"Mga Manlalaro ng Card"

May-akda

Paul Cezanne

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1839–1906
Estilo post-impressionism

Ang artista ay ipinanganak sa timog ng France sa maliit na bayan ng Aix-en-Provence, ngunit nagsimulang magpinta sa Paris. Ang tunay na tagumpay ay dumating sa kanya pagkatapos ng isang personal na eksibisyon na inorganisa ng kolektor na si Ambroise Vollard. Noong 1886, 20 taon bago siya umalis, lumipat siya sa labas ng kanyang bayan. Tinawag ng mga batang artista ang kanilang mga paglalakbay sa kanya na "isang paglalakbay sa Aix."

130x97 cm
1895
presyo
$250 milyon
naibenta noong 2012
sa pribadong auction

Madaling maunawaan ang gawa ni Cezanne. Ang tanging panuntunan ng artist ay direktang ilipat ang paksa o balangkas sa canvas, upang ang kanyang mga pagpipinta ay hindi maging sanhi ng pagkalito sa manonood. Pinagsama ni Cezanne sa kanyang sining ang dalawang pangunahing Mga tradisyon ng Pranses: klasisismo at romantikismo. Sa tulong ng mga makukulay na texture, binigyan niya ang hugis ng mga bagay na kamangha-manghang plasticity.

Ang serye ng limang mga painting na "Card Players" ay ipininta noong 1890–1895. Ang kanilang balangkas ay pareho - maraming tao ang masigasig na naglalaro ng poker. Ang mga gawa ay naiiba lamang sa bilang ng mga manlalaro at sa laki ng canvas.

Apat na mga kuwadro na gawa ang itinatago sa mga museo sa Europa at Amerika (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation at Courtauld Institute of Art), at ang ikalima, hanggang kamakailan lamang, ay isang palamuti ng pribadong koleksyon ng bilyonaryong Griyego na may-ari ng barko. Georg Embirikos. Ilang sandali bago siya namatay, noong taglamig ng 2011, nagpasya siyang ibenta ito. Ang mga potensyal na mamimili ng "libre" na gawa ni Cezanne ay ang art dealer na si William Acquavella at ang sikat na may-ari ng gallery na si Larry Gagosian, na nag-alok ng humigit-kumulang $220 milyon para dito. Bilang resulta, ang pagpipinta ay napunta sa maharlikang pamilya ng Arab state ng Qatar sa halagang 250 milyon Ang pinakamalaking art deal sa kasaysayan ng pagpipinta ay isinara noong Pebrero 2012. Iniulat ito ng mamamahayag na si Alexandra Pierce sa Vanity Fair. Nalaman niya ang halaga ng pagpipinta at ang pangalan ng bagong may-ari, at pagkatapos ay tumagos ang impormasyon sa media sa buong mundo.

Binuksan ang Arab Museum sa Qatar noong 2010. kontemporaryong sining at Qatar National Museum. Ngayon ang kanilang mga koleksyon ay lumalaki. Marahil ang ikalimang bersyon ng The Card Players ay nakuha ng sheikh para sa layuning ito.

Ang pinakamamahaling pagpipintasa mundo

May-ari
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Ang dinastiyang al-Thani ay namuno sa Qatar nang higit sa 130 taon. Mga kalahating siglo na ang nakalipas, natuklasan dito ang malalaking reserba ng langis at gas, na agad na ginawang isa ang Qatar sa pinakamayamang rehiyon sa mundo. Salamat sa pag-export ng mga hydrocarbon, ang maliit na bansang ito ang may pinakamalaking GDP per capita. Si Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani ay inagaw ang kapangyarihan noong 1995, habang ang kanyang ama ay nasa Switzerland, na may suporta ng mga miyembro ng pamilya. Ang merito ng kasalukuyang pinuno, ayon sa mga eksperto, ay nasa isang malinaw na estratehiya para sa pag-unlad ng bansa at sa paglikha ng isang matagumpay na imahe ng estado. Ang Qatar ay mayroon na ngayong konstitusyon at punong ministro, at ang mga kababaihan ay may karapatang bumoto sa parliamentaryong halalan. Siyanga pala, ang Emir ng Qatar ang nagtatag ng Al-Jazeera news channel. Ang mga awtoridad ng estado ng Arab ay nagbibigay ng malaking pansin sa kultura.

2

"Numero 5"

May-akda

Jackson Pollock

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1912–1956
Estilo abstract expressionism

Jack the Sprinkler - ito ang palayaw na ibinigay kay Pollock ng publikong Amerikano para sa kanyang espesyal na pamamaraan ng pagpipinta. Iniwan ng artist ang brush at easel, at nagbuhos ng pintura sa ibabaw ng canvas o fiberboard habang patuloy na gumagalaw sa paligid at loob ng mga ito. Mula sa isang maagang edad, interesado siya sa pilosopiya ni Jiddu Krishnamurti, ang pangunahing mensahe nito ay ang katotohanan ay nahayag sa panahon ng isang libreng "pagbuhos."

122x244 cm
1948
presyo
$140 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang halaga ng gawain ni Pollock ay hindi nakasalalay sa resulta, ngunit sa proseso. Hindi nagkataon na tinawag ng may-akda ang kanyang sining na "action painting." Sa kanyang magaan na kamay, ito ang naging pangunahing asset ng America. Pinaghalo ni Jackson Pollock ang pintura na may buhangin at basag na salamin, at pininturahan ng isang piraso ng karton, isang palette knife, isang kutsilyo, at isang dustpan. Ang artista ay napakapopular na noong 1950s ay natagpuan ang mga imitator kahit sa USSR. Ang pagpipinta na "Number 5" ay kinikilala bilang isa sa mga kakaiba at pinakamahal sa mundo. Ang isa sa mga tagapagtatag ng DreamWorks, si David Geffen, ay binili ito para sa isang pribadong koleksyon, at noong 2006 ay ibinenta ito sa auction ng Sotheby sa halagang $140 milyon sa Mexican collector na si David Martinez. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon law firm naglabas ng press release sa ngalan ng kanyang kliyente na nagsasabing hindi si David Martinez ang may-ari ng painting. Isang bagay lamang ang tiyak na kilala: ang Mexican na financier ay talagang nakolekta kamakailan ng mga gawa ng modernong sining. Hindi malamang na makaligtaan niya ang isang "malaking isda" gaya ng "Number 5" ni Pollock.

3

"Babae III"

May-akda

Willem de Kooning

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1997
Estilo abstract expressionism

Tubong Netherlands, lumipat siya sa Estados Unidos noong 1926. Noong 1948, naganap ang personal na eksibisyon ng artist. Pinahahalagahan ng mga kritiko ng sining ang kumplikado, kinakabahan na itim at puti na mga komposisyon, na kinikilala ang kanilang may-akda bilang isang mahusay na modernistang artista. Nagdusa siya sa alkoholismo sa halos lahat ng kanyang buhay, ngunit ang kagalakan ng paglikha ng bagong sining ay nararamdaman sa bawat gawain. Si De Kooning ay nakikilala sa pamamagitan ng impulsiveness ng kanyang pagpipinta at malawak na mga stroke, kaya kung minsan ang imahe ay hindi magkasya sa loob ng mga hangganan ng canvas.

121x171 cm
1953
presyo
$137 milyon
naibenta noong 2006
sa pribadong auction

Noong 1950s, ang mga babaeng may walang laman na mata, malalaking suso, pangit na facial features. Ang "Woman III" ay ang huling obra mula sa seryeng ito na na-auction.

Mula noong 1970s, ang pagpipinta ay itinago sa Tehran Museum of Modern Art, ngunit pagkatapos ng pagpapakilala ng mahigpit na mga tuntunin sa moral sa bansa, sinubukan nilang alisin ito. Noong 1994, ang gawain ay na-export mula sa Iran, at pagkaraan ng 12 taon, ang may-ari nito na si David Geffen (ang parehong producer na nagbebenta ng "Number 5") ni Jackson Pollock ay ibinenta ang pagpipinta sa milyonaryo na si Steven Cohen sa halagang $137.5 milyon. Kapansin-pansin na sa isang taon ay nagsimulang ibenta ni Geffen ang kanyang koleksyon ng mga kuwadro na gawa. Nagbunga ito ng maraming alingawngaw: halimbawa, na nagpasya ang producer na bilhin ang pahayagan ng Los Angeles Times.

Sa isa sa mga art forum, isang opinyon ang ipinahayag tungkol sa pagkakatulad ng "Woman III" sa pagpipinta na "Lady with an Ermine" ni Leonardo da Vinci. Sa likod ng mapupusok na ngiti at walang hugis na pigura ng pangunahing tauhang babae, nakita ng magaling sa pagpipinta ang biyaya ng isang taong may dugong maharlika. Ito ay pinatunayan din ng hindi magandang iginuhit na korona na nagpuputong sa ulo ng babae.

4

"Larawan ni AdeleBloch-Bauer I"

May-akda

Gustav Klimt

Isang bansa Austria
Mga taon ng buhay 1862–1918
Estilo moderno

Si Gustav Klimt ay ipinanganak sa pamilya ng isang engraver at pangalawa sa pitong anak. Tatlong anak na lalaki ni Ernest Klimt ang naging artista, ngunit si Gustav lamang ang naging sikat sa buong mundo. Ginugol niya ang karamihan sa kanyang pagkabata sa kahirapan. Pagkamatay ng kanyang ama, naging responsable siya sa buong pamilya. Sa panahong ito nabuo ni Klimt ang kanyang istilo. Ang sinumang manonood ay nag-freeze sa harap ng kanyang mga kuwadro na gawa: ang lantad na erotismo ay malinaw na nakikita sa ilalim ng manipis na mga stroke ng ginto.

138x136 cm
1907
presyo
$135 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang kapalaran ng pagpipinta, na tinatawag na "Austrian Mona Lisa," ay madaling maging batayan para sa isang bestseller. Ang gawa ng artista ay nagdulot ng salungatan sa pagitan ng isang buong estado at isang matandang babae.

Kaya, ang "Portrait of Adele Bloch-Bauer I" ay naglalarawan ng isang aristokrata, ang asawa ni Ferdinand Bloch. Ang kanyang huling hiling ay ibigay ang pagpipinta sa Austrian State Gallery. Gayunpaman, kinansela ni Bloch ang donasyon sa kanyang kalooban, at kinuha ng mga Nazi ang pagpipinta. Nang maglaon, ang gallery na may kahirapan ay bumili ng Golden Adele, ngunit pagkatapos ay lumitaw ang isang tagapagmana - si Maria Altman, ang pamangkin ni Ferdinand Bloch.

Noong 2005, nagsimula ang high-profile na pagsubok na "Maria Altmann laban sa Republika ng Austria", bilang isang resulta kung saan ang pelikula ay "umalis" kasama niya para sa Los Angeles. Ang Austria ay gumawa ng mga hindi pa nagagawang hakbang: ang mga negosasyon ay ginanap sa mga pautang, ang populasyon ay nag-donate ng pera upang bilhin ang larawan. Hindi natalo ng kabutihan ang kasamaan: Itinaas ni Altman ang presyo sa $300 milyon. Sa panahon ng paglilitis, siya ay 79 taong gulang, at siya ay pumasok sa kasaysayan bilang taong nagbago sa kalooban ni Bloch-Bauer pabor sa mga personal na interes. Ang pagpipinta ay binili ni Ronald Lauder, may-ari ng New Gallery sa New York, kung saan nananatili ito hanggang ngayon. Hindi para sa Austria, para sa kanya binawasan ni Altman ang presyo sa $135 milyon.

5

"Sigaw"

May-akda

Edvard Munch

Isang bansa Norway
Mga taon ng buhay 1863–1944
Estilo ekspresyonismo

Ang unang pagpipinta ni Munch, na naging tanyag sa buong mundo, "The Sick Girl" (mayroong limang kopya) ay nakatuon sa kapatid ng artista, na namatay sa tuberculosis sa edad na 15. Palaging interesado si Munch sa tema ng kamatayan at kalungkutan. Sa Alemanya, ang kanyang mabigat, manic na pagpipinta ay nagdulot pa ng isang iskandalo. Gayunpaman, sa kabila ng mga mapagpahirap na paksa, ang kanyang mga pagpipinta ay may espesyal na magnetismo. Kunin ang "Scream" halimbawa.

73.5x91 cm
1895
presyo
$119.992 milyon
naibenta sa 2012
sa auction Sotheby's

Ang buong pamagat ng pagpipinta ay Der Schrei der Natur (isinalin mula sa Aleman bilang "ang sigaw ng kalikasan"). Ang mukha ng isang tao o isang dayuhan ay nagpapahayag ng kawalan ng pag-asa at gulat - ang parehong mga emosyon na nararanasan ng manonood kapag tinitingnan ang larawan. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng expressionism ay nagbabala sa mga tema na naging talamak sa sining ng ika-20 siglo. Ayon sa isang bersyon, nilikha ito ng artista sa ilalim ng impluwensya ng isang sakit sa pag-iisip na naranasan niya sa buong buhay niya.

Ang pagpipinta ay dalawang beses na ninakaw mula sa iba't ibang mga museo, ngunit ibinalik. Bahagyang nasira pagkatapos ng pagnanakaw, ang The Scream ay naibalik at muling handa para ipakita sa Munch Museum noong 2008. Para sa mga kinatawan ng pop culture, ang trabaho ay naging mapagkukunan ng inspirasyon: Si Andy Warhol ay lumikha ng isang serye ng mga kopya ng pag-print nito, at ang maskara mula sa pelikulang "Scream" ay ginawa sa imahe at pagkakahawig ng bayani ng larawan.

Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng trabaho para sa isang paksa: ang isa na nasa pribadong koleksyon ay ginawa sa mga pastel. Inilagay ito ng Norwegian billionaire na si Petter Olsen para sa auction noong Mayo 2, 2012. Ang bumili ay si Leon Black, na nagbayad ng record na halaga para sa "Scream." Nagtatag ng Apollo Advisors, L.P. at Lion Advisors, L.P. kilala sa kanyang pagmamahal sa sining. Si Black ay patron ng Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center, at Metropolitan Museum of Art. Ito ang may pinakamalaking koleksyon ng mga painting ng mga kontemporaryong artist at classical masters ng mga nakaraang siglo.

6

"Hubad na hubad sa background ng bust at berdeng dahon"

May-akda

Pablo Picasso

Isang bansa Spain, France
Mga taon ng buhay 1881–1973
Estilo kubismo

Siya ay Espanyol sa pinagmulan, ngunit sa espiritu at lugar ng paninirahan siya ay isang tunay na Pranses. Binuksan ni Picasso ang sarili niyang art studio sa Barcelona noong siya ay 16 taong gulang pa lamang. Pagkatapos ay nagpunta siya sa Paris at ginugol ang halos buong buhay niya doon. Kaya naman double accent ang apelyido niya. Ang istilong naimbento ni Picasso ay batay sa pagtanggi sa ideya na ang isang bagay na inilalarawan sa canvas ay maaari lamang tingnan mula sa isang anggulo.

130x162 cm
1932
presyo
$106.482 milyon
naibenta sa 2010
sa auction kay Christie

Sa panahon ng kanyang trabaho sa Roma, nakilala ng artista ang mananayaw na si Olga Khokhlova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa. Tinapos niya ang vagrancy at lumipat sa isang marangyang apartment kasama niya. Sa oras na iyon, natagpuan na ng pagkilala ang bayani, ngunit nawasak ang kasal. Ang isa sa mga pinakamahal na pagpipinta sa mundo ay nilikha halos sa pamamagitan ng aksidente - dahil sa mahusay na pag-ibig, na, gaya ng nakasanayan sa Picasso, ay maikli ang buhay. Noong 1927, naging interesado siya sa batang Marie-Therese Walter (siya ay 17 taong gulang, siya ay 45). Lihim mula sa kanyang asawa, umalis siya kasama ang kanyang maybahay sa isang bayan malapit sa Paris, kung saan nagpinta siya ng isang larawan, na naglalarawan kay Marie-Therese sa imahe ni Daphne. Ang canvas ay binili ng New York dealer na si Paul Rosenberg, at noong 1951 ay ibinenta niya ito kay Sidney F. Brody. Ipinakita ng mga Brody ang pagpipinta sa mundo nang isang beses lamang at dahil ang artista ay 80 taong gulang na. Matapos ang pagkamatay ng kanyang asawa, inilagay ni Mrs. Brody ang trabaho para sa auction sa Christie's noong Marso 2010. Sa loob ng anim na dekada, ang presyo ay tumaas ng higit sa 5,000 beses! Binili ito ng hindi kilalang kolektor sa halagang $106.5 milyon. Noong 2011, isang "eksibisyon ng isang pagpipinta" ang naganap sa Britain, kung saan ito ay inilabas sa pangalawang pagkakataon, ngunit ang pangalan ng may-ari ay hindi pa rin kilala.

7

"Walong Elvise"

May-akda

Andy Warhole

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1928-1987
Estilo
pop Art

"Ang kasarian at mga partido ay ang tanging mga lugar kung saan kailangan mong magpakita ng personal," sabi ng kultong pop art artist, direktor, isa sa mga tagapagtatag ng Interview magazine, taga-disenyo na si Andy Warhol. Nagtrabaho siya sa Vogue at Harper's Bazaar, nagdisenyo ng mga record cover, at nagdisenyo ng mga sapatos para sa kumpanyang I.Miller. Noong 1960s, lumitaw ang mga kuwadro na naglalarawan ng mga simbolo ng Amerika: Campbell's and Coca-Cola soup, Presley at Monroe - na ginawa siyang isang alamat.

358x208 cm
1963
presyo
$100 milyon
naibenta sa 2008
sa pribadong auction

Ang Warhol 60s ay ang pangalang ibinigay sa panahon ng pop art sa Amerika. Noong 1962, nagtrabaho siya sa Manhattan sa Factory studio, kung saan nagtipon ang lahat ng mga bohemian ng New York. Ang mga kilalang kinatawan nito: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote at iba pang sikat na personalidad sa mundo. Kasabay nito, sinubukan ni Warhol ang pamamaraan ng silk-screen printing - paulit-ulit na pag-uulit ng isang imahe. Ginamit din niya ang pamamaraang ito sa paggawa ng "The Eight Elvises": ang manonood ay tila nakakakita ng footage mula sa isang pelikula kung saan nabuhay ang bituin. Narito ang lahat ng bagay na labis na minahal ng artista: isang win-win na pampublikong imahe, kulay na pilak at isang premonisyon ng kamatayan bilang pangunahing mensahe.

Mayroong dalawang art dealers na nagpo-promote ng gawa ni Warhol sa world market ngayon: Larry Gagosian at Alberto Mugrabi. Ang una ay gumastos ng $200 milyon noong 2008 upang makakuha ng higit sa 15 mga gawa ni Warhol. Ang pangalawa ay bumibili at nagbebenta ng kanyang mga kuwadro na gawa tulad ng mga Christmas card, sa mas mataas na presyo lamang. Ngunit hindi sila, kundi ang katamtaman na French art consultant na si Philippe Segalot na tumulong sa Roman art connoisseur na si Annibale Berlinghieri na magbenta ng "Eight Elvises" sa isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga para sa Warhol - $100 milyon.

8

"Kahel,Pulang Dilaw"

May-akda

Mark Rothko

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1903–1970
Estilo abstract expressionism

Isa sa mga lumikha ng color field painting ay ipinanganak sa Dvinsk, Russia (ngayon ay Daugavpils, Latvia), sa isang malaking pamilya ng isang Hudyo na parmasyutiko. Noong 1911 lumipat sila sa USA. Nag-aral si Rothko sa departamento ng sining ng Yale University at nanalo ng iskolarsip, ngunit pinilit siya ng mga anti-Semitic na sentiment na umalis sa kanyang pag-aaral. Sa kabila ng lahat, idolo ng mga kritiko ng sining ang artista, at hinabol siya ng mga museo sa buong buhay niya.

206x236 cm
1961
presyo
$86.882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction kay Christie

Ang mga unang artistikong eksperimento ni Rothko ay isang oryentasyong surrealist, ngunit sa paglipas ng panahon ay pinasimple niya ang balangkas upang kulayan ang mga spot, na inaalis sa kanila ang anumang objectivity. Sa una mayroon silang mga maliliwanag na lilim, at noong 1960s sila ay naging kayumanggi at lila, lumalapot hanggang itim sa oras ng pagkamatay ng artista. Nagbabala si Mark Rothko laban sa paghahanap ng anumang kahulugan sa kanyang mga kuwadro na gawa. Nais ng may-akda na sabihin nang eksakto kung ano ang sinabi niya: tanging ang kulay na natutunaw sa hangin, at wala nang iba pa. Inirerekomenda niya ang pagtingin sa mga gawa mula sa layo na 45 cm, upang ang manonood ay "makuha" sa kulay, tulad ng sa isang funnel. Mag-ingat: ang pagtingin ayon sa lahat ng mga patakaran ay maaaring humantong sa epekto ng pagmumuni-muni, iyon ay, ang kamalayan ng kawalang-hanggan, kumpletong paglulubog sa sarili, pagpapahinga, at paglilinis ay unti-unting dumating. Ang kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa ay nabubuhay, humihinga at may malakas na emosyonal na epekto (sabi nila, kung minsan ay nagpapagaling). Ipinahayag ng artista: "Dapat umiyak ang manonood habang tinitingnan sila," at ang mga ganitong kaso ay nangyari talaga. Ayon sa teorya ni Rothko, sa sandaling ito ang mga tao ay nabubuhay sa parehong espirituwal na karanasan tulad ng ginawa niya habang nagtatrabaho sa pagpipinta. Kung naiintindihan mo ito sa gayong banayad na antas, hindi ka magugulat na ang mga gawa ng abstract na sining ay madalas na inihambing ng mga kritiko sa mga icon.

Ang akdang "Orange, Red, Yellow" ay nagpapahayag ng kakanyahan ng pagpipinta ni Mark Rothko. Ang paunang presyo nito sa auction ni Christie sa New York ay $35–45 milyon. Isang hindi kilalang mamimili ang nag-alok ng presyo na doble sa tantiya. Ang pangalan ng masuwerteng may-ari ng pagpipinta, gaya ng madalas na nangyayari, ay hindi isiniwalat.

9

"Triptych"

May-akda

Francis Bacon

Isang bansa
Britanya
Mga taon ng buhay 1909–1992
Estilo ekspresyonismo

Ang mga pakikipagsapalaran ni Francis Bacon, isang kumpletong kapangalan at isa ring malayong inapo ng dakilang pilosopo, ay nagsimula nang itakwil siya ng kanyang ama, na hindi matanggap ang homoseksuwal na hilig ng kanyang anak. Nauna si Bacon sa Berlin, pagkatapos ay sa Paris, at pagkatapos ay nalito ang kanyang mga track sa buong Europa. Sa kanyang buhay, ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa mga nangungunang sentro ng kultura sa mundo, kabilang ang Guggenheim Museum at ang Tretyakov Gallery.

147.5x198 cm (bawat isa)
1976
presyo
$86.2 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Ang mga prestihiyosong museo ay naghangad na magkaroon ng mga kuwadro na gawa ni Bacon, ngunit ang prim English public ay hindi nagmamadaling kumuha ng ganoong sining. Ang maalamat na Punong Ministro ng Britanya na si Margaret Thatcher ay nagsabi tungkol sa kanya: "Ang taong nagpinta ng mga nakakatakot na larawang ito."

Itinuring mismo ng artista ang panahon ng post-war bilang panimulang panahon sa kanyang trabaho. Pagbalik mula sa serbisyo, muli siyang nagpinta at lumikha ng mga pangunahing obra maestra. Bago ang paglahok ng "Triptych, 1976," ang pinakamahal na gawain ni Bacon ay "Pag-aaral para sa isang Larawan ni Pope Innocent X" ($52.7 milyon). Sa "Triptych, 1976" inilarawan ng artist ang gawa-gawa na balangkas ng pag-uusig kay Orestes ng mga Furies. Siyempre, si Orestes ay si Bacon mismo, at ang mga Furies ang kanyang pagdurusa. Sa loob ng higit sa 30 taon, ang pagpipinta ay nasa isang pribadong koleksyon at hindi lumahok sa mga eksibisyon. Ang katotohanang ito ay nagbibigay ng espesyal na halaga at, nang naaayon, pinapataas ang gastos. Ngunit ano ang ilang milyon para sa isang art connoisseur, at isang mapagbigay sa gayon? Sinimulan ni Roman Abramovich ang paglikha ng kanyang koleksyon noong 1990s, kung saan siya ay naimpluwensyahan ng kanyang kaibigan na si Dasha Zhukova, na naging isang naka-istilong may-ari ng gallery sa modernong Russia. Ayon sa hindi opisyal na data, ang negosyante ay personal na nagmamay-ari ng mga gawa nina Alberto Giacometti at Pablo Picasso, na binili sa halagang lampas sa $100 milyon. Noong 2008 siya ay naging may-ari ng Triptych. Sa pamamagitan ng paraan, noong 2011, isa pang mahalagang gawain ni Bacon ang nakuha - "Three Sketches for a Portrait of Lucian Freud." Sinasabi ng mga nakatagong mapagkukunan na si Roman Arkadyevich ay muling naging mamimili.

10

"Pond na may water lilies"

May-akda

Claude Monet

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1840–1926
Estilo impresyonismo

Ang artista ay kinikilala bilang tagapagtatag ng impresyonismo, na "nagpatent" ng pamamaraang ito sa kanyang mga canvases. Ang unang makabuluhang gawain ay ang pagpipinta na "Luncheon on the Grass" (ang orihinal na bersyon ng akda ni Edouard Manet). Sa kanyang kabataan ay gumuhit siya ng mga karikatura, at kumuha ng tunay na pagpipinta sa kanyang paglalakbay sa baybayin at sa open air. Sa Paris, pinamunuan niya ang isang bohemian na pamumuhay at hindi ito iniwan kahit na pagkatapos maglingkod sa hukbo.

210x100 cm
1919
presyo
$80.5 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Bilang karagdagan sa katotohanan na si Monet ay isang mahusay na artista, siya rin ay isang masigasig na hardinero at adored wildlife at mga bulaklak. Sa kanyang mga tanawin, ang estado ng kalikasan ay panandalian, ang mga bagay ay tila malabo sa paggalaw ng hangin. Ang impression ay pinahusay sa pamamagitan ng malalaking stroke mula sa isang tiyak na distansya sila ay nagiging invisible at sumanib sa isang texture, three-dimensional na imahe. Sa mga pagpipinta ni late Monet, ang tema ng tubig at buhay dito ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Sa bayan ng Giverny, ang artista ay may sariling lawa, kung saan siya ay nagtanim ng mga water lily mula sa mga buto na espesyal na dinala niya mula sa Japan. Nang mamukadkad ang kanilang mga bulaklak, nagsimula siyang magpinta. Ang seryeng "Water Lilies" ay binubuo ng 60 obra na ipininta ng artista sa loob ng halos 30 taon, hanggang sa kanyang kamatayan. Ang kanyang paningin ay lumala sa edad, ngunit hindi siya tumigil. Depende sa hangin, oras ng taon at panahon, ang hitsura ng lawa ay patuloy na nagbabago, at nais ni Monet na makuha ang mga pagbabagong ito. Sa pamamagitan ng maingat na gawain, naunawaan niya ang kakanyahan ng kalikasan. Ang ilan sa mga kuwadro na gawa sa serye ay itinatago sa mga nangungunang gallery sa mundo: ang National Museum of Western Art (Tokyo), ang Orangerie (Paris). Ang isang bersyon ng susunod na "Pond with Water Lilies" ay napunta sa mga kamay ng isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga.

11

Maling Bituin t

May-akda

Jasper Johns

Isang bansa USA
Taon ng kapanganakan 1930
Estilo pop Art

Noong 1949, pumasok si Jones sa paaralan ng disenyo sa New York. Kasama sina Jackson Pollock, Willem de Kooning at iba pa, siya ay kinikilala bilang isa sa mga pangunahing artista ng ika-20 siglo. Noong 2012, natanggap niya ang Presidential Medal of Freedom, ang pinakamataas na karangalan ng sibilyan sa Estados Unidos.

137.2x170.8 cm
1959
presyo
$80 milyon
naibenta noong 2006
sa pribadong auction

Tulad ni Marcel Duchamp, nagtrabaho si Jones sa mga tunay na bagay, na naglalarawan sa kanila sa canvas at sa iskultura nang buong alinsunod sa orihinal. Para sa kanyang mga gawa, gumamit siya ng simple at naiintindihan na mga bagay: isang bote ng beer, isang bandila o mga card. Walang malinaw na komposisyon sa pelikulang False Start. Ang artist ay tila nakikipaglaro sa manonood, madalas na "mali" na naglalagay ng label sa mga kulay sa pagpipinta, na binabaligtad ang mismong konsepto ng kulay: "Nais kong makahanap ng isang paraan upang ilarawan ang kulay upang ito ay matukoy sa pamamagitan ng ibang paraan." Ang kanyang pinaka-paputok at "hindi kumpiyansa" na pagpipinta, ayon sa mga kritiko, ay nakuha ng isang hindi kilalang mamimili.

12

"Nakaupohubadsa sopa"

May-akda

Amedeo Modigliani

Isang bansa Italy, France
Mga taon ng buhay 1884–1920
Estilo ekspresyonismo

Si Modigliani ay madalas na may sakit mula pagkabata sa panahon ng isang nilalagnat na delirium, nakilala niya ang kanyang kapalaran bilang isang artista. Nag-aral siya ng pagguhit sa Livorno, Florence, Venice, at noong 1906 nagpunta siya sa Paris, kung saan umunlad ang kanyang sining.

65x100 cm
1917
presyo
$68.962 milyon
naibenta sa 2010
sa auction Sotheby's

Noong 1917, nakilala ni Modigliani ang 19-taong-gulang na si Jeanne Hebuterne, na naging kanyang modelo at pagkatapos ay kanyang asawa. Noong 2004, ang isa sa kanyang mga larawan ay naibenta sa halagang $31.3 milyon, na siyang huling rekord bago ang pagbebenta ng “Nude Seated on a Sofa” noong 2010. Ang pagpipinta ay binili ng isang hindi kilalang mamimili para sa pinakamataas na presyo para sa Modigliani sa sa sandaling ito presyo. Ang mga aktibong benta ng mga gawa ay nagsimula lamang pagkatapos ng kamatayan ng artist. Namatay siya sa kahirapan, may sakit na tuberkulosis, at kinabukasan, si Jeanne Hebuterne, na siyam na buwang buntis, ay nagpakamatay din.

13

"Agila sa isang Pine"

May-akda

Qi Baishi

Isang bansa Tsina
Mga taon ng buhay 1864–1957
Estilo Guohua

Ang interes sa kaligrapya ay humantong kay Qi Baishi sa pagpipinta. Sa edad na 28, naging estudyante siya ng artist na si Hu Qingyuan. Ginawaran siya ng Ministri ng Kultura ng Tsina ng titulong "Dakilang Artista ng mga Tsino", noong 1956 natanggap niya Internasyonal na Gantimpala kapayapaan.

10x26 cm
1946
presyo
$65.4 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Tagapangalaga ng China

Interesado si Qi Baishi sa mga pagpapakita ng nakapaligid na mundo na hindi binibigyang halaga ng marami, at ito ang kanyang kadakilaan. Ang isang tao na walang edukasyon ay naging isang propesor at isang namumukod-tanging manlilikha sa kasaysayan. Sinabi ni Pablo Picasso tungkol sa kanya: "Natatakot akong pumunta sa iyong bansa, dahil mayroong Qi Baishi sa China." Ang komposisyon na "Eagle on a Pine Tree" ay kinikilala bilang pinakamalaking gawa ng artist. Bilang karagdagan sa canvas, kabilang dito ang dalawang hieroglyphic scroll. Para sa China, ang halaga kung saan binili ang trabaho ay kumakatawan sa isang talaan - 425.5 milyong yuan. Ang scroll ng sinaunang calligrapher na si Huang Tingjian lamang ay naibenta sa halagang 436.8 milyon.

14

"1949-A-No. 1"

May-akda

Clyfford pa rin

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1980
Estilo abstract expressionism

Sa edad na 20, bumisita ako sa Metropolitan Museum of Art sa New York at nabigo ako. Nang maglaon ay nag-sign up siya para sa isang kurso sa Student Arts League, ngunit umalis 45 minuto pagkatapos ng pagsisimula ng klase - ito ay naging "hindi para sa kanya." Ang unang personal na eksibisyon ay nagdulot ng resonance, natagpuan ng artist ang kanyang sarili, at kasama nito ang pagkilala

79x93 cm
1949
presyo
$61.7 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ipinamana pa rin ang lahat ng kanyang mga gawa, higit sa 800 canvases at 1,600 obra sa papel, sa isang lungsod sa Amerika kung saan bubuksan ang isang museo na ipinangalan sa kanya. Ang Denver ay naging isang lungsod, ngunit ang konstruksiyon lamang ay mahal para sa mga awtoridad, at upang makumpleto ito, apat na gawa ang inilagay para sa auction. Ang mga gawa ni Still ay malamang na hindi mai-auction muli, na nagpapataas ng kanilang presyo nang maaga. Ang pagpipinta na "1949-A-No.1" ay naibenta para sa isang record na halaga para sa artist, bagaman hinulaan ng mga eksperto ang pagbebenta para sa maximum na 25-35 milyong dolyar.

15

"Suprematist na komposisyon"

May-akda

Kazimir Malevich

Isang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1878–1935
Estilo Suprematismo

Nag-aral si Malevich ng pagpipinta sa Kyiv Art School, pagkatapos ay sa Moscow Academy of Arts. Noong 1913, nagsimula siyang magpinta ng mga abstract na geometric na pagpipinta sa isang istilo na tinawag niyang Suprematism (mula sa Latin para sa "pangingibabaw").

71x 88.5 cm
1916
presyo
$60 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Ang pagpipinta ay itinago sa Amsterdam City Museum sa loob ng halos 50 taon, ngunit pagkatapos ng 17-taong pagtatalo sa mga kamag-anak ni Malevich, ibinigay ito ng museo. Ipininta ng pintor ang gawaing ito sa parehong taon bilang "Manifesto of Suprematism," kaya inihayag ni Sotheby bago pa man ang auction na hindi ito mapupunta sa isang pribadong koleksyon nang mas mababa sa $60 milyon. At nangyari nga. Mas mainam na tingnan ito mula sa itaas: ang mga figure sa canvas ay kahawig ng isang aerial view ng lupa. Sa pamamagitan ng paraan, ilang taon na ang nakalilipas, ang parehong mga kamag-anak ay nag-expropriate ng isa pang "Suprematist Composition" mula sa MoMA Museum upang ibenta ito sa auction ng Phillips sa halagang $17 milyon.

16

"Mga naliligo"

May-akda

Paul Gauguin

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1848–1903
Estilo post-impressionism

Hanggang sa edad na pito, ang artista ay nanirahan sa Peru, pagkatapos ay bumalik sa France kasama ang kanyang pamilya, ngunit ang mga alaala sa pagkabata ay patuloy na nagtulak sa kanya na maglakbay. Sa France, nagsimula siyang magpinta at naging kaibigan ni Van Gogh. Ilang buwan pa siyang kasama niya sa Arles, hanggang sa putulin ni Van Gogh ang kanyang tainga sa isang away.

93.4x60.4 cm
1902
presyo
$55 milyon
naibenta noong 2005
sa auction Sotheby's

Noong 1891, inorganisa ni Gauguin ang pagbebenta ng kanyang mga pintura upang magamit ang mga nalikom sa paglalakbay nang malalim sa isla ng Tahiti. Doon ay lumikha siya ng mga gawa kung saan nadarama ang banayad na koneksyon sa pagitan ng kalikasan at tao. Nakatira si Gauguin sa isang kubo na pawid, at isang tropikal na paraiso ang namumulaklak sa kanyang mga canvases. Ang kanyang asawa ay 13-taong-gulang na Tahitian Tehura, na hindi napigilan ang artist na makisali sa mga malaswang relasyon. Nang magkaroon siya ng syphilis, umalis siya patungong France. Gayunpaman, masikip para kay Gauguin doon, at bumalik siya sa Tahiti. Ang panahong ito ay tinatawag na "pangalawang Tahitian" - noon na ang pagpipinta na "Bathers" ay ipininta, isa sa pinaka maluho sa kanyang trabaho.

17

"Mga daffodil at mantel na kulay asul at rosas"

May-akda

Henri Matisse

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1869–1954
Estilo Fauvism

Noong 1889, si Henri Matisse ay inatake ng apendisitis. Noong siya ay nagpapagaling mula sa operasyon, binilhan siya ng kanyang ina ng mga pintura. Sa una, kinopya ni Matisse ang mga kulay na mga postkard dahil sa pagkabagot, pagkatapos ay kinopya niya ang mga gawa ng magagaling na pintor na nakita niya sa Louvre, at sa simula ng ika-20 siglo ay nakagawa siya ng isang istilo - Fauvism.

65.2x81 cm
1911
presyo
$46.4 milyon
naibenta sa 2009
sa auction kay Christie

Pagpinta ng "Daffodils at tablecloth sa asul at pink na kulay" sa mahabang panahon ay kay Yves Saint Laurent. Matapos ang pagkamatay ng couturier, ang kanyang buong koleksyon ng sining ay ipinasa sa mga kamay ng kanyang kaibigan at kasintahan na si Pierre Berger, na nagpasya na ilagay ito para sa auction sa Christie's. Ang perlas ng ibinebentang koleksyon ay ang pagpipinta na "Daffodils at isang tablecloth sa asul at kulay-rosas na tono," na ipininta sa isang ordinaryong tablecloth sa halip na canvas. Bilang isang halimbawa ng Fauvism, ito ay puno ng enerhiya ng kulay, ang mga kulay ay tila sumasabog at sumisigaw. Mula sa sikat na serye ng mga painting na ipininta sa mga tablecloth, ngayon ang gawaing ito ay ang tanging isa na nasa isang pribadong koleksyon.

18

"Natutulog na Babae"

May-akda

RoyLee

htenstein

Isang bansa USA
Mga taon ng buhay 1923–1997
Estilo pop Art

Ang artista ay ipinanganak sa New York, at pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, nagpunta siya sa Ohio, kung saan kumuha siya ng mga kurso sa sining. Noong 1949 natanggap ng Liechtenstein ang kanyang master's degree sining. Ang kanyang interes sa komiks at ang kanyang kakayahang gumamit ng irony ay ginawa siyang isang kulto na artista noong nakaraang siglo.

91x91 cm
1964
presyo
$44.882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Isang araw, ang chewing gum ay nahulog sa mga kamay ni Lichtenstein. Iginuhit niya muli ang larawan mula sa insert papunta sa canvas at naging tanyag. Ang kwentong ito mula sa kanyang talambuhay ay naglalaman ng buong mensahe ng pop art: ang pagkonsumo ay ang bagong diyos, at walang mas kaunting kagandahan sa isang balot ng chewing gum kaysa sa Mona Lisa. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakapagpapaalaala sa mga komiks at cartoon: Pinalaki lang ni Lichtenstein ang natapos na imahe, gumuhit ng mga raster, gumamit ng screen printing at silk-screen printing. Ang pagpipinta na "Sleeping Girl" ay pag-aari ng mga kolektor na sina Beatrice at Philip Gersh sa loob ng halos 50 taon, na ang mga tagapagmana ay nagbebenta nito sa auction.

19

"Tagumpay. Boogie Woogie"

May-akda

Piet Mondrian

Isang bansa Netherlands
Mga taon ng buhay 1872–1944
Estilo neoplasticism

Pinalitan ng artista ang kanyang tunay na pangalan, Cornelis, sa Mondrian nang lumipat siya sa Paris noong 1912. Kasama ang artist na si Theo van Doesburg, itinatag niya ang kilusang Neoplasticism. Ang Piet programming language ay pinangalanan sa Mondrian.

27x127 cm
1944
presyo
$40 milyon
naibenta noong 1998
sa auction Sotheby's

Ang pinaka-"musika" ng ika-20 siglo na mga artista ay nabuhay mula sa watercolor still lifes, kahit na siya ay naging tanyag bilang isang neoplastic artist. Lumipat siya sa USA noong 1940s at doon ginugol ang natitirang bahagi ng kanyang buhay. Si Jazz at New York ang pinaka-inspirasyon niya! Pagpipinta ng "Tagumpay. Boogie-Woogie" ang pinakamagandang halimbawa nito. Ang signature neat squares ay nakuha gamit ang adhesive tape, ang paboritong materyal ni Mondrian. Sa Amerika siya ay tinawag na "pinakatanyag na imigrante." Noong dekada ikaanimnapung taon, naglabas si Yves Saint Laurent ng mga tanyag na damit na "Mondrian" na may malalaking checkered na mga kopya.

20

"Komposisyon No. 5"

May-akda

BasilKandinsky

Isang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1866–1944
Estilo avant-garde

Ang artista ay ipinanganak sa Moscow, at ang kanyang ama ay mula sa Siberia. Pagkatapos ng rebolusyon sinubukan niyang makipagtulungan kapangyarihan ng Sobyet, ngunit sa lalong madaling panahon natanto na ang mga batas ng proletaryado ay hindi nilikha para sa kanya, at hindi nang walang kahirapan ay lumipat sa Alemanya.

275x190 cm
1911
presyo
$40 milyon
naibenta noong 2007
sa auction Sotheby's

Si Kandinsky ay isa sa mga unang ganap na tinalikuran ang pagpipinta ng bagay, kung saan natanggap niya ang pamagat ng henyo. Sa panahon ng Nazism sa Germany, ang kanyang mga painting ay inuri bilang "degenerate art" at hindi ipinakita kahit saan. Noong 1939, kinuha ni Kandinsky ang pagkamamamayan ng Pransya, at sa Paris ay malaya siyang lumahok sa proseso ng artistikong. Ang kanyang mga pintura ay "tunog" tulad ng mga fugue, kaya naman marami ang tinatawag na "mga komposisyon" (ang una ay isinulat noong 1910, ang huli ay noong 1939). Ang "Composition No. 5" ay isa sa mga pangunahing gawa sa genre na ito: "Ang salitang "komposisyon" ay parang isang panalangin sa akin," sabi ng artist. Hindi tulad ng marami sa kanyang mga tagasunod, nagplano siya kung ano ang ipapakita niya sa isang malaking canvas, na parang nagsusulat siya ng mga tala.

21

"Pag-aaral ng Babae na Asul"

May-akda

Fernand Léger

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1881–1955
Estilo cubism-post-impressionism

Nakatanggap si Léger ng edukasyong arkitektura at pagkatapos ay pumasok sa Ecole des Beaux-Arts sa Paris. Itinuring ng artist ang kanyang sarili na isang tagasunod ni Cezanne, ay isang apologist para sa Cubism, at noong ika-20 siglo ay matagumpay din bilang isang iskultor.

96.5x129.5 cm
1912–1913
presyo
$39.2 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Itinuturing ni David Norman, presidente ng internasyonal na departamento ng impresyonismo at modernismo sa Sotheby's, ang malaking halagang ibinayad para sa “The Lady in Blue” na ganap na makatwiran. Ang pagpipinta ay kabilang sa sikat na koleksyon ng Léger (ang pintor ay nagpinta ng tatlong mga pagpipinta sa parehong paksa, ang huli sa mga ito ay nasa pribadong mga kamay ngayon. - Ed.), At ang ibabaw ng canvas ay napanatili sa orihinal nitong anyo. Ang may-akda mismo ang nagbigay ng gawaing ito sa Der Sturm gallery, pagkatapos ay napunta ito sa koleksyon ni Hermann Lang, isang Aleman na kolektor ng modernismo, at ngayon ay kabilang sa isang hindi kilalang mamimili.

22

“Ekena sa kalye. Berlin"

May-akda

Ernst LudwigKirchner

Isang bansa Alemanya
Mga taon ng buhay 1880–1938
Estilo ekspresyonismo

Para sa ekspresyonismo ng Aleman, si Kirchner ay naging isang iconic na tao. Gayunpaman, inakusahan siya ng mga lokal na awtoridad ng pagsunod sa "degenerate art," na lubhang nakaapekto sa kapalaran ng kanyang mga painting at sa buhay ng artist, na nagpakamatay noong 1938.

95x121 cm
1913
presyo
$38.096 milyon
naibenta noong 2006
sa auction kay Christie

Pagkatapos lumipat sa Berlin, gumawa si Kirchner ng 11 sketch ng mga eksena sa kalye. Naging inspirasyon niya ang pagmamadali at kaba ng malaking lungsod. Sa pagpipinta, na ibinebenta noong 2006 sa New York, ang estado ng pagkabalisa ng artist ay lalo na naramdaman: ang mga tao sa isang kalye ng Berlin ay kahawig ng mga ibon - maganda at mapanganib. Ito ang huling gawa mula sa sikat na serye na ibinebenta sa auction; Noong 1937, malupit na tinatrato ng mga Nazi si Kirchner: 639 sa kanyang mga gawa ay inalis sa mga gallery ng Aleman, nawasak o naibenta sa ibang bansa. Hindi nakaligtas dito ang artista.

23

"Bakasyonista"mananayaw"

May-akda

Edgar Degas

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1834–1917
Estilo impresyonismo

Ang kasaysayan ni Degas bilang isang pintor ay nagsimula sa kanyang trabaho bilang isang copyist sa Louvre. Pinangarap niyang maging “sikat at hindi kilala,” at sa huli ay nagtagumpay siya. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bingi at bulag, ang 80-taong-gulang na si Degas ay patuloy na dumalo sa mga eksibisyon at auction.

64x59 cm
1879
presyo
$37.043 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

"Ang mga ballerina ay palaging para sa akin ay isang dahilan lamang upang ilarawan ang mga tela at makuha ang paggalaw," sabi ni Degas. Ang mga eksena mula sa buhay ng mga mananayaw ay tila na-espiya: ang mga batang babae ay hindi nagpo-pose para sa artista, ngunit naging bahagi lamang ng kapaligiran na nahuli ng tingin ni Degas. Ang “Resting Dancer” ay ibinenta sa halagang $28 milyon noong 1999, at wala pang 10 taon mamaya ito ay binili sa halagang $37 milyon—ngayon ito ang pinakamahal na gawa ng artist na inilagay para sa auction. Binigyang-pansin ni Degas ang mga frame, idinisenyo mismo ang mga ito at ipinagbawal ang mga ito na baguhin. I wonder kung anong frame ang naka-install sa painting na nabili?

24

"Pagpipinta"

May-akda

Joan Miro

Isang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1893–1983
Estilo abstract na sining

Sa panahon ng Digmaang Sibil ng Espanya, ang artista ay nasa panig ng Republikano. Noong 1937, tumakas siya mula sa pasistang rehimen patungong Paris, kung saan namuhay siya sa kahirapan kasama ang kanyang pamilya. Sa panahong ito, ipininta ni Miro ang pagpipinta na "Tulong sa Espanya!", na iginuhit ang atensyon ng buong mundo sa dominasyon ng pasismo.

89x115 cm
1927
presyo
$36.824 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Ang pangalawang pamagat ng pagpipinta ay "Blue Star". Ipininta ito ng artista sa parehong taon nang ipahayag niya: "Gusto kong patayin ang pagpipinta" at walang awang kinukutya ang mga canvases, kinakamot ang pintura gamit ang mga kuko, idinikit ang mga balahibo sa canvas, tinatakpan ang mga gawa ng basura. Ang kanyang layunin ay i-debunk ang mga alamat tungkol sa misteryo ng pagpipinta, ngunit nang makayanan ito, lumikha si Miro ng kanyang sariling mito - surreal abstraction. Ang kanyang "Pagpipinta" ay nabibilang sa cycle ng "dream paintings". Sa auction, apat na mamimili ang nakipaglaban para dito, ngunit isang incognito na tawag sa telepono ang nalutas ang hindi pagkakaunawaan, at ang "Pagpinta" ay naging pinakamahal na pagpipinta ng artist.

25

"Blue Rose"

May-akda

Yves Klein

Isang bansa France
Mga taon ng buhay 1928–1962
Estilo pagpipinta ng monochrome

Ang artista ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga pintor, ngunit nag-aral ng mga wikang oriental, nabigasyon, ang craft ng isang frame gilder, Zen Buddhism at marami pa. Ang kanyang personalidad at bastos na mga kalokohan ay maraming beses na mas kawili-wili kaysa sa mga monochrome painting.

153x199x16 cm
1960
presyo
$36.779 milyon
naibenta noong 2012
sa auction ni Christie

Ang unang eksibisyon ng monochromatic yellow, orange, at pink na mga gawa ay hindi nakapukaw ng interes ng publiko. Nasaktan si Klein at sa susunod ay nagpakita ng 11 magkaparehong canvases, pininturahan ng ultramarine na hinaluan ng espesyal na synthetic resin. Pina-patent pa niya ang pamamaraang ito. Ang kulay ay nawala sa kasaysayan bilang "internasyonal na Klein blue." Nagbenta rin ang artista ng kawalan, gumawa ng mga painting sa pamamagitan ng paglalantad ng papel sa ulan, pagsunog sa karton, paggawa ng mga print ng katawan ng isang tao sa canvas. Sa madaling salita, nag-eksperimento ako sa abot ng aking makakaya. Upang lumikha ng "Blue Rose" gumamit ako ng mga dry pigment, resin, pebbles at isang natural na espongha.

26

"Sa Paghahanap kay Moses"

May-akda

Sir Lawrence Alma-Tadema

Isang bansa Britanya
Mga taon ng buhay 1836–1912
Estilo neoclassicism

Si Sir Lawrence mismo ang nagdagdag ng prefix na "alma" sa kanyang apelyido para mailista muna siya sa mga art catalogue. Sa Victorian England, ang kanyang mga pagpipinta ay labis na hinihiling na ang artist ay iginawad sa isang kabalyero.

213.4x136.7 cm
1902
presyo
$35.922 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ang pangunahing tema ng akda ni Alma-Tadema ay sinaunang panahon. Sa kanyang mga pagpipinta, sinubukan niyang ilarawan ang panahon ng Imperyo ng Roma sa pinakamaliit na detalye, para dito nagsagawa pa siya ng mga arkeolohiko na paghuhukay sa Apennine Peninsula, at sa kanyang bahay sa London ay ginawa niya ang makasaysayang interior ng mga taong iyon. Ang mga paksang mitolohiya ay naging isa pang mapagkukunan ng inspirasyon para sa kanya. Ang artista ay labis na hinihiling sa kanyang buhay, ngunit pagkatapos ng kanyang kamatayan ay mabilis siyang nakalimutan. Ngayon ay muling binubuhay ang interes, gaya ng pinatutunayan ng halaga ng pagpipinta na "In Search of Moses," na pitong beses na mas mataas kaysa sa pagtatantya bago ang pagbebenta.

27

"Larawan ng isang natutulog na hubad na opisyal"

May-akda

Lucian Freud

Isang bansa Germany,
Britanya
Mga taon ng buhay 1922–2011
Estilo matalinghagang pagpipinta

Ang artista ay apo ni Sigmund Freud, ang ama ng psychoanalysis. Matapos ang pagtatatag ng pasismo sa Alemanya, ang kanyang pamilya ay lumipat sa Great Britain. Ang mga gawa ni Freud ay nasa Wallace Collection Museum sa London, kung saan wala pang kontemporaryong artista ang naunang nagpakita.

219.1x151.4 cm
1995
presyo
$33.6 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Habang ang mga naka-istilong artista noong ika-20 siglo ay lumikha ng mga positibong "mga spot ng kulay sa dingding" at ibinenta ang mga ito ng milyun-milyon, si Freud ay nagpinta ng mga napaka-naturalistic na mga pintura at ibinenta ang mga ito nang higit pa. "Nakukuha ko ang mga iyak ng kaluluwa at ang pagdurusa ng kumukupas na laman," sabi niya. Naniniwala ang mga kritiko na ang lahat ng ito ay "pamana" ni Sigmund Freud. Ang mga kuwadro na gawa ay aktibong ipinakita at matagumpay na naibenta na ang mga eksperto ay nagsimulang mag-alinlangan: mayroon ba silang hypnotic na katangian? Ang Portrait of a Nude Sleeping Official, na ibinebenta sa auction, ayon sa Sun, ay binili ng isang connoisseur ng kagandahan at bilyunaryo na si Roman Abramovich.

28

"Biyolin at Gitara"

May-akda

Xisang Gris

Isang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1887–1927
Estilo kubismo

Ipinanganak sa Madrid, kung saan nagtapos siya sa School of Arts and Crafts. Noong 1906 lumipat siya sa Paris at pumasok sa bilog ng mga pinaka-maimpluwensyang artista ng panahon: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, at nagtrabaho din kasama si Sergei Diaghilev at ang kanyang tropa.

5x100 cm
1913
presyo
$28.642 milyon
naibenta sa 2010
sa auction kay Christie

Gris, ni sa aking sariling salita, ay nakikibahagi sa "planar, arkitektura ng kulay." Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay tiyak na naisip: hindi siya nag-iwan ng isang random na stroke, na ginagawang katulad ng pagkamalikhain sa geometry. Ang artist ay lumikha ng kanyang sariling bersyon ng cubism, bagaman lubos niyang iginagalang si Pablo Picasso, ang founding father ng kilusan. Inialay pa nga ng kahalili ang kanyang unang obra sa istilong cubist, "Tribute to Picasso," sa kanya. Ang pagpipinta na "Violin and Guitar" ay kinikilala bilang namumukod-tanging sa gawa ng artist. Sa panahon ng kanyang buhay, si Gris ay sikat at pinapaboran ng mga kritiko at kritiko ng sining. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa pinakamalaking museo sa mundo at pinananatili sa mga pribadong koleksyon.

29

"LarawanMga Patlang ng Eluard"

May-akda

Salvador Dali

Isang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1904–1989
Estilo surrealismo

"Surrealism is me," sabi ni Dali nang siya ay pinatalsik mula sa surrealist group. Sa paglipas ng panahon, siya ay naging pinakasikat na surrealist artist. Ang trabaho ni Dali ay nasa lahat ng dako, hindi lamang sa mga gallery. Halimbawa, siya ang nakaisip ng packaging para sa Chupa Chups.

25x33 cm
1929
presyo
$20.6 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Noong 1929, ang makata na si Paul Eluard at ang kanyang asawang Ruso na si Gala ay dumating upang bisitahin ang dakilang provocateur at brawler na si Dali. Ang pagpupulong ay ang simula ng isang kuwento ng pag-ibig na tumagal ng higit sa kalahating siglo. Ang pagpipinta na "Portrait of Paul Eluard" ay ipininta sa makasaysayang pagbisitang ito. "Nadama ko na ipinagkatiwala sa akin ang responsibilidad na makuha ang mukha ng makata, kung saan ninakaw ko ang Olympus ng isa sa mga muse," sabi ng artist. Bago nakilala si Gala, siya ay isang birhen at naiinis sa kaisipang makipagtalik sa isang babae. Umiral ang love triangle hanggang sa kamatayan ni Eluard, pagkatapos nito ay naging Dali-Gala duet.

30

"Anniversary"

May-akda

Marc Chagall

Isang bansa Russia, France
Mga taon ng buhay 1887–1985
Estilo avant-garde

Si Moishe Segal ay isinilang sa Vitebsk, ngunit noong 1910 ay lumipat siya sa Paris, binago ang kanyang pangalan, at naging malapit sa mga nangungunang avant-garde artist noong panahon. Noong 1930s, sa panahon ng pag-agaw ng kapangyarihan ng mga Nazi, umalis siya patungong Estados Unidos sa tulong ng American consul. Bumalik lang siya sa France noong 1948.

80x103 cm
1923
presyo
$14.85 milyon
naibenta noong 1990
sa Sotheby's auction

Ang pagpipinta na "Anniversary" ay kinikilala bilang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist. Naglalaman ito ng lahat ng mga tampok ng kanyang gawain: ang mga pisikal na batas ng mundo ay nabura, ang pakiramdam ng isang fairy tale ay napanatili sa tanawin ng burges na buhay, at ang pag-ibig ay nasa gitna ng balangkas. Hindi nakuha ni Chagall ang mga tao mula sa buhay, ngunit mula lamang sa memorya o imahinasyon. Ang pagpipinta na "Anniversary" ay naglalarawan sa artist mismo at sa kanyang asawang si Bela. Ang pagpipinta ay naibenta noong 1990 at hindi na nai-auction mula noon. Kapansin-pansin, ang New York Museum of Modern Art MoMA ay may eksaktong pareho, sa ilalim lamang ng pangalang "Birthday". Sa pamamagitan ng paraan, ito ay isinulat nang mas maaga - noong 1915.

inihanda ang proyekto
Tatiana Palasova
ang rating ay pinagsama-sama
ayon sa listahan www.art-spb.ru
tmn magazine No. 13 (Mayo-Hunyo 2013)

Panimula p.3
1. Mga artist at artistikong asosasyon ng 20s p.5
2. Mga artista at artistikong asosasyon ng dekada 30 p.11
Sanggunian p.20

Panimula

Ang Oktubre 1917 ay nagbukas ng isang bagong panahon hindi lamang sa buhay panlipunan, kundi pati na rin sa buhay ng sining. Ang anumang rebolusyon ay sumisira ng isang bagay, at pagkatapos ay ang paglikha ng isang bagong bagay ay nagsisimula. Ang nagaganap ay hindi isang simpleng pag-unlad, ngunit isang mapagpasyang muling kagamitan ng mga pundasyon ng nakaraang panlipunan, pampulitika, ideolohikal at iba pang mga uri ng istruktura, kabilang ang sining.
Ang rebolusyon ay naglabas ng hindi bababa sa dalawang problema. Ang unang problema ay ang klasismo ng sining. Ang pagtatangkang malapitan itong iugnay sa tunggalian ng uri ay humantong sa pagbaluktot ng multifunctional na kalikasan nito. Ang isang partikular na pinasimple na pag-unawa sa uri ng katangian ng sining ay ipinakita sa mga aktibidad ng kilalang Proletkult. Ang elemento ng pakikibaka ay humantong sa pagkawasak ng mga monumento ng kultura, na dulot hindi lamang ng mga aksyong militar noong digmaang sibil at interbensyon ng dayuhan, kundi pati na rin ng mga patakarang naglalayong durugin ang kulturang burgis. Kaya, marami ang nasira o nawasak mga sculptural monuments, mga gawa ng sinaunang arkitektura na nauugnay sa relihiyosong kulto.
Ang pangalawang problema ay ang problema ng class politics sa sining. Lahat ng pwersa ay kasangkot sa paglutas nito: "burges" at "proletaryong", mapanira at malikhain, Sobyet at di-Sobyet, "kaliwa" at "kanan", kultural at ignorante, propesyonal at baguhan.
Ang mga prinsipyo ng panlipunang pag-unlad na ipinahayag ng estado ay higit na tinutukoy ang unti-unting paggalaw ng sining. Nagkaroon ng isang uri ng layering ng mga puwersa, mula sa pagdaragdag kung saan nabuo ang isang vector ng totoong estado ng sining. Sa isang banda, ito ang kapangyarihan ng self-development ng sining, kung saan ang mga pattern ng paggalaw ng mga form na nakapaloob sa likas na artistikong pagkamalikhain ay makikita; sa kabilang banda - ang impluwensya ng mga pwersang panlipunan, pampublikong institusyon, interesado dito at hindi sa ibang kilusan ng sining, sa ilang partikular na anyo nito. Pangatlo, ang mga dikta ng patakaran ng estado, na, umaasa sa mga pwersang panlipunan o hindi umaasa sa kanila, ay nagkaroon ng walang kondisyong epekto sa istruktura ng sining, sa kakanyahan nito, sa ebolusyonaryo at rebolusyonaryong potensyal nito. Mula noong huling bahagi ng 1920s, malinaw na sinimulan ng pulitika na baluktutin ang normal na proseso ng pag-unlad ng sining, upang ipilit ito sa pamamagitan ng pagbabawal o pagkondena sa ilang "di-proletaryong" pagpapakita.

1. Mga artist at artistikong asosasyon ng 20s.

Ang 1920s ay isang magulong panahon para sa sining. Nagkaroon ng maraming iba't ibang grupo. Ang bawat isa sa kanila ay naglagay ng isang plataporma, bawat isa ay lumabas na may sariling manifesto. Ang sining, nahuhumaling sa ideya ng paghahanap, ay magkakaiba; ito ay namumula at namumula, sinusubukang makasabay sa panahon at tumingin sa hinaharap.
Ang pinakamahalagang grupo, na ang mga deklarasyon at malikhaing kasanayan ay sumasalamin sa mga pangunahing proseso ng malikhaing noong panahong iyon, ay ang AHRR, OST at "4 Arts" (8, p. 87).
Ang grupong AHRR (Association of Artists of Revolutionary Russia) ay bumangon noong 1922 (noong 1928 ito ay pinalitan ng pangalan na AHRR - Association of Artists of the Revolution). Ang core ng AHRR ay nabuo pangunahin mula sa mga dating kalahok ng Association of Travelling Exhibitions. Ang deklarasyon ng AHRR ay itinakda sa katalogo ng eksibisyon ng 1922: "Ang aming tungkuling sibiko sa sangkatauhan ay ang masining at dokumentaryo na pagtatala ng pinakadakilang sandali sa kasaysayan sa rebolusyonaryong udyok nito. Ilarawan natin ngayon: ang buhay ng Pulang Hukbo, ang buhay ng mga manggagawa, magsasaka, mga rebolusyonaryo at mga bayani ng paggawa.”
Sinikap ng mga artista ng AHRR na gawing accessible ang kanilang pagpipinta sa mass audience noong panahong iyon. Sa kanilang trabaho, madalas nilang mekanikal na ginagamit ang pang-araw-araw na wika ng pagsulat ng mga yumaong Wanderers. Inayos ng AHRR ang isang bilang ng mga pampakay na eksibisyon ng sining, ang mismong mga pangalan ay: "Buhay at Buhay ng mga Manggagawa" (1922), "Buhay at Buhay ng Pulang Hukbo" (1923), "Rebolusyon, Buhay at Paggawa" (1924 - 1925), "Buhay at Buhay ng mga Bansa USSR" (1926) - pag-usapan ang mga gawain ng direktang sumasalamin sa modernong katotohanan.
Ang kakaibang kaugalian ng mga "Akhrovites" ay nagpunta sila sa mga pabrika at pabrika, sa baraks ng Red Army, upang obserbahan ang buhay at pang-araw-araw na buhay ng kanilang mga bayani doon. Sa panahon ng paghahanda ng eksibisyon na "Buhay at Buhay ng mga Tao ng USSR," binisita ng mga kalahok nito ang pinakamalayo na sulok ng bansang Sobyet at nagdala mula doon ng isang makabuluhang bilang ng mga sketch na naging batayan ng kanilang mga gawa. Malaki ang papel ng mga artista ng AHRR sa pagbuo ng mga bagong tema, na nakakaimpluwensya sa mga kinatawan ng iba't ibang artistikong grupo noong panahong iyon.
Kabilang sa mga artista ng AHRR, ang gawa ni I. I. Brodsky (1883 - 1939) ay namumukod-tangi, na nagtakda bilang kanyang gawain ng isang tumpak, dokumentaryong pagpaparami ng mga kaganapan at bayani ng rebolusyon. Ang kanyang mga canvases na nakatuon sa mga aktibidad ng V.I. Ang kapanganakan ng pictorial Leniniana ay batay sa pagpipinta na "Lenin's Speech at the Putilov Factory", na ipininta ni Brodsky noong 1929, at isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa, "Lenin in Smolny" (1930), na naglalarawan kay Lenin sa kanyang opisina sa trabaho. . Maraming beses na nakita ni Brodsky si Lenin at gumawa ng mga sketch tungkol sa kanya (12, p. 92).
Ang mga gawa ni Brodsky ay may mahalagang kalidad - pagiging tunay, na may malaking kahalagahang pang-edukasyon sa kasaysayan. Gayunpaman, ang pagnanais para sa dokumentasyon kung minsan ay humantong sa isang empirical, naturalistic na interpretasyon ng kaganapan. Ang artistikong kahalagahan ng mga pagpipinta ni Brodsky ay nabawasan din ng dry naturalism at dietetic coloring na katangian ng isang makabuluhang bahagi ng kanyang mga gawa.
Ang master ng portrait-painting na si G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) ay sumali sa AHRR noong 1923. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang "Delegate" (1927) at "Chairwoman" (1928), kung saan ipinakita ng artist ang mga tipikal na socio-psychological na katangian ng isang babae ng bagong lipunan, isang aktibong kalahok sa produksyon at pampublikong buhay mga bansa. Ang "Chairwoman" nito ay isang manggagawa-aktibista. Ang kanyang postura at kilos ay nagpapakita ng pagpapahalaga sa sarili at pagiging relaxed bilang katibayan ng posisyon ng isang babae sa bagong lipunang nagtatrabaho.
Kabilang sa mga pintor ng portrait ng AHRR, si S. V. Malyutin (1859 - 1937) ay gumaganap ng isang kilalang papel. Ang portrait gallery na sinimulan niya bago ang rebolusyon ay dinagdagan ng mga larawan ni V.K. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-kawili-wili ay ang larawan ni Dmitry Furmanov, na ipininta noong 1922, na nakakumbinsi na nagpapakita ng imahe ng manunulat-mandirigma, isang kinatawan ng bagong, Sobyet na intelihente.
Ang isang aktibong kalahok sa mga eksibisyon ng AHRR ay isang pangunahing pintor ng Russia noong ika-19 - ika-20 siglo. A. E. Arkhipov. Noong 20s, lumikha si Arkhipov ng mga larawan ng mga babaeng magsasaka - "Babae na may Jug", "Babaeng Magsasaka sa isang Berdeng Apron", "Babaeng Magsasaka na may Pink Scarf sa Kanyang Kamay", atbp. Ang mga kuwadro na ito ay pininturahan ng isang malawak na brush, may ugali at makulay.
Ang malapit na pagmamasid at pansin sa mga bagong phenomena ng buhay ay minarkahan ang gawain ni E. M. Cheptsov (1874 - 1943), na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Wandering sa larangan ng pang-araw-araw na genre. Ang kanyang pagpipinta na "Meeting of the Village Cell" (1924), na naglalarawan sa mga aktibista sa nayon ng mga unang taon ng rebolusyon, ay malawak na kilala. Ang pagmamasid at katapatan ng may-akda, ang pagiging simple ng hitsura ng kanyang mga karakter, at ang kawalang-sining ng mga nakapaligid na accessories ay ginawa ang maliit, katamtamang gawa ng sining ni Cheptsov na isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na halimbawa ng sining ng AHRR.
Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa isa sa mga gawa ng landscape pintor B. N. Yakovlev (1880 - 1972). Ang kanyang "Transport is getting better" (1923) ay isang katamtaman at sa parehong oras malalim na kuwento tungkol sa mahirap na panahon ng mga unang taon ng rebolusyon, tungkol sa araw-araw na gawain ng mga tao. Mahinahon at simpleng pininturahan, ang pagpipinta na ito ay isa sa mga unang halimbawa ng pang-industriyang tanawin sa pagpipinta ng Sobyet.
Ang isang espesyal na lugar sa pagpipinta ng AHRR ay inookupahan ng gawain ni M. B. Grekov (1882-1934), ang nagtatag ng genre ng labanan sa sining ng Sobyet. Sa loob ng isang dekada at kalahati - hanggang sa katapusan ng kanyang buhay - siya ay abala sa paglikha ng isang serye ng mga pagpipinta na nakatuon sa First Cavalry Army, kung saan ang mga kampanya at labanan ay nakibahagi ang artist. Sa kanyang trabaho, lalo na sa unang bahagi ng panahon, ang mga tradisyon ng Vereshchagin ay malinaw na nagpapadama sa kanilang sarili. Ang pangunahing karakter ni Grekov ay isang taong kinuha sa kanilang sarili ang lahat ng mga paghihirap ng digmaan. Ang mga gawa ni Grekov ay nagpapatibay sa buhay. Sa gayong mga pagpipinta noong kalagitnaan ng 20s bilang "Tachanka" (1925), ang katumpakan ng Wanderer ng imahe ay pinagsama sa romantikong kagalakan. Nang maglaon, sa pagpapatuloy ng natatanging pictorial chronicle ng First Cavalry Army, lumikha si Grekov ng mga epic canvases, kung saan ang mga painting na "To the Kuban" at "Trumpeters of the First Cavalry Army" (parehong 1934) ay namumukod-tangi.
Kasama ng AHRR, na kinabibilangan ng mga artista ng mas matanda at gitnang henerasyon na nagkaroon na ng malawak na malikhaing karanasan noong panahon ng rebolusyon, ang grupong OST (Society of Easel Painters), na inorganisa noong 1925, ay gumanap ng aktibong papel sa buhay ng sining ng Ang mga taong iyon ay pinagsama ang artistikong kabataan ng unang unibersidad ng sining ng Sobyet - VHU-TEMASA. (3)
Ang pangunahing gawain ng asosasyon ay isinasaalang-alang ng mga artista ng OST, gayundin ng mga Akrovites, na ang pakikibaka para sa muling pagkabuhay at karagdagang pag-unlad ng easel painting sa modernong tema o kasama modernong nilalaman. Gayunpaman, ang mga malikhaing aspirasyon at pamamaraan ng mga OST artist ay may mga katangiang pagkakaiba. Sinikap nilang maipakita sa mga indibidwal na katotohanan ang mga bagong katangian ng kanilang kontemporaryong panahon kaugnay ng nakaraang panahon. Ang kanilang pangunahing tema ay ang industriyalisasyon ng Russia, na kamakailan ay naging agraryo at atrasado, at ang pagnanais na ipakita ang dinamika ng relasyon sa pagitan ng modernong produksyon at mga tao.
Ang isa sa mga pinaka mahuhusay na kinatawan ng pangkat ng OST ay si A. A. Deineka. Ang pinakamalapit na deklarasyon ng OST ay ang kanyang mga pagpipinta: "Sa pagtatayo ng mga bagong workshop" (1925), "Bago bumaba sa minahan" (1924), "Footballers" (1924), "Mga manggagawa sa tela" (1926). Ang makasagisag na mga pathos ng Deineka - ang balangkas ay nakahanap ng isang paraan sa mga journalistic graphics, kung saan ang artist ay kumilos bilang isang ilustrador sa mga magazine para sa malawak na pagbabasa - tulad ng "At the Machine", "Atheist at the Machine", "Spotlight", " Kabataan", atbp. Ang sentral na gawain ng Deineka's Ostov period ay ang pagpipinta na "Defense of Petrograd", na ipininta noong 1928 para sa thematic exhibition na "10 Years of the Red Army". Ang gawaing ito ay nagpapakita ng mga pangunahing pathos at kahulugan ng mga makabagong tradisyon ng pinaka nagbibigay-buhay na OST at kung saan natagpuan ang kanilang pag-unlad sa sining ng Sobyet ng mga sumunod na panahon. Ipinakita ni Deineka sa larawang ito ang lahat ng pagka-orihinal ng kanyang istilo, binawasan ang paraan ng pagpapahayag sa pinakamababa, ngunit ginawa itong napakaaktibo at epektibo (8, p. 94).
Kabilang sa iba pang mga miyembro ng OST, si Yu I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin ay pinakamalapit kay Deineka sa likas na katangian ng kanilang mga gawa sa mga tuntunin ng estilo. Ang mga akdang "Heavy Industry" ni Pimenov, "The Hamburg Uprising" ni Williams, "The Ball Has Flew Away" at "I Love Life" ni Luchishkin, na nilikha sa parehong panahon, ay ipinahayag at innovatively na sumasalamin sa mahahalagang katangian ng modernong katotohanan,
Sa kaibahan sa pangkat ng Ostov, na kung saan ay kabataan sa komposisyon nito, mayroong dalawang iba pang mga malikhaing grupo na sumakop sa isang mahalagang lugar sa artistikong buhay ng mga taong iyon - "4 Arts" at OMH. (Society of Moscow Artists) - nagkakaisang mga masters ng mas matandang henerasyon, na binuo nang malikhain sa pre-revolutionary times, na tinatrato ang mga problema ng pagpapanatili ng pictorial culture na may espesyal na paggalang at itinuturing na ang wika mismo, ang plastic form, ay isang napakahalagang bagay. bahagi ng gawain. Ang lipunang "4 Arts" ay bumangon noong 1925. Ang pinakakilalang miyembro ng pangkat na ito ay P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
Ang mga gawa ni Petrov-Vodkin, tulad ng "After the Battle" (1923), "Girl at the Window" (1928), "Anxiety" (1934), pinaka-ganap na nagpapahayag ng etikal na kahulugan ng iba't ibang mga panahon - mga milestone sa pag-unlad ng lipunang Sobyet . Ang kanyang pagpipinta na "The Death of a Commissar" (1928), tulad ng "Defense of Petrograd" ni Deineka, ipininta na may kaugnayan sa eksibisyon na "10 Years of the Red Army", sa kaibahan sa partikular na pamamahayag - ang batayan ng mga makasagisag na desisyon ni Deineka - ay nagbibigay ang kanyang pilosopikal na solusyon sa problema: sa pamamagitan ng mga katotohanang nagsa-generalize ng mga ideya tungkol sa mga kaganapang nagaganap sa buong planetang Earth, sa pamamagitan ng pagtukoy sa etikal na diwa ng mga kaganapang ito. Ang commissar ay isang tao na, sa buhay at sa kamatayan, ay gumaganap ng isang gawa sa ngalan ng sangkatauhan. Ang kanyang imahe ay isang pagpapahayag ng hindi magagapi ng mga maliliwanag na ideya na mananalo sa hinaharap, anuman at sa kabila ng pagkamatay ng mga pinaka-aktibong tagapagdala ng mga ideyang ito. Ang pamamaalam ng naghihingalong commissar ay parang pamamaalam sa isang detatsment ng mga mandirigma bago ang pag-atake - siya ay puno ng pananampalataya sa tagumpay.
Ang mga pilosopikal na ideya ni Petrov-Vodkin ay nakakahanap ng sapat na pagpapahayag ng plastik. Ang itinatanghal na espasyo ay tila umaabot sa ibabaw ng spherical surface ng planeta. Ang kumbinasyon ng direkta at baligtad na pananaw na nakakumbinsi at madamdaming naghahatid ng "planetary" na panorama ng kung ano ang nangyayari. Ang mga problema sa imagery ay malinaw ding naresolba sa color system. Sa kanyang pagpipinta, ang artist ay sumunod sa prinsipyo ng tricolor, na parang nagpapakilala sa mga pangunahing kulay ng lupa: malamig na asul na hangin, asul na tubig; kayumanggi-pulang lupa; luntian ng mundo ng halaman.
Ang isang makabuluhang marka sa kasaysayan ng pagpipinta ng Sobyet ay iniwan ng mga artista ng pangkat ng OMH, na inayos noong 1927. Marami sa kanila ang naging malapit sa isa't isa sa mga pre-rebolusyonaryong taon sa asosasyong "Jack of Diamonds". Ang pinaka-aktibo sa OMX ay P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky, A. A. Osmerkin.
Sa kanilang deklarasyon, sinabi ng mga artista ng OMKh: "Hinihiling namin mula sa artist ang pinakadakilang pagiging epektibo at pagpapahayag ng mga pormal na aspeto ng kanyang trabaho, na bumubuo ng isang hindi mapaghihiwalay na bahagi mula sa ideolohikal na bahagi ng huli." Pakiramdam ng programang ito ay malapit sa grupo ng 4 Arts.
Ang isa sa mga pinakatanyag na exponents ng programang ito sa sining ng Sobyet sa mga unang taon ay si P. P. Konchalovsky. Hinahangad niyang pagsamahin ang mga uso na "Jack of Diamonds" sa pamana ng mga makatotohanang artista ng Russia, na lubos na nagpalawak ng kanyang malikhaing hanay at nakatulong sa kanya na mas organikong pumasok sa sining ng Sobyet noong 20s. Ang mga gawa ng master bilang "Self-portrait kasama ang kanyang asawa" (1922), "Portrait of O. V. Konchalovskaya" (1925), "Portrait of his daughter Natasha" (1925) ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang coloristic na integridad at ang intensity ng mga indibidwal na kulay . Sa parehong mga taon, sinubukan ni P. P. Konchalovsky na lumikha pampakay na mga pagpipinta, kung saan ang pinakamahusay ay ang "Novgorodians" (1921) at "From the Fair" (1926). Ang artista ay interesado sa mga tradisyonal na larawan ng "mga magsasaka ng Russia" - makapangyarihan, matipuno, nabubuhay na napapalibutan ng mga pamilyar na bagay, ayon sa mga batas ng mga lumang kaugalian at, kasama ang kanilang kapaligiran, na bumubuo ng isang bagay na karaniwang pambansa.

2. Mga artista at artistikong asosasyon ng dekada 30.

Ang 30s sa kasaysayan ng sining ng Sobyet ay isang mahirap na panahon, na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng katotohanan mismo. Ang pagkakaroon ng pag-unawa sa malaking pagbabago na nagaganap sa lipunan, ang mga kalunos-lunos ng industriyalisasyon, ang mga masters ng sining, sa parehong oras, halos hindi napansin ang mga pangunahing kontradiksyon sa lipunan, ay hindi nagpahayag ng mga salungatan sa lipunan na nauugnay sa pagpapalakas ng kulto ng personalidad ni Stalin. (1).
Noong Abril 23, 1932, pinagtibay ng Komite Sentral ng Partido ang isang resolusyon na "Sa muling pagsasaayos ng mga organisasyong pampanitikan at masining." Ang utos na ito ay nag-liquidate sa lahat ng dati nang umiiral na mga artistikong grupo at nagpahiwatig ng mga pangkalahatang paraan at anyo ng pagpapapanatag at pag-unlad ng lahat ng malikhaing pwersa ng sining ng Sobyet. Ang resolusyon ay nagpapahina sa paghaharap sa pagitan ng mga indibidwal na asosasyon, na naging labis na pinalubha sa pagpasok ng 20s at 30s. Ngunit sa kabilang banda, tumindi ang hilig sa pag-iisa sa masining na buhay. Ang mga eksperimento sa avant-garde na nagparamdam sa kanilang sarili noong 1920s ay naantala. Isang pakikibaka ang naganap laban sa tinatawag na pormalismo, bilang isang resulta kung saan maraming mga artista ang napilitang talikuran ang kanilang mga naunang pananakop.
Ang paglikha ng iisang unyon ay kasabay ng pag-apruba ng prinsipyo ng sosyalistang realismo na binuo ni A.M. Gorky sa First All-Union Congress of Soviet Writers. Ipinapalagay ng sosyalistang realismo ang pamana ng mga tradisyon ng makatotohanan sining noong ika-19 na siglo V. at naglalayon ang mga artista na ilarawan ang realidad sa rebolusyonaryong pag-unlad nito. Gayunpaman, tulad ng ipinakita ng karagdagang pagsasanay ng sining ng Sobyet, ang terminong "sosyalistang realismo" ay naging hindi sapat na kapasidad at sapat para sa kumplikado at multi-layered na mga uso. bagong kultura. Ang pormal na aplikasyon nito sa artistikong kasanayan ay kadalasang nagbigay dito ng papel ng isang dogmatikong preno sa pag-unlad ng sining. Sa mga kondisyon ng panlipunang restructuring noong 80s, ang terminong "sosyalistang realismo" ay napapailalim sa talakayan sa mga propesyonal na lupon sa iba't ibang antas.
Marami sa mga progresibong uso na lumitaw noong dekada 20 ay patuloy na umusbong noong dekada 30. Nalalapat ito, halimbawa, sa mabungang pakikipag-ugnayan ng iba't ibang pambansang paaralan.
Sa malaki mga eksibisyon ng sining, na inayos noong 1930s, lumahok ang mga artista mula sa lahat ng republika ng Unyong Sobyet. Kasabay nito, ang mga eksibisyon ng republika ay isinaayos sa Moscow na may kaugnayan sa mga dekada ng pambansang sining. Ang mga isyu ng pambansang sining ay partikular na nababahala sa mga artista mula sa mga republikang fraternal.
Noong 1930s, lumawak ang pagsasagawa ng mga utos ng gobyerno at malikhaing paglalakbay para sa mga artista. Ang pinakamalaking eksibisyon ay nakaayos: "15 taon ng Pulang Hukbo", "20 taon ng Pulang Hukbo", "20 taon ng Komsomol", "Industriya ng Sosyalismo", "Eksibisyon pinakamahusay na mga gawa Soviet painting" at iba pa. Ang mga artistang Sobyet ay lumahok sa mga internasyonal na eksibisyon sa Paris at New York, nagsasagawa sila ng trabaho para sa All-Union Agricultural Exhibition sa Moscow, na may kaugnayan sa paghahanda kung saan nilikha ang isang makabuluhang bilang ng mga monumental at pandekorasyon na mga gawa, na, sa esensya, ay nangangahulugang isang mahalagang yugto sa muling pagbabangon. ng monumental na pagpipinta bilang isang malayang anyo na may sariling mga layunin at pattern ng sining. Ang mga gawang ito ay nagpahayag ng pagkahilig ng sining ng Sobyet patungo sa monumentalismo.
Isa sa mga pinaka makabuluhang kinatawan pagpipinta ng easel Ang panahong ito ay naging artista na si Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973), na ibinalik ang kanyang trabaho sa pinakamataas na tradisyon ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo. Binibigyang-kahulugan niya ang pamana nina Surikov at Repin, na nagpapakilala ng bagong rebolusyonaryong nilalaman sa kanyang mga gawa, na naaayon sa panahon. Mula sa puntong ito, ang mga pagpipinta ni Ioganson na "Pagtatanong ng mga Komunista" (1933) at "Sa Old Ural Factory" (1937) ay lalong mahalaga.
Ang pagpipinta na "Pagtatanong ng mga Komunista" ay ipinakita sa unang pagkakataon sa eksibisyon na "15 Years of the Red Army". Sa loob nito, ipinakita ng artista ang mga komunista na tumayo upang ipagtanggol ang rebolusyonaryong lupain, at ang kanilang mga kalaban - ang White Guards, na sinubukang sakalin ang estado ng Sobyet sa panahon ng digmaang sibil. Isinasagawa ng artist ang kanyang makasaysayang generalization sa mga tradisyon ng Repin, sa pamamagitan ng pagpapakita ng isang partikular na aksyon sa isang partikular na setting. Hindi natin alam ang mga pangalan ng mga taong inilalarawan dito, lalo na't ang imahe sa kabuuan ay nakikita natin bilang makasaysayang unibersal. Ang mga komunista sa pelikula ni Ioganson ay napapahamak sa kamatayan. Ngunit ipinakita ng artista ang kanilang kalmado, tapang, lakas at katatagan, na kaibahan sa pagkabalisa, nerbiyos, sikolohikal na pagkakawatak-watak na naghahari sa grupo ng mga White Guards, walang kapangyarihan hindi lamang sa sitwasyong ito, ngunit, tulad nito, sa harap ng kasaysayan. .
Sa pagpipinta na "At the Old Ural Factory," na isinulat para sa eksibisyon na "Industry of Socialism," inihambing ni Ioganson ang mga larawan ng may-ari ng pabrika at ng manggagawa, kung saan ipinakita niya ang isang pakiramdam ng umuusbong na kamalayan ng uri at panloob na superioridad sa mapagsamantala. Sa pagpipinta na ito, ipinakita ng pintor ang makasaysayang tunggalian sa pagitan ng luma at bago, reaksyunaryo at progresibo, at itinatag ang matagumpay na kapangyarihan ng rebolusyonaryo at progresibo. Ito ang mga bagong katangian ng Soviet historical-revolutionary genre gamit ang halimbawa ng pagpipinta ni Ioganson.
Sa panahong ito, ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng pagkamalikhain ni Sergei Vasilyevich Gerasimov, multifaceted sa mga imahe, tema at genre. Ang pinaka-kapansin-pansin na gawa ng makasaysayang genre sa kanyang trabaho ay ang pagpipinta na "The Oath of the Siberian Partisans" (1933), na nakamamanghang sa kanyang bukas na pagpapahayag, na ipinahayag ng coloristic na pagpapahayag, matalim na pagguhit, at dinamikong komposisyon. Nagtatrabaho sa pang-araw-araw na genre, binigyang pansin ni S. V. Gerasimov ang tema ng magsasaka. Nilapitan ng artista ang solusyon nito sa pamamagitan ng isang larawan, na lumilikha ng isang buong serye ng mga nakakumbinsi na imahe ng magsasaka. Sa panahon ng pagtatayo ng kolektibong nayon ng sakahan, pininturahan niya ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansing larawan, "Collective Farm Watchman" (1933). Kabilang sa mga pinaka makabuluhang gawa pagpipinta ng genre Kasama sa 30s ang pagpipinta na "Collective Farm Holiday" (1937), na ipinakita sa eksibisyon na "Industry of Socialism". Ang pinakamalaking kritiko ng sining ng Sobyet, ang akademya na si I. E. Grabar, ay tumpak at maikli ang pagkilala sa pagpipinta na ito: "Nang lumitaw ang kahanga-hangang canvas na "Collective Farm Holiday", isa sa mga pinakamahusay na pagpipinta sa eksibisyon na "Industry of Socialism," isang bago, hindi pangkaraniwang paglago ng naging obvious si master. Halos wala sa mga artista ng Sobyet, maliban kay Sergei Gerasimov, ang makayanan ang gayong gawain sa komposisyon, pag-iilaw at kulay, at kahit na sa tulong ng gayong mga simpleng paraan at pamamaraan. Ito ang pinakamaaraw na larawan sa pagpipinta ng Russia noong panahon ng rebolusyon, sa kabila ng katotohanang ito ay isinagawa sa isang pinigilan na plano” (1, p. 189).
Ang "mang-aawit" ng magsasaka ng Sobyet ay si Arkady Aleksandrovich Plastov (1893 - 1983), na konektado sa nayon ng Russia sa pamamagitan ng kanyang pinagmulan. Sa buong buhay niya, lubos siyang naimpluwensyahan ng mga impresyon ng kanyang pagkabata na ginugol sa malapit na komunikasyon sa kalikasan, sa lupain, sa mga magsasaka na naninirahan sa lupaing ito.
Pagkatapos ng Great October Socialist Revolution, si Plastov, masigasig sa trabaho sa kanyang katutubong nayon ng Prislonikhe, na naglalaan ng kanyang libreng oras sa pagpipinta, naipon ang mga sketch at mga impression para sa kanyang hinaharap na mga gawa na nakatuon sa buhay magsasaka. Isa sa mga una makabuluhang gawain Ang pagpipinta ni Plastov na "Bathing the Horses", na puno ng hangin at liwanag, ay ginawa niya para sa eksibisyon na "20 Years of the Red Army". Para sa eksibisyon na "Industriya ng Sosyalismo" nagpinta si Plastov ng isang malaking canvas na "Collective Farm Holiday". Ang isa pang kapansin-pansing gawa ni Plastov mula noon ay ang "The Collective Farm Herd" (1938). Sa lahat ng nakalistang larawan mayroong ilan karaniwang mga tampok. Hindi iniisip ni Plastov ang isang eksena sa genre sa labas ng landscape, sa labas ng kalikasang Ruso, palaging binibigyang kahulugan ng liriko, na inilalantad ang kagandahan nito sa pinakasimpleng pagpapakita. Ang isa pang tampok ng mga gawa ng genre ng Plastov ay ang kawalan ng anumang salungatan o espesyal na sandali sa balangkas na pinili ng artist. Minsan sa kanyang mga pagpipinta, bilang, halimbawa, sa "The Collective Farm Herd," walang mga kaganapan sa lahat, walang nangyayari. Ngunit sa parehong oras, ang artist ay palaging nagsusumikap para sa mala-tula na pagpapahayag ng larawan.
Ang talento ni A. A. Deineka ay nabuo sa sarili nitong paraan noong 30s. Nagpatuloy siya sa kanyang mga nakaraang tema, mga plot, mga paboritong larawan, sistema ng kulay at komposisyon. Totoo, ang kanyang estilo ng pagpipinta ay medyo pinalambot, tulad ng ipinakita ng pinakamahusay na mga gawa ng 30s - "Mother" (1932), "Lunch Break in Donbass" (1935), "Future Pilots" (1938). Ang sports, aviation, isang hubad na sinanay na katawan, laconicism at pagiging simple ng pictorial na wika, ang makikinig na kumbinasyon ng brown-orange at asul ay pinalambot sa ilang mga kaso sa pamamagitan ng liriko, isang sandali ng pagmumuni-muni. Pinalawak din ni Deineka ang thematic framework ng kanyang trabaho, kabilang ang mga kwento mula sa buhay ng mga dayuhang bansa na lumitaw bilang resulta ng mga paglalakbay sa USA, France, Germany at Italy.
Ang isa pang dating miyembro ng OST - Yu I. Pimenov (1903-1977) ay lumikha ng isa sa mga pinakamahusay na pagpipinta ng 30s, "New Moscow" (1937). Ang tanawin ng sentro ng Moscow (Sverdlov Square) ay tila nakikita mula sa isang mabilis na kotse, sa likod ng gulong kung saan nakaupo ang isang kabataang babae na nakatalikod sa manonood. Ang mga bagong gusali ay umaakyat, ang kotse ay tumatakbo nang mabilis, mapusyaw na kulay, ang kasaganaan ng hangin, ang lawak ng espasyo at ang frame ng komposisyon - ang lahat ay puno ng isang maasahin na saloobin.
Noong 30s, nabuo ang pagkamalikhain ng landscape ni G. G. Nissky (1903 - 1987), isang tagasunod ng mga Ostovites, na nagpatibay ng kanilang laconicism at sharpness ng compositional at rhythmic solution. Ganito ang kanyang mga kuwadro na "Autumn" (1932) at "On the Tracks" (1933). Sa mga landscape ni Nyssa, palaging makikita ang pagbabago ng aktibidad ng tao.
Sa mga pintor ng landscape ng mas matandang henerasyon, ang gawain ni N.P. Krymov (1884 - 1958), na lumikha ng sikat na pagpipinta na "Morning in the Central Park of Culture and Leisure na pinangalanang Gorky sa Moscow" noong 1937, ay kawili-wili. Ang malawak na panoramic view ng parke, ang bukas na mga distansya sa likod nito, ang makinis na linya ng abot-tanaw na humahantong sa mata ng manonood lampas sa canvas - lahat ay humihinga ng kasariwaan at kaluwang.
A. Rylov, na ang gawain ay nabuo sa simula ng ika-20 siglo, sa pagpipinta na "Lenin sa Razliv" (1934) ay pinagsasama ang tanawin sa makasaysayang genre, na nakakamit ng isang pakiramdam ng kalawakan ng kalikasan, mga kaisipan, mga damdamin, na nagpapatunay sa makasaysayang optimismo .
Ang pagkahumaling sa mga malalawak na tanawin ay ipinakita sa mga gawa ng maraming pintor mula sa iba't ibang mga republika. Ang atraksyong ito ay nauugnay sa matalas na pakiramdam ng Inang-bayan, katutubong lupain, na lumakas at lumago noong 30s. Ang D. N. Kakabadze (1889 - 1952) sa kanyang "Imeretian Landscape" (1934) ay nagbibigay ng malawak na pagkalat ng mga bundok ng Caucasian na umaabot sa malayo - tagaytay pagkatapos tagaytay, slope pagkatapos slope. Sa gawa ni M. S. Saryan, ang 30s ay minarkahan din ng interes sa pambansang tanawin at mga malalawak na tanawin ng Armenia.
Sa panahong ito, naganap din ang mabungang pag-unlad. portrait na genre, kung saan ang mga artista ng mas matandang henerasyon na P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov at ilang iba pa ay pinaka-maikling ipahayag ang kanilang sarili.
P. P. Konchalovsky, na kilala sa kanyang mga gawa sa karamihan iba't ibang genre pagpipinta, noong 30s at 40s ay lumikha siya ng isang buong serye ng mga larawan ng mga pigura ng agham at sining ng Sobyet. Among pinakamahusay na mga portrait V. V. Sofronitsky sa piano (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). Sa mga gawaing ito, dinadala ni Konchalovsky ang kanyang mahusay na kakayahan upang ipahayag ang buhay sa pamamagitan ng isang sistema ng plastik na kulay. Pinagsasama niya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng lumang sining na may isang makabagong matalas na paningin ng kulay, isang buhay-nagpapatibay, pangunahing, emosyonal na malakas na tunog ng imahe.
Ang tunay na tuktok ng pag-unlad ng portraiture ng panahong iyon ay ang mga gawa ni M. V. Nesterov. Sa kabuuan ng kanyang trabaho, na pinagsama ang ika-19 at ika-20 siglo, pinanatili ni Nesterov ang isang buhay na koneksyon sa buhay. Noong 1930s nakaranas siya ng napakatalino na pagtaas, muling natuklasan ang kanyang talento bilang isang pintor ng portrait. Ang makasagisag na kahulugan sa mga larawan ni Nesterov ay ang pagpapatibay ng malikhaing diwa ng panahon sa pamamagitan ng pagtukoy sa mga malikhaing pathos ng iba't ibang uri ng mga tao na kumakatawan sa panahong ito. Ang bilog ng mga bayani ni Nesterov ay mga kinatawan ng mas lumang henerasyon ng mga intelihente ng Sobyet, mga tao ng mga malikhaing propesyon. Kaya, kabilang sa mga pinaka makabuluhang gawa ni Nesterov ay mga larawan ng mga artista - ang Korin brothers (1930), sculptor I. D. Shadr (1934), academician I. P. Pavlov (1935), surgeon S. S. Yudin (1935), sculptor V. I. Mukhina (1940). Si Nesterov ay kumikilos bilang isang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng portrait ng V. A. Serov. Binibigyang-diin niya ang mga katangian, binibigyang diin ang mga kilos at katangian ng kanyang mga bayani. Ang akademya na si Pavlov ay mahigpit na nakakuyom ang kanyang mga kamao na inilagay sa mesa, at ang pose na ito ay nagpapakita ng katatagan, kaibahan sa kanyang halatang katandaan na edad. Ang Surgeon Yudin ay inilalarawan din sa profile, nakaupo sa isang mesa. Ngunit ang pagpapahayag ng imaheng ito ay batay sa katangian, "lumilipad" na kilos ng kamay na nakataas pataas. Ang nakabukang mga daliri ni Yudin ay tipikal na daliri ng isang siruhano, magaling at malakas, handang tuparin ang kanyang kalooban. Si Mukhina ay inilalarawan sa sandali ng pagkamalikhain. Nag-sculpt siya ng isang iskultura - puro, hindi binibigyang pansin ang artist, ganap na napapailalim sa kanyang salpok.
Ang mga accessory ay ipinakita sa laconically sa mga portrait na ito. Sila ay ganap at aktibong pumasok sa mga katangian ng mga itinatanghal na tao sa kanilang kulay, liwanag, at silweta. Ang pangkulay ng mga portrait ay kapansin-pansing aktibo, puspos ng makikinig, banayad na pagkakatugma ng mga karagdagang tono. Kaya, ang kumplikadong kulay sa larawan ni Pavlov, na binuo sa isang kumbinasyon ng mga pinakamahusay na lilim ng malamig at mainit na tono, ay nagpapakilala sa espirituwal na kalinawan at integridad ng panloob na mundo ng siyentipiko. At sa larawan ng magkakapatid na Korin ay lumapot ito sa malalim na asul, itim, mayaman na kayumanggi, na nagpapahayag ng drama ng kanilang malikhaing estado. Ang mga larawan ni Nesterov ay nagpakilala sa sining ng isang panimulang bago, nagpapatunay sa buhay na prinsipyo, ang malikhaing pagsunog bilang pinakakaraniwan at matingkad na pagpapakita ng estado ng mga tao sa isang panahon ng mataas na sigasig sa paggawa.
Ang artist na pinakamalapit sa Nesterov ay si Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Pinalaki siya sa mga pintor ng Palekh, sinimulan ang kanyang malikhaing landas sa pamamagitan ng pagpipinta ng mga icon, at noong 1911, sa payo ni Nesterov, pumasok siya sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. Lubhang humihingi sa kanyang sarili at sa mga tao, dinala ni Korin ang katangiang ito sa lahat ng kanyang gawain. Si A. M. Gorky, na nakilala niya noong 1931, ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng malikhaing, at sa katunayan sa buhay ng artista sa pangkalahatan ay tinulungan ni Gorky si Korin na maglakbay sa ibang bansa upang pag-aralan ang pinakamahusay na mga monumento ng sining sa mundo.
Marahil ito ang dahilan kung bakit nagsimula ang portrait gallery ng mga siyentipiko, artista, at manunulat sa ating panahon, na nilikha ni Korin sa loob ng maraming taon, sa imahe ni A. M. Gorky (1932). Sa esensya, na sa gawaing ito ang mga pangunahing tampok ng Korin bilang isang pintor ng larawan ay ipinahayag. Ang larawan ng Gorky ay isang tunay na monumental na gawain, kung saan ang isang malinaw na tinukoy na silweta, isang magkakaibang background, isang malawak na pagpuno ng kulay ng malalaking lugar ng canvas, at isang matalim na nagpapahayag na pagguhit ay nagpapahayag ng isang makasaysayang pangkalahatan ng personalidad ng manunulat. Ito, pati na rin ang iba pang mga larawan ng Korin, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malupit na palette na may kasaganaan ng madilim na kulay abo, madilim na asul, kung minsan ay umaabot sa itim, mga tono. Ang hanay na ito, pati na rin ang malinaw na sculpted na hugis ng ulo at pigura ng taong inilalarawan, ay nagpapahayag ng mga emosyonal na katangian ng sariling kalikasan ng artist (6).
Noong 30s, lumikha si Korin ng mga larawan ng mga aktor na sina L. M. Leonidov at V. I. Kachalov, artist M. V. Nesterov, manunulat na si A. N. Tolstoy, siyentipiko na si N. F. Gamaleya. Malinaw na para sa kanya, pati na rin para sa kanyang espirituwal na guro na si M.V Nesterov, ang interes sa isang malikhaing personalidad ay malayo sa hindi sinasadya.
Ang mga tagumpay ng pagpipinta noong 1930s ay hindi nangangahulugan na ang landas ng pag-unlad nito ay simple at walang mga kontradiksyon. Sa maraming mga gawa ng mga taong iyon, ang mga tampok na nabuo ng kulto ng I.V. Stalin ay lumitaw at nagpapatatag. Ito ang mga maling pathos ng isang pseudo-heroic, pseudo-romantic, pseudo-optimistic na saloobin sa buhay, na tumutukoy sa kakanyahan at kahulugan ng "seremonyal" na sining. Isang kumpetisyon ang lumitaw sa pagitan ng mga artista sa pakikibaka para sa hindi mapag-aalinlanganang "mga super-plot" na nauugnay sa imahe ni I.V. Stalin, ang mga tagumpay ng industriyalisasyon, ang mga tagumpay ng magsasaka at kolektibisasyon. Ilang mga artista ang lumitaw na "espesyalista" sa paksang ito. Ang pinaka-mahilig sa bagay na ito ay si Alexander Gerasimov ("Stalin at K.E. Voroshilov sa Kremlin" at ang kanyang iba pang mga gawa).

Bibliograpiya

1. Vereshchagina A. Artist. Oras. Kwento. Mga sanaysay sa kasaysayan ng kasaysayan ng Russia pagpipinta XVIII- simula XX siglo - L.: Sining, 1973.
2. Pagpipinta ng 20s – 30s / Ed. V.S.manina. – St. Petersburg: Artist ng RSFSR, 1991.
3. Zezina M. R., Koshman L. V., Shulgin V. S. Kasaysayan ng kulturang Ruso. - M.: Mas mataas. paaralan, 1990.
4. Lebedev P.I. sining ng Sobyet sa panahon ng interbensyon ng dayuhan at digmaang sibil. – M., 1987.
5. Likhachev D.S. sining ng Russia mula noong unang panahon hanggang sa avant-garde. - M.: Sining, 1992.
6. Ilyina T.V. Kasaysayan ng sining. Domestic art. - M.: Mas mataas. paaralan, 1994.
7. Kasaysayan ng sining ng mga tao ng USSR. Sa 9 na volume - M., 1971 - 1984.
8. Kasaysayan ng sining ng Ruso at Sobyet / Ed. M.M.Allenova. – M.: Higher School, 1987.
9. Polikarpov V.M. Kulturolohiya. – M.: Gardarika, 1997.
10. Rozin V.M. Panimula sa pag-aaral sa kultura. – M.: Forum, 1997.
11. Stepanyan N. Sining ng Russia noong ika-20 siglo. Isang hitsura mula sa 90s. – Moscow: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Suzdalev P.K. Kasaysayan ng pagpipinta ng Sobyet. – M., 1973.

© Pag-post ng materyal sa iba pang mga elektronikong mapagkukunan na sinamahan lamang ng isang aktibong link

Mga test paper sa Magnitogorsk, bumili ng mga test paper, course paper sa batas, bumili ng course paper sa batas, course paper sa RANEPA, course paper sa RANEPA, diploma paper sa batas sa Magnitogorsk, diploma sa batas sa MIEP, diploma at course paper sa VSU, mga pagsusulit sa SGA, master's theses in law sa Chelgu.

Mga artista ng 30s

Mga Artist Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Una kong nakilala si Deineka sa Leningrad. Dumating siya nang ang eksibisyon ay nakabitin na, sa mga huling araw bago ang pagbubukas, kinuha niya ang lahat ng kanyang mga gawa sa dingding at isinabit ang mga ito sa kanyang sariling paraan, pinutol ang mga ito nang husto: ang ilan sa kanyang hindi gaanong matagumpay na mga bagay ay dinala, at inalis niya ang mga ito. Pagkatapos ng lahat, mayroong "The Defense of Petrograd", "The Sleeping Boy with Cornflowers", isang buong serye ng mga first-class na bagay. Pagkatapos ay gumawa si Deineka ng kakaiba at medyo negatibong impresyon sa akin. Siya ay malupit, medyo masungit. Karamihan sa mga tao ay nag-isip sa kanya na ganoon - bilang isang uri ng atleta, manlalaro ng putbol o boksingero. Ngunit, sa kabutihang palad, medyo mabilis kong nalaman ang tunay niyang pagkatao. Wala siyang anumang bagay na ganoon sa kanyang sarili, ito ay isang paraan ng pag-uugali sa mga estranghero, sa mga estranghero. Naging malapit ako sa kanya noong kalagitnaan ng 30s, nang magsimula akong magtrabaho sa Detizdat pag-uusapan natin ito mamaya. At habang tumatagal, palapit ng palapit siya sa akin. Ang aming huling pagkikita sa absentia, dalawang araw bago ang kanyang kamatayan, ay isang palitan ng pinakamagiliw na salita sa telepono sa magkabilang panig.

Nakilala ko ang isa pang miyembro ng OST, si Yuri Ivanovich Pimenov, hindi sa Leningrad. Napakakaunti sa kanyang mga gawa sa Leningrad, at ang unang pagkakataon na nakita ko siya ay sa Moscow, nang dumating ang representante na direktor ng Russian Museum, Dobychina, upang bayaran ang mga artista para sa mga gawa na binili mula sa kanila sa Leningrad. Lahat sila ay natipon sa Volkhonka, sa isa sa mga maliliit na bahay na matatagpuan sa pagitan ng Frunze Street at ng museo. Ang lahat ng mga artista ay nakaupo sa koridor at nag-uusap, at sila ay inanyayahan sa isang tiyak na silid. At doon ko nakita at naalala si Pimenov sa unang pagkakataon. Ipinakita niya kung paano ginawa ng tatlong artist ang mga landscape para sa pagbebenta: ang isa ay naglalatag ng maraming magkaparehong canvases at pinupuno ang mga ito ng asul na pintura na naglalarawan sa dagat, ang pangalawa ay dumaan at nagpinta ng ilang mga bangka na may itim na pintura, at ang huli ay naglalagay ng mga layag na may puting pintura sa isa. nahulog. Inilarawan niya ito nang hindi pangkaraniwang ugali at napakapahayag.

Nagtatag kami ng isang relasyon sa kanya nang napakabilis, ngunit hindi batay sa museo, dahil hindi siya gumawa ng anumang mga graphic - ni ukit, o kahit na maraming pagguhit, siya ay isang purong pintor. Noong 1932, nabuo namin ang pinakamagiliw na pagkakaibigan. Sa panahong ito, sa pagitan ng 1930 at 1932, na siya ay nagdusa ng isang napakalubhang sakit sa utak, na nauugnay sa isang concussion, o kahit na may ilang uri ng sakit sa pag-iisip, at siya, nang sa wakas ay maalis siya, ganap na binago ang kanyang buong pagkatao. Kaya't sinira niya ang karamihan sa kanya maagang mga gawa, masyadong aggravated, expressive, sketchy, ipinagpalit pa niya sa mga museo ang nabili nila sa kanya. At siya ay naging ganap na naiiba, ang paraan na siya ay nanatili sa natitirang bahagi ng kanyang buhay: nagliliwanag, maliwanag, maaraw, puno ng ilang uri ng pinakadakilang kasakiman para sa totoong buhay na buhay. Bawat taon ang aming matalik na relasyon ay lumalim nang higit pa, at sa huli siya ay naging, sa aking mga kapantay, na malapit sa akin bilang Shmarinov. Actually, dapat pangalanan ko muna silang dalawa sa mga malalapit kong kaibigan sa henerasyon ko. Mas bata ako ng isang taon at kalahati kay Pimenov at isang taon at kalahating mas matanda kay Shmarinov.

Naging kaibigan ko rin si Williams noong early 30s. Siya ay isang pintor noon, at isang napakalakas, mahusay na pintor. Siya ay may mahusay na mga gawa: isang larawan ng Meyerhold, isang larawan ng direktor na si Barnet, isang malaking pagpipinta na "Sailors from the Aurora," na ipinadala sa ilang eksibisyon sa Venice at ipinakita doon sa komunistang organisasyon doon. Doon siya nanatili. Pero may reproduction talaga ako nito. Ito ay isang napakagandang bagay, naaalala ko ito nang husto. Ngunit pagkatapos, noong kalagitnaan ng 30s, naging interesado siya sa teatro, nagkaroon ng pambihirang tagumpay, ginawa, halimbawa, ang disenyo para sa "Pickwick Club" sa Moscow Art Theater na may hindi pangkaraniwang kakaibang mga dekorasyon kung saan ipinakilala ang mga pigura ng tao. At pagkatapos siya ay naging pinaka-sunod sa moda artist Bolshoi Theater at kahit na nakasuot ng damit na angkop sa isang matagumpay na figure sa teatro: isang uri ng pambihirang fur coat na halos sa lupa na may balahibo mula sa kwelyo hanggang sa pinakailalim, isang fur na sumbrero tulad ng isang gilingang bato sa kanyang ulo, na siyang paksa ng pinakamalaking panunuya. sa akin at kay Pimenov lalo na. Ngumiti lang siya ng nahihiya. Sa pangkalahatan, ganap siyang pumasok sa theatrical environment, theatrical life.

Mayroon akong isang napakagandang alaala na nauugnay kay Williams. Noong kalagitnaan ng 30s, pumunta kami ni Natasha sa Caucasus sa Tegenekli - ito ay isang lugar sa itaas ng Baksan River sa paanan ng Elbrus. Mayroong isang rest house doon, na pag-aari ng kanino - hindi ko alam, ngunit nilayon para sa mga malikhaing intelihente. Sa anumang kaso, ang mga tiket upang pumunta doon ay kailangang makuha mula sa pondo ng sining ng Moscow Union, at pagdating ko doon, sinabi nila sa akin na si Williams ay kagagaling lang doon at pupunta rin doon kasama ang kanyang asawa.

Mayroong maraming mga kakilala sa Tegenekli. Nandoon kami ni Natasha malapit na kaibigan- siyentipiko at geographer na si Lazar Sholomovich Gordonov, kung saan kami, sa katunayan, ay sumang-ayon na pumunta doon. Naroon ang direktor ng pelikula na si Alexandrov kasama ang kanyang asawang si Lyubov Orlova. Mayroong isang makata na si Nikolai Tikhonov. May isang naiinip na tagasalin - ipinapalagay na magkakaroon ng mga dayuhan doon, ngunit wala, at malungkot siyang gumala-gala nang walang anumang gagawin. Isang gabi, natuwa siya: sa wakas ay darating na ang English na si Mr. Williams! Nagpulbos siya, nagpinta ng kanyang mga labi, at sa pangkalahatan ay naghanda. Ngunit nang lumitaw ang G. Williams na ito, ang aking kaibigan na si Pyotr Vladimirovich Williams, na hindi alam ang isang salita ng Ingles. Ang kanyang ama ay, sa katunayan, ay nagmula sa Ingles, sa palagay ko, isang uri ng kilalang siyentipikong pang-agrikultura, ngunit siya mismo ay walang kinalaman sa Inglatera, kaya ang tagasalin ay nabigo.

Naaalala ko kung paano kami minsan nagpunta sa Elbrus, hindi sa pinakatuktok, siyempre, ngunit sa abot-tanaw, ito ay nasa isang lugar sa kalahati, na nasa itaas ng mga ulap - isang platform at isang maliit na hotel. Umakyat kami sa ulap kasama ang isang matarik na landas at, na umakyat sa ulap na ito, lumitaw doon na ganap na basa. Ang mga babae ay pumunta sa hotel upang magpalit ng damit at maghanda, at kami ni Williams ay naglibot sa site. At biglang may sumigaw: "Bubukas ang Elbrus!" Ang lahat ay natatakpan ng mga ulap, at biglang nabasag ang mga ulap, at isang maniyebe na puting kono ng tuktok ng Elbrus ay lumitaw laban sa background ng isang ganap na berdeng kalangitan. Si Williams ay nagmamadaling pumasok sa bahay para sa papel at lapis - wala siyang kinuha sa kanya - at nagsimula, sa ulan, na sa oras na iyon ay bumubuhos mula sa itaas, upang i-sketch ang lahat ng mga contour, isulat kung anong mga kulay. Naalala ko siya na nakadikit ang buhok sa noo, galit na galit na iginuhit at isinulat ang mismong mga kulay na ito. Ngunit, sa kasamaang-palad, walang nangyari dito: nang ipinakita niya sa akin sa Moscow ang isang sketch na ginawa mula sa sketch na ito, ang lahat ay naging ganap na naiiba. At siya mismo ay lubos na nakakaalam nito. Naaalala ko na ang aming mga kababaihan ay lumabas na ganap na kalahating bihis upang humanga kay Elbrus. Ang "Pagpapakita ng Elbrus" ay isang panandaliang panoorin; binigyan lamang kami ng dalawa o tatlong minuto upang gawin ang lahat.

Si Williams ay isang simple, mabait, mabuting tao, medyo nakakatawa sa kanyang mga naka-istilong libangan sa teatro.

Nagkaroon din ako ng magandang relasyon sa iba pang miyembro ng OST - kapwa kay Labas at kay Shifrin, ngunit hindi sila masyadong malapit. Si Shifrin ay isang kaakit-akit na tao, isang napakahusay na artista sa teatro, isang napakatalino na master sa teatro. Si Labas ay palaging isang medyo baliw at hindi organisadong pigura. Ngunit sino, siyempre, ay isang ganap na kahanga-hangang tao at isang kahanga-hangang artista, ay si Tyshler. Ngunit ang aking kakilala at pagkakaibigan sa kanya ay nagmula noong mga kamakailan lamang, pagkatapos ng digmaan. Sa paanuman ay lumabas na hindi siya kinakatawan sa Leningrad, at pagkatapos ay hindi ko na kailangang makipagkita sa kanya. Bago ang digmaan, kilala ko siya, ngunit mula sa malayo. Pagkatapos lamang ng digmaan ang isang napaka-malambot na pagkakaibigan ay naitatag, na lalo lamang lumalim at bumuti. Isa siya sa mga pinaka-kaibig-ibig na nilalang na nakilala ko sa aking buhay.

Pagkatapos ng OST, dapat, siyempre, pangalanan, kung pag-uusapan natin ang mga artistikong grupo ng 20s, dalawa na naging malapit sa akin na mga kaibigan. Una sa lahat, ito ang "4 na sining," na kinabibilangan nina Favorsky, Ulyanov, Pavel Kuznetsov, Saryan, at isang buong serye ng mga taong pinakamalapit sa akin. At ang pangalawa ay ang Society of Moscow Artists - "OMH", na nagdala sa akin ng isa sa pinakamamahal na pagkakaibigan - kasama si Sergei Vasilyevich Gerasimov, pati na rin kay Rodionov, Osmerkin at iba pa.

Nakilala ko si Sergei Vasilyevich sa unang pagkakataon sa Leningrad, isa siya sa mga tagapag-ayos ng eksibisyon, kabilang sa mga foremen at nag-hang ng mga kuwadro na gawa sa kanyang sarili at mga artista na malapit sa kanya. Bagama't nagturo siya ng pagguhit sa VKHUTEIN, nakilala ko ang kanyang mga graphic nang maglaon at hindi ko na kailangang bilhin ang mga ito para sa museo. Ngunit sa Leningrad kailangan naming magbanggaan araw-araw, magkita sa karaniwang gawain, at higit sa lahat, sabay kaming nagpunta sa tanghalian bilang isang grupo: siya, ako, Kupreyanov at Istomin. Madalas itong nangyari kaya mabilis kong natutunan ang kanyang pagkatao, ang kanyang talino, ang kanyang mga biro at pangungutya, na depensa lamang laban sa mga estranghero. Kahit noon pa man ay pinahahalagahan ko ang kanyang kamangha-manghang karakter at ang kanyang kahanga-hangang sining. Bagama't napakaaga pa noon, ang mga gawa ay mula 20s pa lang, simula pa lang ng 30s, napakahusay na nila. At pagkatapos ang kakilala na ito ay unti-unting naging mas malaki at higit na pagpapalagayang-loob, at sa panahon ng post-war siya, siyempre, isa sa mga taong pinakamalapit sa akin. At dapat kong sabihin nang may labis na kasiyahan na, tila, ako ay isa sa mga pinakamalapit na tao sa kanya, nasiyahan sa kanyang buong kapangyarihan ng abogado, natupad ang lahat ng kanyang mga tagubilin, lalo na nang siya ay naging pinuno ng Union of Artists ng USSR. Sa totoo lang, bago pa man siya ay itinuturing na ganoon, isang kinikilala sa pangkalahatan, kahit na ganap na hindi opisyal, pinuno ng sining ng Sobyet. Ngunit nang maganap ang Unang All-Union Congress of Artists noong 1957, natural na si Sergei Vasilyevich ay napunta sa pinuno ng Unyon.

Marahil ang isang mas panlabas, ngunit napaka-friendly na relasyon ay minarkahan ng aking kakilala kay Osmerkin, isa sa mga pangunahing kalahok sa "Jack of Diamonds", na sa edad na 30 ay naging isang napaka-simpleng liriko na pintor ng landscape, banayad at banayad. At siya mismo ay isang kahanga-hangang tao, kaakit-akit, banayad. Ngunit mas madalas akong nakilala siya, at ito ay isang peripheral na pagkakaibigan, at hindi isang pangunahing, nakaugat.

Pinag-uusapan mga dating myembro grupong "Jack of Diamonds", kailangan nating alalahanin ang isa pang magiliw, matamis at kaakit-akit na tao, si Alexander Vasilyevich Kuprin. Si Kuprin ay maikli, may maliit na balbas, isang napakatahimik at mahiyain na lalaki, napakahinhin ang pananamit, walang anumang panlabas na epekto, abala sa ilan sa kanyang mga iniisip at kanyang pagkamalikhain. Si Osmerkin at Kuprin ay marahil ang dalawang pinaka banayad na artista sa buong grupong ito.

Sa Kuprin, pati na rin kay Osmerkin, nagkaroon ako ng pinaka-friendly at, masasabi ng isa, taos-pusong relasyon. Hindi tulad ni Konchalovsky, kung kanino ako nagkaroon ng malalim na paggalang, na pinapaboran ako, ngunit mayroon pa ring malaking distansya sa pagitan namin.

Ang aking relasyon kay Pyotr Petrovich Konchalovsky ay napaka-friendly, sumulat ako tungkol sa kanya, at nagustuhan niya ang paraan ng pagsusulat ko. Ngunit hindi maaaring magkaroon ng anumang espesyal na pagpapalagayang-loob, siya ay ibang-iba. Siya ay, una sa lahat, isang maginoo, medyo may istilong mangangalakal, na namuhay sa engrandeng istilo, kakaibang ugali, na may malaking masining na "sambahayan". Minsan, noong nasa workshop ako, sinabi niya: "Mayroon na akong mga isyu bilang isang libo at walong daan." Nalalapat lamang ito sa kanyang mga kuwadro na gawa; Ni hindi niya binilang ang mga watercolor at drawing. Sa anumang kaso, ang aming relasyon ay palakaibigan, na kalaunan ay lumamig nang malaki salamat sa biyaya ng kanyang anak na babae at manugang na lalaki - Natalia Petrovna Konchalovskaya, ang makata, at ang kanyang asawang si Mikhalkov. Ngunit si Pyotr Petrovich ay walang kinalaman dito, tulad ng mayroon siya, sa ilang mga lawak, walang kinalaman sa panginoon na snobbery ng kanyang bahay - ito ay itinanim ng kanyang asawa, isang babae na may mahirap na karakter, na, bilang anak ni Surikov, maraming naiintindihan tungkol sa kanyang sarili at lubos na iginagalang ang dignidad ni Konchalovsky. Nang sumulat ako ng isang artikulo, sa kanyang kahilingan, para sa kanyang huling buhay na eksibisyon noong 1956, nagkaroon ng kahihiyan sa artikulong ito. Ibinigay ko ito kay Pyotr Petrovich para basahin. Siya ay mainit na naaprubahan sa kanya, nagustuhan niya ito. At pagkatapos ay si Nikolai Georgievich Mashkovtsev, isang matandang istoryador ng sining at manggagawa sa museo, na sa oras na iyon ay nagtrabaho sa Academy of Arts at isang kaukulang miyembro ng mismong Academy na ito, ay lumapit sa akin na may kahihiyan na hitsura na bineto ni Olga Vasilievna ang aking artikulo, dahil Pinupuna ko si Konchalovsky para sa ilang bagay doon. Hindi ito pinansin ni Pyotr Petrovich, at hindi pinahintulutan ng kanyang asawa na mailathala ang kritisismong ito. Sinabi ko na ibinabalik ko ang artikulo, hindi ko ito ibibigay sa katalogo, at kahit papaano ay ilalathala ko ito sa isang hindi naitama na anyo. Nang matapos ito ay nakilala ko si Pyotr Petrovich, umiling siya at nagsisi kung paano ito naging masama. Ngunit tiniyak ko siya, inaliw siya, sinabi na naibigay ko na ito sa magazine na "Art" at ito ay mai-publish sa form kung saan ko ito sinulat. Ngunit namatay siya sa eksibisyong ito, kaya hindi niya nakitang nailathala ang aking artikulo. At ito ay naging matagumpay na kalaunan ay na-print muli nang hindi ko nalalaman, lalo na, sa isang malaking dami " Masining na pamana Konchalovsky" at isinama pa ito, nang hindi nagtatanong sa akin, bilang isang panimulang artikulo. Malinaw, ito ay nagsilbi sa layunin nito. Ngunit gayon pa man, ang mga relasyon na ito ay hindi malapit, bagaman mabuti at palakaibigan.

Sinabi sa akin ni Favorsky ang isang nakakatawang yugto na may kaugnayan sa kanyang trabaho sa disenyo ng tula na "Our Ancient Capital" ng anak na babae ni Pyotr Petrovich na si Natalya Petrovna Konchalovskaya. Kinailangan niyang pumunta sa bahay ng mga Konchalovsky sa loob ng mahabang panahon: "Ang aming Sinaunang Kabisera" ay binubuo ng tatlong buong libro, kailangan niyang gumawa ng maraming mga guhit. Madalas na tinutukoy siya ni Natalya Petrovna sa kanyang mga tula: ipapakita sa iyo ng artist ang lahat ng iba pa.

Habang siya at si Natalya Petrovna ay nagtatrabaho, pumasok si Pyotr Petrovich sa silid, tumingin sa inilatag na mga sheet at sinabi: "Hindi ko naisip na may isang bagay na kapaki-pakinabang na lalabas sa aking tanga na si Natasha."

Simula noon, nanatili siyang “ang hangal na si Natasha” sa aming bahay. Ang pangalang ito ay nag-ugat nang matatag at walang pag-asa. Tulad ng para kay Mikhalkov, pag-uusapan natin siya pagdating sa Detizdat, kung saan siya unang lumitaw at kung saan, sa harap ng aking mga mata, siya ay lumaki at umunlad bilang isang matagumpay na opisyal na makata ng mga panahon ng kulto ng personalidad.

Ang iba pang "Jack of Diamonds" ay napaka ng iba't ibang kalikasan. Si Lentulov ay isang matapang na personalidad; maaari lamang isipin ng isa kung paano siya lumipad sa isang walang ingat na tsuper ng taksi sa isang ganap na masayang paraan, na walang ingat hanggang sa umaga sa ilang "Yar". Marahil ay bongga, ngunit ito ang kanyang inaasal - bukas ang kanyang kaluluwa, bukas ang kanyang kalikasan. Sa katunayan, siya ay napakaseryoso at isang tunay na master, bagaman nagsimula siya, tulad ng makikita sa eksibisyon ng "Moscow - Paris", na may napakagulo na mga bagay, kung saan ang cubism ay kalahati at kalahati na may futurism, at may pamana ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo. At lahat sa napakasayang anyo sa malalaking canvases. Sa katunayan, sa kabila ng lahat ng ito, siya ay isang napaka banayad na artista. Si Lentulov ay napaka-friendly kay Pimenov, at, sa katunayan, ang aking relasyon sa kanya ay nabuo pangunahin sa pamamagitan ni Pimenov. Siya ay isang kaaya-aya, mabuting tao.

Hindi ako nagkaroon ng magandang relasyon kay Mashkov. Napaka talented niya. Ngunit mula sa pinakaunang pakikipagkita sa kanya, nagsimula akong mamangha sa kung paano mamuhunan ang Panginoong Diyos ng talento sa isang daang taong gulang na club, sa isang walang pag-asa na hangal na tao. Ito ay lubos na maliwanag nang sinubukan niyang gumuhit ng mga pigura ng tao. Pumasok siya sa AHR at pininturahan ang ilang mga pioneer na may mga kurbatang sa baybayin ng Black Sea - ito ay isang bagay na ganap na imposible, slobbering bulgarity, ang pinaka-bulgar at hangal na hitsura. At gayon pa man, sa buong buhay niya ay nagpinta siya ng mahusay na still lifes. Hindi ako makabuo ng anumang intimacy sa kanya. At nang pinuna ko sa isa sa aking mga artikulo ang kanyang seremonyal na "Portrait of Partisans", kung saan ang mga partisan na may drekoly, na may mga riple, na may mga sinturon ng cartridge at mga sinturon ng machine gun ay inilalarawan sa paligid ng isang kahanga-hanga, malaki, marangyang pininturahan na ficus, na parang sa isang sikat. mag-print ng litrato ng isang photographer ng probinsya - na parang idinikit nila ang kanilang mga mukha sa mga butas ng natapos na backdrop, - Mashkov, siyempre, ay ganap na nagalit sa akin at ang aming relasyon ay ganap na tumigil.

Hindi rin ako nagkaroon ng magandang relasyon sa isa pang dating "Jack of Diamonds," Falk. Ngunit pag-uusapan ko siya mamaya, pagdating sa mga taon ng digmaan - noon ko lang siya nakilala, sa paglikas, sa Samarkand. Ito ay isang napaka hindi kasiya-siyang pagpupulong, at mayroon akong isang napaka-cool na saloobin sa kanya - kapwa sa kanyang sining at, lalo na, sa kanyang sariling tao. Isang napaka-mayabang, napakamayabang, mayabang na tao at sobrang hindi palakaibigan sa mga tao.

Tungkol naman sa “4 Arts” society, nakahanap ako ng mabubuting kaibigan doon. Ito ay hindi lamang Favorsky, ngunit pagkatapos niya Ulyanov. Una kong nakilala si Nikolai Pavlovich Ulyanov noong nag-organisa ako ng isang eksibisyon ng graphics sa Moscow. Nandoon ang kanyang kinatatayuan, kung saan mayroon siyang seleksyon ng napakagandang mga guhit, karamihan ay mga portrait. Naaalala ko na mayroong isang larawan ng Mashkovtsev, isang larawan ni Efros. Simula noon, nagsimula kaming bumuo ng mas malapit na relasyon, na sa kalaunan ay naging isang pagkakaibigan na napakahalaga sa akin. Patuloy akong pumunta sa kanya, sinulatan niya ako ng mga liham, kahit na pareho kaming nakatira sa Moscow. At sa Samarkand, kung saan pareho kaming inilikas, halos araw-araw ko siyang nakikita. Sa simula ng digmaan, ipinadala siya sa Nalchik, pagkatapos ay sa Tbilisi, kasama ang isang buong grupo ng mga kilalang manunulat, artista, at performer. (Sama-sama, sa pamamagitan ng paraan, kasama si Alexander Borisovich Goldenweiser.) Noong taglagas ng 1942, lahat sila ay dinala sa Gitnang Asya, ngunit karamihan ay pumunta sa Tashkent, at nanatili siya sa Samarkand.

Araw-araw, pagdating ko sa Registan, kung saan matatagpuan ang Moscow Art Institute, pinuntahan ko siya upang aliwin, dahil napakahirap ng kanyang buhay sa Samarkand. Binigyan siya ng isang ganap na pangit, hindi komportable, sira-sirang hudjra sa looban ng Shir-Dora, nang walang anumang kasangkapan. At dinala niya ito mula sa Caucasus namamatay na asawa, nakahiga nang hindi kumikibo. Namatay siya doon, sa Samarkand.

Si Nikolai Pavlovich Ulyanov, at pagkamatay ng kanyang pangalawang asawa na si Vera Evgenievna ay ipinakita sa aking ama ang maraming mga first-class na gawaing Ulyanovsk: isang larawan ni Vyacheslav Ivanov, isang watercolor na "Diderot at Catherine's", isa sa kanyang pinakamahusay na mga guhit ng Pushkin, costume sketch para sa " Molière” at marami pang iba. Mayroon din kaming isang bihirang trabaho - isang tanawin ng kanyang unang asawa, ang artist na si Glagoleva, na namatay sa Samarkand. Mayroong isang buong kuwento na konektado sa isang malaking gawain ni Ulyanov, "Ang Modelo at ang Kabayo ni Silena". Isinulat ng batang Ulyanov ang piraso na ito noong siya ay katulong ni Serov sa School of Painting, Sculpture and Architecture - ito ay isang pang-edukasyon na "produksyon" na inaalok ni Serov sa kanyang mga mag-aaral. Pagbalik mula sa paglisan sa Moscow, natuklasan ni Ulyanov na ginamit ng mga kapitbahay ang canvas na ito na inalis mula sa stretcher, na naglalagay ng isang basket dito upang mag-imbak ng mga patatas. Ang larawan ay isang itim, basag na bukol, kung saan halos hindi posible na makilala ang anuman. Ibinigay ito ni Ulyanov sa kanyang ama, malungkot na nagsasabi: kung pinamamahalaan mo itong i-save, panatilihin ito para sa iyong sarili. Ibinigay ng aking ama ang canvas sa kahanga-hangang GM II restorer na si Stepan Churakov, at iniligtas niya ang gawain! Nadoble niya ito sa isang bagong canvas, nilinis ito - halos walang mga bakas ng pagpapanumbalik na nakikita, at ang "The Model and the Horse of Silena", na nagniningning sa lahat ng tunay nitong "Serov" na kaakit-akit, ay nakasabit sa itaas ng sofa ng kanyang ama sa kanyang opisina sa loob ng kalahating siglo.

Mula sa parehong grupo ng "4 na sining" ay dumating ang iba pang mga taong malapit sa akin, tulad ni Vera Ignatievna Mukhina, isang kahanga-hangang iskultor at isang kahanga-hangang tao, ng pambihirang lakas, awtoridad at enerhiya, ganap na kalayaan, na may hindi pangkaraniwang mahusay na kapayapaan ng isip at mahusay. espirituwal na saklaw. Nagresulta ito sa parehong napakagandang monumental na plasticity at liriko na mga piraso - ang sikat na grupo na ginawa para sa isang eksibisyon sa Paris noong 1937 ay sinamahan ng mga gawa tulad ng "Bread," isa sa mga pinaka-mapatula at malambot na eskultura na umiiral sa sining ng Sobyet. Isa rin siyang magaling na pintor ng portrait.

Mula sa parehong lipunan, sa katunayan, dumating si Sara Dmitrievna Lebedeva, noong unang panahon dating asawa Si Vladimir Vasilyevich Lebedev, isa sa mga pinakamahusay na iskultor na mayroon kami, at isang kaibig-ibig na tao, napaka-reserved, napakatahimik, napaka-kalmado at may ilang kamangha-manghang, mas mataas na pakiramdam ng pagkatao at paggalaw sa kanyang sining. Anuman ang kanyang gawin, maging ang kanyang malaking estatwa na "Girl with a Butterfly", isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, maging ito ay mga portrait, tulad ng, halimbawa, isang full-length na portrait, bagama't maliit ang laki, ni Tatlin, kasama ang kanyang mga splayed legs. , mahabang mukha na parang kabayo - ay hindi pangkaraniwang makabuluhan at sobrang galing. Ang pagkikita ni Sara Lebedeva at ang pagkakaroon ng magandang relasyon sa kanya ay isa rin sa aking napakamahal na alaala.

Nakabuo din ako ng isang napakagandang relasyon, kahit na walang anumang espesyal na espirituwal na pagkakalapit, kasama si Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, isang napaka-kampante na tao, medyo makitid ang isip. Gayunpaman, marahil ito ay isang anyo ng pag-uugali sa likod kung saan may higit pang nakatago. Gayunpaman, hindi siya tinawag ni Kupreyanov nang maayos mabait na salita: "isang selyo na sinusubukang magpanggap bilang isang leon." Marahil ito ay naaayon sa kanyang pagkatao.

Siya ay napakasimpleng pag-iisip, at ito ay nagpakita mismo sa maraming iba't ibang anyo. Halimbawa, isang araw biglang lumitaw si Kuznetsov sa bulwagan kung saan nakabitin ako ng mga ukit at ukit ni Nivinsky, Kravchenko at mga kopya ng iba pang mga graphic artist, na kinaladkad sa likuran niya ang isang higanteng canvas ng isa sa kanyang mga mag-aaral - amorphous, maluwag, ganap na kaakit-akit. At kapag sinabi ko sa sorpresa: "Buweno, saan ko ito ilalagay?", Sumagot si Pavel Varfolomeevich: "Ngunit ito ay perpektong graphics!" Imposibleng isipin ang anumang bagay na hindi gaanong katulad ng mga graphics. Napakamalasakit niya sa kanyang mga estudyante. Ang canvas na ito, sa pamamagitan ng paraan, ay ni Davidovich, na namatay sa militia sa panahon ng digmaan. Pero halos hindi ko siya kilala.

Habang nagtatrabaho sa Leningrad, minsan kailangan naming magtanghalian ni Pavel Varfolomeevich sa mismong Russian Museum. Ang pagkain doon ay kasuklam-suklam, ngunit walang magagawa - hindi palaging posible na magretiro sa European Hotel o sa House of Scientists. Naaalala ko isang beses na nakaupo kami kasama si Pavel Varfolomeevich, at hinugot niya ang isang mahabang buntot ng isda mula sa sopas na inihain sa kanya. Tinawag niya ang waitress at mahinahong tinanong: "Ano ang inihain mo sa akin, sopas ng isda o sopas ng repolyo?" Sabi niya: "Soup soup." Pagkatapos ay ipinakita niya sa kanya ang buntot ng isda, sa kanyang labis na kahihiyan. Talagang nagustuhan ko ang kanyang seryosong interes na alamin kung ano talaga ang inihahain sa kanya.

Napakasaya para sa akin na makilala siya sa Gurzuf noong unang bahagi ng 50s, nang magpasya siyang ipinta ang aking larawan. Iminungkahi niya ito sa akin nang maraming beses sa Moscow, ngunit sa Moscow wala akong oras upang mag-pose, at sa Gurzuf wala akong dahilan upang tumanggi. Pinaupo niya ako sa tuktok ng Korovinskaya dacha sa backdrop ng dagat at nagpinta ng napakalaking matingkad na pulang ulo, na tila isang napakalaking kamatis sa backdrop ng nakasisilaw na asul na dagat. Ipininta niya ang larawang ito nang may labis na kasiyahan, at labis akong ikinalulungkot na nawala ito sa isang lugar. Gayunpaman, kamakailan lamang, sinabihan ako na pagkatapos ng pagkamatay ni Kuznetsov at ng kanyang asawa (wala silang anak), lahat ng natitira sa workshop ay napunta sa Saratov, sa Radishchev Museum. Posibleng doon napunta ang portrait ko. Marahil ay hindi masyadong maraming pagkakatulad doon, ngunit ang memorya mismo ay kaaya-aya. Nakikita ko na lang siyang nakaupo at sa sobrang kasiyahan ay pinipintura ang mismong contrast ng maliwanag na pula na may maliwanag na asul. Ngunit, upang sabihin ang totoo, mahirap para sa akin na umupo, dahil ang kanyang asawang si Bebutova, isa ring artista, ay nagpasya na aliwin ako sa mga natutunang pag-uusap sa panahong ito. Ang mga pag-uusap, kasama ang lahat ng kanyang mga pagtatangka sa pag-aaral, ay ganoon na halos hindi ko mapigilan ang aking sarili sa pagtawa. Siya rin ay isang simple-minded at simple-minded na tao.

Ang isang malapit na pagkakaibigan kay Kuznetsov ay halos hindi nabuo - kami rin iba't ibang tao. Ngunit naaalala ko siya nang may malaking paggalang. At siya ay isang napakahusay na artista, tulad ng ipinakita ng kanyang kamakailang eksibisyon kasama si Matveev.

Ngunit si Matveev, ang aking kakilala sa kanya, na naging isang napakagandang relasyon, ay isa sa aking pinakamahalagang "nakamit." Siya ay isang napakahigpit na tao, napakatahimik, napaka-reserved, nag-withdraw, nagtrabaho nang mabagal at kaunti, at isinasagawa ang bawat isa sa kanyang mga trabaho sa loob ng maraming taon. Walang maraming bagay na natitira pagkatapos niya, ngunit ang mga ito ay kahanga-hanga.

Sa mga oras na ito, hindi lalampas sa kalagitnaan ng 30s, nakilala ko si Saryan. Isa ito sa mga napakahalagang pangyayari sa aking masining na talambuhay. Hindi ko na maalala kung kailan at saan ko siya nakilala, dahil hindi niya ako pinuntahan sa museo, dahil hindi siya partikular na kasali sa anumang mga graphic, at hindi siya lumahok sa mga eksibisyon na inorganisa ko. . Ngunit siya mismo ay wala sa Leningrad noong 1932. Naroon ang kanyang pader, medyo random sa komposisyon nito, sa pangkalahatan ay hindi tumutugma sa antas at kahalagahan nito, bagaman maganda. Ngunit kung ihahambing sa iba pang tatlo, makikinang na mga dingding ng parehong bulwagan - Petrov - Vodkin, Shevchenko at Kuznetsov, siya ay mukhang mas katamtaman, bagaman sa mga resulta ng kanyang malikhaing landas ay nalampasan niya ang lahat ng tatlo ng maraming mga ulo. Sumulat ako ng isang napakapuri, simpleng masigasig na artikulo tungkol sa kanya noong 1936, na kilala ko na siya, at ang artikulong ito ay minarkahan ang simula ng isang pangmatagalang pagkakaibigan na tumagal hanggang sa katapusan ng buhay ni Saryan. Sa pamamagitan ng paraan, ang artikulong ito sa " Pampanitikan pahayagan" 1936 ay nagdulot ng labis na kawalang-kasiyahan para kay Kemenov, na noon, tulad ko, ay nagtrabaho sa Literary Gazette bilang isang kritiko. Kami ay nag-publish sa kanya halos sa turn, nakatayo sa diametrically laban sa mga posisyon at lubhang hindi pagsang-ayon sa bawat isa.

Pagkatapos ng digmaan, madalas kong nakikita si Saryan - tuwing pumupunta siya sa Moscow. Sumulat ako tungkol sa kanya ng ilang beses mamaya, nasa 60s at mas bago. Walang mailarawan kay Saryan - kilala siya ng lahat, ngunit lagi akong namamangha sa uri ng pagiging bata ng lalaking ito, ang kanyang bukas, simpleng pag-iisip na paghanga sa kagandahan ng tunay na mundo, ang kanyang walang katapusang magandang ugali sa mga tao, bagaman lubos niyang naunawaan kung sino ang gumagamot sa kanya kung paano. Noong 1952, sa isang talakayan ng eksibisyon ng anibersaryo, nagsalita si Boris Weymarn na may hindi pangkaraniwang madamdamin na mga tirada, na labis na nagagalit sa walang prinsipyong hurado, na dinala ang kakila-kilabot na mga pintura ni Saryan sa eksibisyon. Pagkatapos, limang taon lamang ang lumipas, ang parehong mga kuwadro na ito ay nagdala kay Saryan ng Lenin Prize, kaya't si Weimarn ay nakakuha lamang ng kung ano ang sinabi ni Saryan, hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, kung hindi ang "bastos na si Weimarn." At ito ay sa kabila ng lahat ng kanyang kabaitan at sikat ng araw, na hindi lamang sa pagpipinta ni Saryan, kundi pati na rin sa kanyang buong pag-uugali, sa kanyang buong hitsura - ang personipikasyon ng araw, at maging ang araw ng Armenia. Ito ay isang napaka-espesyal na araw. Ang isa sa pinakamagagandang bansa sa mundo ay ang Armenia. Natutunan ko ito noong mga taon pagkatapos ng digmaan, nang dalawang beses akong naroon.

Naaalala kong mabuti kung paano kami bumisita ng aking ama kay Saryan sa kanyang workshop sa Yerevan sa "Saryan Street", kung paano niya ipinakita sa amin ang kanyang mga gawa - parehong maaga at kamakailan lamang na ginawa, napaka-trahedya at makapangyarihang mga guhit ng easel. Dahil sa init, ang aking ama ay nagsimulang magkaroon ng matinding pagdurugo ng ilong - si Saryan ay naging lubhang nabalisa, inihiga ang kanyang ama sa sopa, at inalagaan siya nang may nakakaantig na pangangalaga. Siya ay napakatanda na at bagama't maliwanag pa, napakalungkot - hindi nagtagal bago namatay ang kanyang anak sa isang aksidente sa sasakyan .

GOGOL AT MGA ARTISTA Masaya ang manunulat na, nakalipas na ang nakakainip, kasuklam-suklam na mga karakter, na kapansin-pansin sa kanilang malungkot na katotohanan, ay lumalapit sa mga karakter na nagpapakita ng mataas na dignidad ng tao... Gogol, "Mga Patay na Kaluluwa" Para sa mga inapo, ang koneksyon ni Gogol kay Ivanov ay napanatili

Mga Artista At Eskultor May mga artista na ang mga gawa ay hinahangaan ko ngayon, ngunit natutunan kong humanga ang marami sa mga gawa ng mga artista noong kabataan ko. Higit sa lahat mahal ko ang mga impresyonista. Si Cezanne ay isang diyos sa akin. Palagi siyang nag-iiwan ng isang bagay sa imahinasyon. Siya ay may sapat na

Mga Artista Una kong nakilala ang mga artista ng Mundo ng Sining noong 1904. Dinala ako ng isa sa mga empleyado ng "Bagong Daan" at isang malapit na kaibigan ni A. N. Benois sa isang zhurfix sa pinunong ito at apologist ng mga master ng St. Petersburg. Kasunod nito, nalaman ko na noong mga araw na iyon ay tinitingnan ako ng mga artista

Mga Artist Ang brush ng artist ay nakakahanap ng mga landas sa lahat ng dako. At, sa tukso ng mga bantay na pulis, Hindi kilalang mga artista ng Europe Nagpinta ng mga pintura sa madilim na mga simento. Sa ilalim ng talampakan ng panahon ng paglalakad, ang mga kuwadro ay natutulog, nakangiti at malungkot. Ngunit pareho ang mabuti at ang masama ay nawawala pagkatapos ng una

Ang mga artista na si Yakov Vinkovetsky, bilang isang artista mismo, bagaman hindi isang propesyonal, ay nagpakilala sa akin sa dalawa pa - hindi lamang mga propesyonal, ngunit mga kampeon, mga bayani ng kanilang mga craft, na, sa kabila ng kanilang mga super-kasanayan at kampeonato, ay hindi naging matagumpay o

Ang mga artista na si Konstantin Korovin ay nakatira sa Paris. Gaano karaming mga saloobin tungkol sa pambansang pagpipinta ng Russia ang nauugnay sa pangalang ito. Naaalala ito ng maraming tao bilang pangalan ng isang kahanga-hangang dekorador na nagsagawa ng iba't ibang uri ng mga gawain sa teatro. Ngunit ito ay bahagi lamang ng kakanyahan ni Korovin.

Mexican Artists Ang mga Artista ay naghari sa intelektwal na buhay ng Mexico. Clemon te Orozco, payat

Mga Artist sa Museo Pagkilala sa mga artista - mga bisita sa Engraving Room. Rodionov, Favorsky, Shterenberg, Goncharov, Kupreyanov, Shevchenko, Bruni, Tatli Ang simula ng mga mas malawak na koneksyon na ito ay nag-ugat sa Museum of Fine Arts - mula noon

Mga Artist Ang aking ama na si Vladimir ay may isa pang pagsasaayos sa simbahan ang mga pintura ay nilabhan at ang mga kisame ay pininturahan. Ang templo sa Losinka ay hindi sinaunang, na itinayo noong 1918. Bago ang rebolusyon wala silang oras upang ipinta ang mga dingding nito, at pagkatapos ay walang oras para sa kagandahan. Kaya't ang aking ama, na naging rektor, ay nagpasya

Mga artistang “Anti-Sobyet” Mahigit sa 70 taon (1917–1991) ng pagsasagawa ng tinatawag na “malupit, walang kompromiso” na pakikibaka laban sa mga kalaban sa pulitika, anti-Sovietista, mga dissidente ay puno ng higit sa isang daang bukas o lihim na pagsasabwatan ng mga functionaries ng partido na may ganitong kategorya

Mga Artist Mahal na Oleg Leonidovich! Isa mula rito kritiko ng sining nagmamadaling nagtatanong sa akin kung paano nakatira ang mga artista sa Moscow at ano ang kanilang aktwal na kita? Ngunit wala akong data na ito. Narinig namin na kumikita ang mga manunulat, at ang taunang bayad nina Tolstoy at Sholokhov

Ang mga artista bilang magagandang baliw Ngayon ay nagbibigay pugay kami kina Sergei Shchukin at Ivan Morozov hindi lamang para sa kanilang pagkolekta, kundi pati na rin para sa kanilang panlasa sa paningin, para sa kanilang kakayahang hulaan ang susunod na alon ng proseso ng artistikong. At ito ay malayo sa madali. Tulad ng nabanggit

MGA ARTISTA Ang interes sa sining ay nagdala kay Gogol na mas malapit sa kolonya ng mga artistang Ruso sa Roma. Nanatili sila sa isang magiliw na kumpanya, na nabubuhay sa katamtamang mga subsidyo na inisyu ng Academy of Arts. Kabilang sa mga ito ang mga natitirang talento na naging pagmamalaki ng sining ng Russia. Si Gogol ay hindi

Mga Artist na si Irina Brzeska, artist (Estonia) "Ang larawang ito ay inilagay sa pabalat ng rekord" Pagpaparami ng isang pagpipinta ni Irina Brzeska mula sa talaan ni Anna German, 1977 Alam ng maraming tao ang larawan ng artist na ito ng Tallinn: pinalamutian nito ang pabalat ng isa sa pinakasikat na mga tala ng gramopon

Ang mga ito ay hindi gawa ng mga propesyonal na photographer, na maaaring akusahan ng pagiging isang panig. Ito ay mga larawan mula sa mga pribadong album - totoong buhay, na karaniwang naninirahan sa karaniwang mga Sobyet noong 20s - 50s.
Siyempre, hindi nila maihahambing ang antas ng trabaho ng mga propesyonal na reporter ng larawan na karamihan sa kanila ay ginawa ng mga baguhan. Ngunit sinasalamin nila ang buhay habang nakita ito ng mga taong iyon at bahagyang napanatili ito sa mga larawan ng pamilya...
Maraming naiwan sa mga eksena. Halimbawa, ang mga programang pang-edukasyon kung saan 80% ng populasyon na hindi marunong bumasa at sumulat ng bansa ay tinuruan na bumasa at sumulat - saan nakuha ng mga magsasaka noong mga taong iyon ang kanilang mga kamera? Pero hindi yun. Tingnan kung ano ang nakapaligid sa mga taong Sobyet noong mga taong iyon, ang mga damit, ang mga mukha na sumasalamin sa kanilang panahon. Minsan mas mahusay silang magsasalita tungkol sa kanilang panahon kaysa sa sinumang historyador, propagandista at analyst.

Mga bata ng Mid 20s
Mga aklat-aralin sa paaralan - sa unang pagkakataon sa aking buhay. Sa unang pagkakataon sa mundo, ang Pamahalaang Sobyet ay nagbigay ng edukasyon para sa lahat.


1926 Cherepovets. Pagdiriwang ng Mayo 1
Sa tabi ng podium ay may mga batang walang tirahan - ang mga kahihinatnan ng Digmaang Sibil. Ang kawalan ng tirahan ay aalisin lamang sa unang bahagi ng 30s.


1928 rehiyon ng Krasnoyarsk. Kongreso ng mga manggagawa ng partido.
Tingnan kung paano ang pananamit ng mga manggagawa sa partido - tulad ng karaniwang tao sa mga taong ito.
Noong 20s, hindi lahat ay may suit. At ang mga manggagawa sa partido ay may 2 tunika, o kahit isa, gaya ng karaniwang wardrobe.


Pagdiriwang ng pamilya, 20-30s

Larawan ng isang babae. 1930 sa Moscow


Grupo ng mga tao 1930 Hindi alam ang lokasyon


Nagsisimula ang Village Council 30s. Pavlo-Posadsky distrito ng Moscow rehiyon


Car on Wood (!) Auto mileage 1931
Mga mahilig sa disenyo ng 30s. Ang langis sa USSR ay hindi napakahusay sa oras na iyon - halos lahat ng napatunayang reserba ay puro sa Caucasus. Ang mga patlang ng langis ng Tatarstan at Siberia ay natuklasan lamang noong 40s at 50s, nang ang isang base para sa geological research ay nilikha. Bago ito, ang bansa ay lubhang kulang sa mga geologist, kagamitan, inhinyero, transportasyon... halos wala. Ang lahat ng ito ay nilikha noong 30s.


1931 Ang pinakamahusay na koponan sa pagtatayo ng Kuznetsk Metallurgical Plant, Novokuznetsk.
Inilatag ang pundasyon ng mabibigat na industriya.
Tingnan mo ang mga mukha ng mga taong ito. Sila, nang hindi nagligtas sa kanilang sarili, ay nagtayo ng mga pabrika at lungsod para sa kanilang mga inapo, para sa atin. Sa loob ng 10 taon ay ipagtatanggol nila ang kanilang ginawa sa pinakakakila-kilabot na digmaan sa kasaysayan ng tao, namamatay upang tayo ay mabuhay. At pinayagan namin ang lahat na ninakaw at sirain. Maaari ba natin silang tingnan sa mata?


Pamilya. Leningrad 1930-31
Ang mga intelihente at mga espesyalista ay nakakuha ng napakagandang pera sa mga taong iyon.


Pagpapahinga sa tubig. Rehiyon ng Kirov 1932 - 1936


18 Abr 1934. "Brigada ng Trabaho". Neverovsko-Slobodskaya agricultural artel "Testamento ni Lenin" S. Neverovo-Sloboda Ver. Distrito ng Shuisk. env.
Mga manggagawang pang-agrikultura ng isang malayong lalawigan ng Siberia. Ang artel ay isang non-government na organisasyon, ngunit isang kooperatiba ng nagkakaisang mga negosyante na sila mismo ay nakipagkasundo sa estado at iba pang mga kooperatiba, nagbabayad ng buwis, atbp.
Ang kilusang kooperatiba ay lubos na binuo sa Stalinist USSR. Bilang karagdagan sa mga kolektibong bukid, na mga organisasyong kooperatiba, mayroong higit sa 114 libong mga industriyal na workshop, kung saan humigit-kumulang 2 milyong tao ang nagtrabaho. Gumawa sila ng halos 6% ng kabuuang pang-industriya na output ng USSR sa komposisyon nito: 40% ng lahat ng kasangkapan sa bansa, 70% ng lahat ng mga kagamitang metal, 35% ng damit na panlabas, halos 100% ng mga laruan.
Sa cooperative rural artels, ang mga manggagawa (kapwa kolektibong magsasaka at indibidwal na magsasaka) ay karaniwang part-time. Noong 1930s isinama nila ang hanggang 30 milyong tao.
Ang kilusang kooperatiba sa USSR ay winasak ni Khrushchev kasabay ng paglalahad ng anti-Stalinist hysteria.

1934 Hiking sa kahabaan ng Georgian Military Road
Naiisip mo ba ang isang manggagawa? Tsarist Russia sino ang nagpunta sa isang paglalakbay sa kamping sa gastos ng estado? Gaya ng sinabi ni G. Wells, ito ang tanging bansa sa mundo kung saan pinapatugtog ang klasikal na musika para sa mga manggagawa.

"Pagkatapos Maligo" Mid 30s.
"Nateroridad ang mga taong Sobyet. "© Tingnan mo, may takot ba sa mga mukha na ito? Sa alinman sa mga litrato. Bukas, maasahin sa mabuti at maliwanag na mga mukha.


Kolektibong magsasaka. Rehiyon ng Kirov sa pagitan ng 1932 at 1936
Mga ordinaryong Sobyet na kolektibong magsasaka sa hayfield.


distrito ng Kolomna. kalagitnaan ng 30's.


1935, rehiyon ng Oryol, Bogdanovsky holiday home.
Ang buong bansa ay kasangkot sa palakasan. Ito ay mga ordinaryong babaeng Sobyet, hindi ang pangkat ng himnastiko. Subukang gayahin ang kanilang ginagawa.

Mga mag-aaral sa pedagogical school, 1935, rehiyon ng Kirov
Ang mga uniporme ay ibinigay sa mga estudyante ng Estado ng Sobyet. Ito ay isang bansa na ilang taon na ang nakalilipas ay lumakad sa bast shoes at hindi marunong bumasa at sumulat.


Mga kabataang lalaki ng 30s, rehiyon ng Kirov.
Mga Badges - pumasa sa GTO (Ready for Labor and Defense) at GTSO (the same, but sanitary) standards. Sa mga taong iyon, talagang kailangan para sa isang taong may paggalang sa sarili na makatanggap ng gayong badge. Ang isang tao ay pinahahalagahan ng kanyang mga personal na katangian, at hindi ng pitaka at mga koneksyon ng kanyang mga magulang. Ang mga gumamit ng koneksyon ay hinamak.
Sa loob ng ilang taon, ang gayong mga tao ay mananalo sa Digmaan, bubuo ng isang kapangyarihang pandaigdig halos mula sa simula, at ilulunsad ang tao sa kalawakan.
Bigyang-pansin ang nakolekta, malakas ang loob, pang-adulto na mga mukha ng mga batang ito - sila ay humigit-kumulang 16 taong gulang. At ihambing ang mga ito sa kasalukuyan.


Laro "Pioneer Bench". Pioneer camp noong 1937
Ang bawat bata ay maaaring pumunta sa isang pioneer camp para sa buong tag-araw, halos walang bayad, kung saan sila ay pinalaki, sinanay at pinag-aralan. SA Kanluraning mga bansa Hindi ko pa rin mapanaginipan ito. At ito ay karaniwan na sa atin mula noong 30s.


Aerosleigh sa yelo ng Volga malapit sa Kanavdinsky Bridge. kalagitnaan ng 30's.
High-tech ng mga taong iyon. Ginampanan nila ang isang mahalagang papel sa pagbuo ng mga teknolohiya ng aviation at malawakang ginagamit sa pagbuo ng North, Finnish at Patriotic Wars.

Vera Voloshina, Oktubre 1, 1941. Pagkalipas ng dalawang buwan, noong Nobyembre 29, mamamatay ang napakagandang babaeng ito.
Isang walong metrong eskultura ng Batang Babae na may Sagwan ng magaling na iskultor na si Ivan Shadr (Ivanov), ang modelo ay ang kahanga-hangang atleta ng Sobyet na si Vera Voloshina, na nawala noong Nobyembre 1941 sa panahon ng operasyong sabotahe sa likod ng mga linya ng kaaway.
Isang buwan bago ang kanyang kamatayan, ang iskultura ay nawasak ng isang bomba ng Aleman. Pagkalipas lamang ng isang-kapat ng isang siglo ang mga detalye ng kanyang pagkamatay ay nalaman - siya ay malubhang nasugatan nang bumalik mula sa isang misyon, na nakuha ng mga Aleman at, pagkatapos ng maraming pagpapahirap, binitay sa kagubatan. Nangyari ito 10 km mula sa lugar ng pagkamatay ni Zoya Kosmodemyanskaya, sa parehong araw. Si Vera Voloshina, na nakamit ang parehong gawa, ay isang Komsomol organizer ng Komsomol reconnaissance at sabotage group, na kinabibilangan ni Zoya.
Si Vera ay isa ring mahusay na parachutist, at ang iskultor ay kalahating biro na sinabi na espesyal niyang inilagay siya upang tumingin sa parachute tower.


Mga mag-aaral sa geology 1937


Ang tungkol sa larawan ay malinaw mula sa inskripsiyon sa itaas. Pakitandaan - halos lahat ng mga kabataang lalaki ay may mga GTO badge. Ang pagiging isang dystrophic na miyembro ng Komsomol ay simpleng ligaw. Maaaring magkaroon ng personal na armas ang mga miyembro ng Komsomol at komunista.


Ordinaryong Pamilya ng Moscow 1939-1940


1939 Khakassia. nayon
Ang isang bisikleta sa Land of the Soviets ay naging karaniwan - halos lahat ay kayang bayaran ito para sa kanilang sarili at sa kanilang mga anak. Sa Kanluran, halimbawa, hindi lahat ay kayang bumili ng bisikleta sa mga taong iyon. Nagsimula ang Limang-Taon na Plano para sa mga kalakal na pangkonsumo at lubos na matagumpay na naisakatuparan. Ang antas ng pamumuhay ng mga taong Sobyet ay mabilis na lumago mula 1939... hanggang Hunyo 22, 1941.

1942, makalipas ang dalawang buwan mamamatay siya sa mga labanan malapit sa Vyazma.

Sa Ruins of the Family House 1942. Rehiyon ng Moscow.


Panunumpa. 1944


1947 Rural na paaralan sa rehiyon ng Vologda
Sa mga larawan ng mga unang taon pagkatapos ng Digmaan, kahit na sa mga mukha ng mga bata, ang mga bakas ng matinding stress at mahirap na buhay ay makikita. Ang mga bakas ng Digmaan ay makikita sa mga mukha ng tao kahit na sa unang bahagi ng 50s at pagkatapos ay unti-unti silang nawawala, at ang mga mukha ng 10-taong-gulang na mga bata ay hindi na mukhang matatanda.
Halos lahat sa kanila ay may malapit sa kanila na namatay o nasugatan, kung hindi ang kanilang pamilya, saka ang kanilang mga kaibigan, kanilang mga pamilya, mga kaklase. Marami sa kanila ang may mga nanay na balo.


Country Boys 1947


4 "A" na klase, pagtatapos ng Oktubre 1948, nayon malapit sa Smolensk.


"Trinity, 1949." Rehiyon ng Kirov
Sa huling 20 taon, "alam ng lahat" na ang mga ritwal ng relihiyon ay mahigpit na ipinagbabawal sa USSR, at ang takot ay lalong mabangis sa panahon ni Stalin. Habang tinitiyak nila sa amin: maglagay ng krus sa libingan, palamutihan ang Christmas tree - at magmartsa sa isang haligi sa Kolyma. At naging ganito.


Klase ng 1950. Isa sa mga paaralan sa Moscow.


"Outdoor recreation" - late 40's - early 50's


Sa isang desk sa isang opisina. 1949, rehiyon ng Kirov


Holiday Rebolusyong Oktubre. Maagang 50's


Tanggapan ng editoryal ng Lokal na Pahayagan. Pakikinig sa Balita. Rehiyon ng Vladimir, simula 50's


Mga residente ng Kaunas 1950


Estudyante, 50s.

Binata. Ufa, 1953.


Village Boys, village. Chupakhino, rehiyon ng Oryol. 1953
Minsan sa TV sinabi nila na ang "zipper" ay lumitaw sa USSR noong 60s lamang, ito ay napakalayo sa likod ng "mga sibilisadong bansa" sa mga kalakal ng mamimili. Ang ibig sabihin ay, "Bakit kailangan natin ng espasyo kung hindi tayo makakagawa ng kidlat." Tila ang lalaki sa kaliwang bahagi ng larawan ay binalatan ang patay na Amerikano.


1954. Handa para sa trabaho at pagtatanggol. Pagpasa sa mga pamantayan ng GTO.

"Nadya" - kalagitnaan ng 50s, Moscow
Ang Digmaan ay hindi na mababanaag sa kanilang mga mukha, sila ay nagiging malaya at malikot. Mga bata na sinubukang "tabain" nang mas mahusay sa 50s pagkatapos ng gutom na taon ng digmaan.

Riga-50s.

Sa shooting range ng Dynamo society 1955


Sa isang bagong apartment. Ang tauhan ng manggagawa ng Red October plant na Shubin A.I. Moscow, Tushino, 1956


Guys, Kolomna, 1958.


Kislovodsk Seremonya ng pag-inom ng mineral water. 1957 May-akda - Javad Bagirov


apartment sa Kiev noong 1957

Baku, Lakad Pagod. 1959 May-akda - Javad Bagirov


Device para sa pagbebenta ng pabango at cologne. 50s
Mula noong 50s, maaari mong "wisikan" ang iyong sarili ng pabango o cologne sa malalaking tindahan. Nagkakahalaga ito ng 15 kopecks, bago ang reporma sa Khrushchev.

Detalye Kategorya: Fine arts at arkitektura ng panahon ng Sobyet Nai-publish 09.14.2018 13:37 Views: 1845

Mula noong 1930s ng XX siglo. opisyal na sining sa Russia na binuo alinsunod sa sosyalistang realismo. Ang pagkakaiba-iba ng mga artistikong istilo ay natapos.

Ang bagong panahon ng sining ng Sobyet ay nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na kontrol sa ideolohiya at mga elemento ng propaganda.
Noong 1934, sa First All-Union Congress of Soviet Writers, binalangkas ni Maxim Gorky ang mga pangunahing prinsipyo ng sosyalistang realismo bilang isang pamamaraan ng panitikan at sining ng Sobyet:

Nasyonalidad.
Ideolohiya.
Pagtitiyak.

Ang mga prinsipyo ng sosyalistang realismo ay hindi lamang idineklara, ngunit sinusuportahan din ng estado: mga utos ng estado, mga malikhaing paglalakbay ng mga artista, mga pampakay at anibersaryo na mga eksibisyon, ang muling pagkabuhay ng monumental na sining bilang isang malayang sining, dahil ito ay sumasalamin sa "mga dakilang prospect para sa pag-unlad ng sosyalistang lipunan."
Ang pinakamahalagang kinatawan ng pagpipinta ng easel sa panahong ito ay sina Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin at iba pa mga artikulo sa ilang mga artista.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Joganson. Self-portrait

Isa sa mga nangungunang kinatawan ng sosyalistang realismo sa pagpipinta. Nagtrabaho siya sa mga tradisyon ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo, ngunit ipinakilala sa kanyang mga gawa ang "bagong rebolusyonaryong nilalaman, na naaayon sa panahon."
Siya rin ay isang guro ng pagpipinta, direktor ng State Tretyakov Gallery noong 1951-1954, unang kalihim ng Union of Artists ng USSR, editor-in-chief ng encyclopedia na "Art of Countries and Peoples of the World," at nagkaroon ng maraming parangal at titulo ng estado.
Lalo na sikat ang dalawa sa kanyang mga pagpipinta: "Pagtatanong ng mga Komunista" at "Sa Old Ural Factory" (1937).

B. Joganson "Pagtatanong ng mga Komunista" (1933). Canvas, langis. 211 x 279 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Ang kasaysayan ng paglikha ng pagpipinta sa kasong ito ay kinakailangan upang maunawaan ang ideya nito. "Ako ay personal na pinagmumultuhan ng ideya ng paghahambing ng mga klase, ang pagnanais na ipahayag ang hindi mapagkakasundo na mga kontradiksyon ng klase sa pagpipinta.
Ang White Guard ay isang espesyal na pag-unlad sa kasaysayan, ito ay isang rabble kung saan ang mga labi ng mga lumang opisyal, speculators sa militar uniporme, tahasan bandido, at mga mandarambong ng digmaan ay halo-halong. Isang kapansin-pansing kaibahan sa gang na ito ang ating mga komisyoner ng militar, mga komunista, na mga pinunong ideolohikal at tagapagtanggol ng kanilang sosyalistang tinubuang-bayan at mga manggagawa. Ito ay aking malikhaing gawain upang ipahayag ang kaibahan na ito at ihambing ito” (B. Ioganson).
Isang opisyal ng White Guard ang nakaupo sa isang ginintuan na upuan na nakatalikod sa manonood. Nakaharap sa malayo ang natitirang mga puting opisyal. Upang mapahusay ang dramatikong epekto, nagbibigay ang artist ng artipisyal na pag-iilaw sa gabi. Ang pigura ng bantay ay inilalagay sa itaas na madilim na gilid ng kaliwang sulok at kumakatawan sa isang halos hindi kapansin-pansing silweta. Sa kanang sulok ay may bintana na may kurtina, ang karagdagang ilaw sa gabi ay bumubuhos dito.
Ang mga Komunista ay tila nasa mas mataas na lugar kumpara sa White Guards.
Komunista - isang batang babae at isang manggagawa. Nakatayo sila sa malapit at mahinahong tumitingin sa mga mukha ng kanilang mga kaaway, ang kanilang panloob na kaguluhan ay nakatago. Ang mga batang komunista ay sumisimbolo sa isang bagong uri ng mga taong Sobyet.

Sergei Vasilievich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Self-Portrait (1923). Canvas, langis. 88 x 66 cm ang Kharkov Art Museum (Kharkov, Ukraine)
Russian artist, kinatawan ng impresyonismo ng Russia, lalo na ipinakita sa kanyang mga landscape. Gumawa rin siya ng ilang karaniwang sosyalistang realistang mga pagpipinta.

S. Gerasimov "Spring. Marso". Canvas, langis
Sa makasaysayang genre, ang kanyang pinakatanyag na gawa ay "The Oath of the Siberian Partisans."

S. Gerasimov "Ang Panunumpa ng mga Partisan ng Siberia" (1933). Canvas, langis. 173 x 257 cm ang State Russian Museum (St. Petersburg)
Ang larawan ay malupit sa nilalaman, ngunit nagpapahayag at nagpapahayag. Ito ay may malinaw na komposisyon at ideolohikal na oryentasyon.
Ang pagpipinta ng genre ni S. Gerasimov na "Collective Farm Holiday" (1937) ay itinuturing na isa sa pinakamahalagang gawa ng sining ng Sobyet noong 30s ng XX century.

S. Gerasimov "Collective farm holiday" (1937). Canvas, langis. 234 x 372 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Ang isa sa mga pinakatanyag na pagpipinta tungkol sa digmaan ay ang pagpipinta ni S. Gerasimov na "Ina ng Partisan."

S. Gerasimov "Ina ng Partisan" (1943-1950). Canvas, langis. State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang artist mismo ay nagsalita tungkol sa ideya ng pagpipinta tulad nito: "Nais kong ipakita sa kanyang imahe ang lahat ng mga ina na nagpadala ng kanilang mga anak sa digmaan."
Ang babae ay matatag sa kanyang katuwiran; Siya ay naghihirap, ngunit ito ang pagdurusa ng isang mapagmataas, malakas na tao, kaya ang kanyang mukha ay tila kalmado sa trahedya na sandaling ito.

Arkady Alexandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Larawan ng artist na si Plastov

Ang artist na si A. Plastov ay tinawag na "mang-aawit ng magsasaka ng Sobyet." Lahat ng ito mga pagpipinta ng genre nilikha laban sa background ng isang landscape. Ang likas na Ruso ng artist ay palaging liriko at animated. Ang kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng mala-tula na pagpapahayag at halos walang salungatan na kalikasan.

A. Plastov "Unang Niyebe" (1946)
Ang artist ay naglalarawan ng isang maliit na fragment mula sa buhay nayon. Sa threshold ng isang kahoy na bahay ay dalawang magsasaka anak, malamang na isang kapatid na babae at kapatid na lalaki. Pagkagising sa umaga, nakakita sila ng snowfall at tumakbo palabas sa balkonahe. Ang batang babae ay hindi kahit na magkaroon ng oras upang itali ang mainit na dilaw na alampay, itinapon niya lamang ito sa isang light house na damit at inilagay ang kanyang mga paa sa felt boots. Nagtataka at natutuwa ang mga bata sa unang snow. At ang kagalakang ito, ang parang bata na kasiyahan sa kagandahan ng kalikasan ay ipinadala sa madla.
Si Plastov ay isang kumbinsido na realista. Ang paghahanap para sa isang bagay na ganap na bago at hindi pa nagagawa ay kakaiba sa kanya. Nabuhay siya sa mundo at hinangaan ang kagandahan nito. Naniniwala si Plastov na ang pangunahing bagay para sa isang artista ay makita ang kagandahang ito at ihatid ito sa canvas. Hindi mo kailangang magsulat nang maganda, kailangan mong isulat ang katotohanan, at ito ay magiging mas maganda kaysa sa anumang pantasya.

A. Plastov "Golden Edge" (1952). Canvas, langis. 57 x 76 cm. Museo ng Estado-Reserve"Rostov Kremlin"

A. Plastov "Haymaking" (1945). Canvas, langis. 193 x 232 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Ang artist ay lumikha ng isang serye ng mga pagpipinta tungkol sa Great Patriotic War. Ang canvas na "The Fascist Flew Over" ay puno ng trahedya;

A. Plastov "Ang pasista ay lumipad" (1942). Canvas, langis. 138 x 185 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Ang artist na si A. Deineka ay patuloy na gumagawa sa kanyang mga paboritong tema.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Kilala bilang pintor, teatro artist, set designer at graphic artist, poster artist, at guro.
Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay "New Moscow".

Y. Pimenov "Bagong Moscow" (1937). Canvas, langis. 140 × 170 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Isinulat sa kasagsagan ng muling pagtatayo ng kabisera. Ang isang babaeng nagmamaneho ay medyo bihirang pangyayari sa mga taong iyon. Ito ay simbolo ng bagong buhay. Ang komposisyon na solusyon ay hindi pangkaraniwan: ang imahe ay mukhang isang frame ng camera. Ang babae ay ipinapakita mula sa likuran, at ang anggulong ito ay nag-aanyaya sa manonood na tingnan ang umaga sa lungsod sa pamamagitan ng kanyang mga mata. Ang isang pakiramdam ng kagalakan, pagiging bago at mood ng tagsibol ay nilikha. Ito ay pinadali ng impresyonistikong brushwork ng artist at ang pinong kulay ng painting. Ang larawan ay puno ng isang optimistikong katangian na katangian ng panahong iyon.
Ginamit din ng artist ang diskarteng ito kapag nagpinta ng "Front Road". Ang emosyonal na nilalaman ng larawan ay itinayo sa kaibahan sa pagitan ng imahe ng isang mapayapang, pagbabago ng Moscow at ang lungsod na dinambong at nawasak bilang resulta ng pasistang pagsalakay, na inilalarawan sa pagpipinta na "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain, si Pimenov ay naimpluwensyahan ng ekspresyonismo ng Aleman, na higit sa lahat ay nagpapaliwanag ng dramatikong poignancy ng kanyang pinakamahusay na mga pagpipinta sa mga taong ito: "Mga Invalid ng Digmaan", "Bigyan kami ng Mabigat na Industriya!" (1927), "Pumunta ang mga sundalo sa panig ng rebolusyon" (1932). Unti-unti siyang lumipat sa impresyonismo, na sumunod sa malikhaing prinsipyo ng "magandang sandali."

Y. Pimenov "Mga Invalid ng Digmaan" (1926). State Russian Museum (St. Petersburg)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Si Georgy Nissky ay aktibong kasangkot sa pagpipinta ng landscape sa panahong ito. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang nakamamanghang laconicism, dynamics, maliwanag na komposisyon at maindayog na solusyon. Ang kalikasan ng artista ay palaging binabago ng mga kamay ng tao.

G. Nyssky “Autumn. Semaphore" (1932)

G. Nissky "rehiyon ng Moscow. Pebrero" (1957). Canvas, langis. State Tretyakov Gallery (Moscow)
Si Nikolai Krymov ay itinuturing na isang pintor ng landscape ng mas lumang henerasyon.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolai Krymov (1921)
N.P. Si Krymov ay ipinanganak sa pamilya ng Itinerant artist, kaya ang paunang direksyon ng kanyang trabaho ay pareho. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral (1905-1910), siya ay sumandal sa mga impresyonistikong paglalarawan ng kalikasan; Noong 20s siya ay naging isang tagasunod ng makatotohanang pagpipinta ng Russia.

N.P. Krymov "Umaga sa Central Park ng Kultura at Paglilibang na pinangalanan. M. Gorky sa Moscow" (1937). Canvas, langis. 81 x 135 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Ang huling yugto ng gawa ng artist ay nauugnay sa Oka River at maliit na bayan Tarusa, kung saan tumira si Krymov. Siya ay nabighani sa mga lokal na tanawin at sa Oka River, na "nakahinga ng kalayaan."

N. Krymov "Kalye sa Tarusa" (1952)
Ang mga kuwadro na "Before Twilight", "Polenovo. Oka River" at marami pang iba. Ang artist ay may maraming mga tanawin ng taglamig.

N. Krymov "Taglamig. Mga Bubong" (1934)

Arkady Aleksandrovich Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Self-portrait na may ardilya (1931). Papel, tinta, lapis ng Italyano. State Tretyakov Gallery (Moscow)

Russian at Soviet landscape pintor, graphic artist at guro.
Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay "Lenin sa Razliv".

A. Rylov "V.I. Lenin sa Razliv noong 1917." (1934). Canvas, langis. 126.5 × 212 cm ang State Russian Museum (St. Petersburg)
Ito ay isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist sa kanyang huling panahon ng pagkamalikhain. Sa pagpipinta na ito, pinagsama ng pintor ang tanawin sa makasaysayang genre. Ang pananatili ni Lenin sa Razliv noong tag-araw ng 1917 ay isa sa mga pangunahing paksa ng tema ng Leninist sa pinong sining ng Sobyet. Ang kaguluhan at tensyon ng sandali ay nararamdaman sa tanawin at sa pabago-bagong pigura ng pinuno. Ang mga ulap ay dumadaloy sa kalangitan, ang hangin ay yumuko sa mga malalaking puno, sa paglaban sa mga ito likas na pwersa ang pigura ni Lenin ay nagmamadali patungo sa hangin na may matatag na determinasyon na manalo sa ngalan ng hinaharap.
Ang isang mabagyong lawa at isang nakababahalang kalangitan ay sumisimbolo sa isang bagyo. Ang takipsilim ay bumabagsak sa lupa. Si Lenin, na hindi napapansin ang alinman sa mga ito, ay marubdob na nakatingin sa malayo. Ang interpretasyong ito ng imahe ng pinuno ay isang ideolohikal na pagkakasunud-sunod ng panahon ng Sobyet.
Ang genre ng portrait ng Sobyet ay aktibong umuunlad sa oras na ito, kung saan ipinakita nina Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, at Mikhail Nesterov ang kanilang sarili nang mas malinaw.

P. Konchalovsky. Larawan ng kompositor na si Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Canvas, langis. 181 x 140.5 cm ang State Tretyakov Gallery (Moscow)

P. Konchalovsky. Larawan ng V.E. Meyerhold (1938). Canvas, langis. 211 x 233 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)
Sa panahon ng mass repressions, ilang sandali bago ang pag-aresto at pagkamatay ni Meyerhold, si P. Konchalovsky ay lumikha ng isang larawan ng natitirang figure na ito sa teatro. Noong Enero 7, 1938, pinagtibay ng Komite para sa Sining ang isang resolusyon upang puksain ang Meyerhold State Theater.
Inihatid ng artista ang salungatan ng personalidad sa nakapaligid na katotohanan sa pamamagitan ng isang kumplikadong solusyon sa komposisyon. Ang canvas ay hindi naglalarawan ng isang mapangarapin, ngunit isang tao na ang kapalaran ay nakabitin sa balanse, at alam niya ito. Sa pamamagitan ng paghahambing ng isang maliwanag na karpet, nang makapal na natatakpan ng mga burloloy, at ang monochrome na pigura ng direktor, inihayag ni Konchalovsky ang trahedya na imahe ng direktor-repormador.

I. Grabar. Larawan ng Academician N.D. Zelinsky (1935). Canvas, langis. 95 x 87 cm Gallery ng Estado ng Tretyakov (Moscow)

I. Grabar. Larawan ni Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Korin (1933)
Ruso at Sobyet na pintor, monumentalista, portrait master, restorer at guro, propesor.
Siya ay pinalaki sa Palekh at nagsimula sa pamamagitan ng pagpipinta ng mga icon. Nag-aral siya sa Moscow School of Sculpture and Architecture, at kalaunan ay naging isa sa pinakamahalagang masters ng maagang Sobyet na portraiture, na lumilikha ng isang buong gallery ng mga portrait ng mga intelektwal sa kanyang panahon.
Ang mga gawa ng artist na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng monumentality, malupit na kulay, at malinaw na sculpted na mga anyo.
Ang pinakasikat na mga gawa ni P. Korin: ang triptych na "Alexander Nevsky", mga larawan nina Georgy Zhukov at Maxim Gorky.

P. Korin. Triptych "Alexander Nevsky"
Ang triptych ay kinomisyon mula sa artist sa panahon ng Great Patriotic War, kapag ang tema ng paglaban sa mananalakay ay sentro ng sining.
Sa kaliwa at kanang bahagi ng triptych, naghahanda ang mga sundalo para sa digmaan. Kasama nila ang mga kababaihan: isang matandang ina, isang asawang may hawak na isang maliit na bata sa kanyang mga bisig. Sila, pati na ang kanilang sariling lupain, ay nangangailangan ng proteksyon.

Sa gitna ay ang imahe ng isang mandirigma. Pinahinto ni Alexander Nevsky ang mga kabalyerong Aleman noong sinaunang panahon, upang mapukaw niya ang mga tagapagtanggol na labanan ang mga pasistang mananakop. Ang kanyang pigura ay napakalaki - ito ay isang memorya ng mga bayani ng Russia. Ang banner na may mukha ni Kristo ay nagpapaalala sa kabanalan ng lupain ng Russia. Nakatayo siya na nakasandal sa kanyang espada - ang mga kaaway ay dapat mamatay mula sa espada na kasama nila.
Sa likod niya ay ang kanyang sariling lupain, na dapat protektahan.
Ang mga pampakay na pagpipinta at mga portrait na ginanap ng master ay nailalarawan sa pamamagitan ng espirituwalidad at pag-iingat ng mga imahe, higpit ng komposisyon at disenyo.
Interes sa malikhaing indibidwal katangian ng atmospera ng panahong ito.