Kuznetsov Pavel Varfolomeevich 1878 1968. Russische Künstler

P. Kusnezow. Rest der Hirten. Tempera. 1927

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov Künstler

Er ist ein erstaunlicher Kolorist...
V. E. Borisov-Musatov

Unter Künstlern werden auch Philosophen geboren. Jede Zeit kennt solche Schöpfer. Sie unterscheiden sich von anderen durch ihre besondere Sicht auf die Welt und verstehen sie in den Kategorien: Gut und Böse, Leben und Tod, Liebe und Hass, Erde und Weltraum. Jedes Objekt in ihren Werken ist mit einer Seele, einem Gedanken ausgestattet und spricht nicht nur mit anderen Objekten, sondern auch mit einer Person. Für sie ist der Mensch ein Teilchen des ewigen und endlosen Universums.

Einer dieser Künstler-Philosophen ist Pavel Varfolomeevich Kuznetsov. Er war unser Zeitgenosse. Seit seinem Tod sind 48 Jahre vergangen. Seit der Geburt - 147.
Der Künstler wurde in der Familie eines Ikonenmalers in Saratow geboren. Die Stadt war eine Handelsstadt. Sein provinzielles Erscheinungsbild ist alles andere als ein Märchen. Aber Pavel Kuznetsov selbst hat ein Märchen geschaffen. Er wurde als Träumer und Visionär geboren. In mondhellen Nächten Ich liebte es, zum zentralen Stadtplatz zu gehen. Es gab Brunnen, die von einem besuchenden Engländer gebaut wurden. Ihre schweren Schalen wirkten im gespenstisch gelbblauen Licht fast luftig. Aus der Tiefe flossen dünne, perlmuttartige Bäche, und die Sphinxen, die die Brunnen schmückten, schienen zum Leben zu erwachen. Sie wandten ihre undurchdringlichen Gesichter dem Jungen zu und er rannte mit einem gemischten Gefühl aus Freude und Angst davon ...
Wenn die Nächte Pavel Kuznetsov die Kommunikation mit dem Geheimnisvollen ermöglichten, dann vermittelten heiße Sommertage die Vielfalt und Vielfarbigkeit des wirklichen Lebens. Sie kam zusammen mit Karawanen ruhiger Kamele und Nomaden in ausgefallenen Kleidern in seine Stadt. Sie brachte die Farben und Gerüche der Wolga-Steppe und fremde Sprache mit. Ein anderer Zeitfluss, andere Rhythmen. Die hemmungslose Farbe wurde mit den gemächlichen, langsamen Bewegungen der Menschen kombiniert.
Der verträumte, poetische Pavel Kuznetsov wurde Maler.

In Saratow gab es eine Gesellschaft von Amateuren Schöne Künste und damit ein Mal- und Zeichenatelier. Dies war für die damalige Provinz sehr selten. Die Lehrer V. V. Konovalov und G. P. Salvini-Baracci quälten die Schüler in ihren Klassen nicht besonders mit endlosem Lernen. Sie brachten sie an die Wolga, in Felder und Wälder. Die Natur, erinnerte sich Kuznetsov, „... wurde ... zu den Höhen kreativer Begeisterung erhoben.“
Als neunzehnjähriger Junge kam Pavel nach Moskau und besuchte die Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Er besuchte die Werkstätten von zwei bedeutende Künstler -
V. Serov und K. Korovin. Die Lehrer waren hochrangige Kameraden. Sie stellten ihre Werke zusammen mit denen ihrer Studenten aus und gingen mit ihnen an Skizzen.
Er interessierte sich für alles in der Hauptstadt – neue Ausstellungen, Theaterstücke, Poesieabende, philosophische Debatten, Vorträge über Kunst und Musik. Auch zukünftige Maler zeigten sich auf vielfältige Weise.
Kusnezow malte die Szenerie Bolschoi-Theater und inszenierte Amateuraufführungen. Schon während seiner Schulzeit hat er viel erreicht. Ich nahm an mehreren Ausstellungen teil und reiste in den Norden. 1906 ging er nach Paris.
Diese Stadt, die immer nach Neuem dürstete, entdeckte die russische Kunst. In seinen Theatern wurden russische Opern und Ballette aufgeführt, im Salon wurden Ikonen gezeigt, Porträts XVIII Jahrhundert, Gemälde von Zeitgenossen. Sie wurden von Kusnezow in die französische Hauptstadt gebracht. Er studierte Paris, und Paris studierte junge Moskauer, ihn eingeschlossen. Neun Werke des Künstlers erregten das Interesse der französischen Presse. Er wurde anerkannt und als einer der wenigen russischen Künstler zum Mitglied des Herbstsalons gewählt.
Pavel Kuznetsov kehrte nicht als Schüler, sondern als berühmter Künstler an seine Heimatschule zurück.
Welche Gemälde ermöglichten es uns, über Kusnezow als einen Meister mit seiner eigenen Sicht auf die Welt und seiner eigenen Handschrift zu sprechen?
Dies ist eine Gemäldeserie über Brunnen. Ich erinnerte mich an die nächtlichen Eindrücke von Saratow. Der Künstler nannte seine Gemälde über Brunnen und Babysymphonien: „Morgen“, „Frühling“, „Blauer Brunnen“ und andere.

Sie sind unterschiedlich, aber durch ein Motiv verbunden – Ewiger Frühling. Es gibt keine Erde und keinen Himmel, sondern nur seltsame, immer gebogene Büsche blühender Bäume. Sie scheinen Brunnen zu umarmen. Ihre Tassen sind immer voll. In einem feierlichen, langsamen Rhythmus bewegen sich Schattenfiguren auf sie zu.
Die ineinander fließenden Farben von Erde und Himmel, Luft und Wasser suchen nach ihrem Farbwesen. Inzwischen ist es, als wären sie in einen rauchigen Schleier gehüllt.
Der Künstler versuchte, für sich selbst die Frage zu lösen: Was sind die Ursprünge des Lebens und variierte dieses Thema ständig. Er malte ein Bild nach dem anderen. Doch irgendwann merkte er, dass er sich wiederholte. Um voranzukommen, musste er das Leben selbst verstehen und nicht nur seine Ursprünge. Vertraute Umgebung Moskau mit seinen Ausstellungen, Treffen und Auseinandersetzungen begann schwer auf ihm zu lasten. 1908 reiste der Künstler in die kirgisische Steppe. Und mir wurde klar: Der riesige Himmel, weite Räume, Menschen mit ihren Häusern, Kamele und Schafe – alles spricht von der Ewigkeit des Lebens. „Schlafen im Schuppen“, „Trugbild in der Steppe“, „Schafschur“ … Auf den neuen Leinwänden sind nicht mehr die gleichen Figuren von Menschen zu sehen, die an den Brunnenschalen dösen und warten. Schafe scheren, kochen, Steppen-Trugbilder betrachten, in und neben den Ställen schlafen – alles ist feierlich langsam. Die Weisheit dieses Lebens liegt in der Einheit dreier Welten: Mensch, Natur und Tiere.
Für Kuznetsov wird eine Frau zur Verkörperung irdischer Weisheit - Hauptfigur seine Bilder. Sie ist die Quelle und das Zentrum des Lebens. Frauen in Kuznetsovs Werken haben kein Alter, eine ähnelt der anderen und wiederholt sich in der anderen, wie Gras in der Steppe oder Blätter auf einer Steppenakazie.

Das Leben in der Steppe ist harmonisch und offen – die Farbe in den Gemälden von Pavel Kuznetsov ist harmonisch und offen. Blau, Grün, Cyan, Rot, Gelb wechseln sich ab und wiederholen sich. Sie klingen wie die Instrumente eines großen Orchesters.
Der Künstler kehrte nach Moskau zurück, überraschte sie mit seinen Steppengemälden und reiste bald nach Samarkand und Buchara.
Endlich verstand er: Alles, was er in der kirgisischen Steppe und hier sah, „... war eine Kultur, ein Ganzes, durchdrungen vom ruhigen, kontemplativen Mysterium des Ostens.“
Mit Ausbruch des Ersten Weltkriegs musste ich die geplante Reise nach Italien und erneut nach Buchara vergessen. Es stand noch etwas anderes bevor – zunächst die Arbeit in einer Prothesenwerkstatt, dann der Dienst im Militäramt und schließlich die Fähnrichsschule.
In diesen Jahren, in denen „... wir uns mit Geduld und geistiger Stärke ausrüsten mussten“, als die Arbeit äußerst anstrengend war und eine Art künstlicher Arme und Beine einen die Schönheit der Welt vergessen ließen, malte Pawel Kusnezow die fröhlichsten, leuchtendsten Leinwände - Stillleben. Nachts, wenn der müde Künstler an der Staffelei stand, verriet die Erinnerung großzügig, was er einmal gesehen hatte. Es war, als würde ein heller Sonnenstrahl in die Werkstatt einfallen. Auf den Leinwänden erscheinen Kristall- und Porzellanvasen, orientalische Stoffe und Früchte, Krüge und Tabletts, Spiegel und Blumen. Der Strahl berührte jeden Gegenstand und es erschienen mit Saft gefüllte Melonen und Äpfel. Der Kristall funkelte in den Farben des Regenbogens und die Stoffe zeigten ausgefallene Muster.
Aber warum haben Menschen seine Bilder verlassen? Warum füllte er den gesamten Raum auf den Leinwänden nur mit Objekten? Entweder kamen sie wie in einem Reigen zusammen, oder sie ruhten ruhig auf ausgebreiteten Stoffen, reichten nach leeren Häusern, spiegelten sich in Spiegeln und ineinander. Die Objekte schienen auf Menschen verzichten zu wollen, die Krieg führten und ihresgleichen zerstörten. Krieg ist für den Kreislauf des Lebens immer unnatürlich. Sie war unnatürlich Lebensphilosophie Pavel Kuznetsov, und er protestierte, so gut er konnte.
Unmittelbar danach Oktoberrevolution Der Künstler stürzte sich kopfüber in die Sozialarbeit. Er gehörte zu denen, die aktiv eine neue, proletarische Kultur schaffen wollten. Er arbeitete in der Kommission zum Schutz von Kunst- und Antiquitätendenkmälern, in den Kommissionen zur Verstaatlichung privater Sammlungen, im künstlerischen Rat der Tretjakow-Galerie und im Theatervorstand.
Elf Jahre später kehrt er zurück Moskauer Schule Malerei, Bildhauerei und Architektur, unterrichtet, leitet eine Werkstatt. IN Teenagerjahre er schrieb zusammen mit seinen Lehrern. Jetzt arbeitet er mit Studenten auf den Straßen und Plätzen Moskaus. Am Tag der Feierlichkeiten zum ersten Jahrestag der Oktoberrevolution erschien an der Fassade des Maly-Theaters eine riesige Tafel mit dem Bild von Stepan Rasin und seinen Mitarbeitern. Es war gemeinsame Kreativität Professor Pavel Varfolomeevich Kuznetsov und seine Studenten.
Soziale und pädagogische Arbeit minderten die kreative Spannung des Meisters nicht. Er kehrte mit seiner Erinnerung in die Vergangenheit zurück. Und der Osten wurde wieder zur Vergangenheit. Seine neuen Leinwände vereinen kirgisische und Buchara-Eindrücke. Bekannte Szenen und Bilder tauchten auf.

Aber jetzt waren die Erinnerungen an Pavel Kuznetsov nicht mehr so scharf wie zuvor. Der Puls des neuen Lebens schlug zu stark, als dass der Künstler ihn nicht spüren könnte. Der Hauptsinn dieses Lebens war die Schöpfung. Und der Maler konzipierte eine Reihe von Gemälden, die das Thema Arbeit vereinten.
1923 wurde Pavel Kuznetsov mit seiner Ausstellung nach Paris geschickt. Sie musste die Meinung des Westens widerlegen, dass in Russland Kunst zerstört worden sei. Kusnezow brachte etwa zweihundert Werke nach Frankreich: Gemälde, Grafiken, Theater. Es war eine beeindruckende Ausstellung, die bewundernde Kritiken hervorrief.
Welche Themen beschäftigten den Künstler nach seiner Rückkehr? Zunächst das Thema der Schöpfung. Arbeit auf Feldern und Weinbergen, auf Tabakplantagen. Die Arbeit von Hirten, Bauarbeitern, Ölarbeitern. Fast bis ins hohe Alter reiste Pavel Varfolomeevich allein und mit seinen Schülern durch das Land. Er besuchte Kollektivwirtschaften auf der Krim und im Kaukasus, den Bau der Ölfelder Eriwan und Baku sowie die Baumwollfelder Zentralasiens. Doch bei der Arbeit an neuen Leinwänden strebte der Künstler nun nach Authentizität und Genauigkeit natürlicher Eindrücke.
1930 schreibt er großes Bild"Mutter". In ihr kristallisierte sich die Weisheit einer reifen Künstlerin heraus. Das Hauptthema des Bildes ist die Arbeit. Ein Traktor bewegt sich über ein riesiges Feld und hinterlässt Furchen gepflügten Landes. Fast den gesamten Bildraum nimmt die Figur der Mutter ein. Sie füttert das Baby. Und hier bekräftigt die Künstlerin zum x-ten Mal die Idee: Eine Frau ist die Quelle des Lebens, von allem, was auf der Erde existiert.
Von geisterhaften Frauen an Brunnenschalen, von Steppenmadonnen gelangte er zu diesem Bild. Pavel Varfolomeevich lebte noch fast vierzig Jahre und malte viele Gemälde. Aber „Mutter“ ist eines der zentralen Werke seines Werks aus der Sowjetzeit.
An der Schwelle zum Alter kehrte er gedanklich zu seinen früheren Werken zurück. Ich habe über sie nachgedacht, sie analysiert, sie kritisiert. Besonders wählerisch war er bei denen, die in der Werkstatt blieben. Viele davon habe ich überarbeitet und neu geschrieben. Einige wurden völlig zerstört.
Märchenbrunnen waren der Beginn seines kreativen Lebens, die kirgisischen Steppen waren seine Zeit. Die letzten Gemälde des Meisters mit intimen, lakonischen Stillleben schienen mit den Strahlen der untergehenden Sonne zu fließen. Als sie ein letztes Mal über den Boden glitten, verschwanden sie hinter dem Horizont ...

(1878 – 1968)

Pavel Kuznetsov ist in seiner Weltanschauung einer der harmonischsten russischen Künstler. Ein glücklicher Moment auf seiner kreativen Reise war die Reise in die Wolga-Steppe und nach Zentralasien, die er in den zehnten Jahren des 20. Jahrhunderts unternahm.

Hier entdeckte er eine neue Welt – Steppen, Wüsten mit ihrer endlosen Weite, geraden Horizontlinien und hohen Himmelskuppeln, gewöhnliche Menschen, die seit jeher dieses karge Land bewohnen, mit ruhigen Schafherden, Kamelen und niedrigen Jurten, die sich so organisch in diese ruhige Landschaft einfügen.

Mit dem Prinzip der „doppelten Transformation“ hat Pavel Kuznetsov Elemente des Zufalls aus seinen Werken verbannt, nicht nur aus der Auswahl der Objekte, sondern auch aus dem System der bildnerischen und plastischen Interpretation.

Die Rhythmen gesenkter Köpfe und geschwungener Figuren vereinen die Menschen mit einer Landschaft, die fast keine scharfen Kontrastexplosionen kennt. Die Farbeinheitlichkeit der Figuren von Menschen und Tieren, der Erde und des Himmels, der Bäume und des Grases – die universelle Farbharmonie der Welt offenbart gleichermaßen konsequent die Homogenität aller ihrer Elemente.

Diese Harmonie in den Gemälden von Pavel Kuznetsov wird in einer gereinigten und idealen Form verwirklicht und bezieht sich daher nicht so sehr auf ein bestimmtes Lebensphänomen, das vor den Augen des Künstlers erschien, sondern auf das Bild der Welt im Allgemeinen.

Dieses Gefühl der Universalität begleitet den Künstler in fast allen seinen Werken kreativer Weg, erst ganz am Ende, eher durch den Willen der äußeren Umstände, der Poesie des Privaten Platz machen.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov wurde am 5. (17) November 1878 in Saratow in der Familie des „Meisters der Malerei und Ikonenmalerei“ V.F. Kuznetsov geboren, von dem er seine ersten künstlerischen Fähigkeiten erhielt.

Er studierte an der Zeichenschule der Saratower Gesellschaft der Liebhaber der Schönen Künste (1891-1896) und an der Moskauer Malschule. Bildhauerei und Architektur (1897-1904) mit A.E. Arkhipov, N.A. Kasatkin, L.O. Pasternak und in der Werkstatt von V.A. Serov. Für Skizzen und Zeichnungen wurde er mit zwei kleinen Silbermedaillen ausgezeichnet.

Erfahren großen Einfluss Kreativität von V.E. Borisov-Musatov. Zusammen mit seinen Freunden gründete er an der Schule eine Künstlergemeinschaft, die später „Blaue Rose“ genannt wurde.

Zusammenarbeit mit den Zeitschriften „Art“, „ Goldenes Vlies", reiste durch Russland und Westeuropa, führte eine Reihe dekorativer Gemälde aus. Mitglied der Künstlervereinigungen „Welt der Kunst“ (seit 1910), „Freie Ästhetik“ (1907-1917), „Herbstsalon“ (seit 1906).

In den Jahren 1908-1912 unternahm er Reisen in die kirgisischen Steppen, 1912 besuchte er Buchara, 1913 Taschkent und Samarkand. Die Eindrücke dieser Reisen prägten den Stil und die kreativen Ansichten des Künstlers. In den Jahren 1913-1914 arbeitete er an Tafelskizzen für den Kasaner Bahnhof. In den Jahren 1914-1915 arbeitete er mit A. Ya. Tairov am Moskauer Kammertheater zusammen.

Nach der Revolution war er Vorstandsmitglied und in der Abteilung für bildende Künste des Volkskommissariats für Bildung (1918–1924) tätig Lehrtätigkeiten, unternahm viele Reisen im ganzen Land. Gründungsmitglied und Vorsitzender des Vereins „4 Arts“, Verdienter Künstler der RSFSR (1929).

Kusnezow Pawel Warfolomejewitsch

Ausstellung des impressionistischen Künstlers Kusnezow

Pawel Warfolomejewitsch Kusnezow geboren am 18. (5.) November 1878 in Saratow in der Familie des Ikonenmalers Bartholomäus Fjodorowitsch Kusnezow, dessen Werkstatt geistliche und weltliche Aufträge ausführte. Seine Frau Evdokia Illarionovna liebte Musik und Malerei. Von Geburt an nahmen die Kinder die Atmosphäre der Liebe zur Kunst auf, die in der Familie herrschte. Pavels älterer Bruder Mikhail wurde Maler, sein jüngerer Bruder Victor wurde Musiker. Aber Paulus besaß zweifellos die herausragendsten Fähigkeiten.

IN Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert war Saratow das größte Handels- und Industriezentrum Russlands. Das kulturelle Leben der Stadt war reich und vielfältig; der Wintergarten wurde eröffnet und Musikschule, die besten Opern- und Schauspieltruppen traten auf Tournee und die öffentlichen Bildungsaktivitäten entwickelten sich umfassend.

All dies wirkte sich positiv auf die Persönlichkeitsbildung des jungen Pavel Kuznetsov aus. Aber die größte Bedeutung hatte die Schaffung eines der reichsten des Landes Kunstmuseen, gegründet 1885. Bald wurde unter dem Einfluss dieses Ereignisses in Saratow die Gesellschaft der Liebhaber der schönen Künste gegründet, darunter ein Zeichenstudio eröffnet und dann in eine ernsthafte Berufsschule umgewandelt, die Pavel Kuznetsov von 1891 bis 1896 besuchte. Er lernte bei prominenten Lehrern, die zwei Hauptabteilungen der Schule leiteten. Das Zeichnen wurde von V. V. Konovalov, einem Absolventen der Kaiserlichen Akademie der Künste, einem Schüler von P. P. Chistyakov, unterrichtet. Malerei - G.P.Salvini-Baracchi, Italienischer Künstler, seit vielen Jahren der in Saratow lebte und eine ganze Galaxie berühmter Meister der Malerei ausbildete. Als Mann voller romantischer Leidenschaft, Kunstfertigkeit und lebendiger Energie legte Baracchi nicht nur den Grundstein Maltechnik, gab Kusnezow aber auch seine ersten Lektionen in Freiluft-Kreativität auf Skizzenreisen in die Nähe von Saratow und auf die Wolgainseln.

Die jahrelange Schulbildung bereitete Kuznetsov und seine Kameraden darauf vor, neue Trends in der Weltkunst und vor allem den impressionistischen Stil zu meistern. Der entscheidende Meilenstein bei ihrer Bekanntschaft mit den Entdeckungen französischer Erfinder war jedoch das Treffen mit V.E., das Mitte der 1890er Jahre stattfand. Borisov-Musatov – ein Einwohner von Saratow, ein herausragender Maler, Aussteller ausländischer Ausstellungen, der zu dieser Zeit große Anerkennung gefunden hatte. Seine eigenen Forschungen lagen im Mainstream des Impressionismus und der Neoromantik. Als Musatov in den Sommermonaten seine Heimatstadt besuchte, lud er aufstrebende Künstler ein und malte Seite an Seite mit ihnen Lebensstudien im Garten seines Hauses in der Wolskaja-Straße. Während dieser gemeinsamen Arbeit erzählte der Meister jungen Menschen die Werke von Monet, Renoir, Puvis de Chavannes und anderen berühmten europäischen Künstlern.

Das Ergebnis des Saratower Unterrichts war die glänzende Aufnahme von Pawel Kusnezow an die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur im September 1897. Durch den Willen des Schicksals fanden in diesem Jahr bedeutende Veränderungen in der Schule selbst statt, die zur Aktualisierung der Lehrmethoden und dazu beitrugen Ästhetische Ansichten allgemein. Peredvizhnik K.A. Savitsky verließ die Position des Leiters der Gesamtklasse. V.A. Serov, K.A. Korovin, I.I. Levitan wurden Professoren der Schule.

In den Grundschulklassen, in denen L.O. Pasternak, A.E. Arkhipov und N.A. Kasatkin unterrichteten, war der Unterricht noch akademischer Natur. Durch den Unterricht bei V.V. Konovalov gut vorbereitet, gelang Kusnezow auch dies. Bereits 1900–1901 erhielt er eine kleine Silbermedaille für Skizzen; 1901-1902 - für Zeichnungen. Seit 1899 nahm er ständig an Ausstellungen der Schüler der Schule teil. Kuznetsov erlangte jedoch echte künstlerische Freiheit, als er unter der Anleitung von Serov und Korovin arbeitete, die er immer als seine wichtigsten Lehrer betrachtete. Die Faszination für Korovins Kolorismus, den Meister des Pinsels, die Plastizität des Strichs und die Dynamik der Komposition verdrängten sogar Musatovs Einfluss für eine Zeit. Doch der für Korowin typische bildnerische Intuitionismus wurde noch immer nicht zur Hauptrichtung von Kusnezows frühen Unternehmungen. Die Arbeit in Serovs Werkstatt half ihm, sich mit den Aufgaben vertraut zu machen, einen großen Stil mit strenger innerer Disziplin und einem monumentalen und dekorativen Schriftsystem zu schaffen.

Die Rolle der Lehrer beschränkte sich nicht nur darauf, Schüler in Workshops zu unterrichten. Im Jahr 1899 stellte Korowin Kusnezow und seinen Landsmann, den Bildhauer A.T., vor. Matveeva mit Savva Ivanovich Mamontov. In seiner Moskauer Töpferwerkstatt hinter der Butyrskaya Zastava traf Kusnezow Polenow, Wasnezow, Wrubel, Schaljapin und andere bemerkenswerte Persönlichkeiten dieser Zeit.

Eines der berühmtesten Zeichen dieser Zeit war die aktive Arbeit führender russischer Künstler im Theater. Meisterwerke der Theatergestaltung wurden von Korovin, Golovin, Roerich, Bakst, Benois geschaffen, einem Kreis von Meistern, der sich um die Zeitschrift World of Art zusammengeschlossen hat. Im Jahr 1901 hatte Kuznetsov zusammen mit seinem Schulkameraden N.N. Sapunov erstmals die Gelegenheit, ihr Talent in diesem Bereich einzusetzen. Junge Künstler malten Bühnenbilder und Kostüme nach Korowins Skizzen für Wagners Oper „Die Walküres“, die Anfang 1902 im Bolschoi-Theater uraufgeführt wurde.

Die von der Zeitschrift „World of Art“ organisierten Gemäldeausstellungen galten zu Beginn des 20. Jahrhunderts als äußerst prestigeträchtig. Im Jahr 1902 erhielt Pavel Kuznetsov auf Initiative von Serov eine Einladung zur Teilnahme an einer solchen Ausstellung, bei der er neun Landschaften zeigte. Auf den Seiten des Magazins wurde das Werk „An der Wolga“ reproduziert.

Im Jahr 1902 ereigneten sich mehrere weitere wichtige Ereignisse in Kusnezows Leben. Er unternahm eine Reise in den Norden, an die Küste des Weißen Meeres und des Arktischen Ozeans, von wo aus er eine Reihe lyrischer Landschaften mitbrachte. Als er im Sommer in Saratow ankam, beteiligte er sich zusammen mit P.S. Utkin und K.S. Petrov-Vodkin an der Bemalung der Grenze der Kasaner Muttergottes. Diese Gemälde sind nicht erhalten: Die übermäßige Interpretationsfreiheit kanonischer Themen erregte die Empörung des Klerus und das Gemälde wurde bald zerstört.

Im April 1904 schloss Pavel Kuznetsov die Moskauer Schule ab. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich ein neues System seiner Bildsprache entwickelt, in dem von nun an Flächigkeit und Dekorativität, eine zurückhaltende Palette von Pastellfarben und eine matte „Gobelin“-Textur vorherrschten. In diesem Stil gemalte Tafelbilder wurden im Januar 1904 beim „Abend der neuen Kunst“ in Saratow gezeigt. Dieser Abend ging der Ausstellung „Scarlet Rose“ voraus, die am 27. April 1904 in Saratow eröffnet wurde. Die Organisatoren waren Pawel Kusnezow und sein engster und gleichgesinnter Freund Pjotr Utkin. Die Ausstellung war die erste Manifestation der jungen Generation russischer symbolistischer Maler, zu deren Anführern Kusnezow gehörte.

Am 18. März 1907 wurde in Moskau in der Myasnitskaya-Straße die zweite Ausstellung der Künstlergemeinschaft um Kusnezow und Utkin eröffnet. Sie erhielt den Namen „Blaue Rose“. Es ging als zentrales Ereignis der russischen Bildsymbolik in die Geschichte ein. In der Zeit zwischen den Ausstellungen und in den Jahren nach „Die blaue Rose“ schuf Kuznetsov eine Reihe von Werken, die in direktem Zusammenhang mit symbolistischen Themen standen. Das sind Leinwände "Morgen", "Geburt", „Nacht der Schwindsüchtigen“, „Blauer Brunnen“ und ihre Möglichkeiten.

In den Jahren 1907-1908 unternahm Kusnezow seine ersten Reisen in die Transwolga-Steppe. Sein Interesse am Alltagsleben und den Bildern des Ostens wurde jedoch nicht sofort in der Malerei umgesetzt. Dem ging die wichtige Erfahrung des Künstlers mit der monumentalen Malerei der Villa des Sammlers und Philanthropen Ya.E. Zhukovsky in New Kuchuk-Koy an der Südküste der Krim voraus.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und Anfang der 1910er Jahre wurde Kusnezow regelmäßiger Aussteller auf vielen großen Ausstellungen. Dies sind die Salons der Zeitschrift „Goldenes Vlies“, Ausstellungen des Verbandes russischer Künstler, des Moskauer Künstlerverbandes, die 1906 von S.P. Diaghilew organisierte Ausstellung russischer Kunst im „Herbstsalon“ in Paris, „Kranz“ und andere.

Im Jahr 1911 präsentierte Kusnezow auf der Ausstellung „Welt der Kunst“ Werke, die den Beginn einer neuen Schaffensperiode markierten. Dabei handelt es sich um Gemälde aus der „Kirgisischen Suite“ – dem zahlreichsten Werkzyklus des Künstlers. Die besten davon sind „In der Steppe. Bei der Arbeit“ „Scheren“, „Regen in der Steppe“ „Trugbild in der Steppe“», „Abend in der Steppe“ „Schlafen in einem Schuppen“, „Wahrsagerei“- stammen aus der ersten Hälfte der 1910er Jahre. In ihnen erreichte der Künstler die Perfektion von Bild und Stil und formulierte schließlich die Prinzipien seiner künstlerischen Sprache. Zu den Hauptmerkmalen von Kusnezows Orientalismus zählen eine kontemplative Weltanschauung, die Interpretation des Lebens als zeitlose Existenz, die erhabene Konventionalität und Unpersönlichkeit der Helden der Gemälde, ein märchenhaft-episches Naturgefühl. In der plastischen Gestaltung der Werke dominieren rhythmische Ruhe, kompositorische Harmonie und Lokalkolorit.

In den Jahren 1912-1913 besuchte Kusnezow Buchara, Taschkent und Samarkand. Eindrücke von der Reise nach Zentralasien spiegelt sich in mehreren Gemäldeserien und zwei Alben mit Autolithographien „Mountain Bukhara“ und „Turkestan“ wider, die in den Jahren 1922-1923 aufgeführt wurden. Sie präsentieren einen traditionelleren Look des Ostens. Es zeichnet sich durch offene Dekorativität und eine gewisse Farbvielfalt aus, den Wunsch, das würzige Aroma der asiatischen Welt zu vermitteln. Anklänge an orientalische Motive finden sich auch in Kusnezows großformatigen Stillleben der 1910er Jahre.

Das Ergebnis der Präsentation von Werken aus den Steppen- und Asienzyklen auf Ausstellungen war eine Einladung, an der Bemalung des im Bau befindlichen Kasaner Bahnhofs teilzunehmen, die Kuznetsov vom Architekten A.V. Shchusev erhielt. In den Malskizzen „Früchte sammeln“ Und „Asiatischer Basar“» Beherrschung monumentaler Maltechniken und organische Interpretation werden synthetisiert orientalische Kultur, die Renaissance-Majestät menschlicher Bilder.

Kusnezows Fähigkeit, den besonderen Geist des Ostens zu vermitteln, wurde auch von den Berühmten geschätzt Theaterregisseur A.Ya.Tairov. Er lud den Künstler ein, Kalidasas Stück „Sakuntala“ zu entwerfen, das 1914 im Kammertheater aufgeführt wurde.

In den Jahren 1915-1917 war Kusnezow tätig Militärdienst, studierte an der School of Warrant Officers. Nach Februarrevolution 1917 beteiligte er sich an der Herausgabe der Literatur- und Kunstzeitschrift „The Path of Liberation“. 1918 wurde er zum Leiter der Malwerkstatt der Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur gewählt, wo er bis 1930 lehrte. Im Laufe der Jahre wurde die Schule zunächst in die Staatlichen Freien Kunstwerkstätten und dann in Vkhutemas und Vkhutein umstrukturiert.

In den späten 1910er und 1920er Jahren beteiligte sich Kusnezow wie viele andere Künstler aktiv an der Aktualisierung der staatlichen Kulturpolitik. Von 1918 bis 1924 war er im Vorstand tätig Schöne Künste Volkskommissariat für Bildung; war Mitglied der Kommission zum Schutz der Kunst- und Antiquitätendenkmäler Moskaus und der Region Moskau. Seit 1919 arbeitete er am Saratow-Kollegium der Abteilung für Bildende Künste und leitete vorbereitende Workshops in dieser Abteilung.

Im Jahr 1918 wurde Pavel Kuznetsov die Frau von Künstler E. M. Bebutova. Ihre zeremoniellen, intimen, theatralischen Porträts verschiedene Jahre wurden in seinem Schaffen zu den erfolgreichsten Werken dieses Genres. Im Jahr 1923 wurde die „Ausstellung von Pavel Kuznetsov und Elena Bebutova“ in der Galerie Barbazange in Paris ausgestellt.

Im Jahr 1924 traten Kusnezow und Bebutowa der Gesellschaft „4 Künste“ bei, der Künstler verschiedener Richtungen angehörten, die an den Positionen der objektbezogenen Staffelei-Kreativität und der ästhetischen Kriterien des Handwerks festhielten. Kusnezow wurde zum Vorsitzenden der Gesellschaft gewählt.

Im Jahr 1929 erhielt Pavel Kuznetsov den Titel Verdienter Künstler der RSFSR. Im Staat Tretjakow-Galerie Es fand seine persönliche Ausstellung statt.

1930 besuchte der Künstler Armenien und 1931 Aserbaidschan. Solche kreativen Reisen waren eine gängige Praxis künstlerisches Leben dieser Zeit. Das Ergebnis der Reisen war eine Reihe von Gemälden zum Thema des Baus neuer Stadtteile in Eriwan und der Ölfelder in Baku. Die armenische Serie wurde 1931 auf einer Ausstellung im Museum der Schönen Künste in Moskau ausgestellt.

In den 1930er Jahren unternahm der Künstler zahlreiche kreative Reisen durch das Land. Einer von kreativer Erfolg wurde erfüllt für Internationale Ausstellung 1937 Tafel „Leben einer Kollektivwirtschaft“ in Paris. Es erhielt die Silbermedaille der Ausstellung. Materialien dafür sammelte der Künstler während einer Reise nach Mitschurinsk.

In den 1930er bis 1940er Jahren war Kusnezow als Lehrer tätig, bevorzugte Landschaften und Stillleben in der Malerei und schuf eine Reihe genrebezogener Gemälde.

In den Jahren 1956-1957 fand eine persönliche Ausstellung des Künstlers in Moskau und Leningrad und 1964 in Moskau statt.

In den letzten Jahren seines Lebens arbeitete der Meister hauptsächlich an Landschaftsgemälden von Majori, Dzintari und Palanga und verbrachte viel Zeit in den baltischen Kunsthäusern.

Pawel Warfolomejewitsch Kusnezow starb kurz vor seinem 90. Geburtstag am 21. Februar 1968 in Moskau und wurde auf dem Deutschen Friedhof beigesetzt.

Am 17. November 1878 wurde in Saratow der Künstler Pawel Kusnezow, einer der interessantesten russischen Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, in die Familie eines Ikonenmalers hineingeboren. Die Eltern vieler Künstler standen den kreativen Neigungen ihrer Kinder skeptisch gegenüber, doch Kusnezows Vater widersetzte sich der Wahl seines Sohnes nicht, obwohl er für ihn von einer Karriere als Musiker träumte...

Pavel Kuznetsov (links) und Alexander Matveev

„Ich erinnere mich an mich selbst aus meinem dritten Lebensjahr, als ich im Frühling zum ersten Mal die aufgehende Sonne sah, als meine Familie dorthin zog blühende Gärten... Die goldene Sonne erschien am erleuchteten grünvioletten Himmel und spiegelte sich im Quellwasser des riesigen Wolgaraums“, erinnerte sich der Künstler.

Im Alter von 13 Jahren trat er in das Mal- und Zeichenstudio ein, wo seine Lehrer der ursprüngliche und ursprüngliche Wassili Konowalow und der berühmte „Wolga-Sänger“, Landschaftsmaler, Porträtmaler, Fotograf und Theaterdekorateur Hector Salvini-Baracchi waren. Dort traf sich Kusnezow mit einem anderen ein herausragender Künstler, Viktor Borisov-Musatov, und freundete sich mit dem zukünftigen herausragenden Bildhauer Alexander Matveev an.

Nach seinem Studium im Atelier trat Kusnezow in die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur ein, bestand die Prüfungen mit Bravour und setzte sein Studium mit großer Begeisterung fort. Hier waren seine Lehrer der Wanderer Abram Arkhipov, einer der ersten russischen Impressionisten Konstantin Korovin und der berühmte Porträtmaler Valentin Serov.
Als interessant erwies sich Kusnezows Zusammenarbeit mit Kusma Petrow-Wodkin, mit der er 1902 gemeinsam die Kirche der Kasaner Ikone malte. Mutter Gottes, – Die freie Interpretation des Kanons empörte die Gemeindemitglieder jedoch so sehr, dass die Gemälde zerstört wurden. Petrov-Vodkin erinnerte sich an seinen Kollegen in seinem Buch „Der Raum des Euklid“ und schrieb:

„Es spritzt fadenscheinig davon, als hätte man in Farbe gebadet, Jacke und Hose glänzen und leuchten. Die Haare an seinen Schläfen und seiner Stirn flattern im Wind seiner Bewegungen. Pavel greift die Leinwand an: Entweder stürmt er mit einem Sprung darauf zu, oder er schleicht sich an sie heran, um die klaffende Gestalt zu überraschen. Stören Sie seinen Rückprall nicht: Er wird Sie zerquetschen, Sie umhauen ...“

Pawel Kusnezow. Scheren

In der Zeit von 1905 bis 1907 unternahm der junge Kusnezow den Versuch, das Ideal als Symbol darzustellen, in Form eines blau-weißen Brunnens, der sich selbst stützte und alles um ihn herum in einen blau-weißen Glanz verwandelte. Die Gemälde „Morgen (Geburt)“ und „Brunnen“ wurden zum Ausdruck dieses Prinzips. Das gleiche Prinzip wurde im Wappen der neuen Künstlervereinigung „Blaue Rose“ (eine Blume, die zum Bild einer am Himmel sichtbaren Quelle irdischer Schönheit wurde) verwendet, die von Kusnezow und seinen Freunden geschaffen wurde.

Der Verein wurde bereits 1907 vollständig gegründet, nachdem eine Ausstellung unter demselben Namen stattfand. Das Publikum nahm die Ausstellung mit Begeisterung auf, doch die Kritiker waren geteilter Meinung. Und wenn Grabar äußerst negativ sprach und sagte, dass die Schönheit der „Blauen Rose“ die Kunst zerstörte, dann deutete Makovsky zu Recht an, dass der Sieg des Geistes über das Fleisch im Bild zu einer gefährlichen Zerstörung des Gleichgewichts werden könnte.

In „Die blaue Rose“ jedoch – gemessen an zukünftiges Schicksal Teilnehmer - und sie selbst haben verstanden, dass das junge Stadium der „weißen und blauen Fontänen“ nicht die Grenze ist und dass ein Anhalten in diesem Stadium das Risiko birgt, erzwungene und unnatürliche Mystik an die Stelle der Inspiration zu setzen.

Kuznetsov freundete sich bald mit Symbolisten an, darunter dem Dichter Valery Bryusov, und begann, in den symbolistischen Zeitschriften „Iskusstvo“ und „Goldenes Vlies“ zu veröffentlichen. Im Manifest des Goldenen Vlieses heißt es:

„Kunst ist ewig, weil sie auf dem Unvergänglichen basiert, auf dem, was nicht abgelehnt werden kann. Kunst ist eins, denn ihre einzige Quelle ist die Seele. Kunst ist symbolisch, weil sie ein Symbol in sich trägt, eine Widerspiegelung des Ewigen im Zeitlichen. Kunst ist frei, weil sie durch einen einzigen kreativen Impuls entsteht.“ Auch die Goluborozoviten arbeiteten nach diesem Manifest.

Pawel Kusnezow. In der Steppe. Fata Morgana. 1911

Kusnezow erhielt außerhalb Russlands in Paris (1906) Anerkennung, wo seine Werke auf einer Ausstellung russischer Kunst eine verdientermaßen hohe Bewertung erhielten, und er selbst wurde zum lebenslangen Mitglied des Herbstsalons gewählt – einer Vereinigung von Künstlern, zu der solche Welt- berühmte Meister wie Renoir, Cezanne, Modigliani, Chagall und Matisse.

Kuznetsov erlebte am Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts eine kreative Krise, als seine Bilder den Verdacht erweckten, dass er dem Betrachter nichts mehr zu sagen hatte. Um seiner Kreativität neues Leben einzuhauchen, reiste Kusnezow in die Transwolga-Steppe (1911-1912) und dann für weitere zwei Jahre nach Zentralasien.

Diese Zeit bescherte der Welt den Kusnezow, den wir kennen – inspiriert, wiedererkennbar, der Autor von Gemälden, als ob er in den gespenstischen Dunst eines Traums oder einer Vision gehüllt wäre. Kuznetsov „jagt“ nach dem Moment, in dem das Bild eines Objekts gerade erst vor dem Betrachter erscheint. Auf der Leinwand platziert, erzeugt dieser Moment Dynamik im vermeintlich Stillstand (Stillleben „Morgen“).

Kusnezows „Kirgisische Suite“ wird mit den Werken Gauguins verglichen, es gibt jedoch einen wesentlichen Unterschied in der Herangehensweise: Das Chthonische und das Archaische in Gauguin sind normalerweise an sich schön, tauchen aus der Erde auf und sind bereit, mit der schönen Natur zu verschmelzen. Nicht so bei Kusnezow, der die schöpferische Beteiligung des Menschen an der Erhebung der Natur zur höchsten Schönheit zeigt, die nur in der Verschmelzung mit der Kultur entsteht.

So wie der Idealist Don Quijote nicht ohne den pragmatischen Sancho auf die Reise gehen kann, so mussten die blauen Quellen der Symbolisten eine Verbindung zum Irdischen finden. Aber es ist nur dort möglich, wo Harmonie und Gemeinschaft herrschen. In den Gemälden der „Kirgisischen Suite“ wurde Kusnezow fündig. Er schrieb über seine Entdeckung so:

„Es öffnet sich ein riesiger Luftsteppenraum, der die Gedanken und den Blick eines Menschen nicht davon abhält, endlose Distanzen zu fliegen, zum Horizont zu rasen, zu ertrinken und sich auf erstaunliche Weise im Himmel aufzulösen …“

Pawel Kusnezow. In der Steppe. 1912

Sein bemerkenswertestes Werk aus dieser Zeit ist das berühmte „Trugbild in der Steppe“. Alltägliche Szenen der irdischen Dinge werden durch eine Phantasmagorie am Himmel beleuchtet, die den Teilnehmern des Bildes bekannt vorkommt (weshalb sie ihr den Rücken gekehrt haben), aber dies ist kein Bild eines Traums – dies ist ein Bild der Einheit, das man normalerweise nur im Traum wahrnimmt, aber im Leben ständig präsent ist, man muss es nur wahrnehmen können.

Der Oktober 1917 und der Weg zu dieser Veranstaltung wurden für Kusnezow zu einem weiteren Schritt zur Entdeckung seines Talents und boten ihm viele Möglichkeiten für eine aktive Tätigkeit verschiedene Bereiche. Kusnezow gab eine Zeitschrift heraus, unterrichtete und leitete die Malereiabteilung in der Abteilung für bildende Künste des Volkskommissariats für Bildung. Eine seiner Aufgaben im Jahr 1917 bestand darin, Kunst zu schaffen gewöhnliche Soldaten, der später die Mehrheit des revolutionären Volkes stellte.

„Ich wurde beauftragt, einen Arbeitsplan für die Sektion zu erstellen und ein Kontingent von Personen auszuwählen, die in der Lage sind, verständliche Vorträge zu halten und Exkursionen in Museen und Galerien durchzuführen. All dies musste nicht trocken und kalt präsentiert werden, sondern so, dass beim neuen Betrachter Lust und Interesse entwickelt wurden, damit er in alle Erscheinungsformen des künstlerischen Lebens einbezogen wurde, damit echte Kunst zu seinem Bedürfnis, Teil wurde Sein spirituelles Leben würde ihn erheben, seinen Geschmack und den Wunsch entwickeln, sich in der Kunst auszudrücken“, erinnerte sich Kusnezow an die Aufgabe, die ihn inspirierte.

Pawel Kusnezow. Pushball. 1931

Um diese Ideen umzusetzen, begann der Rat der Soldatendeputierten bereits im Juni 1917 mit der Herausgabe einer speziellen literarischen und künstlerischen Zeitschrift „Der Weg der Befreiung“, die sich an Soldatenleser richtete. Kusnezow wurde Kunstredakteur. Interessant ist, dass sich von allen 16 Teilnehmern der Blauen Rose nur drei dafür entschieden, Sowjetrussland zu verlassen, während der Rest die Idee eines neuen Staates als solche wahrnahm neue Chance für Kreativität und, was am wichtigsten ist, dafür, ihre Früchte allen Menschen zugänglich zu machen.

1923 schickte ihn die Sowjetregierung mit einer Ausstellung von 200 seiner Werke nach Paris, was von großer Bedeutung für die Widerlegung des falschen Narrativs in der westlichen Propaganda über die „Bolschewiki – Zerstörer der Kultur“ war. Die Reise, die ihm jedoch ein neues künstlerisches Verständnis der Welt um ihn herum offenbarte, war eine Reise in den Kaukasus und auf die Krim (1925-1930). Der dritte Höhepunkt seines Schaffens war geprägt von Themen, die ihm noch nicht bekannt waren:

„Das kollektive Pathos des monumentalen Baus, bei dem Menschen, Maschinen, Tiere und Natur zu einem kraftvollen Akkord verschmelzen“, sagte Kuznetsov über die von Armenien inspirierten Werke.

Pawel Kusnezow. Verarbeitung von Artik-Tuffstein. 1929

Die Krim mit ihrem hellen südlichen Flair zwang den Künstler, sich von seinem geliebten blauen Dunst zu lösen, der seine „östlichen“ Werke umhüllte, und Grün, Gelb und Rot freien Lauf zu lassen, wie in den Gemälden „Frühling auf der Krim“ oder „Straße“. nach Alupka“. Ab dieser Zeit verändert sich das Bild des Himmels in seinen Werken stark.

Der Himmel, der in der „Kirgisischen Suite“ das Geschehen auf der Erde zu dominieren scheint, beginnt im Gegenteil Schatten der irdischen Dinge anzunehmen, die ein Mensch tut. Der Schöpfungsgedanke rückt in seine Werke in den Mittelpunkt und erwächst organisch aus den schöpferischen Entdeckungen seiner Jugend, und das Thema Mensch und Erde beginnt sich gegenüber dem Thema Himmel durchzusetzen. Sein weiteres Leben war dem Reisen gewidmet: Er reiste allein und mit Studenten durch das Land, arbeitete an neuen Leinwänden und verfeinerte die Authentizität seiner Eindrücke.

Im Jahr 1928 erhielt er den Titel „Honoured Artist“ der RSFR Nachkriegsjahre Fortsetzung pädagogische Tätigkeit Er schrieb bis zu seinem Tod im Jahr 1968 weiter. Das Geheimnis von Kusnezows kreativer Langlebigkeit liegt darin, dass er sich nie auf ein bestimmtes Thema beschränkte und keine Angst davor hatte, das zu kombinieren, was auf den ersten Blick unvereinbar schien – zum Beispiel, indem er Elemente der alten russischen Malerei in seine orientalischen Lieblingsmotive einführte.

Kusnezow Pawel Warfolomejewitsch (1878-1968)

Die Natur hat P. V. Kuznetsov mit einer brillanten künstlerischen Begabung und einer unerschöpflichen Energie der Seele ausgestattet. Das Gefühl der Bewunderung für das Leben verließ den Künstler erst im Alter. Kunst war für ihn eine Existenzform.

Kuznetsov konnte sich bereits als Kind in der Werkstatt seines Vaters, eines Ikonenmalers, mit dem Kunsthandwerk vertraut machen. Als die künstlerischen Neigungen des Jungen klar definiert waren, trat er in das Mal- und Zeichenatelier der Saratov Society of Fine Arts ein, wo er mehrere Jahre (1891-96) unter der Leitung von V. V. Konovalov und G. P. studierte .

Ein äußerst wichtiges Ereignis in seinem Leben war seine Begegnung mit V. E. Borisov-Musatov, der einen starken und positiven Einfluss auf die künstlerische Jugend Saratows hatte. Im Jahr 1897 bestand Kusnezow die Prüfungen an der Moskauer Schule für Malerei und Malerei mit Bravour. Er lernte gut und zeichnete sich nicht nur durch sein brillantes Talent aus, sondern auch durch seine echte Leidenschaft für die Arbeit. In diesen Jahren stand Kusnezow im Bann der Bildkunst von K. A. Korowin; Nicht weniger tiefgreifend war der disziplinäre Einfluss von V. A. Serov.

Zur gleichen Zeit scharte sich eine Gruppe von Studenten um Kusnezow, der später Mitglieder der berühmten Kreativgemeinschaft „Blaue Rose“ wurde. Vom Impressionismus zum Symbolismus – das ist der Haupttrend, der Kusnezows Suche in der Kunst bestimmte frühe Periode Kreativität. Nachdem er der Freilichtmalerei Tribut gezollt hatte, suchte der junge Künstler nach einer Sprache, die nicht so sehr die Eindrücke der sichtbaren Welt widerspiegeln könnte, sondern vielmehr den Zustand der Seele. Auf diesem Weg näherte sich die Malerei der Poesie und der Musik, als wollte sie die Grenzen der visuellen Möglichkeiten austesten. Zu den wichtigen Begleitumständen gehört die Beteiligung Kusnezows und seiner Freunde an der Gestaltung symbolistischer Darbietungen und die Mitarbeit in symbolistischen Zeitschriften.

Im Jahr 1902 unternahm Kusnezow mit zwei Kameraden – K. S. Petrov-Vodkin und P. S. Utkin – das Experiment der Malerei in der Kirche der Muttergottes von Kasan in Saratow. Junge Künstler beschränkten sich nicht auf die Einhaltung der Kanons und ließen ihrer Fantasie freien Lauf. Das riskante Experiment löste einen Sturm öffentlicher Empörung und Blasphemievorwürfe aus – die Gemälde wurden zerstört, für die Künstler selbst wurde diese Erfahrung jedoch wichtiger Schritt auf der Suche nach neuer bildnerischer Ausdruckskraft.

Als er sein Studium an der MUZHVZ (1904) abschloss, war Kusnezows symbolistische Ausrichtung völlig festgelegt. Besondere Bedeutung erlangten die malerischen Entdeckungen von Borisov-Musatov. Allerdings ist das Gleichgewicht zwischen Abstraktem und Konkretem, das die besten Werke Musatows auszeichnet, nicht charakteristisch für Kusnezows Symbolik. Das Fleisch der sichtbaren Welt schmilzt in seinen Gemälden, seine Bildvisionen sind fast surreal, gewoben aus Schattenbildern, die subtile Bewegungen der Seele bezeichnen. Kusnezows Lieblingsmotiv ist ein Brunnen; Schon als Kind war der Künstler vom Spektakel des Wasserkreislaufs fasziniert, und nun werden Erinnerungen daran auf Leinwänden wach, die das Thema des ewigen Kreislaufs des Lebens variieren.

Kuznetsov bevorzugt wie Musatov Tempera, nutzt deren dekorative Fähigkeiten jedoch auf sehr originelle Weise, als ob er die Techniken des Impressionismus im Blick hätte. Die aufgehellten Farbtöne scheinen danach zu streben, zu einem Ganzen zu verschmelzen: kaum farbiges Licht – und das Bild scheint in farbigen Nebel gehüllt („Morgen“, „Blauer Brunnen“, beide 1905; „Geburt“, 1906 usw.).

Kusnezow erlangte schon früh Berühmtheit. Der Künstler war noch keine dreißig Jahre alt, als seine Werke in die berühmte Ausstellung russischer Kunst aufgenommen wurden, die S. P. Diaghilev in Paris (1906) organisierte. Der offensichtliche Erfolg führte dazu, dass Kusnezow zum Mitglied des Herbstsalons gewählt wurde (nicht viele russische Künstler erhielten eine solche Ehre).

Einer von Großveranstaltungen Das russische Kunstleben zu Beginn des Jahrhunderts war die Ausstellung „Blaue Rose“, die im Frühjahr 1907 in Moskau eröffnet wurde. Als einer der Initiatoren dieser Aktion fungierte Kusnezow auch als künstlerischer Leiter der gesamten Bewegung, die seitdem besteht wurde „Goluborozovsky“ genannt. Ende des 20. Jahrhunderts. Der Künstler erlebte eine kreative Krise. Die Fremdartigkeit seiner Arbeit wurde manchmal schmerzhaft; es schien, dass er erschöpft war und nicht in der Lage war, den in ihn gesetzten Erwartungen gerecht zu werden. Umso beeindruckender war die Wiederbelebung des sich nach Osten wendenden Kusnezow.

Eine entscheidende Rolle spielten die Wanderungen des Künstlers durch die Wolgasteppe sowie Reisen nach Buchara, Samarkand und Taschkent. Ganz am Anfang der 1910er Jahre. Kuznetsov trat mit den Gemälden „Kirgisische Suite“ auf, die den höchsten Höhepunkt seines Talents markierten („Schlafen im Schuppen“, 1911; „Schafschur“, „Regen in der Steppe“, „Mirage“, „Abend in der Steppe“) , alle 1912 usw. ). Es war, als ob ein Schleier vor den Augen des Künstlers gelüftet worden wäre: Seine Farbgebung war, ohne ihre erlesene Nuance zu verlieren, von der Kraft der Kontraste erfüllt, das rhythmische Muster der Kompositionen erlangte die ausdrucksvollste Einfachheit.

Die für Kuznetsov aufgrund seines Talents charakteristische Kontemplation verleiht den Gemälden des Steppenzyklus einen rein poetischen Klang, lyrisch eindringlich und episch feierlich. Zeitlich angrenzend an diese Werke zeigt die „Buchara-Serie“ („Teehaus“, 1912; „Vogelbasar“, „Im buddhistischen Tempel“, beide 1913 usw.) eine Steigerung der dekorativen Qualitäten und weckt theatralische Assoziationen.

In denselben Jahren malte Kusnezow mehrere Stillleben, darunter das hervorragende „Stillleben mit japanischer Gravur“ (1912). Kusnezows wachsender Ruhm trug zur Erweiterung seines Ruhmes bei kreative Tätigkeit. Der Künstler wurde eingeladen, an der Bemalung des Kasaner Bahnhofs in Moskau mitzuwirken, und fertigte Skizzen an („Gathering Fruits“, „Asian Bazaar“, 1913–14), die jedoch unerfüllt blieben. Im Jahr 1914 arbeitete Kuznetsov bei der ersten Produktion mit A. Ya. Tairov zusammen Kammertheater- das Stück „Sakuntala“ von Kalidasa, das ein großer Erfolg war. Diese Erfahrungen, die das reiche Potenzial von Kusnezow als Dekorateur entfalteten, beeinflussten ihn zweifellos Staffelei-Malerei, die sich zunehmend dem Stil der monumentalen Kunst zuwandte („Wahrsagerei“, 1912; „Abend in der Steppe“, 1915; „An der Quelle“, 1919-20; „Usbekische Frau“, 1920; „Geflügelhaus“, Anfang der 1920er Jahre usw. .).

In den Jahren der Revolution arbeitete Kusnezow mit großer Begeisterung. Er beteiligte sich an der Gestaltung revolutionärer Feste, an der Herausgabe der Zeitschrift „Der Weg der Befreiung“, leistete pädagogische Arbeit und beschäftigte sich mit vielen künstlerischen und organisatorischen Problemen. Seine Energie reichte für alles. In dieser Zeit entstehen neue Variationen orientalischer Motive, die vom Einfluss der altrussischen Malerei geprägt sind; zu seiner Nummer beste Werke darunter großartige Porträts von E. M. Bebutova (1921-22); Gleichzeitig veröffentlichte er die lithografischen Serien „Turkestan“ und „Mountain Bukhara“ (1922–23). Die Bindung an ein ausgewähltes Themenspektrum schloss die lebhafte Reaktion des Künstlers auf die aktuelle Realität nicht aus.

Inspiriert von einer Reise nach Paris, wo 1923 seine Ausstellung (zusammen mit Bebutova) organisiert wurde, schrieb Kuznetsov „Paris Comedians“ (1924-25); In diesem Werk verwandelte sich sein inhärenter dekorativer Lakonismus in einen unerwartet scharfen Ausdruck. Neue Entdeckungen brachten die Reisen des Künstlers auf die Krim und in den Kaukasus (1925–29). Durchdrungen von Licht und energischer Bewegung erlangte der Raum seiner Kompositionen Tiefe; Dazu gehören die berühmten Tafeln „Weinlese“ und „Krimkolchos“ (beide 1928). In diesen Jahren versuchte Kusnezow beharrlich, sein Handlungsrepertoire zu erweitern und wandte sich den Themen Arbeit und Sport zu.

Sein Aufenthalt in Armenien (1930) brachte eine Reihe von Gemälden zum Leben, die nach den Worten des Künstlers „das kollektive Pathos monumentaler Konstruktionen verkörperten, in denen Menschen, Maschinen, Tiere und Natur zu einem kraftvollen Akkord verschmelzen“. Trotz aller Aufrichtigkeit seines Wunsches, auf die soziale Ordnung zu reagieren, konnte Kusnezow die Orthodoxien der neuen Ideologie nicht vollständig befriedigen, was ihn oft scharfer Kritik wegen „Ästhetizismus“, „Formalismus“ usw. aussetzte. Die gleichen Anschuldigungen wurden an ihn gerichtet weitere Meister des Vereins „Vier Künste“ (1924-31), dessen Gründungsmitglied und Vorsitzender Kusnezow war. Werke, die in den späten 1920er und frühen 1930er Jahren entstanden sind. (darunter „Porträt des Bildhauers A. T. Matveev“, 1928; „Mutter“, „Brücke über den Zang-gu-Fluss“, beide 1930; „Baumwollsortierung“, „Pushball“, beide 1931) – das letzte Hochhaus der Kreativität Kuznetsova . Dem Meister war es bestimmt, seine Zeitgenossen weit zu überleben, aber auch im hohen Alter verlor er nicht seine Leidenschaft für Kreativität.

In seinen späteren Jahren beschäftigte sich Kusnezow hauptsächlich mit Landschaften und Stillleben. Und obwohl die Arbeit letzten Jahren Kusnezows kreative Langlebigkeit ist den vorherigen unterlegen und kann nur als außergewöhnliches Phänomen angesehen werden.