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Präsentation „Musikalische Kunst der Epoche der Romantik“ setzt das Thema fort. In diesem Blogbeitrag werden die Hauptmerkmale des Stils vorgestellt. Die der Musik der Romantik gewidmete Präsentation ist nicht nur reich an Bildmaterial, sondern enthält auch Audio- und Audioinhalte Videobeispiele. Leider können Sie die Musik nur anhören, indem Sie den Links in PowerPoint folgen.

Musikalische Kunst der Romantik

Keine Epoche vor dem 19. Jahrhundert hat der Welt so viel gegeben talentierte Komponisten und Künstler und so viele Hervorragende musikalische Meisterwerke wie die Ära der Romantik. Im Gegensatz zum Klassizismus, dessen Weltanschauung auf dem Kult der Vernunft basiert, geht es in der Kunst der Romantik vor allem um das Gefühl.

„In ihrer engsten und wesentlichsten Bedeutung ist Romantik nichts anderes als die innere Welt der menschlichen Seele, verborgenes Leben sein Herz. Seine Sphäre ist, wie gesagt, das gesamte innere Seelenleben eines Menschen, dieses geheimnisvolle Leben der Seele und des Herzens, aus dem alle vagen Sehnsüchte nach dem Besten und Erhabenen aufsteigen und in den von der Fantasie geschaffenen Idealen Befriedigung zu finden suchen. V.G. Belinsky

In der Musik ist es wie in keiner anderen Kunstform möglich, unterschiedlichste Gefühle und Emotionen auszudrücken. Daher wurde die Musik zur Hauptkunst der Romantik. Übrigens, der Begriff "Romantik" erstmals im Zusammenhang mit Musik verwendet herausragender Schriftsteller, Künstler, Komponist Ernest Theodore Amadeus Hoffmann, dessen Leben und Schicksal als das deutlichste Beispiel für das Schicksal eines romantischen Helden dienen können.

Musikinstrumente der Romantik

Dank der Fülle der Klangpalette und der Vielfalt der Klangfarben wurde das Klavier zu einem der beliebtesten Musikinstrumente der Romantiker. Im Zeitalter der Romantik wurde das Klavier um neue Möglichkeiten bereichert. Unter den romantischen Musikern gibt es viele wie Liszt und Chopin, die Musikliebhaber mit der virtuosen Darbietung ihrer (und nicht nur ihrer) Klavierwerke in Erstaunen versetzen.

Das Orchester der Romantik wurde mit neuen Instrumenten bereichert. Die Zusammensetzung des Orchesters hat sich im Vergleich zum Orchester der Klassik um ein Vielfaches erhöht. Um eine fantastische, magische Atmosphäre zu schaffen, nutzten Komponisten die Fähigkeiten von Instrumenten wie Harfe, Glasharmonika, Celesta und Glockenspiel.

Der Screenshot der Folie aus meiner Präsentation zeigt dies für jedes Bild Musikinstrument Ich habe ein Beispiel für seinen Klang hinzugefügt. Wenn Sie die Präsentation auf Ihren Computer herunterladen und in PowerPoint öffnen, mein neugieriger Leser, können Sie den Klang dieser erstaunlichen Instrumente genießen.

„Die aktualisierten Instrumente haben den Umfang der Orchesterausdruckskraft unglaublich erweitert und ermöglichen es, die Farbpalette des Orchesters und des Ensembles mit bisher unbekannten Klangfarben, technischer Brillanz und kraftvollem Klangluxus zu bereichern. Und in Solostücken, Konzerten und Fantasien konnten sie die Zuhörer mit beispielloser, manchmal akrobatischer Virtuosität und übertriebener Sinnlichkeit in Erstaunen versetzen und den Konzertdarstellern dämonische und herrschsüchtige Züge verleihen.“ V.V. Beresin

Genres in der romantischen Musik

Zusammen mit den beliebten Genres, die in der vorherigen Ära existierten, in romantische Musik neue erscheinen, wie z Nocturne, Vorspiel(das zu einem völlig eigenständigen Werk geworden ist (erinnern Sie sich an die entzückenden Präludien). Frederic Chopin), Ballade, Impromptu, musikalische Miniatur, Lied (Franz Schubert etwa sechshundert davon zusammengesetzt), Symphonisches Gedicht. In diesen Werken konnte der romantische Komponist die subtilsten Nuancen emotionaler Erfahrungen zum Ausdruck bringen. Es sind die Romantiker, die nach Spezifität streben musikalische Ideen, kam zur Erstellung von Programmaufsätzen. Diese Kreationen wurden oft von Werken der Literatur, Malerei und Bildhauerei inspiriert. Das deutlichste Beispiel für solche Schöpfungen sind die Essays Franz Liszt, inspiriert von Bildern von Dante, Michelangelo, Petrarca, Goethe.

Romantische Komponisten

Der Umfang des „Genres“ erlaubt es uns nicht, in diesen Eintrag eine Geschichte über die Arbeit romantischer Komponisten aufzunehmen. Meine Aufgabe bestand darin, einen Überblick über die Musik der Romantik zu vermitteln und mit etwas Glück Interesse für das Thema und die Lust am Weitermachen zu wecken Selbststudium Musikkunst der Epoche der Romantik.

Unter den Materialien der Arzamas Academy habe ich etwas entdeckt, das für meinen neugierigen Leser von Interesse sein könnte Musik der Romantik. Ich empfehle dringend, zu lesen, zuzuhören und nachzudenken!

Wie immer schlage ich vor Referenzliste. Ich möchte klarstellen, dass ich die Liste mithilfe meiner eigenen Bibliothek zusammenstelle. Wenn Sie es unvollständig finden, vervollständigen Sie es selbst.

• Enzyklopädie für Kinder. T.7. Kunst. Teil drei. Musik, Theater, Kino. – M.: Avanta+, 2001.
• Enzyklopädisches Wörterbuch junger Musiker. ‒ M.: „Pädagogik“, 1985.
• Musical Enzyklopädisches Wörterbuch. ‒ M.: „Sowjetische Enzyklopädie“, 1990.
• Velikovich E.I. Musikalische Reisen in Geschichten und Bildern. ‒ St. Petersburg: Informations- und Verlagsagentur „LIK“, 2009.
• Emokhonova L.G. Weltkünstlerische Kultur: Lehrbuch. Ein Handbuch für Studierende. Durchschn. Päd. Lehrbuch Betriebe. – M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1998.
• Zalessskaya M.K. Richard Wagner. Verbotener Komponist. ‒ M.: Veche, 2014.
• Collins St. Klassische Musik durch und durch. ‒ M.: FAIR_PRESS, 2000.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Weltkunst. 19. Jahrhundert. Bildende Kunst, Musik, Theater. – St. Petersburg: Peter, 2007.
• Rolland R. Leben großartiger Menschen. ‒ M.: Izvestia, 1992.
• Hundert große Komponisten / Zusammengestellt von D.K. Samin. ‒ M.: Veche, 1999.
• Tibaldi-Chiesa M. Paganini. ‒ M.: Mol. Wache, 1981

Viel Glück!

Am beliebtesten ist wohl die Musik der Romantik moderne Gesellschaft Stilmodell. Die als Epoche verstandene Romantik zeichnet sich durch einen Wandel der Dominanz im künstlerischen Bewusstsein und damit im Kunstsystem aus. Romantik ist ein Konzept, das von den Dichtern der sogenannten Jenaer Schule vorgeschlagen wurde, die als ihre Begründer gelten (L. Tieck und Novalis).

Es ist die Poesie in Verbindung mit der Musik, die dazu beiträgt, neue Regelungen für die Beziehungen der Menschen zur Welt und untereinander zu bilden. Der Hauptunterschied zur vorherigen Ära ist das neue Erscheinungsbild gesellschaftlich bedeutsamer Rituale: Das Musizieren im Salon nimmt die Form eines spezifischen intimen lyrischen Konzerts an. Der romantische Musiker wird zum Objekt des öffentlichen Kults, zur Figur und zum Helden eines bestimmten Lebensdramas: Indem er die Figur des gekrönten und gottähnlichen Kaisers, des Königs, aus dem Kult verdrängt, wird er selbst zum „Gesalbten“ Gottes. Das romantische Lied ist das wichtigste Genre zur Charakterisierung des Stils; alle romantischen Komponisten (außer F. Chopin) würdigen es und komponieren Hunderte von Werken. Arrangements von Liedern für Klavier erfreuen sich immer größerer Beliebtheit und setzen die Tradition der Variationen über beliebte Opernthemen des letzten Jahrhunderts fort.

Das Genre „Lieder ohne Worte“ – eine einzigartige Bearbeitung eines nicht existierenden Liedtextes – zieht Zuhörer durch die Kombination aus virtuoser Beherrschung des Instruments und der lyrischen und psychologischen Tiefe der Musik äußerst in seinen Bann. Der höchste Ausdruck dieses Trends ist eigentlich die Geburt eines neuen Genres lyrische Miniatur, hauptsächlich mit dem Klavier verbunden. Einen besonderen Zweig dieses Genrebereichs bildet die alltägliche Tanzmusik, die sich stets an der Grenze zwischen angewandtem Tanz, Arrangement populärer Samples und der lyrisch-konfessionellen Miniatur selbst bewegt (viele Beispiele in den Werken von Chopin, Schumann, Brahms, Grieg, Tschaikowsky). ). Der Walzer (der das Menuett ersetzte) wurde zum ikonischen Tanz dieser Zeit.

In der Romantik erlangten die sogenannten didaktischen Gattungen, insbesondere die Virtuosenetüden, große Bedeutung.

Bau von öffentlichen Konzerthallen regt die Entwicklung symphonischer Konzertgattungen an, deren Richtung L. Beethoven vorgab – eine leuchtend dramatische und innerlich zutiefst literarisch-programmatische Sinfonie, ein symphonisches Gedicht und ein symphonisches Konzert.

Im Allgemeinen können wir sagen, dass das System Musikgenres wird sowohl inhaltlich als auch in der Bedeutung und Wahrnehmung durch die Gesellschaft ganz grundlegend verändert.

Liedgenre in Westeuropa und Russland

Poesie ist eine klingende Kunst. Das öffentliche Vorlesen von Gedichten in Salons, Wohnzimmern und einfach im intimen Alltag prägt ihr lebendiges Dasein. Aus der Mode, im Salon Gedichte zu lesen, entsteht ein besonderes Genre: Man nennt es Rezitation zur musikalischen Begleitung eines Klaviers melodische Deklamation.

Daher ist die Logik der Entstehung und völligen Verbreitung des Genres des romantischen Liedes als intonatorische Verkörperung der Poesie völlig offensichtlich. Es ist Musik durch Gesang, die es ermöglicht, die Idee intonatorischer Leseformen zu rekonstruieren: Eine gewisse Rolle kommt hier der Erzählung – „Erzählung“ – Rezitation zu. Aber die musikalische „Entdeckung“ der Romantik ist ausdrucksstark nachdrücklich Intonation. Sie ist es, die die Intonationsebene des romantischen Liedstils bestimmt und kultiviert arioso. Diese Art von Vokalismus stellt eine Kombination aus der Flexibilität des Rezitativs mit der Schönheit und Ausdruckskraft der Kantilene dar, die in der Barockoper und insbesondere im Klassizismus (im Comic-Genre) erreicht wird.

Das ikonische Thema romantischer Poesie ist natürlich das Thema der Liebe. Liebesgeständnisse – lyrische Lobpreisungen – sind nicht nur in den Liedern, sondern insgesamt äußerst vielfältig Instrumentalgenres Romantik.

Der erste und produktivste romantische Komponist im Liedgenre ist Franz Schubert. Für mein kurzes Leben(1797-1828) schrieb er mehr als 600 Lieder. Sein Ruhm in diesem Genre begann mit der Ballade „Der Waldkönig“ nach den Versen von I. Goethe (1816). Dies ist eine Lied-Monolog-Szene mit kontrastierenden Episoden, die verschiedene Charaktere darstellen. Ihr Hauptbild- eine Symbolfigur des Todes - wird in der Vokalmusik der Romantiker einen besonderen Platz einnehmen.

Schubert verwendete in seinen Liedern Texte von etwa hundert Dichtern.

In einer Atmosphäre ernsthafter poetischer Interessen entstand der Zyklus „Die schöne Müllersfrau“ nach Gedichten des deutschen Dichters W. Müller (1823). In mehreren Liedern entsteht die Handlung einer Art poetischer Kurzgeschichte über die Liebe eines Lehrlings zur Müllersfrau: von ersten naiven Freuden über den Schmerz von Verrat und Trennung bis hin zu leicht trauriger Resignation.

Ein Leben voller harter, erschöpfender Arbeit und hoffnungsloser Armut führt Schubert in Stimmungen der Melancholie und Einsamkeit, die sich auch in den Gedichten W. Müllers in seinem Spätzyklus widerspiegeln. Winterreise"(1827). Sein Leben war immer hart, seine Musik war immer hell und fröhlich. Jetzt sehnt er sich und schreibt über das Leid der Einsamkeit und wird noch mehr zu einem Romantiker, für den das Geständnis seelischen Schmerzes eines der Dinge ist Hauptthemen. Der letzte Zyklus „Schwan ist ein tragisches Lied“ (1828) nach den Texten von sechs Gedichten von G. Heine sowie den Dichtern L. Relyptab und A. Seidl.

Und eine weitere wichtige Entdeckung Schuberts, die von allen Romantikern aufgegriffen wird, ist der Liedcharakter der Musik aller Genres. Er arrangiert seine eigenen Lieder in Instrumentalformen – das S-Quartett, in dessen zweitem Teil das Thema des Liedes „Der Tod und das Mädchen“ variiert, das Klavierquintett „Trout“ (im vierten Teil gibt es eine Variation darüber). Thema des gleichnamigen Liedes), eine Klavierfantasie zum Thema des Liedes „Wanderer“. Seine Sinfonien sind aber auch von Gesang durchdrungen, in dem eine persönliche poetische Intonation erklingt, die die Einstellung eines Menschen zur Welt zum Ausdruck bringt neue Ära. Naturbilder nehmen in Schuberts Liedschaffen einen bedeutenden Platz ein, was sich auch in seinen Instrumentalkompositionen widerspiegelt. Und dies wird zu einem Manifest romantischer Komponisten, das die Impulse der Seele durch Metaphern von Landschaften, Blumen und Naturelementen offenbart.

Liedkreativität Robert Schumann (1810-1856) – der leidenschaftlichste und ehrfürchtigste Romantiker – nimmt einen zentralen Platz in den Gesangstexten des 19. Jahrhunderts ein. Sein Schaffensweg war zunächst mit der Klaviermusik verbunden: Mitte der 1830er Jahre träumte er davon, selbst Konzertvirtuose zu werden. schafft seine unsterblichen Klaviermeisterwerke – „Symphonische Etüden“, „Karneval“, Fantasie in C-Dur, „Kreisleriana“. Im Jahr 1840 begann seine Hinwendung zum Liedgenre – allein in diesem Jahr schrieb er 134 Lieder, darunter berühmte Zyklen„Die Liebe eines Dichters“ nach Gedichten von G. Heine, „Liebe und Leben einer Frau“ nach Gedichten von A. von Chamisso und „Myrten“ nach Gedichten verschiedener Dichter. In ihnen entwickelt er die Schubert-Liedtradition weiter, schafft aber einen einzigartigen Stil, dessen Grundlage die Subtilität und Tiefe des Eindringens in die Bedeutung des poetischen Textes ist.

In Schumanns Liederkunst entsteht die intonatorische Form der romantischen Rezitation von Gedichten, theatralisch hell und innig lyrisch. Eine große Rolle kommt dem Klavierpart zu, der kaum als Begleitung bezeichnet werden kann – reiche Harmonie, einfallsreiche Textur schaffen helles Bild, was den emotionalen Subtext des Verses enthüllt.

Im Zyklus „Eine Dichterliebe“ verwendet Schumann Heines Gedichte aus dem „Lyrischen Intermezzo“, aber nicht alle – der Komponist wählt sie so aus, dass sie, wie bei Schubert, tragische Geschichte Liebe.

Das wohl bekannteste Lied des Zyklus ist „I’m not Angry“. Es lohnt sich, nur in der Originalsprache zuzuhören, um von der Kunstfertigkeit des Komponisten zu staunen, der die Worte der verwirrten Vergebung mit Schmerz, Freude und Sanftmut „ausspricht“.

Eine ähnliche Schönheit der melodischen Intonation und des ausdrucksstarken deklamatorischen Monologs zeichnet das Lied „Lieber Freund, es ist dir peinlich, dass ich weine“ aus dem Zyklus „Liebe und das Leben einer Frau“ aus. Wenn Heines Poesie schön ist, dann gehört Chamisso nicht zu den erstklassigen Dichtern. Schumann verewigte seine poetischen Schöpfungen mit seiner außergewöhnlichen Gabe, die subtilsten emotionalen Nuancen der Äußerung eines einfachen Textes zu hören.

Schumanns ruhige, erhaben verträumte Dithyramben sind ungewöhnlich reizvoll – die Lieder „Wie ein Maiglöckchen bist du schön“ und „Lotus“ nach Heines Gedichten aus dem „Myrten“-Zyklus, „Stille Tränen“ nach J. Kerners Gedichten aus Opus 35 (1840). Enthusiastische, ungestüme Liebesgeständnisse, die für Schumann in der Klaviermusik so charakteristisch sind, stellen den anderen Pol der Liebesgefühle dar. Ein hervorragendes Beispiel ist die berühmte „Widmung“ nach den Worten von F. Rückert aus dem „Myrte“-Zyklus, die ganz „meiner geliebten Braut“ gewidmet ist.

Die Geschichte des romantischen Liedes ist ein umfangreiches Thema. Deutsche Komponisten hatten ein besonderes Gespür für die Intonation und ein Gespür für die Verkörperung von Poesie. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler – diese Namen gehören heute zur Weltschatzkammer des Gesangsrepertoires. Ihr Liederbe, das für die romantischen Schulen Westeuropas und Russlands der Maßstab für die Liebe zur Poesie und die Subtilität ihres Hörens war, ist auch Jahrhunderte später nicht verblasst.

Und russische Komponisten, die Goethe und Heine bewunderten, schrieben ihre eigenen Vokalwerke zu ihren Texten in russischen Übersetzungen von Schukowski, Puschkin, Lermontow, Tjutschew. Feta. Der Vergleich von Kompositionen zu einem Text ist eine faszinierende Möglichkeit für unabhängiges Arbeiten. Im Allgemeinen erfreut sich das Liedgenre in Russland großer Beliebtheit, obwohl es sich um eine besondere Spielart handelt, die „Romantik“ genannt wird. Die Unterschiede zwischen einem Lied und einer Romanze sind äußerst subtil; sie müssen im nationalen Musikstil und im Allgemeinen in der Melodie der Intonation der russischen Sprache gesucht werden. Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857), Begründer der russischen Sprache Nationaloper, hatte ein ungewöhnlich feines Ohr, eine gute Stimme und war der Begründer der klassischen Liebesgeschichte, romantisch in ihrem Wesen. Eine seiner ersten Romanzen, „Don’t Tempt“, erwies sich als wahres Meisterwerk der Gesangslyrik. Als sensibler, romantisch veranlagter Glinka ist er von der Poesie W. Schukowskis fasziniert, die ihn „zu Tränen rührte“. Und natürlich bewundert er die Poesie von A. Puschkin, auf deren Grundlage er mehrere großartige Romanzen schrieb. Eines davon ist „Singe nicht, Schönheit, vor mir“ – zur Melodie eines georgischen Volksliedes, das A. Gribojedow 1828 aus dem Kaukasus mitbrachte. Die subtile Verkörperung der Deklamation zeichnet sich auch durch die Miniaturromanze „Maria“ aus – ein Beispiel für jugendlichen Liebesdithyrambus. Liebe bewegt Gefühle und Gedanken: Glinka widmet seiner Schülerin K. Kolkovskaya die wunderbare Romanze „Zweifel“, voller trauriger Melancholie und Zärtlichkeit. Glinka hat sich in Ekaterina Kern, die Tochter von Anna Petrovna Kern, der berühmten „Adressatin“ von Puschkins Gedicht „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, verliebt und schreibt ihr unsterbliches Meisterwerk zu diesem Text. Hier vereinen sich das Können und die Inspiration des Komponisten in erstaunlicher Harmonie – Komponisten sind selten in der Lage, einen brillanten Vers adäquat zu verkörpern.

Romanzen werden von vielen russischen Komponisten geschrieben – die Mode für Poesie ist in Russland ebenso weit verbreitet wie in Westeuropa. Es hat seine eigenen nationalen Errungenschaften, unter denen wir natürlich erwähnen müssen Alexander Sergejewitsch Dargomyschski (1813-1869) und Bescheidener Petrowitsch Mussorgski (1839-1881).

Dargomyzhskys Werke basierend auf Lermontovs Gedichten „Both Bored and Sad“ und „I'm Sad“ stellen lyrische Monologe mit ausdrucksstarken Details der Verkörperung der Sprachintonation dar. Völlig neu in diesem Genre ist die bissige Gesellschaftssatire, die das Grundprinzip des Komponisten offenbart, der sagt: „Ich möchte, dass der Klang das Wort direkt ausdrückt, ich möchte die Wahrheit.“

Mussorgsky, der sich für eine realistische Wiedergabe von Bildern interessierte Volksleben, schrieb über seine eigenen Texte Gedichte von N. Nekrasov, A. Ostrovsky („Svetik Savishna“, „Kalistrat“, „Wiegenlied für Eremushka“, „Schlaf, schlaf, Bauernsohn“, „Waise“, „Seminarist“). Seine Lieder waren originelle „Skizzen“ für Opern, die zu einem völlig neuen Wort wurden Operngenre, Musiktheater („Boris Godunov“, „Khovanshchina“). In den 1870er Jahren. Es entstanden die Gesangszyklen „Ohne Sonne“ (1874), „Lieder und Tänze des Todes“ (1875-1877) sowie „Kinder“ nach seinen eigenen Worten (1872). Mussorgskys musikalische Sprache erregte die Fantasie vieler Komponisten des 20. Jahrhunderts. - Die Bilder waren so neu, dass sie neue musikalische Ausdrucksmittel erforderten.

Der Höhepunkt eines romantischen Liedes in der russischen Musik ist Kreativität Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893).

Tschaikowskys Romanzen offenbaren seine erstaunliche Begabung für melodische Ausdruckskraft und Schönheit. Sein ariatischer Stil ist individuell und einzigartig – sobald „drei Töne“ erklingen, identifizieren wir den Autor zweifelsfrei, aber seine Auswahl an poetischen Texten scheint anspruchslos zu sein (was bereits mehrfach festgestellt wurde). Kritische Literatur), obwohl Tschaikowsky den musikalischen Charakter der Gedichte von Puschkin und Fet subtil spürte und darüber schrieb. Das Hauptthema sind Liebestexte, originale und übersetzte Gedichte von A.K. Tolstoi, A. N. Pleshcheeva, L.A. Meya. „Kein Wort, oh mein Freund“, „Nein, nur der, der es wusste“, „Carry away my heart“ und andere wundervolle Beispiele frühe Kreativität Vorbereitung des Textes der Oper „Eugen Onegin“. Ende der 1870er Jahre. Es erscheinen leidenschaftliche, enthusiastische Gesangsskizzen – „Ich segne euch, Wälder“, „Regiert der Tag?“. „Unter dem lauten Ball“ nach den Worten von A. Tolstoi ist ein herausragendes Erlebnis russischer Gesangslyrik, ein Beispiel für ein Frauenporträt im Rhythmus eines Walzers und subtiler poetischer Träumerei. Die bezaubernde Romanze zu den Gedichten von K.R. (Konstantin Romanov) „I Opened the Window“ wurde von mehr als einer Generation von Interpreten und Zuhörern bewundert. Romanzen des letzten Opus (1893) zu den Worten von D. Ratgaus – „Wir saßen bei dir“, „Die Sonne ist untergegangen“, „In diesem mondhelle Nacht„, „Among Dark Days“, „Wieder, wie zuvor, allein“ – spiegeln die Themen Trauer, Melancholie und Traurigkeit wider, die für die letzte Sechste Symphonie charakteristisch sind tragisches Thema Leben, Schicksal und Tod.

Begriff ,Romantik" kommt vom französischen Wort „romantisme“. Die Romantik ist eine künstlerische Bewegung, die sich Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts zunächst in der Literatur und dann in der Musik formierte. Das Werk der Romantiker spiegelt die Erneuerung der Persönlichkeit, die Bestätigung ihrer spirituellen Stärke und Schönheit, eine individualistische Rebellion gegen das Spießertum, erhabene Texte und Interesse an fantastischen Handlungen wider. Im Zusammenhang mit der Musik wurde dieser Begriff erstmals von E. T. A. Hoffmann erwähnt.

Die Musikromantik, die sich in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts deutlich manifestierte, zeigte Kontinuität mit dem Klassizismus (dem Werk von L. Beethoven). In der Instrumentalmusik wird der klassische Sonatenzyklus durch eine Kombination aus Sonatenzyklus und Variationen ersetzt; eine große Rolle spielt die Form von Miniaturen: Etüden, Nocturnen, Walzer, Stücke mit Programminhalt. Es besteht die Tendenz, einzelne Stücke unterschiedlicher Charaktere unter einem gemeinsamen Namen zu Zyklen zusammenzufassen. Das Genre der symphonischen Dichtung wird entwickelt. In der Oper nimmt die Rolle des Orchesters und des Leitmotivsystems zu, was sich am deutlichsten im Werk von R. Wagner manifestiert.

Die Spätromantik zeichnet sich durch die Weiterentwicklung von Ausdruckskraft, Raffinesse, emotionaler Ausdruckskraft und die reichste Nutzung der Klangfarbenfähigkeiten großer Menschen aus Symphonieorchester. Dies wiederum prägte die Entstehung neuer Trends in der europäischen Musik - Impressionismus und Expressionismus.

In Deutschland tauchte die Romantik erstmals in den Werken von K. Weber („Free Shooter“) und F. Schubert (Gesangssinfonik und) auf Kreativität am Klavier). Später bedeutende Erfolge in Symphonie, Klavier und Gesangsgenres erreicht durch F. Mendelssohn und R. Schumann. Die größten Opern- und Symphoniekomponisten des 19. Jahrhunderts waren R. Wagner und J. Brahms. Als antipodische Komponisten verkörperten sie zwei Strömungen der reifen Romantik – eine Tendenz zur Programmmusik, eine Ablehnung klassischer Konstruktionsformen Musikstück(Wagner) und Romantik, äußerlich in strengere, akademische Formen gekleidet (Brahms), eher verbunden mit klassisches Erbe der Vergangenheit. Die kraftvollen Traditionen der deutsch-österreichischen romantischen Symphonie wurden im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts in den Werken von A. Bruckner, G. Mahler und R. Strauss fortgeführt.

Das stimmliche Schaffen von F. Schubert, R. Schumann, H. Wolf ist der Höhepunkt der Lied- und Liebesmusik der Romantik. Unter den Gesangsformen kommt der Ballade, der Szene und dem Gedicht eine zunehmende Bedeutung zu. Gesangsmelodie und Begleitung werden detaillierter und individueller, Lieder werden in vielen Fällen zu Zyklen zusammengefasst.

Mitte des 19. Jahrhunderts wurde Frankreich zur Hochburg der reifen Romantik und Paris zu ihrem spirituellen Zentrum. Das kulturelle, auch musikalische Leben Europas konzentrierte sich in Paris. Das Werk des größten Komponisten, Reformators des Symphonieorchesters G. Berlioz, sowie die Tradition der französischen „Grand Opera“ (J. Meyerbeer, F. Aubert) führten dazu weitere Entwicklung Romantik - in den Werken von C. Saint-Saens, S. Franck, J. Massenet, L. Delibes, A. Thomas und anderen.

Auch die nationalen europäischen Schulen trugen wesentlich zur Bereicherung der Traditionen der Romantik bei. Zu den berühmtesten europäischen Komponisten der Romantik zählen F. Liszt (Ungarn), F. Chopin (Polen), N. Paganini, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti (Italien), E. Grieg (Norwegen), K. Nielsen (Schweden), J. Sibelius (Finnland), E. Elgar (Großbritannien), A. Dvorak und B. Smetana (Tschechische Republik) M. de Falla und E. Granados (Spanien). In der russischen Musik lassen sich die Merkmale der Romantik bei M. I. Glinka, P. I. Tschaikowsky, S. V. Rachmaninow und A. N. Skrjabin nachweisen.

Der Realismus entstand Mitte des 19. Jahrhunderts als Gegensatz zur Romantik mit ihrer übersteigerten Idealisierung der inneren Erfahrungen des Einzelnen. Die wichtigsten charakteristischen Merkmale des Realismus sind die Darstellung realer Helden, Charaktere, Ereignisse und die Beziehung des Einzelnen zur Umwelt.

Der Einfluss des Realismus ist bereits in den Werken der größten romantischen Komponisten spürbar. Prominente Vertreter der Synthese von Romantik und Realismus waren B. Smetana und A. Dvorak. Merkmale des Realismus tauchten in den Werken von D. Verdi („La Traviata“) und J. Bizet („Carmen“) auf.

Ende des 19. Jahrhunderts entstand in der Oper eine Verisma-Bewegung, die sich durch tief empfundene Lyrik und Wahrhaftigkeit der Gefühle auszeichnete. Diese Richtung kam am deutlichsten in den Opern von G. Puccini „Cio-Cio-san“, R. Leoncavalo „Pagliacci“, U. Giordano „Andrei Chenier“ und anderen zum Ausdruck.

Der Realismus verbreitete sich in Russland. Die in der russischen Literatur etablierten Traditionen des „klassischen Realismus“ wurden in den Werken von M. Glinka („Ivan Susanin“) und A. Dargomyzhsky (Romanzen) verkörpert. Komponisten von The Mighty Handful: A. Borodin, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov - größte Vertreter Realismus. Sie führten in die Musik eine neue Reihe von Bildern ein, die mit beidem verbunden waren Alltagsleben, und mit großen historische Ereignisse(Opern von M. Mussorgsky „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“, N. Rimsky-Korsakow „Die Zarenbraut“), mit großem Geschick enthüllt Seelengefühle Persönlichkeit, wenn sie mit der umgebenden Realität konfrontiert wird.

Die Entdeckung von Aspekten des Lebens, die der Kunst bisher unzugänglich waren, war verbunden mit der Suche nach neuen musikalischen Ausdrucksmitteln und einem Wandel der musikalischen Sprache. Die Werke der größten russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts – S. Prokofjew, D. Schostakowitsch, N. Mjaskowski, A. Chatschaturjan – spiegelten die historische Situation und die kolossalen gesellschaftlichen Konflikte des 20. Jahrhunderts wider. In Russland hat die Symphonie- und Kammerinstrumentalmusik den größten Erfolg erzielt. Dennoch sind Werke wie Opern und Ballette von S. Prokofjew („Romeo und Julia“, „Aschenputtel“, „Krieg und Frieden“) und D. Schostakowitsch („Katerina Ismailowa“, „Die Nase“) zu bemerkenswerten Errungenschaften des Realismus geworden Musik .

Aufsatz in der akademischen Disziplin „Kulturologie“

zum Thema: „Romantik in der Musik“.

Planen

1. Einleitung.

2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.

3. Geographie der romantischen Musik.

5. Schlussfolgerung.

6. Referenzliste.

1. Einleitung.

Romantik ist eine neue künstlerische während des XIX Jahrhundert. Es löste den Klassizismus ab und seine Zeichen tauchten bereits Ende des 18. Jahrhunderts auf. Der Geburtsort der Romantik ist Deutschland, aber sie verbreitete sich schnell und drang in andere europäische Länder sowie nach Russland und Amerika vor. Der Begriff „Romantik“ selbst taucht erstmals in der Literatur auf, dank der Arbeit des deutschen Schriftstellers Novalis (1772 – 1801). Es wurde von E.T. in die Musik eingeführt. A. Hoffmann (1776 - 1882). Die Romantik entwickelte sich im Kampf und zugleich in enger Wechselwirkung mit ihren Vorgängern – dem Klassizismus und dem Sentimentalismus. In den Tiefen davon literarische Tendenzen es wurde geboren. Klassische Schriftsteller waren davon überzeugt, dass nur diejenigen, die es klar verstehen, die in der Lage sind, ihre Leidenschaften – persönliche Interessen und Bestrebungen – zu zügeln, ihre bürgerliche Pflicht erfüllen können. Sie glaubten jedoch, dass dies nur das Los einiger weniger „edler“ Menschen sei, hauptsächlich Adliger. Sie mussten bereit sein, ihrem Vaterland selbstlos und aufopferungsvoll zu dienen. Bürgerpflicht besteht ihrer Meinung nach in erster Linie aus edler Ehre und Tugend.

Die Romantiker versuchten, alles um sie herum, alle Lebensphänomene zu romantisieren. Sie übernahmen einige Prinzipien aus der vorherigen Epoche des Klassizismus, aber das eigentliche Wesen der Romantik ist ein Protest gegen die Prinzipien der Aufklärung, eine Enttäuschung über sie. Vertreter der Romantik konnten den Kult der Vernunft, des Rationalismus, der Logik und der Praktikabilität nicht akzeptieren. Für sie waren die Seele und Individualität eines Menschen, seine Gefühle wichtig.

Die Originalität der Romantik liegt auch darin, dass sie keine klare Einteilung der Kunst in Gattungen und Gattungen anstrebte. Sie waren von der Idee eines Gesamtkunstwerkes beeindruckt und setzten es erfolgreich um. Die Romantik gehört zu einer der interessantesten und fruchtbarsten Kulturepochen.

2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.

Die Romantik beherrschte die Musikkultur mehr als hundert Jahre lang (1800 – 1910). In dieser Kunst erwies er sich als langlebig, während er in der Literatur und Malerei nur fünfzig Jahre durchhalten konnte. Von einem Unfall kann man das nicht sprechen. Im Verständnis der Romantiker ist Musik die spirituellste Kunst und besitzt die größte Freiheit. Eines der wichtigsten Merkmale der Musik der Romantik ist ihre Synthese mit anderen Kunstformen. Darüber hinaus waren die Romantiker keine Anhänger einer strengen und klaren Genreeinteilung.

Auch die ästhetischen Kategorien waren gemischt. Die Tragödie konnte problemlos mit der Komödie koexistieren; das Hässliche mit dem Schönen; das Alltägliche mit dem Erhabenen. Solche Kontraste wirkten weder wenig überzeugend noch unnatürlich. Chef künstlerisches Gerät- romantische Ironie - ermöglichte es, das Unvereinbare zu verbinden. Dank ihr entstand ein besonderes Weltbild, das der Romantik innewohnt.

Trotz der Tendenz, Genres zu vermischen, hatten viele von ihnen natürlich das Recht auf eigenständige Existenz und konnten sich in dieser Zeit erheblich weiterentwickeln; Es entstanden auch spezifische Genres. Erstens ist dies ein romantisches Genre Musikalisches Gedicht und Balladen (der hellste Vertreter ist F. Schubert); Lieder; Klavierminiaturen.

Besonders hervorzuheben ist die Klavierminiatur. Es sollte ein Bild vermitteln, das den Autor beeindruckte, oder seine Stimmung. Eine Klavierminiatur könnte eine Genreangabe haben: Walzer, Lied, Lied ohne Worte, Mazurka, Nocturne. Komponisten wandten sich häufig der Programmmusik zu und fassten ihre Werke zu Zyklen zusammen.

Charakteristisch für die Epoche der Romantik ist der berühmte Klavierzyklus von R. Schumann „Karneval“, der den freien Charakter der Ästhetik der Romantik widerspiegelt. „Karneval“ enthält einundzwanzig Nummern. Dies sind Skizzen, die sich gegenseitig ersetzen, sich in Stimmung, Bildern und Porträts unterscheiden, aber viele von ihnen sind durch eine einzige Handlung verbunden. Der Komponist malt einen imaginären Feiertag, zu dem maskierte Gäste eingeladen sind. Darunter sind die üblichen Karnevalsfiguren – der schüchterne Pierrot, der schelmische Harlekin, Columbine und Pantalone, die sich gegenseitig anmurren (alles wird hervorragend vermittelt). Musikalische Mittel).

„Carnival“ steckt voller einem sehr originellen Konzept. Der Komponist selbst nannte seinen Zyklus „Miniaturszenen auf 4 Noten“, da die gesamte Melodie darauf aufbaut. Der Komponist nahm vier Noten in verschiedenen Reihenfolgen und Kombinationen auf und bildete so den Anschein eines jedem Stück zugrunde liegenden Themas.

Aus kompositorischer Sicht zeugt Carnival von höchstem kompositorischem Können. Alle Lieder des Zyklus zeichnen sich durch perfekte Verarbeitung, Brillanz und Virtuosität aus. Im Allgemeinen ist der gesamte Zyklus ein Beispiel für harmonische Kombination und Integrität.

Wenn wir ausführlicher über Programmmusik sprechen, können wir hier ein Merkmal wie die Verbindung mit anderen Genres hervorheben: Literatur, Malerei. Die Form des Aufsatzes wird von der Handlung abhängig. In diesem Zusammenhang entstehen symphonische Dichtungen, einsätzige Konzerte und Sonaten; Symphonien mit mehreren Sätzen. So entwickelte sich im Zeitalter der Romantik sowohl die Vokalkammermusik als auch die Instrumentalkammermusik.

Auch die Oper wurde in dieser Zeit zu etwas Besonderem. Sie beginnt, sich dem Symphonismus zuzuwenden; zwischen Text und Musik besteht ein enger und berechtigter Zusammenhang; Das Bühnengeschehen hatte bei ihnen den gleichen Stellenwert.

Romantiker hatten Lieblingsthemen. Die Handlungsstränge basierten meist auf dem Thema Einsamkeit und Liebe, denn im Zentrum der Ästhetik der Romantik stand ein stolzer und einsamer Mensch, in dessen Seele starke Leidenschaften tobten. Romantischer Held war schon immer ein Gegner der Gesellschaft, der ganzen Welt. Daher ist es ganz logisch, dass sich die Autoren in der Zeit der Romantik Themen zuwandten, die dem Bild eines solchen Helden nahe kamen: dem Thema Tod, dem Thema Straße und Wanderungen, dem Thema Natur. In romantischen Werken wurde den Elementen der Fantasie, die in die langweilige materielle Welt eindringen, viel Raum eingeräumt.

Komponisten der Romantik hatten ihre eigene Musiksprache. Sie legten großen Wert auf die Melodie und betonten die Bedeutung des Wortes. künstlerischer Ausdruck(Die letzte Bemerkung gilt auch für die Begleitung).

Die Harmonie wurde spürbar verändert und bereichert. Durch Harmonie wurden Leidenschaften, Trägheit, Stimmungskontraste, Spannung und der fantastische Beginn der Werke vermittelt. Daher sind Melodie, Textur und Harmonie gleich wichtig.

Die Musik der Romantik kann also in ihren Grundzügen als Gesamtkunstwerk und Genre bezeichnet werden; besondere Ausdruckskraft und enge Beziehung zwischen Melodie, Begleitung und Harmonie; Kontrast; fantastisch; gesteigerte Emotionalität und Ausdruck.

3. Geographie der romantischen Musik.

Die Romantik erstreckte sich über ein ziemlich weites Gebiet: von Europa und Russland bis nach Amerika, und überall wurde ihre Entwicklung gezielt durchgeführt. In Europa wies die Musikkunst dieser Zeit in einigen Ländern sowohl kulturelle Gemeinsamkeiten als auch Unterschiede auf. Beispielsweise entwickelte sich die Musik Österreichs und Deutschlands in etwa in die gleiche Richtung. Die musikalische Romantik dieser Länder wurde von Wien beeinflusst Musikschule, kraftvoll manifestierte Literatur. brachte sie näher und Gemeinsame Sprache. Die deutsch-österreichische Romantik zeichnete sich nicht nur durch avancierte Werke verschiedener Genres, sondern auch durch aktive Aufklärung aus. Das bestimmende Merkmal der deutschen und österreichischen Romantik ist die Liedhaftigkeit.

Die Romantik in Polen ist eine Kombination aus Gesang und Instrumentalität – charakteristisch Polnische Volksmusik. So finden sich in den Intonationen von F. Chopin Anklänge an episches Genre Polnische Volksmusik – Polnische Duma. Dieses Genre zeichnet sich in der Reifephase seiner Entwicklung durch einen langsamen epischen Refrain aus, der oft einen traurigen Ton hat. Und darauffolgende dramatisch intensive Episoden, die sich mit der Rückkehr der Melodie des ersten Refrains abwechseln. Es besteht kein Zweifel, dass es die westslawischen Dumas waren, die als Vorbild für Chopins Balladen und ähnliche Werke dienten. Die Grundlage der polnischen Romantik ist daher die Volkskunst.

Die italienische Romantik ist eine beispiellose Blüte der Opernkunst; Bel Canto-Start. Damit wurde die italienische Oper weltweit zum Vorreiter in dieser Richtung. Auch in Frankreich erlangt die Oper eine der führenden Bedeutungen. Großes Verdienst dafür gebührt G. Berlioz (1803 - 1869), dem Schöpfer eines so interessanten Phänomens wie der komischen Oper, das die nationalen Besonderheiten dieses Landes direkt widerspiegelte.

In Russland entwickelte sich die Romantik unter dem Einfluss der Ideen der Dekabristen, der Großen Französischen Revolution und des Napoleonischen Krieges von 1812, das heißt, sie wurde mit globalen gesellschaftlichen Ereignissen in Verbindung gebracht. Die Prinzipien der Staatsbürgerschaft und des Dienstes am Heimatland wurden auf die Musikkunst übertragen, in der die Idee des Nationalbewusstseins deutlich zum Ausdruck kam. So vereinte die musikalische Romantik aller Länder gemeinsame Merkmale: den Wunsch nach hoher Spiritualität, Träume von Schönheit und eine Widerspiegelung der sinnlichen Sphäre des Menschen.

4. Große Komponisten und Musiker der Romantik.

Die Romantik bescherte der Musikkultur viele großartige Komponisten: F. Liszt (1811 – 1886, Ungarn), R. Schumann (1810 – 1856, Deutschland), F. Schubert (1797 – 1828, Österreich), K. Weber (1786 – 1826, Deutschland). ), R. Wagner (1813 - 1883, Deutschland), J. Bizet (1838 - 1875, Frankreich), N. Paganini (1782 - 1840, Italien), E. Grieg (1843 - 1907, Norwegen), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italien), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven ( letzte Stufe Kreativität, Deutschland) usw. Lassen Sie uns kurz die Kreativität einiger von ihnen charakterisieren.

Franz Liszt, wie W.A. Mozart war ein junger Virtuose und brachte Europa schon früh dazu, über sich selbst zu sprechen, indem er als Pianist vor der Öffentlichkeit auftrat. Seine Begabung als Komponist zeigte sich ebenso früh. Anschließend kombinierte F. Liszt Tournee- und Kompositionsaktivitäten. Er fertigte auch Transkriptionen für Klavier an symphonische Musik, und er kann zu Recht als großartiger Pädagoge angesehen werden.

Die Originalwerke von F. Liszt zeichnen sich durch Virtuosität und Tiefe, Ausdruck und Raserei aus. Dies sind seine berühmten zyklischen Werke: „Jahre der Wanderungen“, „Etüden der transzendentalen Darbietung“, „Große Etüden nach Paganinis Capricen“, „Ungarische Rhapsodien“. F. Liszt leistete einen großen Beitrag zur Popularisierung und Entwicklung der ungarischen Musikkultur.

Franz Schubert gilt als erster Komponist der Romantik, der zu den großen Komponisten zählt. Seine Musik ist rein, fröhlich, poetisch und gleichzeitig traurig, kalt und verzweifelt. Wie für Romantiker typisch ist die Musik von F. Schubert kontrastreich, besticht aber durch ihre Freiheit und Leichtigkeit, die Schönheit der Melodien.

F. Schubert hat eine Vielzahl von Liedern geschrieben, die wahre Meisterwerke sind. Dies gilt insbesondere für Werke, die zu Gedichten von V.I. geschrieben wurden. Goethe („Der Waldkönig“, „Gretchen am Spinnrad“) und viele andere.

Der Komponist arbeitete auch in anderen Genres: Opern, Kammergesangs- und Instrumentalwerke. Und doch ist der Name F. Schubert vor allem mit seinen Liedern und verschiedenen Zyklen verbunden: „Die schöne Müllersfrau“, „Winterreise“, „Schwanengesang“.

Der französische Komponist Georges Bizet ging als Autor der unübertroffenen Oper „Carmen“ in die Geschichte der Weltkultur ein. Bereits im Alter von zehn Jahren wurde er Student am Pariser Konservatorium. Der junge Komponist am Anfang seiner Karriere kreativer Weg Er versuchte sich in verschiedenen Genres, aber die Oper wurde zu seiner wahren Leidenschaft. Neben „Carmen“ schrieb er Opern wie „Die Perlenfischer“, „Die Schöne von Perth“ und „Jamile“. Hervorzuheben ist auch die Musik, die er für A. Daudets gleichnamiges Drama „Der Arlesianer“ schrieb. J. Bizet gilt zu Recht als herausragender Komponist Frankreichs.

Edvard Grieg ist der berühmteste Komponist Norwegens, eines der Symbole dieses Landes. Seine Musik ist ein unverwechselbares und originelles Phänomen, das die einzigartige Individualität des kreativen Denkens dieses Komponisten demonstriert. Werke von E. Grieg, darunter „ Klavierkonzert„, Romanzen, „Lyrische Stücke“, „Zweite Violinsonate“ und natürlich „Peer Gynt“ – die Musik zu G. Ibsens Stück – wurden nicht nur Eigentum der norwegischen, sondern auch der Weltmusik.

Eine der Verkörperungen der Romantik ist der italienische Geiger und Komponist Niccolo Paganini. Am meisten genaue Definitionen Seine Kunst ist Helligkeit, Brillanz, Wut, Rebellion. Er schrieb virtuose und leidenschaftliche Werke, die noch heute im Repertoire berühmter Geiger präsent sind. Die Rede ist vom Ersten und Zweiten Violinkonzert, „24 Capricci“, „Karneval von Venedig“ und „Perpetual Motion“. Darüber hinaus war N. Paganini ein ausgezeichneter Improvisator und fertigte Arrangements und Variationen von Opernfragmenten für Solovioline an. Er war eine Inspiration für viele Persönlichkeiten der Romantik.

Wenn man über die Musik des herausragenden polnischen Komponisten Fryderyk Chopin (1810 - 1849) spricht, muss man zunächst sagen, dass es sich hierbei um die „Seele des polnischen Volkes“ handelt, die in Chopins Kunst vielfältigen Ausdruck fand. Seine Musik enthält Seiten epischer Größe und heroischen Aufstiegs. In den tragischen Episoden von Chopins Musik kann man die Trauer eines mutigen Herzens hören. Chopins Kunst ist eine zutiefst volkstümliche Kunst eines patriotischen Künstlers, eines humanistischen Künstlers, inspiriert von den fortschrittlichen Idealen der Zeit, in der er leben und schaffen musste.

Chopins Karriere als Komponist begann mit der Komposition polnischer Alltagstänze (Mazurka, Polonaise, Walzer). Er wandte sich auch Nocturnes zu. Seine „Ballade in g-Moll“, „Scherzo in h-Moll“ und „Etüde in c-Moll“ erwiesen sich als revolutionär für die Klaviermusik. Die Etüden und Präludien von F. Chopin (zusammen mit den Etüden von F. Liszt) stellen den Höhepunkt der Klaviertechnik der Romantik dar.

Die Romantik hat auf russischem Boden sehr gut Fuß gefasst. Die neue Weltanschauung fand eine Resonanz in den Köpfen und Seelen der Intelligenz. Sein Konzept des Widerstands gegen das Böse, das die ganze Welt verschlungen hat, erwies sich als sehr nah an der russischen Kunst und Literatur.

Eine der Erscheinungsformen der Romantik war die russische romantische Prosa. Es entstand in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich zu einem einzigartigen Phänomen. Präsentiert nicht nur die Namen großer russischer Schriftsteller, sondern auch zweitrangiger Autoren. Einige Werke dieser Autoren zeigen deutlich eine Tendenz zur Fantasie, eine ungewöhnliche und surreale Atmosphäre, eine magische Wendung der Handlung, seltsame Helden. In diesen Werken ist Hoffmanns Spur spürbar, jedoch gebrochen durch die russische Realität. Wie in Deutschland war die russische Musik dieser Zeit eng mit der Literatur verbunden. Dies lässt sich am Beispiel der Arbeit von V.F. sehen. Odoevsky (1804 - 1869), der in beiden Bereichen Erfolg hatte.

Im Allgemeinen brachte die Romantik eine Galaxie herausragender Komponisten hervor. Das sind P. I. Tschaikowsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Skrjabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninow (1873 - 1943). Natürlich waren die meisten der aufgeführten Komponisten nur Romantiker. Sie leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung des Realismus in der russischen Kultur, bestimmte Perioden ihres Schaffens fielen jedoch auf die Bühne der Romantik.

Der Vertreter der russischen Idee in der Musik war M.I. Glinka. Sein Auftritt in der russischen Musikkultur zwang sie, einen anderen Weg einzuschlagen. In seinem Werk gelang es ihm, Europäisches und Russisches zu vereinen nationale Traditionen. Romantik Kreativität M.I. Glinkas sind wunderschöne Liebesromane voller Harmonie, Lyrik und Leidenschaft, perfekt in Form und Inhalt.

Neben den Aktivitäten der Komponisten spielten in dieser Zeit kreative Vereinigungen eine große Rolle. Im Allgemeinen war dies eine Zeit großer und bedeutender Veränderungen für Russland, auch im Musikleben. Es gibt eine Entwicklung von Wissenschaft und Literatur, die die russische Kunst mit sich bringt. Ihre besten Vertreter beginnen, die große gesellschaftliche Kraft der Kunst zu erkennen. Die Trends der Zeit erfassen also auch die Musik, der Einfluss der Literatur auf sie nimmt zu und damit auch ihre Wechselwirkung. Der Umfang seiner Beziehungen zu anderen Kunstformen erweitert sich, es entstehen verschiedene Musikgemeinschaften: Dargomyzhskys Kreis, Rubinsteins Kreis, Belyaevs Kreis und schließlich Balakirevs Musikgemeinschaft, die „Mächtige Handvoll“ genannt wird.

Der Ausdruck „The Mighty Handful“ wurde vom Kritiker V.V. geprägt. Stasov (1824 - 1906). Dieser oxymoronische Ausdruck wurde später populär und sowohl in respektvollen als auch in ironischen Kontexten wiederholt, wobei er sich auf die Musiker um M.A. bezog. Balakirewa.

Zunächst versuchten sie, das Interesse an russischer Volkskunst wiederzubeleben. Große Bedeutung beimessen Nationalität Sie glaubten zu Recht, dass dies nur erreicht werden könne, wenn der Komponist sich den Ursprüngen des Volksliedes zuwandte. Wer nur mit Salonkompositionen aufgewachsen ist, auch mit den besten, wird nichts Wertvolles schaffen können. Bisher glaubten die Mitglieder Balakirevsky-Kreis Professionelle Musik war mit seltenen Ausnahmen (gemeint ist M. I. Glinka, 1804 - 1857) weit entfernt von Volkskunst. Im Verständnis der „Kuchkisten“ ist der Komponist verpflichtet, sich vom Geist der Volksmusik zu durchdringen. Somit ist die russische Romantik russische Nationalkunst.

5. Schlussfolgerung.

Ein neuer, romantischer Blick auf die Welt in Europäische Kunst an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. In der Romantik grenzt die Alltagswelt an die fantastische Welt, in der der dramatische Held läuft und hofft, dem Alltag zu entfliehen. Die Romantiker glaubten, dass Kunst eins sei; Poesie und Musik liegen sich besonders nahe. Musik kann den Gedanken des Dichters „nacherzählen“, ein Bild malen literarischer Held Und Poesie überrascht oft mit ihrer Musikalität. Der Trend der neuen Kunst spiegelte sich auch im Werk der großen romantischen Komponisten wider.

Die Musikromantik hatte ihre eigenen Helden, ihre eigenen Themen, ihre eigenen ästhetischen Prinzipien und ihre eigene künstlerische Sprache. Sein Ziel war freie Form, nicht durch Genre- oder Typgrenzen begrenzt. Die Musikromantik existierte schon sehr lange und brachte reiche Früchte.

Doch der Moment seiner Krise ist gekommen. Dies geschah zu einer Zeit, als das herannahende 20. Jahrhundert mit seinen besonderen Tendenzen begann, die Ideale der Romantik zu zerstören. Und obwohl sie schließlich von der Moderne abgelöst wurde, versank die Romantik nicht in der Ewigkeit, und ihre Traditionen lebten in der Kunst des neuen Jahrhunderts und sogar in unserer modernen Zeit weiter.

6. Referenzliste.

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2. Galatskaya V.S. Deutscher Komponist Robert Schuman/V.S. Galatskaya. - M.: Wissen, 1956. - 33 S.

3. Gordeeva E.M. Mächtiger Haufen/E.M. Gordeeva. - M.: Musik. - 270 s.

4. Solovtsov A.A. Frédéric Chopin. Leben und Kunst. - Staatlicher Musikverlag/A.A. Solowzow. - Moskau, 1960. - 504 S.

Die romantische Weltanschauung ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen gekennzeichnet. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: „Der Geist verirrt sich, die Gefühle nie.“ Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm.
Wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung Wenn die Musikromantik in Europa ihre Entwicklung bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts im Wesentlichen abschließt, dauert sie noch viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi.

Die Spätphase der Romantik reicht bis zum Ende des 19. Jahrhunderts.

Das Hauptproblem der romantischen Musik ist das Problem der Persönlichkeit, und zwar in einem neuen Licht – in ihrem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft ist damit der Gedanke verbunden kreative Persönlichkeit: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Künstler, Dichter, Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Symphony Fantastique“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „ Tasso“).
Das der romantischen Musik innewohnende tiefe Interesse an der menschlichen Persönlichkeit drückte sich darin aus, dass darin der persönliche Ton vorherrschte. Die Offenbarung persönlicher Dramen erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. Zum Beispiel viele Klavierwerke Schumann sind mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Autobiografischer Charakter Wagner betonte seine Opern auf jede erdenkliche Weise.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel – Texte, in denen Liebesbilder vorherrschen, nehmen eine dominierende Stellung ein.

Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten. Da es sich um den Geisteszustand einer Person handelt, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Sinfonie in C-Dur).
Das Thema Fantasie wurde zu einer echten Entdeckung romantischer Komponisten. Zum ersten Mal lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhafte und fantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. und 18. Jahrhunderts werden „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „ Die Zauberflöte„) sprach „gemeinsam“ musikalische Sprache, heben sich kaum vom Hintergrund echter Menschen ab. Romantische Komponisten lernten zu vermitteln Fantasiewelt als etwas völlig Spezifisches (unter Verwendung ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben).
Das Interesse an Volkskunst ist für die musikalische Romantik sehr charakteristisch. Wie die romantischen Dichter, die durch Folklore bereicherten und aktualisierten literarische Sprache, Musiker wandten sich weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen. Beeinflusst von folkloristischen Inhalten Europäische Musik hell verwandelt.
Der wichtigste Punkt in der Ästhetik der Musikromantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, das in … seinen lebendigsten Ausdruck fand Opernkreativität Wagner und im Programm Musik von Berlioz, Schumann, Liszt.

Hector Berlioz. „Fantastische Symphonie“ – 1. Träume, Leidenschaften...

Der Inhalt der Symphonie ist mit Berlioz‘ Geliebter, der englischen Schauspielerin Harriet Smithson, verbunden. Im Jahr 1847 widmete der Autor während einer Russlandreise die Symphony Fantastique Kaiser Nikolaus I.

Robert Schumann – „Im Glanz...“, „Ich begegne dem Blick.“

Aus dem Gesangszyklus „The Poet's Love“
Robert Schumann Heinrich Heine „Im Schein warmer Maitage“
Robert Schumann - Heinrich „Ich begegne dem Blick deiner Augen“

Robert Schumann. „Fantastische Stücke“.

Schumann Fantasiestücke, op. 12 Teil 1: Nein. 1 Des Abend und Nr. 2 Aufschwung

Blatt. Sinfonische Dichtung „Orpheus“

Frederic Chopin – Präludium Nr. 4 in e-Moll

Frederic Chopin – Nocturne Nr. 20 in cis-Moll

Schubert ebnete den Weg für viele neue Musikgenres – Impromptu, Musikalische Momente, Liederzyklen, lyrisch-dramatische Sinfonie. Doch egal welches Genre Schubert schrieb – traditionell oder von ihm geschaffen – überall erscheint er als Komponist einer neuen Ära, der Ära der Romantik.