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Pressemitteilung

V Fernöstliches Winterfestival gewidmet

55. Jahrestag des Far Eastern State Institute of Arts

Im Jahr 2017, Fernost Landesinstitut feiert sein 55-jähriges Jubiläum.

Die erste Universität in Russland, die drei Kunstarten vereinte – Musik, Theater, Malerei – wurde als Fernöstliches Pädagogisches Institut der Künste gegründet. Im Jahr seines 30-jährigen Bestehens (1992) wurde es in Far Eastern State Institute of Arts umbenannt, im Jahr 2000 wurde das Institut in eine Akademie umgewandelt und 2015 erneut in Far Eastern State Institute of Arts umbenannt.

In der gemeinsamen Ausbildung von Musikern, Künstlern, Schauspielkünstlern und Regisseuren wurden viele Berührungspunkte erwartet: gemeinsame oder verwandte Disziplinen, vielfältige Möglichkeiten, die sich im Bereich der synthetischen Künste eröffnen, zum Beispiel der Oper, wo Musik, Malerei und Theater sind kombinierte, kreative, sich gegenseitig bereichernde Kommunikation.

Das Kulturministerium nahm die Gründung einer neuen Universität ernst. Die entsprechenden Anordnungen wurden erlassen: über die Übertragung der Schirmherrschaft der Musikfakultät an das Moskauer Staatskonservatorium. Tschaikowsky; über die Theaterabteilung - nach ihr benanntes Staatliches Institut für Theaterkunst. Lunatscharski; über die Kunstfakultät – das Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Repina. Darüber hinaus wurden diese Bildungseinrichtungen angewiesen, aus ihren Mitteln Staffeleien, Kunstbücher, wissenschaftliche Werke, Abgüsse antiker Köpfe zum Zeichnen, Musikinstrumente, Noten und Bücher für die Bibliothek zu spenden. Sekundarschulen – um eine ausreichende Anzahl von Bewerbern für das Far Eastern Pedagogical Institute of Arts sicherzustellen.

Die Gründung des Instituts für Künste wurde zu einem Ereignis im kulturellen Leben der Region Primorje und des gesamten Fernen Ostens. Es wurde möglich, hochqualifiziertes Personal für Theater, Orchester, Lehrer für Schulen und Hochschulen sowie Künstler auszubilden.

Der Grundstein für die Hochschulbildung im Bereich der Kunst im Fernen Osten wurde von hervorragenden Lehrern und Absolventen zentraler Universitäten gelegt: Moskauer Konservatorium: V.A. Guterman, M.R. Dreyer, V. M. Kasatkin, E. A. Kalganov, A. V. Absolventen des Leningrader Konservatoriums: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Uraler Konservatorium - A.I. Zhilin, Odessa Konservatorium - S.L Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin und B.G. Kulnev, Absolvent des Leningrader Kunstinstituts. Repina V.A. Goncharenko und andere. Die Musikfakultät begann nach dem üblichen Plan der Konservatorien zu studieren, die Kunstabteilung nach dem Plan des Instituts. Surikov, Theater - nach dem Plan der Schule. Schtschepkina.

Von Anfang an bis heute ist das Far Eastern State Institute of Arts ein Zentrum für professionelle Musik-, Theater- und Theaterkunst Kunstunterricht im Fernen Osten. Das Institut hat ein dreistufiges Kunstausbildungssystem geschaffen (Kinderkunstschule – Hochschule – Kreativuniversität):

Kinderästhetisches Zentrum „World of Art“, Kinderkunstschule;

Hochschule für Musik;

Universität: Fach-, Bachelor-, Master-, Postgraduierten- und Assistenzprogramme; zusätzliche Fortbildungs- und berufliche Umschulungsprogramme.

Das Institut umfasst drei Fakultäten: Musik (Konservatorium), Theater und Kunst; eine Auslandsabteilung wurde eingerichtet (seit 1998).

Far Eastern State Institute of Arts – Mitglied des gemeinsamen Dissertationsrates D 999.025.04 an der Far Eastern Federal University (Fachgebiete 17.00.02 – Musikalische Kunst (Kunstgeschichte) und 24.00.01 – Theorie und Geschichte der Kultur (Kunstgeschichte und Kultur). Studien).

Wissenschaftliche und Kreative Aktivitäten Das Institut ist groß und vielfältig. Hier sind nur einige der bedeutendsten Projekte:

„Kultur des russischen Fernen Ostens und der asiatisch-pazifischen Länder: Ost – West“ – jährliche wissenschaftliche Konferenz

I und II Allrussisch musikalischer Wettbewerb(Regionalbühnen).

Internationaler Wettbewerb junger Musiker und Interpreten „Musical Wladiwostok“

„Kunst Wladiwostok“ – Internationaler Ausstellungswettbewerb kreativer Werke von Studenten und jungen Künstlern aus Fernost, Russland und APEC-Ländern.

Allrussische Olympische Spiele in musiktheoretischen Fächern „Meisterwerke der Weltmusikkultur“ für Studierende professioneller Bildungseinrichtungen und Kinderkunstschulen.

Regionale Kreativschule „Theater Priboy“

„Das Debüt junger Musiker-Darsteller, Preisträger internationaler Wettbewerbe – für Bewohner von Städten und Siedlungen des Fernen Ostens.“

Fortbildung für Lehrer Bildungseinrichtungen im Bereich Kultur und Kunst und weiterführende Schulen „Akademie der Künste“.

I Fernöstliches Wettbewerbsfestival der Popmusik.

Regionales Festival der Kinderkreativität.

Fernöstliches Winterkunstfestival

Fernöstlicher Kunstwettbewerb „Goldener Schlüssel“ für Kinderlehrer Musikschulen und nach ihm benannte Kunstschulen für Kinder. G.Ya.Nizovsky.

I Internationales Russisch-Chinesisch Kinderfest Kunst „Östliches Kaleidoskop“.

Fernöstlicher Lesewettbewerb „Meine Liebe ist mein Russland“

Regionaler Wettbewerb für zeitgenössische Musikkünstler.

Wettbewerb um die beste Aufführung von Werken von Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

„Tkachev-Lesungen“ – nach ihm benannter Lesewettbewerb Volkskünstler der Russischen Föderation L.A. Tkachev, „Theatralische Hoffnung“

"Klare Luft"

Remote-Meisterkurse mit dem Disklavier. Wladiwostok - Moskau.

« Aus der Geschichte kreative Schulen Institute of Arts: Ursprünge, Traditionen, herausragende Lehrer ...“

AKTUELLES KREATIV-TEAM:

Symphonieorchester - Gewinner des Grand Prix des VII. fernöstlichen Instrumentalmusikwettbewerbs „Metronome“.

Volksinstrumentenorchester- Preisträger der ersten Preise des IV. und V. Internationalen Wettbewerbs junger Musiker und Interpreten „Musical Wladiwostok“ 2005–2007, Gewinner des Grand Prix des nach ihm benannten V. Allrussischen Wettbewerbs. N.N. Kalinina (St. Petersburg, 2009)

Akademischer Chor – Preisträger des Regionalwettbewerbs „Singing Ocean“, Gewinner des Grand Prix des VI. Internationalen Wettbewerbs „Musical Wladiwostok“.

Ensemble Kammermusik„Konzerton“ – Preisträger des nach ihm benannten Internationalen Wettbewerbs. Shenderev (1997, 3. Preis), II. Internationaler Wettbewerb in Peking (1999, 2. Preis).

Russisches Instrumentaltrio „Wladiwostok“ in derselben Besetzung seit ihrer Gründung im Jahr 1990: Verdiente Künstler der Russischen Föderation Nikolai Lyakhov (Balalaika), Alexander Kapitan (Akkordeon), Sergei Arbuz (Balalaika-Kontrabass).

Preisträger: Internationaler Wettbewerb benannt nach. G. Shendereva (Russland, 1997 – Silbernes Diplom); 17. Internationaler Wettbewerb „Grand Prix“ (Frankreich, Bischwiller, 1997 – Grand Prix und Goldene Medaille); II. Internationaler Wettbewerb der Knopfakkordeonspieler (China, Peking, 1999 – 1. Preis); 38. Internationaler Wettbewerb der Knopfakkordeonisten (Deutschland, Klingenthal, 2001 – 3. Preis).

Opernstudio– Preisträger des 1. Preises beim Internationalen Wettbewerb „Musical Wladiwostok“ (2014, 2016)

Trio „Expecto“ - Preisträger internationaler Wettbewerbe für Knopfakkordeonisten in Harbin (VR China, 2014, 1. Preis), in Castelfidardo (Italien), 2015, 1. Preis, „Goldmedaille“).

Quartett „Collage“ Preisträger internationaler Wettbewerbe für Knopfakkordeonisten in Harbin (VR China, 2016, 1. Preis).

Trio „Orient“ Preisträger des internationalen Wettbewerbs in Lanciano (Italien, 2014, 1. Preis).

Absolventen, die einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Kultur geleistet haben,

Kunst und Kunstvermittlung

Musikwissenschaftler, Doktoren der Kunstgeschichte: Professor der nach ihm benannten Russischen Staatlichen Pädagogischen Universität. Herzen E.V. Hertsman, Professor am St. Petersburger Konservatorium, Verdienter Künstler Kareliens U Gen-Ir, Professor am Moskauer Staatlichen Konservatorium. PI. Tschaikowsky R.L. Pospelov, Professor der Russischen Akademie der Wissenschaften. Gnessinykh E.M. Alkon, Professor der Abteilung für Bildende Kunst, Schule für Kunst, Kultur und Sport, FEFU G.V. Alekseeva, Professorin des Moskauer Staatlichen Kulturinstituts N.I. Efimova, Professorin, Schauspiel Leiter der Abteilung für Philosophie, Geschichte, Kultur- und Kunsttheorie, Moskauer Staatliches Musikinstitut. A.G. Schnittke A.G. Alyabyev, Professor FEGII O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Ausführende Musiker: Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Leiter des Ensembles „Dzhang“ N.I. Erdenko, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Leiter der Abteilung für Orchesterdirigieren, Professor der Russischen Musikakademie. Gnesinykh B.S. Raven, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Professor F.G. Kalman, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Professor A.K. Kapitän, Preisträger eines internationalen Wettbewerbs, Verdienter Künstler der Republik Sacha (Jakutien), Professor der Abteilung für Orchestersaiteninstrumente Weiterführende Schule Musik der Republik Sacha (Jakutien) (Institut), benannt nach. V.A. Bosikova O.G. Kosheleva.

Schauspieler: Volkskünstler der Russischen Föderation A. Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznetsov, S. Strugachev, Staatspreisträger V. Priemykhov, Verdienter Künstler der Russischen Föderation V. Tsyganova; Volkskünstler der Russischen Föderation, Schauspieler des nach ihm benannten regionalen Dramatheaters Primorsky. Gorki, Professor der Fakultät für Schauspielkunst A.P. Slavsky, V. N. Sergiyakov, Nationaler Künstler Russische Föderation, Preisträger des russischen Regierungspreises im Bereich Kultur, künstlerischer Leiter des Primorski-Territoriums akademisches Theater benannt nach M. Gorki E.S. Zvenyatsky, Verdienter Künstler A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova.

Verdiente Künstler der Russischen Föderation S.A. Litvinov, S.M. Cherkasov, I.I. Duncay.

Wir laden alle zu den Konzerten ein

V Fernöstlich Winterfest Künste,

Informationen zu Konzerten finden Sie auf der Website www.dv-art.ru

Die offizielle Geschichte der Organisation begann im Oktober 1938 auf Initiative von V.V. Künstler, Lehrer und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens Wassili Wassiljewitsch Bezrodny absolvierte die St. Petersburger Akademie der Künste. I. E. Repina, Fakultät für Theaterdesign. Zeitgenossen zufolge war er ein modern denkender Mensch mit Wissen und hoher künstlerischer Kultur.

In Wladiwostok war eine höhere Kunstausbildung in jenen Jahren eine Seltenheit. Die beruflichen Fähigkeiten und die Vision von V. V. Bezrodny von der Kunst wurden an der ehemaligen Kaiserlichen Akademie der Künste geformt, wo zu dieser Zeit A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson und D. N. Kardovsky waren.

Die Atmosphäre in der Akademie jener Jahre lässt sich anhand eines speziellen Saals beurteilen, der 2013 im Wissenschaftlichen Forschungsmuseum eröffnet wurde Russische Akademie Kunst (NIM RAH) in St. Petersburg. Dies ist ein Saal, der der Akademie der Künste in einer ihrer schwierigen Zeiten gewidmet ist – den 1920er und frühen 1930er Jahren, als hier ein ungewöhnliches, buntes Bild verschiedener, sich manchmal gegenseitig ausschließender Strömungen herrschte. Dies beeinflusste die Entwicklung des Künstlers.

Eine der Qualitäten des damals entstandenen V.V. Bezrodny kann als Vielseitigkeit seiner schöpferischen Natur bezeichnet werden. Dies wirkte sich sowohl auf die Atmosphäre in der neu gegründeten Organisation in Primorje als auch auf die Art der Aktivitäten von V. V. Bezrodny selbst aus, der sich nicht nur für die Angelegenheiten der örtlichen Künstlervereinigung, sondern auch für die Etablierung einer Kunsterziehung engagierte.

Über die ersten Schritte der Primorje-Künstlerorganisation schrieb V.I. Kandyba Folgendes: „Am 10. Oktober 1938 kamen zum ersten Mal in der Geschichte der Region Künstler aus verschiedenen Orten in Primorje zusammen.

Dieses Treffen wurde zum Gründungstreffen. Das Ergebnis war die Bildung des Organisationskomitees der Union der Primorsky-Künstler, das am 1. August 1939 vom Organisationskomitee der Union der sowjetischen Künstler in Moskau registriert wurde.

Sie wählten V. V. Bezrodny zum Vorsitzenden, V. F. Inozemtsev zum stellvertretenden Vorsitzenden und Vorsitzenden des Ausstellungsausschusses und T. G. Aleshunin zum technischen Sekretär. Als Vorbild dienten die reisenden „Artel der freien Künstler“, die vor allem kreative Formen annahmen Kommunikation. Die berühmten „Donnerstage“ von N. I. Kramskoy mit Zeichnen und Kunstgesprächen wurden in Wladiwostok in ein Ausbildungsatelier für Künstler umgewandelt. Es gab regelmäßige Treffen, Arbeit an mir. Hier herrschte der einzigartige Geist des Studios aus Kameradschaft, Solidarität, Begeisterung und kreativem Anspruch. Nicht umsonst wurde bereits 1939 nach dem Plan des Organisationskomitees eine gemeinsame Ausstellung mit Werken von Künstlern aus Primorje eröffnet. Daran haben 18 Personen mit 120 Werken teilgenommen.“

Die kreative Organisation umfasste I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. Y. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. P. Rodionov, S. P. Kolabuko, D. S. Budin, D. S. S. S. S. S., D. S. , I. F. Palshkov (Suchan, mit 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussurijsk), S. P. Chaika (Ussurijsk), I. S. Derek (Ussurijsk), S. F. Arefin (Ussurijsk), Yu. L. Ars (Ussurijsk) , G. K. Aslanov (Ussurijsk).

Die Mitglieder der ersten Zusammensetzung der Organisation hatten unterschiedliche Bildungsniveaus und unterschiedliche Berufserfahrungen. So absolvierte M. A. Tsyganov die Club-Ausbilder-Abteilung der technischen Schule in Rostow, arbeitete dann während seines Dienstes in der Roten Armee (1932-34) im Regimentsclub als Künstler, P. V. Muldin begann seine kreative Karriere als studentischer Künstler des Ussuri-Kinos. S. F. Arefin erhielt eine Ausbildung im Studio of Military Artists. I. F. Palshkov (1887-1954) schloss 1912 die Zentralschule für technisches Zeichnen des Barons Stieglitz ab und verfügte über Erfahrung in der Arbeit in den Kattundruckereien von Serpuchow und Iwano-Wosnessensk sowie als Teilnehmer an Ausstellungen der Gesellschaft für Er war ein parteiloser Künstler in St. Petersburg (1914–1915) und erhielt Anerkennung für Landschaften, Skizzen und Grafiken. Im Jahr 1916 beteiligte sich I. F. Palshkov an der Gründung einer Kirche an der Schule Volkskunst Kaiserin Alexandra Fjodorowna, wofür ihm eine kostbare Anstecknadel mit dem Bild verliehen wurde Staatswappen. Doch trotz dieser Unterschiede waren sich die Künstler einig: Ihre Arbeit spiegelte die Natur und das vielfältige Leben des Primorje-Territoriums wider.

Im Jahr 1939 arbeitete das Organisationskomitee der Vereinigung der Primorsky-Künstler im Haus von V. V. Bezrodny in der Puschkinskaja-Straße 12. Dieses Haus ist nicht erhalten. V. V. Bezrodny zog 1936 von Ussurijsk nach Wladiwostok.

Er beginnt im Theater der Pazifikflotte zu arbeiten und entwirft Szenen- und Kostümskizzen. Gleichzeitig ergreift der Künstler Bildungsinitiativen: Er gründet das „Studio der Marinekünstler“ im Sailors' Club, das sich damals im Gebäude der Lutherischen Kirche befand, wo Soldaten der Roten Marine und der Roten Armee studieren .

Im Jahr 1939 wurde im Matrosenclub (heute Puschkin-Theater, Puschkinskaja-Straße 27) auf Initiative von Bezrodny eine Atelierschule gegründet, in der die Schüler nach dem Programm der weiterführenden Kunstschule lernten. Das Bewusstsein für die Notwendigkeit einer professionellen (und nicht einer Atelierausbildung) veranlasst V.V. Bezrodny, weiterhin an der Gründung der Wladiwostoker Kunstschule festzuhalten. Im Jahr 1943 genehmigte das Volkskommissariat für Bildung der UdSSR die Entscheidung, in Wladiwostok eine Kunstschule zu eröffnen, deren Direktor T. G. Aleshunin war (später wurde er an das 1962 gegründete Fernöstliche Pädagogische Institut für Künste als Vize versetzt). -Rektor für Wirtschaftsangelegenheiten). Im Jahr 1944 erfolgte die erste Aufnahme von Studenten; im nächsten Schuljahr 1945–1946 verfügte die Schule über zwei Kurse in den Abteilungen Malerei und Theater sowie einen in Bildhauerei.

Im Jahr 2014 feierte die Kunstschule Wladiwostok ihr siebzigjähriges Bestehen. Derzeit wird Material zusammengestellt, um ein Album zu erstellen, das der Geschichte der Schule und ihrer Rolle bei der Bildung und Entwicklung der Kunsterziehung im Primorje-Territorium und im Fernen Osten gewidmet ist. In diesem Artikel möchte ich die Verbindung zwischen der kreativen Organisation und der Schule hervorheben: Lehrer der VCU dieser Zeit V. V. Bezrodny, B. F. Lobas, V. S. Zdanovich, G. M. Tsaplin, F. N. Babanin, K. I. Shebeko, V. I. Prokurov, A. M. Rodionov, M. A. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. A. Zemskov und andere und die Gegenwart L. T. Ubiraeva, S. . I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Obmanets, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogoleva, V. V. Medvedev und andere waren und sind Mitglieder der Primorsky-Organisation der Union Russische Künstler.

Im Laufe der Zeit werden organisatorische und kreative Arbeit Die Primorsky-Künstlerorganisation erreichte ein qualitativ neues Niveau: Regionale Kunstausstellungen wurden regelmäßig, Absolventen der Wladiwostoker Kunstschule traten in das künstlerische Leben ein. 1959 bezog die Primorsky-Organisation ein neues Gebäude an der Straße. Aleutenskaja, 14-a.

Mitte der 1950er Jahre begann eine neue, helle Etappe im Leben der Primorsky Union of Artists. Dies sind die Jahre der beruflichen Ausbildung von I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefin, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnaryova, V. M. Medvedsky, V. M. Sviridov, B. F. Lobas, A. V. Teleshov, usw. In diesen Jahren erschienen die ersten Rezensionen der Arbeit von Künstlern aus Primorje in der Zeitschrift „Artist“. Die allgemeinen Merkmale dieses Jahrzehnts wurden von V. I. Kandyba formuliert: „... dies ist vielmehr eine Zeit der Bildung und Anhäufung von Kräften, die im Küstenboden einer jungen Generation aufstrebender Künstler Wurzeln schlägt.“ Die Rolle aufstrebender Künstler in künstlerische Entwicklung Die fernöstliche Realität ist großartig.

Ende der 1950er Jahre wurden jene Merkmale festgelegt, die es ermöglichten, bei späteren Zonenausstellungen die Kunst als Meer zu bezeichnen. Dies ist die vorherrschende Rolle der Landschaft, der Wunsch, das Genre der thematischen Malerei zu beherrschen, die mit der Geschichte der Region, der Art der Arbeit darin (das Primorje-Territorium ist das Territorium der Seeleute, Fischer, Bergleute) und dem Interesse daran zusammenhängt das Thema des Nordens, Tschukotka, Kamtschatka, der Kurilen.

I. V. Rybachuk und K. I. Shebeko gelten als Entdecker des Nordthemas nicht nur im Fernen Osten, sondern auch in der sowjetischen Kunst. Die Ausstellung „Drei Meister“ in den Hallen der Primorsky-Filiale der VTOO „Union der Künstler Russlands“ im Jahr 2014 unter Beteiligung von I. V. Rybachuk und K. I. Shebeko ermöglichte es, dieses Material aus der Sicht eines Modernen zu betrachten Vision des Themas in der Kunst und bewerten Sie noch einmal den Umfang dessen, was getan wurde. Der Norden lockte V.M. Medvedsky, I.A. Ionchenkova, N.D. Volkov (Ussurijsk) und andere Künstler und ermutigte sie, nach besonderen künstlerischen Mitteln zu suchen, um die Natur und die Menschen des Nordens angemessen widerzuspiegeln.

Ein weiteres nicht weniger bedeutendes Thema in der Kunst der Künstler aus Primorje war das Shikotan-Thema. Nachdem dieses Thema im Zusammenhang mit der Aufmerksamkeit für die russische Kunst der 1960er Jahre im Allgemeinen zum Gegenstand neuerer Forschungen geworden war, stellte es sich heraus, dass es mit der Arbeit von mehr als zwei Dutzend Künstlern des Primorje-Territoriums in Verbindung gebracht wurde und mehrere Jahrzehnte andauerte und Impulse gab die Existenz der Shikotan-Gruppe. Die erste Periode der Existenz der Gruppe ist mit den Namen Yu. I. Volkov, I. A. Kuznetsov, V. S. Rachev und E. N. Korzh verbunden. Die Entstehungsgeschichte der Gruppe ist mit der Persönlichkeit von O. N. Loshakov nach seinem Abschluss am Moskauer Kunstinstitut verbunden. V. I. Surikov, der nach Wladiwostok kam, um an einer Kunstschule zu unterrichten. Landschaft, Porträt, thematische Malerei – diese Genres wurden in Dutzenden von Leinwänden verkörpert, deren Hauptinhalt „die Natur des Fernen Ostens, damals – der Mensch in einfachen und einfachen Formen“ war starke Beziehungen mit ihr". Die Werke der Schikotaner verwirklichten einen harten Stil – eine Richtung in der Kunst der 1960er Jahre, die zwar nur kurze Zeit existierte, aber dennoch die spätere Haltung sowjetischer Künstler bis zum Ende der 1980er Jahre beeinflusste. Die Ausstellungen der Gruppe fanden in Wladiwostok und Moskau statt.

O. N. Loshakov nimmt als Ehrengast an der Herbstausstellung 2014 teil.

V. I. Kandyba und Kapitalkunsthistoriker verbinden die Zeit der 1960er Jahre mit der Entwicklung der thematisch-thematischen Malerei: „Die zweite Hälfte der 1960er Jahre war von einem Ereignis von großer Bedeutung für die Küstenmalerei geprägt – der Entstehung der thematisch-thematischen Malerei.“ Von einem seltenen, aber immer gern gesehenen Gast ist sie zu einem obligatorischen Stammgast auf den meisten unserer Ausstellungen geworden.

Der akute Mangel daran ist deutlich abgeklungen.“ Zu den „Künstlern“ zählen V. I. Bochantsev, Yu. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov und andere. Das zweite Genre soll das Bild „Held der Zeit“ verkörpern und wurde von Kritikern positiv bewertet , war ein Porträt. Das wichtigste Thema der Ausstellung „Sowjetischer Fernost“, die 1965 in Wladiwostok eröffnet wurde, war eine Geschichte über einen Zeitgenossen: „Seeleute, Walfänger, Fischer, Bauarbeiter, Rentierzüchter – das sind Goldminen mit erstaunlichen Charakteren.“ In diesem Genre arbeiten I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin. Diese Zeit zeichnet sich durch den Wunsch nach einer breiten Berichterstattung über Themen aus, die alle Aspekte des Lebens in Primorje und im Fernen Osten widerspiegeln. Fortschritte in diesem Bereich sind mit verbunden wichtige Ereignisse im künstlerischen Leben.

Im Jahr 1962 wurde das Far Eastern Pedagogical Institute of Arts mit den Fakultäten für Musik, Theater und Kunst gegründet (es hieß bis 1992, von 1992 bis 2000 Far Eastern State Institute of Arts, seit 2000 Far Eastern State Academy of Arts). ). Dieser Schritt war auf die Personalsituation in kreativen Organisationen zurückzuführen, die der erste Rektor des Instituts, G.V. Vasiliev, in einem Memo an den Kulturminister der RSFSR, A.I. Popov, als „katastrophal schlecht“ bezeichnete. V. A. Goncharenko, Dekan des Instituts und von 1973 bis 1993 Rektor, schreibt, dass die Eröffnung der Universität in Wladiwostok von (auch) Künstlern als „ein Geschenk des Schicksals, eine unerwartete Chance“ wahrgenommen wurde. Und ich muss sagen, jeder hat es mit voller Kraft genutzt. Darunter waren (Schüler des ersten Abschlussjahrgangs – Anmerkung des Autors). helle Künstler und wunderbare Lehrer: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Ionchenkov, D. P. Kosnitsky, P. Y. Rogal, V. A. Snytko, Yu. V. Sobchenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Besonders hervorheben möchte ich S. A. Litvinov, der an unserer Akademie aufwuchs, der erste Professor für Malerei im Fernen Osten, der ganz vom künstlerischen Leben Primorjes geprägt war.“

Absolventen der Kunstuniversitäten in Leningrad und Moskau kamen zum Unterrichten an das neu gegründete Institut – V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (Kunstkritiker) – nach ihm benanntes Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev – Moskauer Kunstinstitut. V. I. Surikova. Im Jahr 1967 begaben sich S. A. Litvinov und Yu. V. Sobchenko, einer der ersten Absolventen des Instituts, auf den Lehrweg.

1977 wurde N. P. Zhogolev (Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur, benannt nach I. E. Repin) einer der Lehrer. Ihre pädagogische und kreative Arbeit, die Teilnahme an Ausstellungen und die Kreativität ihrer Schüler machten das künstlerische Leben der Region „zu einem organischen, gleichberechtigten, kreativ originellen Teil des gesamtrussischen Lebens“. Nicht nur Absolventen der Kunstschule Wladiwostok, sondern auch Absolventen von Schulen in Sibirien und Zentralrussland (Irkutsk, Kemerowo, Blagoweschtschenskoje, Nowoaltaiskoje, Iwanowo, Rjasanskoje usw.) begannen, sich in der Malereiabteilung der FEGII einzuschreiben.

Der zweite Faktor, der die Entwicklung des künstlerischen Lebens beeinflusste, war die Organisation der Fernostzone.

1960 wurde der Künstlerverband der Russischen Föderation gegründet. 1960 fand die 1. republikanische Ausstellung „ Soviet Russland“, und davor veranstalten lokale Organisationen zonale Ausstellungen, an denen alle Mitglieder der Kreativteams teilnehmen. Die seriöse Arbeit der Ausstellungskomitees trägt zu großen beruflichen Erträgen bei, und Künstler haben außerdem die Möglichkeit, ihre Arbeiten mit denen von Künstlern aus anderen Gebieten zu vergleichen. Basierend auf den Ergebnissen zonaler Ausstellungen wurden Werke für die gesamtrussische Ebene ausgewählt. Dieses System blieb viele Jahre erhalten und ermöglichte den Zugang zum allgemeinen Kunstleben des Landes und besteht bis heute fort. Wladiwostok war übrigens dreimal Austragungsort der Zonenausstellung – 1967, 1974 und 1985.

Die in den 1960er Jahren etablierten Traditionen entwickelten sich bis zum Ende der 1980er Jahre weiter. In Moskau finden persönliche Ausstellungen von Künstlern aus Primorje statt, Alben mit Reproduktionen von K. I. Shebeko und K. P. Koval werden in der Reihe „Künstler der Russischen Föderation“ veröffentlicht. Die Erfolge der Künstler aus Primorje liegen nicht nur in der Malerei, sondern auch in der Staffelei- und Buchgrafik, der Plakatkunst (der bemerkenswerteste Künstler in dieser Richtung war E. I. Datsko, der als Ehrengast an dieser Ausstellung teilnimmt), Bildhauerei, Kunsthandwerk und monumentale Kunst.

So gibt es für den Far Eastern Book Publishing House, den Far Eastern State University Publishing House und den Dalnauka Publishing House eine Gruppe von Künstlern, die einen bemerkenswerten Beitrag zur Entwicklung der Buchgrafik im Primorsky-Territorium geleistet haben – V. S. Chebotarev, S. M. Cherkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovsky, V. I. Vorontsov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach und andere kehrten nach drei Jahren nach Leningrad zurück Eintritt in die Graduiertenschule, aus diesem Grund „wurde die Kunstfakultät ausschließlich zu einer Fakultät für Malerei“, die Ausbildung im Bereich Grafik wurde von der Kunstschule Wladiwostok angeboten. V. S. Chebotarev, Absolvent des nach V. S. Chebotarev benannten Instituts für Malerei, Bildhauerei und Architektur, unterrichtet hier seit 1960. I. E. Repin (Werkstatt von A. F. Pakhomov, spezialisiert auf Grafiker). V. S. Chebotarev nimmt mit grafischen Arbeiten an Ausstellungen teil. Arbeitet für Buchverlage in Fernost. Der Aufstieg der Küstengrafik, der mit dem Namen des Künstlers verbunden ist, führte dazu, dass viele seiner Absolventen begannen, in diesem Kunstfeld zu arbeiten.

Im Jahr 1978 entstand in der Primorsky-Organisation eine Abteilung für dekorative und angewandte Kunst, die Künstler aus Wladiwostok, Artjom, Nachodka und dem Dorf vereinte. Kawalerowo. Im Zusammenhang mit der Eröffnung einer Teppichfabrik und einer Porzellanfabrik in Artjom, einer Souvenirfabrik und einer Porzellanfabrik in Wladiwostok sowie einer Kunstkeramikfabrik in Spassk-Dalny entstanden junge, kreativ aktive Künstler, die ihr Studium an der Moskauer Hochschule für Kunst und Industrie abgeschlossen haben Schule, nach der die Odessa Art School benannt ist. M. Grekova, Leningrader Höhere Kunstgewerbeschule, Moskauer Technisches Institut, Leningrader Höhere Kunstgewerbeschule, benannt nach. V. Mukhina, Kunsthochschule Irkutsk.

Auf Ausstellungen dekorativer und angewandter Kunst stellten die Künstler der Sektion kunstvolle Textilien (Wandteppiche, Batik, Makramee), Porzellan, Keramik, Dekorationsgegenstände aus Metall, Holz und Stein mit fernöstlichen Motiven aus. IN verschiedene Jahre Die Sektion umfasste A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigoriev, O. G. und A. G. Kalyuzhnye, A. P. Onufrienko, V.F. Kosenko, V. K. Zakharenko (Nakhodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova und andere erklärten sich mit E. V. Barsegov, N. M. Shaimordanova, V. G. Nenazhivin.

In Veröffentlichungen, die der Primorsky-Organisation der Union der Künstler Russlands gewidmet sind, stellen sie die Ausgewogenheit verschiedener Genres der Malerei in einer Vielzahl von Werken der Grafik, Skulptur, dekorativen, angewandten und monumentalen Kunst fest. Künstler aus Primorje sind die Autoren gutes Level Staffeleiarbeiten, aktive Teilnahme an regionalen, republikanischen, gesamtrussischen Ausstellungen, Beitrag zur Gestaltung des Erscheinungsbildes der Stadt (Mosaiktafeln, Kunstformen in verschiedenen Bereichen der Stadt, Gestaltung von Innenräumen und Fassaden öffentlicher Gebäude). Im Allgemeinen können die 1960er bis 1980er Jahre als die Zeit der Entstehung einer vielschichtigen Küstenkunst mit eigener Persönlichkeit betrachtet werden.

In den 1990er Jahren spiegelten sich die Veränderungen im gesellschaftspolitischen Leben des Landes im künstlerischen Leben wider. Die zentrale These dieser Zeit formulierten Künstler, die Ende der 1980er Jahre zur Kunst kamen, im Booklet der Ausstellung „Generation der 80er“: „Die Generation der 80er hatte eine Zeit, in der es ihr, als Pionierin, erlaubt war.“ außerhalb jeglicher Ideologie, aus eigener Kraft etwas zu erschaffen... Völlige Meinungsfreiheit, an die man sich allerdings noch gewöhnen muss. Es ist das Schwierigste für eine Generation, die in einer Zeit aufgewachsen ist und gezwungen ist, in einer anderen zu leben. Hier überleben die Stärksten, oder vielmehr die Besessenen, für die die Malerei Leben bedeutet.“ Das Hauptproblem besteht einerseits in der Suche nach Möglichkeiten, eine problematische Vision durch Kunst auszudrücken modernes Leben Andererseits der Wunsch nach Individualität, der den Platz des Künstlers in der Gesamtreihe bestimmt. In dieser Zeit spielen junge Künstler eine besondere Rolle. Ihre Ausstellungen weisen auf „die Existenz diametral entgegengesetzter Trends und Trends in der Kunst, die Unvereinbarkeit von Einstellungen und Geschmäckern und sich gegenseitig ausschließende Ansätze zur Darstellung einer Person hin.“ Die Palette der ästhetischen Ansprüche junger Maler ... ist komplexer geworden ... mehrere Interpretationsweisen der Realität beanspruchen den Platz des Leitprinzips - von der unbedingten Offenlegung der Natur und direkten Aussagen über die Welt bis hin zu allegorischen Bildern und symbolischen Strukturen sowie ein ganzes Konglomerat von Techniken, die den technischen Arsenalen der modernen Moderne entlehnt sind.“ Diese These wird durch die Ausstellungen der Kreativgruppen „Wladiwostok“, „Shtil“, „Lik“ deutlich, deren Tätigkeit bis in die späten 1980er und frühen 1990er Jahre zurückreicht.

Als eine der wegweisenden Ausstellungen dieser Zeit kann die 2. Ausstellung junger Künstler des Fernen Ostens „Territorium der Hoffnung“ (1995, Wladiwostok) angesehen werden. V. I. Kandyba analysiert das präsentierte Material und schreibt: „Wir reden jetzt schmerzhaft viel über die Schwierigkeiten des Künstlerlebens in Russland.“ Aber ich wünsche mir, dass unser Fernost trotz allem ein gesegnetes Gebiet der Hoffnung auf Kreativität wird. Für uns ist diese Ausstellung dasselbe: Sie strahlt das Licht der Jugend und Hoffnung aus.“ Was motiviert einen der führenden Kunstkritiker des Fernen Ostens, optimistisch in die Zukunft zu blicken? Neben der allgemeinen Prognose verweist er auf die Werke von L. A. Kozmina, I. G. und O. G. Nenazhivina, E. A. Tkachenko, A. G. Filatova, I. I. Butusov und andere betrachten sie zwar als nicht für jedermann zugänglich, betonen aber die Arbeit mit Form und Farbe, Bedeutungen und Assoziationen. Aus heutiger Sicht ist die Arbeit der Künstler, deren Namen V.I. Kandyba in seinem Artikel nannte, eine bedingungslose Bestätigung dafür.

Doch in den 1990er Jahren wurden diese Herausforderungen akut. Das durch den technischen Fortschritt aufgeworfene Problem neuer Formen war relevant: Im künstlerischen Leben entsteht zeitgenössische Kunst, die nicht mit den traditionellen Fähigkeiten des Künstlers verbunden ist. Die Krise ereignete sich auch in der Region Kunstkritik, das zuvor die Phänomene des künstlerischen Lebens analysierte und verallgemeinerte und unter den neuen Bedingungen dem Kunstjournalismus zu ähneln begann, trug zwar zur Schaffung eines Tagesbildes bei, war jedoch nicht in der Lage, die Situation als Ganzes widerzuspiegeln.

Wenn wir von einer kreativen Union als Wirtschaftsorganismus sprechen, haben sich grundlegende Veränderungen auf diesen Lebensbereich ausgewirkt: Der Kunstfonds als eine Form der Organisation der Beschäftigung des Künstlers existiert im Primorje-Territorium nicht mehr. Natürlich kann man die 1990er Jahre als Krisenzeit für die Kunst der Region bezeichnen.

Gleichzeitig ermutigt uns das Leben, nach neuen Formen der Beziehung zur Gesellschaft zu suchen. 1992 verlor Wladiwostok seinen Status als geschlossene Hafenstadt und Kontakte zu Künstlern aus anderen Ländern wurden möglich und etabliert. Die Bewohner von Primorje beginnen, an großen Kunstveranstaltungen im asiatisch-pazifischen Raum teilzunehmen und in den Kunstmarkt einzusteigen. Es erschienen die nichtstaatlichen Galerien „Artetazh“ (Gründer und Direktor A. I. Gorodniy), „Arka“ (Gründer und Direktor V. E. Glazkova). Dank ihnen entsteht ein primäres Verständnis für die Figur des Kurators, der die Idee der Ausstellung entsprechend vorbringt eigene Vision künstlerischer Prozess, Themen und sorgt für deren Umsetzung. Hervorzuheben sind die Bemühungen von A. I. Gorodny, Gemeinschaftsausstellungen mit einer großen Anzahl von Teilnehmern – Mitgliedern des Künstlerverbandes – zu organisieren, die einen Querschnitt eines bestimmten künstlerischen Phänomens bieten: „110 Selbstporträts“, „Kinderporträt“, „Wladiwostok: Landschaften und Gesichter“, „Künstler in Andreevka“ usw. Die Erfahrung der Arbeit an diesen Orten, die die Möglichkeit bot, die Kunst von Künstlern aus anderen und ausländischen Regionen Russlands kennenzulernen, die zeitgenössische Kunst und Fotografie repräsentieren Natürlich bedarf es eingehender Forschung und Verallgemeinerung. In diesem Artikel stellen wir Folgendes fest: Sowohl das Artetage-Museum als auch die Arka-Galerie haben mit Künstlern zusammengearbeitet und arbeiten weiterhin mit Künstlern zusammen, die Mitglieder der Union der Künstler Russlands sind. „Artetazh“ ist ein ständiger Partner der Primorsky-Niederlassung bei der Durchführung groß angelegter Ausstellungen (Primorsky-Organisation der VTOO „Union der Künstler Russlands“: 70 Jahre“, „Far Eastern State Academy of Arts: 50 Jahre“, „Artists to der Marine“ usw.)

In den 2000er Jahren zeichnete sich ein modernes Bild des künstlerischen Lebens ab. Mitglieder der Kreativunion beteiligen sich aktiv an Ausstellungen auf verschiedenen Ebenen in Russland und im Ausland, auf den größten Kunstmessen im asiatisch-pazifischen Raum (KIAF, Guangzhou Art Fair usw.). Im Rahmen des APEC-Gipfels 2012, der Wladiwostok-Biennale für Bildende Kunst usw. fanden große Kunstausstellungen unter Beteiligung von Künstlern aus Wladiwostok statt. Künstler initiieren verschiedene Aktionen. Zu den bedeutendsten zählt die Reihe von Kunstkreuzfahrten auf der Yacht Allegro, die Mitte der 1990er Jahre von S. D. Gorbatschow organisiert wurde.

Die Idee, im Jahr 2001 die Bewegung „House of Prishvin“ zu gründen (angeführt vom Verdienten Künstler der Russischen Föderation V. I. Oleinikov), die Schriftsteller, Künstler und Lokalhistoriker im Zusammenhang mit der kreativen Neuüberlegung von M. Prishvins Aufenthalt in vereinte Primorje brachte nicht nur eine Reihe von Ausstellungen mit sich, sondern auch eine Reihe kreativer Treffen in Bibliotheken des Primorje-Territoriums.

Im Jahr 2006 hatten V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko und eine Reihe anderer Künstler, Designer und Architekten die Idee zum Projekt „Harmony of the Environment“, das eine Reihe von Ausstellungen umfasste. Am auffälligsten war die Ausstellung „Stadt, Meer, Wind, Segel“ (zeitlich abgestimmt auf den Geburtstag von Wladiwostok). Präsentiert wurden monumentale Kunst-, Malerei-, Grafik-, dekorative und angewandte Kunst-, Architektur- und Designprojekte. Die Idee der Ausstellung besteht darin, den Platz des Künstlers im städtischen Umfeld zu bestimmen. Zum Zeitpunkt der Entstehung der Ausstellung hatten Mitglieder der Primorsky-Organisation des Künstlerverbandes Russlands bereits positive Erfahrungen mit der Restaurierung des Bahnhofs und des Zarewitsch-Bogens in Wladiwostok gemacht. Das Projekt wurde von einer Reihe von Veröffentlichungen in Zeitschriften begleitet, was auf Versuche hinweist, nicht nur selbst ein künstlerisches Produkt zu schaffen, sondern auch eine öffentliche Meinung zu bilden (diese Idee wurde fortgesetzt in moderne Bühne: Im September 2014 präsentierte Alliance-Française Wladiwostok das Bildungsprojekt „Zeitgenössische Kunst in der Stadtarchitektur“, das bei Studierenden der Fachrichtungen „Architektur“ und „Design“ große Begeisterung hervorrief. In gewisser Weise erwarteten die Künstler aus Primorje im Jahr 2006 ihre Zeit. Und im Jahr 2013 war die Fortsetzung des Projekts die Dekoration des Wladiwostok-Kinos mit einer Reihe von Keramikplatten von G.G. Dobrynina und V.F. Kosenko.

Eine weitere interessante Initiative war die Gründung gemeinnützige Stiftung Bildende Kunst „MOST“ im Jahr 2009, verfasst von A. L. Arsenenko und V. N. Starovoitov. Als Hauptaktivität nannten die Veranstalter den Bereich Kunst. Eine der Veranstaltungen der Stiftung „Gifts of the Magi“ ist eine Wohltätigkeitsausstellung mit Werken von Künstlern aus Primorje im nach ihr benannten Museums- und Ausstellungskomplex des PGOM. V. K. Arsenjew auf der Straße. Peter der Große, 6 – nach Angaben der Organisatoren wurde es abgehalten anschließende Übermittlung Mittel aus dem Verkauf von Gemälden, um im Museum angemessenen Raum für Menschen mit eingeschränkter Mobilität zu schaffen.

Diese Beispiele zeigen, dass sich das Feld der kreativen Suche des Künstlers in der gegenwärtigen Phase erweitert hat.

Auch die Far Eastern State Academy of Arts erweitert ihr gewohntes Tätigkeitsspektrum. Bis 2009 wurde die Abteilung Malerei gegründet neue Besetzung Lehrer. Die erneuerte Abteilung kündigt sich mit einer Ausstellung in den Hallen der Primorsky State Art Gallery „Painted“ an, was an sich schon ein außergewöhnlicher Schritt ist. Im Einleitungsartikel zum Katalog der Ausstellung schreibt V. I. Kandyba, dass es in den fast einem halben Jahrhundert des Bestehens der Akademie keinen Plan für eine Gemeinschaftsausstellung von Fakultätslehrern gab. Die Ausstellung war ein Meilenstein und bedeutete einen Generationswechsel nicht nur in den Werkstätten, sondern auch in Klassenzimmer Akademien, an denen I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V. V. Medvedev, I. B. Obukhov, N. A. Popovich im Jahr 2009 lehren, die „Mitglieder eines einzigen Teams geworden sind, Künstler und Lehrer in einer Person, zusammen personifizieren und.“ kreatives Potenzial Fakultät und der Hauptweg ihrer zukünftigen Entwicklung.“

Im Jahr 2009 fand auf Initiative der Far Eastern State Academy of Arts erstmals ein internationaler Wettbewerb für junge Künstler „ArtVladivostok“ statt, der mit einer Ausstellung auf Grundlage der Ergebnisse endet. Ausstellungen in den Sälen der Primorsky-Zweigstelle des Künstlerverbandes Russlands und der Primorsky State Art Gallery werden zu jährlichen Ausstellungen, die auf den Ergebnissen von Pleinairs und dem 2. und 3. ArtWladiwostok-Wettbewerb basieren. In der Liste der Ausstellungen und künstlerischen Veranstaltungen geben junge Künstler - Absolventen der Akademie - Freilichtmalereien in St. Petersburg, Florenz und die Teilnahme an Allrussischen an künstlerische Veranstaltungen(Ausstellung „This is Great!“ im Artetage Museum zur Vorbereitung auf die Olympischen Spiele 2014).

Während seiner Tätigkeit als Vorsitzender A. A. Pyrkova wurde durch die Bemühungen des Dekans der Fakultät für Malerei N. A. Popovich eine Jugendabteilung der Primorsky-Zweigstelle der VTOO „Union der Künstler Russlands“ gegründet.

Derzeit hat die Primorsky-Abteilung der VTOO „Union der Künstler Russlands“ 124 Personen, darunter Kunsthistoriker: Doktor der Kunstgeschichte V. M. Markov, Kandidat der Kunstgeschichte O. I. Zotova, Verdienter Kulturarbeiter der Russischen Föderation L. I. Varlamova, Verdienter Arbeiter für Kultur der Russischen Föderation N. A. Levdanskaya. Mitglied des Künstlerverbandes ist auch der Direktor des Artetazh-Museums A. I. Gorodny.

Bis 2003 umfasste die Zweigstelle Primorje des Künstlerverbandes Russlands die Zweigstelle Nachodka (heute N STADTABTEILUNG AKHODKA VTOO „UNION DER KÜNSTLER RUSSLANDS“). Die Künstlergruppe Nachodka wurde 1980 auf Initiative der Verantwortlichen der Stadt Nachodka gegründet. Absolventen der Kunstuniversitäten des Landes wurden eingeladen und mit Unterkünften versorgt: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko – Absolventen der Moskauer Höheren Kunst- und Industrieschule, V. E. Ezhkov – Absolvent des nach ihm benannten Instituts für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I.E. Repina, Yu. A. Reznichenko und N. P. Saunin sind Absolventen des Far Eastern Institute of Arts. 1982 wurde V. P. Lakhansky, Mitglied des Künstlerverbandes der UdSSR und Träger des Primorsky-Komsomol-Preises, eingeladen. Seit 1982 wurde er zum Vorstandsmitglied der Primorsky-Organisation gewählt und leitete die Kreativgruppe von Nachodka. Zur gleichen Zeit arbeiteten in der Stadt die Künstler N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, Yu I. Tuchow, G. A. Omelchenko und andere. erklärte sich zu O. P. Kozich (Absolventin des Far Eastern Institute of Arts). Kozichs Grafiken zeichnen sich durch präzise Komposition, sichere Gestaltung und komplexe Farbgebung aus. Einen großen Beitrag zur Grafikkunst leistete V. P. Bykov (in Sowjetzeit Künstler reisten viel durch Tschukotka und hielten den Norden in einer Reihe von Grafikblättern fest) und F. F. Konyukhov. Die Arbeit von G. A. Omelchenko ist mit Nachodka verbunden. Der Künstler nahm mit den Grafikserien „Fisherman’s Everyday Life“ und „Far Eastern Frontiers“ an der 1. Zonenausstellung „Sowjetischer Fernost“ teil, widmete sich dann aber ganz der Malerei. Der Fund wurde zu einem der Hauptmotive des Plakatkünstlers V. A. Gorban. Ein bemerkenswertes Phänomen war das Werk des Landschaftsmalers N. P. Saunin. Seit 1964 lebte und arbeitete N. M. Kublov in Nachodka, Hauptthema Seine Werke basierten auf dem Thema der Liebe zu seiner kleinen Heimat, das in farbenprächtigen Leinwänden zum Ausdruck kam. Seit 1983 lebt und arbeitet der Bildhauer E. K. Sambursky in Nachodka (Abschluss an der Frunze-Kunstschule, Werkstatt von N. I. Ladyagin). 1987 wurden die Absolventen des Far Eastern Institute of Arts V.K. und N.S. Usov nach Nachodka eingeladen.

Die achtziger Jahre waren eine kreativ reiche Zeit. Der Kern der Gruppe besteht aus jungen Künstlern und Mitgliedern der Künstlervereinigung V. P. Lakhansky und G. A. Omelchenko, die aktiv in den Bereichen Malerei, Grafik sowie dekorative und angewandte Kunst tätig waren. Jährliche Stadtausstellungen (von 1980 bis heute) – in den Sälen des Museums- und Ausstellungszentrums, an denen Künstler verschiedener Generationen teilnehmen, ziehen die Aufmerksamkeit der Stadtbewohner auf sich. Künstler nehmen auch an regionalen, zonalen, republikanischen und gewerkschaftsweiten Ausstellungen teil und knüpfen internationale Kontakte. So wurden V. P. Lakhansky, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov Teilnehmer internationales Projekt in der Stadt Otaru (Japan), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov nahmen an der Ausstellung in der Stadt Maizuru (Japan) teil, es fanden Austauschausstellungen zwischen Künstlern aus der Stadt Nachodka und Künstlern aus den Städten Maizuru und statt Otaru (Japan). Es werden kreative Reisen zu den akademischen Datschen des Künstlerverbandes durchgeführt, Pleinairs abgehalten, Treffen zwischen Künstlern und Zuschauern organisiert, Treffen mit Studenten der Kunstschulen der Stadt abgehalten und Wettbewerbe abgehalten. Die Künstler V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyukhov, N. P. Saunin, Yu. A. Reznichenko, V. E. Ezhkov, O. P wurden in die Union der Künstler Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova aufgenommen. Dank der Stadtführung wurden fast allen Mitgliedern des Künstlerbundes Kreativwerkstätten zur Verfügung gestellt.

Die 1990er Jahre erwiesen sich für Nachodka-Künstler als ebenso kritisch wie für andere. Aufgrund der territorialen Entfernung der Stadt Nachodka von Wladiwostok (180 km) und der Zusammensetzung der AHR-Mitglieder in der Stadt Nachodka von mehr als 10 Personen wurde auf Initiative von K. R. Avarsky beschlossen, die Zweigstelle Nachodka zu gründen AHR. Die Registrierung durch das Justizministerium der Region Primorje erfolgte im Juni 2003.

Bis 1990 umfasste die Primorsky-Organisation die Ussuri-Abteilung des Künstlerverbandes Russlands (heute U SSURI-STADTORGANISATION VTOO „UNION RUSSISCHER KÜNSTLER“). Ussurijsk ist das zweite künstlerische Zentrum der Region Primorje. Künstlerische Traditionen wurden hier bereits in den 1940er Jahren gegründet. Die Ussuri-Organisation der VTOO „Union der Künstler Russlands“ wurde am 20. Juni 1943 als Zweigstelle der Primorsky-Organisation der Union der Künstler Russlands gegründet. Am 12. März 1944 eröffnete die Organisation die 1. Ausstellung von Ussuri-Künstlern.

Große Rolle bei der Erstellung kreative Gruppe Ussuri-Künstler wurden vom Studio für Militärkünstler gespielt, das im Januar 1940 von Absolventen der Akademie der Künste von St. Petersburg, den Brüdern Friedman – Ovsey Isakovich, künstlerischer Leiter des Ateliers für Militärkünstler, Lehrer der Abteilung für Schlachtenmalerei an der Akademie der Künste, und Rafail Isakovich, Leiter des Ateliers und der Kunstwerkstatt. Für das Atelier und die Arbeit der Künstler in Ussurijsk wurde auf der Straße ein besonderes Gebäude errichtet. Volodarsky, 42. Während des Krieges wurde das Atelier im Offiziershaus von A. N. Romashkin geleitet.

In den 1950er Jahren nahmen Kunst- und Produktionswerkstätten ihren Betrieb auf. Die Ussuri-Organisation war nicht zahlreich: 10–15 Personen bildeten ihren kreativen Kern. Das Leben einer kleinen Organisation hat immer seine positiven und negativen Seiten. Das Positive in dieser Situation war, dass das kompakte Team von der Idee einer Person – dem Anführer – gefesselt werden konnte. In den 1950er Jahren galt S. F. Arefin als Vorreiter, der ab den 1940er Jahren an regionalen Ausstellungen teilnahm. S. F. Arefin wuchs in Ussurijsk auf und diente während des Großen Vaterländischen Krieges im Hauptquartier des Fernöstlichen Bezirks, wo er Kurse für Militärkünstler absolvierte. Nach seiner Rückkehr nach Ussurijsk trat er dem Künstlerverband bei und beteiligte sich nicht nur aktiv an der kreativen, sondern auch an der sozialen Arbeit der Organisation. 1966 zog der Künstler nach Wladiwostok und gab die Staffeleimalerei viele Jahre lang praktisch auf, um Theaterkünstler zu werden.

Zweifellos eine führende Rolle in kreative Entwicklung gespielt von K. P. Koval. Seine Werke erschienen Ende der 1950er Jahre auf Ausstellungen in der gesamten Union und in den Republiken. Als Absolvent des Ateliers für Militärkünstler in Ussurijsk betrachtete er die nach ihm benannte Akademische Datscha als seine Hauptschule. I. E. Repin. Dank seiner kreativen Leistungen an der Akademie war K. P. Koval in Moskau bekannt und wurde „Koval aus Ussurijsk“ genannt. Er war ein wunderbarer Lehrer, der die Tradition des Studiounterrichts in Ussurijsk fortsetzte und in gewisser Weise die pädagogische Linie von V. V. Bezrodny auf Ussurijsk-Boden fortführte. Die Schüler seines Ateliers wurden „Fälscher“ genannt. K. P. Koval widmete sein ganzes großzügiges, starkes Talent der Küstenlandschaft, deren Verdienste der Meister-Landschaftsmaler A.A. hervorhob. Gritsai. Natürliches Talent und enorme Arbeitsfähigkeit ermöglichten es K. P. Koval, ein hochprofessioneller Künstler zu werden, eine Person mit einem „kreativen Anfang“. Dank ihm erschien die Definition der „Ussuri-Malschule“ auf Ausstellungen in der fernöstlichen Region und auf gesamtrussischen. Die fesselnde Kraft seines Talents vereinte und inspirierte die Ussuri-Künstler. Der Herausgeber der Stadtzeitung von Ussurijsk, M. Dubranov, schreibt dazu: „Es gibt Menschen, denen das Schicksal selbst dazu bestimmt ist, eine Zeit lang im Gefängnis zu bleiben.“ Geschichte der Menschheit. Aus ... der Geschichte von Ussurijsk kann der Künstler Kim Petrowitsch Koval ohne jeden Zweifel als solcher angesehen werden.“

In den 1940er Jahren legten S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. L. Ars, V. M. Zotov, S. P. Chaika und S. I. Derek starke Grundlagen für das stabile künstlerische Leben der Stadt. In den 1950er-1970er Jahren schlossen sich N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. Ya. Ya. der Union der Künstler Russlands an. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, in den 1980er Jahren – Yu. P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. In den 1990er Jahren wurde die Organisation mit neuen Mitgliedern ergänzt – Yu. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky.

Am 18. März 1985 fand die Eröffnung des Hauses der Künstler statt, das durch die Bemühungen von Ussurijsker Künstlern errichtet wurde. A.V. spielte dabei eine wichtige Rolle. Pikhtovnikov, der die Kulturkommission im Stadtrat leitete. Für ihren Beitrag zur Entwicklung der Kunst in Russland und im Fernen Osten wurden den Künstlern der Organisation die Titel Verdienter Künstler der Russischen Föderation und Verdienter Künstler der Russischen Föderation (K. P. Koval), Verdienter Künstler der Russischen Föderation (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitchik, I. I. Dunkay).

Das Thema der Kreativen Dacha in Andreevka ist eng mit der Ussuri-Organisation verbunden. Andreevka, in der Künstlerszene als „Künstlerhütte“ bezeichnet, erwies sich nicht nur als überraschend attraktiver Ort zum Entspannen und Angeln. Hier, auf dem Land des Khasansky-Bezirks von Primorje, wurden die Traditionen der kreativen Häuser Zentralrusslands fortgeführt. Eine davon ist die nach ihr benannte Akademische Datscha. I. E. Repin in Wyschny Wolochek- diente den Einwohnern von Primorje sowohl als Ort der Kommunikation als auch als Ort des Lernens, an dem an kreativen Rennen sowohl ehrwürdige Künstler aus Moskau, Leningrad und anderen Städten der Sowjetunion als auch solche teilnahmen, die noch keine Meister geworden waren.

Die Bewohner von Primorje bauten eine dauerhafte Straße nach Wyschny Wolochek. Auf ursprünglich russischen Ländern in enger Verbindung mit berühmte Künstler- In den sechziger Jahren erkannten A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. und S. P. Tkachev die Tiefen des Künstlerberufs. In jedem kreativen Gepäck steckt eine Skizze des Akademikers, in der sie übrigens trotz der radikal veränderten Umstände des künstlerischen Lebens auch heute noch auftauchen.

In den 1970er Jahren wurde nach einer Reihe langer Reisen beschlossen, eine eigene kreative Datscha zu bauen: „Mehrere Küstenmaler K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky kamen zum ersten Mal nach Andreevka Zeit. Andreevka ist ein kleines Dorf im Süden von Primorje im Bezirk Chasanski am Ufer der Dreifaltigkeitsbucht des Japanischen Meeres. Der Ort ist unglaublich schön. Hier befindet sich jetzt die kreative Datscha „Andreevka“. Es wird von der Ussuri-Organisation der Union der Künstler Russlands unterhalten. Künstler aus Fernost kommen hierher, um zu arbeiten und sich zu entspannen – Primorje, Chabarowsk, Blagoweschtschensk und mehr gute Zeiten„Die Künstler kamen aus Moskau, Leningrad, den baltischen Staaten und aus Zentralrussland“, schreibt R. P. Kosheleva, Referent des Künstlerverbandes Russlands. Der Herausgeber der Zeitung fand auf der Seite mit der Überschrift „In den Häusern der Kreativität“ neben dem Material über die Akademische Datscha in Wyschni Wolochtschok einen Ort, an dem er etwas über Andreevka veröffentlichen konnte, was kein Zufall ist. Andreevka war ein Ort der Inspiration und Arbeit für Dutzende Künstler verschiedener Generationen und zugleich eine Art Verbindungsglied zum Zentrum Russlands.

Im Jahr 1990 trennte sich die Ussuri-Niederlassung mit einem Personal von 10 Mitarbeitern von der Primorsky-Niederlassung und erlangte den Status einer unabhängigen Organisation.

Heute Zweigstelle Primorje, Stadt Nachodka und Ussurijsk Stadtorganisation VTOO „Union der Künstler Russlands“ arbeitet eng bei der Organisation von Kunstausstellungen und Pleinairs in Russland und im Ausland zusammen.

Olga ZOTOVA

Mitglied der VTOO „Union der Künstler Russlands“,

Geschäftsführer der Niederlassung Primorsky

VTOO „Union der Künstler Russlands“,

Ph.D. in Kunstgeschichte,

Außerordentlicher Professor der Schule Geisteswissenschaften FEFU

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Derzeit gibt es im Fernen Osten zwölf kreative Künstlerorganisationen: Die Primorsky-Abteilung der VTOO „Union der Künstler Russlands“ ist die zweitgrößte.

Die Aktivitäten der Organisation sind eng mit der Geschichte der bildenden Künste nicht nur in Primorje und im Fernen Osten, sondern in ganz Russland verbunden.

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Dmitry Borovsky, Mai 1998

Kunst: Fernost: Überblick

Die riesige Region, die üblicherweise als Fernost bezeichnet wird, umfasst China, Japan, Korea, die Mongolei und Tibet – Länder, die eine Reihe ähnlicher Merkmale, aber gleichzeitig erhebliche kulturelle Unterschiede aufweisen.

Alle Länder des Fernen Ostens erlebten den Einfluss der alten Zivilisationen Chinas und Indiens, wo bereits im 1. Jahrtausend v. Chr. philosophische und religiöse Lehren entstanden, die den Grundstein für die Idee der Natur als umfassenden Kosmos – eines Lebendigen – legten und vergeistigter Organismus, der nach seinen eigenen Gesetzen lebt.

Die Natur stand im Mittelalter im Mittelpunkt philosophischer und künstlerischer Forschungen, und ihre Gesetze galten als universell und bestimmten das Leben und die Beziehungen der Menschen. Die innere Welt des Menschen wurde mit den vielfältigen Erscheinungsformen der Natur verglichen. Dies beeinflusste die Entwicklung der symbolischen Methode in der bildenden Kunst und definierte deren allegorische Methode poetische Sprache. In China, Japan und Korea entstanden unter dem Einfluss einer solchen Einstellung zur Natur Kunstarten und -gattungen, Architekturensembles, eng mit der umgebenden Landschaft verbunden, war die Gartenkunst geboren und schließlich begann der Beginn der Landschaftsmalerei.

Unter dem Einfluss der alten indischen Zivilisation begann sich der Buddhismus zu verbreiten, und auch der Hinduismus begann sich in der Mongolei und in Tibet auszubreiten. Diese religiösen Systeme brachten nicht nur neue Ideen in die Länder des Fernen Ostens, sondern hatten auch direkten Einfluss auf die Entwicklung der Kunst. Dank des Buddhismus ein bisher unbekanntes Neues künstlerische Sprache Bildhauerei und Malerei entstanden Ensembles, deren charakteristisches Merkmal das Zusammenspiel von Architektur und bildender Kunst war.

Merkmale der Darstellung buddhistischer Gottheiten in Skulptur und Malerei haben sich über viele Jahrhunderte hinweg weiterentwickelt besondere Sprache Symbole, die Vorstellungen über das Universum, moralische Gesetze und das menschliche Schicksal zum Ausdruck brachten. Auf diese Weise wurden die kulturellen Erfahrungen und spirituellen Traditionen vieler Völker gefestigt und bewahrt. Die Bilder der buddhistischen Kunst verkörperten die Ideen der Konfrontation zwischen Gut und Böse, Barmherzigkeit, Liebe und Hoffnung. All diese Eigenschaften bestimmten die Originalität und universelle Bedeutung der herausragenden Schöpfungen der fernöstlichen Kunstkultur.

Kunst: Japan

Japan liegt auf den pazifischen Inseln und erstreckt sich von Norden nach Süden entlang der Ostküste des asiatischen Kontinents. Japanische Inseln liegt in einem Gebiet, das häufig von Erdbeben und Taifunen heimgesucht wird. Die Bewohner der Inseln sind es gewohnt, ständig auf der Hut zu sein, sich mit einem bescheidenen Leben zufrieden zu geben und ihre Häuser und Haushalte nach Naturkatastrophen schnell wieder aufzubauen. Trotz natürliche Elemente Die japanische Kultur ist eine ständige Bedrohung für das Wohlergehen der Menschen und spiegelt den Wunsch nach Harmonie mit der Welt um sie herum wider, die Fähigkeit, die Schönheit der Natur im Großen und Kleinen zu sehen. In der japanischen Mythologie galten die göttlichen Gemahlinnen Izanagi und Izanami als Vorfahren aller Dinge auf der Welt. Aus ihnen ging eine Triade großer Götter hervor: Amaterasu – die Göttin der Sonne, Tsukiyomi – die Göttin des Mondes und Susanoo – der Gott der Stürme und des Windes. Nach den Vorstellungen der alten Japaner hatten Gottheiten kein sichtbares Erscheinungsbild, sondern waren in der Natur selbst verkörpert – nicht nur in Sonne und Mond, sondern auch in Bergen und Felsen, Flüssen und Wasserfällen, Bäumen und Kräutern, die verehrt wurden als spirits-kami (das Wort kami aus dem Japanischen übersetzt bedeutet göttlicher Wind ). Diese Vergöttlichung der Natur hielt das ganze Mittelalter über an und wurde als Schintoismus - Weg der Götter, wird zur japanischen Nationalreligion; Die Europäer nennen es Shintoismus.

Ursprünge Japanische Kultur in der Antike verwurzelt. Am meisten frühe Arbeiten Die Ursprünge der Künste reichen bis ins 4. bis 2. Jahrtausend v. Chr. zurück. Die längste und fruchtbarste Periode für die japanische Kunst war das Mittelalter (6.-19. Jahrhundert).

Kunst: Japan: Architektur: Traditionelles japanisches Haus

Das Design eines traditionellen japanischen Hauses entwickelte sich im 17. und 18. Jahrhundert. Es handelt sich um einen Holzrahmen mit drei beweglichen und einer festen Wand. Die Wände dienen nicht als Stütze, sie können also auseinandergeschoben oder sogar entfernt werden und dienen gleichzeitig als Fenster. In der warmen Jahreszeit waren die Wände eine Gitterstruktur, die mit durchscheinendem Papier bedeckt war, die Licht hereinließ, und in kalten und regnerischen Zeiten wurden sie mit Holzpaneelen bedeckt oder durch Holzpaneele ersetzt. Bei der hohen Luftfeuchtigkeit des japanischen Klimas muss das Haus von unten belüftet werden. Um die Stützpfeiler vor Verrottung zu schützen, wurden sie auf Steinfundamenten errichtet.

Der leichte Holzrahmen verfügte über die nötige Flexibilität, die die zerstörerische Kraft des Stoßes bei häufigen Erdbeben im Land verringerte. Das Dach, Ziegel oder Schilf, hatte große Überstände, die die Papierwände des Hauses vor Regen und der sengenden Sommersonne schützten, aber die niedrigen Sonnenstrahlen im Winter, frühen Frühling und Spätherbst nicht blockierten. Unter dem Vordach befand sich eine Veranda.

Die Böden der Wohnräume waren mit Matten ausgelegt - Tatami, auf dem die Menschen meist eher saßen als standen. Daher waren alle Proportionen des Hauses auf eine sitzende Person ausgerichtet. Da es im Haus keine festen Möbel gab, schliefen sie auf dem Boden auf speziellen dicken Matratzen, die tagsüber in Schränken verstaut wurden. Sie aßen auf Matten an niedrigen Tischen und dienten auch verschiedenen Aktivitäten. Mit Papier oder Seide überzogene verschiebbare Innenwände konnten die Innenräume je nach Bedarf unterteilen, was eine vielfältigere Nutzung ermöglichte, es war jedoch unmöglich, dass jeder seiner Bewohner im Inneren des Hauses völlige Privatsphäre hatte, was die Innenräume beeinflusste. familiäre Beziehungen in der japanischen Familie und im allgemeineren Sinne - über die Besonderheiten des Nationalcharakters der Japaner.

Ein wichtiges Detail des Hauses – eine Nische an einer festen Wand – tokonama, wo ein Gemälde hängen oder eine Blumenkomposition – Ikebana – stehen könnte. Es war das spirituelle Zentrum des Hauses. Die Dekoration der Nische offenbarte die individuellen Qualitäten der Bewohner des Hauses, ihren Geschmack und ihre künstlerischen Neigungen.

Eine Fortsetzung des traditionellen japanischen Hauses war Garten. Es fungierte als Zaun und verband gleichzeitig das Haus mit Umfeld. Durch das Auseinanderziehen der Außenwände des Hauses verschwand die Grenze zwischen dem Inneren des Hauses und dem Garten und es entstand ein Gefühl der Verbundenheit zur Natur und der direkten Kommunikation mit ihr. Dies war ein wichtiges Merkmal der nationalen Perspektive. Allerdings wuchsen japanische Städte, die Größe des Gartens nahm ab und er wurde oft durch eine kleine symbolische Komposition aus Blumen und Pflanzen ersetzt, die die gleiche Funktion erfüllte, das Zuhause mit der Natur in Kontakt zu bringen.

Kunst: Japan: Ikebana

Die Kunst, Blumen in Vasen zu arrangieren - Ikebana (Leben der Blumen) – geht auf den alten Brauch zurück, Blumen auf den Altar einer Gottheit zu legen, der sich im 6. Jahrhundert zusammen mit dem Buddhismus nach Japan verbreitete. Meistens ist die Komposition im Stil der damaligen Zeit gehalten - Rikka (Blumen geliefert) – bestand aus einem Kiefern- oder Zypressenzweig und Lotusblumen, Rosen und Narzissen, montiert in antiken Bronzegefäßen.

Mit der Entwicklung der weltlichen Kultur im 10.-12. Jahrhundert wurden Blumenkompositionen in den Palästen und Wohnvierteln von Vertretern der Adelsschicht angebracht. Am kaiserlichen Hof erfreuten sich spezielle Wettbewerbe zum Arrangieren von Blumensträußen großer Beliebtheit. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstand eine neue Richtung in der Ikebana-Kunst, deren Begründer der Meister war Ikenobo Sen'ei. Die Werke der Ikenobo-Schule zeichneten sich durch ihre besondere Schönheit und Raffinesse aus; sie wurden auf Hausaltären aufgestellt und als Geschenke präsentiert.

Im 16. Jahrhundert mit der Ausbreitung Teezeremonien Eine besondere Art von Ikebana wurde zur Dekoration einer Nische entwickelt - tokonoma im Teepavillon. Der Anspruch an Einfachheit, Harmonie und eine zurückhaltende Farbgebung, der an alle Gegenstände des Teekults gestellt wurde, erstreckte sich auch auf die Gestaltung von Blumen – Chabana (Ikebana für die Teezeremonie). Berühmter Teemeister Senno Rikyu einen neuen, freieren Stil geschaffen - nageire (achtlos platzierte Blumen), obwohl gerade in der scheinbaren Unordnung die besondere Komplexität und Schönheit der Bilder dieses Stils lag. Eine Art von Nageire war das sogenannte Tsuribana, bei dem Pflanzen in einem hängenden, bootförmigen Gefäß platziert wurden. Solche Kompositionen wurden einer Person präsentiert, die eine Stelle antrat oder ihr Studium abschloss, da sie den „Ausstieg in das offene Meer des Lebens“ symbolisierte.

Im 17.-19. Jahrhundert verbreitete sich die Kunst des Ikebana und es entstand der Brauch, Mädchen obligatorisch in der Kunst des Blumenstraußarrangements zu unterrichten. Aufgrund der Popularität von Ikebana wurden die Kompositionen jedoch vereinfacht und strenge Stilregeln mussten aufgegeben werden. Rikka für nageire, von dem noch einer hervorstach ein neuer Stil seika oder shoka (Natürliche Blumen). Ende des 19. Jahrhunderts der Meister Ohara Wusin hat den Stil geschaffen moribana, dessen wichtigste Neuerung darin bestand, dass die Blumen in breite Gefäße gelegt wurden.

In der Zusammensetzung von Ikebana gibt es in der Regel drei obligatorische Elemente, die drei Prinzipien bezeichnen: Himmel, Erde und Mensch. Sie können als Blume, Zweig und Gras verkörpert sein. Durch ihre Beziehung untereinander und mit zusätzlichen Elementen entstehen Werke, die sich in Stil und Inhalt unterscheiden. Die Aufgabe des Künstlers besteht nicht nur darin, eine schöne Komposition zu schaffen, sondern darin auch seine eigenen Gedanken über das menschliche Leben und seinen Platz in der Welt möglichst vollständig zum Ausdruck zu bringen. Die Werke herausragender Ikebana-Meister können Hoffnung und Traurigkeit, spirituelle Harmonie und Traurigkeit zum Ausdruck bringen.

Der Überlieferung nach wird im Ikebana immer die Jahreszeit wiedergegeben, und die Pflanzenkombination bildet in Japan bekannte symbolische Wünsche: Kiefer und Rose – Langlebigkeit; Pfingstrose und Bambus – Wohlstand und Frieden; Chrysantheme und Orchidee - Freude; Magnolie – spirituelle Reinheit usw.

Kunst: Japan: Skulptur: Netsuke

Miniaturskulpturen – Netsuke – verbreiteten sich im 18. und 19. Jahrhundert als eine Art dekorativer und angewandter Kunst. Sein Aussehen ist darauf zurückzuführen, dass die japanische Nationaltracht – der Kimono – keine Taschen und alle notwendigen Kleinteile (Pfeife, Tabakbeutel, Medikamentenbox) hat usw) werden mit einem Gegengewichts-Schlüsselanhänger am Gürtel befestigt. Netsuke verfügt daher unbedingt über ein Loch für eine Kordel, mit deren Hilfe der gewünschte Gegenstand daran befestigt wird. Früher wurden Schlüsselanhänger in Form von Stäbchen und Knöpfen verwendet, aber bereits seit dem Ende des 18. Jahrhunderts arbeiteten berühmte Meister an der Herstellung von Netsuke und brachten ihre Signatur auf die Werke.

Netsuke ist die Kunst der städtischen Klasse, der Masse und der Demokraten. Anhand der Netsuke-Themen kann man die spirituellen Bedürfnisse, alltäglichen Interessen, Moralvorstellungen und Bräuche der Stadtbewohner beurteilen. Sie glaubten an Geister und Dämonen, die oft in Miniaturskulpturen dargestellt wurden. Sie liebten Figuren der „sieben Glücksgötter“, unter denen der Gott des Reichtums Daikoku und der Gott des Glücks Fukuroku am beliebtesten waren. Die ständigen Themen von Netsuke waren folgende: eine aufgebrochene Aubergine mit vielen Samen darin – ein Wunsch nach großem männlichen Nachwuchs, zwei Enten – ein Symbol für Familienglück. Eine große Anzahl von Netsuke ist Alltagsthemen und dem Alltagsleben der Stadt gewidmet. Dies sind reisende Schauspieler und Zauberer, Straßenverkäufer, Frauen, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen, wandernde Mönche, Ringer, sogar die Holländer in ihrer aus japanischer Sicht exotischen Kleidung – breitkrempige Hüte, Leibchen und Hosen.

Netsuke zeichneten sich durch ihre thematische Vielfalt aus und behielten ihre ursprüngliche Funktion als Schlüsselanhänger bei. Dieser Zweck verlangte von den Handwerkern eine kompakte Form ohne zerbrechliche hervorstehende Teile, abgerundet und angenehm anzufassen. Das hängt auch mit der Materialwahl zusammen: nicht sehr schwer, langlebig, aus einem Stück bestehend. Die häufigsten Materialien waren verschiedene Holzarten, Elfenbein, Keramik, Lack und Metall.

Kunst: Japan: Malerei und Grafik

Die japanische Malerei ist nicht nur inhaltlich, sondern auch formal sehr vielfältig: Dies sind Wandgemälde, Leinwandgemälde, vertikale und horizontale Schriftrollen auf Seide und Papier, Albumblätter und Fächer.

Antike Malerei kann nur anhand von Referenzen in schriftlichen Dokumenten beurteilt werden. Die frühesten erhaltenen herausragenden Werke stammen aus der Heian-Zeit (794..1185). Dabei handelt es sich um Illustrationen des berühmten „Die Geschichte des Prinzen Genji“ des Schriftstellers Murasaki Shikibu. Die Illustrationen wurden auf mehreren horizontalen Schriftrollen angefertigt und mit Text ergänzt. Sie werden den Pinseln des Künstlers Fujiwara Takayoshi (erste Hälfte des 12. Jahrhunderts) zugeschrieben.

Charakteristisches Merkmal Die Kultur dieser Zeit, die von einem eher engen Kreis der aristokratischen Klasse geschaffen wurde, war der Schönheitskult, der Wunsch, in allen Erscheinungsformen des materiellen und spirituellen Lebens ihren charakteristischen, manchmal schwer fassbaren und schwer fassbaren Charme zu finden. Das Gemälde dieser Zeit, das später den Namen Yamato-e (wörtlich übersetzt) ​​erhielt japanische Malerei ), vermittelte keine Handlung, sondern einen Geisteszustand.

Als die strengen und mutigen Vertreter der Militärklasse an die Macht kamen, begann der Niedergang der Kultur der Heian-Ära. In der Rollmalerei wurde ein erzählerisches Element etabliert: Es handelt sich um Wunderlegenden voller dramatischer Episoden, Biografien von Predigern des buddhistischen Glaubens und Szenen von Kriegerkämpfen.

Im 14. und 15. Jahrhundert begann sich unter dem Einfluss der Lehren der Zen-Sekte mit ihrem besonderen Blick auf die Natur die Landschaftsmalerei zu entwickeln (zunächst unter dem Einfluss chinesischer Vorbilder).

Eineinhalb Jahrhunderte lang beherrschten japanische Künstler Chinesisch künstlerisches System, einfarbig machen Landschaftsmalerei Erbe der nationalen Kunst. Ihre höchste Blüte ist mit dem Namen verbunden herausragender Meister Toyo Oda (1420..1506), besser bekannt unter dem Pseudonym Sesshu. In seinen Landschaftsbildern gelang es ihm, mit nur feinsten schwarzen Tuschetönen die ganze Vielfarbigkeit der Natur und ihre unzähligen Zustände widerzuspiegeln: die feuchtigkeitsgesättigte Atmosphäre des frühen Frühlings, den unsichtbaren, aber spürbaren Wind und den kalten Herbstregen, die bewegungslose Kälte des Winters.

Das 16. Jahrhundert eröffnet die Ära des sogenannten Spätmittelalter, die dreieinhalb Jahrhunderte dauerte. Zu dieser Zeit verbreiteten sich Wandmalereien, die die Paläste der Herrscher des Landes und großer Feudalherren schmückten. Einer der Begründer der neuen Richtung in der Malerei war der berühmte Meister Kano Eitoku, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts lebte. Der Holzstich (Holzschnitt), der im 18. und 19. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte, entwickelte sich zu einer weiteren Form der bildenden Kunst des Mittelalters. Gravuren wurden wie Genremalereien Ukiyo-e (Bilder der Alltagswelt) genannt. Neben dem Künstler, der die Zeichnung erstellte und seinen Namen auf das fertige Blatt schrieb, waren ein Schnitzer und ein Drucker an der Erstellung des Stichs beteiligt. Die Gravur war zunächst einfarbig; sie wurde vom Künstler selbst oder vom Käufer handkoloriert. Dann wurde der Zweifarbendruck erfunden und 1765 war der Künstler Suzuki Harunobu (1725..1770) der erste, der den Mehrfarbendruck einsetzte. Dazu legte der Schnitzer Pauspapier mit Muster auf ein speziell vorbereitetes Längsschnittbrett (aus Birne, Kirsche oder japanischem Buchsbaum) und schnitt je nach Farbgebung der Gravur die benötigte Anzahl bedruckter Bretter aus. Teilweise waren es mehr als 30 Stück. Danach erstellte der Drucker Drucke auf Spezialpapier, indem er die gewünschten Farbtöne auswählte. Seine Fähigkeit bestand darin, die Konturen jeder Farbe aus verschiedenen Holzbrettern exakt aufeinander abzustimmen.

Alle Stiche wurden in zwei Gruppen eingeteilt: Theaterstiche, die Schauspieler des klassischen japanischen Theaters Kabuki in verschiedenen Rollen darstellten, und Alltagsstiche, die Schönheiten und Szenen aus ihrem Leben darstellten. Der berühmteste Meister der Theatergravur war Toshushai Sharaku, der Nahaufnahme stellte die Gesichter der Schauspieler dar und betonte die Merkmale der von ihnen gespielten Rolle, die charakteristischen Merkmale der Person, die als Figur im Stück wiedergeboren wurde: Wut, Angst, Grausamkeit, Täuschung.

Herausragende Künstler wie Suzuki Harunobu und Kitagawa Utamaro wurden in der Alltagsgravur berühmt. Utamaro war der Schöpfer weiblicher Bilder, die das nationale Schönheitsideal verkörperten. Seine Heldinnen scheinen für einen Moment erstarrt zu sein und werden nun ihre sanften, anmutigen Bewegungen fortsetzen. Aber diese Pause ist der ausdrucksstärkste Moment, wenn die Neigung des Kopfes, die Geste der Hand, die Silhouette der Figur die Gefühle vermitteln, von denen sie leben.

Am meisten berühmter Meister Gravuren waren genialer Künstler Katsushika Hokusai (1776..1849). Hokusais Werk basiert auf der jahrhundertealten Bildkultur Japans. Hokusai fertigte mehr als 30.000 Zeichnungen an und illustrierte etwa 500 Bücher. Als bereits siebzigjähriger Mann schuf Hokusai eines der beeindruckendsten Werke bedeutende Werke- eine Serie von „36 Ansichten von Fuji“, die es Ihnen ermöglicht, es mit den meisten gleichzusetzen herausragende Künstler Weltkunst. Zeigt den Berg Fuji - Nationales Symbol Japan – von verschiedenen Orten aus offenbart Hokusai erstmals das Bild der Heimat und das Bild des Volkes in seiner Einheit. Der Künstler sah das Leben als einen einzigen Prozess in der ganzen Vielfalt seiner Erscheinungsformen, angefangen bei den einfachen Gefühlen eines Menschen, seinen täglichen Aktivitäten bis hin zur umgebenden Natur mit ihren Elementen und ihrer Schönheit. Das Werk Hokusais, das die jahrhundertealte Kunsterfahrung seines Volkes aufnimmt, ist der letzte Höhepunkt der künstlerischen Kultur mittelalterliches Japan, es ist ein wunderbares Ergebnis.

Kunst: Japan: Informationsquellen

Enzyklopädie von Microsoft Encarta 97 Weltenglische Ausgabe. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Internetressourcen (Worldwide Web);

„Enzyklopädie für Kinder“, Band 6 („Religionen der Welt“), Teil zwei. Avanta+ Publishing House, Moskau, 1996;

„Enzyklopädie für Kinder“, Band 7 („Kunst“), Teil eins. Avanta+ Publishing House, Moskau, 1997;

Enzyklopädie „Mythen der Völker der Welt“. Verlag „Sowjetische Enzyklopädie“, Moskau, 1991.

Kunst: Japan: Glossar

Gravur- Sicht Grafik, bei dem das Bild ein gedruckter Abdruck eines Designs ist, der auf eine Platte aus Holz, Linoleum, Metall oder Stein aufgebracht wird; das Bild selbst auf Holz, Linoleum, Karton usw.

Ikebana(„echte Blumen“) – die japanische Kunst, Blumensträuße zu arrangieren; der Strauß selbst, zusammengestellt nach den Prinzipien von Ikebana.

Kondo(Goldener Saal) - Haupttempel Buddhistischer japanischer Klosterkomplex; wurde später als Hondo bekannt.

Kaijuma- In der japanischen Architektur gibt es ein massives Satteldach eines Shinto-Tempels; aus Stroh oder Zypressenrinde, später aus Ziegeln.

Holzschnitt - Gravur auf dem Baum.

N´ etsuke- eine Miniaturfigur aus Elfenbein, Holz oder anderen Materialien; diente als Schlüsselanhänger, mit dem kleine Gegenstände (zum Beispiel eine Brieftasche) am Gürtel befestigt wurden; Zugehörigkeit zur japanischen Nationaltracht.

Pagode- in der buddhistischen Architektur der Länder des Fernen Ostens und Südostasiens ein mehrstufiger Gedenkturm - Reliquiar mit einer ungeraden (glücklichen) Anzahl an Stufen.

R´ impa- Schule der japanischen Malerei des 17. bis 18. Jahrhunderts; tendiert zu literarischen Themen vergangener Jahrhunderte; vermittelte die lyrischen Erfahrungen der Charaktere.

Reliquiar- ein Behälter zur Aufbewahrung von Relikten.

Tyaniva(„Teegarten“) – in der japanischen Architektur ein Garten, der mit der Teezeremonie verbunden ist – ziehen; bildet mit dem Teepavillon ein einziges Ensemble – Chashitsu.

Tyano´ Yu(„Teezeremonie“) – im spirituellen Leben Japans ein philosophisches und ästhetisches Ritual der Einheit der Menschen, das ihnen hilft, von der Hektik des Alltags abzuschalten.

Ukiyo-e(„Bilder der Alltagswelt“) – eine Schule japanischer Malerei und Holzschnitte 17..19 Jahrhunderte, die das Leben und die Interessen der städtischen Bevölkerung widerspiegeln; überlieferte Traditionen Genremalerei 15..16 Jahrhunderte.

Haniwa(„Tonkreis“) – alte japanische Grabkeramik; benannt nach der Herstellungsmethode: Von Hand geformte Tonringe werden übereinander gelegt; Morgendämmerungszeit - 5..6 Jahrhunderte.

Yamato´ äh(„Japanische Malerei“) – in der bildenden Kunst Japans vom 10. bis 11. Jahrhundert eine eigenständige Richtung im Gegensatz zur chinesischen Malerei; die Handlungsstränge mittelalterlicher japanischer Geschichten, Romane und Tagebücher wurden reproduziert; Silhouetten, leuchtende Farbtupfer und goldene und silberne Glitzerspritzer wurden ausdrucksstark kombiniert.

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Kunstgeschichte ist ein Spezialgebiet für diejenigen, die die Geschichte der Kunst von der Antike bis zur Gegenwart studieren, sich über künstlerische Werte informieren, eine Fremdsprache erlernen und sich darin fließend verständigen sowie Beschäftigungsmöglichkeiten im Ausland finden möchten. Dieser Beruf war vor zwei oder drei Jahrhunderten beliebt und verliert auch in der modernen Welt nicht an Relevanz. Ein Fernstudium in Kunstgeschichte ist durchaus möglich – viele Hochschulen bieten eine solche Möglichkeit an.

Fernlehrplan in Kunstgeschichte

Das Ausbildungsprogramm für professionelle Kunsthistoriker besteht aus mehreren Stufen:

• Kunsthistorische Ausbildung. Dies ist ein klassischer Abschnitt der Berufsausbildung, der das Studium der Kulturgeschichte von der Antike bis zur Gegenwart, praktische Kurse bei berühmten Künstlern und Bildhauern umfasst;
• Fremdsprachen. Der Schwerpunkt liegt natürlich auf dem Erlernen der englischen Sprache – sie gilt als international, in vielen Ländern verständlich und erweitert die Berufschancen der Absolventen. Einige Hochschuleinrichtungen erlauben jedoch das Studium einer Fremdsprache Ihrer Wahl – Englisch, Italienisch, Spanisch, Chinesisch, Japanisch;
• Praxis des Kunstmarktes (angewandte Kunstkritik). Durch das Studium dieses Teils des Pflichtlehrplans erhalten die Studierenden systematische Kenntnisse im Bereich des internationalen Kunstmarktes, seiner Preisgestaltung und der Nachfrage nach bestimmten Werken.

Sie sollten wissen, dass beim Fernstudium in Kunstgeschichte alle Punkte des Lehrplans obligatorisch absolviert werden müssen praktische Kurse. Jede Hochschule kann das Wissen der Studierenden innerhalb eines bestimmten Studienabschnitts erweitern. Die Praxis im Unterricht der Bildenden Künste kann beispielsweise die Einarbeitung in die Besonderheiten unternehmerischer Tätigkeit sowie in die Informationstechnologie umfassen.

Im Allgemeinen ist das Fernstudium für diesen Beruf recht komplex und umfasst das Studium folgender Disziplinen:

• Fremdsprache;
• Grundlagen der Wirtschaftswissenschaften, Kulturwissenschaften und Philosophie;
• Grundlagen der psychologischen und pädagogischen Ausbildung;
• Sprachkultur und Grundkenntnisse der russischen Sprache;
• Anwendung von Technologie in der Kultur;
• Informationsgrundlagen für Wirtschafts- und Managementaktivitäten;
• Naturwissenschaft.

Hierbei handelt es sich um allgemeine Disziplinen, die von allen Studierenden studiert werden, unabhängig von der gewählten Richtung in der Kunstgeschichte.

Welche Disziplinen umfasst das Kunstgeschichtsstudium?

Das Studium der Kunstgeschichte umfasst folgende Disziplinen:

• Antike Welt;
• Mittelalter;
• Länder des Nahen Ostens im Mittelalter;
• Kunst des Fernen Ostens im Mittelalter;
• Osten (XV-XIX Jahrhundert);
• Naher und Fernost des 20. Jahrhunderts;
• Kunst Westeuropas;
• Geschichte der dekorativen und angewandten Kunst, des Theaters, des Kinos und der Musik;
• Architektur- und Designgeschichte;
• Russische Kunst;
• Allgemeine Geschichte und Geschichte Russlands;
• Archäologie;
• Literatur;
• Ästhetische Lehren;
• Theorie und Methodik der Kunst;
• Geschichte der Kunstkritik;
• Grundlagen des Managements und Marketings;
• Geschäfte im künstlerischen Bereich;
• Kunstdenkmäler;
• Restaurierungsarbeiten;
• Museumsarbeit;
• Historische Daten zur untersuchten Fremdsprache;
• Übersetzung literarischer Texte;
• Kunstbetrieb – theoretische und praktische Materialien.

Angesichts der großen Menge an Disziplinen, die im Rahmen des Fernstudiums für den Beruf „Kunstgeschichte“ studiert werden, ist es nicht verwunderlich, dass Studierende aus der Ferne häufig Zwischentests und Differenztests absolvieren – Lehrer müssen sich der Vollständigkeit und Tiefe der Prüfungen vergewissern Wissen gewonnen.

Wo und wie bekommt man eine Ausbildung?

Kunstgeschichte- eine Fakultät, die eine praktische Ausbildung für jeden Studierenden beinhaltet und daher nicht eindeutig von Fernunterricht sprechen kann. Vielmehr handelt es sich bei dieser Bildungsmethode um eine Mischform der Bildung – Korrespondenz mit dem Einsatz von Ferntechnologien.

Sie können sich an vielen Hochschulen an einer ähnlichen Fakultät einschreiben, müssen jedoch bei der Einreichung der Zulassungsunterlagen persönlich anwesend sein. Darüber hinaus müssen Studierende in die Haupt- oder Nebenzweigstelle einer Hochschule kommen, um Praktika zu absolvieren, Seminare und Konferenzen zu besuchen, Prüfungsaufgaben, Differenzialtests und Prüfungen abzulegen.

Hochschuleinrichtungen, die ein Fernstudium im Fach Kunstgeschichte anbieten:

• Staatliche Technische Universität des Fernen Ostens;
• Kasanski Staatliche Universität Kultur und Kunst;
• Moskauer Staatsuniversität;
• Staatliches Pädagogisches Institut Perm;
• Staatliche Universität für Kultur und Kunst St. Petersburg.