Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Plano:

1. Pangkalahatang posisyon pagpipinta sa maagang XVII mga siglo

2. Larawan. Frans Hals

3. Mga Landscape. Jan van Goyen

4. Buhay pa. Peter Claes at Willem Heda

5. Genre painting

1. Pangkalahatang sitwasyon ng pagpipinta sa simula ng ika-17 siglo

Pinagkaitan ng mga makapangyarihang customer tulad ng korte, maharlika at simbahan, ang mga pintor ng Dutch ay pangunahing nagtrabaho para sa pagbebenta - madalas nilang ibinebenta ang kanilang mga kuwadro na gawa sa mga perya, at ang kanilang mga gawa ay binili ng mga mangangalakal at may-ari ng pabrika, artisan at mayayamang magsasaka.

Ang mga kuwadro na gawa ay pininturahan sa isang maliit na format, na isinasaalang-alang ang katamtamang laki ng mga interior ng mga bahay ng Dutch. Ang pagpipinta ng Easel ay naging paboritong sining ng Dutch, dahil ito ay may kakayahang sumasalamin sa katotohanan na may mahusay na pagiging maaasahan at pagkakaiba-iba. Nais makita ng mga Dutch sa kanilang mga pintura kung ano ang pamilyar sa kanila - ang kalikasan ng kanilang bansa, ang dagat at mga barko, ang kanilang buhay at tahanan, ang mga bagay na nakapaligid sa kanila. Ang pagnanais na maunawaan ang mundo ay ipinakita mismo sa Pagpipinta ng Dutch sa gayong mga direktang anyo at may ganoong pagkakapare-pareho na wala saanman sining ng Europa panahong ito. Ang lawak ng kanyang hanay ay konektado din dito: portrait at landscape, still life at pang-araw-araw na genre. Ang ilan sa kanila (buhay pa rin, pang-araw-araw na pagpipinta) ay unang nagkaroon ng hugis sa Holland sa kanilang mga mature na anyo at umabot sa napakataas na antas na sila ay naging isang uri ng pamantayan para sa genre na ito.

Nasa unang dalawang dekada, ang pangunahing direksyon ng paghahanap para sa mga advanced na Dutch masters, na sumasalungat sa konserbatibong artistikong mga uso, ay malinaw na ipinahayag - ang pagnanais para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan, para sa pagiging konkreto ng sagisag nito. Ito ay hindi nagkataon na ang mga Dutch na pintor ay naakit sa sining ng Caravaggio. Ang gawain ng tinatawag na Utrecht Caravaggists - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - nakaimpluwensya sa kulturang artistikong Dutch.

2. Larawan. Frans Hals

Ang 1920s ay naging punto ng pagbabago sa ebolusyon ng Dutch painting: nakamit ng mga bagong demokratiko at makatotohanang uso ang pangwakas na tagumpay; ang pangunahing hanay ng mga motif ng Dutch painting ay natutukoy, ang proseso ng pagkita ng kaibhan ng mga genre ay nakumpleto, ang kanilang mga prinsipyo at pagtitiyak ay naaprubahan. Ang mapagpasyang papel sa pagbuo ng pambansang sining sa maagang yugto ng pag-unlad ng Dutch art school ay ginampanan ng gawa ni Frans Hals (circa 1580-1666), ang unang dakilang master nito.

Si Hals ay halos eksklusibong isang pintor ng portrait, ngunit ang kanyang sining ay nangangahulugan ng maraming hindi lamang sa Dutch portraiture, kundi pati na rin sa pagbuo ng iba pang mga genre. Sa gawa ni Hals, tatlong uri ng mga komposisyon ng portrait ang maaaring makilala: isang group portrait, isang kinomisyon na indibidwal na portrait, at isang espesyal na uri ng portrait na mga imahe, na katulad ng likas na katangian sa genre painting, na kanyang nilinang pangunahin noong 20s - 30s.

Ang mga larawan ng grupo ng mga rifle guild - mga asosasyon ng burgher para sa pagtatanggol at proteksyon ng mga lungsod - nabibilang sa mga sentral na likha ng Hals ng huling bahagi ng 10s - unang bahagi ng 30s at sa pinaka makabuluhang mga gawa ng Dutch painting ng maagang yugto ng pag-unlad nito, kapag ang mga mithiin ng rebolusyonaryong panahon ay nabubuhay pa. Ang larawan ng grupo ay nakapagpahayag ng pakiramdam ng kalayaan at pagkakapantay-pantay, pakikipagkaibigan at pagkakaisa ng sibil na mahal sa mga kinatawan ng batang republika. Kaya, ipinagmamalaki ang kanilang kalayaan, masayahin at aktibong mga taong-bayan, kung saan ang memorya ng magkasanib na pakikibaka ay sariwa pa, lumilitaw sila sa mga larawan ng mga opisyal ng kumpanya ng rifle ng St. Hadrian (1627 at 1633) at St. George (1627) (Frans Hals Museum sa Haarlem)

Nakamit ng Hals ang isang kapansin-pansin na pagiging natural ng komposisyon - tila hindi sinasadya, random, ngunit sa likod nito ay may isang banayad na artistikong pagkalkula. Ang balangkas ng balangkas - isang pagpupulong o kapistahan ng mga miyembro ng guild na nagsilbi ng tatlong taong termino - ay nagiging mga kalahok sa eksena, sa mga karakter. Walang katigasan o sadyang pag-pose sa mga karakter ni Hals; tila narito, sa pamilyar at malapit na lipunang ito, ganap at buong katapatan nilang ipinapahayag ang kanilang pagkatao at pagkatao. Ang Portraits of Hals ay nagbibigay ng pakiramdam ng mutual connection sa pagitan ng mga taong nagpapahalaga at nakakaalam ng kanyang lakas.

Ang pagwawalis, matapang, mayamang pagsulat at isang makulay na palette, kung saan nangingibabaw ang matitinding kulay - asul, indigo, ginintuang dilaw, pula - nagpapakita ng optimistiko, nagpapatibay sa buhay na tono ng mga larawan, at ang malaking sukat ng mga komposisyon ay nagbibigay sa kanila ng isang monumental na karakter .

Ang Hals ay mahusay na nagtagumpay sa mga paghihirap ng isang larawan ng grupo. Ang prinsipyo ng genre, na nag-aambag sa impresyon ng sigla ng imahe, ay hindi nag-aalis sa komposisyon ng kinatawan ng karakter nito. Mahusay na nililikha ni Hals ang sariling katangian ng mga karakter - ang bawat isa ay ipinakita na may pag-uugali, malapitan, at kasabay nito ay napanatili dito ang masining na pagkakaisa.

Ang gawain ni Hals, na nabuo sa kapaligiran ng mga taon pagkatapos ng rebolusyonaryo, ay naging isa sa pinakamalinaw na pagpapahayag ng demokratikong diwa ng kulturang burges na Dutch sa panahon ng pagbuo nito.

Mga tampok ng maagang sining ng Khalsa - ang likas na katangian ng pang-unawa ng modelo at mga tiyak na pamamaraan katangian ng portrait, - ay pinaka-malinaw na ipinahayag sa tinatawag na mga portrait ng genre. Karaniwang inilalarawan ni Hals ang modelo sa paraang nahanap ng manonood ang kanyang sarili nang harapan sa kanya, sa malapit at direktang komunikasyon. Ang kanyang mga karakter ay natural at malayang nakatayo sa larawan, ang kanilang postura at mga kilos ay tila hindi matatag, at ang ekspresyon sa kanilang mga mukha ay malapit nang magbago; Ang pinaka-kahanga-hangang tampok ng malikhaing paraan ni Hals ay ang kakayahang maghatid ng karakter sa pamamagitan ng mga indibidwal na ekspresyon ng mukha at kilos, na parang nahuli sa mabilisang (“The Cheerful Drinking Companion”, Amsterdam, Rijksmuseum; “Mulatto”, Leipzig; “The Smiling Officer” , London, koleksyon ng Wallace). Nagustuhan ng artista emosyonal na estado, puno ng dynamics, naglalaman ang mga ito para sa kanya, bilang ito ay, isang namuong lahat na pinaka-katangian, indibidwal na nagpapahayag sa modelo at isang pakiramdam ng nakuhang buhay. Ngunit sa sandaling ito na nakuha ni Hals, ang pinakamahalaga, ang core ng imahe ay palaging nakunan (“Gypsy”, 1628 – 1630, Paris, Louvre; “Malle Babe”, early 30s, Berlin-Dahlem, Galerya ng sining).

Mahusay na alam ni Hals kung paano ikonekta ang taong inilalarawan sa isang partikular na kapaligiran at sitwasyon. Kaya, kapag tinitingnan ang larawan ng Malle Babe, nagkakaroon ng impresyon ang manonood na nakikita niya ang loob ng isang tavern na puno ng maingay, walang galang na mga bisita, nakakarinig ng namamaos na tawa at mga bastos na salita ng isang medyo lasing na matandang babae na hinarap sa mga regular nito. Ang mga larawan ng sinaunang Khalsa ay kumukuha ng mga tampok ng isang genre na pagpipinta.

Ang panloob na konsentrasyon at pagsipsip sa sarili ay dayuhan sa mga karakter ni Khalsa - ipinapakita ang mga ito sa mga reaksyon sa kapaligiran, sa pakikipag-ugnayan dito. Ang pictorial form mismo ni Hals ay hindi rin sarado, dynamic: ang mga pagliko ng mga figure sa espasyo ng canvas ay tipikal para sa kanya; dynamic na linya ng silweta; mga volume na hindi nakahiwalay sa background, ngunit madali at natural na sumanib dito; sa wakas, isang libreng brushstroke na hindi nagtatago sa mga galaw ng kamay ng artist.

Ang pagiging tiyak ng istilo ng portrait ni Hals ay binubuo, sa isang banda, sa isang napakalinaw na nakuhang indibidwalidad, sa kabilang banda, sa aktibong sigla ng imahe at sa kahulugan ng spontaneity ng kanyang pang-unawa, na nilikha ng isang improvisational na istilo ng pagpipinta.

Si Hals ang unang master ng libreng "sketch" na pagpipinta sa European art. Ang paggalaw ng brush ay nagbibigay sa kanya ng parehong disenyo at kulay, muling nililikha ang hugis, dami, at katangian ng ibabaw. Ang mga brushstroke ay tumatakbo sa isa't isa, nagbanggaan, nag-iiba sa iba't ibang direksyon, kung minsan ay makapal na tumatakip sa canvas, kung minsan ay iniiwan ang underpainting upang makita. Mabilis at mahusay na inilagay, nililikha nila ang mga ekspresyon ng mukha at paggalaw, na nagbabago sa iba't ibang, tumpak na nakuha at muling ginawang mga anyong plastik. Ang bawat anyo sa Khals ay tumatanggap ng kadaliang kumilos, at ang imahe sa kabuuan ay tumatanggap ng panloob na dinamika at emosyonal na katalinuhan.

Ang estilo ng pagpipinta mismo ay nakatanggap ng espesyal na kahalagahan. Ang diin sa isang detalye o ang "understatement" ng isa pa, ang likas na katangian ng brushstroke at makulay na ibabaw ay nakatulong upang lumikha ng isang nagpapahayag na artistikong imahe mula sa isang minsan hindi kapansin-pansin na modelo. Ito ang mga larawan ni Claes Van Vorhout, makitid ang pag-iisip, simple ang pag-iisip, medyo nakakatawa at walang katotohanan sa kanyang pag-angkin na mukhang marangal at makabuluhan (c. 1635, New York, Metropolitan Museum of Art), Nicholas van der Meer (1631). , Haarlem, museo) at Pieter van den Brooke (1633, London, Kenwood House) - simple, prangka at bahagyang bastos na mga kalikasan, ngunit aktibo at malinaw ang loob, o isang larawan ni Jasper Schade, walang kabuluhan, mayabang, narcissistic (c. 1645). , Prague, National Gallery). Ang portrait gallery ng Khalsa mula 20s hanggang 40s ay magkakaiba, ngunit sa parehong oras ay panloob na pinag-isa: ito ay, parang, isang uri ng kolektibong imahe Dutchman noong panahong iyon. Maaaring siya ay kampante, may tiwala sa sarili at limitado, ngunit siya ay halos walang paltos na may lakas, malakas na pagkakahawak sa buhay, katapangan at pagmamahal sa buhay. Inihahatid ni Hals ang mga katangiang ito ng kalikasan nang may kayamanan at paghanga na ang lahat ng hindi kaakit-akit na mga katangian sa karakter ng kanyang mga modelo ay tila nawala sa background.

Gayunpaman, sa mga larawan ng Hals mula sa pinakadulo ng 30s at 40s, lumilitaw ang pagkamaalalahanin at kalungkutan, na dati ay ganap na dayuhan sa kanyang mga karakter (larawan ni Willem Heythuisen mula sa Brussels Museum), at kung minsan ay isang bahagyang kabalintunaan ang dumaan sa saloobin ng artist. papunta sa kanila. Ang masayang pagtanggap sa buhay at tao, na siyang leitmotif ng kanyang trabaho sa mga nakaraang taon, ay unti-unting nawawala sa sining ni Khalsa. Ang 40s ay naging isang turning point sa pagpipinta ng Khalsa. Ang huling panahon ng gawa ng artist ay bumubuo ng isang espesyal na pahina sa kanyang sining at sa sining ng Dutch portraiture.

Sa mga portrait ng Hals, na ipininta noong 50s at 60s, ang malalim na mastery ng characterization ay pinagsama sa isang bagong panloob na kahulugan. Ang hindi kilalang lalaki, na inilalarawan sa isang pagpipinta mula sa maalamat na Hermitage (50s), ay nararamdaman pa rin ang kanyang lakas, ang kanyang mga kakayahan, ngunit wala nang anumang kagalakan o pananampalataya sa kanya. Sa kabila ng kahanga-hangang pagliko ng pigura, sa kabila ng panunuya, bahagyang mapanlait na hitsura, sa kabila ng dynamics ng pictorial form, ang pagkapagod at pag-aalinlangan ay malinaw na nakikita sa buong hitsura. Sa larawan ng lalaki sa larawan mula sa Kassel Gallery (1660-1666), hindi natin nakikita ang karaniwang paninindigan sa sarili at katapangan, ngunit ang kalungkutan at kawalang-interes, na para bang ang kanyang panloob na enerhiya ay natuyo at siya ay passive na sumusunod sa daloy ng buhay.

"Burgher" Baroque sa Dutch paintingXVII V. – paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay (P. de Hooch, Vermeer). "Luxurious" still lifes ni Kalf. Group portrait at ang mga feature nito nina Hals at Rembrandt. Interpretasyon ng mga mitolohiko at biblikal na eksena ni Rembrandt.

sining ng Dutch noong ika-17 siglo

Noong ika-17 siglo Ang Holland ay naging isang modelong kapitalistang bansa. Nagsagawa ito ng malawak na kolonyal na kalakalan, nagkaroon ng makapangyarihang armada, at ang paggawa ng barko ay isa sa mga nangungunang industriya. Ang Protestantismo (Calvinism bilang pinakamalubhang anyo nito), na ganap na pumalit sa impluwensya ng Simbahang Katoliko, ay humantong sa katotohanan na ang mga klero sa Holland ay walang katulad na impluwensya sa sining tulad ng sa Flanders, at lalo na sa Espanya o Italya. Sa Holland, hindi ginampanan ng simbahan ang papel ng isang customer ng mga gawa ng sining: ang mga simbahan ay hindi pinalamutian ng mga imahen ng altar, dahil tinanggihan ng Calvinism ang anumang pahiwatig ng karangyaan; Ang mga simbahang Protestante ay simple sa arkitektura at hindi pinalamutian sa anumang paraan sa loob.

Ang pangunahing tagumpay ng sining ng Dutch noong ika-18 siglo. - sa easel painting. Ang tao at kalikasan ang mga bagay ng pagmamasid at paglalarawan ng mga Dutch artist. Ang pagpipinta ng sambahayan ay nagiging isa sa mga nangungunang genre, ang mga tagalikha nito sa kasaysayan ay tumanggap ng pangalang "Little Dutchmen". Ang mga pagpipinta na batay sa mga paksa ng ebanghelyo at bibliya ay kinakatawan din, ngunit hindi katulad ng sa ibang mga bansa. Sa Holland ay hindi kailanman nagkaroon ng mga koneksyon sa Italya at ang klasikal na sining ay hindi gumaganap ng ganoong papel tulad ng sa Flanders.

Ang karunungan ng mga makatotohanang uso, ang pagbuo ng isang tiyak na hanay ng mga tema, ang pagkakaiba-iba ng mga genre bilang isang solong proseso ay nakumpleto noong 20s ng ika-17 siglo. Kasaysayan ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo. perpektong ipinapakita ang ebolusyon ng gawa ng isa sa pinakamalaking pintor ng portrait sa Holland, Frans Hals (circa 1580-1666). Noong 10-30s, maraming nagtrabaho si Hals sa genre ng mga larawan ng grupo. Mula sa mga canvases ng mga taong ito, ang mga masayahin, energetic, masigasig na mga tao ay tumitingin, nagtitiwala sa kanilang mga kakayahan at sa hinaharap ("The Shooting Guild of St. Adrian", 1627 at 1633;

"Rifle Guild ng St. George", 1627).

Tinatawag minsan ng mga mananaliksik ang mga portrait ng genre ng indibidwal na portrait ng Hals dahil sa espesyal na pagtitiyak ng larawan. Ang sketchy style ni Hulse, ang kanyang matapang na pagsulat, kapag ang brushstroke ay nililok ang parehong hugis at volume at nagbibigay ng kulay.

Sa mga larawan ng Hals sa huling bahagi ng panahon (50-60s), nawawala ang walang malasakit na lakas ng loob, enerhiya, at intensity sa mga karakter ng mga itinatanghal na tao. Ngunit tiyak sa late period Ang pagkamalikhain ni Hals ay umabot sa tugatog ng karunungan at lumilikha ng pinakamalalim na mga gawa. Ang kulay ng kanyang mga kuwadro ay nagiging halos monochrome. Dalawang taon bago ang kanyang kamatayan, noong 1664, muling bumalik si Hals sa larawan ng grupo. Nagpinta siya ng dalawang larawan ng mga regent at regent ng isang nursing home, kung saan siya mismo ang nakahanap ng kanlungan sa pagtatapos ng kanyang buhay. Sa larawan ng mga regent ay walang diwa ng pagkakaisa ng mga naunang komposisyon, ang mga modelo ay hindi nagkakaisa, walang kapangyarihan, sila ay may mapurol na mga tingin, pagkawasak ay nakasulat sa kanilang mga mukha.

Napakahalaga ng sining ni Hals para sa panahon nito; naimpluwensyahan nito ang pagbuo ng hindi lamang mga larawan, kundi pati na rin ang mga pang-araw-araw na genre, tanawin, at mga buhay pa rin.

Ang landscape genre ng ika-17 siglo Holland ay lalong kawili-wili. Ang Holland ay inilalarawan nina Jan van Goyen (1596-1656) at Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Ang kasagsagan ng landscape painting sa Dutch school ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang pinakadakilang master ng makatotohanang tanawin ay si Jacob van Ruisdael (1628/29-1682). Karaniwang puno ng malalim na drama ang kanyang mga gawa, kung naglalarawan man siya ng kagubatan (“Forest Swamp”),

mga landscape na may mga talon ("Talon") o isang romantikong tanawin na may sementeryo ("Jewish Cemetery").

Ang kalikasan ni Ruisdael ay lumilitaw sa dinamika, sa walang hanggang pagpapanibago.

Ang animalistic genre ay malapit na nauugnay sa Dutch landscape. Ang paboritong motif ni Albert Cuyp ay mga baka sa isang watering hole ("Sunset on the River", "Cows on the Bank of a Stream").

Ang buhay pa rin ay nakakamit ng napakatalino na pag-unlad. Ang Dutch still life, sa kaibahan sa Flemish, ay isang pagpipinta ng isang matalik na kalikasan, katamtaman sa laki at mga motif. Si Pieter Claes (c. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) ay kadalasang naglalarawan ng mga tinatawag na almusal: mga pagkaing may ham o pie sa isang medyo katamtamang inihain na mesa. Ang "almusal" ni Kheda ay pinalitan ng mga mararangyang "dessert" ni Kalf. Ang mga simpleng kagamitan ay pinapalitan ng mga mesang marmol, mga mantel na karpet, mga pilak na kopita, mga sisidlang gawa sa mga shell ng ina-ng-perlas, at mga basong kristal. Nakakamit ng Kalf ang kamangha-manghang virtuosity sa paghahatid ng texture ng mga peach, ubas, at kristal na ibabaw.

Noong 20-30s ng ika-17 siglo. Ang Dutch ay lumikha ng isang espesyal na uri ng maliit na maliit na larawang pagpipinta. Ang 40-60s ay ang kasagsagan ng pagpipinta, niluluwalhati ang kalmado na buhay ng burgher ng Holland, sinusukat ang pang-araw-araw na pag-iral.

Si Adrian van Ostade (1610-1685) ay unang naglalarawan ng malabo na panig ng buhay ng magsasaka (“The Fight”).

Mula noong 40s, ang mga satirical na tala sa kanyang trabaho ay lalong pinalitan ng mga nakakatawa ("In a village tavern", 1660).

Minsan ang mga maliliit na kuwadro na ito ay may kulay na may isang mahusay na liriko na pakiramdam. Ang "Painter in the Studio" ni Ostade (1663), kung saan niluluwalhati ng artist ang malikhaing gawa, ay nararapat na ituring na isang obra maestra ng pagpipinta ni Ostade.

Ngunit ang pangunahing tema ng "maliit na Dutch" ay hindi pa rin buhay magsasaka, ngunit buhay burgher. Kadalasan ang mga ito ay mga imahe na walang anumang kamangha-manghang balangkas. Ang pinakanakaaaliw na tagapagsalaysay sa mga ganitong uri ng pelikula ay si Jan Stan (1626-1679) (“Revelers”, “Game of Backgammon”). Nakamit ni Gerard Terborch (1617-1681) ang higit na kahusayan dito.

Ang loob ng "maliit na Dutch" ay nagiging lalo na patula. Ang tunay na mang-aawit ng temang ito ay si Pieter de Hooch (1629-1689). Ang kanyang mga silid na may kalahating bukas na bintana, na may mga sapatos na hindi sinasadyang itinapon o isang walis na naiwan, ay madalas na itinatanghal na walang pigura ng tao.

Ang isang bagong yugto ng pagpipinta ng genre ay nagsisimula sa 50s at nauugnay sa tinatawag na Delft school, na may mga pangalan ng mga artist tulad nina Carel Fabricius, Emmanuel de Witte at Jan Wermeer, na kilala sa kasaysayan ng sining bilang Wermeer ng Delft (1632-1675). ). Ang mga painting ni Vermeer ay tila hindi orihinal. Ito ang parehong mga larawan ng nagyelo na buhay ng burgher: nagbabasa ng isang liham, isang ginoo at isang babae na nag-uusap, mga katulong na gumagawa ng simpleng gawaing bahay, mga tanawin ng Amsterdam o Delft. Ang mga painting na ito ay simple sa pagkilos: "Girl Reading a Letter",

"Ang ginoo at ang ginang sa spinet"

"The Officer and the Laughing Girl", atbp. - ay puno ng espirituwal na kalinawan, katahimikan at kapayapaan.

Ang pangunahing bentahe ng Vermeer bilang isang artista ay sa paghahatid ng liwanag at hangin. Ang paglusaw ng mga bagay sa isang kapaligiran ng liwanag-hangin, ang kakayahang lumikha ng ilusyon na ito, ay pangunahing tinutukoy ang pagkilala at kaluwalhatian ng Vermeer nang tumpak sa ika-19 na siglo.

Gumawa si Vermeer ng isang bagay na walang ginawa noong ika-17 siglo: nagpinta siya ng mga landscape mula sa buhay ("Street", "View of Delft").

Maaari silang tawaging mga unang halimbawa ng plein air painting.

Ang tugatog ng Dutch realism, ang resulta ng mga nakalarawang tagumpay ng kulturang Dutch noong ika-17 siglo, ay ang gawa ni Rembrandt. Si Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) ay ipinanganak sa Leiden. Noong 1632, umalis si Rembrandt patungong Amsterdam, ang sentro ng artistikong kultura sa Holland, na natural na umaakit sa batang artista. Ang 30s ay ang panahon ng kanyang pinakadakilang kaluwalhatian, ang landas kung saan binuksan para sa pintor ng isang malaking kinomisyon na pagpipinta noong 1632 - isang larawan ng grupo, na kilala rin bilang "The Anatomy of Doctor Tulp", o "Anatomy Lesson".

Noong 1634, pinakasalan ni Rembrandt ang isang batang babae mula sa isang mayamang pamilya, si Saskia van Uylenborch. Magsisimula ang pinakamasayang yugto ng kanyang buhay. Siya ay naging isang sikat at naka-istilong artista.

Ang buong panahong ito ay nababalot ng pagmamahalan. Ang pananaw sa mundo ni Rembrandt sa mga taong ito ay malinaw na ipinahayag ng sikat na "Self-Portrait with Saskia on her Knees" (circa 1636). Ang buong canvas ay nababalot ng lantad na kagalakan ng buhay at kagalakan.

Ang wikang Baroque ay pinakamalapit sa pagpapahayag ng mataas na espiritu. At ang Rembrandt sa panahong ito ay higit na naimpluwensyahan ng Italian Baroque.

Ang mga karakter sa 1635 na pagpipinta na "Ang Sakripisyo ni Abraham" ay lumilitaw sa harap natin mula sa masalimuot na mga anggulo. Ang komposisyon ay lubos na pabago-bago, na binuo ayon sa lahat ng mga patakaran ng Baroque.

Sa parehong 30s, si Rembrandt ay nagsimulang seryosong makisali sa mga graphics, pangunahin ang pag-ukit. Ang mga ukit ni Rembrandt ay pangunahing mga paksa sa bibliya at ebanghelikal, ngunit sa kanyang mga guhit, bilang isang tunay na Dutch artist, madalas siyang bumaling sa genre. Sa pagliko ng maagang yugto ng gawain ng artista at ang kanyang pagiging malikhain, ang isa sa kanyang pinakatanyag na mga pagpipinta ay lilitaw sa harap natin, na kilala bilang "The Night Watch" (1642) - isang larawan ng grupo ng kumpanya ng rifle ng Captain Banning Cock.

Pinalawak niya ang saklaw ng genre, na nagpapakita sa halip ng isang makasaysayang larawan: sa isang signal ng alarma, ang Banning Cock's detachment ay nagtatakda sa isang kampanya. Ang ilan ay kalmado at may tiwala, ang iba ay nasasabik sa pag-asa sa kung ano ang darating, ngunit ang lahat ay nagtataglay ng pagpapahayag ng pangkalahatang enerhiya, patriotikong sigasig, at ang tagumpay ng diwang sibiko.

Ang larawan ng grupo na ipininta ni Rembrandt ay naging isang bayani na imahe ng panahon at lipunan.

Ang pagpipinta ay naging napakadilim na ito ay itinuturing na isang paglalarawan ng isang eksena sa gabi, kaya ang maling pangalan nito. Ang anino na ginawa ng pigura ng kapitan sa magaan na damit ng tenyente ay nagpapatunay na hindi gabi, kundi araw.

Sa pagkamatay ni Saskia sa parehong 1642, naganap ang natural na pahinga ni Rembrandt sa mga patrician circle na dayuhan sa kanya.

Ang 40s at 50s ay panahon ng pagiging malikhain. Sa panahong ito, madalas siyang bumaling sa mga naunang gawa upang gawing muli ang mga ito sa bagong paraan. Ito ang kaso, halimbawa, sa "Danae," na ipininta niya noong 1636. Sa pamamagitan ng pagbaling sa pagpipinta noong 40s, pinatindi ng artist ang kanyang emosyonal na estado.

Isinulat niyang muli ang gitnang bahagi kasama ang pangunahing tauhang babae at ang dalaga. Ang pagbibigay kay Danae ng isang bagong kilos ng nakataas na kamay, ipinarating niya sa kanya ang labis na pananabik, isang pagpapahayag ng kagalakan, pag-asa, apela.

Noong 40-50s, ang kahusayan ni Rembrandt ay patuloy na lumago. Pinipili niya para sa interpretasyon ang pinaka liriko, patula na mga aspeto ng pag-iral ng tao, ang sangkatauhan na walang hanggan, lahat-tao: pag-ibig ng ina, pakikiramay. Ang pinakadakilang materyal ay ibinigay sa kanya ng Banal na Kasulatan, at mula dito - mga eksena ng buhay ng banal na pamilya. Inilalarawan ni Rembrandt ang simpleng buhay, mga ordinaryong tao, tulad ng sa canvas " Banal na pamilya».

Ang huling 16 na taon ay ang pinaka-trahedya na taon ng buhay ni Rembrandt; sira na siya at walang utos. Ngunit ang mga taong ito ay puno ng kamangha-manghang aktibidad ng malikhaing, bilang isang resulta kung saan ang mga kaakit-akit na imahe ay nilikha, pambihira sa kanilang monumental na karakter at espirituwalidad, malalim na pilosopiko na mga gawa. Kahit na ang maliit na laki ng mga gawa ng Rembrandt mula sa mga taong ito ay lumilikha ng impresyon ng pambihirang kadakilaan at tunay na monumentalidad. Ang kulay ay nakakakuha ng sonority at intensity. Ang kanyang mga kulay ay tila nagliliwanag. Ang mga portrait ni late Rembrandt ay ibang-iba sa mga portrait ng 30s at kahit 40s. Ang mga ito ay napakasimple (kalahating haba o generational) na mga larawan ng mga taong malapit sa artist sa kanilang panloob na istraktura. Nakamit ni Rembrandt ang pinakadakilang subtlety ng characterization sa kanyang mga self-portraits, kung saan humigit-kumulang isang daan ang dumating sa amin. Ang pangwakas na piraso sa kasaysayan ng mga larawan ng grupo ay ang paglalarawan ni Rembrandt ng mga matatanda ng pagawaan ng tela - ang tinatawag na "Sindics" (1662), kung saan, sa kaunting paraan, nilikha ni Rembrandt ang buhay at sa parehong oras iba't ibang uri ng tao, ngunit higit sa lahat, nakapagbigay siya ng pakiramdam ng espirituwal na pagkakaisa, pag-unawa sa isa't isa at pagkakaugnay sa pagitan ng mga tao.

Sa kanyang mga mature na taon (karamihan sa 50s), nilikha ni Rembrandt ang kanyang pinakamahusay na mga ukit. Bilang isang etcher, wala siyang kapantay sa sining ng mundo. Sa lahat ng mga ito, ang mga imahe ay may malalim na pilosopikal na kahulugan; sinasabi nila ang tungkol sa mga misteryo ng pag-iral, tungkol sa trahedya ng buhay ng tao.

Marami siyang ginagawang pagguhit. Naiwan ni Rembrandt ang 2000 na mga guhit. Kabilang dito ang mga sketch mula sa buhay, mga sketch para sa mga pagpipinta at paghahanda para sa pag-ukit.

Sa huling quarter ng ika-17 siglo. ang paghina ng Dutch school of painting ay nagsisimula, ang pagkawala ng pambansang pagkakakilanlan nito, at mula sa simula siglo XVIII Ang katapusan ng dakilang panahon ng Dutch realism ay paparating na.

Kultura ng Dutch noong ika-17 siglo

Ang tagumpay ng burges na rebolusyon sa Northern Netherlands ay humantong sa pagbuo ng isang malayang estado - ang Republika ng pitong nagkakaisang lalawigan - Holland (sa pangalan ng pinakamahalaga sa mga lalawigang ito); Sa kauna-unahang pagkakataon, itinatag ang isang burges-republican na sistema sa isa sa mga bansang Europeo. Ang mga puwersang nagtutulak ng rebolusyon ay mga magsasaka at ang pinakamahihirap na saray ng populasyon sa kalunsuran, ngunit sinamantala ng burgesya, na naluklok sa kapangyarihan, ang mga natamo nito.
Ang paglaya mula sa pang-aapi ng absolutismo ng Espanyol at ng Simbahang Katoliko, ang pagkawasak ng ilang pyudal na paghihigpit ay nagbukas ng daan para sa mabilis na paglaki ng produktibong pwersa ng republika, na, ayon kay Marx, “ay isang huwarang kapitalistang bansa ng ika-17 siglo.” Tanging sa Holland noong panahong iyon ang populasyon ng lunsod ay nanaig sa kanayunan, ngunit ang pangunahing pinagmumulan Ang mga kita ay hindi nagmula sa industriya (bagaman ang produksyon ng tela at lalo na ang paggawa ng mga barko ay binuo dito), ngunit mula sa intermediary trade, na lumawak salamat sa kolonyal. patakaran. Habang yumaman ang mga naghaharing uri, lumaki ang kahirapan ng mga manggagawa, nabangkarote ang mga magsasaka at artisan, at sa kalagitnaan ng ika-17 siglo ay tumindi ang mga kontradiksyon ng uri.
Gayunpaman, sa mga unang dekada pagkatapos ng pagtatatag ng republika, ang mga demokratikong tradisyon ng rebolusyonaryong panahon ay buhay. Ang lawak ng pambansang kilusan sa pagpapalaya, ang pag-angat ng kamalayan sa sarili ng mga tao, at ang kagalakan ng paglaya mula sa dayuhang pamatok ang nagbuklod sa magkakaibang bahagi ng populasyon. Ang bansa ay lumikha ng mga kondisyon para sa pag-unlad ng agham at sining. Ang mga progresibong palaisip noong panahong iyon ay nakahanap ng kanlungan dito - lalo na ang pilosopong Pranses na si Descartes, at nabuo ang isang materyalistikong kultura sa kaibuturan nito. sistemang pilosopikal Spinoza. Ang pinakamataas na tagumpay ay nakamit ng mga Dutch artist, tulad ng mga pintor tulad ng Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst at marami pang ibang masters ng pagpipinta. Ang mga Dutch artist ay ang una sa Europa na napalaya mula sa mapang-aping impluwensya ng mga bilog ng korte at ng Simbahang Katoliko at lumikha ng demokratiko at makatotohanang sining, na direktang sumasalamin sa realidad ng lipunan.

Pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo

Ang isang natatanging katangian ng pag-unlad ng sining ng Dutch ay ang makabuluhang pamamayani nito sa lahat ng uri ng pagpipinta nito. Pinalamutian ng mga pintura ang mga bahay ng hindi lamang mga kinatawan ng naghaharing pili ng lipunan, kundi pati na rin ang mga mahihirap na burgher, artisan, at magsasaka; ibinenta sila sa mga auction at fairs; minsan ginagamit sila ng mga artista bilang paraan ng pagbabayad ng mga bayarin. Ang propesyon ng isang artista ay hindi bihira; mayroong maraming mga pintor, at mahigpit silang nakikipagkumpitensya sa isa't isa. Iilan sa kanila ang kayang suportahan ang kanilang sarili sa pamamagitan ng pagpipinta; marami ang kumuha ng higit iba't ibang gawa: Si Sten ay isang innkeeper, si Hobbema ay isang excise official, si Jacob van Ruisdael ay isang doktor.
Ang mabilis na pag-unlad ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo ay ipinaliwanag hindi lamang sa pamamagitan ng pangangailangan para sa mga pintura ng mga taong gustong palamutihan ang kanilang mga tahanan kasama nila, kundi pati na rin sa pagtingin sa kanila bilang isang kalakal, bilang isang paraan ng kita, isang mapagkukunan ng haka-haka. Nang maalis ang direktang customer - ang Simbahang Katoliko o isang maimpluwensyang pyudal na pilantropo - natagpuan ng artist ang kanyang sarili na ganap na umaasa sa mga pangangailangan ng merkado. Ang mga panlasa ng burges na lipunan ay paunang natukoy ang pag-unlad ng Dutch art, at ang mga artista na sumalungat sa kanila, na nagtatanggol sa kanilang kalayaan sa mga bagay ng pagkamalikhain, ay natagpuan ang kanilang sarili na nakahiwalay at namatay nang wala sa oras sa kahirapan at kalungkutan. Bukod dito, ang mga ito ay, bilang isang patakaran, ang pinaka mahuhusay na masters. Ito ay sapat na upang banggitin ang mga pangalan ng Hals at Rembrandt.
Ang pangunahing bagay ng paglalarawan para sa mga Dutch artist ay ang nakapaligid na katotohanan, na hindi pa ganap na nakikita sa mga gawa ng mga pintor ng iba pang mga pambansang paaralan. Ang pag-apela sa mga pinaka-magkakaibang aspeto ng buhay ay humantong sa pagpapalakas ng mga makatotohanang tendensya sa pagpipinta, ang nangungunang lugar kung saan inookupahan ng pang-araw-araw na genre at portrait, landscape at still life. Kung mas totoo at malalim na sinasalamin ng mga artista ang totoong pagbubukas ng mundo sa harap nila, mas makabuluhan ang kanilang mga gawa.
Ang bawat genre ay may kanya-kanyang sangay. Kaya, halimbawa, sa mga pintor ng landscape mayroong mga marine painters (na naglalarawan sa dagat), mga pintor na mas gusto ang mga tanawin ng patag na lugar o kagubatan, mayroong mga master na dalubhasa sa mga landscape ng taglamig at mga landscape na may liwanag ng buwan: kabilang sa mga pintor ng genre, ang mga artista na naglalarawan ng mga magsasaka, mga burgher, mga eksena ng mga kapistahan at buhay sa tahanan, mga eksena ng pangangaso at mga pamilihan ay namumukod-tango; ay mga master ng interior ng simbahan at iba't ibang uri still lifes - "breakfasts", "desserts", "shops", atbp. Ang mga limitasyon ng Dutch painting ay nagkaroon ng epekto, na nagpapaliit sa bilang ng mga gawain na dapat lutasin para sa mga lumikha nito. Ngunit sa parehong oras, ang konsentrasyon ng bawat artist sa isang partikular na genre ay nag-ambag sa pagpipino ng kasanayan ng pintor. Tanging ang pinakamahalagang Dutch artist ang nagtrabaho sa iba't ibang genre.
Ang pagbuo ng makatotohanang pagpipinta ng Dutch ay naganap sa pakikibaka laban sa kilusang Italianizing at mannerism. Ang mga kinatawan ng mga trend na ito, bawat isa sa kanilang sariling paraan, ngunit pulos panlabas, hiniram na mga diskarte Mga artistang Italyano, lubhang kakaiba sa mga tradisyon ng pambansang Dutch painting. Naka-on maagang yugto Sa panahon ng pagbuo ng Dutch painting, na sumasaklaw sa mga taong 1609-1640, ang mga makatotohanang tendensya ay mas malinaw na ipinakita sa portraiture at sa pang-araw-araw na genre.

Landscape ng Holland

Ang mga prinsipyo ng Dutch realistic landscape ay nabuo noong unang ikatlong bahagi ng ika-17 siglo. Sa halip na mga conventional canon at idealized, imbento ng kalikasan sa mga kuwadro na gawa ng mga masters ng Italianizing movement, ang mga tagalikha ng makatotohanang landscape ay bumaling sa paglalarawan ng tunay na kalikasan ng Holland kasama ang mga buhangin at kanal, bahay at nayon nito. Hindi lamang nila nakuha ang katangian ng lugar kasama ang lahat ng mga tampok nito, na lumilikha ng mga tipikal na motif ng pambansang tanawin, ngunit hinahangad din na ihatid ang kapaligiran ng panahon, basa-basa na hangin at espasyo. Nag-ambag ito sa pagbuo ng tonal painting, ang subordination ng lahat ng mga bahagi ng larawan sa isang solong tono.
Isa sa pinakamalaking kinatawan Dutch realistic landscape pintor ay Jan van Goyen (1596-1656). Nagtrabaho siya sa Leiden at The Hague. Mga paboritong motif ng artist na si Jan van Goyen sa kanyang maliliit na landscape: mga lambak at tubig sa ibabaw ng malalawak na ilog na may mga lungsod at nayon sa kanilang mga pampang sa kulay abo, maulap na araw. Nag-iwan si Jan van Goyen ng maraming espasyo (mga dalawang-katlo ng larawan) sa kalangitan na may mga umiikot na ulap na puspos ng kahalumigmigan. Ito ang painting na "View of the Waal River near Nijmegen" (1649, Moscow, State Museum of Fine Arts na pinangalanang A.S. Pushkin), na idinisenyo sa isang banayad na kayumanggi-kulay-abo na hanay ng mga kulay.
Ang isang espesyal na uri ng landscape na naglalarawan ng mga hayop, pastulan na may mga baka at tupa ay nilikha ni Paul Potter (1625-1654). Ang pagkakaroon ng perpektong pinag-aralan ang mga gawi ng mga hayop, madalas na ipinakita sa kanila ng artist ang malapitan, maingat na inilalarawan ang texture ng bawat materyal, malambot na lana, at ang pinakamaliit na detalye. Ganito ang mga kuwadro na "Bull" (1647, The Hague, Mauritshuis), "Dog on a Chain" (St. Petersburg, Hermitage).

Dutch buhay pa rin

Kasama ni pagpipinta ng tanawin Ang pagpipinta ng buhay pa rin, na nakikilala sa pamamagitan ng matalik na katangian nito, ay naging laganap noong ika-17 siglong Holland. Pinili ng mga Dutch artist ang iba't ibang uri ng mga bagay para sa kanilang mga still lifes, alam kung paano ayusin ang mga ito nang perpekto, at ihayag ang mga katangian ng bawat bagay at ang panloob na buhay nito, na hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa buhay ng tao.
Ang ika-17 siglong Dutch na pintor na sina Pieter Claes (c. 1597 - 1661) at Willem Heda (1594-1680/1682) ay nagpinta ng maraming bersyon ng "almusal", na naglalarawan ng mga ham, namumula na buns, blackberry pie, marupok na baso na kalahating puno ng alak sa talahanayan, na may kamangha-manghang mahusay na paghahatid ng kulay, dami, texture ng bawat item. Ang kamakailang presensya ng isang tao ay kapansin-pansin sa kaguluhan, ang randomness ng pag-aayos ng mga bagay na nagsilbi sa kanya. Ngunit ang kaguluhan na ito ay maliwanag lamang, dahil ang komposisyon ng bawat buhay na buhay ay mahigpit na pinag-isipan at natagpuan. Ang isang pinigilan na kulay-abo-ginintuang, olive tonal palette ay pinagsasama ang mga bagay at nagbibigay ng isang espesyal na sonority sa mga dalisay na kulay na nagbibigay-diin sa pagiging bago ng isang bagong hiwa ng lemon o ang malambot na sutla ng isang asul na laso.
Sa paglipas ng panahon, ang mga "almusal" ng mga masters ng still life, mga pintor na sina Claes at Heda ay nagbibigay-daan sa mga "dessert" ng mga Dutch artist na sina Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) at Willem Kalf (1622-1693). Ang buhay pa rin ni Beyeren ay mahigpit sa komposisyon, mayaman sa damdamin, at makulay. Sa buong buhay niya, si Willem Kalf ay nagpinta sa malayang paraan at mga demokratikong "kusina" - mga kaldero, gulay at aristokratikong buhay pa rin sa pagpili ng mga katangi-tanging mahalagang bagay, puno ng pinipigilang maharlika, tulad ng mga sisidlang pilak, tasa, mga shell na puspos ng panloob na pagkasunog ng mga kulay.
SA karagdagang pag-unlad ang buhay pa rin ay sumusunod sa parehong landas gaya ng lahat ng sining ng Dutch, nawawala ang demokrasya nito, ang espirituwalidad at tula nito, ang kagandahan nito. Ang buhay pa rin ay nagiging palamuti para sa tahanan ng mga customer na may mataas na ranggo. Para sa lahat ng kanilang dekorasyon at mahusay na pagpapatupad, ang huli na buhay ay inaasahan ang pagbaba ng Dutch painting.
Ang pagkabulok ng lipunan at ang kilalang aristokratisasyon ng Dutch bourgeoisie sa huling ikatlo ng ika-17 siglo ay nagbunga ng pagkahilig sa pag-uugnay sa mga aesthetic na pananaw ng maharlikang Pranses, na humahantong sa idealisasyon ng mga masining na imahe at pagbabawas ng mga ito. Ang sining ay nawawalan ng koneksyon sa demokratikong tradisyon, nawawala ang makatotohanang batayan nito at pumapasok sa isang panahon ng pangmatagalang pagbaba. Lubhang napagod sa mga digmaan sa England, nawawala ang posisyon ng Holland bilang isang mahusay na kapangyarihan sa kalakalan at isang pangunahing sentro ng sining.

Ika-17 siglong Pranses na sining

Sa sining ng Pransya noong ika-17 siglo, ang mga ideya tungkol sa tao at ang kanyang lugar sa lipunan, na nabuo sa panahon ng pagbuo ng mga sentralisadong monarkiya sa Europa, ay lubos na naipakita. Isang klasikong bansa ng absolutismo, na tiniyak ang paglago ng mga relasyong burges, ang France ay nakaranas ng paglago ng ekonomiya at naging isang makapangyarihang kapangyarihan sa Europa. Ang pakikibaka para sa pambansang pagkakaisa laban sa pyudal na kagustuhan sa sarili at anarkiya ay nag-ambag sa pagpapalakas ng mataas na disiplina ng pag-iisip, isang pakiramdam ng indibidwal na responsibilidad para sa mga aksyon ng isang tao, at interes sa mga problema ng estado. Ang pilosopo na si Descartes ay bumuo ng isang teorya ng kalooban, na nagpapahayag ng pangingibabaw ng katwiran ng tao. Nanawagan siya para sa kaalaman sa sarili at ang pananakop ng kalikasan, tinitingnan ang mundo bilang isang makatwirang organisadong mekanismo. Ang rasyonalismo ay naging isang katangian ng kulturang Pranses. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, lumitaw ang isang pambansang wikang pampanitikan - pinagtibay nito ang mga prinsipyo ng lohikal na kalinawan, katumpakan at isang pakiramdam ng proporsyon. Sa mga gawa ni Corneille at Racine, Pranses klasikong trahedya. Sa kanyang mga drama, muling nilikha ni Moliere ang "human comedy". Nararanasan ng France ang pag-usbong ng pambansang kultura; hindi nagkataon na tinawag ni Voltaire na "mahusay" ang ika-17 siglo.
Ang kulturang Pranses noong ika-17 siglo ay nabuo sa ilalim ng mga kondisyon ng pagtatatag ng absolutismo. Gayunpaman, ang pagkakaiba-iba at hindi pagkakapare-pareho nito ang nagpasiya sa malawak na kilusan para sa pambansang pagkakaisa. Nakakita ito ng matingkad na mga tugon sa matinding mga salungatan sa lipunan na sinamahan ng pagsilang ng isang bagong lipunan. Ang mga pag-aalsa ng mga magsasaka at lunsod at isang pangunahing demokratikong kilusan ng parliamentaryong Fronde ay yumanig sa mga pundasyon ng estado sa unang kalahati ng ika-17 siglo. Sa batayan na ito, ipinanganak ang mga utopia, mga pangarap ng isang huwarang lipunan batay sa mga batas ng katwiran at katarungan, at malayang pag-iisip ng pagpuna sa absolutismo. Pag-unlad sining ng Pranses Ang ika-17 siglo ay dumaan sa dalawang yugto, kasabay ng una at ikalawang kalahati ng siglo.

Art Kanlurang Europa Ika-18 siglo

Ikalabing walong siglo sa Kanlurang Europa - huling yugto mahabang transisyon mula pyudalismo tungo sa kapitalismo. Sa kalagitnaan ng siglo, ang proseso ng primitive na akumulasyon ng kapital ay natapos, ang pakikibaka ay isinagawa sa lahat ng larangan ng panlipunang kamalayan, at ang isang rebolusyonaryong sitwasyon ay tumatanda. Nang maglaon ay humantong ito sa pangingibabaw ng mga klasikal na anyo ng maunlad na kapitalismo. Sa paglipas ng isang siglo, isang napakalaking pagkasira ng lahat ng mga pundasyon ng lipunan at estado, mga konsepto at pamantayan para sa pagtatasa ng lumang lipunan ay naganap. Bumangon ang isang sibilisadong lipunan, lumitaw ang mga peryodiko, partidong pampulitika, nagkaroon ng pakikibaka para sa pagpapalaya ng tao mula sa tanikala ng pyudal-relihiyosong pananaw sa mundo.
Sa sining, ang kahalagahan ng direktang makatotohanang pagmuni-muni ng buhay ay tumaas. Lumawak ang globo ng sining, naging aktibong exponent ito ng mga ideya sa pagpapalaya, napuno ng topicality, fighting spirit, at inilantad ang mga bisyo at kalokohan ng hindi lamang pyudal, kundi pati na rin ng umuusbong na lipunang burges. Naghain din ito ng isang bagong positibong ideyal ng hindi napipigilan na personalidad ng isang tao, malaya sa mga hierarchical na ideya, pagbuo ng mga indibidwal na kakayahan at kasabay nito ay pinagkalooban ng isang marangal na pakiramdam ng pagkamamamayan. Ang sining ay naging pambansa, na nakakaakit hindi lamang sa isang bilog ng mga pinong connoisseurs, ngunit sa isang malawak na demokratikong kapaligiran.

Ang mga pangunahing uso sa panlipunan at ideolohikal na pag-unlad ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo iba't ibang bansa ipinakita ang kanilang mga sarili nang hindi pantay. Kung sa Inglatera ang rebolusyong pang-industriya, na naganap noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, ay pinagsama ang kompromiso sa pagitan ng burgesya at ng maharlika, kung gayon sa France ang anti-pyudal na kilusan ay higit na laganap at inihanda ang burges na rebolusyon. Karaniwan sa lahat ng mga bansa ang krisis ng pyudalismo, ang ideolohiya nito, ang pagbuo ng isang malawak na kilusang panlipunan - ang Enlightenment, kasama ang kulto nito sa pangunahing hindi nagalaw na Kalikasan at Dahilan, na nagpoprotekta dito, kasama ang pagpuna nito sa modernong tiwaling sibilisasyon at ang pangarap ng ang pagkakasundo ng kaaya-ayang kalikasan at isang bagong demokratikong sibilisasyong nakakaakit sa natural na kalagayan.
Ang ikalabing walong siglo ay ang siglo ng Dahilan, ang lahat-nagwawasak ng pag-aalinlangan at kabalintunaan, ang siglo ng mga pilosopo, sosyologo, ekonomista; nabuo ang mga teknolohiyang may kaugnayan sa katumpakan natural Sciences, heograpiya, arkeolohiya, kasaysayan, materyalistang pilosopiya. Invading ang mental na pang-araw-araw na buhay ng panahon, siyentipikong kaalaman Gumawa rin sila ng pundasyon para sa sining para sa tumpak na pagmamasid at pagsusuri ng katotohanan. Idineklara ng Enlightenment na ang layunin ng sining ay ang imitasyon ng kalikasan, ngunit inutusan, pinabuting kalikasan (Diderot, A. Pop), na dinalisay ng katwiran mula sa mga mapaminsalang epekto ng sibilisasyong gawa ng tao na nilikha ng isang absolutistang rehimen, hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, katamaran at luho. Ang rasyonalismo ng pilosopikal at aesthetic na pag-iisip noong ika-18 siglo, gayunpaman, ay hindi pinigilan ang pagiging bago at katapatan ng pakiramdam, ngunit nagbunga ng isang pagsusumikap para sa proporsyonalidad, biyaya, at maayos na pagkakumpleto ng artistikong phenomena ng sining, mula sa mga arkitektural na ensemble hanggang sa inilapat na sining. . Ang mga Enlightenmentist ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa buhay at sining sa pakiramdam - ang pokus ng pinakamarangal na adhikain ng sangkatauhan, isang pakiramdam na nauuhaw sa may layuning aksyon na naglalaman ng kapangyarihang nagbabago sa buhay, isang pakiramdam na may kakayahang buhayin ang mga primordial na birtud ng "likas na tao" ( Defoe, Rousseau, Mercier), pagsunod sa mga likas na batas ng kalikasan.
Ang aphorism ni Rousseau na "Ang tao ay dakila lamang sa kanyang mga damdamin" ay nagpahayag ng isa sa mga kahanga-hangang aspeto ng buhay panlipunan noong ika-18 siglo, na nagbunga ng isang malalim, sopistikadong sikolohikal na pagsusuri sa makatotohanang larawan at genre, ang tula ng damdamin ay tumatagos sa liriko na tanawin (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) "lirikal na nobela", "mga tula ng tuluyan" (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), naabot nito ang kanyang pinakamataas na ekspresyon sa tumataas na musika (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, mga kompositor ng opera Italya). Ang mga bayani ng mga masining na gawa ng pagpipinta, mga graphic, panitikan at teatro noong ika-18 siglo ay, sa isang banda, "maliit na tao" - mga tao, tulad ng iba, na inilagay sa karaniwang mga kondisyon ng panahon, hindi nasira ng kayamanan at mga pribilehiyo. , napapailalim sa ordinaryong natural na paggalaw ng kaluluwa, kontento sa katamtamang kaligayahan. Hinangaan ng mga artista at manunulat ang kanilang katapatan, walang muwang na spontaneity ng kaluluwa, malapit sa kalikasan. Sa kabilang banda, ang pokus ay nasa ideyal ng isang emancipated civilized intelektwal na tao na nabuo ng kultura ng Enlightenment, isang pagsusuri ng kanyang indibidwal na sikolohiya, kontradiksyon. estado ng pag-iisip at mga damdamin sa kanilang mga banayad na lilim, hindi inaasahang mga impulses at mapanimdim na kalooban.
Ang matalas na pagmamasid at isang pinong kultura ng pag-iisip at pakiramdam ay katangian ng lahat ng artistikong genre ng ika-18 siglo. Sinikap ng mga artista na makuha ang mga sitwasyon sa pang-araw-araw na buhay, iba-iba sa mga shade, orihinal mga indibidwal na larawan, hilig sa mga nakakaaliw na salaysay at kaakit-akit na panoorin, matinding salungatan na aksyon, dramatikong intriga at komedya na plot, sopistikadong katawa-tawa, buffoonery, magagandang pastoral, galante na kasiyahan.
Ang mga bagong problema ay itinaas din sa arkitektura. Ang kahalagahan ng pagtatayo ng simbahan ay nabawasan, at ang papel ng sibil na arkitektura ay tumaas, napakasimple, na-update, napalaya mula sa labis na kahanga-hanga. Sa ilang mga bansa (France, Russia, bahagyang Alemanya) ang mga problema sa pagpaplano ng mga lungsod sa hinaharap ay nalutas. Ang mga utopia ng arkitektura ay ipinanganak (mga graphic na landscape ng arkitektura - Giovanni Battista Piranesi at ang tinatawag na "arkitekturang papel"). Naging katangian ang uri ng pribado, kadalasang intimate residential building at urban ensembles ng mga pampublikong gusali. Kasabay nito, sa sining ng ika-18 siglo, kumpara sa mga nakaraang panahon, ang sintetikong pang-unawa at kapunuan ng saklaw ng buhay ay nabawasan. Ang dating koneksyon sa pagitan ng monumental na pagpipinta at eskultura at arkitektura ay nasira; ang mga tampok ng easel painting at decorativeness ay tumindi sa kanila. Ang sining ng pang-araw-araw na buhay at mga pandekorasyon na anyo ay naging paksa ng isang espesyal na kulto. Kasabay nito, ang pakikipag-ugnayan at pagpapayaman ng isa't isa ng iba't ibang uri ng sining ay tumaas; ang mga tagumpay na nakuha ng isang uri ng sining ay mas malayang ginagamit ng iba. Kaya, ang impluwensya ng teatro sa pagpipinta at musika ay napakabunga.
Ang sining noong ika-18 siglo ay dumaan sa dalawang yugto. Ang una ay tumagal hanggang 1740-1760. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbabago ng mga susunod na anyo ng Baroque sa pandekorasyon na istilo rococo. Ang pagka-orihinal ng sining ng unang kalahati ng ika-18 siglo ay nakasalalay sa kumbinasyon ng nakakatawa at mapanukso na pag-aalinlangan at pagiging sopistikado. Ang sining na ito, sa isang banda, ay pino, sinusuri ang mga nuances ng mga damdamin at mood, nagsusumikap para sa kaaya-ayang pagpapalagayang-loob, pinipigilan ang lyricism, sa kabilang banda, nakakaakit patungo sa "pilosopiya ng kasiyahan", patungo sa kamangha-manghang mga imahe ng Silangan - Arabo, Intsik, Persian. Kasabay ng Rococo, nabuo ang makatotohanang direksyon - sa ilang mga masters ay nakakuha ito ng isang acutely accusatory character (Hogarth, Swift). Ang pakikibaka sa pagitan ng mga artistikong uso sa loob ng mga pambansang paaralan ay hayagang ipinakita. Ang ikalawang yugto ay nauugnay sa pagpapalalim ng mga kontradiksyon sa ideolohiya, paglago ng kamalayan sa sarili, at aktibidad sa pulitika ng burgesya at ng masa. Sa pagliko ng 1760-1770s. Ang Royal Academy sa France ay sumalungat sa Rococo art at sinubukang buhayin ang seremonyal, idealizing na istilo ng akademikong sining noong huling bahagi ng ika-17 siglo. Ang galante at mythological genre ay nagbigay daan sa makasaysayang may mga plot na hiniram mula sa kasaysayan ng Roma. Idinisenyo ang mga ito upang bigyang-diin ang kadakilaan ng monarkiya, na nawalan ng awtoridad, alinsunod sa reaksyunaryong interpretasyon ng mga ideya ng "naliwanagang absolutismo." Ang mga kinatawan ng progresibong kaisipan ay bumaling sa pamana ng sinaunang panahon. Sa France, binuksan ni Count de Queylus ang isang siyentipikong panahon ng pananaliksik sa lugar na ito (Collected Antiquities, 7 volume, 1752-1767). Noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang Aleman na arkeologo at mananalaysay ng sining na si Winckelmann (History of the Art of Antiquity, 1764) ay nanawagan sa mga artista na bumalik sa “ang marangal na pagiging simple at kalmadong kadakilaan ng sinaunang sining, na sumasalamin sa kalayaan ng mga Griyego at Romano ng panahon ng republika.” Ang pilosopong Pranses na si Diderot ay nakahanap ng mga kuwento sa sinaunang kasaysayan na tumutuligsa sa mga malupit at nanawagan ng pag-aalsa laban sa kanila. Ang klasisismo ay lumitaw, na pinaghahambing ang dekorasyon ng Rococo na may natural na pagiging simple, ang subjective na arbitrariness ng mga hilig - ang kaalaman sa mga pattern tunay na mundo, isang pakiramdam ng proporsyon, maharlika ng pag-iisip at pagkilos. Nag-aral muna ang mga artista sinaunang greek na sining sa mga bagong bukas na monumento. Ang pagpapahayag ng isang perpekto, maayos na lipunan, ang primacy ng tungkulin kaysa sa pakiramdam, ang mga pathos ng katwiran ay karaniwang mga tampok ng klasisismo ng ika-17 at ika-18 na siglo. Gayunpaman, ang klasisismo noong ika-17 siglo, na bumangon sa batayan ng pambansang pagkakaisa, ay nabuo sa konteksto ng pag-unlad ng marangal na lipunan. Ang klasisismo noong ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang anti-pyudal na rebolusyonaryong oryentasyon. Tinawag itong pag-isahin ang mga progresibong pwersa ng bansa para labanan ang absolutismo. Sa labas ng France, ang klasisismo ay walang rebolusyonaryong katangian na nailalarawan nito sa mga unang taon ng Rebolusyong Pranses.
Kasabay ng klasisismo, na nararanasan ang impluwensya nito, patuloy na nabuhay ang makatotohanang kilusan. Lumitaw dito ang rationalistic tendencies: hinahangad ng mga artist na gawing pangkalahatan ang mga phenomena sa buhay.
Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, umusbong ang sentimentalismo kasama ang kulto ng damdamin at pagnanasa, paghanga sa lahat ng simple, walang muwang, at taos-puso. Ang isang kaugnay na pre-romantikong kilusan sa sining ay lumitaw, at ang interes sa Middle Ages at mga anyong katutubong sining ay lumitaw. Ang mga kinatawan ng mga kilusang ito ay pinagtibay ang halaga ng marangal at aktibong damdamin ng tao, nagsiwalat ng drama ng kanyang mga salungatan sa kapaligiran, naghihikayat ng interbensyon sa mga tunay na pampublikong gawain sa ngalan ng pagtatagumpay ng hustisya. Nagbigay sila ng daan "sa kaalaman ng puso ng tao at sa mahiwagang sining ng pagpapakita sa mga mata ng pinagmulan, pag-unlad at pagbagsak ng isang mahusay na pagnanasa" (Lessing) at ipinahayag ang umuusbong na pangangailangan para sa isang nasasabik, kalunus-lunos na sining.

sining ng ika-19 na siglo

Sa buong ika-19 na siglo, ang kapitalismo ang naging dominanteng pormasyon hindi lamang sa Europa, kundi maging sa iba pang mga kontinente. Sa panahong ito ay tumindi nang husto ang tunggalian sa pagitan ng dalawang kultura - ang progresibong demokratiko at ang reaksyunaryong burges. Ang pagpapahayag ng mga advanced na ideya ng panahon, ang makatotohanang sining ng ika-19 na siglo ay nagpatibay sa mga aesthetic na halaga ng katotohanan at niluwalhati ang kagandahan ng tunay na kalikasan at mga taong nagtatrabaho. Ang pagiging totoo ng ika-19 na siglo ay naiiba sa mga nakaraang siglo dahil ito ay direktang sumasalamin sa sining ang mga pangunahing kontradiksyon ng panahon at ang mga kalagayang panlipunan ng buhay ng mga tao. Tinukoy ng mga kritikal na posisyon ang batayan ng pamamaraan ng makatotohanang sining noong ika-19 na siglo. Ang pinaka-pare-parehong sagisag nito ay ang sining ng kritikal na realismo - ang pinakamahalagang kontribusyon sa artistikong kultura ng panahon.
Ang iba't ibang mga lugar ng kultura noong ika-19 na siglo ay umunlad nang hindi pantay. Naabot ang pinakamataas na taluktok panitikan sa daigdig(Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fyodor Dostoevsky, Leo Tolstoy), musika (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner). Tungkol sa arkitektura at inilapat na sining, pagkatapos ay pagkatapos ng pagtaas na tinukoy ang istilo ng Imperyo, ang parehong mga uri ng sining ay nakakaranas ng isang krisis. Mayroong isang pagbagsak ng mga monumental na anyo, estilistang pagkakaisa bilang isang mahalagang sistemang masining, na sumasaklaw sa lahat ng uri ng sining. Ang pinakakumpletong pag-unlad ay nakamit sa pamamagitan ng mga easel na anyo ng pagpipinta, mga graphic at bahagyang iskultura, na sa pinakamahuhusay na pagpapakita nito ay may gawi sa mga monumental na anyo.

Sa pambansang pagka-orihinal sa sining ng anumang kapitalistang bansa, ang mga karaniwang tampok ay pinalakas: isang kritikal na pagtatasa ng mga phenomena sa buhay, historicism ng pag-iisip, iyon ay, isang mas malalim na layunin na pag-unawa sa mga puwersang nagtutulak. panlipunang pag-unlad parehong mga nakaraang yugto ng kasaysayan at modernong panahon. Ang isa sa mga pangunahing tagumpay ng sining noong ika-19 na siglo ay ang pagbuo ng mga makasaysayang tema, kung saan sa unang pagkakataon ang papel ng hindi lamang mga indibidwal na bayani, kundi pati na rin ang masa ng mga tao ay ipinahayag, at mas partikular na muling nilikha. makasaysayang kapaligiran. Laganap na ang lahat ng uri ng portrait, pang-araw-araw na genre, at landscape na may malinaw na pambansang karakter. Ang satirical graphics ay umuunlad.
Sa tagumpay ng kapitalismo, ang pangunahing puwersang interesado sa paglilimita at pagsugpo sa makatotohanan at demokratikong tendensya ng sining ay nagiging malaking burgesya. Mga nilikha ng mga nangungunang figure kulturang Europeo Ang Constable, Goya, Géricault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet ay madalas na inuusig. Ang mga eksibisyon ay napuno ng pinakintab na mga gawa ng mga tinatawag na salon artist, iyon ay, ang mga nangibabaw sa mga art salon. Upang masiyahan ang mga panlasa at hinihingi ng mga customer na burges, nilinang nila ang mga mababaw na paglalarawan, mga motibo ng erotiko at entertainment, at isang diwa ng paghingi ng tawad para sa mga prinsipyo ng burges at militarismo.
Noong 1860s, binanggit ni Karl Marx na "ang kapitalistang produksyon ay laban sa ilang sangay ng espirituwal na produksyon, tulad ng sining at tula." Ang bourgeoisie ay interesado sa sining pangunahin bilang isang kumikitang pamumuhunan (pagkolekta) o bilang isang marangyang bagay. Siyempre, may mga kolektor na may tunay na pag-unawa sa sining at layunin nito, ngunit ang mga ito ay ilang mga pagbubukod sa panuntunan. Sa pangkalahatan, kumikilos bilang isang tastemaker at ang pangunahing mamimili ng sining, ang bourgeoisie ay nagpataw ng limitadong pag-unawa sa sining sa mga artista. Ang pag-unlad ng malawakang produksyon, kasama ang impersonality at pagtitiwala sa merkado, ay nagsasangkot ng pagsugpo sa pagkamalikhain. Ang dibisyon ng paggawa sa kapitalistang produksyon ay naglilinang ng isang panig na pag-unlad ng indibidwal at inaalis ang paggawa mismo ng malikhaing integridad. Sa pagsasalita tungkol sa pagkapoot ng kapitalismo sa sining, hindi ibig sabihin nina Marx at Engels ang pangkalahatang imposibilidad ng artistikong pag-unlad noong ika-19 at ika-20 siglo. Ang mga tagapagtatag ng siyentipikong komunismo sa kanilang mga gawa ay lubos na pinahahalagahan ang mga tagumpay ng, halimbawa, kritikal na realismo noong ika-19 na siglo.
Ang demokratikong linya ng sining, na nagpapakita ng papel ng mga tao bilang ang puwersang nagtutulak ng kasaysayan at nagpapatunay sa mga aesthetic na halaga ng demokratikong kultura ng bansa, ay dumadaan sa maraming yugto ng pag-unlad. Sa unang yugto, mula sa Dakilang Rebolusyong Pranses noong 1789-1794 hanggang 1815 (panahon ng pambansang pakikibaka sa pagpapalaya ng mga tao laban sa pagsalakay ni Napoleon), ang mapagsamantalang esensya ng burges na lipunan ay hindi pa ganap na naisasakatuparan. Ang demokratikong sining ay nabuo sa paglaban sa mga labi ng marangal na artistikong kultura, gayundin ang mga pagpapakita ng mga limitasyon ng burges na ideolohiya. Ang pinakamataas na tagumpay ng sining sa panahong ito ay nauugnay sa mga rebolusyonaryong kalunos-lunos ng masa, na naniniwala sa tagumpay ng mga mithiin ng kalayaan, pagkakapantay-pantay at kapatiran. Ito ang kasagsagan ng rebolusyonaryong klasisismo at ang paglitaw ng romantiko at makatotohanang sining.
Ang ikalawang yugto, mula 1815 hanggang 1849, ay kasabay ng pagtatatag ng sistemang kapitalista sa karamihan ng mga bansang Europeo. Sa advanced na demokratikong sining ng yugtong ito, ang isang transisyon ay ginawa sa isang mapagpasyang pagpuna sa mapagsamantalang esensya ng burges na lipunan. Ito ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng rebolusyonaryong romantisismo at pagbuo ng sining ng kritikal na realismo.
Sa pagtindi ng makauring kontradiksyon sa pagitan ng burgesya at proletaryado, na umabot sa kanilang sukdulang panahon sa Paris Commune (1871), lalong tumindi ang antagonismo sa pagitan ng reaksyunaryong burges at mga demokratikong kultura. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang pagpuna sa kapitalistang sistema, kapwa sa panitikan at sa mga gawa ng pinong sining, ay isinagawa mula sa posisyon ng lumalakas na pananaw sa mundo ng rebolusyonaryong proletaryado.

Kaugnay na impormasyon.

Ang ikalabing pitong siglo ay ang "gintong panahon ng pagpipinta" sa Europa. Ang mga makabuluhang paaralan ng sining ay binuo sa Italy, Holland, Flanders, Spain at France. Kabilang sa mga ito, ang sining ng Holland ay nagraranggo espesyal na lugar. Ang pitong hilagang lalawigan ng Dutch, na nagkakaisa sa paligid ng pinakamalaki sa kanila, ang Holland, ay tinalo ang mga Espanyol. Ang mga makasaysayang tadhana ng mga lupaing ito ay natukoy pagkatapos ng pagtatapos ng Union of Utrecht noong 1579, na nagbigay ng kapangyarihang pambatas sa States General, nagdeklara ng pagpapaubaya sa relihiyon, at nagbigay ng mga espesyal na kondisyong pampulitika at pang-ekonomiya sa mayayamang lalawigan ng Holland at Zealand. Ito ang naglatag ng mga pundasyon para sa hinaharap na republika, na nakatanggap ng katayuan ng estado noong 1609 pagkatapos ng pagtatapos ng isang truce sa Espanya.

Ang United Provinces ay naging unang burges na estado sa mundo, ang kapangyarihan ng stadtholder dito ay nominal, at ang mga kinatawan ng House of Orange ay pangunahing mga kumander. Ang kanilang hukuman sa The Hague ay hindi partikular na kahanga-hanga at walang kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng kultura sa bansa. Ang panuntunan sa Holland ay ang mga burghers ay masigasig, masinop, at praktikal. Namuhunan ito ng kapital sa kalakalan at paggawa ng mga barko, naghanda ng mga ruta patungo sa malalayong bansa sa Asya at Amerika at nagtatag ng mga kolonya doon. “Itong maliit na bilang ng mga tao,” ang isinulat ng pinuno ng maharlikang konseho ng Pransiya, si Cardinal Richelieu, “na nagmamay-ari ng isang kapirasong lupain na binubuo ng tubig at mga pastulan, ang nagbibigay sa mga mamamayan ng Europa ng karamihan sa mga kalakal na kailangan nila.”

Ang Calvinism, ang pinaka-radikal na direksyon sa kilusang reporma noong ika-16-17 siglo, ang naging nangingibabaw na relihiyon sa bansa. Ang Calvinist Church ay "republikano" sa kalikasan. Ang mga pangunahing tampok nito ay ang doktrina ng ganap na predestinasyon, isang paghingi ng tawad para sa entrepreneurship at propesyonal na tagumpay, at isang kahilingan para sa makamundong asetisismo - maingat na burges na pagtitipid. Ang kamag-anak na pagpaparaya sa relihiyon sa unang panahon ng buhay ng republika ay lumikha ng isang kanais-nais na kapaligiran para sa siyentipiko at pilosopiko na pagkamalikhain. Naging tanyag ang bansa sa mga naturalista nito at gumawa ng mga sikat na abogado at istoryador. Ang sikat na pilosopo na si Rene Descartes ay nandayuhan dito mula sa France, at dito nabuo ang materyalistikong pananaw ni Spinoza. Ang kontribusyon ng Holland sa panitikan sa Europa ay mas katamtaman; walang mga pangunahing arkitekto o iskultor dito. Ang mga pangunahing tagumpay ay nahulog sa pulutong ng mga pintor ng maliit na hilagang bansa. Lumikha siya ng isang masiglang pambansang paaralan ng pagpipinta, na, kasama ang mga tema nito, istilo ng pagpipinta, at mga hangarin sa ideolohiya, ay kumakatawan sa isang espesyal na kabanata sa sining ng ika-17 siglo at nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kulturang sining ng mundo.

Pinalayas ng Dutch Church ang kahanga-hangang kulto mula sa mga templo nito, na walang mga sagradong imahe, - mga simbahang Katoliko kakaunti ang bilang. Ang mga gawa ng sining ay pangunahing inilaan para sa mga pampublikong sekular na gusali at pribadong tahanan; ang kanilang mga tema, bagaman sumasalamin sa moralidad ng mga Protestante, ay likas na sekular. Biblikal at mga antigong kwento ay itinuturing na historikal. Easel painting ang naging tunay na tawag ng mga Dutch artist. Maraming mga artista. Bihira silang magpinta ayon sa pagkakasunod-sunod; karamihan sa mga painting ay ibinebenta sa mga pamilihan. “Ang perya sa Rotterdam,” ang isinulat ng isang Ingles na manlalakbay noong ika-17 siglo, “ay napuno ng mga pintura (lalo na ang mga tanawin at mga eksena sa genre) ... Ang lahat ng mga bahay ay puno ng mga kuwadro na gawa, at ang mga Dutch ay nagbebenta ng mga ito sa malaking kita.

Sa pamamagitan ng 20s ng ika-17 siglo, ang pagbuo ng mga genre ng Dutch painting ay karaniwang nakumpleto. Ang espesyalisasyon ng mga artista ayon sa genre ay tipikal para sa Holland. Sa simula ng ika-17 siglo, ang genre ng portraiture ay naging pinakasikat sa Holland. pambansang tema ay malawak na narinig sa Dutch landscape; noong 1630s, ang genre ng magsasaka ay nagkaroon din ng hugis. Isa sa mga pinaka-katangiang genre ng Dutch painting ay buhay pa rin. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang domestic genre ay sumakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa Dutch painting.

Ang pagbuo ng sining ng Dutch ay naganap sa ilang mga sentro, na, nakikipagkumpitensya sa bawat isa, magkaibang panahon Sa una ito ay Haarlem, mula sa thirties, pagkatapos Rembrandt lumipat doon, Amsterdam ay nagsimulang makakuha ng kanyang nangungunang posisyon, pagkatapos unibersidad Leiden at kalmado aristokratikong Delft sumunod. Nakahiwalay ang Hague, kung saan matatagpuan ang hukuman ng stadtholder.

Ipakita ang buong teksto

Ang pangunahing relihiyon ay Protestantismo. Ang Dutch ay nagsimulang lumikha ng isang larawan ng Holland. Ito ay mga larawan ng kanilang mga nanalo sa digmaan, mga landscape, still lifes, genre o araw-araw na pagpipinta ay lumitaw. Ito ay mga kuwadro na may komposisyon ng chiaroscuro mula sa panahon ng Baroque. Sa unang pagkakataon, lilitaw dito ang pagdadalubhasa ng mga artista. Tanging mga masters ng still life o landscape ang lumitaw. 12 uri ng landscape: lungsod, dagat, dune, talon, kagubatan. Sa pinakadulo simula ng Dutch art, portraiture ang naging pangunahing direksyon. Sa unang kalahati ng ika-17 siglo, ang pinakadakilang pintor ng portrait ng Holland ay si Frans Hals.

Ang gawain ni Frans Hals.

Ipinanganak noong 1574 sa Antwarpan. Pagkatapos ay lumipat ang kanyang pamilya sa Haarlem. Doon siya nag-aaral sa artist na si Van Mander. Lumikha si Van Mander ng mga talambuhay ng mga pangunahing artista ng Netherlandish. Nagawa ni Frans Hals ang isang buong rebolusyon sa portraiture. Ang Hals ay nagdadala ng dynamics sa mga portrait. "Salu-salo ng mga opisyal ng kumpanya ng St. George" - ang unang obra na nagdulot sa kanya ng kasikatan. Ang Hals ay naglalarawan ng mga opisyal sa panahon ng isang kapistahan, ang bawat opisyal ay naglalarawan sa kanyang turn. Ang larawan ay gumagawa ng isang aktibong dayagonal. Ang lahat ay itinayo sa prinsipyo ng kawalaan ng simetrya. Aktibo ito sa kulay.

Si Hals ay nagpinta ng kanyang mga larawan nang napakabilis, gamit ang bukas, dynamic na mga brushstroke. "Hypsy". Napaka conditional ng pangalan. " Mali Baba"- isang bukas, malakas na itinapon na stroke. Sa oras na ito, sa halos lahat ng mga gawa ni Hals, lahat ng kanyang mga bayani ay nakangiti. "Nakangiting Cavalier"

Ang dynamics sa portrait ay may partikular na aktibong epekto William Van Heysen. Wala ni isang drawing ni Hals ang nakaligtas. Malamang, pininturahan niya ang kanyang mga larawan nang walang pagguhit at nagpinta nang napakabilis.

Pinintura ni Hals si Van Dyck sa loob ng dalawang oras. Inanyayahan siya ni Van Dyck na sumama sa kanya sa England.

Boon kasama. Isinulat sa parehong mabilis at dynamic na istilo kung saan nagustuhan ni Hals na magsulat.

Nagpinta rin si Hals ng mga seryosong larawan: "Larawan ni Pieter Van Den Broecke" ang larawan ay kinomisyon, kaya ang Hals ay nagpinta nang detalyado, isang napakapigil at laconic na larawan Rene Descartes. Larawan ng pamilya, ang tanawin ay ipininta para sa kanya ni Peter Moleyn. Larawan ng babae - isang napaka-nagpapahayag na larawan ng Hals. Larawan Isaac Mas at ang kanyang asawa - larawan ng kanyang kaibigan.

Sa edad na 30 nagpinta siya ng isang larawan larawan ng mga Opisyal ng kumpanya ng St. Andrian. Ang bawat pigura ay may sariling pagliko at sariling paggalaw. Noong dekada 40, kapansin-pansing nagbago ang pagpipinta ni Khalsa. Sa oras na ito, ang larawan ni Van Dyck ay naging uso. Ang mga portrait ng 40-50s ay mga portrait na may nangingibabaw na itim. Sa kanila larawan ng Regent ng isang nursing home. Mayroong 27 shade ng itim sa portrait na ito. Isa sa pinakabagong mga gawa Khalsa - Mga regent ng isang nursing home. Lumilitaw ang imahe ng katandaan. Ang pagkabulok ng laman ay inihahatid sa larawan. Ibang-iba ang pagpinta niya ng portrait Mga Regent ng St. Elizabeth's Hospital. Sa portrait, ang tatsulok ng mga figure ay malinaw na nakikita, ang bawat mukha ay malinaw na nakikita. Sa kanyang buhay, lumikha si Hals ng higit sa 200 mga kuwadro na gawa. May museo nito sa Haarlem. Halos lahat ng mga gawa nila ay tinitipon doon.

Mga gawa ni Rembrandt Van Rijn.

Isa ito sa mga magagaling na artista noong ika-17 siglo. Ipinanganak noong 1606 sa pamilya ng isang miller sa lungsod ng Leiden. Ang batang lalaki ay sa simula ay napakahusay. Nag-aaral si Rembrandt ng ilang oras sa unibersidad. Siya ay mga 14 taong gulang nang maramdaman niya ang kanyang tungkulin sa pagpipinta at umalis sa unibersidad. Nagrenta siya ng kamalig sa pampang ng ilog at lumikha ng sarili niyang paaralan sa edad na 16. Ang mga artistang tulad ni Dou ay nag-aaral sa kanyang paaralan. Ang mga unang akda na kanilang isinulat ay Pagpapaalis ng mga mangangalakal mula sa templo. Sa kanyang mga unang obra ay binanggit niya ang pagiging kabilang sa Baroque. Ang trabaho ay may diagonal na komposisyon, isang light-shadow na komposisyon. Ang kanyang self-portrait ay ipininta sa Leiden. Hindi pangkaraniwang gawain na may texture. Sa oras na ito, dumating ang ministro ng Dutch at bumili ng ilang mga gawa ni Rembrandt. Iniwan ni Rembrandt si Leidan at pumunta sa Amsterdam, kung saan pumasok siya sa workshop ng artist na si Lastman. Lumilitaw ang isang surreal na liwanag sa mga gawa. Ito ay lalong kapansin-pansin sa larawan hindi paniniwala ni Thomas . Sa Amsterdam natanggap niya ang kanyang unang komisyon para sa isang larawan ng grupo – Anatomy ni Dr. Tulp . Dito siya nagpinta ng isang larawan Ang sakripisyo ni Abraham. Propeta Jeremias sa mga guho ng Jerusalem. Sa pagpipinta, ang ulo ng santo ay naglalabas ng liwanag. Ang kanyang tagumpay sa pagpipinta ay humantong sa kanyang kasal kay Saski Van Elenburg. Bumili si Rembrandt ng isang palasyo sa Amsterdam. Self-portrait kasama si Sasuke sa kanyang kandungan. Sassy na may bulaklak. Noong taon nang may sakit si Saski, nakatanggap si Rembrandt ng isang order para sa isang larawan ng grupo ng kumpanya ni Captain Cock - Ang gabi Watch. Inilalarawan nito ang mga riflemen na lumalabas para mag-ehersisyo. Ang pagpipinta ay obra maestra ni Rembrandt mula sa 40s. Ang larawan ay binuo sa subordination. Nagsimula ang mahabang pagsubok sa mga utang ni Rembrandt. Ang paalam ni David kay Jonathan, isinulat sa parehong taon Panoorin sa gabi. Ang pagpipinta ay binili ni Peter 1 at ito ay naging isa sa mga unang painting sa Hermitage.

Danae.

Ang kasambahay ni Hendrik ay naging maaasahang katulong ni Rembrandt. Siya ang magiging pangalawang asawa ni Rembrandt. Sa larawan Banal na pamilya na may mga anghel sa larawang ito mayroong dalawang ilaw na dayagonal, ang larawan ay natatakpan ng mainit na liwanag. Lumilitaw si Hendrik sa larawan - Hendrik sa bintana, Babaeng naliligo, Versheba, Nasa kasaysayan ng larawan ang kuwento nina David at Versheba.

David at Uriah - Malaki ang papel ng liwanag sa larawan.

Larawan ni Jan Six. Lahat ng atensyon ay nakatuon sa mukha.

Sabwatan ni Claudius Civilis. Ito ang tanging pagpipinta mula sa kasaysayan ng Dutch ni Rembrandt .

Larawan ng isang matandang lalaki na pula. Portrait na talambuhay. Larawan sa oras.

Larawan ng isang matandang Hudyo. Sa larawang ito, tanging ang mga pangunahing bagay ang naka-highlight: ang mukha at mga kamay.

Larawan ng isang matandang babae. Ang larawang ito ay may pinakamagagandang transition mula sa liwanag patungo sa anino.

Larawan ng pagbabasa ni Titus.

Larawan ng makata na si Decker.

Asur, Haman, Isther. gawaing bahay mula sa pinakabagong mga pintura Rembrandt. Ang larawan ay batay sa isang napaka-komplikadong solusyon sa pag-iilaw.

Rembrandt paints repetition is a painting Humihingi ng tawad si Haman kay Isther.

Nakatanggap si Rembrandt ng isang order para sa isang larawan ng grupo - Mga sindikato.

Jewish bride. Ang tema ng pag-ibig ang pangunahin sa larawang ito. Ito ang paboritong painting nina Van Gogh at Soutine.

Larawan ng pamilya. Larawan ng pangkat. Isang haka-haka na larawan ng kanyang pamilya.

Dalawang self-portraits.

Noong 66-68, nagpinta si Rembrandt Pagbabalik ng Alibughang Anak na nagtatapos sa kanyang gawain.

Seimon sa templo. Ang kanyang huling larawan.

Namatay si Rembrandt noong 1669. Marami siyang estudyante: Gerard Dou, Fabricius, Gelder isa sa mga huling estudyante ni Rembrandt. Umiral ang kanyang paaralan hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo.

Mga paksa para sa pagsubok:

Renaissance ng Aleman.

Italian Baroque. Arkitekturang Baroque. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini at Carlo Moderno. Iskultura ni Bernini. Dalawang pintor na Caravaggio at Anibali Karachi. Rubens. Van Dyck. Jordanens. Snyders. Browwer.

Landscape ng Dutch noong ika-17 siglo.

Jan Fan Goyen.

Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tanawin ng ilog.

Mill sa tabi ng ilog - tipikal na tanawin ng Dutch.

Landscape ng ilog.

Halos palaging sa kanyang mga gawa ang liwanag sa langit ay nababanaag sa lupa.

Salomon Reisdahl

Nagpinta siya ng mga tanawin ng madaling araw.

Landscape na may cart - isang tipikal na tanawin para sa pintor na ito.

Pagtatawid ng lantsa. mahangin na umaga

Sinanay niya ang isa sa mga pangunahing artista ng ika-17 siglo, si Jakob Reyzad.

Jacob Reisdahl.

View ni Edmond. Ang liwanag sa kalangitan, maindayog na tanawin, vertical bell tower ay eksaktong tumutugma sa patayong format.

Ipininta ni Jacob ang lahat ng 12 uri ng landscape at gumawa siya ng ilang uri.

Si Reisadl ay isang mahusay na master ng mga landscape ng kagubatan.

Napansin na ng mga kontemporaryo na si Reisdael ay isang psychologist sa kagubatan. Bawat puno ay may kanya-kanyang larawan.Nagsusulat siya ng talambuhay ng puno.

Landscape ng kagubatan.

Lawa sa gitna ng mga Puno. Sa harapan ay may nahulog na puno, sa tabi nito tuyong kahoy, at sa kailaliman ay may mga batang puno ng birch. Mayroong ilang mga edad ng mga puno dito. Inilipat niya ang diskarteng ito sa isang bilang ng mga pagpipinta:

Ilog sa kagubatan

kagubatan ng Oak

Latian

Landscape ng kagubatan

Daan

Panoramikong tanawin: Beintheir Castle, landscape na may mga guho ng kastilyo at simbahan.

Mill sa Wecca. Pangunahing tanawin ng Ruysdael. Sadyang pinalaki ni Reisdael ang gilingan. Ang tanawin na ito ay isa sa mga simbolo ng Holland.

Tatlong pangunahing gawa ni Holland: Night Watch, Mill sa Vekka, tanawin ng lungsod ng Delta.

Dalawang painting na may parehong pamagat: sementeryo ng mga Hudyo. Imaginary drawing. Inihahatid nito ang kalagayan sa panahon ng bagyo. Sa harapan ay isang tuyo ngunit buhay na puno. Ang tumatakbong sapa ay simbolo ng mabilis na daloy ng buhay. Ang puno ay inilalarawan laban sa background ng isang buhay at malago na puno. Sa harapan ay isang lapida na may larawan ng mismong artist at ang pirma ni Reisdahl. Sa kailaliman ay natatanaw natin ang isang templo na halos masira at kasabay nito ay nakikita natin ang isang bahaghari na lumilitaw pagkatapos ng bagyo - isang simbolo ng pag-asa. Ang central light strike ay isang monumento. Ang pagpipinta ay may pag-uulit, lumilikha ito ng mas matinding kahulugan ng buhay at kamatayan. Ang pangalawang larawan ay nagdadala ng malaking kadiliman; ang kaibahan ng tuyo at berdeng mga puno ay napakalinaw na inilalarawan. Lumilitaw muli ang slab na may larawan ni Ruisdael at ang templo ay nagbabago sa hitsura nito, tulad ng isang nilalang na may malalaking butas sa mata - ang imahe ng isang namamatay na mundo. Si Reisdael ay itinuturing na lumikha pilosopiko na tanawin.

Ipininta ni Reisdael ang mga tanawin ng taglamig gaya ng: Landscape ng taglamig, Taglamig na tumutuklas sa tema ng kalungkutan. Si Reisdael ang may-akda ng landscape-mood.

Siya rin ay isang master ng marine painting: Bagyo sa dagat, dalampasigan.

Siya ay isang master ng urban landscape: View ng Amsterdam kasama ang Amstel River, View ng Haarlem ( tanaw sa kanyang bayan).

Sa mga nagdaang taon, nagpinta si Reyzdahl ng maraming mga landscape na naglalarawan ng mga talon: Mabatong tanawin na may talon, talon sa Norway, talon.

Dalawang gilingan– isang hindi pangkaraniwang tanawin, isang gilingan ay malinaw na nakikita, at ang pangalawa ay matatagpuan sa kailaliman.

Mountain landscape na may sailboat - isa sa mga huling gawa ni Reisdael. Sa gawaing ito ay ibinubuod niya ang kanyang buhay. Ito ay isang mala-tula, liriko na tanawin.

Ang gawa ni Mendet Hobeme.

Siya ay isang estudyante ng Reisdael.

Alley midship sa Harls. Siya ang unang nagpinta ng mga tanawin mula sa buhay. Minsan nagpinta siya ng mga landscape mula sa mga landscape drawing.

Ito ay sikat sa England at nag-ambag sa paglitaw ng landscape ng Ingles. Si Thomas Gainsbrat, Turner, John Constable ay umasa sa gawain nina Hobeme at Reisdael.

Ang Pinakamahusay na Guro makatotohanang tanawin. Bilang karagdagan sa landscape ng Ingles, ang mga simula ng pambansang tanawin ng Pransya ay ipinakita sa maraming paraan.

Mga tanong tungkol sa mga tiket:

Mga gawa ni Rembrandt.