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Am 31. März endet ihre Arbeit, die dem achten Jahrestag der Heritage Gallery gewidmet ist. Heute ist diese Galerie die einzige in Russland, die sich mit westlichem und sowjetischem Sammlerdesign beschäftigt.

Die Inhaberin von „Heritage“ Kristina Krasnyanskaya erzählte der Chefredakteurin von „365“ Yana Kharina, was das Phänomen des sowjetischen Modernismus ist, was das Gute an „Chruschtschow“-Gebäuden ist und ob Möbel aus den 60er Jahren mitgeführt werden Sammelwert.

Als ich durch die Ausstellung ging, wurde mir klar, dass mir hier vieles schmerzlich bekannt vorkam. Für wen ist diese Ausstellung gedacht: für Menschen, die mit sowjetischem Design vertraut sind, oder für diejenigen, die keine Zeit hatten, sich damit auseinanderzusetzen?

Wir haben eine umfassende Ausstellung. Natürlich ist es für beide Gästetypen konzipiert. Das ist einerseits für Menschen interessant, die von der sowjetischen Situation umgeben waren. Andererseits ist es lehrreich für ein jüngeres Publikum, und eines der Hauptziele unserer Ausstellung ist es, neue Maßstäbe zu setzen. Zu zeigen, was sowjetisch ist, ist nicht der sowjetische Weg.

Es ist kein Zufall, dass sich die Galerie vor einigen Jahren auf sowjetisches Design konzentrierte: Es gibt viele berühmte Dinge, Namen, die nicht nur im Westen, sondern auch hier bekannt sind. Aufgrund historische Gründe Wir haben eine Seite aus dem Kontext unserer Kunstgeschichte herausgenommen. Es gibt eine ganze Galaxie talentierter Architekten, Bildhauer und Designer, die heute einem sehr engen Fachkreis bekannt sind. Das Konzept des „sowjetischen Designs“ ist sehr weit gefasst. Avantgarde-Künstler wandten sich dem Design zu, jeder versuchte etwas zu tun. Doch bis heute ist kein einziges Stück avantgardistisches Design erhalten geblieben. Aber Dinge aus der Spätavantgarde und dem Konstruktivismus sind erhalten geblieben, darunter Boris Iofan (einer der führenden Vertreter der stalinistischen Architektur. - Anmerkung „365.“) In unserer Sammlung befindet sich ein Stuhl aus „Haus am Ufer“. Der Rest kann in Museen besichtigt werden.

Was genau ist „sowjetischer Modernismus“?

Wir sprechen über den neuesten Stil in der Geschichte des sowjetischen Designs – den Modernismus. Offiziell stammt es aus den Jahren 1955-85. Wenn man sich daran erinnert, was der sowjetische Modernismus ist, gibt es einen Bezug zu großartiger Architektur. Zum Beispiel zum selben unglücklichen abgerissenen Rossiya-Hotel, das eines der hellsten Objekte der sowjetischen Moderne war. Dieser Stil entstand nach dem Tod Stalins, als eine andere Regierung kam, neuer Kult Persönlichkeit. Zur gleichen Zeit kam eine für die UdSSR völlig ungewöhnliche Zeit – das sogenannte „Tauwetter“, als sich der „Eiserne Vorhang“ leicht öffnete und ein Strom frischer Westwinde zu uns kam. Der Durchbruch war VI Weltfest Jugendliche und Studenten im Jahr 1957, für die Picasso die „Friedenstaube“ anfertigte.

Was wird auf der Ausstellung präsentiert?

Unsere Ausstellung präsentiert nicht nur Design, sondern auch Fotografie, Malerei, Designglas, Bronze und Porzellan. Die Aufgabe der Kuratoren bestand darin, zu zeigen, wie diese Dinge in ihrer Ästhetik im Einklang mit dem stehen, was im Westen gemacht wurde. Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs bestand die dringende Notwendigkeit, Gemeinschaftswohnungen neu anzusiedeln. Die Menschen fangen an, eine eigene Wohnung zu bekommen, „Chruschtschowka“. Dieselben „Chruschtschows“ sind eines der negativen Muster, mit denen die meisten Menschen diese Zeit assoziieren. Es ist tatsächlich sehr interessanter Stil, der den stalinistischen Empire-Stil ersetzte. Und die Designer und Architekten, die unter Stalin arbeiteten, fühlten sich unwohl, weil dieser Stil keine dekorativen Prinzipien hat, minimalistischer ist, eine schwere Form hat und seine Wurzeln in den Ideen von Bauhaz hat: Funktionalität, Einfachheit der Linien, Lakonismus, Massivität.

Aber für junge Designer war es ein riesiges Betätigungsfeld, in dem sie sich einen Namen machen und einen völlig neuen Eindruck hinterlassen konnten neue Architektur. Und in diesen 30 Jahren bildete sich ein Stil wie der sowjetische Modernismus heraus, der im Einklang mit dem modischen Design der 50er und 60er Jahre im Westen stand. Stalins sperrige Möbel passten nicht in die neuen Kompaktwohnungen. Erscheinen neue Größe Möbel und Möbeldesigner. Der erste Designer dieser Zeit, Yu.V. Sluchevsky, der modulare Schrankmöbel einführte, lebt noch. Zunächst löste es in der Öffentlichkeit schreckliche Empörung aus. Aber diese Möbel wurden genehmigt und auf den Markt gebracht. Dieser Stil hat einerseits eine sozioökonomische Berechtigung, andererseits ist dies die Ästhetik, die im Westen existierte. Dies ist eine Zeit der Abstraktion, dies ist die Kultur, die sich parallel zum offiziellen sozialistischen Realismus entwickelte.

Gibt es Konzepte oder Namen, die Messegäste kennen müssen?

Ausstellungen werden gemacht, um den Menschen etwas zu sagen. Wenn jemand hierher kommt und alles weiß, dann ist er entweder ein Experte auf diesem Gebiet oder ein Sammler und sucht Dinge zum Kauf. Im Allgemeinen werden Ausstellungen im Wesentlichen geschaffen, um zu zeigen Neues Material. Ich denke, das war ein schwieriges Projekt für uns: Wir mussten in unserer Richtung sehr unterschiedliche Dinge kombinieren, und damit es nicht zu einer Art Chaos wurde, mussten wir es richtig aufdecken. Und natürlich wollte ich, dass die Dinge miteinander im Dialog stehen. Wir präsentieren frühe Arbeit Oscar Rabin mit einer brennenden Bibel und daneben „Der Ukrainische Aufstand“ von 1970. Das ist eine experimentelle Sache. Wir wollen zwingen im richtigen Sinne Dieses Wort, betrachten Sie das Alte auf eine neue Art und Weise. Es gab eine ganze Galaxie talentierter Menschen, die absolut avantgardistische Dinge herstellten, die heute perfekt in ein modernes westliches Interieur passen würden, und es wäre völlig unverständlich, dass dies in der UdSSR geschah. Deshalb ist es wertvoll, weil es von Künstlern gemacht wurde, die in einem geschlossenen Staat leben. Das ist eine parallele Ästhetik, eine parallele Kultur.

Liege ich richtig, wenn ich verstehe, dass die Ausstellung geschaffen wurde, um Einzelstücke und nicht Massenware zu zeigen?

Zweifellos . Als wir begannen, uns mit dieser Zeit zu beschäftigen, galt bis zum Ende der 50er-Jahre die Regel, dass Architekten auch Designer seien. Sie haben großartige Architektur gemacht, sie haben auch Innenräume geschaffen. Während Boris Iofan das Haus am Ufer entwarf, gestaltete er auch dessen Innenräume. Karo Halabyan, einer der führenden Designer und Architekten des stalinistischen Empire-Stils, errichtete nicht nur das Theatergebäude Sowjetarmee, sondern auch alle Möbel für ihn. Es war ganz und gar sein Projekt. In den 50er Jahren begann die Trennung zwischen Architekten und Designern. Und natürlich steckt hinter jedem Ding ein Mensch, der es erfunden hat. Unsere Ausstellung enthält ausschließlich Originalartikel. Dank der Stroganow-Akademie konnten wir den Autor jedes Artikels finden. Ja, das waren Designgruppen, denn Design begann sich zu entpersönlichen, aber hinter jedem Objekt stehen Menschen. Dies wurde jedoch nicht beworben; es war unnötig.

Haben diese Möbel einen Sammlerwert?

Möbel aus dieser Zeit liegen bereits im Trend. Ich bin mir sicher, dass es in fünf Jahren etwas gefragter sein wird als jetzt. Ich werde nicht sagen, dass es einen Sammlerwert hat, aber aufgrund der Tatsache, dass es vom Markt verschwindet, wird es eines der Hauptsuchobjekte sein. Heutzutage ist selbst das, was in Massenproduktion hergestellt wurde, schwer zu finden. Sie wurden gnadenlos getrennt: Einige brachten sie zur Datscha, andere warfen sie einfach raus. Wir zeigen hier sowjetische Sachen, nicht Tschechisch, Rumänisch oder DDR.

Möbel spiegeln die Zeit wider. Aber aus der Sicht des heutigen Trends besteht im Zuge des allgemeinen Interesses in den 50er und 60er Jahren die Möglichkeit, zu sehen, was in der UdSSR geschah.

Die Ausstellung trägt den Titel „Sowjetisches Design – ein Phänomen der Kultur und des Designs des 20. Jahrhunderts“. Was ist dieses Phänomen?

Im Allgemeinen ist das Konzept des sowjetischen Modernismus eine phänomenale Definition. Modernismus ist ein Begriff, der mit der westlichen Kunst im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts assoziiert wird. Das Phänomen des sowjetischen Modernismus besteht auch darin, dass es sich um einen Stil handelt, der in den internationalen Kontext integriert werden kann. Es gibt Dinge, die absolut international sind, ohne propagandistische Untertöne, ohne totalitären Touch oder Propaganda. Diese Dinge können sowohl in Museen als auch bei der Dekoration von Wohnungen problemlos mit Objekten westlichen Designs mithalten können.

Was gefällt Ihnen an der Ausstellung am besten??

Das Muschelsofa gefällt mir sehr gut. Ich mag natürlich die Werke unserer nonkonformistischen Künstler, das wunderbare Diptychon Viktor Pivovarov. Er und Ilya Kabakov kauften Farbe, die überhaupt nicht zum Malen geeignet war. Dies ist ein technischer Lack, Nitro-Email, der ziemlich stinkt und einen sowjetischen Geruch hat. Sie fertigten Arbeiten auf Hartfaserplatten an, die sofort zu Objekten wurden. Sie tat dies während seiner „abstrakten“ Zeit, von der nur wenige Menschen wissen. Und auch Kabakovs hier präsentierte Werke wurden in dieser Nitro-Emaille-Technik hergestellt. Ich mag Erik Bulatov und Oleg Vasiliev sehr. Aus Glas – eine atemberaubende Dekovase „Electrification“ der Künstlerin Helena Põld. Die Vase gehört zum Designerglas; solche Dinge gibt es nur in zwei Museen. Ich liebe die Skulpturen von Nikolai Silis wirklich und betrachte ihn als den sowjetischen Henry Moore. Es ist überraschend, dass die Ästhetik ihrer Arbeit sehr nahe beieinander liegt, obwohl Silis keine Ahnung hatte, dass ein Bildhauer wie Henry Moore existierte. Interessanterweise gleichzeitig in verschiedene Punkte Ganz unterschiedliche Menschen auf der ganzen Welt haben das Gleiche getan.

Schauen wir 10-15 Jahre in die Zukunft. Ist es möglich, dass Sie eine Ausstellung machen, die sich dem Design der 90er und 2000er Jahre widmet?

Nein, und ich werde Ihnen sagen, warum. Nach 1985 verschwand die inländische Produktion praktisch, Importe ersetzten alles. An diesem Punkt ist unsere Designaktivität abgeschlossen. Die 90er Jahre waren überhaupt nicht die günstigste Zeit. Die morderne Geschichte, dann wurde überhaupt wenig produziert.

Und jetzt?

Leider gibt es keine. Wahrscheinlich gibt es an der Stroganow-Akademie talentierte Studenten, die Gutes tun Abschlussarbeiten. Aber weiter geht es nicht. Mein Traum ist es, einen Pool von Designern zu schaffen, die mit ihrer eigenen Persönlichkeit würdige Dinge schaffen, die es wert wären, in Basel aufzutreten.

Das Sammeln von Kunstwerken ist ein Elite-Hobby, das nicht nur eine ernsthafte Ausbildung im Bereich der Kunstgeschichte, sondern auch einen tadellosen Geschmack erfordert.
Kristina Krasnyanskaya, Kunstkritikerin, korrespondierendes Mitglied der Internationalen Akademie für Kultur und Kunst und Inhaberin der Moskauer Heritage Gallery, erzählte uns, ob es möglich ist, selbst einen guten Geschmack zu entwickeln und wie man lernt, Kunstsammlungen zu erstellen.

• Christina, was ist für dich „guter Geschmack“?
• Guter Geschmack ist die Kunst, im Einklang mit der Welt um Sie herum zu sein. Geleitet vom Geschmack können wir entscheiden, was Teil unseres Lebens werden soll und was nicht. Es ist, als würde man eine gute Sammlung erstellen. Die Fähigkeit, Übereinstimmungen auszuwählen und zu finden, bestimmt die Gestaltung unseres persönlichen Lebenskontexts. Ein Mensch mit gutem Geschmack existiert und fühlt sich immer am Ort und in der Zeit, da er nach Harmonie zwischen Außen- und Innenwelt strebt.
• Lässt sich guter Geschmack Ihrer Meinung nach kultivieren?
• Natürlich ist guter Geschmack eine Eigenschaft, die in der Kindheit vermittelt wird. Wenn eine Person von sehr junges Alter Wer das Schöne und die ewigen Schönheitsideale kennenlernt, kann viel leichter einen guten Geschmack entwickeln. Guter Geschmack ist keine angeborene Eigenschaft, sondern das Ergebnis der Arbeit an sich selbst. Den Horizont ständig erweitern und Neues entdecken, wir verbessern uns dein Geschmack. Guter Geschmack wird oft mit Sinn für Stil in Verbindung gebracht, obwohl es sich dabei um zwei völlig unterschiedliche Konzepte handelt, wie Mode und Kunst.
• Was ist bei der Erstellung privater Kollektionen wichtiger – Geschmack oder Mode?
• Die Gesetze der Mode gibt es in allen Formen Menschliche Aktivität. Aber Mode ist immer bedingt. Auch wenn Modekunst zu einem bestimmten Zeitpunkt unglaublich gefragt ist, macht sie das aus Sicht der Sammlungsbildung nicht attraktiver. Es gibt viel wichtigere Kriterien bei der Auswahl von Werken zum Sammeln, und zwar zunächst einmal der künstlerische Wert des Werkes. Heutzutage ist es äußerst in Mode, zeitgenössische Kunst zu sammeln, aber das bedeutet nicht, dass Sammler Kunst des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte haben einen schlechten Geschmack...
• Der Geschmack eines professionellen Sammlers und eines unerfahrenen Sammlers stimmen oft nicht überein. Wie verhalten Sie sich in solchen Situationen? Bringen Sie den Kunden Geschmack bei oder versuchen Sie, sich daran zu halten? ihre Wünsche?
• Ich versuche immer, auf die Wünsche und Visionen meiner Kunden einzugehen, ohne ihnen jedoch meine Meinung zu verheimlichen. In der Regel beginnt jeder mit dem Sammeln von Klassikern und orientiert sich dabei an Ideen aus Anthologien und Museumskatalogen. Aber Konservatismus beim Sammeln - nicht immer ein Zeichen guter Geschmack. Abstrakte Kunst- das ist die Entwicklung, die zuerst der Künstler und dann der Betrachter durchläuft. Diese Kunst erfordert eine besondere Ausbildung, Erfahrung und Ausbildung. Sie müssen dorthin gelangen und Ihre Vision schrittweise erweitern, sonst werden Sie es vielleicht nie schaffen.
• Wie beeinflusst zeitgenössische Kunst den öffentlichen Geschmack?
• Jederzeit Kunst bildete sowohl den Schönheitskanon als auch den Modestil. Zeitgenössische Kunst tut dies auf eine intensivere und vielseitigere Art und Weise, indem sie über so viele Dinge gleichzeitig spricht. Heutzutage gibt es eine Tendenz zum Gesamtkunstwerk, wenn Theater mit Musik, Malerei mit Design, Videoinstallationen kombiniert wird und Kino. Kunst zeigt uns ihre Einstellung zu den in der Gesellschaft ablaufenden Prozessen und hilft uns, unsere eigene Einstellung dazu zu bestimmen. Wie hell und interessant es wird, hängt vom Talent und Können des Künstlers ab.
• Schlechter Kunstgeschmack ist...?
• Schockierend. Wenn es einem Künstler an Inspiration oder Schule mangelt, um sich der Welt bekannt zu machen, greift er zu schockierendem Verhalten. Dank der Aktivitäten einiger kreative Assoziationen, modern Russische Kunst wird sehr oft mit Unverschämtheit in Verbindung gebracht. Glücklicherweise gibt es in Russland neben dem Schockierenden auch viele interessante Dinge zeitgenössische Künstler, basierend auf den reichen Traditionen der russischen Malschule. Zweifellos werden ihre Werke eines Tages der breiten Öffentlichkeit zugänglich sein, aber schon jetzt sind ihre Werke Sammlerstücke.
• Welches Künstlerwerk ist für Sie ein Beispiel für tadellosen Geschmack?
• Dies ist eine sehr umfassende Frage. Unglaublich starkes Gefühl Stil besaßen Künstler wie Van Gogh, Marc Chagall und Konstantin Korovin. Für mich persönlich ist das Werk des Grafen der russischen Avantgarde Andrei Lansky, eines russischen Künstlers, der im Laufe der Jahre seine Heimat verließ, eine unendliche Quelle der Bewunderung Oktoberrevolution und erlangte im Westen große Anerkennung. Seine lyrischen Abstraktionen sind raffinierte intellektuelle Malerei, voller Energie des „Farblichts“. Heute erlangt Lanskys Werk endlich die wohlverdiente Anerkennung in seinem Heimatland, was auch von der Entwicklung des öffentlichen Geschmacks in Russland zeugt ...
  (Von der Galerie-Website):
  Die Haupttätigkeitsbereiche der internationalen Kunstgalerie „Heritage“ sind die Kunst der russischen Emigration der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und zeitgenössische russische Kunst.
  Im Bewusstsein der Verantwortung, die die Arbeit der Galerie auferlegt mit Werken Kunst auf einem solchen Niveau wie „Russisch im Ausland“ streben wir danach, bei der Arbeit mit zeitgenössischer Kunst so anspruchsvoll wie möglich zu sein. Zeitgenössische russische und westliche Kunst wird in der Heritage-Galerie von Künstlern präsentiert, deren Werke sich in den Sammlungen zahlreicher Museen auf der ganzen Welt befinden.
  Viele Teilnehmer unserer Ausstellungsprojekte sind Mitglieder der Union der Künstler der UdSSR und Russlands, Schüler solcher Kolosse moderne Malerei, wie Varvara Bubnova (Mitglied der „Union of Youth“, „Bube of Diamonds“, „Donkey's Tail“, ausgestellt zusammen mit Malewitsch, Tatlin und Rodtschenko), Vasily Sitnikov (Vertreter der „inoffiziellen Kunst, Gründer seiner eigenen Schule)“ , Heinrich Ludwig (Vertreter der Avantgarde der sowjetischen Architektur der 20er Jahre).
  Jede des Präsentierten in unserer Werkgalerie trägt eine unbestreitbare Bedeutung künstlerischer Wert, wodurch zeitgenössische Kunst einer Elite-Sammlung würdig wird und uns ausnahmslos Freude bereitet aus Kontakt mit dem Schönen.
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  Kristina Krasnyanskaya (38 Jahre alt): Tochter des Miteigentümers der Eurocement Group Georgy Krasnyansky (Nettovermögen 1,5 Milliarden Dollar).
  Heritage Gallery

Das Architekturmuseum veranstaltet die Ausstellung „Sowjetisches Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne.“ Es zeigt seltene Gegenstände Möbel und dekorative Kunst des letzten Jahrhunderts. Die Schöpferin der Ausstellung und Leiterin der Heritage-Galerie, Kristina Krasnyanskaya, sprach mit VD über das richtige Sammeln sowjetischer Dinge, Trends auf dem heutigen Kunstmarkt und die Notwendigkeit eines Designmuseums in Moskau.

Kristina Krasnyanskaya. Quelle: Promo

Meisterwerke sowjetischen Designs
Unsere Ausstellung unterscheidet sich von zahlreichen Ausstellungen zu den Themen Sowjetische Geschichte und Alltag. Es geht nicht um den Alltag, es geht um Kunst. In den Sälen sind sehr seltene, einzigartige Originalstücke ausgestellt. Protagonist, natürlich Möbel. Parallel dazu werden aber auch Porzellane, Lacke und Textilien dieser Zeit präsentiert.

Sowjetisches Design verdient heute zweifellos ein Museum und ist es wert, ein Sammlerstück zu werden. Wenn impressionistische Gemälde oder russische Meisterwerke bei Sotheby’s versteigert werden, reden natürlich alle darüber, unsere Medien schreiben darüber. Wenn Designauktionen stattfinden, gibt es viel weniger Informationen und Resonanz. Mittlerweile liegen sowohl die Preise als auch die bei diesen Auktionen gefundenen Meisterwerke nicht unter diesem Niveau.

Pavillon der UdSSR im Internationale Ausstellung 1939 in New York. . Quelle: Fonds des nach A.V. benannten Staatlichen Museums für Architektur. Shchuseva

Epochen und Stile
Wir versuchen ständig, die bestehende Haltung gegenüber sowjetischem Design als etwas, das etwas mit sich bringt, zu ändern negative Energie. Natürlich war es eine dramatische Zeit. Aber wer mit dem Sammeln beginnt, lässt sich darauf ein, sieht die Nuancen, merkt, wie die Zeit den Lebensstil verändert hat. Beispielsweise ist die Ära nach dem Tod Stalins die „Ära des Tauwetters“, die Zeit der Chruschtschow-Ära, neue Maßstäbe. Es entstanden Kleinwohnungen, an die die Möbel angepasst werden mussten. Es ist unglaublich interessant, diesen Formwandel zu beobachten.

Ausstellung „Sowjetisches Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne.“ Quelle: Promo

Stalinistischer Luxus
Der wohl spektakulärste Teil der Ausstellung ist der Stil des stalinistischen Sowjetimperiums. Wir zeigen seltene Gegenstände aus dem Theater der Sowjetarmee und eine experimentelle Vase aus Muchinas Werkstatt aus den 1940er Jahren, Zeichnungen von Vasen von Boris Smirnow (Stalins Lieblingsdesigner) …

Ausstellung „Sowjetisches Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne.“ Quelle: Promo

Und selbst in dieser prätentiösen und imperialen Welt ereigneten sich erstaunliche Vorfälle. Nehmen Sie zum Beispiel die atemberaubende Tafel von Isidore Frikh-Hare, die nach dem Prinzip der Ikone aller Heiligen aufgebaut ist. Einmal sahen wir seine anderthalb Meter große Skulptur russischer und europäischer Arbeiter, die sich leidenschaftlich küssen, unter einem roten Banner mit der Aufschrift „Arbeiter aller Länder, vereinigt euch!“ Denken Sie daran, alle waren empört über die Darstellung küssender Polizisten aus den frühen 2000er Jahren – und hier ist sie aus dem Jahr 1937!

Pavillon der UdSSR im Weltausstellung 1958 in Brüssel. Quelle: Fonds des nach A.V. benannten Staatlichen Museums für Architektur. Shchuseva

Wer braucht Dinge aus Chruschtschow-Gebäuden?
Beim Sammeln von Dingen steckt immer ein Element der persönlichen Erinnerung. Nehmen Sie zum Beispiel Möbel aus den 1960er-Jahren, die meiner Generation der 30-Jährigen gefallen. Aber meine Eltern mögen sie überhaupt nicht. Sie mussten mit ihr zusammenleben, nicht zu Hause bessere Konditionen. Doch für den Kenner oder ernsthaften Sammler gibt es neben Nostalgie und Erinnerungen auch Trends auf dem Kunstmarkt. Wer, wie man sagt, im Trend liegt, weiß, dass die 1960er-Jahre jetzt auf dem Höhepunkt einer Welle stehen. Wir hatten das Gleiche, nur wurde vieles vergessen. Glücklicherweise ist Yuri Vasilyevich Sluchevsky, einer der führenden Designer dieser Zeit, noch am Leben.

Ausstellung „Sowjetisches Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne.“

Rückkehr der Verlorenen kulturelles Erbe Russland ist die Hauptrichtung in der Arbeit der Heritage-Galerie. Seit 2011 baut die Galerie eine Sammlung original westlicher und sowjetischer Designs auf. 2012 und 2011 wurde sie die erste und einzige Russische Galerie, eingeladen zur Teilnahme an der Design Miami / Basel. Februar-Ausstellung im Architekturmuseum „Sowjetisches Design. „Vom Konstruktivismus zur Moderne 1920 – 1960“ ist das Ergebnis einer grandiosen kuratorischen Arbeit. Zum ersten Mal in der Geschichte präsentiert die Ausstellung dem Betrachter in seiner Gesamtheit nicht nur sowjetisches Design, sondern auch antike Objekte von Museumsqualität.

Kristina Krasnyanskaya, Kunstkritikerin, Sammlerin, Inhaberin und Art Director der internationalen Kunstgalerie „Heritage“, Kuratorin des Ausstellungsprojekts „Soviet Design. Vom Konstruktivismus zur Moderne 1920 – 1960er Jahre“.

Christina, bitte erzähle unseren Lesern etwas über das kuratorische Konzept. Was ist das Hauptkonzept des Projekts?

In den fünf Enfilade-Sälen des Museums werden insgesamt etwa zweihundert Einrichtungsgegenstände präsentiert, darunter Möbel, Kunststoffe, Geschirr, Stoffe usw. Mit einer konzeptionellen kuratorischen Entscheidung haben wir die Ausstellung in Stile und Richtungen unterteilt: fünf Säle – fünf Epochen – fünf Stile. Als wir mit der Arbeit an dem Projekt begannen, war ich mit der Tatsache konfrontiert, dass im Westen neben der russischen Avantgarde und Sowjetischer Konstruktivismus Niemand weiß etwas über sowjetisches Design. Leider passiert hier jedoch größtenteils das Gleiche. Leider ist unsere Mentalität so aufgebaut; als wir, wie man sagt, Meilensteine ​​veränderten, wurde alles zerstört, alle materiellen Denkmäler der vorherigen Ära. Vom Erbe des sowjetischen Designs sind nur noch wenige Überreste übrig geblieben. Die Architektur hatte mehr Glück. Während dieser vier Jahre, in denen ich an dem Projekt arbeitete, entdeckte ich völlig unerwartet eine ganze Reihe von Stilen, Epochen und Trends. Einige existierten parallel. Einige ersetzten sich gegenseitig. Unsere Ausstellung hat einen absolut historischen und kulturellen Schwerpunkt.

Wo beginnt die Ausstellung?

Die Ausstellung beginnt mit einem Saal, der dem Konstruktivismus gewidmet ist. Hier sind seltene Beispiele von Möbeln, die Boris Iofan für sein berühmtes „Haus am Ufer“ (1927-1931) entworfen hat, bei dem der Architekt alle Innenräume komplett entworfen hat. Auch Propagandamöbel (1930er Jahre) werden hier präsentiert, beispielsweise ein vom Architekten Igor Krestovsky entworfenes Set für das Smolensker Gemeinschaftshaus „Brot des Kommunismus“. Natürlich hängen alle Stile und Trends mit den Prozessen im Staat zusammen. Wie man so schön sagt, kann man die Wörter nicht aus dem Lied entfernen. Kommen neue Persönlichkeit Seit jeher beeinflusst ein Kurswechsel den Alltag, die Architektur und das Design. Mittlerweile sind Propagandamöbel eine Rarität geworden und mehrere authentische Gegenstände aus dem Haus der Kommune sind ausgestellt - großes Glück! Die im Projekt präsentierten Objekte stammen nicht nur aus unserer Galeriesammlung, sondern auch aus Privat- und Museumssammlungen, darunter dem Museum für dekorative und angewandte Kunst und dem Museum für Architektur. In MUARE haben wir, wie man so sagt, eine Aufklärungsarbeit durchgeführt und sehr interessante Dinge gefunden, wie zum Beispiel Fotos.

Sofa aus dem Möbelset „Brot des Kommunismus“. Igor Krestovsky und Artel „Leninets“ – 1937

Zweiter Saal?

Der zweite Saal ist dem sowjetischen Art Deco gewidmet. Der Art-Deco-Stil, seine sowjetische Version, hat seine Wurzeln im Konstruktivismus. Hier gibt es hervorragende Beispiele, zum Beispiel Möbel, die in den 1930er Jahren nach dem Entwurf von Nikolai Lanceray für das Museum von V.I. angefertigt wurden. Lenin herein
Leningrad, im Marmorpalast gelegen. Besonders interessant ist, dass Lanceray dieses Möbelset entworfen hat, während er im Gulag, in der „Sharashka“, im „Special Design and Technical Bureau“ saß. Dieser Raum zeigt auch großartige Beispiele der sowjetischen Propaganda Wedgwood, was sehr interessant ist.

Drittes Zimmer?

Das dritte Zimmer verfügt über atemberaubende Designstücke aus den 30er Jahren, wie zum Beispiel einen Kühlschrank. Heute ist es schwer zu verstehen, dass es sich um einen Kühlschrank handelt. Auf diesem Kühlschrank steht übrigens sogar die Aufschrift, dass er einem gewissen Sicherheitsbeamten Morozov geschenkt wurde. Im selben Raum werden auch Zeichnungen von Stalins Lieblingsarchitekt und Designer Boris Smirnow präsentiert.

Der vierte Saal?

In diesem Raum gibt es einen sowjetischen Empire-Stil. Hier erscheinen die Dinge von Karen Alabyan, der Schöpferin des Theaters der Roten Armee, in ihrer ganzen Pracht. Die Möbel im stalinistischen Empire-Stil werden auch in Einzelstücken gezeigt: ein verwandelnder Stuhl und ein Radio, die im Auftrag des Leningrader Kirow-Opern- und Balletttheaters (Mariinski-Theater) als Geschenk an Michail Iwanowitsch Kalinin angefertigt wurden. Die Dinge sind anders, interessant, alles begleitet von Grafiken und Fotos.

Radiola. 1940

Und der letzte, fünfte Saal?

Der letzte Raum ist dem immer beliebter werdenden, mittlerweile modischen sowjetischen Modernismus und Funktionalismus der 1960er Jahre gewidmet. Hier Hauptthema ist Raum. Dies ist die Zeit der lakonischen, funktionalen Möbel, die in Chruschtschow-Gebäude eingebaut werden sollten. Sowjetischer Modernismus, repräsentiert durch die Werke von Designern der 1950er-1960er Jahre
Jahre, führte die Traditionen der Avantgarde fort. Ein Beispiel sind die Möbelzeichnungen von Yuri Sluchevsky mit seinem ursprünglichen Modulsystem, das die Höhe und Breite der Struktur reguliert und sich auf das menschliche Wachstum konzentriert.
Nachdem wir eng mit der Strogonov-Akademie zusammengearbeitet hatten, mit Yuri Sluchevsky, der Ende der 1950er Jahre eine experimentelle Produktion in Strogonovka hatte, konnten wir deutlich sehen, wie sich Designer während der Thaw-Zeit von der Avantgarde der 10-20er Jahre inspirieren ließen. Es gab auf jeden Fall Kontinuität! Das ist das Konzept.

Regal (1960er Jahre, Eiche, 125 x 90 x 24 cm, aus einer Möbelserie, die speziell für eine Musterwohnung im Moskauer Stadtteil Tscherjomuschki angefertigt wurde)

Was lässt sich sonst noch über die Ausstellung sagen, auch über ihre Gestaltung?

Die Ausstellung vereint eins künstlerische Entscheidung. Auf dem Boden haben wir suprematistische Figuren aus Teppich platziert, die eingebunden sind allgemeine Zusammensetzung alle fünf Säle. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt natürlich auf Möbeln, es gibt aber auch Palech, Porzellan, Glas und Propagandatextilien. Aber die Hauptfigur sind natürlich die Möbel. Wir präsentieren einzigartige Sammlerstücke, die heutzutage nur noch schwer zu finden sind. Das sind Designermöbel. Dies ist eine große Rarität mit Herkunft und Geschichte. Um den Besuchern den Besuch der Ausstellung zu erleichtern, haben wir einen Leitfaden veröffentlicht.

Wie nützlich ist die Ausstellung für Fachleute?

Es ist sehr nützlich für Designer, Architekten und Dekorateure. Es zerstört einen weißen Fleck in der Geschichte des russischen Designs. Die Ausstellung ist eine echte Inspirationsquelle, die Basis zu verstehen... Ich muss sagen, dass unsere Kunden endlich keine Angst mehr vor alten Dingen im Innenraum haben. Und die Ausstellung trägt einmal mehr dazu bei. Ein lebendiger Innenraum ist ein vielseitiger Innenraum, aus dem Stühle hergestellt werden verschiedene Epochen grenzt an zeitgenössische Kunst und eine antike Kommode. Wenn ich mich wie ein Dekorateur auf Innenräume spezialisieren würde, würde ich genau solche Innenräume schaffen, mit besonderem Schwerpunkt auf sowjetischem Design.

Nikolai Lansere. Sessel. 1932

Christina, erzähl mir, wie begann deine Sammlung von Galeriedesign? Es ist immer interessant.

Ich muss sagen, dass wir bereits seit vier Jahren eine Sammlung für ein kleines, aber hochwertiges Museum gesammelt haben! Mit Iofan fing alles sehr lustig an. Als wir für Basel ein Projekt zur Avantgarde und Postavantgarde machten, stießen wir auf den Stuhl von Iofanov. Eine Amerikanerin kam zu unserem Stand und fing fürchterlich an, darauf herumzuspringen. Mein Herz sank, wir haben den Stuhl umzäunt und ein Schild aufgehängt: Setz dich nicht! Nicht berühren! nicht zu verkaufen! So begann unsere Sammlung. Alles verlief sehr konzeptionell. Ein Stuhl ist Architektur!

Sessel (

Die Ausstellung findet in statt Landesmuseum Architektur benannt nach A.V. Shchuseva. (Enfilade des Hauptgebäudes) bis 22. März.