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Wo fängt man an, Schostakowitsch zuzuhören?

Dmitri Schostakowitsch wurde im Alter von 20 Jahren berühmt, als dort seine Erste Symphonie aufgeführt wurde Konzerthallen UdSSR, Europa und USA. Ein Jahr nach ihrer Uraufführung wurde die Erste Symphonie in allen führenden Theatern der Welt gespielt. Schostakowitschs 15 Sinfonien wurden von Zeitgenossen als „ tolle Ära Russische und Weltmusik“. Ilya Ovchinnikov spricht über die Oper „Lady Macbeth von Mzensk“, Symphonie Nr. 5, Streichquartett Nr. 8.

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Konzert Nr. 1 für Klavier und Trompete und Orchester

Das Konzert ist eines der letzten Werke des frühen, wagemutigen Schostakowitsch, dem Autor avantgardistischer Werke wie der Oper „Die Nase“ sowie der Zweiten und Dritten Symphonie. Es ist kein Zufall, dass Schostakowitsch sich einem demokratischeren Stil zuwendet. Das Konzert ist voller versteckter und expliziter Zitate. Obwohl der Trompetenpart in dem Werk äußerst wichtig ist, kann man es nicht als Doppelkonzert bezeichnen, bei dem die Rollen der beiden Instrumente gleich sind: Die Trompete spielt entweder ein Solo, dann begleitet sie das Klavier, unterbricht es dann und verstummt dann für lange Zeit . Das Konzert ist wie ein Flickenteppich: voller Zitate von Bach, Mozart, Haydn, Grieg, Weber, Mahler, Tschaikowsky und dennoch ein absolut integrales Werk. Zu den Zitatquellen gehört Beethovens Rondo „Rage for a Lost Penny“. Schostakowitsch verwendete sein Thema in einer Kadenz, die er ursprünglich nicht schreiben wollte: Sie erschien auf dringenden Wunsch des Pianisten Lew Oborin, der zusammen mit dem Autor einer der ersten Interpreten des Konzerts wurde. Auch Sergej Prokofjew, der das Konzert in Paris spielen wollte, interessierte sich für die Komposition, doch dazu kam es nie.

Oper „Lady Macbeth von Mzensk“

Die Hauptthemen einer der Hauptopern des 20. Jahrhunderts waren Sex und Gewalt; Kurz nach seiner triumphalen Uraufführung im Jahr 1934 wurde es in unserem Land für fast 30 Jahre offiziell verboten. Basierend auf Leskovs Essay hat Schostakowitsch das Bild der Heldin stark verändert. „Trotz der Tatsache, dass Jekaterina Lwowna die Mörderin ihres Mannes und Schwiegervaters ist, sympathisiere ich immer noch mit ihr“, schrieb der Komponist. Über die Jahre tragisches Schicksal Die Oper führte dazu, dass sie als Protest gegen das Regime angesehen wurde. Die von einer Vorahnung durchdrungene Musik lässt jedoch vermuten, dass das Ausmaß der Tragödie größer ist als das Ausmaß der Ära. Es ist kein Zufall, dass die am Bahnhof gelangweilte Polizei sich am meisten über die Nachricht von einer Leiche im Keller der Izmailovs freut und die tatsächliche Entdeckung der Leiche – eine der atemberaubendsten Szenen der Oper – von einem begleitet wird kräftiger, schneidiger Galopp. Das Bild, über einem Grab zu tanzen – eines der Schlüsselbilder für Schostakowitsch im Allgemeinen – war für die UdSSR in den 1930er Jahren zu relevant und Stalin hätte es möglicherweise nicht gemocht. Achten Sie auf den Tanz der Gäste im dritten Akt – wenn Sie ihn einmal gehört haben, können Sie ihn nicht mehr vergessen.

Der gleiche Galopp – ausgeführt von Schostakowitsch.

Symphonie Nr. 5

Ohne die Oper „Lady Macbeth“ und ihre vernichtende Kritik wäre die Symphonie nicht entstanden. Der von Stalin diktierte Artikel „Verwirrung statt Musik“ versetzte Schostakowitsch einen schweren Schlag: Er erwartete eine Verhaftung, obwohl er seine Arbeit nicht aufgab. Die Vierte Symphonie war bald fertiggestellt, ihre Aufführung wurde jedoch abgesagt und fand 25 Jahre später statt. Schostakowitsch schrieb neue Symphonie, dessen Premiere sich als echter Triumph herausstellte: Das Publikum verließ das Theater erst nach einer halben Stunde. Die Symphonie wurde bald als Meisterwerk höchsten Kalibers anerkannt; Sie wurde von Alexey Tolstoi und Alexander Fadeev gelobt. Schostakowitsch gelang es, eine Symphonie zu schaffen, die ihm bei der Rehabilitierung half, aber keinen Kompromiss darstellte. In früheren Werken experimentierte der Komponist mutig; im Fünften präsentierte er, ohne sich selbst auf die Kehle zu treten, die Ergebnisse seiner komplexen Recherchen traditionelle Form viersätzige romantische Symphonie. Für offizielle Kreise ihr großes Finale klang mehr als akzeptabel; Der obsessive Major gab dem Publikum endlose Gelegenheiten, darüber nachzudenken, was der Autor im Sinn hatte und immer noch tut.

Streichquartett Nr. 8

Schostakowitschs Nachlass umfasst neben fünfzehn Sinfonien fünfzehn Streichquartette: sein persönliches Tagebuch, ein Gespräch mit sich selbst, eine Autobiografie. Der Umfang seiner anderen Quartette ist jedoch symphonisch, viele von ihnen werden in Bearbeitungen für Orchester aufgeführt. Am bekanntesten ist die Achte, deren Titel „Im Gedenken an die Opfer des Faschismus und des Krieges“ nur ein Deckmantel für die wahre Absicht des Autors ist. Schostakowitsch schrieb an seinen Freund Isaac Glickman: „... schrieb ein Quartett, das niemand brauchte und das ideologisch bösartig war. Ich dachte, wenn ich jemals sterben würde, wäre es unwahrscheinlich, dass irgendjemand ein Werk schreiben würde, das meinem Andenken gewidmet wäre. Also beschloss ich, selbst eines zu schreiben. Man hätte auf das Cover schreiben können: „Dem Andenken an den Autor dieses Quartetts gewidmet“... Die Pseudotragödie dieses Quartetts ist so groß, dass ich beim Schreiben so viele Tränen vergoss, wie nach einem halben Dutzend Urin ausströmt Biere. Als ich zu Hause ankam, versuchte ich es zweimal zu spielen und vergoss erneut Tränen. Aber hier geht es nicht nur um seine Pseudo-Tragödie, sondern auch um die Überraschung über die schöne Integrität der Form.“

Operette „Moskau, Tscherjomuschki“

Schostakowitschs einzige Operette ist dem Umzug der Moskauer gewidmet neues Gebiet Hauptstädte. Für die Zeit des Tauwetters ist das Libretto von Tscherjomuschki überraschend konfliktfrei: Abgesehen vom Kampf der neuen Siedler um Wohnraum mit dem Schurken Drebednew und seiner Frau Wawa gibt es hier nur noch Konflikte zwischen den Guten und den Vorzüglichen. Sogar der schelmische Manager Barabaschkin ist sympathisch. Schostakowitschs Handschrift ist in dieser beispielhaften Operette praktisch nicht zu hören: Es ist interessant, sich vorzustellen, wie ein Zuhörer, der den Namen des Autors nicht kannte, sie wahrgenommen hätte. Neben der Musik sind auch die berührenden Dialoge hervorzuheben: „Oh, was für ein interessanter Kronleuchter!“ - „Das ist kein Kronleuchter, sondern ein fotografisches Vergrößerungsgerät.“ - „Oh, was für ein interessanter Fotovergrößerer... Worüber können wir reden, die Leute wissen, wie man lebt!“ Die Operette „Moskau, Tscherjomuschki“ ist eine Art Museum, in dem nicht so sehr unser Leben vor 60 Jahren ausgestellt wird, sondern wie es damals verstanden wurde.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (12. (25) September 1906, St. Petersburg – 9. August 1975, Moskau) – russisch-sowjetischer Komponist, Pianist, Lehrer und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts, der einen kreativen Einfluss auf Komponisten hatte und noch immer hat. IN frühe Jahre Schostakowitsch wurde von der Musik Strawinskys, Bergs, Prokofjews, Hindemiths und später (Mitte der 1930er Jahre) Mahlers beeinflusst. Indem er sich ständig mit klassischen und avantgardistischen Traditionen beschäftigte, entwickelte Schostakowitsch seine eigene musikalische Sprache, die emotional aufgeladen ist und die Herzen von Musikern und Musikliebhabern auf der ganzen Welt berührt.

Im Frühjahr 1926 spielte das Leningrader Philharmonische Orchester unter der Leitung von Nikolai Malko zum ersten Mal Dmitri Schostakowitschs Erste Symphonie. In einem Brief an die Kiewer Pianistin L. Izarova schrieb N. Malko: „Ich bin gerade von einem Konzert zurückgekehrt. Dirigierte erstmals die Sinfonie des jungen Leningraders Mitja Schostakowitsch. Es kommt mir vor, als hätte ich mich geöffnet neue Seite in der Geschichte der russischen Musik“.

Die Aufnahme der Symphonie durch das Publikum, das Orchester und die Presse kann nicht einfach als Erfolg bezeichnet werden, sie war ein Triumph. Das Gleiche galt für ihren Umzug durch die berühmtesten Symphoniebühnen der Welt. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski beugten sich über die Partitur der Symphonie. Ihnen, den Dirigenten und Denkern, erschien der Zusammenhang zwischen dem Können und dem Alter des Autors unplausibel. Ich war beeindruckt von der völligen Freiheit, mit der der neunzehnjährige Komponist über alle Ressourcen des Orchesters verfügte, um seine Ideen zu verwirklichen, und die Ideen selbst waren von frühlingshafter Frische.

Schostakowitschs Symphonie war tatsächlich die erste Symphonie aus der neuen Welt, über die das Oktobergewitter hinwegfegte. Auffallend war der Kontrast zwischen der Musik voller Fröhlichkeit, dem überschwänglichen Aufblühen junger Kräfte, den subtilen, schüchternen Texten und der düsteren expressionistischen Kunst vieler ausländischer Zeitgenossen Schostakowitschs.

Unter Umgehung der üblichen Jugendphase trat Schostakowitsch selbstbewusst in die Reife ein. Diese hervorragende Schule gab ihm dieses Selbstvertrauen. Der gebürtige Leningrader wurde in den Mauern des Leningrader Konservatoriums in den Klassen des Pianisten L. Nikolaev und des Komponisten M. Steinberg ausgebildet. Leonid Wladimirowitsch Nikolajew, der als Komponist einen der fruchtbarsten Zweige der sowjetischen Pianistenschule begründete, war ein Schüler von Tanejew, der wiederum ein Schüler von Tschaikowsky war. Maximilian Oseevich Steinberg ist ein Schüler Rimski-Korsakows und Anhänger seiner pädagogischen Prinzipien und Methoden. Von ihren Lehrern haben Nikolaev und Steinberg den völligen Hass auf den Amateurismus geerbt. In ihren Klassen herrschte ein Geist tiefen Respekts vor der Arbeit, vor dem, was Ravel gerne mit dem Wort Metier bezeichnete – Handwerk. Deshalb war die Kultur der Meisterschaft bereits im ersten großen Werk des jungen Komponisten so hoch.

Seitdem sind viele Jahre vergangen. Der Ersten Symphonie wurden vierzehn weitere hinzugefügt. Es erschienen fünfzehn Quartette, zwei Trios, zwei Opern, drei Ballette, zwei Klavier-, zwei Violin- und zwei Cellokonzerte, Liebeszyklen, Sammlungen von Klavierpräludien und -fugen, Kantaten, Oratorien, Musik für zahlreiche Filme und dramatische Aufführungen.

Die frühe Periode von Schostakowitschs Schaffen fällt mit dem Ende der zwanziger Jahre zusammen, einer Zeit hitziger Diskussionen über die Kernfragen der Sowjetunion künstlerische Kultur als sich die Grundlagen von Methode und Stil herauskristallisierten Sowjetische Kunst - Sozialistischer Realismus. Wie viele Vertreter der jungen und nicht nur der jüngeren Generation der sowjetischen künstlerischen Intelligenz würdigt Schostakowitsch seine Leidenschaft für die experimentellen Werke des Regisseurs V. E. Meyerhold, die Opern von Alban Berg (Wozzeck) und Ernst Kschenek (Jumping Over the Shadow). , Johnny) , Ballettaufführungen Fedora Lopukhov.

Auch die Kombination aus akuter Groteske und tiefer Tragik, die für viele Phänomene der aus dem Ausland stammenden expressionistischen Kunst typisch ist, erregte die Aufmerksamkeit des jungen Komponisten. Gleichzeitig lebt in ihm immer die Bewunderung für Bach, Beethoven, Tschaikowsky, Glinka und Berlioz. Einst machte ihm Mahlers grandioses symphonisches Epos Sorgen: die Tiefe der darin enthaltenen ethischen Probleme: der Künstler und die Gesellschaft, der Künstler und die Moderne. Doch keiner der Komponisten vergangener Epochen schockiert ihn so sehr wie Mussorgski.

Ganz am Anfang von Schostakowitschs Schaffenslaufbahn, in einer Zeit der Suche, Hobbys und Streitereien, entstand seine Oper „Die Nase“ (1928) – eines der umstrittensten Werke seiner Schaffensjugend. In dieser auf Gogols Handlung basierenden Oper waren durch die spürbaren Einflüsse von Meyerholds „Der Generalinspekteur“ musikalische Exzentrizitäten und helle Züge erkennbar, die „Die Nase“ an Mussorgskys Oper „Die Hochzeit“ erinnern. „Die Nase“ spielte eine bedeutende Rolle in Schostakowitschs kreativer Entwicklung.

Der Beginn der 30er Jahre ist in der Biografie des Komponisten durch eine Flut von Werken unterschiedlicher Genres gekennzeichnet. Hier sind die Ballette „Das Goldene Zeitalter“ und „Der Bolzen“, Musik für Meyerholds Inszenierung von Majakowskis Stück „Die Bettwanze“, Musik für mehrere Aufführungen des Leningrader Theaters der arbeitenden Jugend (TRAM) und schließlich Schostakowitschs erster Einstieg in die Kinematographie. die Erstellung von Musik für die Filme „Alone“, „Golden Mountains“, „Counter“; Musik für die Varieté- und Zirkusvorstellung der Leningrader Musikhalle „Conditionally Killed“; kreative Kommunikation mit verwandten Künsten: Ballett, Schauspiel, Kino; Die Entstehung des ersten Liebeszyklus (basierend auf Gedichten japanischer Dichter) zeugt vom Bedürfnis des Komponisten, die figurative Struktur der Musik zu konkretisieren.

Den zentralen Platz unter Schostakowitschs Werken der ersten Hälfte der 1930er Jahre nimmt die Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“) ein. Grundlage ihrer Dramaturgie ist das Werk von N. Leskov, dessen Genre die Autorin mit dem Wort „Essay“ bezeichnete, als ob sie damit die Authentizität, Verlässlichkeit der Ereignisse und die Porträtmalerei betonen würde Figuren. Die Musik von „Lady Macbeth“ ist eine tragische Geschichte über eine schreckliche Ära der Tyrannei und Gesetzlosigkeit, in der alles Menschliche in einem Menschen, seine Würde, Gedanken, Bestrebungen, Gefühle, getötet wurde; Als primitive Instinkte gefordert waren und die Handlungen und das Leben selbst beherrschten, gingen sie gefesselt über die endlosen Straßen Russlands. Auf einem von ihnen sah Schostakowitsch seine Heldin – die Frau eines ehemaligen Kaufmanns, eine Sträfling, die den vollen Preis für ihr kriminelles Glück bezahlte. Ich sah es und erzählte aufgeregt ihr Schicksal in meiner Oper.

Der Hass auf die alte Welt, die Welt der Gewalt, der Lüge und der Unmenschlichkeit, manifestiert sich in vielen Werken Schostakowitschs unterschiedlicher Genres. Sie ist der stärkste Gegensatz positive Bilder Ideen, die Schostakowitschs künstlerisches und gesellschaftliches Credo prägen. Glaube an die unwiderstehliche Kraft des Menschen, Bewunderung für Reichtum Seelenfrieden, Mitgefühl für sein Leiden, ein leidenschaftlicher Drang, sich am Kampf für seine strahlenden Ideale zu beteiligen – das sind die wichtigsten Merkmale dieses Credos. Besonders deutlich kommt es in seinen Schlüssel- und Meilensteinwerken zum Ausdruck. Unter ihnen ist eine der bedeutendsten, die 1936 erschienene Fünfte Symphonie, die eine neue Etappe in der Schaffensbiographie des Komponisten einläutete, ein neues Kapitel in der Geschichte der sowjetischen Kultur. In dieser Symphonie, die man als „optimistische Tragödie“ bezeichnen kann, kommt der Autor in die Tiefe Philosophisches Problem Bildung der Persönlichkeit seines Zeitgenossen.

Der Musik Schostakowitschs nach zu urteilen, war das Symphoniegenre für ihn schon immer eine Plattform, von der aus nur die wichtigsten und feurigsten Reden gehalten werden sollten, die auf die Erreichung höchster ethischer Ziele abzielten. Die Symphonieplattform wurde nicht zur Beredsamkeit errichtet. Dies ist das Sprungbrett des Militanten philosophischer Gedanke, der für die Ideale des Humanismus kämpft, das Böse und die Niedrigkeit anprangert, als würde er noch einmal die berühmte Goethean-Position bekräftigen:

Nur er ist des Glücks und der Freiheit würdig,
Wer kämpft jeden Tag für sie?
Bezeichnenderweise weicht keine einzige der fünfzehn Sinfonien Schostakowitschs von der Moderne ab. Das Erste wurde oben erwähnt, das Zweite ist eine symphonische Widmung an den Oktober, das Dritte ist der „Maifeiertag“. In ihnen greift der Komponist auf die Poesie von A. Bezymensky und S. Kirsanov zurück, um die Freude und Feierlichkeit der darin lodernden revolutionären Feierlichkeiten deutlicher zum Ausdruck zu bringen.

Doch schon ab der Vierten Symphonie aus dem Jahr 1936 dringt eine fremde, böse Macht in die Welt des freudigen Verständnisses von Leben, Güte und Freundlichkeit ein. Sie nimmt verschiedene Gestalten an. Irgendwo tritt sie grob auf den mit Frühlingsgrün bedeckten Boden, mit einem zynischen Grinsen befleckt sie Reinheit und Aufrichtigkeit, sie ist wütend, sie droht, sie lässt den Tod ahnen. Es steht in innerer Nähe zu den dunklen Themen, die das menschliche Glück bedrohen, auf den Seiten der Partituren von Tschaikowskys letzten drei Sinfonien.

Sowohl im fünften als auch im zweiten Satz von Schostakowitschs Sechster Symphonie ist sie dies gewaltige Kraft, macht sich bemerkbar. Aber erst im Siebten, Leningrader Symphonie sie erhebt sich zu ihrer vollen Größe. Plötzlich dringt eine grausame und schreckliche Macht in die Welt der philosophischen Gedanken, reinen Träume, sportlichen Kraft und levitanischen poetischen Landschaften ein. Sie kam, um diese reine Welt hinwegzufegen und Dunkelheit, Blut und Tod zu schaffen. Einschmeichelnd erklingt aus der Ferne das kaum hörbare Rascheln einer kleinen Trommel, aus deren klarem Rhythmus sich ein hartes, kantiges Thema erschließt. Es wiederholt sich elfmal mit dumpfer Mechanik und gewinnt an Stärke, es nimmt heisere, knurrende, irgendwie struppige Töne an. Und nun betritt das Mensch-Tier in seiner ganzen erschreckenden Nacktheit die Erde.

Im Gegensatz zum „Thema der Invasion“ taucht in der Musik das „Thema des Mutes“ auf und wird stärker. Der Monolog des Fagotts ist extrem von der Bitterkeit des Verlustes durchdrungen und erinnert an Nekrasovs Zeilen: „Das sind die Tränen armer Mütter, sie werden ihre Kinder, die auf dem blutigen Feld starben, nicht vergessen.“ Aber so traurig die Verluste auch sein mögen, das Leben behauptet sich jede Minute. Diese Idee durchdringt das Scherzo – Teil II. Und von hier aus führt es durch Nachdenken (Teil III) zu einem triumphal klingenden Ende.

Der Komponist schrieb seine legendäre Leningrader Symphonie in einem Haus, das ständig von Explosionen erschüttert wurde. In einer seiner Reden sagte Schostakowitsch: „Ich blickte mit Schmerz und Stolz auf meine geliebte Stadt. Und er stand da, vom Feuer verbrannt, kampferprobt, das tiefe Leid eines Kämpfers erlebt und war in seiner strengen Erhabenheit noch schöner. Wie könnte ich diese von Petrus erbaute Stadt nicht lieben und nicht der ganzen Welt von ihrem Ruhm und dem Mut ihrer Verteidiger erzählen ... Meine Waffe war Musik.“

Der bürgerliche Komponist hasst das Böse und die Gewalt leidenschaftlich und prangert den Feind an, den Krieg, der Nationen in den Abgrund der Katastrophe sät. Deshalb beschäftigt das Thema Krieg den Komponisten seit langem. Es klingt in der achten, grandiosen Skala, in der Tiefe tragischer Konflikte, komponiert 1943, in der zehnten und dreizehnten Symphonie, im Klaviertrio, geschrieben zum Gedenken an I. I. Sollertinsky. Dieses Thema dringt auch in das Achte Quartett ein, in die Musik zu den Filmen „Der Fall Berlins“, „Treffen an der Elbe“ und „Junge Garde“. In einem Artikel zum ersten Jahrestag des Sieges schrieb Schostakowitsch: „ Der Sieg verpflichtet nicht weniger als der Krieg, der im Namen des Sieges geführt wurde. Die Niederlage des Faschismus ist nur eine Etappe in der unaufhaltsamen Offensivbewegung der Menschheit, in der Verwirklichung der fortschrittlichen Mission des sowjetischen Volkes.“

Die Neunte Symphonie, Schostakowitschs erstes Nachkriegswerk. Die Uraufführung erfolgte im Herbst 1945; teilweise blieb die Symphonie hinter den Erwartungen zurück. Es gibt darin keine monumentale Feierlichkeit, die die Bilder des siegreichen Kriegsendes in Musik verkörpern könnte. Aber da ist noch etwas anderes drin: unmittelbare Freude, Witze, Lachen, als wäre einem eine riesige Last von den Schultern gefallen, und zum ersten Mal seit so vielen Jahren war es möglich, das Licht ohne Vorhänge, ohne Verdunkelung und … anzumachen Alle Fenster der Häuser leuchteten vor Freude. Und erst im vorletzten Teil taucht eine harte Erinnerung an das Erlebte auf. Doch für kurze Zeit herrscht Dunkelheit – die Musik kehrt wieder in die Welt des Lichts und Spaßes zurück.

Acht Jahre liegen zwischen der Zehnten und der Neunten Symphonie. Einen solchen Bruch hat es in der symphonischen Chronik Schostakowitschs noch nie gegeben. Und wieder haben wir ein Werk voller tragischer Zusammenstöße und tiefer ideologischer Probleme vor uns, das mit seinen pathetischen Erzählungen über eine Zeit großer Umbrüche, eine Zeit großer Hoffnungen für die Menschheit fesselt.

Die Elfte und Zwölfte nehmen in der Liste der Sinfonien Schostakowitschs einen besonderen Platz ein.

Bevor man sich der Elften Symphonie aus dem Jahr 1957 zuwendet, muss man sich die Zehn Gedichte für gemischten Chor (1951) in Erinnerung rufen, die auf den Worten revolutionärer Dichter des 19. und frühen 20. Jahrhunderts basieren. Die Gedichte revolutionärer Dichter: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspirierten Schostakowitsch zu Musik, deren jeder Takt von ihm komponiert wurde und die gleichzeitig den Liedern des Revolutionärs ähnelte Untergrund, Studentenversammlungen, die in den Kerkern Butyrok und in Shushenskoye und in Lynjumo auf Capri zu den Liedern gehört wurden, die und waren Familien tradition im Haus der Eltern des Komponisten. Sein Großvater, Boleslaw Boleslawowitsch Schostakowitsch, wurde wegen seiner Teilnahme am polnischen Aufstand von 1863 ins Exil geschickt. Sein Sohn Dmitri Boleslawowitsch, der Vater des Komponisten, Studentenjahre und nach seinem Abschluss an der Universität St. Petersburg war er eng mit der Familie Lukaschewitsch verbunden, deren Mitglieder zusammen mit Alexander Iljitsch Uljanow ein Attentat auf Alexander III. vorbereiteten. Lukaschewitsch verbrachte 18 Jahre in der Festung Schlisselburg.

Einer der eindrucksvollsten Eindrücke aus Schostakowitschs gesamtem Leben stammt vom 3. April 1917, dem Tag der Ankunft W. I. Lenins in Petrograd. So spricht der Komponist darüber. „Ich habe die Ereignisse miterlebt Oktoberrevolution, gehörte zu denen, die Wladimir Iljitsch am Tag seiner Ankunft in Petrograd auf dem Platz vor dem Finnischandski-Bahnhof zuhörten. Und obwohl ich damals noch sehr jung war, hat es sich für immer in mein Gedächtnis eingeprägt.“

Das Thema der Revolution ging dem Komponisten bereits in seiner Kindheit in Fleisch und Blut über und reifte in ihm mit zunehmendem Bewusstsein zu einer seiner Grundlagen. Dieses Thema kristallisierte sich in der Elften Symphonie (1957) mit dem Titel „1905“ heraus. Jeder Teil hat seinen eigenen Namen. Aus ihnen kann man sich die Idee und Dramaturgie des Werkes gut vorstellen: „ Schlossplatz„, „9. Januar“, „Ewige Erinnerung“, „Alarm“. Die Symphonie ist durchdrungen von den Intonationen von Liedern des revolutionären Untergrunds: „Hör zu“, „Gefangener“, „Du bist ein Opfer gefallen“, „Wut, Tyrannen“, „Warschawjanka“. Sie verleihen der reichen musikalischen Erzählung eine besondere Spannung und Authentizität eines historischen Dokuments.

Die Zwölfte Symphonie (1961) – ein Werk von epischer Kraft – ist dem Andenken an Wladimir Iljitsch Lenin gewidmet und setzt die instrumentale Geschichte der Revolution fort. Wie in der Elften geben die Programmnamen der Teile eine völlig klare Vorstellung von ihrem Inhalt: „Revolutionäres Petrograd“, „Razliv“, „Aurora“, „Dawn of Humanity“.

Schostakowitschs Dreizehnte Symphonie (1962) steht dem Genre des Oratoriums nahe. Es wurde für eine ungewöhnliche Komposition geschrieben: ein Sinfonieorchester, einen Basschor und einen Basssolisten. Textliche Grundlage der fünf Teile der Symphonie sind die Verse von Evg. Jewtuschenko: „Babi Jar“, „Humor“, „Im Laden“, „Ängste“ und „Karriere“. Die Idee der Symphonie, ihr Pathos ist die Anprangerung des Bösen im Namen des Kampfes um die Wahrheit, für den Menschen. Und diese Symphonie offenbart den aktiven, offensiven Humanismus, der Schostakowitsch innewohnt.

Nach einer siebenjährigen Pause entstand 1969 die Vierzehnte Symphonie, geschrieben für ein Kammerorchester: Streicher, eine kleine Anzahl Schlagzeug und zwei Stimmen – Sopran und Bass. Die Symphonie enthält Gedichte von Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke und Wilhelm Kuchelbecker. Die Benjamin Britten gewidmete Symphonie wurde nach Angaben ihres Autors unter dem Einfluss von M. P. Mussorgskys „Lieder und Tänze des Todes“ geschrieben. In dem großartigen Artikel „Aus den Tiefen der Tiefen“, der der Vierzehnten Symphonie gewidmet ist, schrieb Marietta Shaginyan: „... Schostakowitschs Vierzehnte Symphonie, der Höhepunkt seines Schaffens. Die vierzehnte Symphonie – ich möchte sie die ersten „Menschlichen Leidenschaften“ der neuen Ära nennen – spricht überzeugend davon, wie sehr unsere Zeit sowohl eine tiefgreifende Interpretation moralischer Widersprüche als auch ein tragisches Verständnis spiritueller Prüfungen („Leidenschaften“) braucht. , durch die die Menschheit geht.“

D. Schostakowitschs fünfzehnte Symphonie wurde im Sommer 1971 komponiert. Nach einer längeren Pause kehrt der Komponist für die Sinfonie zu einer rein instrumentalen Partitur zurück. Die helle Farbgebung des „Spielzeugscherzo“ des ersten Satzes wird mit Bildern aus der Kindheit assoziiert. Das Thema aus Rossinis „Wilhelm Tell“-Ouvertüre „fügt“ organisch in die Musik ein. Trauermusik vom Anfang des zweiten Teils in düsterem Klang Kupfergruppe lässt Gedanken an den Verlust aufkommen, an den ersten schrecklichen Kummer. Die Musik des zweiten Teils ist voller unheilvoller Fantasie, die in gewisser Weise an etwas erinnert Märchenwelt"Der Nussknacker". Zu Beginn von Teil IV greift Schostakowitsch erneut auf Zitate zurück. Diesmal ist es das Schicksalsthema von Walküre, das den tragischen Höhepunkt der weiteren Entwicklung vorgibt.

Fünfzehn Sinfonien von Schostakowitsch sind fünfzehn Kapitel der epischen Chronik unserer Zeit. Schostakowitsch reiht sich in die Reihe derjenigen ein, die die Welt aktiv und unmittelbar verändern. Seine Waffe ist Musik, die zur Philosophie geworden ist, Philosophie, die zur Musik geworden ist.

Schostakowitschs Schaffensanspruch erstreckt sich über alle existierenden Musikgattungen – vom Massenlied aus „The Counter“ über das monumentale Oratorium „Lied vom Wald“ bis hin zu Opern, Sinfonien und Instrumentalkonzerten. Ein bedeutender Teil seines Schaffens ist der Kammermusik gewidmet, wobei eines seiner Werke, „24 Präludien und Fugen“ für Klavier, eine besondere Stellung einnimmt. Nach Johann Sebastian Bach trauten sich nur wenige Menschen, einen polyphonen Zyklus dieser Art und Größenordnung anzufassen. Dabei geht es nicht um das Vorhandensein oder Fehlen geeigneter Technologie, einer besonderen Art von Fähigkeit. Schostakowitschs „24 Präludien und Fugen“ sind nicht nur eine Sammlung polyphoner Weisheiten des 20. Jahrhunderts, sie sind auch der deutlichste Indikator für die Stärke und Spannung des Denkens und dringen in die Tiefen der komplexesten Phänomene vor. Diese Art des Denkens ähnelt der intellektuellen Kraft von Kurchatov, Landau, Fermi, und daher überraschen Schostakowitschs Präludien und Fugen nicht nur durch den hohen Akademismus, mit dem sie die Geheimnisse von Bachs Polyphonie enthüllen, sondern vor allem durch das philosophische Denken, das wirklich in die eindringt „Tiefen der Tiefen“ seines Zeitgenossen, die treibenden Kräfte, Widersprüche und Pathos der Ära großer Transformationen.

Neben den Sinfonien nehmen seine fünfzehn Quartette einen großen Platz in Schostakowitschs Schaffensbiographie ein. In diesem hinsichtlich der Anzahl der Interpreten bescheidenen Ensemble wendet sich der Komponist einem thematischen Kreis zu, der dem ähnelt, von dem er in seinen Sinfonien spricht. Es ist kein Zufall, dass einige Quartette fast gleichzeitig mit Sinfonien erscheinen und ihre ursprünglichen „Begleiter“ sind.

In den Sinfonien wendet sich der Komponist an Millionen und setzt in diesem Sinne die Linie der Beethovenschen Symphonie fort, während sich die Quartette an einen engeren, kammermusikalischen Kreis richten. Mit ihm teilt er, was erregt, erfreut, deprimiert, wovon er träumt.

Keines der Quartette trägt einen besonderen Titel, um seinen Inhalt besser zu verstehen. Nichts als eine Seriennummer. Und doch ist ihre Bedeutung jedem klar, der liebt und zuzuhören weiß Kammermusik. Das erste Quartett ist im gleichen Alter wie die Fünfte Symphonie. In seiner heiteren, dem Neoklassizismus nahestehenden Struktur mit einer nachdenklichen Sarabande des ersten Satzes, einem Haydnschen funkelnden Finale, einem flatternden Walzer und einem gefühlvollen russischen Bratschenchor, langgezogen und klar, kann man die Heilung von den schweren Gedanken spüren, die ihn überwältigten Held der Fünften Symphonie.

Wir erinnern uns, wie wichtig die Lyrik in Gedichten, Liedern und Briefen während der Kriegsjahre war und wie die lyrische Wärme einiger aufrichtiger Sätze die spirituelle Stärke vervielfachte. Der Walzer und die Romantik des 1944 geschriebenen Zweiten Quartetts sind davon durchdrungen.

Wie unterschiedlich sind die Bilder des Dritten Quartetts voneinander. Es enthält die Sorglosigkeit der Jugend und schmerzhafte Visionen der „Mächte des Bösen“, das Spannungsfeld des Widerstands und die dazugehörigen Texte Philosophische Reflexion. Fünftes Quartett (1952), vor der Zehnten Symphonie, und in einem anderen in einem größeren Ausmaß Das achte Quartett (1960) ist voller tragischer Visionen – Erinnerungen an die Kriegsjahre. In der Musik dieser Quartette, wie auch in der Siebten und Zehnten Symphonie, stehen sich die Kräfte des Lichts und die Kräfte der Dunkelheit scharf gegenüber. Auf der Titelseite des Achten Quartetts heißt es: „Im Gedenken an die Opfer von Faschismus und Krieg.“ Dieses Quartett entstand drei Tage lang in Dresden, wo Schostakowitsch an der Musik für den Film „Fünf Tage, fünf Nächte“ arbeitete.

Neben Quartetten, die die „große Welt“ mit ihren Konflikten, Ereignissen und Lebenskollisionen widerspiegeln, hat Schostakowitsch Quartette, die wie Seiten eines Tagebuchs klingen. Im Ersten sind sie fröhlich; im Vierten sprechen sie von Selbstbezogenheit, Kontemplation, Frieden; im Sechsten werden Bilder der Einheit mit der Natur und tiefer Ruhe offenbart; im Siebten und Elften - der Erinnerung gewidmet nahestehenden Menschen erreicht die Musik gerade in tragischen Höhepunkten geradezu verbale Ausdruckskraft.

Im Vierzehnten Quartett fallen die charakteristischen Merkmale russischer Melos besonders deutlich auf. Im ersten Teil bestechen die musikalischen Bilder durch ihre romantische Art, ein breites Spektrum an Gefühlen auszudrücken: von tief empfundener Bewunderung für die Schönheit der Natur bis hin zu Ausbrüchen geistiger Unruhe und der Rückkehr zur Ruhe und Stille der Landschaft. Das Adagio des Vierzehnten Quartetts erinnert an den russischen Geist des Bratschenchors im Ersten Quartett. In III – dem letzten Teil – wird die Musik von Tanzrhythmen umrissen, die mehr oder weniger klar klingen. Bei der Beurteilung von Schostakowitschs Vierzehntem Quartett spricht D. B. Kabalevsky vom „Beethoven-Anfang“ seiner hohen Vollkommenheit.

Das fünfzehnte Quartett wurde im Herbst 1974 uraufgeführt. Seine Struktur ist ungewöhnlich; es besteht aus sechs Teilen, die ohne Unterbrechung aufeinander folgen. Alle Teile gehen zu in einem langsamen Tempo: Elegie, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Trauermarsch und Epilog. Das fünfzehnte Quartett verblüfft durch die Tiefe des philosophischen Denkens, die für Schostakowitsch in vielen Werken dieser Gattung so charakteristisch ist.

Schostakowitschs Quartettwerk stellt einen der Höhepunkte der Gattungsentwicklung in der Zeit nach Beethoven dar. Genau wie in Sinfonien gibt es eine Welt voller hoher Ideen, Gedanken, Philosophische Verallgemeinerungen. Aber im Gegensatz zu Sinfonien haben Quartette diesen vertrauensvollen Tonfall, der beim Publikum sofort eine emotionale Reaktion hervorruft. Diese Eigenschaft der Quartette von Schostakowitsch macht sie den Quartetten von Tschaikowsky ähnlich.

Neben den Quartetten nimmt das Klavierquintett aus dem Jahr 1940 zu Recht einen der höchsten Plätze im Kammermusikgenre ein, ein Werk, das tiefen Intellektualismus, der sich besonders im Präludium und in der Fuge zeigt, mit subtiler Emotionalität verbindet und irgendwo an Levitans Werk erinnert Landschaften.

Der Komponist wendet sich zunehmend der Kammervokalmusik zu Nachkriegsjahre. Sechs Romanzen erscheinen nach den Worten von W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; Stimmzyklus„Aus dem Jüdischen Volksdichtung"; Zwei Romanzen zu Gedichten von M. Lermontov, vier Monologe zu Gedichten von A. Puschkin, Lieder und Romanzen zu Gedichten von M. Svetlov, E. Dolmatovsky, der Zyklus „Spanische Lieder“, fünf Satiren zu den Worten von Sasha Cherny, fünf Humoresken zu Worten aus der Zeitschrift „Crocodile“, Suite nach Gedichten von M. Tsvetaeva.

Eine solche Fülle an Vokalmusik, die auf Texten von Klassikern der Poesie und sowjetischen Dichtern basiert, zeugt vom breiten Spektrum der literarischen Interessen des Komponisten. In Schostakowitschs Vokalmusik beeindruckt nicht nur die Feinheit des Stilgefühls und der Handschrift des Dichters, sondern auch die Fähigkeit zur Nachbildung nationale Besonderheiten Musik. Besonders deutlich wird dies in den „Spanischen Liedern“, im Zyklus „Aus jüdischer Volkspoesie“, in Romanzen nach Gedichten englischer Dichter. Die Traditionen russischer Liebestexte, die von Tschaikowsky und Tanejew stammen, sind in den Fünf Romanzen „Fünf Tage“ zu hören, die auf den Gedichten von E. Dolmatovsky basieren: „Der Tag der Begegnung“, „Der Tag der Geständnisse“, „Der Tag der Ressentiments“, „Der Tag der Freude“, „Der Tag der Erinnerungen“ .

Einen besonderen Platz nehmen „Satires“ nach den Worten von Sasha Cherny und „Humoresques“ aus „Crocodile“ ein. Sie spiegeln Schostakowitschs Liebe zu Mussorgski wider. Es entstand in frühe Jahre und erschien zuerst in seinem Zyklus „Krylovs Fabeln“, dann in der Oper „Die Nase“, dann in „Katerina Ismailowa“ (insbesondere im vierten Akt der Oper). Dreimal wendet sich Schostakowitsch direkt an Mussorgski, orchestriert und bearbeitet „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“ neu und orchestriert zum ersten Mal „Lieder und Tänze des Todes“. Und wieder spiegelt sich die Bewunderung für Mussorgsky im Gedicht für Solist, Chor und Orchester wider – „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ zu den Versen von Evg. Jewtuschenko.

Wie stark und tief muss die Verbundenheit mit Mussorgski sein, wenn Schostakowitsch mit einer so strahlenden Individualität, die man an zwei, drei Sätzen unverkennbar erkennen kann, so bescheiden, mit so viel Liebe den Stil nicht nachahmt, nein, sondern übernimmt und interpretiert auf seine eigene Weise einen großartigen realistischen Musiker zu schreiben.

Robert Schumann bewunderte einst das Genie Chopins, der gerade erst am europäischen Musikhorizont aufgetaucht war, und schrieb: „Wenn Mozart am Leben wäre, hätte er ein Chopin-Konzert geschrieben.“ Um Schumann zu paraphrasieren, können wir sagen: Wenn Mussorgski gelebt hätte, hätte er „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ von Schostakowitsch geschrieben. Dmitri Schostakowitsch - herausragender Meister Theatermusik. Nahe bei ihm verschiedene Genres: Oper, Ballett, Musikkomödie, Varietés (Music Hall), Schauspieltheater. Dazu gehört auch Musik für Filme. Nennen wir nur einige Werke dieser Genres aus mehr als dreißig Filmen: „Die goldenen Berge“, „The Counter“, „The Maxim Trilogy“, „The Young Guard“, „Treffen an der Elbe“, „The Fall of Berlin“. “, „The Gadfly“, „Fünf“ Tage – fünf Nächte“, „Hamlet“, „King Lear“. Von der Musik bis dramatische Darbietungen: „The Bedbug“ von V. Mayakovsky, „The Shot“ von A. Bezymensky, „Hamlet“ und „King Lear“ von V. Shakespeare, „Salute, Spain“ von A. Afinogenov, „ Menschliche Komödie» O. Balzac.

So unterschiedlich Genre und Umfang Schostakowitschs Werke in Film und Theater auch sein mögen, eines verbindet sie: gemeinsames Merkmal- Musik schafft sozusagen ihre eigene „sinfonische Reihe“ der Verkörperung von Ideen und Charakteren und beeinflusst die Atmosphäre des Films oder der Aufführung.

Das Schicksal der Ballette war unglücklich. Hier liegt die Schuld ausschließlich beim minderwertigen Drehbuch. Aber die mit lebendiger Bildsprache und Humor ausgestattete Musik, die im Orchester brillant klingt, ist in Form von Suiten erhalten geblieben und nimmt einen herausragenden Platz im Repertoire von Sinfoniekonzerten ein. MIT großer Erfolg auf vielen sowjetischen Bühnen Musiktheater Zur Musik von D. Schostakowitsch wird das Ballett „Die junge Dame und der Hooligan“ aufgeführt, basierend auf dem Libretto von A. Belinsky, dem das Drehbuch von V. Mayakovsky zugrunde liegt.

Dmitri Schostakowitsch hat einen großen Beitrag zum Genre geleistet Instrumentalkonzert. Zuerst geschrieben Klavierkonzert in c-Moll mit Solotrompete (1933). Mit seiner Jugendlichkeit, seinem Schalk und seiner jugendlich-charmanten Kantigkeit erinnert das Konzert an die Erste Symphonie. Vierzehn Jahre später erscheint ein Violinkonzert von tiefem Nachdenken, großartigem Umfang und virtuoser Brillanz; 1957 folgte das Zweite Klavierkonzert, das er seinem Sohn Maxim widmete und für den er entworfen wurde Leistung der Kinder. Die Liste der Konzertliteratur aus der Feder Schostakowitschs wird durch die Cellokonzerte (1959, 1967) und das Zweite Violinkonzert (1967) vervollständigt. Diese Konzerte sind am allerwenigsten auf den „Rausch technischer Brillanz“ ausgelegt. In puncto Gedankentiefe und Dramatik stehen sie den Symphonien gleich.

Die in diesem Aufsatz aufgeführte Werkliste umfasst nur die typischsten Werke der Hauptgattungen. Dutzende Titel in verschiedenen Bereichen der Kreativität blieben außerhalb der Liste.

Sein Weg zur Welt Ruhm – der Weg einer von größten Musiker des 20. Jahrhunderts und setzte mutig neue Meilensteine ​​in der Welt Musikkultur. Sein Weg zum Weltruhm, der Weg eines jener Menschen, für die es bedeutet, für seine Zeit mitten im Geschehen eines jeden zu leben, tief in die Bedeutung des Geschehens einzutauchen, in Streitigkeiten eine faire Position einzunehmen, Meinungsverschiedenheiten, im Kampf und mit der ganzen Kraft seiner gigantischen Gaben für alles zu antworten, was in einem großen Wort ausgedrückt wird – dem Leben.

Musik komponieren Schostakowitsch begann, als er erst neun Jahre alt war. Nach dem Besuch der Oper Rimsky-Korsakow„Das Märchen vom Zaren Saltan“ erklärte der Junge seinen Wunsch, sich ernsthaft mit der Musik zu beschäftigen, und trat in das Maria-Schidlowskaja-Handelsgymnasium ein.

Viele Jahre lang arbeitete er aktiv an Sinfonien und Opern. Im Januar 1936 die Oper „Katerina Izmailova“, für das Dmitri Schostakowitsch die Musik schrieb, besuchte er Josef Stalin. Das Werk schockierte den Diktator, dessen Geschmack in populären Klassikern und Volksmusik geschult war. Seine Reaktion wurde in einem Leitartikel zum Ausdruck gebracht „Verwirrung statt Musik“, die über Jahre hinweg die Entwicklung der sowjetischen Musik bestimmte. Die meisten Werke Schostakowitschs, die vor 1936 entstanden sind, sind praktisch aus der kulturellen Zirkulation des Landes verschwunden.

Im Februar 1948 wurde das Dekret des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki zu Muradelis Oper „Die große Freundschaft“ veröffentlicht, in dem die Musik des größten Sowjetische Komponisten(einschließlich Prokofjew, Schostakowitsch und Chatschaturjan) wurde für „formalistisch“ und „dem Sowjetvolk fremd“ erklärt. Neue Welle Die Angriffe auf Schostakowitsch in der Presse überstiegen die von 1936 deutlich. Der Komponist, gezwungen, sich dem Diktat zu unterwerfen und „seine Fehler zu erkennen“, führte das Oratorium „Lied der Wälder“ (1949), die Kantate „Die Sonne scheint über unserem Mutterland“ (1952) sowie Musik aus Filmen auf historischen und militärisch-patriotischen Inhalt, was seine Situation teilweise erleichterte.

Stimmzyklen und Klavierwerke Schostakowitschs Werke gehören zur Weltschatzkammer der Musikkunst, vor allem aber war er ein brillanter Symphoniker. In seinen Sinfonien versuchte er, die Geschichte des 20. Jahrhunderts mit all ihren Tragödien und Leiden in die Sprache der Musik zu übersetzen. „Abend Moskau“ macht Sie auf eine Auswahl der berühmtesten davon aufmerksam.

Symphonie Nr. 1

Das erste wirklich Originalarbeit Schostakowitsch wurde sein Diplomarbeit. Nach der Uraufführung am 12. Mai 1926 in Leningrad begann die Kritik über Schostakowitsch als einen Künstler zu reden, der in der Lage sei, die Lücke zu füllen, die nach der Emigration von Rachmaninow, Strawinsky und Prokofjew in der russischen Musik entstanden sei. Die Zuhörer staunten nicht schlecht, als nach einem Sturm des Applauses ein junger Mann, fast ein Junge mit einem widerspenstigen Kamm auf dem Kopf, auf die Bühne kam, um sich zu verbeugen.

Schon in dieser jugendlichen Partitur zeigte sich Schostakowitschs Vorliebe für Ironie und Sarkasmus, für plötzliche, dramatisch reiche Kontraste und für die weit verbreitete Verwendung symbolischer Motive, die oft einer radikalen figurativen und semantischen Transformation unterzogen wurden. 1927 wurde Schostakowitschs Erste Symphonie in Berlin, dann in Philadelphia und New York aufgeführt. Die weltweit führenden Dirigenten haben es in ihr Repertoire aufgenommen. So trat der neunzehnjährige Junge in die Musikgeschichte ein.

Symphonie Nr. 7

Während in den ersten Monaten des Großen Vaterländischer Krieg in Leningrad (bis zur Evakuierung nach Kuibyschew im Oktober) begann Schostakowitsch mit der Arbeit an seiner siebten Symphonie „Leningradskaja“. Er beendete es im Dezember 1941 und am 5. März 1942 wurde die Symphonie in Kuibyshev uraufgeführt. Konzerte fanden auch in Moskau und Nowosibirsk statt, die wahrlich legendäre Aufführung der Symphonie fand jedoch im belagerten Leningrad statt. Die Musiker wurden von Militäreinheiten abberufen, einige von ihnen mussten vor Beginn der Proben ins Krankenhaus gebracht werden, um dort verpflegt und behandelt zu werden. Am Tag der Aufführung der Symphonie, dem 9. August 1942, wurden alle Artilleriekräfte der belagerten Stadt geschickt, um feindliche Schusspunkte zu unterdrücken – der bedeutenden Uraufführung hätte nichts im Wege stehen dürfen.

Es ist merkwürdig, was Alexey Tolstoi über die Symphonie schrieb: „Die siebte Symphonie ist dem Triumph des Menschen im Menschen gewidmet. Versuchen wir (zumindest teilweise), den Weg zu durchdringen.“ musikalisches Denken Schostakowitsch – in den bedrohlichen dunklen Nächten Leningrads, unter dem Donner der Explosionen, im Schein der Feuer führte es ihn dazu, dieses offene Werk zu schreiben.“

Symphonie Nr. 10

Die Zehnte Symphonie, eines der persönlichsten autobiografischen Werke Schostakowitschs, wurde 1953 komponiert. Es wurde als Apotheose des Sieges erwartet, aber was sie bekamen, war etwas Seltsames, Zweideutiges, das bei Kritikern Verwirrung und Unzufriedenheit hervorrief. Von ihr in Sowjetische Musik Die Ära des „Tauwetters“ wurde symbolisch eröffnet. Es war ein zutiefst intimes Bekenntnis eines Künstlers, der sein „Ich“ in einem verzweifelten, fast aussichtslosen Widerstand gegen den Stalinismus verteidigte. Daraufhin kam es zu einer mehrjährigen Krise im Schaffen Schostakowitschs.

Sein Schicksal hatte alles – internationale Anerkennung und innere Ordnung, Hunger und Verfolgung durch die Behörden. Sein kreatives Erbe beispiellos in der Genreabdeckung: Sinfonien und Opern, Streichquartette und Konzerte, Ballette und Filmmusik. Ein Innovator und ein Klassiker, kreativ emotional und menschlich bescheiden – Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch. Der Komponist ist ein Klassiker des 20. Jahrhunderts, ein großer Maestro und heller Künstler, der die harten Zeiten erlebte, in denen er leben und schaffen musste. Er nahm sich die Nöte seines Volkes zu Herzen; in seinen Werken ist deutlich die Stimme eines Kämpfers gegen das Böse und eines Verteidigers gegen soziale Ungerechtigkeit zu hören.

Lesen Sie auf unserer Seite eine kurze Biografie von Dmitri Schostakowitsch und viele interessante Fakten über den Komponisten.

Kurze Biographie von Schostakowitsch

In dem Haus, in dem Dmitri Schostakowitsch am 12. September 1906 das Licht der Welt erblickte, befindet sich heute eine Schule. Und dann – das City Test Tent, das von seinem Vater geleitet wurde. Aus der Biographie von Schostakowitsch erfahren wir, dass Mitya im Alter von 10 Jahren als Gymnasiast die kategorische Entscheidung trifft, Musik zu schreiben, und nur drei Jahre später Student am Konservatorium wird.

Der Beginn der 20er Jahre war schwierig – die Zeit des Hungers wurde durch seine schwere Krankheit und den plötzlichen Tod seines Vaters noch verschärft. Der Direktor des Konservatoriums zeigte großes Interesse am Schicksal des talentierten Studenten. A.K. Glasunow der ihn beauftragt hat erhöhtes Stipendium und organisierte postoperative Rehabilitation auf der Krim. Schostakowitsch erinnerte sich, dass er nur zu Fuß zur Schule ging, weil er nicht in die Straßenbahn steigen konnte. Trotz gesundheitlicher Probleme schloss er 1923 sein Studium als Pianist und 1925 als Komponist ab. Nur zwei Jahre später wird seine Erste Symphonie von den besten Orchestern der Welt unter der Leitung von B. Walter und A. Toscanini gespielt.

Mit unglaublicher Effizienz und Selbstorganisation schrieb Schostakowitsch schnell seine nächsten Werke. In seinem Privatleben neigte der Komponist nicht dazu, voreilige Entscheidungen zu treffen. So sehr, dass er der Frau, mit der er zehn Jahre lang eine enge Beziehung hatte, Tatjana Gliwenko, erlaubte, jemand anderen zu heiraten, weil er nicht bereit war, sich für eine Ehe zu entscheiden. Er machte der Astrophysikerin Nina Varzar einen Heiratsantrag und die mehrfach verschobene Hochzeit fand schließlich 1932 statt. Nach 4 Jahren erschien Tochter Galina und nach weiteren 2 Jahren Sohn Maxim. Laut Schostakowitschs Biografie wurde er 1937 Lehrer und dann Professor am Konservatorium.

Der Krieg brachte nicht nur Traurigkeit und Kummer, sondern auch neue tragische Inspirationen. Zusammen mit seinen Schülern wollte Dmitri Dmitrijewitsch an die Front. Als sie mich nicht hereinließen, wollte ich in meinem geliebten Leningrad bleiben, umgeben von Faschisten. Doch er und seine Familie wurden fast gewaltsam nach Kuibyshev (Samara) gebracht. Der Komponist kehrte nie in seine Heimatstadt zurück; nach der Evakuierung ließ er sich in Moskau nieder, wo er seine Lehrtätigkeit fortsetzte. Das 1948 veröffentlichte Dekret „Über die Oper „Die große Freundschaft“ von V. Muradeli“ erklärte Schostakowitsch zum „Formalisten“ und sein Werk volksfeindlich. Bereits 1936 versuchten sie, ihn nach kritischen Artikeln in der Prawda über „Lady Macbeth von Mzensk“ und „Der leuchtende Pfad“ als „Feind des Volkes“ zu bezeichnen. Diese Situation setzte der weiteren Forschung des Komponisten in den Genres Oper und Ballett tatsächlich ein Ende. Doch nun griff ihn nicht nur die Öffentlichkeit, sondern auch die Staatsmaschine selbst an: Er wurde aus dem Konservatorium entlassen, seines Professorenstatus beraubt und hörte auf, seine Werke zu veröffentlichen und aufzuführen. Es war jedoch unmöglich, einen Schöpfer dieses Niveaus lange Zeit nicht zu bemerken. 1949 bat ihn Stalin persönlich, mit anderen Kulturschaffenden in die USA zu reisen, wobei er alle ausgewählten Privilegien als seine Zustimmung zurückgab; 1950 erhielt er den Stalin-Preis für die Kantate „Lied der Wälder“ und 1954 wurde er Volkskünstler DIE UDSSR.

Ende desselben Jahres starb Nina Wladimirowna plötzlich. Schostakowitsch nahm diesen Verlust ernst. Er war stark in seiner Musik, aber schwach und hilflos in alltäglichen Angelegenheiten, deren Last immer seine Frau trug. Wahrscheinlich war es der Wunsch, sein Leben noch einmal zu rationalisieren, der seine neue Ehe nur anderthalb Jahre später erklärt. Margarita Kaynova teilte die Interessen ihres Mannes nicht und unterstützte sein soziales Umfeld nicht. Die Ehe war von kurzer Dauer. Zur gleichen Zeit lernte der Komponist Irina Supinskaya kennen, die 6 Jahre später seine dritte und dritte wurde letzte Frau. Sie war fast 30 Jahre jünger, aber hinter ihrem Rücken gab es fast keine Verleumdungen über diese Verbindung – der innere Kreis des Paares wusste, dass das 57-jährige Genie allmählich seine Gesundheit verlor. Gleich beim Konzert begann sein rechter Arm das Bewusstsein zu verlieren, und dann wurde in den USA eine endgültige Diagnose gestellt – die Krankheit war unheilbar. Auch wenn sich Schostakowitsch mit jedem Schritt abmühte, stoppte dies seine Musik nicht. Der letzte Tag seines Lebens war der 9. August 1975.

Interessante Fakten über Schostakowitsch

• Schostakowitsch war ein leidenschaftlicher Fan des Fußballvereins Zenit und führte sogar ein Notizbuch über alle Spiele und Tore. Seine anderen Hobbys waren Karten – er spielte die ganze Zeit Solitaire und genoss es, „König“ zu spielen, außerdem ausschließlich um Geld und eine Sucht nach dem Rauchen.
• Das Lieblingsgericht des Komponisten waren hausgemachte Knödel aus drei Fleischsorten.
• Dmitry Dmitrievich arbeitete ohne Klavier, er setzte sich an den Tisch und schrieb sofort in voller Orchestrierung Noten auf Papier. Er hatte eine so einzigartige Arbeitsfähigkeit, dass er es konnte eine kurze Zeit Schreiben Sie Ihren Aufsatz komplett neu.
• Schostakowitsch strebte lange nach der Rückkehr von Lady Macbeth von Mzensk auf die Bühne. Mitte der 50er Jahre veröffentlichte er die Oper neu und nannte sie „Katerina Ismailowa“. Trotz des direkten Appells an W. Molotow wurde die Produktion erneut verboten. Erst 1962 kam die Oper auf die Bühne. 1966 erschien ein gleichnamiger Film mit Galina Vishnevskaya in der Titelrolle.

• Um all die wortlosen Leidenschaften in der Musik von „Lady Macbeth von Mzensk“ zum Ausdruck zu bringen, nutzte Schostakowitsch neue Techniken, wenn die Instrumente quietschten, stolperten und Lärm machten. Er schuf Symbolik Klangformen, den Charakteren eine einzigartige Aura verleihend: Altflöte für Sinowy Borisowitsch, Kontrabass für Boris Timofejewitsch, Cello für Sergej, Oboe Und Klarinette - für Katerina.
• Katerina Izmailova ist eine der beliebtesten Rollen im Opernrepertoire.

• Schostakowitsch ist einer der 40 meistgespielten Opernkomponisten der Welt. Jährlich finden mehr als 300 Aufführungen seiner Opern statt.
• Schostakowitsch ist der einzige der „Formalisten“, der seine bisherige Arbeit bereute und tatsächlich aufgab. Dies bewirkte andere Einstellung von seinen Kollegen an ihn gerichtet, und der Komponist begründete seine Position damit, dass er sonst nicht mehr hätte arbeiten dürfen.
• Die erste Liebe des Komponisten, Tatjana Gliwenko, wurde von Dmitri Dmitrijewitschs Mutter und Schwestern herzlich aufgenommen. Als sie heiratete, berief Schostakowitsch sie per Brief aus Moskau ein. Sie kam nach Leningrad und wohnte im Haus von Schostakowitsch, doch er konnte sich nicht dazu entschließen, sie davon zu überzeugen, ihren Mann zu verlassen. Den Versuch, die Beziehung zu erneuern, gab er erst auf, als die Nachricht von Tatjanas Schwangerschaft bekannt wurde.
• Eines der berühmtesten Lieder von Dmitri Dmitrijewitsch war 1932 im Film „Oncoming“ zu hören. Es heißt „Song about the Counter“.
• Der Komponist war viele Jahre lang Abgeordneter des Obersten Sowjets der UdSSR, empfing „Wähler“ und versuchte, so gut er konnte, ihre Probleme zu lösen.

• Nina Wassiljewna Schostakowitsch liebte es, Klavier zu spielen, aber nach der Heirat hörte sie damit auf und erklärte, dass ihr Mann Amateurismus nicht mochte.
• Maxim Schostakowitsch erinnert sich, dass er seinen Vater zweimal weinen sah – als seine Mutter starb und als er gezwungen wurde, der Partei beizutreten.
• In den veröffentlichten Memoiren der Kinder Galina und Maxim erscheint der Komponist als sensibler, fürsorglicher und liebevoller Vater. Trotz seiner ständigen Geschäftigkeit verbrachte er Zeit mit ihnen, ging mit ihnen zum Arzt und spielte bei Kinderfesten zu Hause sogar beliebte Tanzmelodien auf dem Klavier. Als er sah, dass seine Tochter das Instrument nicht gern übte, erlaubte er ihr, nicht mehr Klavier zu lernen.
• Irina Antonowna Schostakowitsch erinnerte sich, dass sie und Schostakowitsch während der Evakuierung nach Kuibyschew in derselben Straße wohnten. Dort schrieb er die Siebte Symphonie, und sie war erst 8 Jahre alt.
• In Schostakowitschs Biografie heißt es, dass der Komponist 1942 an einem Wettbewerb zur Komposition der Hymne der Sowjetunion teilnahm. Auch die Teilnahme am Wettbewerb war A. Chatschaturjan. Nachdem Stalin alle Werke gehört hatte, bat er die beiden Komponisten, gemeinsam eine Hymne zu komponieren. Sie taten dies und ihr Werk wurde in das Finale aufgenommen, zusammen mit den Hymnen jedes einzelnen von ihnen, Versionen von A. Alexandrov und dem georgischen Komponisten I. Tuski. Ende 1943 fiel die endgültige Wahl auf die Musik von A. Alexandrov, die früher als „Hymne der bolschewistischen Partei“ bekannt war.
• Schostakowitsch hatte ein einzigartiges Ohr. Während er den Orchesterproben seiner Werke beiwohnte, hörte er Ungenauigkeiten bei der Wiedergabe auch nur einer einzigen Note.

• In den 1930er Jahren rechnete der Komponist damit, jede Nacht verhaftet zu werden, deshalb stellte er einen Koffer mit dem Nötigsten neben sein Bett. In diesen Jahren wurden viele Menschen aus seinem Umfeld erschossen, darunter auch diejenigen, die ihm am nächsten standen – Regisseur Meyerhold, Marschall Tuchatschewski. Der Schwiegervater und der Ehemann der älteren Schwester wurden in ein Lager verbannt, und Maria Dmitrievna selbst wurde nach Taschkent geschickt.
• Das 1960 entstandene achte Quartett widmete der Komponist seinem Andenken. Es beginnt mit einem musikalischen Anagramm von Schostakowitsch (D-Es-C-H) und enthält Themen aus vielen seiner Werke. Die „unanständige“ Widmung musste in „Im Gedenken an die Opfer des Faschismus“ geändert werden. Er komponierte diese Musik unter Tränen, nachdem er der Party beigetreten war.

Werke von Dmitri Schostakowitsch

Das früheste erhaltene Werk des Komponisten, das Fis-moll-Scherzo, stammt aus dem Jahr, in dem er das Konservatorium betrat. Während seines Studiums schrieb Schostakowitsch als Pianist viel für dieses Instrument. Abschlussarbeit wurde Erste Symphonie. Dieses Werk war ein unglaublicher Erfolg und die ganze Welt erfuhr von dem jungen sowjetischen Komponisten. Die Inspiration aus seinem eigenen Triumph führte zu den folgenden Symphonien – der Zweiten und Dritten. Sie eint die ungewöhnliche Form – beide haben Chorstimmen, die auf Gedichten aktueller Dichter der damaligen Zeit basieren. Der Autor selbst erkannte diese Werke jedoch später als erfolglos an. Seit den späten 20er Jahren schreibt Schostakowitsch Musik für Filme und Filme Schauspieltheater- um Geld zu verdienen und nicht einem kreativen Impuls zu gehorchen. Insgesamt entwarf er mehr als 50 Filme und Performances herausragender Regisseure – G. Kozintsev, S. Gerasimov, A. Dovzhenko, Vs. Meyerhold.

1930 fanden die Uraufführungen seiner ersten Oper und seines ersten Balletts statt. UND " Nase„basierend auf Gogols Geschichte und“ goldenes Zeitalter» zum Thema der Abenteuer des Sowjets Fußballmannschaft im feindlichen Westen erhielt schlechte Kritiken von Kritikern und ging nach etwas mehr als einem Dutzend Vorstellungen weiter lange Jahre verließ die Bühne. Das nächste Ballett, „ Bolzen" 1933 spielte der Komponist den Klavierpart bei der Uraufführung seines Debütkonzerts für Klavier und Orchester, in dem die Trompete den zweiten Solopart übernahm.

Die Oper entstand im Laufe von zwei Jahren. Lady Macbeth von Mzensk„, das 1934 fast gleichzeitig in Leningrad und Moskau aufgeführt wurde. Der Regisseur der Aufführung der Hauptstadt war V.I. Nemirowitsch-Dantschenko. Ein Jahr später überschritt „Lady Macbeth...“ die Grenzen der UdSSR und eroberte die Bühnen Europas und Amerikas. Das Publikum war von der ersten sowjetischen klassischen Oper begeistert. Sowie aus dem neuen Ballett des Komponisten „Bright Stream“, das ein Plakatlibretto hat, aber mit großartiger Tanzmusik gefüllt ist. Ende erfolgreich Bühnenleben Diese Aufführungen wurden 1936 nach Stalins Besuch in der Oper und den folgenden Artikeln in der Zeitung Prawda „Verwirrung statt Musik“ und „Ballettlüge“ ins Leben gerufen.

Die Premiere des Neuen war für Ende desselben Jahres geplant. Vierte Symphonie In der Leningrader Philharmonie liefen Orchesterproben. Das Konzert wurde jedoch abgesagt. Das Jahr 1937 brachte keine rosigen Erwartungen mit sich – die Repressionen im Land nahmen zu und einer der Schostakowitsch-nahen Personen, Marschall Tuchatschewski, wurde erschossen. Diese Ereignisse haben ihre Spuren in der tragischen Musik hinterlassen Fünfte Symphonie. Bei der Premiere in Leningrad spendete das Publikum, ohne seine Tränen zurückzuhalten, vierzigminütige Ovationen für den Komponisten und das Orchester unter der Leitung von E. Mravinsky. Die gleiche Besetzung spielte zwei Jahre später die Sechste Symphonie, Schostakowitschs letzte große Vorkriegskomposition.

Am 9. August 1942 ereignete sich ein beispielloses Ereignis – eine Aufführung im Großen Saal des Leningrader Konservatoriums Siebte („Leningrader“) Symphonie. Die Aufführung wurde im Radio in die ganze Welt übertragen und beeindruckte den Mut der Bewohner der ungebrochenen Stadt. Der Komponist schrieb diese Musik vor dem Krieg und in den ersten Monaten der Belagerung, die mit der Evakuierung endete. Dort, in Kuibyshev, am 5. März 1942, das Orchester Bolschoi-Theater Die Symphonie wurde zum ersten Mal gespielt. Am Jahrestag des Beginns des Großen Vaterländischen Krieges wurde es in London aufgeführt. Am 20. Juli 1942, einen Tag nach der New Yorker Premiere der Symphonie (unter der Leitung von A. Toscanini), erschien im Time Magazine ein Porträt von Schostakowitsch auf dem Cover.

Die 1943 entstandene Achte Symphonie wurde wegen ihrer tragischen Stimmung kritisiert. Und die Neunte, die 1945 uraufgeführt wurde, hingegen wegen ihrer „Leichtigkeit“. Nach dem Krieg arbeitete der Komponist an Filmmusik, Werken für Klavier und Streichinstrumenten. Das Jahr 1948 setzte der Aufführung von Schostakowitschs Werken ein Ende. Die Zuhörer lernten die nächste Symphonie erst 1953 kennen. Und die Elfte Symphonie hatte 1958 einen unglaublichen Publikumserfolg und wurde mit dem Lenin-Preis ausgezeichnet, woraufhin der Komponist durch den Beschluss des Zentralkomitees über die Abschaffung des „formalistischen“ Beschlusses vollständig rehabilitiert wurde . Die zwölfte Symphonie war V.I. gewidmet. Lenin und die nächsten beiden hatten es getan ungewöhnliche Form: Sie wurden für Solisten, Chor und Orchester geschaffen – die Dreizehnte nach Gedichten von E. Jewtuschenko, die Vierzehnte nach Gedichten verschiedener Dichter, vereint durch das Thema Tod. Die fünfzehnte Symphonie, die zugleich die letzte war, entstand im Sommer 1971; ihre Uraufführung dirigierte der Sohn des Autors, Maxim Schostakowitsch.

1958 begann der Komponist mit der Orchestrierung von „ Chowanschtschiny" Seine Version der Oper wird in den kommenden Jahrzehnten zur beliebtesten werden. Schostakowitsch gelang es, sich auf das restaurierte Klavier des Autors verlassend, Mussorgskys Musik von Schichten und Interpretationen zu befreien. Ähnliche Arbeiten hatte er zwanzig Jahre zuvor durchgeführt mit „ Boris Godunow" Im Jahr 1959 fand die Uraufführung von Dmitri Dmitrijewitschs einziger Operette statt: „ Moskau, Tscherjomuschki“, was für Überraschung sorgte und begeistert aufgenommen wurde. Drei Jahre später erschien ein beliebter Musikfilm, der auf dem Werk basiert. Mit 60-70 schrieb der Komponist 9 Streichquartette, an denen er viel arbeitete Vokalwerke. Der letzte Aufsatz Das sowjetische Genie war die Sonate für Bratsche und Klavier, die nach seinem Tod uraufgeführt wurde.

Dmitry Dmitrievich schrieb Musik für 33 Filme. Gefilmt wurden „Katerina Izmailova“ und „Moskau, Tscherjomuschki“. Dennoch sagte er seinen Studenten immer, dass das Schreiben für das Kino nur unter der Androhung einer Hungersnot möglich sei. Obwohl er Filmmusik ausschließlich gegen Bezahlung komponierte, enthält sie viele Melodien von erstaunlicher Schönheit.

Zu seinen Filmen:

• „The Counter“, Regisseure F. Ermler und S. Yutkevich, 1932
• Trilogie über Maxim unter der Regie von G. Kozintsev und L. Trauberg, 1934-1938
• „Mann mit einer Waffe“, Regisseur S. Yutkevich, 1938
• „Junge Garde“, Regisseur S. Gerasimov, 1948
• „Treffen an der Elbe“, Regisseur G. Alexandrov, 1948
• „The Gadfly“, Regisseur A. Fainzimmer, 1955
• „Hamlet“, Regisseur G. Kozintsev, 1964
• „König Lear“, Regisseur G. Kozintsev, 1970

Die moderne Filmindustrie nutzt Schostakowitschs Musik häufig zur Vertonung von Filmen:

Auch heute noch wird die Figur Schostakowitschs zweideutig behandelt, indem man ihn entweder als Genie oder als Opportunisten bezeichnet. Er sprach sich nie offen gegen das aus, was geschah, da ihm klar war, dass er dadurch die Möglichkeit verlieren würde, Musik zu schreiben, was das Wichtigste in seinem Leben war. Diese Musik spricht auch Jahrzehnte später beredt sowohl über die Persönlichkeit des Komponisten als auch über seine Einstellung zu seiner schrecklichen Zeit.

Video: Sehen Sie sich einen Film über Schostakowitsch an

• „Moskau, Tscherjomuschki“, Operette in drei Akten nach einem Libretto von V. Massa und M. Chervinsky, op. 105 (1957-1958)

Ballette

Musik für Theaterproduktionen

• "Schuss", Musik zum Theaterstück von A. Bezymensky, op. 24. (1929). Premiere - 14. Dezember 1929, Leningrad, Theater der arbeitenden Jugend

• „Jungfräuliches Land“, Musik zum Theaterstück von A. Gorbenko und N. Lvov, op. 25 (1930); die Partitur geht verloren. Uraufführung – 9. Mai 1930, Leningrad, Theater der arbeitenden Jugend

• „Herrschaft Britanniens“, Musik zum Theaterstück von A. Petrovsky, op. 28 (1931). Uraufführung – 9. Mai 1931, Leningrad, Theater der arbeitenden Jugend

• „Bedingt getötet“, Musik zum Theaterstück von V. Voevodin und E. Riess, op. 31 (1931). Uraufführung – 2. Oktober 1931, Leningrad, Musiksaal

• "Weiler", Musik zu W. Shakespeares Tragödie, op. 32 (1931-1932). Premiere - 19. Mai 1932, Moskau, nach ihm benanntes Theater. Wachtangow

• „Menschliche Komödie“, Musik zum Theaterstück von P. Sukhotin nach den Romanen von O. de Balzac, op. 37 (1933-1934). Premiere - 1. April 1934, Moskau, nach ihm benanntes Theater. Wachtangow

• „Gruß, Spanien!“, Musik zum Theaterstück von A. Afinogenov, op. 44 (1936). Premiere - 23. November 1936, Leningrad, Schauspielhaus. Puschkin

• "König Lear", Musik zu W. Shakespeares Tragödie, op. 58a (1941). Uraufführung – 24. März 1941, Leningrad

• "Vaterland", Musik zum Theaterstück, op. 63 (1942). Premiere - 7. November 1942, Moskau, Central Club, benannt nach Dzerzhinsky

• „Russischer Fluss“, Musik zum Theaterstück, op. 66 (1944). Premiere - 17. April 1944, Moskau, Dzerzhinsky Central Club

• „Siegesfrühling“, zwei Lieder zum Theaterstück nach Gedichten von M. Svetlov, op. 72 (1946). Premiere - 8. Mai 1946, Moskau, Dzerzhinsky Central Club

• "Weiler", Musik zur Tragödie von W. Shakespeare (1954). Premiere - 31. März 1954, Leningrad, Schauspielhaus. Puschkin

Musik für Filme

• „Neues Babylon“ (Stummfilm; Regie: G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 18 (1928-1929)
• „Allein“ (Regisseure G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
• „Goldene Berge“ (Regie S. Yutkevich), op. 30 (1931)
• „The Counter“ (Regie: F. Ermler und S. Yutkevich), op. 33 (1932)

• „Das Märchen vom Priester und seinem Arbeiter Balda“ (Regie M. Tsekhanovsky), op. 36 (1933-1934). Die Arbeit ist noch nicht abgeschlossen
• „Liebe und Hass“ (Regie A. Gendelstein), op. 38 (1934)
• „Die Jugend des Maxim“ (Regisseure G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 41 (1934)
• „Girlfriends“ (Regie: L. Arnstam), op. 41a (1934-1935)
• „Die Rückkehr der Maxime“ (Regisseure G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 45 (1936-1937)
• „Wolochaev-Tage“ (Regie: G. und S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
• „Vyborg Side“ (Regisseure G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 50 (1938)
• „Friends“ (Regie L. Arnstam), op. 51 (1938)
• „Der große Bürger“ (Regie: F. Ermler), op. 52 (1. Serie, 1937) und 55 (2. Serie, 1938-1939)
• „Mann mit einer Waffe“ (Regie S. Yutkevich), op. 53 (1938)
• „Die dumme Maus“ (Regie M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
• „Die Abenteuer der Korzinkina“ (Regie: K. Mintz), op. 59 (1940-1941)
• „Zoe“ (Regie L. Arnstam), op. 64 (1944)
• „Gewöhnliche Leute“ (Regisseure G. Kozintsev und L. Trauberg), op. 71 (1945)
• „Die junge Garde“ (Regie S. Gerasimov), op. 75 (1947-1948)
• „Pirogov“ (Regie G. Kozintsev), op. 76 (1947)
• „Michurin“ (Regie A. Dovzhenko), op. 78 (1948)
• „Treffen an der Elbe“ (Regie G. Alexandrov), op. 80 (1948)
• „Der Untergang Berlins“ (Regie: M. Chiaureli), op. 82 (1949)
• „Belinsky“ (Regie G. Kozintsev), op. 85 (1950)
• „Das Unvergessliche 1919“ (Regie M. Chiaureli), op. 89 (1951)
• „Lied von den großen Flüssen“ (Regie: J. Ivens), op. 95 (1954)
• „The Gadfly“ (Regie: A. Fainzimmer), op. 97 (1955)
• „First Echelon“ (Regie A. Fainzimmer), op. 99 (1955-1956)
• „Khovanshchina“ (Filmoper – Orchestrierung der Oper von M. P. Mussorgsky), op. 106 (1958-1959)
• „Fünf Tage – fünf Nächte“ (Regie L. Arnstam), op. 111 (1960)
• „Tscherjomuschki“ (nach der Operette „Moskau, Tscherjomuschki“; Regie: G. Rappaport) (1962)
• „Hamlet“ (Regie G. Kozintsev), op. 116 (1963-1964)
• „Ein Jahr wie das Leben“ (Regie: G. Roshal), op. 120 (1965)
• „Katerina Izmailova“ (nach der Oper; Regie: M. Shapiro) (1966)
• „Sofya Perovskaya“ (Regie: L. Arnstam), op. 132 (1967)
• „König Lear“ (Regie G. Kozintsev), op. 137 (1970)

Werke für Orchester

Sinfonien

• Sinfonie Nr. 1 f-Moll, Op. 10 (1924-1925). Uraufführung – 12. Mai 1926, Leningrad, Große Philharmonie. Leningrader Philharmonie, Dirigent

• Sinfonie Nr. 2 H-Dur „Bis Oktober“, Op. 14, mit einem Schlusschor nach Texten von A. Bezymensky (1927). Uraufführung – 5. November 1927, Leningrad, Große Philharmonie. Orchester und Chor der Leningrader Philharmonie, Dirigent N. Malko

• Sinfonie Nr. 3 Es-dur „May Day“, op. 20, mit einem Schlusschor nach Texten von S. Kirsanov (1929). Uraufführung – 21. Januar 1930, Leningrad. Orchester und Chor der Leningrader Philharmonie, Dirigent

• Sinfonie Nr. 5 in d-moll, Op. 47 (1937). Uraufführung – 21. November 1937, Leningrad, Große Philharmonie. Leningrader Philharmonie, Dirigent

• Sinfonie Nr. 6 h-Moll, Op. 54 (1939) in drei Teilen. Uraufführung – 21. November 1939, Leningrad, Große Philharmonie. Leningrader Philharmonie, Dirigent E. Mravinsky

• Sinfonie Nr. 8 c-Moll, Op. 65 (1943), E. Mravinsky gewidmet. Uraufführung – 4. November 1943, Moskau, Großer Saal des Konservatoriums. Staatlicher Akademiker Symphonieorchester UdSSR, Dirigent E. Mravinsky

• Sinfonie Nr. 9 Es-Dur, Op. 70 (1945) in fünf Teilen. Uraufführung – 3. November 1945, Leningrad, Große Philharmonie. Leningrader Philharmonie, Dirigent E. Mravinsky

• Sinfonie Nr. 11 g-Moll „1905“, Op. 103 (1956-1957). Uraufführung – 30. Oktober 1957, Moskau, Großer Saal des Konservatoriums. Staatliches Akademisches Symphonieorchester der UdSSR, Dirigent N. Rakhlin

• Sinfonie Nr. 12 in d-moll „1917“, Op. 112 (1959-1961), dem Andenken an W. I. Lenin gewidmet. Uraufführung – 1. Oktober 1961, Leningrad, Große Philharmonie. Leningrader Philharmonie, Dirigent E. Mravinsky

• Sinfonie Nr. 14, Op. 135 (1969) in elf Sätzen, für Sopran, Bass, Streicher und Schlagzeug mit Versen und. Premiere - 29. September, Leningrad, Großer Saal der Akademie für Chorkunst, benannt nach M. I. Glinka. (Sopran), E. Vladimirov (Bass), Moskauer Kammerorchester, Dirigent.

Konzerte

• Konzert für Klavier und Orchester (Streicher und Solo) Nr. 1 in c-moll, Op. 35 (1933). Uraufführung – 15. Oktober 1933, Leningrad, Große Philharmonie. D. Schostakowitsch (Klavier), A. Schmidt (Trompete), Leningrad Philharmonic Orchestra, Dirigent.

• Klavierkonzert Nr. 2 in F-Dur, Op. 102 (1957). Premiere – 10. Mai 1957, Moskau, Großer Saal des Konservatoriums. M. Schostakowitsch (Klavier), Staatliches Akademisches Symphonieorchester der UdSSR, Dirigent N. Anosov.

• Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 in a-moll, Op. 77 (1947-1948). Uraufführung – 29. Oktober 1955, Leningrad, Große Philharmonie. (Violine), Leningrad Philharmonic Orchestra, Dirigent E. Mravinsky

• Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 cis-moll, Op. 129 (1967). Premiere – 26. September 1967, Moskau, Großer Saal des Konservatoriums. D. Oistrach (Violine), Moskauer Philharmoniker, Dirigent K. Kondrashin

• Konzert für Cello und Orchester Nr. 1 Es-dur, Op. 107 (1959). Uraufführung – 4. Oktober 1959, Leningrad, Große Philharmonie. (Cello), Leningrad Philharmonic Orchestra, Dirigent E. Mravinsky

• Konzert für Cello und Orchester Nr. 2 G-Dur, Op. 126 (1966). Premiere – 25. September 1966, Moskau, Großer Saal des Konservatoriums. M. Rostropovich (Cello), Dirigent

Andere Arbeiten

• Scherzo fis-moll, Op. 1 (1919)
• Thema und Variationen in B-Dur, Op. 3 (1921-1922)
• Scherzo Es-Dur, Op. 7 (1923-1924)
• Suite aus der Oper „Die Nase“ für Tenor und Bariton und Orchester, Op. 15a (1928)
• Suite aus dem Ballett „Das Goldene Zeitalter“, Op. 22a (1930)
• Zwei Stücke zu E. Dressels Oper „Armer Kolumbus“, Op. 23 (1929)
• Suite aus dem Ballett Bolt (Ballettsuite Nr. 5), Op. 27a (1931)
• Suite aus der Musik zum Film „Die goldenen Berge“, Op. 30a (1931)
• Suite aus der Musik zum Film „Hamlet“, Op. 32a (1932)
• Suite Nr. 1 für Poporchester (1934)
• Fünf Fragmente, Op. 42 (1935)
• Suite Nr. 2 für Poporchester (1938)
• Suite aus Musik zu Filmen über Maxim (Chor und Orchester; Arrangement von A. Atovmyan), op. 50a (1961)
• Festmarsch für Blaskapelle (1942)
• Suite aus der Musik zum Film „Zoya“ (mit Chor; Arrangement von A. Atovmyan), op. 64a (1944)
• Suite aus der Musik zum Film „Die junge Garde“ (arrangiert von A. Atovmyan), op. 75a (1951)
• Suite aus der Musik zum Film „Pirogov“ (arrangiert von A. Atovmyan), op. 76a (1951)
• Suite aus der Musik zum Film „Michurin“ (arrangiert von A. Atovmyan), op. 78a (1964)

Arbeitet mit Chorbeteiligung

• „Von Karl Marx bis zur Gegenwart“, Symphonische Dichtung nach Worten von N. Aseev für Solostimmen, Chor und Orchester (1932), unvollendet, verschollen
• „Eid auf den Volkskommissar“ nach Texten von W. Sajanow für Bass, Chor und Klavier (1941)

• Song of the Guards Division („The Fearless Guards Regiments Are Coming“) nach Texten von Rakhmilevich für Bass, Chor und Klavier (1941)
• „Gegrüßet seist du, Vaterland der Sowjets“ nach Texten von E. Dolmatovsky für Chor und Klavier (1943)
• „Schwarzes Meer“ nach Texten von S. Alimov und N. Verkhovsky für Bass, Männerchor und Klavier (1944)
• „Willkommenslied über das Vaterland“ nach den Worten von I. Utkin für Tenor, Chor und Klavier (1944)

• „Gedicht vom Vaterland“, Kantate für Mezzosopran, Tenor, zwei Baritonen, Bass, Chor und Orchester, Op. 74 (1947)
• „Antiformalistisches Paradies“ für vier Bässe, Vorleser, Chor und Klavier (1948/1968)

• „Lied der Wälder“, Oratorium nach Texten von E. Dolmatovsky für Tenor, Bass, Knabenchor, gemischten Chor und Orchester, op. 81 (1949)
• „Unser Lied“ nach Texten von K. Simonov für Bass, Chor und Klavier (1950)
• „Marsch der Friedensunterstützer“ nach Texten von K. Simonov für Tenor, Chor und Klavier (1950)
• Zehn Lieder nach den Worten revolutionärer Dichter für unbegleiteten Chor (1951)

• „Die Sonne scheint über unserem Vaterland“, Kantate nach Texten von E. Dolmatovsky für Knabenchor, gemischten Chor und Orchester, op. 90 (1952)
• „Wir verherrlichen das Vaterland“ (Text von V. Sidorov) für Chor und Klavier (1957)
• „Wir behalten die Morgendämmerung des Oktobers in unseren Herzen“ (Text von V. Sidorov) für Chor und Klavier (1957)
• Zwei russische Behandlungen Volkslieder für unbegleiteten Chor, Op. 104 (1957)
• „Dawn of October“ (Text von V. Kharitonov) für Chor und Klavier (1957)

• „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“, Vokalsymphonische Dichtung nach den Worten von E. Jewtuschenko für Bass, Chor und Orchester, op. 119 (1964)

• „Loyalty“, acht Balladen nach Texten von E. Dolmatovsky für unbegleiteten Männerchor, op. 136 (1970)

Kompositionen für Gesang mit Begleitung

• Zwei Fabeln von Krylov für Mezzosopran, Chor und Orchester, Op. 4 (1922)
• Sechs Romanzen mit Gedichten japanischer Dichter für Tenor und Orchester, Op. 21 (1928–1932)
• Vier Romanzen nach Gedichten von A. S. Puschkin für Bass und Klavier, op. 46 (1936–1937)

• Sechs Romanzen nach Gedichten britischer Dichter, übersetzt von B. Pasternak und S. Marshak für Bass und Klavier, op. 62 (1942). Später orchestriert und veröffentlicht als Op. 62a (1943), die zweite Fassung der Orchestrierung – als op. 140 (1971)
• „Patriotisches Lied“ nach den Worten von Dolmatovsky (1943)
• „Lied der Roten Armee“ nach den Worten von M. Golodny (1943), zusammen mit A. Khachaturian

• „Aus jüdischer Volkspoesie“ für Sopran, Alt, Tenor und Klavier, Op. 79 (1948). Anschließend wurde eine Orchestrierung erstellt und als Op. 79a
• Zwei Romanzen nach Gedichten von M. Yu. Lermontov für Gesang und Klavier, op. 84 (1950)
• Vier Lieder nach Texten von E. Dolmatovsky für Gesang und Klavier, op. 86 (1950–1951)
• Vier Monologe nach Gedichten von A. S. Puschkin für Bass und Klavier, op. 91 (1952)
• „Griechische Lieder“ (Übersetzung von S. Bolotin und T. Sikorskaya) für Gesang und Klavier (1952-1953)
• „Lieder unserer Tage“ nach Texten von E. Dolmatovsky für Bass und Klavier, op. 98 (1954)
• „Es waren Küsse“ nach dem Text von E. Dolmatovsky für Gesang und Klavier (1954)

• „Spanische Lieder“ (Übersetzung von S. Bolotin und T. Sikorskaya) für Mezzosopran und Klavier, op. 100 (1956)
• „Satires“, fünf Romanzen mit Texten von Sasha Cherny für Sopran und Klavier, op. 109 (1960)
• Fünf Romanzen nach Texten aus der Zeitschrift „Krokodil“ für Bass und Klavier, Op. 121 (1965)

• Vorwort zur Gesamtsammlung meiner Werke und kurze Reflexion zu diesem Vorwort für Bass und Klavier, Op. 123 (1966)
• Sieben Gedichte von A. A. Blok für Sopran und Klaviertrio, op. 127 (1967)
• „Frühling, Frühling“ nach Gedichten von A. S. Puschkin für Bass und Klavier, op. 128 (1967)
• Sechs Romanzen für Bass und Kammerorchester, Op. 140 (nach Op. 62; 1971)

• Sechs Gedichte von M. I. Tsvetaeva für Alt und Klavier, op. 143 (1973), orchestriert als Op. 143a

• Suite nach Texten von Michelangelo Buonarotti, übersetzt von A. Efros für Bass und Klavier, op. 145 (1974), orchestriert als Op. 145a

Kammermusikalische Kompositionen

• Sonate für Cello und Klavier d-Moll, Op. 40 (1934). Uraufführung – 25. Dezember 1934, Leningrad. V. Kubatsky, D. Schostakowitsch