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Renommierter Gesangslehrer, Leader Jugendprogramm Das Bolschoi-Theater Dmitry Vdovin hielt beim Winter International eine interaktive Meisterklasse ab Musikfestival Juri Bashmet in Sotschi.

Als ich hierher fuhr, war ich mir nicht sicher, ob sich jemand während der Olympischen Spiele für die Meisterklasse eines Gesangslehrers interessieren würde - gab Vdovin sofort zu. - Aber Sie haben sich versammelt, was bedeutet, dass es sogar bei den Olympischen Spielen ein Interesse an Musik gibt. Wir arbeiten mit der Stimme, und das ist kein Instrument, das man mit einem Lappen reinigen und in die Ecke stellen kann. Darin liegt die ganze Komplexität unserer Arbeit.

Ein Schwerpunkt der Meisterkurse bei Yuri Bashmets Festivals ist Geographie. Dank der Zusammenarbeit mit der Firma Rostelecom leitet der zum Festival gekommene Lehrer in vielen Städten gleichzeitig eine Meisterklasse. In den Hallen Musikschulen Video-Kits installiert sind, Ton und Bild ohne Verzögerung eingeht Orgelsaal Sotschi Philharmonie. Diesmal wurde die Meisterklasse besucht und vor allem nahmen Rostow, Jekaterinburg, Samara und Nowosibirsk daran teil.

Aber sie haben trotzdem mit Sotschi angefangen. David Chikradze, Student im 2. Jahr der Sochi School of Arts, wagte sich als erster auf die Bühne und sang dem berühmten Lehrer eine Arie aus Händel, dem zweiten Dämonenroman.

Sie haben einen wunderschönen Bariton, aber für die öffentliche Aufführung haben sie ein Stück ausgewählt, bei dem Sie über den Tonumfang hinausgehen mussten. Aber zuerst ein wichtiger Hinweis. Wenn Sie zur Meisterklasse kommen, sollten Sie drei Notensätze haben – einen für den Begleiter, einen weiteren für den Lehrer und den dritten für sich selbst. Warum für sich selbst? Weil Sie sich Sorgen machen und wahrscheinlich vieles vergessen werden, was gesagt wurde, müssen Sie sich Notizen auf Ihrem Exemplar machen.

Besonders streng tadelte Dmitry Vdovin junge Künstler wegen unscharfer oder falscher Aussprache - sowohl auf Russisch als auch auf Italienisch.

Die Aussprache ist sehr wichtig. Oft muss man auf Italienisch singen, außerdem sprechen mehrere hundert Millionen Menschen diese Sprache. Die richtige Aussprache gibt Ihnen den Schlüssel zur Leistung, hören Sie sich die Schönheit der Aussprache von Sätzen durch Italiener an!

Eine weitere Eigenschaft, die Vdovin nicht außer Acht gelassen hat, ist die organische Natur des Sängers.

Singen soll spontan, natürlich sein. Wie Oscar Wilde sagte, ist das Schwierigste, natürlich zu sein. Beim Singen kommt es also vor allem darauf an, natürlich zu bleiben. Jetzt in der Opernrolle Theaterdirektor wichtiger geworden Opernkünstler man muss viel an den Bildern arbeiten, und Natürlichkeit ist der wichtigste Helfer für die Rolle. Singen Sie mit viel Freude - genießen Sie den fliegenden schönen Klang.

Und der Meister erinnerte den Bariton David:

Händel hat keine Stimmen für Baritone, die Baritone selbst erschienen erst im 19. Jahrhundert. Diese Arie überlassen wir Tenören und Countertenören, und Sie suchen nach etwas Passenderem für Ihre Stimme.

Das nächste Vorsingen war ein 12-jähriger Junge aus Samara, Valery Makarov, der über seine Jahre hinaus einen wunderschönen Diskant zeigte.

Sie haben eine schöne Stimme und Musikalität, und das ist wichtig. Separate Spezialisten arbeiten mit Kindern, ich mache das nicht, aber ich werde ein paar Gedanken sagen. Das ist ein süßes Lied! Nicht das, wo Sie die Stärke der Stimme, Druck zeigen müssen. Sobald Sie auf sanfte Farben umgestellt haben, war sofort klar, wovon Sie singen. Wovon handelt dieses Lied? Der Held des Liedes hat eine alte Mutter und er singt ihr vor, dass er definitiv zu ihr zurückkehren und sie umarmen wird. Hast du eine junge Mutter?

Ja! Valera antwortete ohne zu zögern.

Und der Held dieses Liedes ist schon alt. Und was die Aussprache angeht. Es gibt Wörter im Italienischen, die wie „Mama“ und „Mama“ ausgesprochen werden – das haben sie unterschiedliche Bedeutungen- "Mama" und "Ich liebe dich". In diesem Lied - "Mama". Versuche, gefühlvoller zu singen. Du hast ein wunderschönes Timbre – und das Timbre ist das Schönste an der Stimme.

Ein anderer Vertreter aus Samara sang mit übermäßigem Druck. Vdovin begann, über Genügsamkeit mit visuellen Mitteln zu erklären.

Vor dem Anheben der Melodie wird die Stimme abgedeckt. Das Cover soll die Stimme nicht nach hinten und unten schieben, sondern heller machen! Du musst musikalischer singen. Wenn ein junger Mann herauskommt, warten natürlich alle auf eine Stimme, aber noch mehr - sie warten auf Talente. Es gibt viele Stimmen. Aber es kommt vor, dass die Stimme klein ist, aber jeder sagt - wie er singt! Achten Sie auf die Präsentation des Materials selbst.

Novosibirsk wurde von der 18-jährigen Irina Kolchuganova präsentiert, die sanft und schüchtern Gildas Arie aus Verdis Rigoletto sang. Vdovin machte darauf aufmerksam, wie sie die Arbeit nannte.

Wenn Sie ankündigen, welche Arie Sie singen werden, fügen Sie immer die ersten Worte der Arie zum Titel hinzu – und alle Zuhörer ab verschiedene Länder wird verstehen, was genau Sie singen werden.

Du singst leise. Das Problem mit unseren Sängern, die ich bei Vorsingen im Bolschoi-Theater und bei Wettbewerben höre, ist, dass sie Zärtlichkeit nicht schätzen. Die Interpreten wollen sofort Aggression, eine kraftvolle Darbietung, sie versuchen, die Teile zu singen, die für Sänger mit einem stärkeren Apparat geschrieben sind. Und Zärtlichkeit – sie berührt die Zuhörer mitten ins Herz. Bewahren Sie diese Zärtlichkeit, Zerbrechlichkeit in sich auf – machen Sie sie zu Ihrem Vorteil.

Noch eins wertvoller Ratschlag Vdovin sprach über die Fähigkeit, Material zu präsentieren.

Ein anderer Name für diese Arie ist "The Story". Sie müssen die Person sehen, der Sie diese Geschichte erzählen, und es ist an ihm, die Arie zu erzählen. Gilda erzählt, wie sie sich hinter ihre Geliebte geschlichen hat – nun, hier kann man nicht forte singen! Jeder kennt das mit der ersten Liebe – Herumschleichen, das ist ein besonderes Gefühl – und das muss dem Zuhörer gezeigt werden.

Rostov war der nächste in der Videoübertragung. Der 21-jährige Bariton Vadim Popechuk sang äußerst emotional Leoncavallo. Zunächst machte Vdovin auf den tosenden Applaus im Saal des Rostower Musikkollegs aufmerksam.

Ein Künstler ist ein so schwieriger Beruf, dass man ihn unterstützen muss und – klatsch! Oft sitzen viele Experten im Saal des Bolschoi-Theaters zum Vorsprechen, aber der Künstler sang - und niemand klatschte. unter ihrer Würde. Und du musst klatschen!

Über die Leistung von Vadim sagte der Meister Folgendes:

21 Jahre sind zu wenig für einen Bariton. Die Arie wurde für eine volle Stimme geschrieben, einen reifen Bariton. Leoncavallo hat bereits viele Emotionen, und Sie müssen sich nicht auf Emotionen stützen, bleiben Sie legato, sonst erscheint keine italienische, sondern eine Zigeuner-Intonation.

In Anlehnung an Dmitry Vdovin formulierte er ein weiteres wichtiges Postulat:

Seltsamerweise ist unser Beruf mit der Mathematik verwandt. Sie müssen jede Pause, jede Note, die Dauer jeder Fermate berechnen. Wofür? Damit das Publikum unter den vorgeschlagenen Umständen von Ihren Emotionen angesteckt wird, ist dies wichtig - wir sind im Theater. Der Sänger muss die Dauer jeder Note im Voraus genau kennen, wissen, wann er einatmen wird, - alles auf die Millisekunde genau berechnen.

Und dann begann die eigentliche Attraktion. In der Halle bemerkte Vdovin den Bariton Andrei Zhilikhovsky, der am von ihm betreuten Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters teilnimmt und nach Sotschi kam, um in Yuri Bashmets Produktion von Eugene Onegin zu singen. Und Andrei Zhilikhovsky wurde auf die Bühne eingeladen und bot an, ihm ein Duett mit Vadim zu singen, Couplets der Reihe nach. Als er Zhilikhovskys verwirrten Blick bemerkte, erklärte er, dass sie ihn von Rostov begleiten würden. Und es hat funktioniert! Die Verbindung erwies sich als stabil, ohne die geringste Verzögerung (was wir oft bei Live-Übertragungen von Fernsehsendern sehen), - zwei Baritone sangen abwechselnd und verschmolzen unisono auf der Coda.

Ich mag Meisterkurse nicht wirklich, weil es wenig gibt, was wirklich korrigiert werden kann. Aber es erlaubt mir, einige Gedanken zu äußern ... Jetzt ist die Situation erstaunlich, wir sitzen an der Schwarzmeerküste, Andrey kommt aus Moldawien, Wadim und die Begleitung sind in Rostow. Wir haben unsere eigenen Olympischen Spiele!

Eine weitere Aufnahme aus Jekaterinburg. Der 15-jährige Tenor Alexander sang Tschaikowskys Romanze „Inmitten eines lauten Balls“.

Ein wenig ungenau ausgewähltes Material - viel gute Lieder, aber diese Romanze ist für viele ältere Menschen großartig Lebenserfahrung. Aber Sie haben so berührend gesungen, dass es sehr wertvoll ist, und Sie müssen diesen Faden ein Leben lang führen. Singen Sie alle Sätze auf Russisch. Nicht "Rohr", sondern "Rohr". Nicht "dünn", das ist eine veraltete Aussprache, sondern "dünn". Singen Sie alle Sätze so, wie sie nach den Regeln der russischen Sprache klingen sollten - und es wird viel klarer und stärker. Den Vokal „U“ kann man nicht singen – er geht ins „O“ über, und darunter leidet die Wahrnehmung des Textes, was gerade für eine Romanze wichtig ist.

Schließlich gab Dmitry Vdovin allen jungen Künstlern Ratschläge.

Ich rate immer jungen Künstlern – singen Sie überall und für jeden, den Sie können. Überall auftauchen, an Wettbewerben teilnehmen. Das Land ist groß und es ist sehr schwierig, es zu durchbrechen. Jeder kann sich für die Aufnahme in das Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters bewerben. Eine Ankündigung über die Zulassung zum Jugendprogramm wird in Kürze auf der Website des Bolschoi-Theaters erscheinen, reichen Sie eine elektronische Bewerbung ein - und wir werden Ihnen zuhören. Denken Sie daran, dass es immer jemanden gibt, der Ihnen irgendwo auf dem Festival zuhört, Sie berät, Sie irgendwohin einlädt, Ihnen hilft – so funktioniert unser Berufsleben.

Der Meisterkurs endete mit Tschaikowskys Romanze „Auf die gelben Felder“ nach Versen von Alexei Tolstoi, dargeboten von Bariton Andrei Zhilikhovsky.

Wadim Ponomarew
Ein Foto - Alexey Molchanovsky

Am 17. April 2017 feiert einer der berühmtesten Opernpädagogen der Welt, Dmitry Vdovin, seinen 55. Geburtstag.

Seine Studenten haben die renommiertesten Wettbewerbe gewonnen, in denen er arbeitet die besten Theater, ist dem Bolschoi jedoch seit mehr als dreißig Jahren treu geblieben.

Der Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Professor Dmitry Vdovin, sprach offen über die Feinheiten seiner Arbeit und darüber, wie schnell sich die Welt der Oper verändert (und was dagegen zu tun ist). exklusives Interview für Radio Orpheus.

– Sie sind kürzlich von der Metropolitan Opera zurückgekehrt, wo Sie Meisterkurse gegeben haben. Was sind die Hauptunterschiede zwischen Jugendprogrammen und Sängern?

- Es gibt mehr Gemeinsamkeiten als Unterschiede. Ich stieß auf Jugendprogramme in den Vereinigten Staaten und begann dort zu arbeiten. Als wir das Jugendprogramm im Bolschoi eröffneten, nutzte ich diese Erfahrung, und es war vernünftig: Warum ein Fahrrad eröffnen? Was das Niveau der Sänger betrifft, so wäre es irgendwie unbescheiden, wenn ich sagen würde, dass das Niveau unserer Sänger höher ist. Aber natürlich gibt es Unterschiede.

Wir sind nicht so weltoffen und international wie unsere Kollegen in New York, London oder Paris. In diesem Sinne haben sie sicherlich mehr Möglichkeiten. Um am Bolschoi-Theater zu arbeiten und überhaupt in Moskau zu leben, muss man Russisch sprechen, und das ist für Ausländer nicht einfach. Wir haben viele von ihnen, aber meistens sind sie Bürger der Republiken ehemalige UdSSR- wir laden Sänger des russischsprachigen Kreises ein.

Zweitens haben unsere Kollegen im Westen in den großen Theatern manchmal ein größeres Budget. Aber mir scheint, dass unser Programm trotzdem mehr als andere an der Entwicklung des Künstlers arbeitet. Nennen wir die Dinge beim Namen: An vielen Theatern ist das Hauptziel solcher Programme der Einsatz junger Künstler in kleinen Rollen im aktuellen Repertoire.

- Ein Sängeranfänger hat nicht die Möglichkeit, mit einem echten Orchester zu singen, um darin aufzutreten Opernaufführung. Die Theater der Hauptstadt sind überfüllt, wo bekommt man diese notwendige Erfahrung her?

– Das war der Grund für die Schaffung des Jugendprogramms am Bolschoi-Theater. Das Ausbildungssystem für Sänger in Russland ist sehr archaisch. Wir haben innovative Eingriffe in das Gemeine Bildungssystem, aber manchmal sind sie schlecht durchdacht, lächerlich und harmonieren nicht immer mit unseren Traditionen und unserer Mentalität. So war es auch beim Einheitlichen Staatsexamen, das Ablehnung in der Gesellschaft und eine riesige Welle negativer Emotionen auslöste.

Natürlich sind Änderungen im Gesangsausbildungssystem notwendig. Dieses System ist alt, es nahm vor 100-150 Jahren Gestalt an, als die ersten Wintergärten geschaffen wurden. Heute müssen wir verstehen, dass das Opernhaus in vielerlei Hinsicht zu einem Regietheater geworden ist. Und wann bestehendes System entstand, war das Theater rein vokal, in I'm besten fall- Dirigent. Seitdem hat sich viel verändert. Der Regisseur ist heute eine der Hauptfiguren, nicht nur die Stimme ist für den Sänger wichtig, sondern auch die schauspielerische und körperliche Komponente.

Zweitens, wenn vor 30 Jahren in unserem Land die Oper auf Russisch aufgeführt wurde, wird jetzt alles in der Originalsprache aufgeführt. Darüber hinaus gibt es eine erhöhte Nachfrage nach Musikalischer Text. Jetzt ist es nicht mehr möglich, so frei zu singen, wie unsere großen Sänger noch vor 30 Jahren sangen. Und dafür muss der Sänger die entsprechende Vorbereitung haben. Es sollte immer eine pädagogische Anpassung an die aktuelle Zeit, ihre komplexen Tendenzen erfolgen.

Wer einem Sänger der 70er zuhört, muss verstehen, dass manches heute nicht mehr geht. Die Struktur des Opernhauses und des Opernbetriebs haben sich verändert. Für einen Sänger reicht es nicht aus, nur das russische Theater zu kennen, er muss die Trends des Welttheaters kennen, die Innovationen kennen, die Künstler, Dirigenten und Regisseure bringen, und sie haben die Wahrnehmung der Oper bereits stark verändert.

- Reichen nicht zwei Opernprogramme für ein so singendes Land wie unseres?

– Vergessen Sie nicht, dass das Galina Vishnevskaya Zentrum für Operngesang noch existiert. Wahrscheinlich gibt es an vielen Opernhäusern Azubi-Gruppen.

Das Jugendprogramm, wie es in existiert große Theater, ist ein sehr kostspieliges Unterfangen. Wenn das wirklich ein Jugendprogramm ist, und nicht eine Art Azubi-Gruppe, bei der die Leute mitgenommen werden Probezeit und entscheiden, ob sie sich weiter mit ihm befassen oder nicht.

Und das Jugendprogramm ist Lehrer, Trainer (Pianisten-Tutoren), Sprachen, Bühnen- und Schauspielausbildung, Klassen und Räumlichkeiten, eine gewisse soziale Komponente. Das alles kostet viel Geld. Unsere Theater sind nicht reich, ich glaube, sie können es sich einfach nicht leisten.

Aber in Armenien, das uns freundlich gesinnt ist, haben sie kürzlich ein Programm aufgelegt, und wie ich sehe, werden sie immer besser. Was die russischen Opernhäuser betrifft, merke ich es nicht Großes Interesse von ihrer Seite zu dem, was wir tun. Außer vielleicht Jekaterinburg.

- Warum wissen sie es in anderen Theatern nicht? Vielleicht müssen sie einen Newsletter versenden?

- Jeder weiß alles sehr gut. Aber ausländische Partner interessieren sich für das, was wir im Bolschoi-Theater machen. Unsere enge internationale Zusammenarbeit begann mit der Washington Opera, wir haben eine ständige Zusammenarbeit mit der La Scala Academy und anderen italienischen Opernprogrammen, mit Hilfe der italienischen Botschaft und der großzügigen Unterstützung von Herrn David Yakuboshvili, wofür wir ihm sehr danken.

Wir bauen eine aktive Zusammenarbeit mit der Pariser Oper und der Metropolitan auf. Darüber hinaus kooperieren wir mit den Queen Sonja Competitions in Oslo, der Paris Competition, die ihre Künstler sehr aktiv fördern. Dies geschieht nicht nur, weil wir an ihre Türen klopfen, es ist ein gemeinsames partnerschaftliches Interesse.

– Von einem jungen Sänger in Russland werden oft außergewöhnliche Beweise dafür verlangt, dass er eine Stimme hat. Es ist notwendig, mit einem so großen Klang zu singen, dass die Wände erzittern. Bist du damit konfrontiert oder nicht?

„Ich habe jeden Tag mit diesen Kosten des Geschmacks zu tun. Dafür gibt es mehrere Gründe. Die Tradition hat sich so entwickelt, dass unser Publikum nach lautem Singen verlangt. Das Publikum liebt es, wenn es laut ist, wenn es viele hohe Töne gibt, dann fängt der Sänger an zu applaudieren. Zufällig spielen unsere Orchester auch recht laut. Das ist eine Art Leistungsmentalität.

Ich erinnere mich sehr gut, als ich zum ersten Mal an die Met kam, war es für eine Minute Wagners Tannhäuser, ich war erstaunt - das Orchester unter der Leitung von James Levine spielte sehr leise! Es ist Wagner! Meine Ohren sind an einen ganz anderen Klang gewöhnt, an eine reichere Dynamik. Es hat mich zum Nachdenken gebracht: Es war großartig, alle Sänger in jeder Lage zu hören, keine Probleme mit der Klangbalance, keiner der Sänger gezwungen. Das Problem liegt also nicht nur in den Sängern, die laut singen, sondern darin, dass sich das System, der Geschmack, die Mentalität aller Beteiligten an der Aufführung, einschließlich des Publikums, so entwickelt hat.

Außerdem gibt es in den meisten unserer Säle gravierende akustische Probleme. Viele Theater haben eine sehr trockene Akustik, die die Sänger nicht unterstützt. Ein weiterer wichtiger Faktor: Russen Opernkomponisten Sie dachten sehr groß, meistens schrieben sie für zwei große kaiserliche Theater mit mächtigen Orchestern und Chören, reifen und kraftvollen Stimmen von Solisten.

So gilt im Westen beispielsweise die Rolle der Tatjana aus Tschaikowskys „Eugen Onegin“ als überaus stark. Einige meiner Kollegen glauben, dass diese Rolle stärker ist als die Rolle von Lisa in Pique Dame. Dafür gibt es einige Gründe - die Dichte des Orchesters, die gespannte Tessitura und Ausdruckskraft. Gesangsteil(insbesondere in der Briefszene und im Schlussduett). Und gleichzeitig ist Onegin nicht die klangstärkste und epischste russische Oper im Vergleich zu anderen Opern von Tschaikowsky sowie den Werken von Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Borodin.

Hier läuft alles zusammen: historische Gegebenheiten, nationale Traditionen und Gesangs-, Dirigier- und Zuhörmentalitäten. Als sich die UdSSR öffnete und wir anfingen, Informationen aus dem Westen zu erhalten, wo die Dinge anders lagen, war unsere Tradition eine etwas „große“ Aufführung ohne dynamische Unterschiede und besondere Delikatesse in der Herangehensweise. Der Missbrauch eines solchen Gesangs hat die Karrieren vieler prominenter Künstler zum Scheitern gebracht.

Ich muss sagen, dass wir hier nicht ganz allein sind – in den USA singen sie auch groß, da ihre riesigen Hallen dort beschallt werden müssen. Amerikanische Pädagogen sagen wie ein Mantra: „Don’t push!“ (erzwinge es nicht!), aber Sänger machen oft Push-Push. Aber dennoch existiert es dort nicht in dem Maße, wie es einmal bei uns war und manchmal immer noch ist.

– Wie arbeitet man am Schallflug?

„Das Wichtigste ist, Kraft durch Können zu ersetzen. Dies ist die Bedeutung der Belcanto-Schule, die ohne sichtbare Anstrengung und mit unterschiedlicher Klangdynamik (einschließlich Klavier und Pianissimo) die Schallprojektion in den Saal gibt. Das ist bei jedem anders und nationale Schulen noch unterscheiden. Wenn Sie setzen typischer Vertreter Amerikanische Schule, Französisch, Italienisch und Russisch, Sie werden einen großen Unterschied in der Technologie hören, selbst jetzt, wo alles ziemlich verschwommen und globalisiert ist.

Die Unterschiede sind sprachlich bedingt. Sprache ist nicht nur Sprache, Sprache ist die Struktur des Apparats, artikulatorische und phonetische Merkmale. Aber das Ideal eines singenden Klangs, also das Ergebnis einer Schule, ist in vielen Ländern ähnlich. Wenn wir über Sopran sprechen, wollen viele nicht nur russische, sondern auch ausländische Sänger wie Anna Netrebko singen. Und wie viele Tenöre imitieren Kaufman und Flores?

- Das ist ein großes Minus für den Sänger.

- Das war schon immer so. Warum Minus? Wenn der Sänger niemanden hat, von dem er lernen kann, aber er wählt den richtigen Bezugspunkt für sich selbst im Gesang, dann kann dies durchaus hilfreich sein. Aber was tun, wenn Sie die gleiche Art von Stimme haben, aber der Bezugspunkt das Gegenteil ist? Dies passiert oft und ist mit Katastrophen behaftet. Zum Beispiel ahmt der Bass, der zu einem tiefen, profunden Repertoire passt, die Basskantante nach und singt ein hohes Repertoire, außer Schaden bringt ihm das nichts und umgekehrt. Hier gibt es unzählige Beispiele.

- Wir haben Gesangsschule bezogen auf Tiefbass. Was ist Hochbass? Leider wird diese Art von Stimme als Bariton klassifiziert…

- Im Allgemeinen wissen die Menschen in unserem Land nichts über die Existenz bestimmter Arten von Stimmen, die wirklich existieren. Ohne Berücksichtigung dieser Gesangskategorien, die man als Gesangsrolle oder Stimmtyp oder, wie in der Opernwelt üblich, „Fach“ nennen kann, ist ein Unterricht nicht möglich. Bis vor kurzem wussten viele nicht, was eine lyrische Mezzosopranistin ist. Alle Mezzosopranisten mussten Lyubasha mit tiefen, dunklen Stimmen singen. Wenn sie es nicht sagen könnten dramatisches Repertoire, sie wurden einfach ins Sopran übersetzt. Es hat zu nichts Gutem geführt.

Der lyrische Mezzosopran ist keine Grenzstimme, sondern ein eigenständiger Stimmtyp mit einem umfangreichen und streng definierten Repertoire. Es gibt auch dramatische Lyrischer Tenor, gibt es auch Einteilungen für den Mezzosopran (dramatisch, lyrisch). Außerdem können die lyrischen Mezzos selbst stilistisch unterschiedlich sein technische Eigenschaften. Lyrischer Mezzo kann Händel, Rossini, Mozart sein, vielleicht mit einer starken Neigung zum Französischen Lyrische Oper, die auch viele Rollen für diese Stimme hat.

Dasselbe gilt für den Bassbariton. Wir hatten wunderbare Baritonbässe in Russland: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, jetzt Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Wenn Sie die Liste der Met-Künstler öffnen, sind die Bassbaritone einer der größten Abschnitte ihrer Sängerliste. Dies ist sehr wichtig, da der Bassbariton für viele Rollen in den Opern von Händel und Mozart ideal ist, und in der russischen Oper gibt es Rollen für Bassbaritone - Demon, Prince Igor, Galitsky, im Rahmen dieser dortigen Gesangsrolle kann sowohl Ruslan als auch Shaklovity und Tomsky und sogar Boris Godunov sein.

Wenn der Sänger höher oder tiefer gezogen wird, beginnen die Probleme. Wenn der Sänger ein Bassbariton ist, bedeutet dies keineswegs, dass der Sänger eine kurze Stimme hat (dh ohne extreme obere oder untere Töne), im Gegenteil, er hat meistens eine sehr große Auswahl. Aber diese Art von Stimme hat eine andere Farbe und ein anderes Grundrepertoire als Baritone oder Bässe. Opernspezialisten - Dirigenten, Pianisten-Tutoren, Casting-Direktoren, Kritiker und natürlich vor allem Lehrer sollten all diese Feinheiten kennen, unterscheiden und in den Stimmen von Sängern hören.

Unser Gebiet ( Operngesang) erfordert, wie es sich für jede akademische Gattung gehört, großes Wissen, Traditionsverständnis, Unzufriedenheit, ständiges Wachstum, kontinuierliche Arbeit an sich selbst und das Studium sich ständig ändernder Leistungstrends.

Wenn Sie das Interesse an Selbstverbesserung verloren haben, sich in Ihrer persönlichen Welt verschlossen haben oder noch schlimmer, plötzlich entschieden haben, dass Sie Perfektion erreicht haben und vollkommen zufrieden mit sich selbst sind, dann bedeutet dies, dass Sie als Kunstmensch geendet haben und Sie sollten dieses Geschäft sofort aufgeben. Jeder von uns, der lehrt, muss ständig für sich selbst lernen. Die Opernwelt bewegt sich schnell in eine bestimmte Richtung, man kann darüber streiten oder nicht, aber sie verändert sich. Und wenn Sie von diesen Veränderungen nichts wissen wollen, sie nicht sehen, verstehen und ihnen entsprechen wollen, dann adieu, Sie sind eine veraltete Figur, und Ihre Schüler sind nicht bereit für die Realitäten der modernen Bühne .

Junge Menschen fordern dieses Wissen ein, manchmal sind sie dank des Internets und seiner Möglichkeiten viel besser informiert. Jeder Student kann in Meisterklassen beispielsweise von Joyce Didonato oder Juan Diego Flores nachsehen und vergleichen, was am Konservatorium oder in der Schule von ihm verlangt wird und was diese sehr klugen und vor allem sehr modern denkenden Künstler verlangen. Das bedeutet nicht, dass sie schlecht von uns verlangen, aber da ist es gut, aber manchmal sind die Unterschiede erheblich. Sie müssen sich dieser Details bewusst sein.

Im Allgemeinen ist Vergleichen eine großartige Sache, im Vergleich wird ein Profi geboren. Wenn ein Sänger beginnt, Stimmen, ihre Eigenschaften, die Individualitäten von Künstlern und ihre Interpretationen sowie die Interpretationen verschiedener Dirigenten, Regisseure, Lehrer, Künstler, Musiker usw. zu vergleichen, dann bildet sich ihre eigene Denkweise, Methode und vor allem wichtig in der Kunst, künstlerischer Geschmack.

- Jetzt sagen sie, dass das Diplom unwichtig ist. Entscheidend ist, wie Sie essen. Ist das so?

- So ist es jetzt nicht. Wenn ich bei Wettbewerben und Vorsingen in der Jury sitze, lese ich Lebensläufe von Sängern, sehe selten Leute, die nur privat studieren würden. Früher viele, besonders italienische sänger studierte nicht an Konservatorien, nahm Unterricht bei Privatlehrern und begann sofort eine Karriere. Jetzt, wo die Anforderungen an Sänger so umfangreich sind und sich nicht nur auf die Stimme beschränken, gibt es weniger von ihnen. Aber auch wunderbare Privatlehrer in Italien, wie anderswo.

- Wettbewerbe jetzt etwas lösen? Zu welchen Wettkämpfen soll ich gehen junger Sänger?

- Wenn Sie zu einem Wettbewerb gehen, müssen Sie verstehen, was Sie davon erwarten. Dafür gibt es mehrere mögliche Gründe. Vernunft - Erfolg, der Wunsch zu gewinnen, ist in allen Fällen impliziert, dies ist Teil des Künstlerlebens, das tägliche Rivalität ist. Es gibt sogenannte „Wettkampf“-Sänger, die eine besondere Leidenschaft haben, und unter meinen Schülern gibt es auch solche. Sie lieben den Wettkampf an sich, sie schwelgen in der Wettkampfatmosphäre, diesem Adrenalin, sie blühen dort einfach auf, während es vielen ihrer Kollegen wehtut.

Grund eins. Versuchen Sie Ihr Glück. Den anfänglichen Grad der eigenen Fähigkeiten verstehen, was man „Menschen anschauen und sich zeigen“ nennt. Wettbewerbe sind hier nicht geeignet hohes Level- Lokal, Low-Budget. Es ist nicht schlecht, mit ihnen für sehr junge Sänger zu beginnen, um zu üben, Muskeln aufzubauen (nicht nur stimmlich, sondern auch nervös, kämpfend).

Wenn Sie ein junger Sänger sind und sich einfach nur ausprobieren wollen, müssen Sie nicht zu den größten Wettbewerben wie dem Francisco Viñas-Wettbewerb in Barcelona, ​​​​Placido Domingos Operalia, New Voices in Deutschland, der BBC in Cardiff, dem gehen Queen-Sonja-Wettbewerb in Oslo oder Queen Elizabeth in Brüssel.

Grund zweitens. Um einen Job zu finden. Es kann ein Wettbewerb sein, bei dem die Jury aus Theaterregisseuren, Agenten und anderen Arbeitgebern besteht, oder ein Wettbewerb, der von Agenten geliebt wird. Die Jurys von Wettbewerben wie dem Belvedere (Hans-Gabor-Wettbewerb) oder der Competizione dell'opera italiana (Hans-Joachim Frei) bestehen größtenteils aus Agenten und Casting-Administratoren. Obwohl sich die oben genannten auch darin unterscheiden.

Diese Wettbewerbe sind für diejenigen, die Agenten brauchen, die Arbeit brauchen, und die meisten dieser Sänger. Dies ist eine andere Art von Wettbewerb. Wenn Sie ein Anfänger sind, keine Wettbewerbserfahrung haben, müssen Sie nicht zu diesen großen Wettbewerben gehen, zu denen erfahrenere Sänger gehen, um mit einem Orchester zu singen, die neben allem trainierte Nerven haben.

Grund dritter. Geld. Nun, es bedarf keiner besonderen Raffinesse, dies sind alle Wettbewerbe mit einem hohen Prämienfonds. Viele gute südkoreanische Sänger, die in ihrer Heimat nicht viel Arbeit haben, ziehen von Wettbewerb zu Wettbewerb, gewinnen und gewinnen Preise und verdienen damit ihren Lebensunterhalt.

Unser Tschaikowsky-Wettbewerb ist ein Wettbewerb für mehrere Spezialitäten, nicht nur Gesang. Es kam leider vor, dass die Sänger darauf nie im Rampenlicht standen. Vielleicht hat erst der 4. Wettbewerb, der von Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya und Kallas und Gobbi gewonnen wurde, um in der Jury zu arbeiten, besondere Aufmerksamkeit auf die Gesangssektion gelenkt.

Ich weiß nicht, was der Grund ist, für mich ist es sehr seltsam und unverständlich. Beim Tschaikowsky-Wettbewerb sind wir Sänger eine Art Außenseiter, was vielleicht daran liegt, dass das Singen auf Russisch immer noch eine gewisse Barriere für die Anreise ausländischer Teilnehmer darstellt. Dieser Wettbewerb war für unsere ausländischen Kollegen immer schwierig. Teilweise wegen unserer Nähe, vielleicht weil nicht genug Agenten und Theaterdirektoren kamen, um Arbeit zu geben. Auch das Visaregime schafft Probleme, und zwar erhebliche.

still Stimmwettbewerb Tschaikowsky ist, wenn wir von seiner internationalen Repräsentativität sprechen, lokaler Natur. Früher kam es auch darauf an, wie die Jury arbeitete. Auf Einladung von Irina Konstantinovna Arkhipova war ich 1998 Geschäftsführerin der Jury, was mich ziemlich beeindruckt hat. Hoffe das hat sich jetzt geändert. Aber gleichzeitig gab es Siege beim Tschaikowsky-Wettbewerb, die seiner Karriere einen großen Schub verliehen.

Am Beispiel von Albina Shagimuratova, die 2007 gewann, habe ich gesehen, wie wichtig die Augen der Menschen sind Welt der Oper. Für sie war dies ein großes Sprungbrett in ihr Berufsleben. Aber für viele Gewinner hatte es diesen Effekt nicht.

Für einen Sänger ist es sehr schwierig, sich selbst richtig einzuschätzen. Es ist sehr schwierig und, um die Wahrheit zu sagen, gelingt es selten. Darüber hinaus besteht neben einem aufgeblähten Selbstwertgefühl auch die Gefahr der Selbstironie. Oft wird unser Selbstwertgefühl von anderen herabgesetzt und zerstört. Das ist unsere russische pädagogische Mentalität, sowohl in der Familie als auch in der Schule im weitesten Sinne des Wortes. Und ich habe solche Fälle in der Arbeit waren.

Ich liebe meine Schüler und schätze sie, aber manchmal scheint es mir, dass dieser Sänger zu früh für den Wettbewerb ist, dass er noch nicht bereit ist. Und der Sänger selbst beschließt zu gehen, und wenn ich zum Wettbewerb komme und ihn sehe, bin ich selbst überrascht, wie er zusammengesetzt ist und wie er klingt. Es ist auch wichtig, dass Lehrer von außen auf das schauen, was Sie tun. Es gibt andere Situationen, in denen ich denke, dass der Sänger großartig ist, aber er gewinnt nicht. Dann sehe ich selbst, dass es richtig war. Alles in unserem Beruf ist unbeständig, veränderlich, manchmal subjektiv...

- Auf Ihrer Facebook-Seite haben Sie Informationen über die von David Blackburn organisierten NYIOP-Auditions gepostet. Warum hast du das getan?

- Leute, die ihren Abschluss gemacht haben Bildungseinrichtung sind arbeitsbedürftig. Jede Art von Vorsprechen ist der Weg, um einen Job zu bekommen. Da ich ziemlich viele Abonnenten habe, denke ich nicht nur an meine Schüler, sondern auch an diejenigen, die in der Provinz leben und nicht genug Kontakte und Informationen haben. Ich glaube, ich sollte ihnen helfen und über alles schreiben, was sie interessieren könnte.

Ich habe kürzlich Informationen über das Jugendprogramm des Opernhauses auf Teneriffa gepostet. Dieses Theater wurde von dem großen spanischen Architekten Calatrava erbaut und verfügt über 2.000 Sitzplätze. Die Leitung des Theaters ist wunderbar, dieses Programm leitet mein Kollege, der italienische Pianist Giulio Zappa, der bei uns in Moskau arbeitet. Das Programm ist kurz, nur ein paar Monate, aber sie schaffen es, in dieser Zeit eine Produktion zu machen. Auch das ist für viele eine Chance.

- Ich verrate Ihnen ein Geheimnis - in naher Zukunft plane ich, zusammen mit russischen und asiatischen Partnern, eine große zu gründen internationales Projekt"Russisch-Asiatisches Kulturhaus". Was denkst du darüber?

– Jede Anstrengung für den kulturellen Austausch ist viel wert. Dies ist eine wichtige Angelegenheit. Asien ist nicht nur ein wachsender Wirtschaftsmarkt, sondern auch ein enorm wachsendes kulturelles Standbein. Einschließlich Oper. Für sie kann Russland ein wichtiger Verbindungskorridor zwischen West und Ost sein.

Ich glaube, wir sollten auch mehr von diesen Sängern einladen, uns fehlen manchmal ihre großen und gut ausgebildeten Stimmen. Und Asien öffnet sich immer mehr Konzerthallen und Opernhäuser. Wir vom Jugendprogramm würden auch gerne mit China kooperieren, das über hervorragende Theater und Konzertsäle verfügt. Es gibt viele wunderbare asiatische Sänger, sie sind sehr klug und arbeiten hart. Ich habe bei Wettbewerben gehört gute Sänger aus China, Japan, Indien, Sri Lanka, Philippinen, Taiwan. Südkoreanische Sänger gehören zu den besten der Welt. Warum laden wir sie nicht ein, kooperieren, treten zusammen auf?

– Was reizt Sie neben der Oper noch im Leben?

– Ich reise immer noch gerne, wenn auch nicht mehr so ​​leidenschaftlich wie vor 20-30 Jahren. Und ich schätze die menschliche Interaktion sehr. Beruflich habe ich leider nicht genug. Ich würde gerne mehr Zeit mit Familie und Freunden verbringen. Als ich anfing, am Bolschoi zu arbeiten, verlor ich diese Verbindungen. Das Theater ist auch ein Whirlpool. Jetzt habe ich meine Meinung geändert. Es gab schwierige Veränderungen in meinem Leben, und mir wurde besonders deutlich, wie wichtig Familie und Freunde sind.

Musik ist auch ein großes Glück, Musik kann ein Trost sein für Menschen, die geliebte Menschen verlieren, die Probleme haben, die nicht jung sind. Und Musik verrät nie. Ich schätze, dass ich einen schwierigen Charakter habe, aber es bereitet mir große Freude, jungen Menschen zu helfen, sie in der schwierigsten Phase zu unterstützen. kreatives Leben. Und warten Sie nicht auf eine angemessene Antwort, Dankbarkeit und sogar Treue. Wenn es da ist, ist das großartig; wenn es nicht da ist, hängen Sie nicht daran.

Ein weiteres Missverständnis der Jugend besteht darin, Karriere und Erfolg als den absoluten Sinn des Lebens zu sehen. Mir scheint, dass sich diese Idee früher oder später in eine große Enttäuschung verwandelt. Wenn ich Menschen sehe, die nur ihren Ruhm lieben, fühle ich mich unwohl. Klar ist, dass es in der ersten Lebenshälfte wichtig ist, eine gewisse Höhe zu erreichen, weil sich einem dann andere, größere Möglichkeiten eröffnen. Aber wir müssen verstehen, dass ein guter professioneller Ruf nur ein Werkzeug ist. Und Reputation oder besser gesagt Erfolg sollte nicht das Hauptziel sein, sonst steht man alleine da.

Mit der Zeit habe ich auch gemerkt, dass man Menschen gehen lassen muss. Sich nicht von ihnen zu verabschieden, nämlich loszulassen. Manchmal ist es leicht gesagt, aber schwer zu akzeptieren. Aber irgendwie habe ich dazugelernt. Ich habe ziemlich viele Studenten, daher wurde es schwierig für mich, all diese vielen Fäden zu halten (lacht).

Ich liebe die überwiegende Mehrheit meiner Schüler sehr, ich beobachte, wie sie im Leben weitermachen, und wenn sie etwas brauchen, bin ich immer froh, sie zurück zu haben, ihnen gerne zu helfen. Obwohl es mich manchmal ärgert, wenn unsere Arbeit vergessen wird, Leute anfangen zu singen, was nicht zu ihrer Stimme passt, anfangen, andere dumme Dinge zu tun, faul werden, aufhören zu wachsen oder einfach nur degradieren. Aber auch das ist die menschliche Natur und die damit verbundenen Gesetze des Darwinismus. Das ist natürliche Auslese.

Früher, wenn etwas passierte, übernahm ich die volle Verantwortung für alle Probleme meiner wirklichen und ehemaligen Studenten. Natürlich gibt es unsere Schuld, Lehrer. Aber es gibt noch andere Gründe - zu wenig starke Gesundheit für unseren Beruf, falsche Entscheidungen, Gier, Dummheit, Selbstüberschätzung. Daher zwang mich das Leben, mich damit abzufinden, dass wir Lehrer nicht allmächtig sind. Jetzt genieße ich den Prozess. Ich denke nicht, dass dieser Student unbedingt alle Weltwettbewerbe gewinnen und an der Metropolitan singen sollte. Was ich vorher hatte...

- Was war das? Eitelkeit oder Perfektionismus?

„Menschen, die sich der Kunst widmen, sind ehrgeizig. Sie wollen die Ersten sein, und es kann nicht anders sein. Mit der Zeit wird eine Karriere zu einem Werkzeug, mit dem Sie die richtigen Partner finden, mit denen Sie arbeiten können die besten Künstler, Dirigenten, Regisseure auf beste szenen. Ich bin glücklich, dass ich zum Bolschoi-Theater gehöre, das ich seit meinem 14. Lebensjahr verehre, als das ganze Land sein 200-jähriges Bestehen feierte, und zum ersten Mal diesen erstaunlichen Saal betrat.

Mit 17 Jahren kam ich als Praktikant ans Bolschoi, das ist für mich besonderes Theater. Und ich bin froh, dass wir jetzt im Theater eine solche Atmosphäre haben und es gegenseitigen Respekt und Unterstützung gibt, ich bin umgeben von talentierten Künstlern und ich interessiere mich sehr für Menschen, die hier Entscheidungen treffen. Sehr oft, wenn ich in andere (und nicht schlechte!) Länder und Orte aufbreche, denke ich: Ich möchte so schnell wie möglich zurückkehren. Es ist ein Segen, dass ich nach Hause will. Ich steige in ein Flugzeug und freue mich darauf - morgen werde ich das sehen, mit diesem werden wir diese Arie machen, dieses werde ich geben Neues Material…

Was möchtest du noch im Leben lernen? Was fehlt dir?

– Mir fehlen noch ein paar wichtige Fremdsprachen. Ich kenne einige ihrer Grundlagen, aber ich habe das Studium nicht rechtzeitig abgeschlossen. Jetzt ist dafür keine Zeit - ich verbringe 10-12 Stunden im Theater. Wenn ich diese Sprachen doch nur perfekt wüsste! Aber denken Sie daran, wie Raikin - lassen Sie alles sein, aber etwas fehlt! (lacht).

Meine Studenten gewannen renommierte Wettbewerbe, ich arbeitete in den besten Theatern der Welt, saß in der Jury großer Wettbewerbe. Wovon könnte ein Lehrer noch träumen? Jetzt kann ich mehr mit den Jungs zusammenarbeiten und weniger an mich denken. Ich kann nur sitzen und arbeiten. Das Erstaunlichste ist, dass ich bis zu einem solchen Moment gelebt habe, dass ich nicht denke: „Ah! Werden sie mich anrufen? Sie haben mich nicht angerufen … Und jetzt haben sie mich endlich angerufen! “ Nein, natürlich bin ich geschmeichelt und erfreut zugleich, wenn jemand angerufen wird, aber diese Freude ist guter Arbeitsnatur, nicht mehr und nicht weniger.

Es ist ein großes Glück, dass es in meinem Leben wunderbare Lehrer und Mentoren gab. Ich vermisse sie schrecklich. Einige sind Gott sei Dank bei guter Gesundheit. Ich erinnere mich, dass ich Irina Konstantinovna Arkhipova gefragt habe, was das Aufregendste für Sie war Gesangsberuf? Sie sagte, dass es ihr am meisten Freude macht, das Schwierige zu überwinden. Als sie gegeben wurde neue Rolle oder Material, das schwer zu erlernen und aufzuführen war, erlebte sie eine enorme kreative Euphorie bei der Überwindung dieser Schwierigkeiten.

Jetzt verstehe ich sie. Kürzlich gab es einen Fall: Ich habe einen talentierten Schüler, aber er hatte ziemlich lange ein Problem mit hohen Tönen. Ich verstehe, dass er diese Noten in seinem Tonumfang hat, aber er hatte Angst, sie zu spielen. Es hat lange nicht gehalten. Und dann wurde ich einfach wütend auf mich selbst und auf ihn und vertiefte mich einfach in dieses Problem. Nun, am Ende musst du es lösen! Dieser Sänger hatte meiner Meinung nach sogar Angst vor meinem Druck. Und plötzlich waren diese Noten weg! Es war, als wäre etwas Neues in sein oberes Gehäuse eingesetzt worden.

Ich erlebte Glück, wahrscheinlich viel mehr als er. Ich flog wie auf Flügeln von dem Gefühl, dass der Sänger gestern alleine gesungen hat und heute zum Unterricht kam, und ich höre, dass er einen Durchbruch hatte, dass wir es geschafft haben! Natürlich ist es schön, wenn Ihr Schüler einen Wettbewerb gewinnt oder dort debütiert gutes Theater, aber noch wichtiger - eben dieser Arbeitsprozess, der Prozess der Überwindung.

Dmitri Jurjewitsch Wdowin(geb.) - Russische Opernfigur und Gesangslehrerin, Verdiente Künstlerin der Russischen Föderation, Professorin an der Akademie für Chorkunst.

Künstlerischer Leiter der Jugend Opernprogramm Bolschoi-Theater von Russland.

Biografie

Geboren am 17. April 1962 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg). Absolvent des Staatlichen Instituts Theaterkunst(jetzt RATI) in Moskau und studierte dann an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovieva als Theater- (Opern-) Kritikerin, die in großen nationalen Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht wurde. Anschließend unterzog er sich einer Umschulung und absolvierte die Akademie für Chorkunst. V. S. Popova als Sängerin und Gesangslehrerin. Von 1987 bis 1992 - ein Mitarbeiter, der für die Arbeit im Außendienst verantwortlich ist Musiktheater Union der Theaterfiguren der UdSSR. Ausbildung zur Gesangslehrerin am ECOV - European Centre for Opera and Gesangskunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia, Michael Elaysen (1992-1993). 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an Joint beteiligt war kreative Projekte mit den größten internationalen Theatern, Festivals u Musikalische Organisationen. Seit 1996 arbeitet D. Vdovin mit der großen russischen Sängerin I. K. Arkhipova als Lehrerin und Leiterin von ihr zusammen Sommerschule, Co-Moderatorin ihres Fernsehens und Konzertprogramme. Seit 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005. - Leiter der Gesangsabteilung der Staatlichen Medizinischen Hochschule. Gnesins, 1999-2001 - Lehrer der Russischen Akademie der Wissenschaften. Gnesinykh, seit 2001 - außerordentlicher Professor, Leiter (bis 2003) der Abteilung Sologesang Akademie für Chorkunst. V. S. Popova, seit 2008 - Professor der Akademie der Künste. D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen, Monaco und der Schweiz. Er war regelmäßiger Gastdozent am Houston Grand Opera House Youth Program (HGO Studio). Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Internationale Schule Gesangsbeherrschung, die es den größten Opernlehrern und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Sängern zu arbeiten

Jurymitglied von vielen prestigeträchtige Wettbewerbe Sänger - Internationaler Wettbewerb Sie. Glinka, 1. und 2. Allrussischer Musikwettbewerbe, Internationaler Wettbewerb Le voci verdiane (Verdi-Stimmen) in Busseto, Internationaler Gesangswettbewerb. Viotti und Pavarotti in Vercelli, AsLiCo in Como (Italien), Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux (Frankreich), Competizione dell'opera Italiana in Moskau und Linz, Internationaler Wettbewerb in Montreal (Kanada), Wettbewerb des Fernsehsenders "Culture" "Big Opera “, der Elena Obraztsova-Wettbewerb in St. Petersburg, der Gesangswettbewerb in Izmir (Türkei), die Internationalen Wettbewerbe. Moniuszko in Warschau, „Die Meistersinger von Nürnberg“ in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter Jugendopernprogramm des Bolschoi-Theaters Russlands. Seit 2015 - eingeladener Lehrer des International Opernstudio Oper Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film " Pik-Dame" (2016).

Außerdem war D. Yu. Vdovin stellvertretender Leiter der Kreativteams der Operntruppe des Bolschoi-Theaters (2013-2014).

„Wir Gesangslehrer sind Kämpfer der unsichtbaren Front“

Der Direktor des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters, Lehrer Dmitry Yuryevich Vdovin, wurde zum stellvertretenden Leiter ernannt Operntruppe Bolschoi-Theater Makvala Kasrashvili

Dmitry Yuryevich Vdovin wurde in Jekaterinburg geboren, wo seine berufliche Entwicklung stattfand.1984Wdovinfertig staatliches Institut Theaterkunst (jetzt RATI) in Moskau und studierte dann an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovieva als Theater- (Opern-) Kritikerin, die in großen nationalen Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht wurde.

Von 1987 bis 1992 - Angestellter der Union der Theaterarbeiter der UdSSR, verantwortlich für die Arbeit im Bereich Musiktheater. Ausbildung zum Gesangslehrer am Europäischen Zentrum für Oper und Gesang in Belgien (1992-1993).

1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die mit Major zusammenarbeiteteishimi Internationale Theater, Festivals und musikalische Organisationen.Seit 1996 arbeitet Vdovin mehrere Jahre lang mit der großen russischen Sängerin Arkhipova als Lehrerin und Leiterin ihrer Summer School zusammen und ist Co-Moderatorin ihrer Fernseh- und Konzertprojekte. Seit 1995 ist er Lehrer, von 2000 bis 2005 war er Leiter der Gesangsabteilung der Staatlichen Medizinischen Hochschule. Gnesins, 1999-2001 - Lehrer der Russischen Akademie der Wissenschaften. Gnesins, von 2001 - 2003 - außerordentlicher Professor, Leiter der Abteilung für Sologesang an der Popov Academy of Choral Art.

Laut Kollegen und Studenten ist Dmitry Yurievich einer der besten und gefragtesten Gesangslehrer unseres Landes.

Dmitry Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko und Italien. In den letzten 10 Jahren war er ständiger Gastdozent des Jugendprogramms an der Grand Opera Xewston.

Seit 1999 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Internationalen Schule für Vokalkunst, die es ermöglichte, die größten Opernlehrer und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien nach Moskau einzuladen. Der hellste junge Inland Opernstars das erste Jahrzehnt des neuen Jahrhunderts ging durch diese Schule.

Vdovin war Jurymitglied bei vielen Gesangswettbewerben - Bella Voce in Moskau (2004-2007, 2009) sowie beim Internationalen Wettbewerb. Glinka (2003-2007). Seit 2009 - künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms BBolschoi-Theater von Russland.

Studenten von Dmitry Yurievich VdovinDarsteller: Ekaterina Siurina, Alina Yarovaya, Albina Shagimuratova, Dmitry Korchak, Vasily Ladyuk, Maxim Mironov, Sergei Romanovsky...- Preisträger vieler renommierter Wettbewerbe, Solisten der größten Theater der Welt, darunter das Bolschoi-Theater, die Mailänder Scala, die Metropolitan Opera, Covent Garden, die Wiener Staatsoper, Pariser Oper, Real Madrid.