteles‘ Meisterschaft kam am deutlichsten in seinen Werken „Hermes ruht mit dem Kind Dionysos“ und „Aphrodite von Knidos“ zum Ausdruck.

Hermes wird dargestellt, wie er während seiner Reise anhält. Er lehnt lässig an einem Baumstamm. In der nicht erhaltenen Hand seiner rechten Hand hielt Hermes offenbar eine Weintraube, nach der das Baby Dionysos greift (seine Proportionen sind, wie bei Kinderbildern in der klassischen Kunst üblich, nicht kindlich). Die künstlerische Perfektion dieser Statue liegt in der Lebendigkeit des Bildes, erstaunlich in seinem Realismus, im Ausdruck tiefer und subtiler Spiritualität, die der Bildhauer dem schönen Gesicht von Hermes verleihen konnte.

Die Fähigkeit von Marmor, ein sanft schimmerndes Spiel aus Licht und Schatten zu erzeugen, feinste Strukturnuancen und alle Schattierungen in der Bewegung der Form zu vermitteln, wurde erstmals von Praxiteles mit solcher Geschicklichkeit entwickelt. Indem er die künstlerischen Möglichkeiten des Materials auf brillante Weise nutzt und sie der Aufgabe einer äußerst lebendigen, vergeistigten Offenbarung der Schönheit des Bildes einer Person unterordnet, vermittelt Praxiteles den ganzen Adel der Bewegung der starken und anmutigen Figur des Hermes, die elastische Flexibilität der Muskeln, die Wärme und elastische Weichheit des Körpers, das malerische Schattenspiel in seinem lockigen Haar, die Tiefe seines nachdenklichen Blicks.

In Aphrodite von Knidos stellte Praxiteles eine schöne nackte Frau dar, die ihre Kleidung ausgezogen hatte und bereit war, ins Wasser zu gehen. Die spröden, schweren Falten abgelegter Kleidung mit einem scharfen Licht- und Schattenspiel betonen die schlanken Formen des Körpers, seine ruhigen und sanften Bewegungen. Obwohl die Statue für religiöse Zwecke gedacht war, enthält sie nichts Göttliches – es handelt sich lediglich um eine wunderschöne irdische Frau. Der nackte weibliche Körper erregte, obwohl selten, die Aufmerksamkeit von Bildhauern bereits hoher Klassiker („Flötistin“ vom Thron von Ludovisi, „Verwundete Niobis“ vom Badmuseum usw.), aber zum ersten Mal eine nackte Göttin wurde zum ersten Mal in einer Statue dargestellt, die für ihren Zweck Kult war, und das Bild war so frei von jeglicher Feierlichkeit und Majestät des Charakters. Das Erscheinen einer solchen Statue war nur möglich, weil die alten mythologischen Vorstellungen endgültig ihre Bedeutung verloren hatten und weil für die Griechen des 4. Jahrhunderts. Chr Der ästhetische Wert und die lebendige Ausdruckskraft eines Kunstwerks schienen wichtiger zu sein als seine Übereinstimmung mit den Anforderungen und Traditionen des Kults. Der römische Wissenschaftler Plinius beschreibt die Entstehungsgeschichte dieser Statue wie folgt:

Vor allem die Werke nicht nur von Praxiteles, sondern allgemein im Universum existierend, ist die Venus seines Werkes. Um sie zu sehen, schwammen viele nach Knidus. Praxiteles fertigte und verkaufte gleichzeitig zwei Venusstatuen, aber eine war mit Kleidung bedeckt – sie wurde von den Einwohnern von Kos bevorzugt, die das Recht hatten zu wählen. Praxiteles verlangte für beide Statuen den gleichen Preis. Aber die Einwohner von Kos erkannten diese Statue als ernst und bescheiden an; Die Knidier kauften, was sie ablehnten. Und ihr Ruhm war unermesslich höher. König Nikomedes wollte es daraufhin von den Knidiern kaufen und versprach, dem Staat Knidien alle hohen Schulden zu erlassen. Aber die Knidier zogen es vor, alles zu versetzen, anstatt sich von der Statue zu trennen. Und das nicht umsonst. Schließlich hat Praxiteles mit dieser Statue den Ruhm von Knidos geschaffen. Das Gebäude, in dem sich diese Statue befindet, ist vollständig offen und kann daher von allen Seiten betrachtet werden. Darüber hinaus glauben sie, dass diese Statue mit der günstigen Beteiligung der Göttin selbst erbaut wurde. Und einerseits ist die Freude, die es hervorruft, nicht geringer...

Aphrodite von Knidos führte vor allem in der hellenistischen Zeit zu zahlreichen Wiederholungen und Nachahmungen. Keines davon konnte jedoch mit dem Original mithalten. Spätere Nachahmer sahen in Aphrodite nur das sinnliche Abbild eines schönen weiblichen Körpers. Tatsächlich ist der wahre Inhalt dieses Bildes viel bedeutsamer. „Aphrodite von Knidos“ verkörpert die Bewunderung für die Vollkommenheit der körperlichen und geistigen Schönheit des Menschen.

„Knidian Aphrodite“ ist in zahlreichen Kopien und Versionen überliefert, einige davon stammen aus der Zeit des Praxiteles. Die besten davon sind nicht die Kopien des Vatikanischen und des Münchner Museums, in denen die Figur der Aphrodite vollständig erhalten blieb (dies sind Kopien von nicht sehr hoher Würde), sondern Statuen wie der neapolitanische „Torso der Aphrodite“, voller erstaunlicher Vitalität Charme, oder der wundervolle Kopf der sogenannten „Kaufmans Aphrodite“, in dem Praxiteles‘ charakteristischer nachdenklicher Blick und die sanfte Zärtlichkeit des Gesichtsausdrucks perfekt zum Ausdruck kommen. Auch der Torso von Chwoschtschinskis Aphrodite, einem der schönsten Monumente der Antiquitätensammlung des Puschkin-Museums der Schönen Künste, geht auf Praxiteles zurück.

Die Bedeutung der Kunst von Praxiteles lag auch darin, dass einige seiner Werke zu mythologischen Themen traditionelle Bilder in die Sphäre des alltäglichen Lebens übertrugen. Die Statue von „Apollo Saurocton“ stellt im Wesentlichen nur einen griechischen Jungen dar, der seine Beweglichkeit übt: Er versucht, eine laufende Eidechse mit einem Pfeil zu durchbohren. In der Anmut dieses schlanken jungen Körpers liegt nichts Göttliches, und der Mythos selbst hat ein so unerwartetes genrelyrisches Umdenken erfahren, dass vom früheren traditionellen griechischen Apollonbild nichts mehr übrig ist.

„Artemis from Gabii“ zeichnet sich durch die gleiche Anmut aus. Die junge Griechin, die mit einer natürlichen, freien Geste die Kleidung auf ihrer Schulter zurechtrückt, sieht überhaupt nicht wie die strenge und stolze Göttin, die Schwester von Apollo, aus.

Die Werke des Praxiteles fanden große Anerkennung, was sich insbesondere darin äußerte, dass sie in kleinen Terrakottaplastiken in endlosen Variationen wiederholt wurden. In ihrer gesamten Struktur stehen beispielsweise die wunderbare Tanagerfigur eines in einen Umhang gehüllten Mädchens und viele andere (z. B. „Aphrodite in der Muschel“) der „Artemis von Gabii“ nahe. In diesen Werken bescheidener Meister, die uns namentlich unbekannt blieben, lebten die besten Traditionen der Kunst des Praxiteles weiter; die für sein Talent charakteristische subtile Poesie des Lebens ist in ihnen unvergleichlich erhalten in einem größeren Ausmaß als in unzähligen kalt-niedlichen oder mürrisch-sentimentalen Bemerkungen berühmte Meister Hellenistische und römische Skulptur.

Auch einige Statuen aus der Mitte des 4. Jahrhunderts sind von großem Wert. Chr von unbekannten Meistern hergestellt. Sie kombinieren und variieren auf einzigartige Weise die realistischen Entdeckungen von Scopas und Praxiteles. Dies ist beispielsweise eine Bronzestatue einer Ephebe, die im 20. Jahrhundert gefunden wurde. im Meer bei Marathon („Der junge Mann aus Marathon“). Diese Statue ist ein Beispiel für die Bereicherung der Bronzetechnik mit allen Bild- und Strukturtechniken der praxitelischen Kunst. Der Einfluss von Praxiteles spiegelte sich hier sowohl in der Anmut der Proportionen als auch in der Zärtlichkeit und Nachdenklichkeit des gesamten Erscheinungsbildes des Jungen wider. Auch der „Kopf des Eubouleus“ gehört zum Kreis des Praxiteles und zeichnet sich nicht nur durch seine Details, insbesondere das hervorragend wiedergegebene gewellte Haar, sondern vor allem auch durch seine spirituelle Feinheit aus.

In den Werken von Skopas und Praxiteles fanden sie ihre anschaulichste und vollständigste Lösung für die Probleme, mit denen die Kunst der ersten Hälfte des 4. Jahrhunderts konfrontiert war. Ihre Arbeit war trotz ihres innovativen Charakters immer noch eng mit den Prinzipien der Kunst der hohen Klassiker verbunden. In der Kunstkultur der zweiten Jahrhunderthälfte und insbesondere des letzten Drittels wird die Verbindung zu den Traditionen der Hochklassik weniger direkt und geht teilweise verloren.

In diesen Jahren erlangte Mazedonien, unterstützt von großen Sklavenhaltern mehrerer führender Politiker, die Hegemonie in griechischen Angelegenheiten.

Anhänger der alten Demokratie, Verteidiger der Unabhängigkeit und Freiheiten der Polis erlitten trotz ihres heldenhaften Widerstands eine entscheidende Niederlage. Diese Niederlage war historisch unvermeidlich, da die Polis und ihre politische Struktur nicht die notwendigen Voraussetzungen für die weitere Entwicklung einer Sklavenhaltergesellschaft boten. Es gab keine historischen Voraussetzungen für eine erfolgreiche Sklavenrevolution und die Beseitigung der Grundlagen des Sklavensystems. Darüber hinaus dachten selbst die konsequentesten Verteidiger der alten Freiheiten der Polis und Feinde der mazedonischen Expansion, wie der berühmte athenische Redner Demosthenes, überhaupt nicht an den Sturz des Sklavensystems und äußerten nur die Interessen breiter Teile der freier Teil der Bevölkerung, der sich den Prinzipien der alten Sklavendemokratie verpflichtet. Daher der historische Untergang ihrer Sache. Letzte Jahrzehnte des 4. Jahrhunderts v. Chr waren nicht nur die Ära, die zur Errichtung der mazedonischen Hegemonie in Griechenland führte, sondern auch die Ära der siegreichen Feldzüge Alexanders des Großen nach Osten (334 - 325 v. Chr.), die begann neues Kapitel in der Geschichte der antiken Gesellschaft - der sogenannte Hellenismus.

Natürlich konnte der Übergangscharakter dieser Zeit, der Zeit des radikalen Zusammenbruchs des Alten und der Geburt des Neuen, nicht umhin, sich in der Kunst widerzuspiegeln.

In der künstlerischen Kultur jener Jahre gab es einen Kampf zwischen der vom Leben abstrahierten falschklassischen Kunst und der realistischen, fortgeschrittenen Kunst, die auf der Grundlage der Verarbeitung der Traditionen des klassischen Realismus versuchte, Mittel zur künstlerischen Reflexion eines zu finden Realität, die bereits eine andere war als im 5. Jahrhundert.

In diesen Jahren offenbarte die idealisierende Richtung in der Kunst der Spätklassik besonders deutlich ihren antirealistischen Charakter. Tatsächlich kam es bereits in der ersten Hälfte des 4. Jahrhunderts zu völliger Isolation vom Leben. Chr Werke der idealisierenden Richtung zeichnen sich durch kalte Abstraktion und Künstlichkeit aus. In den Werken solcher Meister der ersten Hälfte des Jahrhunderts, wie Kephisodotus, dem Autor der Statue „Eirene mit Plutos“, kann man sehen, wie die klassischen Traditionen nach und nach ihres lebenswichtigen Inhalts beraubt wurden. Das Können eines Bildhauers der idealisierenden Richtung lief manchmal auf eine virtuose Beherrschung formaler Techniken hinaus, die es ermöglichte, Werke zu schaffen, die zwar äußerlich schön waren, aber im Wesentlichen ohne echte lebensnahe Überzeugungskraft.

In der Mitte des Jahrhunderts und insbesondere in der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts entwickelte sich dieser im Wesentlichen aufgeschlossene konservative Trend besonders weit verbreitet. Künstler dieser Bewegung beteiligten sich an der Schaffung kalter, feierlicher offizieller Kunst, die die neue Monarchie schmücken und verherrlichen und die antidemokratischen ästhetischen Ideale großer Sklavenhalter bekräftigen sollte. Diese Trends spiegelten sich ganz deutlich in den individuell dekorativen Reliefs wider, die Timotheus, Briaxis und Leochares Mitte des Jahrhunderts für das Mausoleum von Halikarnassos anfertigten.

Die Kunst der falschklassischen Richtung kam am deutlichsten im Werk von Leochares zum Ausdruck, einem gebürtigen Athener, der zum Hofkünstler Alexanders des Großen wurde. Er war es, der für das Philippeion eine Reihe von Chrysoelefantenstatuen der Könige der mazedonischen Dynastie schuf. Kalt und üppig, klassizistisch, das heißt äußerlich klassische Formen nachahmend, befriedigte der Stil von Leochars Werken die Bedürfnisse der aufstrebenden Monarchie Alexanders. Eine Vorstellung vom Stil der Werke von Leochares, die dem Lob der mazedonischen Monarchie gewidmet sind, vermittelt uns eine römische Kopie seines Heldentums Porträtbild Alexander der Große. Die nackte Figur Alexanders hatte einen abstrakt idealen Charakter.

Auch seine Skulpturengruppe „Vom Adler des Zeus entführter Ganymed“ war äußerlich dekorativ, wobei eine zuckersüße Idealisierung der Figur Ganymeds auf besondere Weise mit dem Interesse an der Darstellung von Genre- und Alltagsmotiven (ein Hund, der einen Adler anbellt, eine von Ganymed fallen gelassene Flöte) verknüpft war ).

Das bedeutendste unter Leochares Werken war die Apollo-Statue – der berühmte „Apollo Belvedere“ („Apollo Belvedere“ ist der Name der erhaltenen römischen Marmorkopie von Leochares Bronzeoriginal, die sich einst im vatikanischen Belvedere (offene Loggia) befand )).

Mehrere Jahrhunderte lang galt das Apollo Belvedere als Verkörperung der besten Qualitäten der klassischen griechischen Kunst. Weite Bekanntheit erlangten sie jedoch im 19. Jahrhundert. Werke echter Klassiker, insbesondere die Skulpturen des Parthenon, machten die völlige Relativität des ästhetischen Wertes des Apollo Belvedere deutlich. Natürlich zeigte sich Leochard in diesem Werk als Künstler, der die Technik seines Handwerks meisterhaft beherrschte und als subtiler Kenner der Anatomie. Allerdings ist das Bild von Apollo eher äußerlich spektakulär als innerlich bedeutsam. Die Pracht der Frisur, die arrogante Drehung des Kopfes und die bekannte Theatralik der Geste sind den wahren Traditionen der Klassiker zutiefst fremd.

Auch die berühmte Statue der „Artemis von Versailles“, voller kalter, etwas arroganter Erhabenheit, steht dem Kreis des Leochares nahe.

Der größte realistische Künstler dieser Zeit war Lysippos. Natürlich unterschied sich der Realismus von Lysippos erheblich sowohl von den Prinzipien des hochklassischen Realismus als auch von der Kunst seiner unmittelbaren Vorgänger – Scopas und Praxiteles. Allerdings ist hervorzuheben, dass Lysippos sehr eng mit den Traditionen der Kunst des Praxiteles und insbesondere Scopas verbunden war. In der Kunst von Lysippos, dem letzten großen Meister der Spätklassik, sowie im Werk seiner Vorgänger wurde die Aufgabe der Offenlegung der inneren Welt menschlicher Erfahrungen und einer gewissen Individualisierung des Menschenbildes gelöst. Gleichzeitig führte Lysippos neue Nuancen in die Lösung dieser künstlerischen Probleme ein und hörte vor allem auf, die Schaffung des Bildes eines perfekten, schönen Menschen als Hauptaufgabe der Kunst zu betrachten. Als Künstler war Lysippos der Ansicht, dass die neuen Bedingungen des gesellschaftlichen Lebens diesem Ideal jede ernsthafte Lebensgrundlage entzogen.

Natürlich versuchte Lysippos, die Traditionen der klassischen Kunst fortzusetzen, ein verallgemeinertes typisches Bild zu schaffen, das die charakteristischen Merkmale eines Mannes seiner Zeit verkörperte. Aber gerade diese Merkmale, die Einstellung des Künstlers zu dieser Person waren bereits deutlich anders.

Erstens findet Lysippos die Grundlage für die Darstellung des Typischen im Menschenbild nicht in jenen Merkmalen, die einen Menschen als Mitglied eines Kollektivs freier Polisbürger, als harmonisch entwickelte Persönlichkeit charakterisieren, sondern in den Merkmalen seines Zeitalters , Beruf, Zugehörigkeit zu dem einen oder anderen psychologischen Charakter . Obwohl sich Lysippos also nicht dem Bild einer einzelnen Persönlichkeit in seiner ganzen einzigartigen Originalität zuwendet, zeichnen sich seine typischerweise verallgemeinerten Bilder durch eine größere Vielfalt aus als die Bilder hoher Klassiker. Ein besonders wichtiges neues Merkmal im Werk von Lysippos ist das Interesse daran, das charakteristisch Ausdrucksstarke und nicht das Ideal Perfekte im Bild einer Person zu offenbaren.

Zweitens betont Lysippos in seinen Werken gewissermaßen den Moment der persönlichen Wahrnehmung und versucht, seine emotionale Einstellung zum dargestellten Ereignis zu vermitteln. Laut Plinius sagte Lysippos, wenn die Alten die Menschen so darstellten, wie sie wirklich waren, dann stellte er, Lysippos, die Menschen so dar, wie sie zu sein schienen.

Charakteristisch für Lysippos war auch die Erweiterung des traditionellen Gattungsrahmens der klassischen Bildhauerei. Er schuf viele riesige Monumentalstatuen, die große Plätze schmücken und einen eigenständigen Platz im Stadtensemble einnehmen sollten. Die berühmteste war die grandiose, 20 m hohe Bronzestatue des Zeus, die der Entstehung kolossaler Statuen vorausging, die für die Kunst des 3. bis 2. Jahrhunderts typisch waren. Chr Die Schaffung einer solch riesigen Bronzestatue war nicht nur dem Wunsch der damaligen Kunst nach der übernatürlichen Größe und Kraft ihrer Bilder zu verdanken, sondern auch dem Wachstum des Ingenieurs- und Mathematikwissens. Bezeichnend ist Plinius‘ Bemerkung über die Zeusstatue: „Das Erstaunliche an ihr ist, dass sie, wie man sagt, durch ihre Hand in Bewegung gesetzt werden kann, aber kein Sturm sie erschüttern kann: Das ist die Berechnung ihres Gleichgewichts.“ Lysippos wandte sich neben dem Bau riesiger Statuen auch der Schaffung kleiner, kammergroßer Figuren zu, die Eigentum einer Einzelperson und nicht öffentlich zugänglich waren. Hierbei handelt es sich um eine Tischfigur, die einen sitzenden Herkules darstellt, der Alexander dem Großen persönlich gehörte. Neu war auch Lysippos‘ Ansatz, große mehrfigurige Kompositionen zu modernen historischen Themen in Rundskulpturen zu entwickeln, was das Spektrum der künstlerischen Möglichkeiten der Skulptur sicherlich erweiterte. Also zum Beispiel berühmte Gruppe„Alexander in der Schlacht von Granicus“ bestand aus fünfundzwanzig kämpfenden berittenen Figuren.

Zahlreiche römische Kopien seiner Werke geben uns eine ziemlich klare Vorstellung von der Natur der Kunst von Lysippos.

Lysippos‘ Verständnis des Menschenbildes wurde in seinem in der Antike berühmten Werk besonders anschaulich zum Ausdruck gebracht Bronzestatue„Apoxyomenes.“ Lysippos stellte einen jungen Mann dar, der während eines Sportwettkampfs mit einem Schaber den Arenasand entfernte, der an seinem Körper haften geblieben war. In dieser Statue brachte der Künstler sehr ausdrucksstark den Zustand der Müdigkeit zum Ausdruck, der den jungen Mann nach dem Stress des Kampfes erfasste. Eine solche Interpretation des Bildes eines Sportlers lässt darauf schließen, dass der Künstler entschieden mit den Traditionen der Kunst der griechischen Klassiker bricht, die von dem Wunsch geprägt waren, den Helden entweder in höchster Anspannung aller seiner Kräfte zu zeigen, wie zum Beispiel in den Werken von Skopas, oder mutig und stark, bereit, eine Leistung zu vollbringen, wie zum Beispiel in Polykleitos‘ Doryphoros. In Lysippos ist sein Apoxyomenes frei von jeglichem Heldentum. Aber eine solche Interpretation des Bildes gibt Lysippos die Möglichkeit, beim Betrachter einen direkteren Eindruck vom Leben zu erwecken, dem Bild des Apoxyomenes höchste Überzeugungskraft zu verleihen und keinen Helden, sondern nur einen jungen Sportler zu zeigen.

Es wäre jedoch falsch, daraus zu schließen, dass Lysippos sich weigert, ein typisches Bild zu schaffen. Lysippos stellt es sich zur Aufgabe, die innere Welt eines Menschen zu offenbaren, aber nicht durch die Darstellung der konstanten und stabilen Eigenschaften seines Charakters, wie es die Meister der hohen Klassiker taten, sondern durch die Vermittlung der Erfahrung eines Menschen. In Apoxyomenes möchte Lysippos nicht inneren Frieden und stabiles Gleichgewicht zeigen, sondern einen komplexen und widersprüchlichen Stimmungswechsel. Bereits das Handlungsmotiv, das an den Kampf erinnert, den der junge Mann gerade in der Arena erlebt hatte, gibt dem Betrachter die Möglichkeit, sich die leidenschaftliche Anspannung aller körperlichen und geistigen Kräfte vorzustellen, der dieser schlanke junge Körper standhielt.

Daher die dynamische Schärfe und Komplexität der Komposition. Die gesamte Gestalt des jungen Mannes scheint von unsteten und wechselhaften Bewegungen durchdrungen zu sein. Diese Bewegung ist im Raum frei entfaltet. Der junge Mann stützt sich auf sein linkes Bein; sein rechtes Bein ist nach hinten und zur Seite gestellt; Der von schlanken und kräftigen Beinen leicht zu tragende Körper ist leicht nach vorne geneigt und erhält gleichzeitig eine scharfe Drehung. Für eine besonders komplexe Wendung sorgt sein ausdrucksstarker Kopf, der auf einem kräftigen Hals sitzt. Der Kopf von Apoxyomenes ist nach rechts gedreht und gleichzeitig leicht zur linken Schulter geneigt. Schattierte und tiefliegende Augen blicken müde in die Ferne. Die Haare waren in unruhig verstreuten Strähnen zusammengeklebt.

Komplexe Winkel und Drehungen der Figur regen den Betrachter zur Suche nach immer neuen Blickwinkeln an, in denen sich immer mehr ausdrucksstarke Nuancen in der Bewegung der Figur offenbaren. In diesem Merkmal spiegelt sich die tiefe Originalität von Lysippovs Verständnis der Möglichkeiten der Sprache der Skulptur wider. In Apoxyomena ist jeder Blickwinkel wesentlich für die Wahrnehmung des Bildes und bringt etwas grundlegend Neues in diese Wahrnehmung ein. So wird beispielsweise der Eindruck der schnellen Energie der Figur bei der frontalen Betrachtung beim Umrunden der Statue nach und nach durch ein Gefühl der Müdigkeit ersetzt. Und erst durch den Vergleich der im Laufe der Zeit wechselnden Eindrücke erhält der Betrachter eine vollständige Vorstellung von der Komplexität und Widersprüchlichkeit des Bildes von Apoxyomenes. Diese von Lysippos entwickelte Methode, ein skulpturales Werk zu umrunden, bereicherte die künstlerische Sprache der Skulptur.

Allerdings wurde der Fortschritt auch hier mit einem hohen Preis erkauft – dem Preis für den Verzicht auf die klare Integrität und Einfachheit der Bilder hoher Klassiker.

In der Nähe von Apoxyomenos befindet sich „Hermes Resting“, geschaffen von Lysippos oder einem seiner Schüler. Hermes schien für einen Moment am Rand einer Klippe zu sitzen. Der Künstler vermittelte hier Ruhe, leichte Müdigkeit und zugleich die Bereitschaft von Hermes, seinen rasanten Flug fortzusetzen. Dem Bild des Hermes mangelt es an tiefem moralischen Inhalt; es enthält weder den klaren Heroismus der Werke des 5. Jahrhunderts noch den leidenschaftlichen Impuls von Skopas, noch die raffinierte Lyrik der praxitelischen Bilder. Andererseits werden die charakteristischen äußeren Merkmale des schnellen und geschickten Götterboten Hermes auf lebendige und ausdrucksstarke Weise vermittelt.

Wie bereits erwähnt, vermittelt Lysippos in seinen Statuen besonders subtil den Moment des Übergangs von einem Zustand in einen anderen: von Aktion zu Ruhe, von Ruhe zu Aktion; Das ist der müde Herkules, der sich auf seine Keule stützt (der sogenannte „Herkules Farnese“). Lysippos zeigt auch ausdrucksstark die Anspannung der menschlichen Körperkraft: In „Herkules überholt die Hirschkuh von Kyrene“ wird die rohe Kraft des übergewichtigen Körpers des Herkules mit außergewöhnlicher Eindringlichkeit der Schlankheit und Anmut der Figur der Hirschkuh gegenübergestellt. Diese Komposition, die uns wie andere Werke von Lysippos in einer römischen Kopie überliefert ist, war Teil einer Reihe von 12 Skulpturengruppen, die die Arbeit des Herkules darstellen. Zur gleichen Serie gehörte auch eine Gruppe mit Darstellungen des Kampfes des Herkules mit dem Löwen von Nemea, die ebenfalls in einer römischen Kopie in der Eremitage überliefert ist.

Das Werk von Lysippos war besonders wichtig für die weitere Entwicklung der griechischen Porträtmalerei. Obwohl Lysippos nicht weiter als Demetrius von Alopeka ging, um die äußeren Merkmale des Dargestellten konkret zu vermitteln, setzte er sich bereits ganz klar und konsequent das Ziel, den allgemeinen Charakter des Dargestellten zu offenbaren. Diesem Grundsatz folgte Lysippos sowohl in der historischen Porträtserie der Sieben Weisen als auch in den Porträts seiner Zeitgenossen.

Somit ist das Bild des Weisen Bias für Lysippos in erster Linie das Bild eines Denkers. Zum ersten Mal in der Kunstgeschichte vermittelt ein Künstler in seinem Werk den eigentlichen Denkprozess, tiefes, konzentriertes Denken. Der leicht gesenkte Kopf von Bias, seine gerunzelten Augenbrauen, sein leicht düsterer Blick, sein fest zusammengepresster, willensstarker Mund, die Haarsträhnen mit ihrem unruhigen Licht- und Schattenspiel – all das erzeugt ein Gefühl allgemeiner verhaltener Spannung. Das Porträt von Euripides, das zweifellos mit dem Kreis des Lysippos in Verbindung gebracht wird, vermittelt ein Gefühl tragischer Angst, Trauer; Gedanke. Vor dem Betrachter steht nicht nur ein weiser und würdevoller Ehemann, wie der Meister der hohen Klassiker Euripides zeigen würde, sondern auch ein Tragiker. Darüber hinaus entspricht Lysippos' Charakterisierung von Euripides dem allgemein bewegten Charakter des Werks des großen dramatischen Dichters.

Die Originalität und Stärke der Porträtmalerei von Lysippos kam am deutlichsten in seinen Porträts von Alexander dem Großen zum Ausdruck. Eine Vorstellung von der in der Antike bekannten Statue, die Alexander in der traditionellen Gestalt eines nackten Heldenathleten darstellt, vermittelt eine kleine Bronzefigur, die im Louvre aufbewahrt wird. Von besonderem Interesse ist der Marmorkopf Alexanders, der von einem hellenistischen Meister nach dem Original von Lysippos angefertigt wurde. Dieser Kopf ermöglicht es, die schöpferische Nähe der Kunst von Lysippos und Skopas zu beurteilen. Gleichzeitig entsteht im Vergleich zu Skopas dieses Porträt Alexanders wichtiger Schritt hin zu einer komplexeren Offenlegung des menschlichen Geisteslebens. Zwar ist Lysippos nicht bestrebt, die äußeren charakteristischen Merkmale von Alexanders Aussehen mit aller Sorgfalt wiederzugeben. In diesem Sinne hat Alexanders Kopf, wie der von Bias, einen idealen Charakter, aber die komplexe widersprüchliche Natur Alexanders wird hier mit außergewöhnlicher Kraft vermittelt.

Eine willensstarke, energische Drehung des Kopfes und scharf zurückgeworfene Haarsträhnen erzeugen ein allgemeines Gefühl eines erbärmlichen Impulses. Andererseits verleihen die traurigen Falten auf der Stirn, der leidende Blick und der gebogene Mund dem Bild Alexanders die Züge tragischer Verwirrung. In diesem Porträt kommt zum ersten Mal in der Kunstgeschichte die Spannung der Leidenschaften und ihr innerer Kampf mit solcher Kraft zum Ausdruck.

Im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts. Chr Im Porträt wurden nicht nur die für Lysippos so charakteristischen Prinzipien der verallgemeinerten psychologischen Ausdruckskraft entwickelt. Neben dieser Richtung gab es noch eine andere Richtung, die darauf abzielte, die äußere Ähnlichkeit eines Porträts, also die Originalität der physischen Erscheinung einer Person, zu vermitteln.

Der bronzene Kopf eines Faustkämpfers aus Olympia, möglicherweise von Lysistratus, dem Bruder von Lysippos, angefertigt, vermittelt präzise und kraftvoll die rohe körperliche Stärke, das primitive spirituelle Leben eines professionellen Kämpfers mittleren Alters und die düstere Düsterkeit seines Charakters. Eine abgeflachte Nase, kleine, weit und tief liegende Augen, breite Wangenknochen – alles in diesem Gesicht spricht von den einzigartigen Merkmalen eines einzelnen Menschen. Bemerkenswert ist jedoch, dass der Meister im individuellen Erscheinungsbild des Modells gerade die Merkmale hervorhebt, die dem allgemeinen Typus des Menschen mit roher Körperkraft und dumpfer Zähigkeit entsprechen. Der Kopf eines Faustkämpfers ist sowohl ein Porträt als auch in noch größerem Maße eine bestimmte menschliche Figur. Dieses ausgeprägte Interesse des Künstlers am Bild, gepaart mit der Schönheit des charakteristischen Hässlichen, ist im Vergleich zu den Klassikern völlig neu. Dem Autor des Porträts geht es überhaupt nicht darum, die hässlichen Seiten des menschlichen Charakters zu bewerten und zu verurteilen. Es gibt sie – und der Künstler stellt sie so genau und ausdrucksstark wie möglich dar; Jegliche Auswahl und Bewertung spielt keine Rolle – das ist der Grundsatz, der in dieser Arbeit deutlich zum Ausdruck kommt.

So ging auch in diesem Bereich der Kunst der Schritt hin zu einer konkreteren Abbildung der Wirklichkeit mit einem Verlust des Verständnisses für den hohen pädagogischen Wert der Kunst einher. Der Kopf eines Faustkämpfers aus Olympia geht in seinem Charakter tatsächlich bereits über die Kunst der Spätklassiker hinaus und ist eng mit der nächsten Entwicklungsstufe der griechischen Kunst verbunden.

Allerdings sollte man das in der Kunst des 4. Jahrhunderts nicht vermuten. Chr Hässliche Typen, hässliche Phänomene des Lebens wurden nicht lächerlich gemacht. Wie im 5. Jahrhundert. Chr. und im 4. Jahrhundert. Tonfiguren karikierten oder grotesken Charakters waren weit verbreitet. In einigen Fällen handelte es sich bei diesen Figuren um Wiederholungen komischer Theatermasken. Zwischen den grotesken Figuren des 5. Jahrhunderts. Chr (besonders häufig in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts entstanden) und Figuren des 4. Jahrhunderts. Chr Es gab einen wichtigen Unterschied. Figuren aus dem 5. Jahrhundert Bei allem Realismus zeichneten sie sich durch eine gewisse Allgemeingültigkeit der Formen aus. Im 4. Jahrhundert. sie hatten einen eher direkt lebensähnlichen, fast genrehaften Charakter. Einige von ihnen waren scharfe und wütende Bilder ausdrucksstarker Typen; ein Geldverleiher, eine böse hässliche alte Frau usw. Die Leningrader Eremitage verfügt über eine reiche Sammlung solcher Tonfiguren.

In der Spätklassik entwickelten sich realistische Maltraditionen des letzten Viertels des 5. Jahrhunderts. Chr Sein Anteil an künstlerisches Leben 4. Jahrhundert Chr war sehr groß.

Der größte unter den Malern der Mitte des 4. Jahrhunderts. Chr Da war Nicias, den Praxiteles besonders schätzte. Wie die meisten Meister seiner Zeit beauftragte Praxiteles Maler mit der Färbung seiner Marmorstatuen. Diese Tönung erfolgte offenbar sehr leicht und sorgfältig. Geschmolzene Wachsfarben wurden in den Marmor eingerieben, wodurch das kalte Weiß des Steins sanft wiederbelebt und erwärmt wurde.

Keines der Originalwerke von Nicias ist bis heute erhalten. Eine bekannte Vorstellung seiner Arbeit geben einige der Wandgemälde in Pompeji, die die von Nicäa entwickelten Handlungsstränge und kompositorischen Lösungen sehr unvollkommen wiederholen. Ein pompejanisches Fresko reproduziert Nikias‘ berühmtes Gemälde „Perseus und Andromeda“. Obwohl die Figuren immer noch statuarischen Charakter haben, werden sie immer noch mit dem 5. Jahrhundert verglichen. Chr Das Gemälde zeichnet sich durch seine Freiheit bei der Darstellung von Winkeln und Bewegungen der Figuren aus. Die Landschaft wird in möglichst allgemeiner Form umrissen, gerade so weit, dass ein möglichst allgemeiner Eindruck des Raums entsteht, in dem die Figuren platziert sind. Die Aufgabe einer detaillierten Darstellung der Umwelt, in der ein Mensch lebt und handelt, war noch nicht gestellt – die antike Malerei kam dieser Aufgabe erst im Zeitalter des Späthellenismus nahe. Dieses Merkmal der spätklassischen Malerei war völlig natürlich und erklärt sich aus der Tatsache, dass das griechische Kunstbewusstsein vor allem danach strebte, das Bild einer Person zu offenbaren. Doch jene Eigenschaften der Malsprache, die eine feine Modellierung des menschlichen Körpers ermöglichten, wurden von den Meistern des 4. Jahrhunderts erfolgreich entwickelt. Chr. und insbesondere Nikias. Nach Angaben von Zeitgenossen wurden sanfte Licht- und Schattenmodellierungen, starke und gleichzeitig subtile Farbvergleiche, die die Form formen, von Nicias und anderen Künstlern des 4. Jahrhunderts häufig verwendet. Chr

Die größte Vollkommenheit in der Malkunst erreichte nach den Rezensionen der Alten Apelles, der neben Lysippos der Größte war berühmter Künstler letztes Drittel des Jahrhunderts. Der gebürtige Ionier Apelles war ein bedeutender Meister malerisches Porträt späte Klassiker. Besonders berühmt war sein Porträt von Alexander dem Großen; Apelles schuf auch eine Reihe allegorischer Kompositionen, die den erhaltenen Beschreibungen zufolge dem Geist und der Fantasie des Publikums gute Anregungen boten. Einige seiner Kompositionen dieser Art wurden von seinen Zeitgenossen so detailliert beschrieben, dass sie in der Renaissance zu Versuchen führten, sie zu reproduzieren. Beispielsweise diente die Beschreibung von Apelles‘ „Allegorie der Verleumdung“ als Leinwand für ein von Botticelli geschaffenes Gemälde zum gleichen Thema. Diese Beschreibung erweckt den Eindruck, dass Apelles‘ Darstellung von Menschen und die Wiedergabe ihrer Bewegungen und Gesichtsausdrücke sich durch eine große vitale Ausdruckskraft auszeichneten allgemeine Zusammensetzung war etwas bedingt. Figuren, die bestimmte abstrakte Ideen und Vorstellungen verkörperten, schienen nacheinander vor den Augen des Publikums vorbeizulaufen.

Apelles' „Aphrodite Anadyomene“, die den Asklepios-Tempel auf der Insel Kos schmückte, scheint die realistischen Fähigkeiten des Künstlers besonders gut verkörpert zu haben. In der Antike war dieses Gemälde nicht weniger berühmt als „Aphrodite von Knidos“ von Praxiteles. Apelles stellte eine nackte Aphrodite dar, die aus dem Wasser auftaucht und Meeresfeuchtigkeit aus ihrem Haar drückt. Die Zeitgenossen dieses Werkes staunten nicht nur über das meisterhafte Bild des nassen Körpers und des klaren Wassers, sondern auch über den strahlenden, „vor Glückseligkeit und Liebe strahlenden“ Blick der Aphrodite. Anscheinend ist die Übertragung des Geisteszustands eines Menschen das unbedingte Verdienst von Apelles, der sein Werk dem allgemeinen Trend in der Entwicklung realistischer Kunst im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts näher bringt. Chr

Im 4. Jahrhundert. Chr Auch die Monumentalmalerei war weit verbreitet. Auf der Grundlage alter Beschreibungen lässt sich die plausible Annahme treffen, dass die Monumentalmalerei in der Spätklassik denselben Entwicklungsweg durchlief wie die Skulptur, doch das nahezu völlige Fehlen erhaltener Originale nimmt uns leider die Möglichkeit, ihr eine Bedeutung zu geben detaillierte Beurteilung. Doch solche Denkmäler wie die kürzlich entdeckten Gemälde in Kasanlak (Bulgarien) aus dem 4. oder frühen 3. Jahrhundert. Chr vermitteln einen gewissen Eindruck von der Anmut und Subtilität der spätklassischen Malerei, da diese Fresken zweifellos von einem griechischen Meister angefertigt wurden. In diesem Gemälde gibt es jedoch keine räumliche Umgebung; die Figuren sind auf einem flachen Hintergrund dargestellt und durch die Gesamthandlung kaum miteinander verbunden. Anscheinend wurde das Gemälde von einem Meister geschaffen, der eine Provinzschule absolvierte. Dennoch kann die Entdeckung dieses Gemäldes in Kasanlak als eines der bemerkenswertesten Ereignisse in der Erforschung der antiken griechischen Malerei angesehen werden.

Auch in der Spätklassik blühte die angewandte Kunst weiter auf. Allerdings zusammen mit den eigentlichen griechischen Zentren des Kunsthandwerks im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts. Chr., vor allem in der hellenistischen Zeit, begannen sich die Zentren Kleinasiens, Großgriechenlandes (Apulien, Kampanien) und der nördlichen Schwarzmeerregion zu entwickeln. Die Formen der Vasen werden immer komplexer; häufiger als im 5. Jahrhundert. Chr. gibt es Vasen, die in Ton die Technik teurer Silbervasen mit ihren komplexen und feinen Ziselierungen und Profilierungen nachahmen. Das Einfärben von konvexen Reliefbildern auf der Oberfläche einer Vase ist weit verbreitet.

Das Erscheinen solcher Vasen war eine Folge des Luxus und der Prunk des Privatlebens, die für die reichen Häuser des 4. Jahrhunderts charakteristisch waren. Chr Relativer wirtschaftlicher Wohlstand im 4. Jahrhundert. Griechische Städte Süditaliens prägten die besonders weite Verbreitung von Vasen dieses Stils in diesen Städten.

Oft von Keramikmeistern des 4. Jahrhunderts geschaffen. Chr und Figurenvasen. Darüber hinaus, wenn im 5. Jahrhundert. Chr Meister beschränkten sich meist auf die Darstellung des Kopfes einer Person oder eines Tieres, seltener einer separaten Figur, dann im 4. Jahrhundert. Sie stellen oft ganze Gruppen dar, die aus mehreren eng ineinander verschlungenen und farbenfrohen Figuren bestehen. Dies ist beispielsweise der skulpturale Lekythos „Aphrodite in Begleitung zweier Eroten“ kleinasiatischen Ursprungs.

Weit verbreitet Kunstwerk aus Metall. Von besonderem Interesse sind Gefäße und Schüsseln aus Silber, die mit Reliefbildern verziert sind. Dies ist der „Orsini-Becher“, der im 18. Jahrhundert gefunden wurde. in Anzio, mit einem Relief, das den Hof des Orestes darstellt. In Bulgarien wurden kürzlich bemerkenswerte Goldgegenstände gefunden. Im Allgemeinen erreichten die angewandten Künste und insbesondere die Vasenmalerei jedoch nicht das 4. Jahrhundert. Chr jene hohe künstlerische Perfektion dieser subtilen Verbindung von Komposition und Gefäßform, die so typisch für die Vasenmalerei des 5. Jahrhunderts war.

Kunst der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr vollendete den langen und glorreichen Entwicklungsweg der griechischen Klassiker.

Zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit hat sich die klassische Kunst die wahrheitsgetreue Offenlegung des ethischen und ästhetischen Wertes der menschlichen Person und des menschlichen Kollektivs zum Ziel gesetzt. Zum ersten Mal in der Geschichte der Klassengesellschaft brachte klassische Kunst in ihrer besten Form die Ideale der Demokratie zum Ausdruck.

Die künstlerische Kultur der Klassiker behält für uns als einen der absoluten Höhepunkte in der künstlerischen Entwicklung der Menschheit einen ewigen, bleibenden Wert. In Werken der klassischen Kunst fand das Ideal eines harmonisch entwickelten Menschen erstmals seinen vollendeten künstlerischen Ausdruck;

Die Kunst des antiken Griechenlands wurde zur Stütze und Grundlage des Ganzen Europäische Zivilisation. Ein besonderes Thema ist die Skulptur des antiken Griechenlands. Ohne antike Skulptur gäbe es keine brillanten Meisterwerke der Renaissance, und die weitere Entwicklung dieser Kunst ist schwer vorstellbar. In der Entwicklungsgeschichte der griechischen antiken Skulptur lassen sich drei große Stadien unterscheiden: archaisch, klassisch und hellenistisch. Jeder hat etwas Wichtiges und Besonderes. Schauen wir uns jeden von ihnen an.

Archaisch

Dieser Zeitraum umfasst Skulpturen, die zwischen dem 7. Jahrhundert v. Chr. und dem frühen 5. Jahrhundert v. Chr. entstanden sind. Die Ära brachte uns Figuren nackter junger Krieger (kuros) sowie viele weibliche Figuren in Kleidung (koras). Archaische Skulpturen zeichnen sich durch eine gewisse Skizzenhaftigkeit und Missverhältnismäßigkeit aus. Andererseits besticht jedes Werk des Bildhauers durch seine Einfachheit und zurückhaltende Emotionalität. Charakteristisch für die Figuren dieser Epoche ist ein halbes Lächeln, das den Werken etwas Geheimnisvolles und Tiefe verleiht.

„Göttin mit Granatapfel“, die im Berliner Museum aufbewahrt wird Landesmuseum, eine der am besten erhaltenen archaischen Skulpturen. Trotz der äußeren Rauheit und „falschen“ Proportionen wird die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die vom Autor brillant ausgeführten Hände der Skulptur gelenkt. Der ausdrucksstarke Gestus der Skulptur macht sie dynamisch und besonders ausdrucksstark.

„Kouros aus Piräus“, das die Sammlung des Athener Museums ziert, ist ein späteres und daher fortgeschritteneres Werk des antiken Bildhauers. Vor dem Betrachter steht ein mächtiger junger Krieger. Eine leichte Neigung des Kopfes und Handgesten deuten auf ein friedliches Gespräch hin, das der Held führt. Die gestörten Proportionen sind nicht mehr so ​​auffällig. Und die Gesichtszüge sind nicht so verallgemeinert wie bei frühen Skulpturen der archaischen Zeit.

Klassiker

Die meisten Menschen assoziieren Skulpturen dieser besonderen Epoche mit antiker Plastikkunst.

In der klassischen Ära entstanden so berühmte Skulpturen wie Athena Parthenos, Olympian Zeus, Discobolus, Doryphorus und viele andere. Die Geschichte hat der Nachwelt die Namen herausragender Bildhauer dieser Zeit bewahrt: Polykleitos, Phidias, Myron, Scopas, Praxiteles und viele andere.

Die Meisterwerke des klassischen Griechenlands zeichnen sich durch Harmonie, ideale Proportionen (was auf hervorragende Kenntnisse der menschlichen Anatomie hinweist) sowie inneren Inhalt und Dynamik aus.

Es ist die klassische Periode, die durch das Erscheinen der ersten nackten Frauenfiguren (die verwundete Amazone, Aphrodite von Knidos) gekennzeichnet ist, die eine Vorstellung vom Ideal vermitteln weibliche Schönheit Blütezeit der Antike.

Hellenismus

Die späte griechische Antike ist durch einen starken östlichen Einfluss auf die gesamte Kunst im Allgemeinen und auf die Bildhauerei im Besonderen gekennzeichnet. Es erscheinen komplexe Winkel, exquisite Drapierungen und zahlreiche Details.

Orientalische Emotionalität und Temperament dringen in die Ruhe und Erhabenheit der Klassiker ein.

Aphrodite von Zyrene, die das römische Bädermuseum schmückt, ist voller Sinnlichkeit, sogar einer gewissen Koketterie.

Die berühmteste skulpturale Komposition der hellenistischen Ära ist Laokoon und seine Söhne von Agesander von Rhodos (das Meisterwerk wird in einem davon aufbewahrt). Die Komposition ist voller Dramatik, die Handlung selbst suggeriert starke Emotionen. Der Held selbst und seine Söhne wehren sich verzweifelt gegen die von Athene geschickten Schlangen und scheinen zu verstehen, dass ihr Schicksal schrecklich ist. Die Skulptur ist mit außergewöhnlicher Präzision gefertigt. Die Figuren sind aus Plastik und echt. Die Gesichter der Charaktere hinterlassen beim Betrachter einen starken Eindruck.

Aus den ersten Jahrzehnten des 5. Jahrhunderts. Chr Die klassische Periode der Entwicklung der griechischen Kultur und griechischen Kunst begann. Die Reformen des Kleisthenes am Ende des 6. Jahrhunderts. Chr genehmigte in Athen und anderen griechischen Städten den vollständigen Sieg des Volkes über die Aristokratie. Zu Beginn des 5. Jahrhunderts. Chr Es entstanden zwei äußerst gegensätzliche Stadtstaaten: Athen und Sparta. Für die Kunstgeschichte blieb Sparta unfruchtbar.

Das Entwicklungszentrum der klassischen hellenischen Kultur war hauptsächlich Attika, der nördliche Peloponnes, die Inseln der Ägäis und teilweise die griechischen Kolonien in Sizilien und Süditalien (Magna Graecia). Während der griechisch-persischen Kriege begann die erste Entwicklungsperiode der klassischen Kunst – die frühen Klassiker (490–550 v. Chr.) im zweiten Viertel des 5. Jahrhunderts. Chr (475-450 v. Chr.) wurden archaische Traditionen endgültig überwunden und die Prinzipien der Klassiker fanden in den Werken der damaligen Meister ihren vollständigen Ausdruck. Die Zeit des größten Wohlstands ist gekommen„Das Zeitalter des Perikles“ – dauerte von 450 bis 410 v. Chr. Bis zum Ende des 5. Jahrhunderts. Chr Der zunehmende Einsatz von Sklavenarbeit begann sich negativ auf den Wohlstand der freien Arbeit auszuwirken und führte zu einer allmählichen Verarmung der einfachen freien Bürger. Die politische Aufteilung Griechenlands begann die Entwicklung einer Sklavengesellschaft zu verlangsamen. Die langen und schwierigen Peloponnesischen Kriege (431 – 404 v. Chr.) zwischen zwei Städtebündnissen (angeführt von Athen und Sparta) beschleunigten die Krise der Politik. Klassische Kunst gegen Ende des 5. – Anfang des 4. Jahrhunderts. Chr trat in seine letzte, dritte Entwicklungsstufe ein – der Spätklassiker. Die Kunst der späten Klassiker verlor ihren heroischen und bürgerlichen Charakter, aber es wurden neue Bilder entwickelt, die die inneren Widersprüche des Menschen widerspiegelten; diese Zeit wurde dramatischer und lyrischer.

Mazedonische Eroberung in der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr der unabhängigen Existenz der griechischen Stadtstaaten ein Ende setzen. Es zerstörte nicht die Traditionen der griechischen Klassiker, aber im Allgemeinen nahm die Entwicklung der weiteren Kunst einen anderen Weg.

Kunst der frühen Klassiker.„Strenger Stil“

490-450 Chr

In der Vasenmalerei und vor allem in der Bildhauerei waren die Züge archaischer Konventionen noch einige Zeit lang spürbar. Sämtliche Kunst des ersten Drittels des 5. Jahrhunderts. Chr war von einer intensiven Suche nach Methoden einer realistischen Darstellung einer Person durchdrungen. Der Peripterus wird zum dominierenden Gebäudetyp in der griechischen Monumentalarchitektur. Die Proportionen der Tempel wurden weniger langgestreckt und massiver. Bei großen Tempeln wurde der Naos meist durch zwei Längssäulenreihen in drei Teile geteilt, bei kleinen Tempeln verzichteten die Architekten auf innere Säulen. Die Verwendung von Kolonnaden mit einer ungeraden Anzahl von Säulen an den Endfassaden, die die Lage des Tempeleingangs in der Mitte der Fassade beeinträchtigten, ist verschwunden. Das übliche Verhältnis der Anzahl der Säulen der End- und Seitenfassaden betrug 6:13 oder 8:17. In den Tiefen des zentralen Teils des Naos, gegenüber dem Eingang, befand sich eine Statue einer Gottheit.

Ein Übergangsdenkmal von der Spätarchaik zur Frühklassik ist der Tempel der Athene Aphaia auf der Insel Erige (490 v. Chr.). Das Verhältnis der Säulen beträgt 6:12, der Tempel ist aus Kalkstein gebaut und mit bemaltem Gips bedeckt. Die Giebel waren mit Skulpturengruppen aus Marmor verziert.

Der Tempel hatte einen Übergangscharakter„E“ in Selinunte (Sizilien). Das Spaltenverhältnis beträgt 6:15.

Die typischen Merkmale der frühklassischen Architektur kamen am deutlichsten im Tempel des Poseidon in Paestum (Großgriechenland, 5. Jahrhundert v. Chr.) zum Ausdruck. Säulenverhältnis 6:14

und im Zeus-Tempel in Olympia (Peloponnes, 468-456 v. Chr.) Klassischer dorischer Peripterus, Säulenverhältnis 6:13. Der Tempel wurde fast vollständig zerstört, was jedoch auf Ausgrabungen und Beschreibungen antiker Autoren zurückzuführen ist Gesamtansicht ziemlich genau rekonstruiert. Die Strenge und Strenge der Proportionen wurde durch festliche Farbgebung gemildert. Der Tempel war auf den Giebeln mit großen Skulpturengruppen geschmückt – dem Streitwagenwettbewerb von Pelops und Oenomaus und der Schlacht der Griechen (Lapithen) mit den Zentauren, auf den Metopen – den Taten des Herkules. Im Inneren des Tempels aus der Mitte des 5. Jahrhunderts. Chr Es gab eine Zeus-Statue aus Gold und Elfenbein von Phidias.

In der frühen Klassik war die Vasenmalerei von den Traditionen des volkstümlichen Kunsthandwerks geprägt. Anstelle der flachen Silhouette der schwarzfigurigen Vasenmalerei begannen Künstler, dreidimensionale Körper in den unterschiedlichsten Drehungen und Winkeln zu bauen. Vasenmaler versuchten nicht nur, den Körper und die Bewegung gezielt darzustellen, sie gelangten auch zu einem neuen Verständnis der Komposition und malten komplexe Szenen mythologischen und alltäglichen Inhalts. Die Entwicklung der Vasenmalerei bestimmte gewissermaßen die Entwicklung der Skulptur.

Die bedeutendsten Meister der Vasenmalerei dieser Zeit waren Euphronius, Duris und Brig, die in Athen wirkten. Der älteste dieser Meister, Euphronius (spätes 6. Jahrhundert v. Chr.), wird am meisten mit archaischen Mustern und Ornamenten in Verbindung gebracht.

Theseus bei Amphitrite. Euphronius

Satyr und Mänade. Euphronius, Louvre

Thetis und Peleus. Duris

Eroberung Trojas, Meister Brig

In der Vasenmalerei, wie auch in der Skulptur oder der Monumentalmalerei, interessierte der Künstler die Umgebung nicht, sondern zeigte nur Menschen – ihre Handlungen. Sogar die Werkzeuge, mit denen eine Person handelt, und die Früchte der Arbeit werden nur gezeigt, damit die Bedeutung der Handlung klar wird. Dies erklärt das Fehlen von Landschaften in der griechischen Vasenmalerei – sowohl in der frühen als auch in der hohen Klassik. Die Beziehung des Menschen zur Natur wurde durch das Bild des Menschen selbst vermittelt.

Pelika mit einer Schwalbe. Euphronius, Eremitage

Im nördlichen Teil des Peloponnes, in der argivisch-sikyonischen Schule, der bedeutendsten der dorischen Schulen, entwickelte die Bildhauerei die Aufgabe, eine ruhig stehende menschliche Figur zu schaffen. Die Verlagerung des Schwerpunkts auf ein Bein ermöglichte den Meistern eine freie, natürliche Haltung. Die ionische Bewegung widmete der Bewegung mehr Aufmerksamkeit. Bereits im 6. Jahrhundert. Chr Die attische Schule vereinte bis zur Mitte des 5. Jahrhunderts die besten Aspekte beider Richtungen. Chr legte die Grundprinzipien der realistischen Kunst fest. Ein wichtiges Merkmal der griechischen Skulptur der klassischen Zeit war ihre untrennbare Verbindung mit dem öffentlichen Leben.Die Übergangsphase ist in den Giebelskulpturen des Tempels von Ägina sichtbar. (Die Restaurierung der Statuen wurde im 19. Jahrhundert vom berühmten Bildhauer Thorvaldsen durchgeführt)

Es findet ein Umdenken mythischer Bilder statt, hin zur Stärke und Schönheit des ethischen und ästhetischen Ideals.

Gruppe der Tyrannenmörder: Harmodius und Aristogeiton. Bildhauer Kritias und Nesiot (Prototyp« Arbeiter und Kollektivbauer» )

Zum ersten Mal in der Geschichte der Monumentalskulptur wird eine Skulpturengruppe durch eine einzige Aktion, eine einzige Handlung vereint.

Im Vergleich dazu die archaische Skulptur des Polymedes von Agoras„Kleobis und Biton“

Führende Meister, die in den 70er und 60er Jahren eine entscheidende Wende in der Bildhauerei vollzogen. 5. Jahrhundert Chr Es gab Ageladus, Pythagoras von Rhegion und Calamides.

Hyazinthe oder Eros Soranzo,Pythagoras von Rhegion(Römische Kopie, Eremitage)

Delphischer Wagenlenker

Eine der wenigen authentischen antiken griechischen Bronzestatuen.

Apollo aus Pompeji (römische Nachbildung)

Bereits am Ende des 6. und ganz am Anfang des 5. Jahrhunderts. Chr Die Handwerker versuchten, die Kouros-Statue in diese Richtung umzuarbeiten.

Zeus der Donnerer

Junge holt einen Splitter heraus

Ein großer Erfolg bei der Darstellung realer Bewegungen war das Erscheinen von Statuen wie« Der Sieger im Rennen" Die Statue bestand ursprünglich aus Bronze; der römische Kopist, der sie in Marmor nachbildete, fügte eine grobe Stütze hinzu.

Verwundeter Niobide, Museum der Bäder, Rom

Nereiden aus Xanthus (Rekonstruktion des British Museum)

Ein gutes Beispiel für das Überdenken mythologischer Themen in den Jahren des Bruchs mit archaischen Traditionen ist das Relief mit der Darstellung der Geburt der Aphrodite (Thron von Ludovisi):

Der nächste wichtige Schritt in Richtung hoher Klassiker waren die Giebelgruppen und Metopen des Zeustempels in Olympia (50er Jahre des 5. Jahrhunderts v. Chr.). Der östliche Giebel ist dem Mythos des Wettbewerbs zwischen Pelops und Oenomaus gewidmet, der den Beginn des Zeustempels markierte die Olympischen Spiele. Western - der Kampf der Lapithen mit den Zentauren.

Die am weitesten verbreitete Art der Porträtskulptur war zunächst die Statue des Siegers bei olympischen Wettkämpfen. Die Siegerstatue wurde vom Stadtstaat in Auftrag gegeben, um nicht nur den Sieger, sondern die gesamte Stadt zu verherrlichen. Ein tapferer Geist in einem harmonisch entwickelten Körper galt als das Wertvollste an einem Menschen, weshalb die Statuen typischerweise verallgemeinert wurden. Auch die ersten Porträts von Bürgern, die sich durch ihre Verdienste auszeichneten, enthielten keine klar definierten individuellen Merkmale.

Kopf der Athene. Fragment einer Metopen aus dem Zeustempel in Olympia

Leiter von Atlas. Fragment einer Metopen aus dem Zeustempel in Olympia

Apollo. Fragment des Westgiebels des Zeustempels in Olympia

Kopf eines Athleten. Miron (?) Eremitage

Kimon (?) München Glyptotek

Diskuswerfer, Kopf. Miron. Rom, Thermalmuseum

Der berühmteste Bildhauer dieser Zeit ist Myron von Eleuther. Er wirkte Ende des 2. und Anfang des 3. Viertels des 5. Jahrhunderts in Athen. Chr Die Originalwerke sind uns nicht überliefert, sondern lediglich römische Kopien.

Diskuswerfer. Miron. Rom, Thermalmuseum

Athene und Marsyas, Myron. Frankfurt

Zu den Werken, die im Geiste mit der Kunst Myrons verwandt sind, gehört ein Relief, das Athene zeigt, die sich auf einen Speer stützt (ca. 460 v. Chr.):

Geflügelte Nike-Victory, Paeonius von Mende

Die Kunst der hohen Klassiker

450-410 Chr

Architektur des dritten Viertels des 5. Jahrhunderts. Chr fungierte als Beweis für den Sieg des rationalen menschlichen Willens über die Natur. Nicht nur in Städten, sondern auch in der wilden Natur dominierten architektonische Strukturen den umgebenden Raum. Beispielsweise am Kap Sunium um 430 v. Chr. Der Tempel des Poseidon wurde gebaut.

Athen wurde mit zahlreichen neuen Gebäuden geschmückt: überdachte Portiken (Tribünen), Turnhallen – Schulen, in denen jungen Männern Philosophie und Literatur beigebracht wurden, Palästrums – Räumlichkeiten für den Turnunterricht für junge Männer usw. Die Wände waren oft mit monumentalen Gemälden bedeckt. Das wichtigste Bauwerk der Perikles-Ära war jedoch das neue Ensemble der Athener Akropolis.

Lageplan der Akropolis von Athen:

1. Parthenon 2. Hekatompedon 3. Erechtheion 4. Statue der Athena Promachos 5. Propyläen 6. Tempel von Nike Apteros 7. Eleusinion 8. Bravronion 9. Chalkoteka 10. Pandroseion 11. Arrephorion 12. Athener Altar13. Heiligtum des Zeus Polyaeus14. Heiligtum von Pandion15. Odeon des Herodes Atticus 16. Stoa des Eumenes 17. Asklepion 18. Theater des Dionysos 19. Odeon des Perikles 20. Temenos des Dionysos21. Heiligtum von Aglavra

Die Akropolis wurde während der persischen Invasion zerstört; die Überreste alter Gebäude und zerbrochener Statuen wurden verwendet, um die Oberfläche des Hügels einzuebnen. Im 3. Viertel des 5. Jahrhunderts. Chr neue Gebäude wurden errichtet – der Parthenon, die Propyläen, der Tempel des flügellosen Sieges. Das letzte Gebäude des Ensembles, das Erechtheon, wurde später, während der Peloponnesischen Kriege, errichtet. Die Gestaltung der Akropolis erfolgte unter der allgemeinen Leitung des großen Bildhauers Phidias. Die volle Bedeutung der Akropolis kann nur verstanden werden, wenn man die Bewegung der feierlichen Prozessionen während der Feste berücksichtigt. Am Fest der Großen Panathenäen – dem Tag, an dem athenische Mädchen im Namen des gesamten Stadtstaates die von ihnen gewebten Peplos als Geschenk an die Göttin Athene überbrachten – betrat die Prozession die Akropolis von Westen. Die Straße führte zum zeremoniellen Eingang zur Akropolis – den Propyläen (im Propyläengebäude befanden sich eine Bibliothek und eine Kunstgalerie – Pinakothek), die 437–432 vom Architekten Mnesicles erbaut wurden. Chr Die der Stadt zugewandte dorische Kolonnade der Propyläen wurde von zwei ungleichen Gebäudeflügeln eingerahmt. Einer von ihnen – der linke – war größer, und neben dem kleineren befand sich der Felsvorsprung der Akropolis – Pyrgos, gekrönt von einem kleinen Tempel von Nike Apteros, das heißt dem flügellosen Sieg (flügellos – damit es würde niemals von Athen wegfliegen)

Mnecycle. Propyläen

Dieser kleine Tempel wurde zwischen 449 und 421 vom Architekten Kallikrates erbaut. Chr Der Grundriss der Propyläen sowie des Nike-Apturos-Tempels nutzte gekonnt die Unebenheiten des Akropolis-Hügels. Der zweite dorische Portikus der Propyläen, der Akropolis zugewandt, lag höher als der äußere. Das Innere des Propyläengangs war mit ionischen Säulen geschmückt.Auf dem Akropolisplatz, zwischen Propyläen, Parthenon und Erechtheon, stand eine kolossale (7 m) Bronzestatue der Athena Promachos (Kriegerin), die Phidias bereits vor dem Bau des neuen Akropolis-Ensembles geschaffen hatte.

Der Parthenon befand sich nicht direkt gegenüber dem Eingang, wie einst der archaische Tempel des Hekatompedon, sondern seitlich. Die festliche Prozession zog entlang der nördlichen Kolonnade des Parthenon bis zu seiner östlichen Hauptfassade. Großes Gebäude Der Parthenon wurde durch das Erechtheon-Gebäude auf der anderen Seite des Platzes ausgeglichen. Die Schöpfer des Parthenon waren Iktinus und Kallikrates (447-438 v. Chr.). Die bildhauerischen Arbeiten am Parthenon – Phidias und seine Assistenten – wurden bis 432 fortgesetzt. Der Parthenon hat 8 Säulen an den kurzen Seiten und 17 an den langen Seiten. Die Parthenonsäulen sind häufiger aufgestellt als in frühdorischen Tempeln und das Gebälk ist heller. Für das Auge nicht wahrnehmbar Krümmung- das heißt, die schwache konvexe Krümmung der horizontalen Linien des Stylobats und des Gebälks sowie die nicht wahrnehmbaren Neigungen der Säulen nach innen und zur Mitte hin - diese Abweichungen von der geometrischen Genauigkeit sind notwendig, weil der zentrale Teil der Fassade mit gekrönt ist B. einem Giebel, einen kritischen Druck auf die Säulen ausübt und mit größerer Kraft stylobatisch wirkt als die Seiten der Fassade. Die völlig gerade horizontale Linie der Basis des Tempels scheint dem Betrachter leicht gebogen zu sein. Um diesen optischen Effekt auszugleichen, ließen die Architekten einige horizontale Linien des Tempels nach oben krümmen. Die Farbgebung diente lediglich der Hervorhebung struktureller Details und als Hintergrundfarbe, von der sich die Skulpturen der Giebel und Metopen abheben (Rot und Blau).

Der Parthenon wurde hauptsächlich in der dorischen Ordnung ausgeführt und umfasste einzelne Elemente der ionischen Ordnung. Der Parthenon wurde mit Skulpturen geschmückt, die unter der Leitung von Phidias angefertigt wurden. Phidias besaß auch eine 12 Meter hohe Athena-Statue, die im Naos stand.

Für die Akropolis schuf Phidias drei Statuen der Athene. Die älteste von ihnen war Athena Promachos (Kriegerin). Die zweite, kleinere war Athena Lemnia (Lemnos). Die dritte ist Athena Parthenos (d. h. Jungfrau). Die Größe der Götter von Phidias liegt in ihrer hohen Menschlichkeit und nicht in ihrer Göttlichkeit.

Athena Lemnia (römische Marmorkopie, Torso, Dresden, Kopf - Bologna) und ihre Rekonstruktion

Athena Varvakion. Kleine Kopie von Athena Parthenos Phidias. Athener Nationalmuseum

Eines der Merkmale der Statuen von Athena Parthenos und dem olympischen Zeus war die Chrysoelephantin-Technik: Der Holzsockel der Statuen war mit dünnen Goldplatten (Haare und Kleidung) und Elfenbeinplatten (Gesicht, Arme, Füße) bedeckt. Ein Beispiel für den Eindruck, den diese Technik erzeugen konnte, ist ein kleines Lekythos attischer Arbeiten aus dem Ende des 5. Jahrhunderts. Chr -„Taman Sphinx“ (Eremitage):

Die Skulpturengruppen und Reliefs, die den Parthenon schmückten, sind im Original erhalten geblieben, wenn auch stark beschädigt. Alle 92 Metopen des Tempels waren mit Hochreliefs verziert. Auf den Metopen der Westfassade war der Kampf der Griechen mit den Amazonen dargestellt, auf der östlichen Hauptfassade der Kampf der Götter mit den Riesen, auf der Nordseite des Tempels der Fall Trojas, auf der Südseite - der Kampf der Lapithen mit den Zentauren. Alle diese Themen waren für die alten Hellenen von großer Bedeutung. Eine große mehrfigurige Gruppe im Tympanon des Ostgiebels war dem Mythos der wundersamen Geburt der Weisheitsgöttin Athene aus dem Haupt des Zeus gewidmet. Die westliche Gruppe stellte den Streit zwischen Athene und Poseidon um den Besitz attischen Landes dar. Entlang der Mauer gingen die Naos hinter den Säulen entlang Zophorus(Fries in einem griechischen Tempel), der die festliche Prozession des athenischen Volkes während der Tage der Großen Panathenäen darstellt.

Das künstlerische Leben dieser Zeit konzentrierte sich nicht nur auf Athen. Zum Beispiel der berühmte Bildhauer Polykleitos, der aus Argos (Peloponnes) stammt. Seine Kunst ist mit den Traditionen der argivisch-sikyonischen Schule verbunden, deren vorherrschendes Interesse an der Darstellung einer ruhig stehenden Figur lag. Die Bilder der Polykleitos-Statuen spiegeln das antike Ideal des Hopliten (schwer bewaffneten Kriegers) wider.

Doryphoros (Speerkämpfer). Polykletos, ~ser. 5. Jahrhundert Chr

Die Ausgewogenheit der Figur wird dadurch erreicht, dass die angehobene rechte Hüfte der abgesenkten rechten Schulter entspricht und umgekehrt. Dieses System zur Konstruktion der menschlichen Figur wird genannt Chiasmus. Polykleitos versuchte, das typische Bild eines perfekten Menschen theoretisch zu untermauern, und so kam er zum Schreiben„Kanon“ – eine theoretische Abhandlung über das System idealer Proportionen und Symmetriegesetze. Römische Kopisten verstärkten die aus den Standards hervorgehenden Züge der Abstraktion"Kanon". Zum Beispiel eine römische Kopie eines nackten Jünglings (Paris, Louvre):

Am Ende seines Lebens verabschiedete sich Polykletos von der strikten Einhaltung„Kanon“, der den attischen Meistern nahe gekommen ist, schafft das berühmte Diadumen:

Ebenfalls erhalten sind eine römische Kopie der verwundeten Amazone Polykleitos und eine römische Statue der Amazone Mattea, die auf das Original von Phidias zurückgeht.

Unter den direkten Schülern des Phidias sticht Cresilaus, der Autor des Porträts des Perikles, hervor:

Kopf von Ephebe. Kresilai

Im gleichen Kreis von Phidias erscheinen Werke, die darauf abzielen, die dramatische Handlung zu verstärken und die Kampfthemen zu intensivieren. Bildhauer dieser Richtung schmückten den Apollontempel in Bassae. Der Fries, der den Kampf der Griechen mit den Zentauren und Amazonen darstellt, befand sich entgegen den üblichen Regeln in einem dunklen Naos und wurde im Hochrelief ausgeführt.

Unter den Meistern der Fidiyan-Schule auch Ende des 5. Jahrhunderts. Chr Es gab auch eine Tendenz, lyrische Gefühle auszudrücken. Der wichtigste Meister dieser Strömung in Attika war Alkamen. Alkamen besaß auch einige Statuen rein phidiischen Charakters, beispielsweise die Kolossalstatue des Dionysos. Neue Aufgaben traten jedoch deutlicher in Werken wie der Statue der Aphrodite hervor –„Aphrodite in den Gärten“:

Die lyrische Suche nach einem Bild fand ihre Erfüllung in den Reliefs der Balustrade des Tempels der Nike Apteros auf der Akropolis. Diese Reliefs zeigten Mädchen, die ein Opfer darbrachten.

Nike löst ihre Sandale

Reliefs auf Grabsteinen spielten bei der Entstehung dieses Trends eine sehr wichtige Rolle.

Gegesos Grabstein. Athener Nationalmuseum

Stella Mnesarete, München

Lekythos. Szene am Grabstein. Einsiedelei

Veränderungen im künstlerischen Bewusstsein fanden ihren Ausdruck in der Architektur. Iktin im Apollontempel in Bassae führte erstmals neben dorischen und ionischen Elementen die dritte Ordnung in das Gebäude ein – korinthisch (allerdings nur eine Säule):

Neu war der asymmetrische Bau des Erechtheon-Gebäudes auf der Akropolis von Athen, der von einem unbekannten Architekten in den Jahren 421–406 fertiggestellt wurde.

Die künstlerische Entwicklung dieses Tempels, der Athene und Poseidon gewidmet ist, brachte neue Merkmale in die Architektur der klassischen Zeit: Interesse an Vergleichen kontrastierender architektonischer und skulpturaler Formen, vielfältige Sichtweisen. Das Erechtheon wurde an einem unebenen Nordhang erbaut, sein Grundriss berücksichtigt diese Unebenheiten: Der Tempel besteht aus zwei Räumen, die auf unterschiedlichen Ebenen liegen verschiedene Formen Portiken auf drei Seiten, darunter der berühmte Cor-Portikus (Karyatiden) an der Südwand. Im Erechtheon gab es keine äußere Bemalung; sie wurde durch eine Kombination aus weißem Marmor mit einem violetten Friesband und Vergoldung einzelner Teile ersetzt.

Die Vasenmalerei im Zeitalter der Hochklassik entwickelte sich in enger Zusammenarbeit mit der Monumentalmalerei und Skulptur. Vasographen fühlten sich nicht nur von Bildern der Handlung, sondern auch vom mentalen Zustand der Charaktere angezogen. Wie in der Skulptur vermittelten die Vasenbilder dieser Zeit die allgemeinsten Zustände des menschlichen Geistes, ohne auf spezifische und individuelle Gefühle Rücksicht zu nehmen.

Krater von Orvieto, Paris, Louvre

Satyr schiebt ein Mädchen auf einer Schaukel

Polyneikes bietet Eriphyle eine Halskette an (Vase aus Lecce)

Um die Mitte des Jahrhunderts verbreiteten sich Lekythos auf weißem Grund und dienten religiösen Zwecken.

Lekythos Boston Museum

Bis zum Ende des 5. Jahrhunderts. Chr Die Vasenmalerei begann zu sinken. Bereits Midius und seine Nachahmer begannen, die Zeichnung mit dekorativen Details zu überladen. Die Krise der freien Arbeit wirkte sich besonders negativ auf die Kreativität der Keramiker und Zeichner aus.

Die uns nicht überlieferte Malerei der Klassik hatte, soweit man aus den Aussagen antiker Autoren urteilen kann, wie die Skulptur monumentalen Charakter und war untrennbar mit der Architektur verbunden. Anscheinend wurde dies am häufigsten bei Fresken gemacht; es ist möglich, dass sowohl Klebefarben als auch Wachsfarben verwendet wurden ( Enkaustik). Der größte Meister dieser Zeit war Polygnotus, ein Eingeborener der Insel Thasos. Ein wichtiges Merkmal der Malerei von Polygnotos war die Auseinandersetzung mit Themen historischer Natur („Schlacht von Marathon“). Eines der bekanntesten Werke ist das Gemälde„Leschi (Versammlungshaus) der Knidier“ in Delphi. Eine Beschreibung dieses Werkes ist in den Schriften von Pausanias überliefert. Es ist bekannt, dass Polygnotos nur vier Farben verwendete (Weiß, Gelb, Rot und Schwarz); offenbar unterschied sich seine Palette nicht allzu sehr von der in der Vasenmalerei verwendeten. Den Beschreibungen zufolge hatte die Farbe malerischen Charakter und es wurde fast keine farbliche Modellierung der Figur vorgenommen. Die Alten bewunderten seine anatomischen Kenntnisse und insbesondere seine Fähigkeit, Gesichter darzustellen.

In der zweiten Hälfte und Ende des 5. Jahrhunderts. Chr Es traten eine Reihe von Malern auf, die eng mit den Strömungen der bildhauerischen attischen Schule verbunden waren. Der berühmteste Autor war Apollodorus von Athen. Seine Malerei zeichnet sich durch ein Interesse an der Licht- und Schattenmodellierung des Körpers aus. Er und eine Reihe anderer Maler (z. B. Zeuxis und Parrhasius) begannen mit der Entwicklung linearer und luftiger Perspektiven. Apollodorus war einer der ersten und begann Gemälde zu malen, die nicht organisch mit der architektonischen Struktur verbunden waren.

Spätklassische Kunst

Ende der Peloponnesischen Kriege – Entstehung des Makedonischen Reiches

4. Jahrhundert Chr war eine wichtige Etappe in der Entwicklung der antiken griechischen Kunst, die Traditionen der Hochklassiker wurden unter neuen historischen Bedingungen verarbeitet. Die Zunahme der Sklaverei und die Konzentration des Reichtums in den Händen einiger weniger Sklavenhalter behinderten die Entwicklung der freien Arbeit. Die Peloponnesischen Kriege verschärften die Entwicklung der Krise. In einer Reihe von Städten kommt es zu Aufständen der armen Bevölkerung. Das Wachstum des Austauschs machte es notwendig, eine einzige Macht zu schaffen. Mitte des Jahrhunderts entstand eine Bewegung, die Gegner der Sklavendemokratie vereinte und auf eine externe Kraft hoffte, die in der Lage war, die Politik mit militärischen Mitteln zu vereinen. Die mazedonische Monarchie war eine solche Macht.
Der Zusammenbruch der Polis brachte den Verlust des Ideals eines freien Bürgers mit sich. Gleichzeitig führten tragische Konflikte im gesellschaftlichen Handeln zur Entstehung einer komplexeren Sicht auf Phänomene. Zum ersten Mal begann die Kunst, den ästhetischen Bedürfnissen und Interessen einer Privatperson und nicht der Polis als Ganzes zu dienen: Es erschienen auch Werke, die monarchische Prinzipien bekräftigten. Die Krise des mythologischen Ideensystems hatte auch großen Einfluss auf die Kunst. Es entstand ein Interesse am alltäglichen Leben und den charakteristischen Merkmalen der geistigen Verfassung eines Menschen.In der Kunst führender Meister des 4. Jahrhunderts. Chr - Scopas, Praxiteles, Lysippos - das Problem der Vermittlung menschlicher Erfahrungen wurde gestellt.
Es gibt zwei Phasen in der Entwicklung der griechischen Kunst der Spätklassik. In den ersten beiden Dritteln des Jahrhunderts war die Kunst noch organisch mit den Traditionen der Hochklassik verbunden. Im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts. Chr Es kommt zu einem scharfen Wandel, bei dem sich der Kampf zwischen den realistischen und antirealistischen Linien in der Kunst verschärft.
Im ersten Drittel des 4. Jahrhunderts. Chr e. In der Architektur kam es bekanntermaßen zu einem Rückgang der Bautätigkeit, der die soziale und soziale Entwicklung widerspiegelte Wirtschaftskrise, das alle griechischen Stadtpolitiken abdeckte. Dieser Rückgang war alles andere als allgemeingültig. Am stärksten traf es sich in Athen, das in den Peloponnesischen Kriegen besiegt wurde. Auf dem Peloponnes hörte der Bau von Tempeln nicht auf. Im zweiten Drittel des Jahrhunderts intensivierte sich der Bau erneut.
Denkmäler des 4. Jahrhunderts Chr im Allgemeinen folgten sie den Prinzipien des Ordnungssystems, unterschieden sich jedoch deutlich von den Werken hoher Klassiker. Der Bau von Tempeln wurde fortgesetzt, aber der Bau von Theatern, Palästen, Turnhallen, Innenräumen für öffentliche Versammlungen (bouleuteria) usw. verbreitete sich besonders. Gleichzeitig entstanden in der monumentalen Architektur Bauwerke, die der Verherrlichung einzelner Persönlichkeiten gewidmet waren, nicht eines mythischen Helden, sondern der Persönlichkeit eines autokratischen Monarchen. Zum Beispiel das Grab des Herrschers von Karien Mausolos (Mausoleum von Halikarnassos) oder das Philippeion in Olympia, das dem Sieg des mazedonischen Königs Philipp über die griechischen Stadtstaaten gewidmet ist.

Philippeion in Olympia

Eines der ersten Denkmäler, das die Merkmale der Spätklassik aufwies, war der Tempel der Athena Alea in Tegea (Peloponnes), der nach einem Brand im Jahr 394 wieder aufgebaut wurde.Sowohl das Gebäude als auch die Skulpturen wurden von Skopas geschaffen. Im Tegean-Tempel wurden alle drei Ordnungen verwendet.

Das berühmteste Gebäude war jedoch das von Polykletus dem Jüngeren erbaute Theater. Darin befanden sich, wie in den meisten Theatern dieser Zeit, Sitzplätze für Zuschauer (Theatron) entlang des Hügelhangs. 52 Reihen (10.000 Personen) umrahmten das Orchester – die Plattform, auf der der Chor auftrat. Auf der den Zuschauerplätzen gegenüberliegenden Seite war das Orchester von einer Skene – aus dem Griechischen übersetzt als Zelt – umschlossen. Ursprünglich war die Skena ein Zelt, in dem sich die Schauspieler auf ihren Auftritt vorbereiteten, doch später verwandelte sich die Skena in eine komplexe zweistufige Struktur, die mit Säulen geschmückt war und einen architektonischen Hintergrund bildete, vor dem die Schauspieler auftraten. Skene in Epidaurus hatte ein mit der ionischen Ordnung verziertes Proszenium – eine steinerne Plattform für die Aufführung einzelner Episoden des Spiels durch die Hauptdarsteller.

Tholos in Epidauros (Phimela), Polykleitos der Jüngere:

Das interessanteste der von Privatpersonen errichteten Bauwerke ist das choregische Denkmal des Lysikrates in Athen (334 v. Chr.). Der Athener Lysikrates beschloss, mit diesem Denkmal den Sieg des auf seine Kosten errichteten Chores zu verewigen .

Die Entwicklungswege der Architektur in Kleinasien Griechenland unterschieden sich etwas von der Entwicklung der Architektur in Griechenland selbst. Sie zeichnete sich durch den Wunsch nach üppigen und grandiosen architektonischen Strukturen aus. Die Tendenzen zur Abkehr von den Klassikern in der kleinasiatischen Architektur machten sich sehr deutlich bemerkbar: So zeichneten sich beispielsweise die riesigen ionischen Dipteren des zweiten Artemis-Tempels in Ephesus und des Artemis-Tempels in Sardes durch Prunk und Luxus der Dekoration aus. Diese Tempel, die aus den Beschreibungen antiker Autoren bekannt sind, sind bis heute in spärlichen Überresten erhalten.

Die Merkmale der Entwicklung der kleinasiatischen Architektur spiegelten sich am deutlichsten in dem um 353 v. Chr. erbauten Gebäude wider. Halikarnassos-Mausoleum (Archive Pytheas und Satyr). In der Antike wurde es zu den sieben Weltwundern gezählt.

Das Gebäude war ein komplexes Bauwerk, das die kleinasiatischen Traditionen der griechischen Ordnungsarchitektur mit Motiven aus dem klassischen Osten verband. Im 15. Jahrhundert Das Mausoleum wurde schwer zerstört. Und eine genaue Rekonstruktion ist unmöglich.

Über die Entwicklung der Bildhauerei dieser Zeit dank römischer Kopien lässt sich kaum mehr sagen als über Architektur und Malerei. Zwei Richtungen waren klar definiert. Einige Bildhauer, die formal den Traditionen der hohen Klassiker folgten, schufen vom Leben abstrahierte Kunst und entführten sie aus akuten Widersprüchen und Konflikten in eine Welt leidenschaftslos kalter und abstrakt schöner Bilder. Die prominentesten Vertreter waren Kephisodotus, Timotheus, Briaxis, Leochares.

Der allgemeine Charakter der Skulptur und Kunst der Spätklassik wurde hauptsächlich durch die schöpferische Tätigkeit realistischer Künstler bestimmt. Die größten Vertreter dieser Strömung waren Scopas, Praxiteles und Lysippos. Die realistische Richtung wurde nicht nur in der Bildhauerei, sondern auch in der Malerei (Apelles) weit verbreitet. Die Ästhetik des Aristoteles war eine theoretische Verallgemeinerung der Errungenschaften der realistischen Kunst seiner Zeit.

Der Gegensatz zwischen den beiden Richtungen war nicht sofort erkennbar. Diese Richtungen kreuzten sich zunächst manchmal widersprüchlich im Werk eines Meisters. So trug die Kunst von Kephisodotus (Vater des Praxiteles) sowohl ein Interesse an der lyrischen Stimmung der Seele als auch gleichzeitig Merkmale bewusster äußerer Eleganz in sich.

Der größte Meister der ersten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr war Skopas. Die Bilder von Skopas unterscheiden sich von den Bildern der Klassiker durch die stürmische dramatische Spannung aller spirituellen Kräfte. Skopas führte das Motiv des Leidens ein, eines inneren tragischen Zusammenbruchs, eines inneren tragischen Zusammenbruchs, der indirekt die tragische Krise ethischer und ästhetischer Ideale widerspiegelt, die in der Ära der Blütezeit der Politik entstanden sind. Während seiner fast fünfzigjährigen Tätigkeit war Skopas nicht nur als Bildhauer, sondern auch als Architekt tätig. Nur wenig ist uns überliefert: Vom Athene-Tempel in Tegea sind nur noch wenige Fragmente erhalten. Neben dem Gebäude selbst vollendete Skopas auch den skulpturalen Entwurf. Der westliche Giebel zeigte Szenen der Schlacht zwischen Achilles und Telephus im Caica-Tal, und der östliche Giebel zeigte die Jagd von Meleager und Atalanta auf den kaledonischen Eber. Amazonomachie, Reliefs der Schlacht zwischen den Griechen und den Amazonen um das Mausoleum von Halikarnassos. London, Britisches Museum

Im Gegensatz zur stürmischen und tragischen Kunst von Skopas entwickelte sich Praxiteles in seinem Werk zu Bildern, die vom Geist klarer und reiner Harmonie und ruhiger Nachdenklichkeit durchdrungen sind. Wie Scopas sucht Praxiteles nach Wegen, den Reichtum und die Schönheit des menschlichen spirituellen Lebens zu offenbaren. Die frühen Werke von Praxiteles werden noch immer mit Bildern hochklassischer Kunst in Verbindung gebracht. Also rein„Dem Satyr Wein einschenken“ bedient er sich des polykleitanischen Kanons.

Das Produkt des reifen Stils von Praxiteles (~350 v. Chr.) ist sein Werk Apollo Saurocton (Echsentöter)

Artemis von Gabii

In der künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts. Chr und insbesondere im letzten Drittel wird die Verbindung zu den Traditionen der hohen Klassiker weniger direkt. Zu dieser Zeit erlangte Mazedonien die Führung in griechischen Angelegenheiten. Die Anhänger der alten Demokratie erlitten eine völlige Niederlage. Diese Zeit ist auch für die Feldzüge Alexanders des Großen in den Osten (334-325 v. Chr.) bekannt, die ein neues Kapitel in der Geschichte der antiken Gesellschaft aufschlugen – den Hellenismus. In der künstlerischen Kultur jener Jahre gab es einen Kampf zwischen realistischen und falschklassischen Bewegungen. Bis zur Mitte des 4. Jahrhunderts. Chr Besonders große Verbreitung fand der konservative antirealistische Trend. Diese Traditionen sind in den Reliefs sichtbar, die Timotheus, Bryaxis und Leochares für das Mausoleum von Halikarnassos angefertigt haben. Die Kunst der falschklassischen Richtung zeigte sich am konsequentesten im Werk von Leochard. Er wurde Hofkünstler Alexanders des Großen und schuf für das Philippeion Chrysoelefantenstatuen der Könige der makedonischen Dynastie.Seine Skulptur war auch äußerlich dekorativ.„Ganymed wird vom Adler des Zeus entführt“:

Leochares‘ bedeutendstes Werk war die Statue des Apollo – berühmt„Apollo Belvedere“. Trotz der hervorragenden Ausführung sind die Details der Skulptur, wie die arrogante Drehung des Kopfes und die Theatralik der Geste, den wahren Traditionen der Klassiker fremd.

In der Nähe des Leochares-Kreises befindet sich eine berühmte Statue„Artemis von Versailles“:

Der größte Künstler der realistischen Bewegung war Lysippos. Der Realismus von Lysippos unterschied sich deutlich von seinen Vorgängern, aber sein Werk löste auch das Problem der Offenlegung der inneren Welt menschlicher Erfahrungen und einer gewissen Individualisierung des Menschenbildes. Er hörte auf, die Schaffung des Bildes eines absolut schönen Menschen als Hauptaufgabe der Kunst zu betrachten. Er versuchte aber auch, ein verallgemeinertes typisches Bild zu schaffen, das die charakteristischen Merkmale eines Mannes seiner Zeit verkörperte. Die Grundlage für die Darstellung des Typischen im Bild eines Menschen findet der Meister nicht in den Merkmalen, die ihn als Mitglied eines Teams charakterisieren, sondern als harmonisch entwickelte Persönlichkeit. Lysippos betont in seinen Werken auch das Element der persönlichen Wahrnehmung. Er schuf eine Vielzahl monumentaler Statuen, die Plätze schmücken und einen eigenständigen Platz im Stadtensemble einnehmen sollten. Die berühmteste ist die Zeus-Statue. Porträt von Alexander dem Großen

Bias' Kopf. Rom, Vatikanische Museen

Das Bild des Weisen Bias für Lysippos ist in erster Linie das Bild eines Denkers. Zum ersten Mal in der Kunstgeschichte vermittelt ein Künstler in seinem Werk den eigentlichen Denkprozess, tiefes, konzentriertes Denken. Von außerordentlichem Interesse ist der Marmorkopf Alexanders des Großen. Lysippos ist nicht bestrebt, die äußeren charakteristischen Merkmale von Alexanders Aussehen mit aller Sorgfalt wiederzugeben. In diesem Sinne hat sein Kopf, wie der von Bias, einen idealen Charakter, aber die komplexe widersprüchliche Natur Alexanders wird mit außergewöhnlicher Kraft vermittelt.

Im 4. Jahrhundert. Chr. waren nach wie vor Tonfiguren karikaturistischer oder grotesker Natur üblich. In der Eremitage wird eine reiche Sammlung solcher Figuren aufbewahrt.

In der Spätklassik entwickelten sich realistische Maltraditionen des letzten Viertels des 5. Jahrhunderts. Chr Der größte unter den Malern war Nicias, den Praxiteles sehr schätzte. Er beauftragte ihn, seine Marmorstatuen zu färben. Keines der Originalwerke von Nicias ist bis heute erhalten. Eines der Fresken von Pompeji gibt das Gemälde von Nikias wieder„Perseus und Andromeda.“

Das größte Können erlangte Apelles, der neben Lysippos der berühmteste Künstler des letzten Drittels des Jahrhunderts war. Berühmt ist sein Porträt von Alexander dem Großen. Er war auch Autor einer Reihe allegorischer Kompositionen, die den erhaltenen Beschreibungen zufolge dem Geist und der Fantasie des Publikums gute Anregungen boten. Einige Handlungsstränge wurden von Zeitgenossen so detailliert beschrieben, dass in der Renaissance oft versucht wurde, sie zu reproduzieren.

Im 4. Jahrhundert. Chr Auch die Monumentalmalerei war weit verbreitet. Das nahezu vollständige Fehlen von Originalen macht eine Bewertung unmöglich.

Lysippos‘ Verständnis des Menschenbildes kam besonders anschaulich in seiner in der Antike berühmten Bronzestatue „Apoxiomen“ zum Ausdruck (Abb. 215, 216 b). Lysiple stellte einen jungen Mann dar, der während eines Sportwettkampfs mit einem Schaber den Arenasand entfernte, der an seinem Körper haften geblieben war. In dieser Statue brachte der Künstler sehr ausdrucksstark den Zustand der Müdigkeit zum Ausdruck, der den jungen Mann nach dem Stress des Kampfes erfasste. Eine solche Interpretation des Bildes eines Sportlers lässt darauf schließen, dass der Künstler entschieden mit den Traditionen der Kunst der griechischen Klassiker bricht, die von dem Wunsch geprägt waren, den Helden entweder in höchster Anspannung aller seiner Kräfte zu zeigen, wie zum Beispiel in den Werken von Skopas, oder mutig und stark, bereit, eine Leistung zu vollbringen, wie zum Beispiel in Polykleitos‘ Doryphoros.

In Lysippos ist sein Apoxyomenes frei von jeglichem Heldentum. Aber eine solche Interpretation des Bildes gibt Lysippos die Möglichkeit, beim Betrachter einen direkteren Eindruck vom Leben zu erwecken, dem Bild des Apoxyomenes höchste Überzeugungskraft zu verleihen und keinen Helden, sondern nur einen jungen Sportler zu zeigen.

Daher die dynamische Schärfe und Komplexität der Komposition. Die gesamte Gestalt des jungen Mannes scheint von unsteten und wechselhaften Bewegungen durchdrungen zu sein. Diese Bewegung ist im Raum frei entfaltet. Der junge Mann stützt sich auf sein linkes Bein; sein rechtes Bein ist nach hinten und zur Seite gestellt; Der von schlanken und kräftigen Beinen leicht zu tragende Körper ist leicht nach vorne geneigt und erhält gleichzeitig eine scharfe Drehung. Für eine besonders komplexe Wendung sorgt sein ausdrucksstarker Kopf, der auf einem kräftigen Hals sitzt. Der Kopf von Apoxyomenes ist nach rechts gedreht und gleichzeitig leicht zur linken Schulter geneigt. Schattierte und tiefliegende Augen blicken müde in die Ferne. Die Haare waren in unruhig verstreuten Strähnen zusammengeklebt.

Komplexe Winkel und Drehungen der Figur regen den Betrachter zur Suche nach immer neuen Blickwinkeln an, in denen sich immer mehr ausdrucksstarke Nuancen in der Bewegung der Figur offenbaren. In diesem Merkmal spiegelt sich die tiefe Originalität von Lysippovs Verständnis der Möglichkeiten der Sprache der Skulptur wider.