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Der Begriff der expressionistischen Musik ist größtenteils mit dem Werk von Komponisten der Neuen Wiener Schule (A. Schönberg, A. Berg, A. Webern) verbunden. Zu den anderen Komponisten der 1910er Jahre, deren Musik auf die eine oder andere Weise dem expressionistischen Trend angehörte, gehörten P. Hindemith, B. Bartok, I. Strawinsky.

Die Hauptbedeutung dieses Stils ist der äußerst scharfe Ausdruck der subjektiven Gefühle eines einsamen Menschen. Diese Einsamkeit ist so groß, dass der Held scheinbar aller sozialen Bindungen beraubt ist und so weit akzeptiert, dass nichts mehr über ihn weiß, wie über die Frau in Schönbergs „Warten“: wer er ist und woher er kommt. Auch die Bandbreite der Emotionen ist sehr spezifisch: Die vorherrschenden Stimmungen sind Depression, Melancholie, Verzweiflung, Angst und extremes Grauen. Der emotionale Zustand tritt in den Vordergrund, wird zum „Protagonisten“ des Werkes und entfernt sich gleichsam von seinem Träger.

Der musikalische Expressionismus entwickelte ein einheitliches System künstlerischen Ausdrucks:

• *Ersetzung des traditionellen Dur-Moll-Systems durch Atonalität; freie Kombinationen von Harmonien, beliebige Übergänge von einer Tonart zur anderen, gleichzeitiges Erklingen mehrerer Tonarten. In den frühen 1920er Jahren. Schönberg entwickelte eine neue Dodekaphonielehre (das Kompositionsprinzip, das auf einer Reihe von 12 Tönen basiert);
• *ultimative Dissonanz der Harmonie;
• * Unterbrechung, „Diskontinuität“ der Melodie;
• *Instrumentale Interpretation von Gesangspartien; Instrumente werden in nicht-traditionellen Registern mit einem anderen Klangfarbengehalt verwendet.
• *aufgeregte Rezitation (vom Flüstern bis zum Schrei); die Verwendung von „Sprechgesang“;
• *unregelmäßige Betonung des Rhythmus, häufig wechselnde Tempi.

All dies erzeugt eine extrem aufgeladene emotionale Atmosphäre, den Eindruck einer ständig steigenden Spannung.

Arnold Schönberg beteiligte sich aktiv an den Aktivitäten des Kunstvereins Blauer Reiter. Die Prinzipien des expressionistischen Schreidramas wurden von ihm im einaktigen Monodrama „Waiting“ (1909) anschaulich verkörpert, wo eine einsame Frau in schmerzhafter Angst nachts am Waldrand entlang wandert, sie sieht schreckliche Visionen, ihre Seele ist von Entsetzen ergriffen, und schließlich Mondlicht Sie findet den leblosen Körper ihrer Geliebten und stürzt in den Abgrund des Wahnsinns.

Ein Meisterwerk der letzten Zeit Musikalischer Expressionismus ist die Oper von Alban Berg, einem Schüler von A. Schönberg, „Wozzeck“ (1921). Dieses Werk hat keinen einzigen Charakter unter seinen Helden. positiver Charakter. Berg zeigt die Tragödie kleiner Mann- Soldat Wozzeck, der von seinem Hauptmann verspottet wird, wird vom Doktor, der von seiner geliebten Frau Marie betrogen wird, sadistischen Experimenten unterzogen. Nachdem er sie aus Eifersucht getötet hat, begeht der halbverrückte Wozzeck Selbstmord. Musikalische Sprache Die Oper ist sehr reichhaltig, sie enthält auch innovative atonale Fragmente, die charakterisieren interner Zustand Hauptfiguren und Anklänge an klassische und romantische Musik in lyrischen Szenen, alltäglichen Episoden, in denen der Komponist parodiert Popmusik. In der Oper fehlen die üblichen Arien, Rezitative oder Ensembleszenen. Akut soziale Fragen Bergs Kompositionen, beeindruckende und originelle Musik haben Wirkung gezeigt großen Einfluss An Weiterentwicklung Operngenre.

„The Mighty Handful“ – Stasovs Beteiligung an den Aktivitäten der Gruppe war vielfältig. Bescheidener Petrowitsch Mussorgski. Wladimir Wassiljewitsch Stasow ist eine der interessantesten Figuren in der Geschichte der russischen Kunst. Russisches Volk in den Werken von Komponisten. Die Öffentlichkeit und „ Mächtiger Haufen" Mily Alekseevich Balakirev. Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow.

„Musikkultur“ – Städtische Bildungseinrichtung Lyzeum Nr. 1, Tutaev. J.S.Bach. Komponisten. Das Leben nach dem Tod und das Ende der Welt. Naturphänomene und Tiere. Ich. Glück. "Seidelbast." Erbe antike Kunst. Musikalische und dramatische Darbietungen. Italienischer Komponist Jacopo Peri. Denis Sidorov – Gesang (Diplominhaberin) Anna Grigorieva – Bildende Kunst (3. Platz).

„Musik des 20. Jahrhunderts“ – Michelia Jackson (USA) singt. Das 20. Jahrhundert kann zu Recht als das Jahrhundert des Jazz bezeichnet werden. Fragment der Rede. Ragtime zeichnet sich durch eine synkopierte, „zerlumpte“ Melodie mit einer klaren marschartigen Begleitung aus. Der herausragende russische Komponist Sergej Rachmaninow hielt fest romantische Richtung in der Musik. Ballett „Romeo und Julia“.

„Moderne Musik“ – D.D. Schostakowitsch. Darf es klassisch sein? moderne Musik? Problematische Probleme. D.B. Kabalewski. Vieles ändert sich, aber das Herz bleibt dasselbe. Musikunterricht 8. Klasse. Johann Sebastian BACH 1685 - 1750. Rochlin. F.M. Dostojewski. Bachs Kunst lehrt, erfreut, regt zum Nachdenken an und tröstet. Problematische Probleme:

„Impressionismus in der Musik“ – Habanera. Mute – ein Gerät zum Ändern der Klangfarbe Musikinstrument. Nasretdinova Aisylu Rimovna Musiklehrerin und MHC MOBU „Gymnasium Nr. 1“, S. Werchneyarkejewo. Maurice Ravel. Französische Künstler– Impressionisten. Lied über Bilder, Musik von Grigory Gladkov, Text von Alexander Kushner.

„Musik XIX XX“ – On Wende XIX-XX Jahrhundert erwacht das Interesse an alter Musik wieder. Symphonische und kammermusikalische Genres entwickeln sich in den Werken von Glasunow und Tanejew weit verbreitet. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts wächst. Musik des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Das ist Skrjabin. Aber Mussorgsky und Borodin waren bereits verstorben, 1893 auch Tschaikowsky. Die Arbeit wurde von Mazun Kirill, einem Schüler der Klasse 11A, durchgeführt.

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Der Expressionismus ist eine modernistische Bewegung in Europäische Kunst Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Verbreitung erfolgte vor allem in Deutschland und Österreich. Künstler dieser Bewegung brachten ihre eigenen Ansichten zum Ausdruck emotionaler Zustand, Stimmung oder innere Prozesse, die in der Seele oder Psyche ablaufen. Sie kopieren nicht die Realität, sondern projizieren ihre innere Welt in Malerei, Literatur, Theater, Musik und Tanz. Der Expressionismus war übrigens einer der ersten, der sich im Kino manifestierte.

Wie und warum entstand der Expressionismus?

Seine Entstehung war auf die zunehmenden sozialen Spannungen in der damaligen Gesellschaft zurückzuführen. Erste Weltkrieg, lokale Konflikte, Revolutionsputsche und die ihnen folgenden reaktionären Regime haben ihren Zweck erfüllt: Menschen der alten Formation wurden durch ersetzt verlorene Generation, die das Geschehen äußerst subjektiv wahrnahm. Die neuen Schöpfer waren enttäuscht, wütend, gebrochen durch Prüfungen und psychischer Druck. Ihre Angst und Verzweiflung, die sich gegenseitig ablösten, wurden zu den Hauptmotiven der damaligen Kunst. Beschreibungen von Schmerz, Schreien, Stöhnen und Tod – „Gorgias-Figuren“ des frühen 20. Jahrhunderts.

Expressionismus in der Malerei: Beispiele, Zeichen, Repräsentanten

In Deutschland nahm der Expressionismus früh Gestalt an und verkündete lauter als alle anderen. Im Jahr 1905 entstand die Bridge-Gruppe im Gegensatz zu den Impressionisten, die ihre Energie der Darstellung der oberflächlichen Schönheit von Farben, Schattierungen und Licht widmeten. Die neuen Schöpfer glaubten, dass die Kunst ihre semantische statt ihrer farbenfrohen Palette wiedererlangen sollte. Die Rebellen bevorzugten bewusst grelle, grelle Farben, die in den Augen schmerzen und die strapazierten Nerven strapazieren. Also gaben sie gewöhnliche Landschaft emotionale Tiefe, Stimmungsmerkmale und Zeichen der Zeit. Unter den Vertretern ragten Max Pechstein und Otto Müller heraus.

Edmond Munch, „Der Schrei“

Spießer-Kitsch-Glanz und aggressive Attacken modernes Leben verursachte bei den Expressionisten Frustration, Qual, Irritation bis hin zu Hass und Entfremdung bis hin zur völligen Opposition, die sie mit Hilfe kantiger Linien, verrückt im Zickzack, nachlässiger und dicker Striche, nicht heller, sondern wütender Farbgebung darstellten.

Im Jahr 1910 agierte eine von Pechstein angeführte Vereinigung expressionistischer Künstler in der ideologischen Gruppe „Neue Sezession“ eigenständig. 1912 kündigte sich in München der vom russischen Abstraktionisten Wassily Kandinsky gegründete „Blaue Reiter“ an, obwohl Laien diese heterogene Künstlerzusammensetzung für geradezu expressionistisch halten.

Marc Chagall, „Über der Stadt“

Der Expressionismus umfasst so berühmte und natürlich talentierte Künstler wie Edmond Munch und Marc Chagall. Munchs Gemälde „Der Schrei“ ist beispielsweise das berühmteste norwegische Kunstwerk. Es war der Expressionist, der dieses skandinavische Land in die Arena der Weltkunst einführte.

Expressionismus in der Literatur: Beispiele, Zeichen, Vertreter

Der Expressionismus verbreitete sich in der Literatur der Länder Osteuropa. In Polen zum Beispiel im Werk von Micinski, in der Tschechoslowakei in der brillanten Prosa von Capek, in der Ukraine im Repertoire von Stefanik wurde dieser Trend mit der einen oder anderen Beimischung verwirklicht Nationalfarbe. Der expressionistische Schriftsteller Leonid Andreev ist in Russland weithin bekannt. ein unglaublich emotionaler Ausbruch der Anspannung des Schriftstellers, seines inneren Abgrunds, der ihm keine Ruhe ließ. In einem Werk voller anthropologischem Pessimismus erzählt der Autor nicht so sehr eine Geschichte, sondern gibt vielmehr seiner düsteren Weltanschauung Ausdruck, indem er Bilder von Bosch malt, in denen jeder Held ein unerfülltes Totenfest für die Seele und daher ein komplettes Monster ist.

Zustände von obsessiver Klaustrophobie, Interesse an fantastischen Träumen, Beschreibungen von Halluzinationen – all diese Zeichen zeichnen die Prager Schule der Expressionisten aus – Franz Kafka, Gustav Meyrink, Leo Perutz und andere Schriftsteller. In diesem Zusammenhang sind auch diejenigen interessant, die sich auf Kafkas Werk beziehen.

Zu den expressionistischen Dichtern zählen beispielsweise Georg Traklä, Franz Werfel und Ernst Stadler, deren Bildsprache die seelischen und emotionalen Störungen eines Menschen unvergleichlich zum Ausdruck bringt.

Expressionismus in Theater und Tanz: Beispiele, Zeichen, Repräsentanten

Dies ist vor allem die Dramaturgie von A. Strindberg und F. Wedekind. Die Feinheiten von Rosins Psychologismus und die humorvolle Wahrheit von Molieres Leben weichen schematischen und verallgemeinerten Symbolfiguren (z. B. Sohn und Vater). Der Hauptfigur gelingt es unter Bedingungen allgemeiner Blindheit, das Licht zu sehen, und sie hat nicht das Glück, dagegen zu rebellieren, was den unvermeidlichen tragischen Ausgang bestimmt.

Das neue Drama fand sein Publikum nicht nur in Deutschland, sondern auch in den USA (unter der strengen Anleitung von Eugene O’Neill) und Russland (derselbe Leonid Andreev), wo Meyerhold Künstler zum Porträtieren ausbildete Geisteszustände plötzliche Bewegungen und ungestüme Gesten (diese Technik wird „Biomechanik“ genannt).

Ballett „Das Frühlingsopfer“

Die Visualisierung der Seele durch Plastizität erfolgte in Form des expressionistischen Tanzes von Mary Wigman und Pina Bausch. Die explosive Ästhetik des Expressionismus drang ins Strenge ein klassisches Ballett aufgeführt von Vaslav Nijinsky in seiner Inszenierung von „Das Frühlingsopfer“ im Jahr 1913. Die Innovation drang um den Preis eines riesigen Skandals in die konservative Kultur ein.

Expressionismus im Kino: Beispiele, Zeichen, Repräsentanten

Von 1920 bis 1925 tauchte das Phänomen des expressionistischen Kinos in den Berliner Filmstudios auf. Asymmetrische Raumverzerrungen, auffällige symbolische Dekorationen, die Betonung der nonverbalen Kommunikation, die Psychologisierung von Ereignissen, die Betonung von Gestik und Mimik – all das sind Anzeichen für einen neuen Trend auf der Leinwand. Berühmte Vertreter expressionistisches Kino, in dessen Werk sich all diese Tendenzen nachzeichnen lassen: F. W. Murnau, F. Lang, P. Leni. Bei der Analyse lässt sich eine gewisse Kontinuität mit diesem modernistischen Kino spüren berühmtes Werk Lars von Triers „Dogville“.

Expressionismus in der Musik: Beispiele, Zeichen, Vertreter

Als Beispiele expressionistischer Musik sind die späten Sinfonien von Gustav Mahler zu nennen. frühe Werke Bartok und die Werke von Richard Strauss.

Johann Richard Strauss, „Einsamkeit“

Am häufigsten sind jedoch mit den Expressionisten die Komponisten der neuen Wiener Schule unter der Leitung von Arnold Schönberg gemeint. Übrigens ist bekannt, dass Schönberg aktiv mit V. Kandinsky (Gründer der expressionistischen Gruppe „Blauer Reiter“) korrespondierte. Tatsächlich findet sich der Einfluss der expressionistischen Ästhetik auch in den Werken der Moderne Musikgruppen, zum Beispiel die kanadische Gruppe Three Days Grace, bei der der Leadsänger die emotionale Intensität des Liedes durch kraftvolle Gesangsparts zum Ausdruck bringt.

Im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in der Literatur Schöne Künste, Kino und Musik entstand eine neue Richtung, im Gegensatz zu den klassischen Ansichten über Kreativität, die den Ausdruck des Subjektiven als Hauptziel der Kunst verkündeten spirituelle Welt Person. Der Expressionismus in der Musik ist eine der umstrittensten und komplexesten Strömungen.

Wie entstand der Expressionismus?

Der Expressionismus erschien und manifestierte sich am deutlichsten in der Kultur Österreichs und Deutschlands. Im Jahr 1905 bildeten Studenten an der Technischen Hochschule in Dresden einen Kreis, der „Brücke“ genannt wurde. Seine Teilnehmer waren E. Nolde, P. Klee, M. Pichstein, E. Kirchner. Bald Deutsche Künstler Auch Ausländer schlossen sich an, darunter Einwanderer aus Russland. Später, im Jahr 1911, erschien in München ein weiterer Verein – der „Blaue Reiter“, dem V. Kandinsky, P. Klee, F. Mark, L. Feininger angehörten.

Es waren diese Kreise, die zu den Vorläufern wurden künstlerische Leitung, woraufhin literarische Vereinigungen entstanden, Zeitschriften wurden in Berlin herausgegeben („Storm“, „Storm“, „Action“), ein Trend in Fiktion und Musik.

Es wird angenommen, dass der Begriff „Expressionismus“ 1910 vom tschechischen Historiker A. Matejcek eingeführt wurde. Doch schon lange vorher, Ende des 15. und Anfang des 16. Jahrhunderts, nutzten der spanische Künstler El Greco und Matthias Grunewald aus Deutschland die Technik der Exaltation und extremen Emotionalität in ihren Arbeiten. Und die Expressionisten des 20. Jahrhunderts begannen, sich als ihre Anhänger zu betrachten und begannen, ausgehend von den Werken Friedrich Nietzsches (der Abhandlung „Die Geburt der Tragödie“) über den irrationalen („dionysischen“) Beginn der Kunst, Richtungen dafür zu entwickeln das Chaos der Gefühle und Möglichkeiten, es in der Kunst auszudrücken.

Was ist Expressionismus?

Es wird angenommen, dass der Expressionismus aufgrund der schmerzhaften und komplexen Reaktion der menschlichen Psyche auf Horror entstand moderne Zivilisation wie Krieg (Erster Weltkrieg), revolutionäre Bewegungen. Angst, Enttäuschung, Angst, Schmerz, eine entstellte Psyche – all das hinderte Künstler daran, die Welt um sie herum objektiv wahrzunehmen. Und dann wurde es geklärt neues Prinzip, der den für frühere Schöpfergenerationen charakteristischen Naturalismus und die Ästhetik völlig ablehnte.

Die Ästhetik von Malerei und Musik basiert auf dem Ausdruck subjektiver Gefühle, der Demonstration innere Welt Person. Wichtiger wird nicht das Bild, sondern der Ausdruck von Emotionen (Schmerz, Schreien, Entsetzen). In der Kreativität besteht die vorherrschende Aufgabe nicht darin, die Realität abzubilden, sondern damit verbundene Erfahrungen zu vermitteln. Ich nutze aktiv verschiedene Ausdrucksmittel – Übertreibung, Komplikation oder Vereinfachung, Verschiebung.

Was ist Expressionismus in der Musik?

Komponisten strebten schon immer nach dem Neuen und Unbekannten. Zu jeder Zeit gab es Musiker, die mit der Zeit gingen und unter dem Einfluss neuer Kunsttrends ihre Wege entdeckten und erfanden Musikalische Mittel Ausdrücke.

Expressionismus in der Musik ist ein „Psychogramm“ menschliche Seele" Das hat er gesagt Deutscher Philosoph Theodor Adorno. Irgendwelche Traditionen, klassische Formen Stück Musik, Tonalität und andere formale Beschränkungen von Stilen (Klassizismus, Romantik, Rokoko) lehnt der Expressionismus in der Musik ab, dies ist sein Hauptunterscheidungsmerkmal.

Grundlegende Ausdrucksmittel

• Extremer Grad an Dissonanz in der Harmonie.
• Abwesenheiten klassisches Verständnis Größe und Rhythmus in der Musik.
• Diskontinuität, Härte, unterbrochene Melodielinie.
• Scharfe und nicht standardmäßige Intervalle und Akkorde.
• Der Tempowechsel der Musik ist abrupt und unerwartet.
• Das Fehlen eines Standard-Dur-Moll-Modus ist Atonalität.
• Ersatz Gesangspart instrumental und umgekehrt.
• Ersetzen des Singens durch Sprechen, Flüstern, Schreien.
• Unregelmäßigkeiten und ungewöhnliche Akzentsetzungen im Rhythmus.

Expressionismus in der Musik des 20. Jahrhunderts

Das Aufkommen einer neuen Richtung in der Musik zu Beginn des 20. Jahrhunderts führte zu einem starken Wandel in der Vorstellung davon. Expressionismus in der Musik ist eine Ablehnung der klassischen Form eines Werkes, Größe, Tonarten und Modi. Solche neuen Ausdrucksmittel wie Atonalität (eine Abkehr von der Logik des klassischen Dur-Moll-Modus), Dodekaphonie (eine Kombination von zwölf Tönen), neue Techniken des Einsingens Vokalwerke(Sprechen-Singen, Flüstern, Schreien) führte zur Möglichkeit eines direkteren „Ausdrucks der eigenen Seele“ (T. Adorno).

Der Begriff des musikalischen Expressionismus im 20. Jahrhundert ist mit der Zweiten Wiener Schule (Nowowenskaja) und dem Namen des österreichischen Komponisten Arnold Schönberg verbunden. Im ersten und zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts legten Schönberg und seine Schüler Alban Berg und Anton Webern den Grundstein für die Bewegung und verfassten eine Reihe von Werken in neuem Stil. Ebenfalls im Jahr 1910 schufen folgende Komponisten ihre Werke mit einer Tendenz zum Impressionismus:

• Paul Hindemith.
• Bela Bartok.
• Ernst Kschenek.

Die neue Musik löste beim Publikum einen Sturm der Emotionen und eine Welle der Kritik aus. Viele empfanden die Musik expressionistischer Komponisten als beängstigend und unheimlich, fanden darin aber dennoch eine gewisse Tiefe, Eigensinnigkeit und Mystik.

Idee

Komponisten fanden den Expressionismus in der Musik in der lebendigen und akuten subjektiven Erfahrung und den Emotionen einer Person. Themen wie Einsamkeit, Depression, Missverständnisse, Angst, Schmerz, Melancholie und Verzweiflung – das sind die wichtigsten Dinge, die die Musiker in ihren Werken zum Ausdruck bringen wollten. Sprachintonation, fehlende Melodie, dissonante Passagen, scharfe und dissonante Sprünge, Fragmentierung von Rhythmus und Tempo, unregelmäßige Akzentuierung, Wechsel von schwachen und starken Taktschlägen, nicht standardmäßiger Einsatz von Instrumenten (in einem nicht-traditionellen Register, in einem nicht-traditionellen). Ensemble) - all diese Ideen wurden geschaffen, um Gefühle auszudrücken und den Inhalt der Seele des Komponisten zu offenbaren.

Expressionistische Komponisten

Vertreter des Expressionismus in der Musik sind:

• (Stimmzyklus„Pierrot Lunaire“, Monodrama „Warten“, Kantate „Ein Überlebender in Warschau“, Oper „Aaron und Moses“, „Ode an Napoleon“).

• Ernst Kshenek (Oper „Orpheus und Eurydike“, Oper „Johnny Plays“).

• Bela Bartok („Sonate“, „Erstes Klavierkonzert“, „Drittes Klavierkonzert“, „Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta“, „Das Frühlingsopfer“, „Der wunderbare Mandarin“ und andere Werke).

• (Oper in einem Akt„Der Mörder, die Hoffnung der Frauen“, Klaviersuite „1922“).

Kammermusik im Stil des Expressionismus

So kam es, dass sich Schönbergs Schule allmählich vom Grundlegenden entfernte symphonische Formen, und das kann den Expressionismus in der Musik charakterisieren. Bilder Kammermusik(für ein Instrument, Duette, Quartette oder Quintette und kleine Orchester) sind in diesem Stil weitaus häufiger anzutreffen. Schönberg glaubte, dass seine Erfindung – die Atonalität – nicht gut zu monumentalen und großformatigen Werken passte.

Neu Wiener Schule- Das ist eine andere Interpretation von Musik. Chaos, Spiritualität und ein neues Gefühl für die Wahrheit des Lebens ohne Ausschmückung und Besessenheit wurden zur Grundlage des künstlerischen Ausdrucks. Die Zerstörung der Melodie, die Erfindung einer anderen Tonalität – eine Rebellion gegen das traditionelle Kunstverständnis – hat bei Kritikern seit jeher Empörung und Kontroversen ausgelöst. Dies hinderte die Wiener Komponisten jedoch nicht daran, weltweite Anerkennung und eine große Zahl von Zuhörern zu erlangen.

Arnold Franz Walter Schönberg (deutsch: Arnold Franz Walter Schönberg, ursprünglich Schönberg; 1874-1951) – damals Österreicher Amerikanischer Komponist, Dirigent, Musikwissenschaftler und Maler, Vertreter der musikalischen Bewegung des Expressionismus, Begründer der atonalen Musik und des 12-Ton-Kompositionssystems (auch bekannt als „Dodekaphonie“ oder „serielle Technik“). Schönberg war eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der westlichen Musik des 20. Jahrhunderts.

Arnold Schönberg wurde am 13. September 1874 in der Wiener Leopoldstadt (dem ehemaligen jüdischen Ghetto) in eine jüdische Familie geboren. Seine Mutter Paulina, eine gebürtige Pragerin, war Klavierlehrerin. Pater Samuil, ursprünglich aus Bratislava, war Ladenbesitzer. Arnold war größtenteils Autodidakt und nahm nur Kontrapunktunterricht bei Alexander von Zemlinsky, seinem ersten Schwager. Als zwanzigjähriger junger Mann verdiente Schönberg seinen Lebensunterhalt mit der Orchestrierung von Operetten und arbeitete gleichzeitig an seinen eigenen Kompositionen in der Tradition Deutsche Musik Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, das berühmteste davon war das Streichsextett „Erleuchtete Nacht“, op. 4 (1899).

Dieselben Traditionen entwickelte er in dem Gedicht „Pelléas et Mélisande“ (1902-1903), der Kantate „Songs of Gurre“ (1900-1911) und „Das erste Streichquartett“ (1905). Der Name Schönberg erlangt zunehmende Berühmtheit. Er wird von so prominenten Musikern wie Gustav Mahler und Richard Strauss anerkannt. Im Jahr 1904 begann er als Privatlehrer für Harmonielehre, Kontrapunkt und Komposition. Die nächste wichtige Etappe in Schönbergs Musik war sein „Erster Kammersymphonie"(1906).

Im Sommer 1908 verließ Schönbergs Frau Matilda ihn, nachdem sie sich in den Künstler Richard Gerstl verliebt hatte. Einige Monate später, als sie zu ihrem Mann und ihren Kindern zurückgekehrt war, beging Gerstl Selbstmord. Diese Zeit fiel für Schönberg mit einer Überarbeitung seines Werkes zusammen Musikalische Ästhetik und ein radikaler Stilwechsel. Er schuf die ersten atonalen Werke, den Roman „Du lehnest wider eine Silberweide“ und sein revolutionärstes Werk frühe Werke- „Zweites Streichquartett“, op. 10 (1907-1908), wo er im Finale eine Sopranstimme hinzufügt und Gedichte von Stefan Gheorghe vertont. In „Fünf Stücke für Orchester“ op. 15 (1909) nutzte er erstmals seine neue Erfindung – die Methode der Klangfarbenmelodie.

Im Sommer 1910 verfasste er sein erstes bedeutendes theoretisches Werk, „Die Harmonielehre“. Anschließend entsteht der vokal-instrumentale Zyklus „Pierrot Lunaire“, op. 21 (1912) zu den Gedichten von Albert Giraud unter Verwendung der von ihm erfundenen Sprechstimme-Methode – Stimmrezitation, etwas zwischen Lesen und Singen. In den 1910er Jahren war seine Musik in Berlin bei den Expressionisten beliebt und wurde auf Treffen des literarischen „Neuen Clubs“ aufgeführt.

In den frühen 20er Jahren erfand er eine neue „Kompositionsmethode mit 12 verwandten Tönen“, die allgemein als „Dodekaphonie“ oder „Serialismus“ bekannt ist, und versuchte sie erstmals in seiner „Serenade“ op. 24 (1920-1923). Diese Methode erwies sich für Europäer und Amerikaner als die einflussreichste klassische Musik 20. Jahrhundert.

Bis 1925 lebte Schönberg hauptsächlich in Wien. 1925 wurde er Professor für Komposition an der Preußischen Akademie der Künste in Berlin. 1933 emigrierte Schönberg in die USA, wo er zunächst am Malkin Conservatory in Boston, ab 1935 an der University of Southern California und ab 1936 an der University of California in Los Angeles lehrte.

Eine der bedeutendsten Errungenschaften Schönbergs war seine unvollendete Oper biblische Geschichte„Moses und Aaron“ begann in den frühen 30er Jahren. Die gesamte Musik der Oper basiert auf einer 12-Noten-Serie. Die Hauptrolle des Moses übernimmt der Vorleser im Sprechgesang-Stil, die Rolle des Aaron wird dem Tenor zugeschrieben.

Zeit seines Lebens war Schönberg aktiv pädagogische Tätigkeit und bildete eine ganze Galaxie von Komponisten aus. Die bekanntesten von ihnen sind Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kschenek, Hans Eisler und Roberto Gerhard. Schönberg schuf und leitete das Ganze Komponistenschule als „Neue Wiener Schule“ bekannt. Hauer schrieb seine frühen Werke unter dem Einfluss der atonalen Musik Schönbergs. 1935, bereits in Kalifornien, wurde John Cage sein Privatschüler. Neben seiner Lehrtätigkeit, dem Komponieren von Musik, der Organisation und Durchführung von Konzerten als Dirigent war Schönberg auch Autor zahlreicher Bücher, Lehrbücher, theoretischer Studien und Artikel. Er malte unter anderem Gemälde, die sich durch Originalität und leidenschaftliche Fantasie auszeichneten.

Ein Krater auf dem Merkur ist nach Schönberg benannt.

Funktioniert

§ „Pierrot lunaire“, („Lunar Pierrot“) 21 Melodramen

http://community.livejournal.com/avangarde/33928.html – Übersetzung des Textes des Melodramas „Pierrot Lunaire“

§ 2 Gesänge (2 Lieder) für Bariton und Klavier, op. 1 (1897-1898)

§ „Verklärte Nacht“, op. 4 (1899)

§ „Songs of Gurre“ für Solisten, Chor und Orchester (1900, orchestriert 1911)

§ „Pelleas und Melisande“, op. 5 (1902/03)

§ 8 Lieder (8 Lieder) für Sopran und Klavier, op. 6 (1903/05)

§ Erstes Streichquartett, d-Moll, op. 7 (1904/05)

§ 6 Lieder (6 Lieder) mit Orchester, op. 8 (1903/05)

§ Kammersymphonie Nr. 1 (Erste Kammersymphonie), op. 9 (1906)

§ Zweites Streichquartett, fis-Moll (mit Sopran), op. 10 (1907/08)

§ 3 Stücke für Klavier, op. 11 (1909)

§ „Friede auf Erden“, op. 13 (1907)

§ 15 Gedichte aus dem Buch der hängenden Gärten

(15 Gedichte aus dem Buch der Hängenden Gärten von Stefan Gheorghe), op. 15 (1908/09)

§ Fünf Orchesterstücke (5 Stücke für Orchester), op. 16 (1909)

§ „Erwartung“ Monodrama für Sopran und Orchester, op. 17 (1909)

§ „Die Glückliche Hand“

Drama mit Musik für Chor und Orchester, op. 18 (1910/13)

§ Drei kleine Stücke für Kammerorchester (1910)

§ Sechs Kleine Klavierstücke für Klavier, op. 19 (1911)

§ „Herzgewächse“ für Sopran und Ensemble, op. 20 (1911)

§ 5 Stücke für Klavier, op. 23 (1920/23)

§ Serenade (Serenade) für Ensemble und Bariton, op. 24 (1920/23)

§ Suite für Klavier, op. 25 (1921/23)

§ Bläserquintett, op. 26 (1924)

§ 4 Stücke (4 Stücke) für gemischter Chor, op. 27 (1925)

§ 3 Satiren (3 Satiren) für gemischten Chor, op. 28 (1925/26)

§ Suite, op. 29 (1925)

§ Drittes Streichquartett, op. 30 (1927)

§ Variationen für Orchester, op. 31 (1926/28)

§ „Von heute auf morgen“

§ 2 Stücke für Klavier, op. 33a (1928) & 33b (1931)

§ Begleitmusik zu einer Lichtspielszene

(Musik zu einer Filmszene) für Orchester, op. 34 (1930)

§ 6 Stücke (6 Stück) für Männerchor, op. 35 (1930)

§ Violinkonzert, op. 36 (1934/36)

§ Viertes Streichquartett, op. 37 (1936)

§ Kammersymphonie Nr. 2 (Zweite Kammersymphonie), op. 38 (1906/39)

§ „Kol nidre“ („Alle Gelübde“) für Chor und Orchester, op. 39 (1938)

§ Variationen über „Rezitativ“ für Orgel, op. 40 (1941)

§ Ode an Napoleon Buonaparte (Ode an Napoleon)

§ Klavierkonzert, op. 42 (1942)

§ Thema und Variationen für Blaskapelle, op. 43a (1943)

§ Thema und Variationen für Sinfonieorchester, op. 43b (1943)

§ Präludium zu „Genesis“ für Chor und Orchester, op. 44 (1945)

§ Streichtrio, op. 45 (1946)

§ Ein Überlebender aus Warschau, op. 46 (1947)

§ Fantasie für Violine und Klavier, op. 47 (1949)

§ 3 Volkslieder (3 Chöre - Deutsch Volkslieder), op. 49 (1948)

§ „Dreimal tausend Jahre“ für gemischten Chor, op. 50a (1949)

§ Psalm 130 „De profundis“ („Aus der Tiefe“) für gemischten Chor, op. 50b (1949-1950)

§ „Moderner Psalm“ („Moderner Psalm“)

für Vorleser, gemischten Chor und Orchester op. 50c (1950, unvollendet)

§ „Moses und Aron“ Oper in drei Akten (1930-1950, unvollendet)