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Das Erbe des Charaktertanzes Ballettbühne. Hindurch Tanzgeschichte Es gab viele Bezüge der Choreografen zur Tanzfolklore. Volkstanz diente dazu klassisches Ballett zugleich ein Reservereservoir und eine unerschöpfliche Fundgrube an Charaktervielfalt. Er erweiterte seine Mittel, stärkte seine Wurzeln, aktualisierte seine Formen und bemalte seine plastische Gestaltung mit hellen und lebendigen Farben, weshalb er den Namen „charakteristischer Tanz“ erhielt. Kann Charaktertanz als Synonym für Volkstanz auf der Ballettbühne angesehen werden?

Im Laufe der Geschichte des Tanzes gab es viele Bezüge von Choreografen zur Tanzfolklore. Der Volkstanz diente sowohl als Reservereservoir als auch als endloser Schatz an Charaktervielfalt für das klassische Ballett. Er erweiterte seine Mittel, stärkte seine Wurzeln, aktualisierte seine Formen und bemalte seine plastische Gestaltung mit hellen und lebendigen Farben, weshalb er den Namen „charakteristischer Tanz“ erhielt. Kann Charaktertanz als Synonym für Volkstanz auf der Ballettbühne angesehen werden?

Der Begriff „Charaktertanz“ ist im Ballett ein sehr konventioneller Begriff. In verschiedenen Epochen wurden verschiedene Genrephänomene mit diesem Namen erklärt und seine Funktionen auf unterschiedliche Weise definiert. Dieses Konzept wurde entweder so weit verengt oder erweitert, dass die Grenzen, die den „charakteristischen Tanz“ von anderen Tanzkategorien abgrenzen, verloren gingen.

In der Geschichte des Bühnentanzes sind Elemente des Volkstanzes eine der Hauptquellen für die Entstehung einer unendlichen Vielfalt an Ballettbewegungen. In der Literatur fast seit dem 15. Jahrhundert. Es erscheinen Beschreibungen alltäglicher Tänze. Im 16.–17. Jahrhundert. Zu den Ballsaalübungen gehören Jig und Galliard, und im 17. und 18. Jahrhundert wurden sie im Ballett verwendet. Auf der königlichen Bühne werden in der Art und Weise der Hofkurtisanen, teilweise unter Beibehaltung ihrer Namen, verarbeitete und stilisierte einzelne Volkstänze vorgeführt und „kommen in Mode“. Natürlich erscheinen sie in den Klassikern eher als freie choreografische Kompositionen, manchmal unter demselben Namen, wobei sie jedoch nur einige der Hauptmerkmale der Originalquelle beibehalten. Dies sind das Tamburin – ein alter Dorftanz italienisch-französischen Ursprungs, das Menuett – eine überarbeitete und stilisierte Version des bretonischen Tanzes (Branle), die Musette – ein alter französischer Tanz, die Farandole – ein Reigentanz, die Galliarde – u. a Männertanz in flottem Tempo.

In unbedingter Verbindung mit der Volksvolta entstand an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert die Ballsaal- und Bühnenstruktur des Walzers. Zur gleichen Zeit kamen im Ballsaal Country-Tänze in Gebrauch – ein Wort, das eine Verzerrung des englischen Country-Tanzes ist, d. h. wörtlich: Volkstanz. Der Prozess der Beherrschung volkstümlicher Tanzbewegungen durch das Ballett hat sich in der gesamten Geschichte der Choreografie wiederholt. Die meisten Bewegungen aus Volkstänzen haben Eingang in den Tanz gefunden, sind jedoch größtenteils entpersonalisiert und haben ihre charakteristischen Merkmale verloren.

Seit den Anfängen des professionellen Opern- und Balletttheaters ist uns der Begriff „Charaktertanz“ begegnet. Jeder Tanz, der einen Reliefcharakter der Charaktere erfordert, wird als Tanz im Charakter, im Bild – danse de caractere (Vorspeisen) bezeichnet. In Molières Ballettkomödien finden die charakteristischen Haupteinlagen ihre höchste Form. Sie werden bereits zu einem Tanz in einem Bild, das eine dramatische Last trägt („Der Bürger im Adel“, „Der eingebildete Kranke“ usw.). Molieres Tendenzen finden in der Arbeit von Hofchoreografen keine Anwendung. Die Akademie hingegen führt das Opernballett weit weg von effektiver und charakteristischer Choreografie. Und wenn hundert Jahre später die bürgerlichen Ballettreformer die Erfahrungen Molières aufzugreifen scheinen und Fragen der Dramaturgie und des Bildes einer choreografischen Aufführung in den Mittelpunkt ihres Grundprogramms stellen, scheint das eine völlig neue Entdeckung zu sein.

Der erste Angriff auf das akademische System des Hofballetts erfolgte 1760 durch J.-J. November. „Wir müssen reisen“, schließt er. Wir müssen Volkstänze studieren und anwenden. Trotz Novers kühnen Aussagen nutzte er in seinen Inszenierungen den Nationaltanz und seine Elemente zur Bereicherung des klassischen Tanzes. Nover gab die Richtung vor, in die sich die Entwicklung des Charaktertanzes weiter entwickelte. Die damaligen Ballette etablierten sich in einem neuen Genre und schufen etwas neue Sprache Tanz - charakteristisch. Das Ballett „Millers“ von Pater Blache, dem Vulgarität vorgeworfen wurde und deshalb nicht mit der Aufführung in Paris geehrt wurde, war in der Provinz und sogar in Russland ein großer Erfolg. Charaktere wie ein Müller, ein Landarbeiter, ein Bauernmädchen, ein Schnitter können herumblödeln, gymnastische und akrobatische Kunststücke vorführen, Pantomimenszenen nachspielen, Volkstänze tanzen, alles andere als die „Klassiker“. Sogar führende Choreografen waren an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert dieser Meinung. Der unsterbliche Vertreter dieser neuen Werke ist die Urgroßmutter des modernen realistischen Balletts – Daubervals „Vain Precaution“, das 1789 erstmals aufgeführt wurde. Allerdings in den 40er Jahren. Im 19. Jahrhundert erodierte der Inhalt charakteristischer Ballette, moralisierende Tendenzen traten in den Hintergrund und machten unterhaltsamen Elementen Platz.

Dieser komplexe, sich krampfartig entwickelnde Prozess des Absterbens großer, inhaltsreicher Charakterballette und ihrer Reduktion auf einzelne Nationaltanznummern – beschäftigt sich mit der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die erste Heldin des romantischen Balletts, Maria Taglioni, tanzte Tiroler, deutsche, schottische, hinduistische, polnische, Zigeuner- und spanische Tänze. Doch die Faszination der Romantiker für luftige klassische Linien lässt sie nicht zu Nationaltänze auf nicht stilisierte Weise. Die erste charakteristische Tänzerin, die wir erkennen können, ist Fanny Elsler, eine Rivalin von Maria Taglioni. Nach „The Lame Demon“ und Elslers Cachucha zeichnete sich eine neue Qualität des Charaktertanzes ab. Das Temperament des Tänzers, der fesselnde Siegesrhythmus und das Tempo des charakteristischen Tanzes, all das sind Phänomene, die im klassischen Ballett beispiellos sind. In einem solchen Umfeld findet insbesondere die Arbeit des Choreografen Arthur Saint-Leon statt. Er geht noch weiter und kreiert charakteristische Ballette: „Saltarello“, „Die walachische Braut“, „Markitanka“, „Stella“, teilweise „Graciella“ und „Das kleine bucklige Pferd“. Saint-Leon schlägt eine neue Methode zur Konstruktion eines charakteristischen Tanzes vor: Er legt jeder von ihm komponierten Nummer einen oder zwei nationale Bewegungen zugrunde und kombiniert sie mit klassischen Schritten, die als Alltagsschritte stilisiert sind, was der Nummer einen ausgeprägten nationalen Charakter verleiht . Im letzten Akt von „Das kleine bucklige Pferd“ gibt es einen „Ural-Tanz“, dessen ethnografische Authentizität jedoch sehr zweifelhaft ist ethnische Gruppe„Uralianer“ gibt es nicht.

Die Choreografen Petipa und insbesondere L. Ivanov beherrschten gerade die Saint-Leon-Prinzipien und schufen im Streben nach einer monumentalen Ballettaufführung den charakteristischen Massen- und Großtanztanz. Albert Zorn schreibt in seinem Buch eine neue Schlussfolgerung: „Charaktertanz ist kein echter Balletttanz“, weil er „ein Produkt der Volkskunst“ ist; es kann sich nur durch Absprache „auf das Niveau des Balletts erheben“, d. h. Anpassung."

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts beginnt es neue Bühne. Diese Bühne beginnt mit den Werken der Choreografen M. Fokin und A. Gorsky sowie einer Galaxie von Fokines Schülern, freien und unwilligen Anhängern (B. Romanov, K. Gailizovsky usw.). Fokines Ballettreform beruht hauptsächlich auf der Stilisierung. Fokine schöpft von überall her stilisierte Mittel. Isadora Duncan und ihr plastischer Tanzarm Fokine mit einem Slogan, bei dem die natürliche Positionierung von Körper, Beinen und Armen dem Kanon des klassischen Port de Bras, des geraden Körpers und der etablierten Schritte gegenübergestellt wird. Malerei, indische Skulptur, strenge Figuren Antikes Ägypten, persische Miniaturen, japanische und chinesische Aquarelle und die Kunst des archaischen Griechenlands beflügeln Fokines kreative Fantasie. „Um die bacchantische Ekstase des griechischen Tanzes zu vermitteln, sind Spitzenschuhe unnatürlich. Es ist auch unnatürlich, spanische Tänze in einer griechischen Tunika aufzuführen. Das rhythmische Klopfen der Ferse, die zurückhaltende, üppige Beugung der gesamten Körperlinie, die schlangenförmigen Bewegungen der Hände sind in diesem Fall natürlich.“

Die Suche nach stilistischen Unterschieden und Charakteren, die emotionale Helligkeit des Tanzes – das sind die Hauptfaktoren im kompositorischen Werk von M. Fokin. Der charakteristische Tanz im Ballett war für Fokine nur eine Einlagennummer. Seine ganze Kraft entstammte der Tatsache, dass es nicht mit der Handlung verbunden war, nicht in der Lage war, die Last der Handlung zu tragen und die Handlung nicht voranzutreiben. Saint-Leons Produktionen waren bestenfalls halbklassisch. Fokine kreiert eine charakteristische Tanzsuite, d.h. eine Gruppe von Tänzen, die durch eine kompositorische Idee vereint sind („Aragonese Jota“ von Glinka) und Aufführungen aufbaut, die vollständig auf einem charakteristischen Genre basieren („Scheherazade“, „Islamey“, „Stenka Razin“).

Bis zum 20. Jahrhundert hatte die Migration nationaler Tanzelemente erhebliche Ausmaße erreicht und veränderte nach und nach das heutige Erscheinungsbild und die technologische Seite des Tanzes der einen oder anderen Nationalität. Dies hat die Frage nach der nationalen Genese jeder Bewegung verwirrt und es schwierig gemacht, die Zugehörigkeit bestimmter Tanztechniken zu einer bestimmten Nationalität zu bestimmen. Daraus können wir schließen, dass der Choreograf das Material des Volkstanzes in engem Zusammenhang mit der Geschichte eines bestimmten Volkes sorgfältig studieren und es szenisch reproduzieren muss, und zwar nicht „im Allgemeinen“, sondern im klaren Rahmen der Epoche, der historischen Periode von Zeit und Verständnis für die Grundidee des Tanzes.

26. Merkmale der Arbeit des Choreografen Rostislav Zakharov. Der Wunsch bei der Entwicklung der Dramaturgie einer Ballettaufführung, den ideologischen Inhalt des Werkes offenzulegen, die Bilder der Figuren, ihrer Charaktere und Gefühle auf lebensgetreue Weise darzustellen. Tanz muss einen Gedanken ausdrücken, jede Geste muss ihre Berechtigung haben – das ist das Credo des Meisters. Choreograf, Lehrer, Regisseur. Doktor der Kunstgeschichte. Absolvent der Leningrader Choreographischen Schule – Regieabteilung. Leningrader Theaterhochschule. 1926-1929 – Solist des Kiewer Theaterballetts. 1934 – 1936. Choreograf des Kirow-Theaters. 1936 – 1956 - Choreograf und Leiter des Bolschoi-Theaters. Ein herausragendes Werk ist „Der Bachtschissaray-Brunnen“, das den Grundstein für den sowjetischen choreografischen „Puschken-Stil“ legte, der eine neue Methode für die Arbeit an einer Ballettaufführung etablierte. Es beinhaltet eine ausführliche Entwicklung der Expositionen des Balletts, die die ideologischen und künstlerischen Ziele des Werkes, der „Tischarbeit“ und dann enthüllte unabhängige Arbeit Schauspieler über den Bildern sowie ein Choreograf und Regisseur tragen zur Schaffung effektiver und bedeutungsvoller Tänze bei, in denen ein realistisches künstlerisches Bild entsteht. Zakharovs neueste Produktionen sind „Verlorene Illusionen“, „Gefangener des Kaukasus“, „Die junge Bäuerin“, „Aschenputtel“ und „Der eherne Reiter“. Stärkung der Rolle von Dramaturgie und Regie in einer Ballettaufführung. Er inszenierte eine Reihe von Opern und kombinierte dabei szenische Arbeit mit Regie und Choreografie. „Ruslan und Lyudmila“ von Glinka, „Carmen“ von Bizet, „Ivan Susanin“, „Krieg und Frieden“ – choreografierte Tänze. 1945 – 1947 Direktor und künstlerischer Leiter der Moskauer Choreografischen Schule. 1946. - Abteilung für Choreographie bei GITISS. Autor von Artikeln und Rezensionen.

Rudolf von Labans Theorie der Tanzgeste. Österreichischer Tänzer, Choreograf, Lehrer. Theoretiker. Studierte Malerei und dekorative Künste. Tournee mit dem Französischen Theater in Nordafrika, wo er arabische und schwarze Folklore kennenlernte. Im Jahr 1910 organisierte eine Schule in München. „Sieg des Opfers“, „Schimmernde Rhythmen“, „Don Juan“, „Terpsichore“. Intendant des Landestheaterverbandes Berlin. Leitet die Ballettkompanie der Berliner Staatsoper. In seiner Tanztheorie (Choreotik) wandte er eine mathematische Analysemethode an, mit deren Hilfe er die universellen Bewegungsmuster des menschlichen Körpers begründete. Tanzbewegungen sind nach Laban die sich verändernde Beziehung des Tänzers zum dreidimensionalen Raum, ihre charakteristischste Manifestation, die in Choreografien verschiedener Art und Weise vorkommt nationale Kulturen, schwingende Bewegungen unterschiedlicher Amplitude, die eine Figur, die einer Acht ähnelt, in den Raum zeichnen. Diese doppelt gerichteten Bewegungen (auf sich selbst zu, von sich selbst weg) sind grundlegend, alle anderen Bewegungen sind Variationen. Laut Laban wird jede Art von Choreographie durch die Besonderheiten der Bewegungskombination und das Vorherrschen einer der drei wichtigsten Eigenschaften in ihnen bestimmt: Dynamik, Raum und Tempo. Laban stellte fest, dass viele der Grundprinzipien der Tanztheorie mit der Musiktheorie identisch sind. Seine Eigenschaften entwickeln beim Tänzer und Choreografen räumliches Denken, ein Gefühl der gegenseitigen Abhängigkeit zwischen den Handlungen eines einzelnen Darstellers und der gesamten Gruppe. Gründer des Schweigens ausdrucksstarker Tanz, die alle Arten moderner Choreografie beeinflusste. Rudolf von Laban. tendiert zum Konstruktivismus und zum geometrischen Design. Sein Lehrsystem bildete die Grundlage vieler Tanzschulen.

Theoretische und praktische Methoden von Francois Delsarte und Jacques Dalcroze. Francois Delsarte Französischer Sänger, Lehrer, Komponist und Theoretiker der Bühnenbewegung und des Gesangs. Studierte Anatomie und Medizin. Er arbeitete in einer Klinik für psychisch Kranke, untersuchte das menschliche Verhalten und seine motorischen Reaktionen in gewöhnlichen und außergewöhnlichen Situationen. Er systematisierte seine Beobachtungen und analysierte anschließend die Mimik und Gestik des Schauspielers. Er war der Erste, der die Bewegungen des menschlichen Körpers wissenschaftlich belegte und ihnen jeweils einen Namen gab. Ich habe versucht zu verstehen, wie Bewegung als Material für künstlerische Bilder dient. Ve-Bewegungen wurden in drei Kategorien unterteilt: Zentrifugal, Zentripetal, Neutral. Für ihre unendliche Vielfalt, Kombinationen, Unterteilungen und Kontraste entwickelte er eine Skala, die dem System der musikalischen Tonalitäten ähnelt. Aber er leitete die Muster der Körperbewegungen aus ihrer eigenen Natur ab, die nichts mit Musik zu tun hat. Der Schönheitsbegriff ist die natürliche Plastizität eines Menschen, ein Kriterium der Ausdruckskraft. Ich sah entsprechend die Stärke und Geschwindigkeit der Bewegungen und deren emotionalen Inhalt. Er nutzte seine Methode, die Kontrolle über das motorische System zu beherrschen, um Menschen verschiedener Berufe auszubilden – Bildhauer, Ärzte, Priester, Musiker, Künstler. Für den modernen Tanz war die Theorie von großer Bedeutung. Emile Jacques Dalcroze. Schweizer Musiker, musikalische Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Komponist, Lehrer, Begründer des modernen Rhythmus. Nachdem er sein eigenes System der rhythmischen Ausbildung und rhythmischen Gymnastik geschaffen hatte, vermittelte er mit erstaunlicher Genauigkeit die Gesichtsstruktur der komplexesten Musikalische Werke. Er studierte nicht speziell Tanz, sondern entwickelte bei seinen Schülern ein Gefühl für Rhythmus. Die Erkenntnisse fanden Anwendung in der modernen Rhythmischen Sportgymnastik und im modernen Tanz. Den Einfluss untersucht musikalischer Rhythmusüber die Bildung der Psyche. Entwickelte eine neue Methode des Musikunterrichts. Vollständige und schnelle Beherrschung des musikalischen Rhythmus. Es muss körperlich erlebt und in Bewegung umgesetzt werden. Organisierte eine Schule für Musik und Rhythmus. Das vorgeschlagene Trainingssystem trug zur Entwicklung der absoluten Tonhöhe und der plastischen Improvisation bei. Schulen und Institute wurden in Europa und Amerika gegründet. Russland besucht.

Entwicklung eines neuen Genres choreografischer Kunst – Tanzensemble. Bereits seit Anfang der 30er Jahre entstanden in den Republiken Ensembles Volkslied und tanzen. Sie wurden hauptsächlich aus talentierten Teilnehmern an Amateurauftritten gebildet. Im Herbst 1936 fand das erste Volkstanzfestival statt, das den ganzen Reichtum und die Vielfalt der Tanzkunst der Republiken des Landes zeigte und zur Entstehung professioneller Volkstanzensembles beitrug. Im Februar 1937 wurde das Volkstanzensemble der UdSSR unter der Leitung von I. A. Moiseev gegründet, und im April desselben Jahres - Staatsensemble Tanz der Ukrainischen SSR, der heute den Namen seines ersten Regisseurs, des wunderbaren Choreografen P. P. Virsky, trägt. Im Jahr 1938 wurde im nach ihm benannten Staatlichen Russischen Volkschor eine Tanzgruppe gegründet. M.E. Pyatnitsky, Regie: der berühmte Choreograf und Folklorist T. A. Ustinova. In den 1930er Jahren begannen sich Gesangs- und Tanzensembles der Roten Armee zu bilden. So entstanden 1935 das Zentrale Gesangs- und Tanzensemble der Roten Armee und andere. Es ist schwierig, genau zu bestimmen, wann die Tanzfolklore begann, die Merkmale einer Bühnenaufführung anzunehmen. Anscheinend immer noch in der Kunst der Possenreißer. 1923 – berühmter Tänzer in ukrainischen Tänzen, russischen, kaukasischen Tänzen (einer der ersten erhielt den Titel Verdienter Künstler der Republik) Egorov - Orlik, organisierte das ukrainische Tanzensemble „Kuren“.

31. Der Einfluss von Tschaikowskys Musik auf die Entwicklung der choreografischen Kunst. Symphonische Ballette Marius Petipa „Dornröschen“, „Schwanensee“. Das Theater bewahrte die Traditionen des nationalen klassischen Balletts; Komponisten versuchten, Musik und Choreografie enger zu verbinden und schufen so die Prinzipien der Ballettsymphonie. Die Errungenschaften des romantischen Balletts entwickelten sich - die Integrität der Dramaturgie, symphonische Entwicklung Musik, Interesse an dramatischen Konflikten, am Schicksal der Menschen standen im Mittelpunkt innere Welt ein Mensch, über seine Gefühle und Erfahrungen. Eine Kombination aus Choreografie und musikalischer Symphonie. PI. Tschaikowsky – der Schöpfer völlig neuer Ballettmusik – wurde das Balletttheater zum Musiktheater. Ch.s Ballette sind ganzheitliche, streng durchdachte Werke. Es ist nicht möglich, die Reihenfolge der Tanznummern zu ändern oder Einfügungen aus Werken anderer Autoren vorzunehmen. Verbunden durch ein einziges Konzept – „Ballette-Symphonien“. Tiefgründiger Inhalt und Tanzbarkeit. Die erste Aufführung des Balletts „Schwanensee“ in Moskau war ein Misserfolg. Choreograf V. Reisinger. Lange Jahre Das Ballett wartete auf sein Genie. Erst nach dem Tod Tschaikowskys auf der Bühne des Mariinski-Theaters – Akt II aus „Schwanensee“. Choreograf Lev Ivanov. Zweiter Stock. 19. Jahrhundert -die Ära von Marius Petipa. Petipas Hauptaufgabe ist die Entwicklung klassischer Tanzformen. Inszeniert Ballette von P. I. Tschaikowsky. Premiere von „Schwanensee“. Die Errungenschaft galt dem 1. und 3. Akt, insbesondere dem Duett von Prinz Siegfried und Odile, das ein Meisterwerk der russischen Choreographie darstellt. Lev Ivanov beendete die Produktion. Programm symphonische Musik drückte die Hauptidee des Balletts aus, erläuterte seinen Inhalt, verdrängte die Pantomime und gab dem Tanz den Hauptplatz in der Aufführung. Zur Musikdramaturgie gehörte auch die Tanzdramaturgie. Einige Jahre zuvor hatten die Ballette „Dornröschen“ und „Der Nussknacker“ Premiere. „Dornröschen“ ist wahrhaft russisch, zutiefst bedeutungsvolle Musik, facettenreiche, lebensgetreue Bilder der Charaktere. Großartige Musik, Realismus in der Bildgestaltung, Progressivität der Grundidee des Werkes, die den Sieg des Lichts über die Dunkelheit verkündet. Premiere des Balletts „S. Zu." wurde zu einem Triumph der russischen Schule des klassischen Tanzes, sicherlich hochtechnisch, aber immer bedeutungsvoll. Das Drehbuch des Choreografen und Regisseurs für das Ballett wurde von Petipa entwickelt. „Der Nussknacker“, „Dornröschen“ – das Thema des Kampfes zwischen Gut und Böse. Regie führte Lev Ivanov nach dem Drehbuch von Petipa. Er schuf Tanzzeichnungen in voller Übereinstimmung mit der Musik.

Die Ära von Jeanne Baptiste Luly. Traditionen der Komödie, fertige Form der Arie, Oper, Komödie-Ballett. Gründung einer Musikakademie. XVII Jahrhundert - Comedy-Ballett. Gründer ist der französische Dramatiker, Schauspieler und Regisseur Jean Baptiste Moliere (Poquelin) – eine originelle Kombination aus Musik, Tanz und Action. Er brachte tiefe Inhalte ein und aktualisierte die alten zeremoniellen und pastoralen Bühnenformen. Tanzen – Pierre Beauchamp: führte fünf Beinpositionen ein und entwickelte sein eigenes Bühnentanzsystem. Musik - Jean Baptiste Lully. Der Geiger, Komponist und Tänzer bestimmte den Stil der Hofoper. In England bezog das Theater auch Alltagstänze in seine Aufführungen ein. Shakespeare. Lyuli und Beauchamps Ballett „Sick Cupid“ ist ein Erlebnis der Rezitativkomödie. Vokalarien für Ballette zu französischer Tanzmusik. Die vollendete Form der Arie bestimmte die klare Gestaltung der Tanznummer. Fließende und flexible Tanztechnik. Der Balletttanz gehorchte Ästhetische Prinzipien die gesamte Aufführung. Profis. Professionelle Tänzer. Ballett-Pastorale Lully „Triumph der Liebe“. Mademoiselle Lafontaine Der Frauentanz ist technisch weniger komplex als der Männertanz. Tanzen Sie, um den Weltraum zu erobern. Die Bewegungsreichweite und -höhe hat zugenommen. Sich herausstellen. Ludwig XIV. gründete die Royal Academy of Dance. Dreizehn Tanzmeister. Die Entwicklung des Bühnentanzes, die Reinheit seiner Darbietung, die Kanonisierung choreografischer Kompositionen und Bewegungen. Luli und Moliere. „Königliches Ballett der Flora“. „Bursty.“ Dramatisierung des Tanzes. „Eine widerstrebende Ehe.“ „Ein Händler unter dem Adel.“ Die Komödien-Ballette von Molière - Lully bereiteten das Genre vor komische Oper. "Psyche". Königliche Musikakademie. Das Patent erhielten der Dichter Pierre Perrin und der Komponist Robert Cambert. „Pomona“ Lully kaufte das Patent. Akademie, später umgewandelt in Nationaltheater Opera, brachte die Opera Dance School hervor. Lully legte den Grundstein für das Nationalopernhaus Frankreichs. Aus der Ära von L. - der Stammbaum der modernen Schule des klassischen Tanzes. Er entwickelte und optimierte die Form der Suite. Massentanz. Das Ballett verfügte über ein System ausgewählter und ausgefeilter Ausdrucksmittel. Der Aufstieg des theoretischen Denkens.

33. Maurice Béjart. Merkmale der Kreativität. Französischer Künstler, Choreograf, Lehrer. Seit 1941 studierte er klassischen Tanz. Debüt an der Oper von Marseille. Er beherrschte viele choreografische Schulen und trat in verschiedenen Truppen auf. Sein Debüt in Schweden gab er als Hornograf – für den Film inszenierte er Fragmente aus dem Ballett „Der Feuervogel“ von Strawinsky. Im Jahr 1953 gründete mit Laurent die Balle de Etoile-Truppe in Paris. Er inszenierte Ballette und tanzte selbst darin Hauptrolle, oft ausschließlich männliches Carde-Ballett eingeführt, entwickelt das Konzept des universellen Männertanzes. Seine Besonderheit ist die Elektrizität, eine Synthese von Techniken aus verschiedenen choreografischen Systemen. „Ein Winternachtstraum“ zur Musik von Chopin. "Prometheus". Die besten Produktionen aus dieser Zeit sind „Symphony for One Man“ und andere. Nach der Inszenierung von „Sacred Vienna“ für das Königliche Ballett von Belgien gründete er seine eigene Truppe „Ballett des 20. Jahrhunderts“. Er schuf synthetische Darbietungen, bei denen Tanz, Pantomime und Gesang (Wort) einen gleichberechtigten Platz einnehmen. Wie der Produktionsdesigner eine neue Designlösung für die Aufführung vorschlug. Er war der erste Choreograf, der es verwendete Sportarenen, wo sich die Aktion überall und gleichzeitig entwickeln könnte. Diese Technik ermöglichte es, alle Zuschauer an der Aufführung teilhaben zu lassen. Mitwirkung bei der Produktion von „Sankt Sebastian“ Symphonieorchester, Chor, Gesangssolo und Tanz. Viele Ballette sind entstanden: Beethovens „Neunte Symphonie“, „Isadora“ zu ihrer eigenen Musik mit der Lehre von Plisetskaya. Wassiljew tanzte in „Petruschka“. Eine der komplexesten und umstrittensten Figuren der modernen Choreografie. In theoretischen Stellungnahmen bestand er darauf, dem Tanz seinen ursprünglichen rituellen Charakter und seine ursprüngliche Bedeutung zurückzugeben. Großes Interesse zu den choreografischen Kulturen des Ostens und Afrikas. Erstellt esoterische Ballette voller verschlüsselter Hinweise. Seine Versuche, die Sprache des Tanzes zu erneuern, sind für ihn von großer Bedeutung moderne Choreografen. Es gibt ein Ballett, das Freddie Mercury gewidmet ist. Sie haben es lange Zeit nicht erkannt.

Unterhaltsame Ballette von Arthur Saint-Leon und ethnografische Ballette von Sergei Sokolov. Charakteristika der Ballette „Das Buckelpferd“ und „Farn oder Mittsommernacht“. Das Debüt fand in Frankreich statt – die Ballette „The Marble Beauty“, „The Cantante“ und „The Enchanted Violin“. Die Aufführungen hatten einen unterhaltsamen Charakter mit viel Tanz und technischen Tricks. Viele Ballette, Divertissements, Konzertnummern. Tänzer, Choreograf, Drehbuchautor, Komponist, Dirigent, virtuoser Geiger. Meister der Bühneneffekte, Stunts, farbenfrohen Tanzdarbietungen – zwischendurch. Themen - in literarische Themen. Das beste Ballett ist „Coppelia“ (zur Musik von L. Delibes). Seine Einführung eines neuen Prinzips der Inszenierung von Volkstänzen in das russische Ballett zerstörte die Traditionen der russischen Volkstanzkunst. „Das kleine bucklige Pferd“, Ballett nach dem Märchen von P. P. Ershov. Fassen Sie das russische Leben nicht an. Die Hauptfigur des Balletts ist Zar Alexander II.; Die Geschichte selbst war eine Allegorie auf die Abschaffung der Leibeigenschaft. Mangelnde Entwicklung der Dramaturgie. Divertimento in „Das kleine bucklige Pferd“ – Tänze von 22 Nationalitäten, die in Russland lebten. Ballett ist eine Lobrede auf die Autokratie. Trägte zum Auftritt von Aufführungen im pseudorussischen Blattstil auf der russischen Bühne bei. Das Werk von S.P. Sokolov ist das direkte Gegenteil der kosmopolitischen Kunst von Saint-Leon. Sergej Petrowitsch Sokolow – Moskauer Schule. Er vertrat die Position des revolutionären Populismus und versuchte anschließend, ein Vertreter dieser Strömung im Ballett zu werden. „Farn oder Mittsommernacht“ – als Antwort auf das St. Petersburger „Das kleine bucklige Pferd“. Die Hauptaufgabe besteht darin, den Pseudo-Volkstanz einem echten Volkstanz gegenüberzustellen. Der Inhalt des Balletts enthält keine Entwicklung. („Zigeunerlager“, „Der letzte Tag der Ernte“). Von Zeitgenossen nicht verstanden. Neu im Bereich des klassischen Tanzes: Virtuose Unterstützung ist weit verbreitet. Sokolov kombinierte seine tänzerischen Fähigkeiten mit dramatischem Talent. Sokolovs pädagogische Tätigkeit war für die Entwicklung des russischen Balletts von großer Bedeutung.

V. I. Ponomarev

Verdienter Künstler der RSFSR (1934). Er absolvierte 1910 die Petrograder Theaterschule und wurde aufgenommen Mariinsky-Opernhaus. Im GATOB - nach ihm benanntes Theater. Kirov spielte die Rollen (1917–51): Solor; Harlekin („Harlequinade“), Jüngling („Chopiniana“), Franz; Pierrot („Puppenfee“), Iwan Zarewitsch („Feuervogel“), Harlekin („Karneval“), Petruschka („Petruschka“), Khans Vertrauter, Wassergenie („Das kleine bucklige Pferd“), Blauer Vogel; Troubadour („Raymonda“), Solist („Jota von Aragon“), Heuschrecke („Die Launen eines Schmetterlings“), Prinz, Pas de trois („Schwanensee“), Satyr („König Kandaules“), Fischer („ „Tochter des Pharaos“)), Kleopatras Sklavin („Ägyptische Nächte“), Pas de deux („Giselle“), Gringoire („Esmeralda“), Colin, Marcelina („Vain Precaution“), Drosselmeyer („Der Nussknacker“), Seid Pascha („Corsair“), Montagues („Romeo und Julia“). 1935-38 Assistent künstlerischer Leiter Nach ihm benanntes Balletttheater. Kirow, 1941-44 und. Ö. künstlerischer Leiter, 1944-51 Cheflehrer, ab 1931 leitete er eine Verbesserungsklasse. 1938-39 dünn. Hände Maly Ballett Opernhaus. Zusammen mit F. Lopukhov und L. Leontyev inszenierte er „The Red Poppy“ (1929), restaurierte die Ballette „La Sylphide“, „Sylvia“, „The Brook“ von L. Delibes, „The Talisman“ und „Harlequinade“. für das Leningrader Kunsttheater; „Don Quixote“, „La Bayadère“ (zusammen mit V. Chabukiani), „Vain Precaution“ im Theater. Kirow. Ponomarev war ein Meister und Kenner des klassischen Tanzes. Er glänzte in den Rollen des Grashüpfers und des Knies und war der anmutige Iwan Zarewitsch. Große Disziplin und Liebe zur Kunst halfen ihm in den nachrevolutionären Jahren, die Aufführung vieler erster Rollen im Ballett zu bewältigen; Er war ein guter Partner, der über Kraft, Beweglichkeit und körperliche Ausdauer verfügte. Ponomarevs wichtigster Dienst für den Sowjet choreografische Kunst- sein pädagogische Tätigkeit. Als brillanter Lehrer-Methodiker und Begründer einer modernen Schule für klassischen Männertanz unterrichtete er 1913-50 an der PKhU-LKhU. Zu seinen Schülern zählen P. Gusev, A. Ermolaev, L. Lavrovsky, V. Chabukiani, K. Sergeev, S. Kaplan, N. Zubkovsky, V. Fidler, A. Puschkin, V. Preobrazhensky, B. Fenster, S. Dubinin, A. Makarov, V. Semenov, V. Ukhov, Yu. Grigorovich. IN letzten Jahren unterrichtete in Budapest.

36. Reform des Theaters der Aufklärung. Das Werk von John Rich und John Weaver aus dem 17. Jahrhundert. Der Beginn der Aufklärung stellte Künstler vor die Aufgabe, die umgebende Realität in ihren Werken widerzuspiegeln und verkündete Natürlichkeit und Wahrhaftigkeit in der Kunst. Die Figuren stellten dem höfischen Adelsballett ihr eigenes, Neues gegenüber Ästhetisches Programm: Sinnhaftigkeit, Wirksamkeit, Inhalt. John Rich ist ein englischer Pantomimeschauspieler. Mutig baute er Tanzszenen in seine Aufführungen ein, verknüpfte die Tänze mit der Handlung der Pantomimehandlung und wählte die Musik so aus, dass sie mit den Ereignissen im Stück korrespondierte. Zahlreiche akrobatische Stunts, von ihm erfundene „Wunder“. Künstler, italienische und französische Schauspieler, die von Theater zu Theater zogen, verbreiteten die Innovationen von John Richs Pantomimeaufführungen. Fantastische Dramatisierungen von Ovids „Metamorphosen“, Pantomime mit Tricks und magischen Verwandlungen „Der Zauberer, oder Harlekin Doktor Faustus“. Zwischen den Akten gibt es komische Tanzszenen von Pierrot und Columbine. Sie hatten ihren eigenen Inhalt, helle und gut ausgewählte Musik, die John Richs Auftritte näher brachte Musiktheater. John Weaver – englischer Choreograf und Theoretiker, war der erste, der auf die Bühne kam Englische Bühne ein handlungsorientiertes Ballett ohne Worte und Gesang. Er vertrat die Wahrheit des Lebens in der Kunst, die Sinnhaftigkeit des Handelns und die Natürlichkeit der Bilder. Er verlieh Göttern und mythologischen Helden menschliche Züge und brachte sie so den lebenden Charakteren näher. Eine Abhandlung, in der er seine Klassifizierung der Tänze, sein System der Bühnengesten und sein Verständnis der Harmonie von Handlung und Plastizität darlegte. Ballette „Tavern Regulars“ – Tänze verschiedene Nationen und „Die Liebe von Mars und Venus“. Mittels Choreografie können Sie menschliche Emotionen, Gedanken und Handlungen vermitteln. Theoretische Arbeiten „Erfahrungen in der Geschichte des Tanzes“, „Geschichte der Pantomime und Pantomime“. Der Theatertanz wurde unterteilt in: Ernst, Grotesk und Bühne. Es gibt keine Grenzen zwischen Pantomime und Tanz. Wirkungsvolle Ballette. „Die Liebesbeziehung zwischen Mars und Venus“, „Der Mythos von Orpheus und Eurydike“, Nationalszenen und Tänze: „Der niederländische Kapitän“, „Der französische Bauer und seine Frau“, „Irischer Tanz“, „Schottische Lieder“. Das letzte Ballett„Das Urteil des Paris“, jedoch mit Gesang und mechanischen Effekten. John Rich. Pantomime „Der Zauberer oder die Geschichte von Doktor Faustus“. Rich teilte seine Auftritte in zwei Teile: ernst und burlesk. Rich griff Weavers Themen auf und schrieb Comic-Versionen davon, manchmal unter demselben Titel. Die Bedeutung von Richs Theater – eine neue Art demokratischen Theaters entstand und etablierte sich in England, die Traditionen der italienischen Komödie kehrten nach Frankreich zurück und unterstützten die Kunst, die mit den strengen Regeln der Pariser Musikakademie kämpfte.

Charakteristischer Tanz CHARAKTERISTISCHER TANZ(französisch danse de caractère, danse caractéristique), einer der Ausdrücke. Mittel des Balletttanzes, einer Art Bühnentanz. Am Anfang. 19. Jahrhundert Der Begriff diente als Definition des Tanzes im Charakter, im Bild. Gebrauchte Preim. in Zwischenspielen, in denen die Charaktere Handwerker, Bauern, Seeleute, Bettler, Räuber und andere waren. Die Tänze basierten auf Bewegungen, die eine bestimmte Figur charakterisierten, oft waren auch alltägliche Gesten enthalten; die Komposition war weniger streng als im klassischen. tanzen Am Anfang. 19. Jahrhundert K. Blasis begann, H. t. irgendwelche Leute zu nennen. Tanz, der in einer Ballettaufführung aufgeführt wird. Diese Bedeutung des Begriffs setzt sich bis ins 20. Jahrhundert fort. In Russland besteht Interesse daran, Tanz auf der Bühne aufzuführen. Die Folklore nahm am Anfang zu. 19. Jahrhundert im Zusammenhang mit den Ereignissen im Vaterland. Krieg von 1812. In den Divertissements von I. M. Abletz, I. I. Valberkh, A. P. Glushkovsky, I. K. Lobanov Russisch. Der Tanz wurde zum Anführer. Der Prozess, Menschen zu verwandeln Der charakteristische Tanz intensivierte sich in der Blütezeit der Romantik. Ballett in Aufführungen von F. Taglioni, J. Perrot, C. Didelot, wo die Ästhetik der Romantik das Nationale bestimmte. Färbung, und H. t. stellte entweder das Leben nach, im Gegensatz zur unwirklichen Welt der Sylphen und Najaden, oder wurde romantisiert. Im Ballett dieser Zeit, Kap. wird zum Ausdruck bringen. Das Groteske wird zum Medium der Kunstschaffenden. National Charakter, national Bild von H. t. im Klassiker. Ballette blieben authentisch und zuverlässig. Die von M. I. Petipa und L. I. Ivanov geschaffenen Kunstproben bewahrten die Stimmung und Farbgebung, die für die Entwicklung der Handlung des Stücks notwendig waren. Choreographen und Tänzer der klassischen Schule. Auf der Grundlage dieser Schule wurde die Tanzkultur aufgebaut. In con. 19. Jahrhundert Die Ausübung der Kunst wurde geschaffen (später als akademische Disziplin anerkannt), wo verschiedene. Volksbewegungen Tänze wurden im strengen Rahmen der klassischen Schule aufgeführt. tanzen. Dies ermöglichte es, bei der Inszenierung von Choreografien choreografische Gesetze anzuwenden. Symphonie-Erstellung aus bestimmtem Kunststoff. Themen, Kontrapunkt und andere.

Eine Etappe in der Entwicklung der chemischen Kunst war das Werk von M. M. Fokin, der darauf basierend einen Ausdruck schuf. Aufführungsmittel und schaffte es, in ihnen die Prinzipien des Symphonismus zu etablieren ("Polovtsian Dances"; "Aragonese Jota" zur Musik von Glinka). In „Polovtsian Dances“ stützen sie sich auf die Musik von A.P. Borodin und folgen den Gesetzen der Choreographie. Komposition schuf Fokin im Tanz das Bild eines Volkes, das längst vom Erdboden verschwunden ist, dessen Plastizität. Folklore hat nicht überlebt. Tanzen F. V. Lopukhov studierte auch Folklore. Er führte neue Bewegungen, Kombinationen und nationale Bewegungen in den Ballettgebrauch ein. tanzen Bilder, insbesondere in den Balletten „The Ice Maiden“, „Coppelia“; „Bright Stream“ von Schostakowitsch: Die Suche nach Fokin wurde von K. Ya. Goleizovsky, V. I. Vainonen, V. M. Chabukiani fortgesetzt.

In der Ballettkunst der 1930er-60er Jahre. Viele Aufführungen fanden im Nationaltheater statt. Themen, in denen jede Episode mit klassischen Mitteln gelöst wird. Tanz, war von Nationalität durchdrungen Farbe und durchsetzt mit künstlerischen Werken („Herz der Berge“; „Taras Bulba“ von Solovyov-Sedoy, „Frühlingsmärchen“ von Asafiev nach musikalischen Materialien von P. I. Tschaikowski, „Shurale“, „Steinblume“ und andere.). Klassisch Der Tanz wurde dank Kh. t. bereichert, der einige seiner Ausdrücke gelernt hatte. Mittel. Gleichzeitig ist das Konzept von „H. t.“ erweitert, um die ursprüngliche Bedeutung des Tanzes in das Bild einzubeziehen. Im Ballett der 70er Jahre. Kunst kann eine Episode sein, sie kann ein Mittel zur Enthüllung eines Bildes sein, sie kann eine ganze Aufführung schaffen und oft der Motor der Handlung sein.

Lit.: Lopukhov A., Shiryaev A., Bocharov A., Grundlagen des Charaktertanzes, Einführung. Kunst. Yu. Slonimsky, L. M., 1939; Krasovskaya V., Russisches Balletttheater von seinen Anfängen bis zur Mitte. 19. Jahrhundert, L.M., 1958; ihr, Russisches Balletttheater im zweiten Stock. XIX Jahrhundert, L.M., 1963; ihres, Russisches Balletttheater des frühen 20. Jahrhunderts, [Teil] 1 Choreographers, L., 1971; Stukolkina N., Vier Übungen, M., 1972; Dobrovolskaya G., Tanz. Pantomime. Ballett, L., 1975.

G. N. Dobrovolskaya.

Ballett. Enzyklopädie. - M.:. Chefredakteur Yu.N.Grigorovich. 1981 .

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CHARAKTERTANZ- eine Art Bühnentanz. Es basiert auf Volkstanz (oder Alltagstanz), verarbeitet von einem Choreografen für eine Ballettaufführung... Großes enzyklopädisches Wörterbuch

CHARAKTERTANZ- charakteristisch für jedes Volk, das seinen Charakter ausdrückt. Wörterbuch der Fremdwörter der russischen Sprache. Chudinov A. N., 1910 ... Wörterbuch der Fremdwörter der russischen Sprache

Charaktertanz- eine Art Bühnentanz. Es basiert auf Volkstanz (oder Alltagstanz), der von einem Choreografen für eine Ballettaufführung verarbeitet wurde. * * * CHARAKTERTANZ CHARAKTERTANZ, eine Art Bühnentanz. Es basiert auf Volkstanz (oder Alltagstanz),... ... Enzyklopädisches Wörterbuch

Charakteristischer Tanz- eine der Varianten der Choreografie. Wortschatz. Bis ins 19. Jahrhundert Kh. T., auch Comic genannt, diente der Schaffung von National-, Genre- oder Exotikstücken. Charakter. In ihm existierten erzählerische Züge nebeneinander. Tanz und groteske Bewegungen der Square Dancer. Mittels... ... Russisches humanitäres enzyklopädisches Wörterbuch

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tanzen- Substantiv, m., verwendet. oft Morphologie: (nein) was? tanzen, was? tanzen, (sehen) was? tanzen, was? Tanzen, worüber? über Tanz; pl. Was? tanzen, (nein) was? tanzen, was? tanzen, (sehen) was? tanzen, was? Tanzen, worüber? über das Tanzen 1. Tanz ist eine Form von... ... Dmitrievs erklärendes Wörterbuch

tanzen- ta/ntsa, m. 1) Eine Kunstform, die Reproduktion künstlerischer Bilder durch ausdrucksstarke Körperbewegungen. Tanztheorie. Ausdrucksmittel des Tanzes. Theatralisierung des Tanzes. Ich habe im Plastiktanzstudio der Schule von Isadora Duncan (Panova) studiert.... ... Beliebtes Wörterbuch der russischen Sprache

TANZ (polnisch taniec, vom deutschen Tanz), eine Kunstform, die ein Mittel zur Schaffung von Kunst darstellt. Die Bilder sind die Bewegungen und Positionen des menschlichen Körpers. T. entstand aus einer Vielzahl von Bewegungen und Gesten, die mit Arbeitsprozessen und emotionalen... ... verbunden sind. Ballett. Enzyklopädie

charakteristisch- I hara/kterny aya, oe; ren, rna, rno. 1) nur voll. IN darstellende Künste: charakteristisch für ein bestimmtes Volk, eine bestimmte Epoche, ein bestimmtes soziales Umfeld; Ausdruck eines bestimmten psychologischen Typs. X. Rolle. Figur des X. Genres. Charakterdarsteller, Künstler; ... ... Wörterbuch vieler Ausdrücke

Tanzen- (polnisch taniec, vom deutschen Tanz) eine Kunstform, bei der die Mittel des Schaffens im Vordergrund stehen künstlerisches Bild sind die Bewegungen, Gesten des Tänzers und die Haltung seines Körpers. T. entstand aus einer Vielzahl von Bewegungen und Gesten, die mit Wehenprozessen verbunden sind und... ... Große sowjetische Enzyklopädie

Bücher

• Hip Hop. Neuer Stil. Einstiegsniveau (DVD), Pelinsky Igor. Hip-Hop New Style ist ein hochmoderner Tanztrend, der in den 80er Jahren in den USA entstand und sich weltweit verbreitet hat. Die Besonderheit des neuen Hip-Hop-Stils besteht darin, dass…