Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang isang bisita sa Russian Museum, na lumilipat mula sa eksibisyon ng pagpipinta ng icon hanggang sa bulwagan ni Peter I, ay nakakaranas ng mga sensasyon na katulad ng naranasan ni Neo sa pelikulang "The Matrix", na kumuha ng pulang tableta mula sa mga kamay ni Morpheus. Ngayon pa lang ay napapaligiran na tayo ng mga espirituwal na imahe, maliliwanag na kulay at magkakasuwato na mga linya, na malabo lamang na kahawig ng nakikita sa ating paligid, ngunit sa kanilang incorporeal na kagandahan ay kinakatawan nila sa ating mundo ang batas at kaayusan na itinatag sa panahon ng paglikha ng Uniberso. Maligayang pagdating sa katotohanan - tumatawid sa threshold, bumaba tayo sa mundong ito ng madilim na kulay at sinasadyang pisikal, nililok na mga mukha na nililok ng liwanag, na parang nababalat mula sa itim na background. Dumating kami upang tumingin, ngunit kami mismo ay natagpuan ang aming sarili sa crossfire ng mga tanawin: halos lahat ng mga eksibit dito ay mga larawan. Mula sa oras na ito at para sa buong darating na siglo, ang larawan ay magiging magkasingkahulugan sa pagpipinta ng Russia.

Ang kasaysayan ng larawan ng Russia noong ika-18 siglo ay isang larawan ng visual na kamalayan sa sarili ng bansa, ang proseso ng paglalahad ng taong Ruso na nakakakuha ng isang "mukha" na nabuksan sa paglipas ng panahon. Sa panahon ni Peter the Great, nasanay ang mga tao sa hitsura ng isang indibidwal na naka-embed sa social hierarchy. Mula sa pamantayan ng klase, na naayos sa isang medyo limitadong repertoire ng mga pose at ekspresyon ng mukha, ang larawan ay napupunta sa pagbuo ng mas banayad na mga relasyon sa pagitan ng hitsura at ang panloob na mundo ng karakter. Sa pagdating ng sentimentalismo, ang buhay ng kaluluwa ang nagiging halaga, tanda ng isang personalidad na magkakasuwato na pinagsasama ang kalikasan at sibilisasyon. Sa wakas, ang romanticism at ang panahon ng 1812 ay magpapahintulot, marahil sa unang pagkakataon sa sining ng Russia, ang imahe ng isang panloob na libreng tao na ipanganak.

Sa pagsasalita tungkol sa larawan, kailangan nating tandaan ang ilang bagay. Una sa lahat, sa isang lipunan ng klase, siya ay isang pribilehiyo, isang marker at sa parehong oras isang tagagarantiya ng katayuan ng modelo. Sa napakaraming kaso, ang mga bayani ng mga larawan ay mga kinatawan ng pinakamataas na antas ng lipunan. Ang isang larawan kung saan ang mga kinakailangang image convention (pose, costume, kapaligiran at mga katangian) ay sinusunod at napagkasunduan ay awtomatikong magpapatunay sa mataas na katayuan sa lipunan ng paksa nito. Ang larawan ay sumasalamin at nagpapadala ng mga pamantayan ng panlipunang pag-uugali. Parang sinasabi niya: “Sa harap mo marangal na tao. Maging katulad niya! Kaya, sa loob ng maraming siglo, ang isang marangal na larawan ay kumakatawan hindi lamang isang maharlika-aktibista, kundi pati na rin ang isang tao na nailalarawan sa pamamagitan ng kaaya-ayang kadalian, iyon ay, isang ari-arian na matagal nang nagsisilbing pisikal na pagpapahayag ng maharlika at edukasyon, at samakatuwid, kabilang sa ang elite.

Ang portrait ay isang uri ng industriya. Ang mismong kalikasan ng portrait market ay nagpapahiwatig ng isang mataas na antas ng pag-iisa. Ang mga larawan ay medyo malinaw na nahahati sa seremonyal (seremonyal) at mas kilalang-kilala (pribado). Ang mga ito, sa turn, ay nagpapalagay ng isang tiyak na hanay ng mga format, poses at mga katangian, pati na rin ang isang kaukulang listahan ng presyo, na isinasaalang-alang kung ang artist mismo ang nagsagawa ng larawan mula simula hanggang matapos o ipinagkatiwala ang hindi gaanong responsableng mga lugar ng trabaho sa mga apprentice.

Mula sa kanyang unang pagpasok Sinaunang mundo ang larawan ay gumanap ng isang mahiwagang papel: literal na pinalitan nito ang taong inilalarawan at pinalawak ang kanyang pag-iral pagkatapos ng kamatayan. Ang memorya ng mga archaic function na ito ay sinamahan ng portrait kahit na ito ay naging isa sa mga genre ng pagpipinta at iskultura ng New Age. Ito ay ipinadala, sa partikular, mga akdang pampanitikan, na naglalarawan ng haka-haka na komunikasyon sa isang larawan: patula na "mga panayam" dito, mga kuwento tungkol sa pag-ibig sa mga larawan, at, sa panahon ng romantikismo, mga nakakatakot na kuwento tungkol sa mga imahe na nabubuhay. Palagi nilang sinasabi na ang larawan ay "parang buhay," siya ay "huminga," kulang lamang siya sa kaloob ng pananalita, atbp. Bilang isang patakaran, ang mga larawang inilarawan ng mga makata ay gawa-gawa lamang ng kanilang imahinasyon. Gayunpaman, ang tradisyon mismo, na napanatili ng panitikan sa loob ng maraming siglo, ay nagtatakda ng paraan ng pag-unawa sa larawan at ipinaalala na ito ay hindi lamang sa mundo ng sining, ngunit direktang nauugnay sa problema ng pagkakaroon ng tao.

Ang teorya ng klasikal na sining ay hindi naglalagay ng mataas na halaga sa larawan. Ang genre na ito ay sumasakop din sa isang kaukulang lugar sa akademikong hierarchy. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, halimbawa, pinaniniwalaan na "sa isang portrait... uri, isang pigura lamang ang palaging ginawa, at sa karamihan ng bahagi sa parehong posisyon... Ang ganitong uri ay hindi maaaring... kumpara sa historikal...”. Sa oras na ito, ang portraiture, na nauugnay sa imitasyon ng isang hindi perpektong kalikasan, ay hindi dapat naging isang prestihiyosong trabaho. Samantala, isang kakaibang sitwasyon ang nabuo sa Russia: ang isang larawan na hinihiling ng lipunan ay naging isa sa mga pinakatiyak na landas ng artist sa tagumpay. Simula kay Louis Caravaque, Ivan Nikitin o Georg Groot, ang paglikha ng mga larawan ay isa sa mga pangunahing gawain ng mga pintor ng korte. Ngunit ang artist ng unang kalahati - kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo, isa pa ring multi-stool operator: tinupad ng Sheremetev serf na si Ivan Argunov ang iba't ibang whims ng may-ari at tinapos ang kanyang karera bilang isang housekeeper, na iniwan ang pagpipinta; Sina Andrei Matveev at Ivan Vishnyakov ay pinangangasiwaan ang mga arkitekto at dekorador ng Chancellery mula sa mga gusali; Si Alexei Antropov ay may katulad na mga responsibilidad sa Synod. Gayunpaman, para sa isang kopya lamang ng kanyang sariling larawan ng koronasyon ni Peter III, na iniutos ng Senado, ang artista ay nakatanggap ng 400 rubles - isang ikatlong mas mababa kaysa sa kanyang taunang suweldo sa synod.

Alexey Antropov. Larawan ni Peter III. 1762

Sa pagtatatag ng Academy of Arts noong 1757, nagsimulang magbago ang sitwasyon. Noong nakaraan, ang pintor ng portrait ng Russia, tulad ng isang Renaissance apprentice, ay natutunan ang kanyang craft sa studio ng isang practicing artist o kumuha ng mga aralin mula sa isang bumibisitang celebrity. Ang apatnapung taong gulang na si Antropov ay umunlad sa ilalim ng patnubay ni Pietro Rotari, isang pintor na may reputasyon sa Europa na lumipat sa Russia. Nag-aral si Argunov kasama si Groot, at sa utos ng empress siya mismo ang nagturo ng pagpipinta sa mga mang-aawit na "natulog mula sa kanilang mga tinig," na kung saan ay ang hinaharap na makasaysayang pintor na si Anton Losenko. Ngayon, ang batayan ng edukasyon ng artist ay ang holistic na pamamaraan na napatunayan ng mga henerasyon. Ang portrait class sa Academy ay itinatag noong 1767.

Sa kabila ng tila mababang katayuan ng genre, sa siyam na unang beses na mag-aaral na nagtapos sa Academy, lima ang nagtapos bilang mga portrait na pintor, at dalawa lamang ang nagdadalubhasa sa historical painting. Ang mga larawan ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa mga eksibisyong pang-akademiko at pinahintulutan ang artista na gumawa ng isang ganap na karera - upang maging isang "hinirang" (iyon ay, kaukulang miyembro) o kahit isang akademiko. Natanggap ni Borovikovsky ang unang titulo noong 1794 para sa kanyang paglalarawan kay Catherine II sa paglalakad sa Tsarskoye Selo Park, at pagkaraan ng isang taon - ang pangalawa, para sa larawan ni Grand Duke Konstantin Pavlovich. Ang isang larawan ng isang tao ng isang malikhaing propesyon sa kanyang sarili ay maaaring simbolikong tumaas ang kanyang katayuan. Inilarawan ni Levitsky ang arkitekto na si Kokorinov noong 1769 ayon sa pamantayan ng isang larawan ng isang estadista: ang rektor ng Academy of Arts na may isang tabak at sa isang marangyang suit na nagkakahalaga ng kanyang taunang suweldo, na may isang kilos na puno ng maharlika, ay tumuturo sa sekretarya na may ang academic treasury, ang seal Academy at ang plano nito. Pagkalipas ng apat na taon, literal na muling bubuo ng artista ang pamamaraang ito sa larawan ni Vice-Chancellor Prince Golitsyn.

Vladimir Borovikovsky. Catherine II sa paglalakad sa Tsarskoye Selo Park. 1794Gallery ng Estado ng Tretyakov

Vladimir Borovikovsky. Larawan ng Grand Duke Konstantin Pavlovich. 1795Museo ng Sining ng Estado ng Chuvash

Dmitry Levitsky. Larawan ng A.F. Kokorinov. 1769

Dmitry Levitsky. Larawan ng Bise-Chancellor Prince A. M. Golitsyn. 1772Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang ikalawang kalahati ng siglo ay nagbubukas ng isang alternatibo para sa pintor ng portrait - nagtatrabaho sa mga pribadong order. Si Fyodor Rokotov ay malamang na nagmula sa serfdom, ngunit nagsilbi bilang isang maharlika sa departamento ng militar. Nang hindi gumana ang kanyang karera sa Academy of Arts, lumipat siya sa Moscow noong 1766-1767, at ang marangal na maharlika ng lumang kapital ay nabuo ng isang malawak na kliyente para sa artista. Gamit ang kanyang halimbawa, makakakuha tayo ng ideya ng posisyon ng isang hinahangad na pintor. Para sa maharlikang larawan na ipininta sa kanyang sariling inisyatiba, iginawad ni Catherine si Rokotov ng 500 rubles. Ang unang historiographer ng sining ng Russia noong ika-18 siglo, si Jacob Shtelin, ay nagpapatotoo na kahit sa St. Petersburg ang artista ay "napakahusay at sikat na hindi niya kayang mag-isa sa lahat ng mga gawa na iniutos sa kanya... Mayroon siyang mga 50 larawan. sa kanyang apartment, halos kapareho, walang natapos sa kanila maliban sa ulo [malamang na nagpapahiwatig ito ng pakikilahok ng mga apprentice].” Kung noong 1770s ang kanyang karaniwang portrait ay nagkakahalaga ng 50 rubles, kung gayon noong 1780s ay nagkakahalaga na ito ng isang daan. Pinahintulutan nito ang artist na bumili ng isang kapirasong lupa para sa 14,000 rubles, magtayo ng isang dalawang palapag na bahay na bato, maging miyembro ng English Club at makuha ang inis na pahayag ng isang kontemporaryo: "Naging mapagmataas at mahalaga si Rokotov pagkatapos ng katanyagan."

Fedor Rokotov. Larawan ng koronasyon ni Catherine II. 1763 Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang kaibahan sa pagitan ng pagpipinta ng icon at ng 18th-century portrait ay malinaw na nagpapakita ng radikalismo ng rebolusyon ni Peter the Great. Ngunit ang Europeanization matalinghagang anyo nagsimula kanina. Noong ika-17 siglo, ang mga masters ng Armory Chamber at iba pang mga isographer ay lumikha ng isang hybrid ng icon at portrait - parsuna (mula sa salitang "persona", na sa unang kalahati ng ika-18 siglo ay pinalitan ang salitang "portrait" sa Russia). Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ginamit na ni Parsuna nang buong lakas at pangunahing ang scheme ng European parade port, na hiniram sa pamamagitan ng Poland at Ukraine. Mula sa larawan ay dumating ang gawain - ang hitsura ng isang tao sa kanyang panlipunang papel. Pero sining biswal Sa maraming paraan, nananatili silang iconic: ang flatness ng form at space, ang conventionality ng structure ng katawan, ang explanatory text sa imahe, ang ornamental interpretation ng damit at attributes. Ang mga tampok na ito ay napanatili nang mahabang panahon noong ika-18 siglo sa mga larawan ng marangal na probinsya, sa mga larawan ng mga mangangalakal at klero.

Larawan ni Tsar Alexei Mikhailovich. Parsun ng isang hindi kilalang artistang Ruso. Huling bahagi ng 1670s - unang bahagi ng 1680s Museo ng Kasaysayan ng Estado

Ang pensiyonado ni Peter na si Ivan Nikitin, na nag-aral sa Italya, ay ang unang master ng Russia na "nakalimutan" ang tungkol sa parsuna. Ang kanyang mga larawan ay medyo simple sa komposisyon, gumagamit lamang siya ng ilang mga uri ng iconographic, bihirang magpinta ng mga kamay at mas gusto ang isang madilim na scheme ng kulay. Ang kanyang mga portrait ay madalas na minarkahan ng espesyal na verisimilitude, ang mukha ay binibigyang kahulugan sa mariin na kaluwagan, ang pagkilala ay nananaig sa idealization. Si Chancellor Gabriel Golovkin ay ang perpektong imahe ng meritocratic monarchy ni Peter: isang pinahabang pyramid ng isang pigura, na nahuli sa liwanag, na nakoronahan ng isang hugis-itlog na mukha na naka-frame ng isang peluka. Ang kalmadong dignidad, pagmamalaki at tiwala sa sarili ay ipinahahatid sa bayani sa pamamagitan ng kanyang pigil ngunit natural na pose at ang direktang titig na bumabati sa manonood. Ang ceremonial camisole na may mga order at ribbon ay halos sumanib sa background, na nagpapahintulot sa iyo na ituon ang lahat ng atensyon sa mukha. Ang madilim na kapaligiran ay nagtutulak kay Golovkin palabas, ang kamay ng kanyang kaliwang kamay ay nagmamarka ng hangganan ng espasyo ng canvas, at ang filigree blue order bow ay tila lumampas dito, na umuusbong sa aming espasyo. Ang pictorial trick na ito, na nagpapahusay sa ilusyon ng presensya, sa parehong oras ay nakakatulong upang mabawasan ang sikolohikal at panlipunang distansya sa pagitan ng modelo at ng manonood, na hindi malulutas sa pre-Petrine parsuna.

Ivan Nikitin. Larawan ng State Chancellor Count G. I. Golovkin. 1720s Gallery ng Estado ng Tretyakov

Si Andrei Matveev, na bumalik mula sa Netherlands, ay lumikha ng isang larawan ng kanyang sarili kasama ang kanyang batang asawa noong 1729. Kung sumasang-ayon kami sa pagkakakilanlan na ito, na karaniwang tinatanggap ngayon, kung gayon mayroon kaming bago sa amin hindi lamang ang unang kilalang self-portrait ng isang pintor ng Russia. Ang imaheng ito ng mga karaniwang tao ay nagpapakita ng balanse sa pagitan ng mga lalaki at babae, na hindi inaasahan para sa Russia noong panahong iyon. Gamit ang kanyang kaliwang kamay, ang pintor ay seremonyas na hinawakan ang kamay ng kanyang kasama; gamit ang kanyang kanang kamay, niyakap siya nang maingat, itinuro niya siya patungo sa manonood. Ngunit ang buong pormal na kahulugan ng mga kilos na ito ng dominasyon at paglalaan ay hindi inaasahang nabura. Sa isang napakasimpleng organisadong canvas, ang babaeng pigura ay hindi lamang matatagpuan kanang kamay mula sa lalaki, ngunit sumasakop din nang eksakto sa parehong espasyo ng larawan tulad niya, at ang mga ulo ng mga asawa ay matatagpuan nang mahigpit sa parehong linya, na parang mga kaliskis na nagyelo sa parehong antas.

Andrey Matveev. Self-portrait kasama ang kanyang asawa. Malamang 1729 Museo ng Estado ng Russia

Ang larawan sa kalagitnaan ng siglo ay, para sa karamihan, isang larawan hindi ng personalidad ngunit ng katayuan. Karaniwang halimbawa- ang mga asawang Lobanov-Rostov, mga brush ni Ivan Argunov (1750 at 1754). Sa kabila ng lahat ng pagiging pamilyar ng mga karakter, nakikita muna ng manonood ang "marangal na tao" at ang "mapagmahal na kagandahan," na ang posisyon ay minsan at para sa lahat ay naayos ng kanilang uniporme, ermine mantle at damit na may pilak na burda. Ang artist ng kalagitnaan ng ika-18 siglo - Ruso at dayuhan - lubos na maingat na naghahatid ng kasuutan at mga elemento nito: tela, pananahi, puntas; nagsusulat ng mga alahas at mga parangal nang detalyado. Sa mga larawang ito ni Argunov, ang katawan ng karakter ay nalilimitahan ng kalawakan, na naka-deploy sa kahabaan ng eroplano ng canvas, at ang mga tela at dekorasyon ay pininturahan ng ganoong detalye na nagpapaalala sa iyo ng parsuna na may dekorasyon at espesyal, mababaw na paningin. katawan ng tao.

Ivan Argunov. Larawan ng Prinsipe I. I. Lobanov-Rostovsky. 1750Museo ng Estado ng Russia

Ivan Argunov. Larawan ng Prinsesa E. A. Lobanova-Rostovskaya. 1754Museo ng Estado ng Russia

Ngayon mas pinahahalagahan namin ang mga gawa ng Russian portraiture noong ika-18 siglo, kung saan ang kumbensyonal na imahe ay tila nawala ang integridad nito, at ang kagandahang-asal (ang balanse ng perpekto at ang tunay sa portrait) ay nilabag sa pabor ng verisimilitude. Malinaw, dito nagmumula ang alindog na taglay ng imahe ng sampung taong gulang na si Sarah Fermor (1749) para sa makabagong manonood. Ang subordinate ng kanyang ama sa Opisina ng mga Gusali, si Ivan Vishnyakov, ay ipinakita ang bata sa imahe ng isang may sapat na gulang na batang babae, na umaangkop sa marupok na pigura sa seremonyal na komposisyon na may isang haligi at bigat ng kurtina sa background. Kaya't ang pagiging kaakit-akit ng gayong mga imahe, kung saan ang isang mukha na walang panlabas na kagandahan ay tila ang susi sa isang matapat na paghahatid ng pagkatao: tulad ng mga larawan ni Anthropov ng ginang ng estado na si Anastasia Izmailova (1759) o Anna Buturlina (1763).

Ivan Vishnyakov. Larawan ni Sarah Eleanor Fermor. 1749Museo ng Estado ng Russia

Alexey Antropov. Larawan ng State Lady A. M. Izmailova. 1759Gallery ng Estado ng Tretyakov

Alexey Antropov. Larawan ni A. V. Buturlina. 1763Gallery ng Estado ng Tretyakov

Sa hilera na ito ay mga larawan ng mag-asawang Khripunov ni Argunov (1757). Si Kozma Khripunov, isang matandang lalaki na may malaking ilong, ay nakahawak sa isang sheet ng nakatiklop na papel sa kanyang mga kamay at, na parang tumingala mula sa pagbabasa, pinipigilan ang manonood na may matalim na tingin. Ang kanyang batang asawa ay may hawak na isang bukas na libro sa kanyang mga kamay at tinitingnan kami nang may kalmado na dignidad (ayon sa mga libro ng confessional, si Feodosia Khripunova ay malamang na hindi higit sa dalawampung taong gulang: ang mga character sa ika-18 na siglo na mga larawan ay madalas na mukhang mas matanda kaysa sa kanilang edad) . Unlike modernong France, kung saan sa panahon ng Encyclopedia ang aklat ay hindi pangkaraniwan kahit na sa isang aristokratikong larawan, ang mga karakter ng mga pagpipinta ng Russia noong ika-18 siglo ay napakabihirang kinakatawan ng pagbabasa. Mahina sa mga katangian at pinigilan ang istilo, ang mga larawan ng mag-asawang Khripunov sa Europa ay mauuri bilang mga larawan ng ikatlong estate, na sumasalamin sa mga halaga ng Enlightenment. Sa kanila - bilang, halimbawa, sa larawan ng doktor na si Leroy ni Jacques Louis David (1783) - ang mahalaga ay hindi ang katayuan, ngunit ang aktibidad ng bayani, hindi ang kabutihan ng hitsura, ngunit ang matapat na ipinakita na karakter.

Ivan Argunov. Larawan ng K. A. Khripunov. 1757

Ivan Argunov. Larawan ni Kh. M. Khripunova. 1757Moscow Museum-Estate "Ostankino"

Jacques Louis David. Larawan ni Doctor Alphonse Leroy. 1783 Musée Fabre

Sa kauna-unahang pagkakataon sa modernong Russia, ang mga pangalan nina Rokotov at Levitsky ay nauugnay sa ideya ng isang mahigpit na indibidwal na paraan, na tila nagpapailalim sa modelo sa sarili nito: ngayon ay maaari nang ligtas na pag-usapan ang tungkol sa isang babae na "lumabas sa canvas ni Rokotov. ", tungkol sa isang ginoo "mula sa larawan ni Levitsky". Magkaiba sa paraan at espiritu, ang parehong mga pintor ay nakikita mo sa kanilang mga larawan hindi lamang mga larawan ng mga partikular na tao, ngunit nararamdaman din ang pagpipinta, na nakakaapekto sa brushstroke, texture, kulay - anuman ang paksa. Malinaw, ito ay katibayan ng unti-unting pagbabago sa katayuan ng artista, ang kanyang pagpapahalaga sa sarili at ang umuusbong na interes ng publiko sa sining.

Si Rokotov ang unang master ng emotional portraiture ng Russia. Ang pag-unlad ng kanyang paraan ay nauugnay sa impluwensya ng Italian Rotary, na ang mga batang babae na "ulo" ay karaniwang itinuturing na mga piquant rococo trinkets. Ngunit makikita ni Rokotov sa kanila ang isang halimbawa ng magkakaibang, banayad, mailap na mga intonasyon - kung ano ang nakikilala sa mga larawan ng Russian artist mismo. Mula sa madilim na background ng kanyang mga nauna, lumipat si Rokotov sa isang hindi tiyak na background, tulad ng isang manipis na ulap, hindi gaanong inilalapit ang pigura sa manonood bilang sumisipsip nito. Ang katawan na nakasuot ng uniporme o damit ay nakakakuha ng subordinate na kahulugan, ang mukha ngayon ay ganap na nangingibabaw. Ito ay nagkakahalaga ng mas malapitan na pagtingin sa kung paano ipininta ni Rokotov ang mga mata: sa mga bagay tulad ng sikat na larawan ni Alexandra Struyskaya (1772), ang mag-aaral ay pininturahan ng mga fused stroke ng magkatulad na mga kulay na may maliwanag na highlight - ang tingin ay nawawalan ng kalinawan, ngunit nakakakuha ng lalim. . Ang labo ng paligid, ang kinis ng tabas, kasama ang malabo ngunit matinding titig ng mga karakter, ay lumikha ng isang pakiramdam ng multi-dimensionality ng karakter na walang mga analogue sa mga larawang Ruso, kung saan - lalo na para sa mga kababaihan - ang mga emosyon ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel. Kaugnay nito, ang mga karakter ni Rokotov ay mga taong sentimentalismo, kung saan ang mga priyoridad ay hindi mga tungkuling panlipunan at mga ambisyon, ngunit ang emosyonal na lalim at kadaliang pangkaisipan ng isang tao.

Fedor Rokotov. Larawan ng A. P. Struyskaya. 1772 Gallery ng Estado ng Tretyakov

Tila hindi nagkataon na ang pagiging sopistikado ni Rokotov, ngunit walang mga panlabas na epekto, ay nabuo ang istilo sa Moscow na may tradisyong pinalaki nito. privacy, pamilya at pagkakaibigan. Kasabay nito, sa aristokratiko at kabisera ng korte ng Catherine, kasunod ng mga artistikong fashion sa mundo, ang pinaka-makinang na pintor ng Russia noong ika-18 siglo, si Dmitry Levitsky, ay umunlad. Sa gawain ng katutubong ito ng pamilya ng isang Ukrainian na pari na nagtapos mula sa St. Petersburg Academy of Arts, ang pagpipinta ng Russia ay umabot sa antas ng Europa sa unang pagkakataon. Siya ay pinagkalooban ng regalo ng paglikha ng buong dugo at marangal na mga imahe, ang kakayahang tumpak na ihatid ang iba't ibang mga texture - tela, bato, metal, ang katawan ng tao. Kasabay nito, ang isang bilang ng kanyang mga gawa ay nagpakilala ng sining ng Russia sa konteksto ng mga advanced na paggalaw ng kaisipan ng panahon.

Kaya, ang mga ideya ng subordinating autocracy sa batas, na nauugnay sa Russian Enlightenment, ay isinama ni Levitsky sa pagpipinta na "Catherine II - Tagapagbigay ng Batas sa Templo ng Diyosa ng Katarungan" (1783). Larawang seremonyal Palaging isinasama ng pinuno ang kanyang opisyal na imahe. Ang canvas ni Levitsky ay isang natatanging kaso kapag ang imahe ng isang monarko, na ganap na nakakatugon sa mga canon ng genre, ay isang mensahe mula sa lipunan patungo sa soberanya, na naghahatid ng mga adhikain ng napaliwanagan na maharlika.

Dmitry Levitsky. Larawan ni Catherine na Tagapagbigay ng Batas sa Templo ng Diyosa ng Katarungan. 1783 Museo ng Estado ng Russia

Pumasok si Empress korona ng laurel at ang sibil na korona, na nagsasakripisyo ng kanyang kapayapaan, ay nagsusunog ng mga poppies sa altar na nakatayo sa ilalim ng estatwa ni Themis na may inskripsiyon na "para sa kabutihang panlahat." Ang profile ni Solon, ang tagabigay ng batas ng Atenas, ay inukit sa pedestal ng eskultura. Ang imperyal na agila ay nakaupo sa mga tomes ng mga batas, at sa pagbubukas ng dagat sa likod ng reyna ang armada ng Russia ay makikita sa ilalim ng watawat ni St. Andrew na may pamalo ng Mercury, isang tanda ng protektadong kalakalan, iyon ay, kapayapaan at kasaganaan. Bilang karagdagan sa ideyang pang-edukasyon ng panuntunan ng batas, posible rin dito ang iba pang mga pampulitikang overtone. Iminungkahi na ang canvas ay dapat na maging sentro ng ensemble ng mga larawan ng Duma of Knights ng Order of St. Vladimir at matatagpuan sa Sofia sa Tsarskoe Selo, kaya naging bahagi ng ideological apparatus ni Catherine.

Ang larawang ito, ang programa na pagmamay-ari ni Nikolai Lvov, at ang komisyon kay Alexander Bezborodko, ay marahil ang unang gawa ng pagpipinta ng Russia na naging isang pampublikong kaganapan. Ito ay kaayon ng oda ng State of Wine, na lumitaw sa parehong taon ng 1783. Kasabay nito, inilathala ni Ippolit Bogdanovich ang isang stanza sa artist, kung saan si Levitsky, na naglalahad ng ideolohikal na programa ng larawan, ay ang unang kaso ng isang pintor ng Russia na direktang tumutugon sa publiko. Kaya, ang portrait ay kinuha ang mga function ng isang pagsasalaysay ng makasaysayang canvas, na nagpapapormal ng mga ideya na nagpapasigla sa lipunan at nagiging isang kaganapan para sa isang medyo malawak na madla. Ito ay isa sa mga unang palatandaan ng isang bagong proseso para sa Russia: ang pinong sining ay tumigil sa paglilingkod sa mga utilitarian na pangangailangan ng mga piling tao (representasyon ng pampulitika at personal na mga ambisyon, dekorasyon ng buhay, visualization ng kaalaman, atbp.) At unti-unting nagiging isang mahalagang elemento. ng pambansang kultura, pag-oorganisa ng diyalogo sa pagitan ng iba't ibang bahagi ng lipunan.

Ang pitong canvases ng seryeng "Smolyanka", na isinulat noong 1772-1776, ay naglalarawan ng siyam na mag-aaral ng Smolny Institute ng mga marangal na dalaga ng iba't ibang "edad" (mga panahon ng pag-aaral). Ito ay isang monumento sa isang eksperimento na sumasalamin sa mga pangunahing ideya ng European Enlightenment: ang edukasyon ng isang bagong tao, advanced na edukasyon para sa mga kababaihan. Malinaw din nilang ipinapahiwatig ang isang unti-unting pagbabago sa saloobin sa mga panahon ng buhay ng tao: kung dati ang isang bata sa isang larawang Ruso ay, bilang isang panuntunan, ay ipinakita bilang isang maliit na may sapat na gulang, kung gayon ang mga kababaihan ng Smolyanka ay nagpapakita ng mga hakbang sa landas sa pagbibinata, na kung saan ay unang ipinakita sa serye ng portrait na ito - nahuhulog sa isang hiwalay, independiyenteng yugto. Ang mga batang babae ay sumasayaw at gumaganap ng mga theatrical roles, ngunit ang dalawang larawan ng "senior students" na sina Glafira Alymova at Ekaterina Molchanova na nagsara ng serye ay tila buod nito, na naglalaman ng dalawang hypostases ng isang napaliwanagan na babae. Tumutugtog si Alymova ng alpa, na kumakatawan sa mga sining na nauugnay sa likas na katangian ng tao. Ang Mol-cha-nova ay kumakatawan sa intelektwal na prinsipyo. Nagpose siya gamit ang isang libro at isang vacuum pump - isang modernong tool na nagbibigay-daan sa iyo upang galugarin ang materyal na kalikasan ng mundo. Mula sa isang portrait na katangian, ito ay nagiging tanda ng advanced na kaalaman batay sa siyentipikong eksperimento.

Dmitry Levitsky. Larawan ng Feodosia Rzhevskaya at Nastasya Davydova. 1771–1772Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan ni Ekaterina Nelidova. 1773Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan nina Ekaterina Khrushcheva at Ekaterina Khovanskaya. 1773Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan ni Alexandra Levshina. 1775Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan ni Ekaterina Molchanova. 1776Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan ni Glafira Alymova. 1776Museo ng Estado ng Russia

Dmitry Levitsky. Larawan ni Natalia Borshchova. 1776Museo ng Estado ng Russia

Ang mga gawa ni Vladimir Borovikovsky, isang mag-aaral at kapwa kababayan ng Levitsky, ay malinaw na nagpapakita na ang mga sentimentalist na halaga sa mga huling dekada ng ika-18 siglo ay naging batayan para sa representasyon ng isang pribadong tao. Ngayon ang larawan ay malinaw na nahahati sa harap at pribado. Ang imahe ng "prinsipe ng brilyante" na si Kurakin (1801-1802), na binansagan para sa kanyang pag-ibig sa alahas at marangal na karangyaan, ay kumikinang sa sadyang karangyaan. Tulad ng isang bilang ng mga kuwadro na gawa ni Goya, ipinapakita nito na ang karilagan ng pagpipinta ay naging isa sa mga huling argumento na pabor sa kadakilaan ng aristokrasya: ang mga modelo mismo ay hindi na palaging makatiis sa mga kalunos-lunos na dinidikta ng genre.

Vladimir Borovikovsky. Larawan ng Prinsipe A. B. Kurakin. 1801-1802 Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang isang hybrid na katangian ng "panahon ng sensitivity" ay isang imahe ni Catherine II sa Tsarskoye Selo (tingnan sa itaas). Ang full-length na portrait sa backdrop ng monumento sa kaluwalhatian ng militar ay idinisenyo sa isang natatanging intimate na paraan: kinakatawan nito ang empress sa isang dressing gown habang nag-iisa na naglalakad sa mga eskinita ng parke. Hindi nagustuhan ni Catherine ang larawan, ngunit, malamang, iminungkahi nito kay Pushkin ang mise-en-scene ng pagpupulong ni Masha Mironova sa Empress sa "The Captain's Daughter." Kasama ni Borovikovsky na ang tanawin, sa unang pagkakataon sa mga artista ng Russia, ay naging palaging background ng isang larawan, na nagsasaad ng isang buong kumplikadong mga ideya na nauugnay sa mga ideya ng pagiging natural, pagiging sensitibo, pribadong buhay at pagkakaisa ng mga kamag-anak na kaluluwa.

Ang kalikasan bilang isang projection ng mga emosyonal na karanasan ay isang katangian na katangian ng kultura ng sentimentalismo, na nagpapahiwatig na ang panloob na mundo ng isang tao ay nagiging isang walang kondisyon na halaga. Totoo, sa marami sa mga gawa ni Borovikovsky, ang "pagkasangkot sa kalikasan" ng karakter ay tumatagal ng karakter ng isang cliché, na nagpapahiwatig na ang pagiging sensitibo at pagiging natural ay naging fashion. Ito ay lalo na kapansin-pansin sa mahusay na naisagawa na mga larawan ng babae, na sumusunod sa ideyal ng batang "natural" na kagandahan at ginagaya ang mga pose at katangian ng modelo. Sa kabilang banda, ang frame na ito ng isang pastoral na larawan ay naging posible na isama ang mga serf sa mga karakter. Ang mga ito, halimbawa, ay "Lizynka at Dashinka" (1794) - mga batang babae sa patyo ng Lvov, na tumangkilik sa pintor, halos hindi makilala sa hitsura mula sa mga kabataang maharlika.

Vladimir Borovikovsky. Lizynka at Dasha. 1794 Gallery ng Estado ng Tretyakov

Kung, sa katauhan nina Levitsky at Borovikovsky, ang pagpipinta ng Russia ay naging naaayon sa mga modernong artistikong uso, kung gayon ang susunod na henerasyon ng mga portraitist ng Russia ay nagpasya. bagong gawain: ang kanilang sining sa wakas ay bumuo ng isang dialogue sa mahusay na pagpipinta ng Europa noong ika-16-17 siglo, ang tradisyon na kung saan ay wala sa pre-Petrine Russia. Ang mga kinakailangan para dito ay ang pagbuo ng isang koleksyon ng Hermitage na may natatanging kalidad noong panahon ni Catherine, pati na rin ang mahabang paglalakbay sa ibang bansa ng mga batang artista na matagumpay na nagtapos sa Academy. Si Karl Bryullov ay nagtayo ng kanyang sariling imahe batay sa mga pattern ng "matandang master" at sa parehong oras ay muling nilikha sa lupa ng Russia ang ningning ng Vandyck ceremonial portrait na may symphonic na luho ng kulay ("Horsewoman", 1831; larawan ng mga kapatid na Shishmarev , 1839).

Orest Kiprensky. Larawan ng ama ng artista na si Adam Karlovich Schwalbe. 1804 Museo ng Estado ng Russia

Sa larawan ng Pushkin (1827), ang isang diyalogo na may tradisyon ay itinayo sa antas ng iconograpiya, na naiintindihan pa rin ng isang European sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Ang mga braso ng makata ay nakakrus sa kanyang dibdib at ang kanyang titig na nakadirekta sa kalawakan ay isang echo ng mga personipikasyon ng mapanglaw - isang ugali na, mula noong Renaissance, ay itinuturing na isang tanda ng henyo.

Orest Kiprensky. Larawan ng A. S. Pushkin. 1827 Gallery ng Estado ng Tretyakov

Ang henerasyon ng 1812 ay naging kolektibong bayani ng mga gawa ni Kiprensky. Ang mga larawang ito ay nakikilala sa pamamagitan ng nakakarelaks na "pag-uugali" ng mga character, na walang uliran sa sining ng Russia. Isang paghahambing ng "pormal" na larawan ni Koronel Evgraf Davydov (1809) at isang serye ng mga graphic na larawan ng mga kalahok sa Digmaang Patriotiko noong 1812-1814 (Alexey Lansky, Mikhail Lansky, Alexey Tomilov, Efim Chaplits, Pyotr Olenin at iba pa, lahat 1813) ay nagpapahiwatig. Ang una ay nag-iiba-iba ang uri ng marangal na larawang katangian ng Europa noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ang pose ni Davydov ay hindi lamang nagpapakita ng hiwalay na kadalian, ito ay iconographic na nagpapalaki sa karakter, dahil bumalik ito sa sikat na "Resting Satyr" ni Praxiteles: ang pagiging perpekto ng isang klasikal na estatwa ay ginagarantiyahan ang dignidad ng bayani ng canvas. Ngunit ang senswal na kapayapaan sa katawan ng isang satyr ay ang kabilang panig lamang ng kanyang kalikasan ng hayop, at mahusay na ginagamit ni Kiprensky ang memorya ng prototype na ito (kasabay nito ay simboliko at plastik), na lumilikha ng imahe ng isang bayani na nasa nakakarelaks na kapayapaan. , ngunit may kakayahang ituwid na parang bukal. Ang bawat isa sa mga larawang lapis ng mga batang "beterano" ay napapailalim din sa ilang mga portrait cliché, ngunit magkasama silang nagpapakita ng hindi pa nagagawang graphic na kalayaan at pagkakaiba-iba mga pormal na desisyon: pagliko ng katawan, pagkiling ng ulo, kilos, sulyap. Sa bawat indibidwal na kaso, ang artista ay hindi nagpatuloy mula sa mga paunang natukoy na tungkulin, ngunit mula sa personalidad na ipinahayag sa kanya. Ang kadalian ng mga character na ito, kasama ang demonstrative na kadalian ng pagpapatupad, ay kumikilos bilang isang nakikitang sagisag ng panloob na "self-standing" ng henerasyon - isang pakiramdam ng kalayaan na hindi pa naganap sa kasaysayan ng Russia hanggang noon.

Ang maringal at magkakaibang pagpipinta ng Russia ay palaging nagpapasaya sa mga manonood sa hindi pagkakapare-pareho at pagiging perpekto nito masining na anyo. Ito ay isang tampok ng mga gawa ng mga sikat na art masters. Palagi nila kaming ginulat sa kanilang pambihirang diskarte sa trabaho, ang kanilang magalang na saloobin sa mga damdamin at sensasyon ng bawat tao. Marahil ito ang dahilan kung bakit ang mga artistang Ruso ay madalas na naglalarawan ng mga komposisyon ng portrait na malinaw na pinagsama ang mga emosyonal na imahe at mga epically kalmado na motif. Hindi nakakagulat na sinabi ni Maxim Gorky na ang isang artista ay ang puso ng kanyang bansa, ang tinig ng isang buong panahon. Sa katunayan, ang marilag at eleganteng mga pagpipinta ng mga artistang Ruso ay malinaw na naghahatid ng inspirasyon sa kanilang panahon. Katulad ng mga hangarin ng sikat na may-akda na si Anton Chekhov, marami ang naghangad na dalhin sa mga kuwadro na Ruso ang natatanging lasa ng kanilang mga tao, pati na rin ang isang hindi mapawi na pangarap ng kagandahan. Mahirap maliitin ang hindi pangkaraniwang mga pagpipinta ng mga masters ng marilag na sining, dahil ang tunay na hindi pangkaraniwang mga gawa ng iba't ibang genre ay ipinanganak sa ilalim ng kanilang mga brush. Akademikong pagpipinta, portrait, historical painting, landscape, mga gawa ng romanticism, modernism o symbolism - lahat ng mga ito ay nagdudulot pa rin ng saya at inspirasyon sa kanilang mga manonood. Ang bawat tao'y nakahanap sa kanila ng isang bagay na higit pa sa makulay na mga kulay, magagandang linya at hindi maitutulad na mga genre ng sining sa mundo. Marahil ang isang kasaganaan ng mga anyo at mga imahe kung saan ang mga sorpresa ng pagpipinta ng Russia ay konektado sa napakalaking potensyal ng nakapaligid na mundo ng mga artista. Sinabi rin ni Levitan na ang bawat nota ng luntiang kalikasan ay naglalaman ng isang marilag at hindi pangkaraniwang palette ng mga kulay. Sa ganoong simula, lumilitaw ang isang kahanga-hangang kalawakan para sa brush ng artist. Samakatuwid, ang lahat ng mga kuwadro na Ruso ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang katangi-tanging kalubhaan at kaakit-akit na kagandahan, na napakahirap alisin ang iyong sarili.

Ang pagpipinta ng Russia ay nararapat na nakikilala mula sa mundo sining ng sining. Ang katotohanan ay hanggang sa ikalabing pitong siglo, ang pagpipinta ng Russia ay nauugnay lamang sa mga relihiyosong tema. Ang sitwasyon ay nagbago sa pagdating sa kapangyarihan ng repormang tsar, Peter the Great. Salamat sa kanyang mga reporma, nagsimulang makisali ang mga Russian masters sa sekular na pagpipinta, at ang pagpipinta ng icon ay pinaghiwalay bilang isang hiwalay na direksyon. Ang ikalabing pitong siglo ay ang panahon ng mga artista tulad nina Simon Ushakov at Joseph Vladimirov. Pagkatapos, sa mundo ng sining ng Russia, lumitaw ang portraiture at mabilis na naging tanyag. Noong ikalabing walong siglo, lumitaw ang mga unang artista, lumipat mula sa pagpipinta ng portrait sa landscape. Kapansin-pansin ang binibigkas na simpatiya ng mga artista para sa mga panorama ng taglamig. Ang ikalabing walong siglo ay naalala din para sa paglitaw ng pang-araw-araw na pagpipinta. Noong ikalabinsiyam na siglo, tatlong kilusan ang nakakuha ng katanyagan sa Russia: romanticism, realism at classicism. Tulad ng dati, ang mga artistang Ruso ay patuloy na bumaling sa genre ng portrait. Noon ay lumitaw ang mga sikat na larawan sa mundo at mga larawan sa sarili nina O. Kiprensky at V. Tropinin. Sa ikalawang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, lalong inilalarawan ng mga artista ang karaniwang mamamayang Ruso sa kanilang aping estado. Ang realismo ay nagiging sentral na kilusan ng pagpipinta sa panahong ito. Noon ay lumitaw ang mga Itinerant artist, na naglalarawan lamang ng tunay, totoong buhay. Well, ang ikadalawampu siglo ay, siyempre, ang avant-garde. Ang mga artista noong panahong iyon ay makabuluhang naimpluwensyahan ang kanilang mga tagasunod sa Russia at sa buong mundo. Ang kanilang mga pagpipinta ay naging mga nangunguna sa abstract art. Napakalaki ng pagpipinta ng Russia kamangha-manghang mundo mga mahuhusay na artista na niluwalhati ang Russia sa kanilang mga nilikha

Ipininta nang direkta mula sa kalikasan, sa live na komunikasyon sa modelo, sa pamamagitan ng direktang pag-aaral at pagmamasid, ang isang portrait ay ang batayan ng makatotohanang sining. Ang pag-unlad ng realismo ay nagsisimula sa larawan. Sa Russia, ang larawan ay lumitaw sa ibang pagkakataon kaysa sa Europa. Russian portrait lamang sa turn ng ika-17 siglo siglo XVIII sa wakas ay nabuo sa isang malayang genre.

Kahanga-hangang mabilis na binuo ang larawang Ruso - mula sa mga parsun ng huling bahagi ng ika-17 siglo hanggang sa mga larawan ng Rokotov, Shubin, Levitsky, Borovikovsky noong ika-18 siglo, na maaaring marapat na mailagay sa isang par sa pinakamahusay na mga halimbawa ng kontemporaryong European portrait art. Ang hindi pangkaraniwang mabilis at mabungang pag-unlad na ito ay ipinaliwanag sa isang malaking lawak ng katotohanan na ang mga artistang Ruso ay kilala ng mabuti ang mga panginoon sa Kanluran, natutunan mula sa kanila, hindi kailanman bulag na ginagaya ang mga ito, na pinapanatili ang kanilang pambansang pagkakakilanlan.

Ang humanismo, espesyal na atensyon sa mga tao at init ay bumubuo ng isa sa mga pangunahing tampok ng Russian portrait art. Ang Russian Enlightenment, na bumuo ng isang mataas na ideya ng halaga ng tao, ay nagkaroon ng isang mahusay at mabungang impluwensya sa portrait art. Matagumpay itong nabuo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, na umabot sa tuktok nito sa mga larawan ni Bryullov, na kapansin-pansin sa emosyonalidad ng mga imahe at kagandahan ng plastik na anyo.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang kasagsagan ng makatotohanang portrait art ng Russia. Malinaw na sinasalamin nito ang isang bagong ideya ng halaga ng tao, na ang mga aktibidad at malikhaing kapangyarihan ay naglalayong maglingkod sa mga tao. Sa oras na ito, ang hanay ng mga modelo ay kapansin-pansing nagbago - ang mga larawan ng mga nangungunang figure ng pambansang kultura ay nangingibabaw. Ang mga artista ay palaging napaka obhetibo na tinasa ang isang tao, ang kanyang kahalagahan sa lipunan at lugar sa buhay ng lipunang Ruso. Ngunit ang selyo ng makasaysayang panahon at ang malinaw na mga linya ng nasyonalidad ay hindi nalunod ang ningning ng mga indibidwal na katangian. Ang makatotohanang portrait art ng mga democratic artist ay mahigpit na tinutulan ang mga nilagyan ng kulay, nakakabigay-puri na mga larawan ng salon ng mga pintor ng akademiko at korte.

Noong ika-19 na siglo, walang bansa sa Europa ang may napakatalino na konstelasyon ng mga portrait artist tulad ng Russia, kung saan ang mga masters tulad ng N. Ge, V. Perov, I. Kramskoy, N. Yaroshenko, I. Repin ay nagtrabaho halos sabay-sabay. Ang mga pangalan ni V. Vasnetsov at V. Surikov ay nararapat na idagdag sa kanila. Ang mga artistang ito ang pangunahing tagalikha at tagalikha ng hindi lamang ang pinakamaliwanag katangian ng portrait natitirang mga taong Ruso, ngunit din tipikal na mga kinatawan ang mga tao mismo. Sila, at higit sa lahat sa larawan, na naunawaan ang kagandahan at espirituwal na halaga ng taong Ruso. Ang sining ng Russia ay palaging may karaniwan, pangunahing batayan ng pagkakaroon nito. At ang batayan na ito ay mataas na humanismo, nasyonalismo, na sumasaklaw sa pagpipinta ng kasaysayan at genre ng Russia at malinaw na ipinakita sa larawan. Ang larawan ng Russia ay humanga sa emosyonal na kapangyarihan nito, ang kakayahang malalim na ipahayag ang panloob na mundo ng isang tao sa lahat ng pagkakumpleto at kahalagahan nito.

Ang uso ng makatotohanan, direktang pagmuni-muni sa pagpipinta modernong buhay kasama ang mga kaibahan sa lipunan, interes at pagnanais na ipahayag ang malalim na panloob na mundo ng kaluluwa ng tao, upang ipakita ang mga etikal na halaga na may kawalang-katauhan ng burges na kaayusan sa lipunan - lahat ng ito ay nakakuha ng isang pangunahing katangian sa gawain ng mga artista ng demokratikong paaralan ng Russia ng pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo sa pagpipinta ng Russia ay isang panahon ng napakatalino na pamumulaklak ng demokratikong realismo. Ang mapagpasyang pagbabago na naganap sa panitikan at sining noong 40-60s ng ika-19 na siglo ay binubuo, una sa lahat, sa katotohanan na ang mga manunulat, makata, musikero at artista ng Russia ay bumaling sa mga tao, sa kanilang mga kaisipan at adhikain. Ang buhay ng mga tao ang naging pangunahing nilalaman ng kanilang mga gawa. Ang kinahinatnan nito ay malawakan at masinsinang pag-unlad pagpipinta ng genre na may mga tiyak na eksena mula sa buhay ng lungsod at kanayunan. Karamihan sa mga artista ng genre ay nagpraktis din ng portraiture.

Kailanman ay hindi pa nagkaroon ng ganoon karaming bilang ng mga larawan ng mga namumukod-tanging progresibong pigura ng panahon na lumitaw sa pagpipinta, at sa bawat isa sa mga larawang ito ay makikita hindi lamang ang isang matingkad na pagpapahayag ng indibidwal na hitsura ng isang manunulat o siyentipiko, musikero o artista, ngunit ang selyo ng isang makasaysayang panahon at malinaw na katangian ng nasyonalidad. Ang mga ito ay walang alinlangan na mga taong Ruso. At sa mga larawan ng mga ordinaryong tao, napansin ng mga artista ang pinakamahalaga at masiglang aspeto ng pambansang karakter.

Ang pangunahing uri ng portraiture ay naging easel portrait, ngunit halos semi-figured: ang istraktura at posisyon ng mga kamay, kahit na ang mga hindi kumukumpas, ay palaging pinahuhusay ang mga katangian ng modelo. Sa oras na ito, ang mga opisyal na seremonyal na larawan, na madalas na nakatagpo sa ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo, ay halos ganap na nawala, pati na rin ang mga ipinares na mga larawan ng kasal (na nagbukas ng posibilidad ng isang nagpapahayag na kaibahan ng mga character). Ngayon ang atensyon ng artista ay nakatuon lamang sa isang indibidwal. Bilang karagdagan, sa buong ikalawang kalahati ng siglo, walang isang solong larawan ng grupo ang nalikha, maliban sa ilang larawan ng pamilya.

Ang mga artista ng Russia, mga kinatawan ng demokratikong kultura, ay naghangad na makuha sa isang kaakit-akit na imahe ang isang maaasahang larawan ng kanilang kontemporaryo, na nakikilala sa pamamagitan ng isang nakakumbinsi na pagkakatulad.

Malinaw na nangingibabaw ang bilang ng mga larawan ng mga personalidad sa lipunan. Dito nararapat na tandaan ang mga gawain ng P.M. Si Tretyakov, na nagsimulang mangolekta ng isang koleksyon ng mga larawan ng mga kultural na figure ng Russia, ay ipinapalagay na ang koleksyon na ito ay dapat na bahagi ng pambansang gallery na kanyang binalak.

Sa pagtatapos ng 70s, ang Tretyakov Gallery, na patuloy na pinupunan, ay halos lahat ng pinakamahusay na nilikha at nilikha muli sa oras na iyon ng makatotohanang sining ng Russia.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang kasagsagan ng demokratikong sining ng Russia, na sumasalungat sa reaksyunaryong sining ng mga naghaharing uri. Russian painting na mahalaga mahalagang bahagi ang kultura ay nakakuha ng tiyak na demokratikong katangian.

Ito ay ganap na natural para sa mga demokratikong artista na bumaling sa portraiture. Sa panahon ng 60-90s, ang larawan ay nakakuha ng hindi pa naganap na kahalagahan. Naunawaan ng mga advanced na artista, tulad ng iba pang mga progresibong tauhan noong panahong iyon, ang buong kahalagahan at halaga ng personalidad ng tao, na ang mga aktibidad at malikhaing kapangyarihan ay naglalayong maglingkod sa mga tao.

Ang isang larawan sa kakanyahan nito ay hindi isang simpleng imahe ng isang tao, at sa panimula ay nagsasangkot hindi lamang sa paglipat ng panlabas, kundi pati na rin sa paglipat ng panloob, ang pagpapahayag ng mga katangian, kakanyahan, kaluluwa ng isang tao, at hindi lamang ang imahe ng kanyang hitsura, ang kanyang panlabas na pagpapakita.

Ito ay lamang sa pagliko ng ika-17 at ika-18 siglo na ang larawan ng Russia sa wakas ay nabuo bilang isang malayang genre. Karagdagang pagpasa mahabang paghatak mula sa isang tanda ng panlipunang kataasan, matagumpay na binuo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, na umabot sa tuktok nito sa mga larawan ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na kapansin-pansin sa emosyonalidad ng mga imahe at kagandahan ng plastik na anyo. Ang humanismo, ang espesyal na atensyon sa mga tao ay isa sa mga pangunahing tampok ng Russian portrait art. Salamat sa mga katangiang ito, na kinikilala ang halaga ng indibidwal, ang larawan ay tumatanggap ng partikular na malawak na pag-unlad sa sining ng Russia.

Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

artistang Ruso. Ipinanganak sa Voronezh noong Pebrero 15 (27), 1831 sa pamilya ng isang may-ari ng lupa. Nag-aral siya sa mga departamento ng matematika ng mga unibersidad ng Kyiv at St. Petersburg (1847-1850), pagkatapos ay pumasok sa Academy of Arts, kung saan siya nagtapos noong 1857. Siya ay lubhang naimpluwensyahan ng K.P. Bryullov at A.A. Ivanova. Siya ay nanirahan sa Roma at Florence (1857-1869), sa St. Petersburg, at mula 1876 - sa Ivanovsky farm sa lalawigan ng Chernigov. Isa siya sa mga nagtatag ng Association of Itinerants (1870). Marami akong portrait painting. Nagsimula siyang magtrabaho sa mga portrait habang nag-aaral pa rin sa Academy of Arts. Sa maraming taon ng pagkamalikhain, ipininta niya ang marami sa kanyang mga kontemporaryo. Ang mga ito ay kadalasang nangungunang mga cultural figure. M.E. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoy at iba pang pag-aari ni Ge ang isa sa pinakamahusay na mga portrait A.I. Herzen (1867, Tretyakov Gallery) - ang imahe ng isang rebolusyonaryo ng Russia, isang masigasig na manlalaban laban sa autokrasya at serfdom. Ngunit ang intensyon ng pintor ay hindi limitado sa paghahatid ng panlabas na pagkakahawig. Ang mukha ni Herzen, na parang inagaw mula sa takipsilim, ay sumasalamin sa kanyang mga iniisip at ang hindi matitinag na determinasyon ng isang manlalaban para sa katarungang panlipunan. Nakuha ni Ge sa larawang ito ang isang espirituwal na makasaysayang pigura, na naglalaman ng karanasan ng kanyang buong buhay, na puno ng pakikibaka at pagkabalisa.

Ang kanyang mga gawa ay naiiba sa Kramskoy sa kanilang emosyonalidad at drama. Larawan ng istoryador na si N.I. Ang Kostomarov (1870, Tretyakov Gallery) ay isinulat nang napakaganda, may ugali, sariwa, malaya. Ang self-portrait ay ipininta ilang sandali bago ang kanyang kamatayan (1892-1893, KMRI), ang mukha ng master ay iluminado ng malikhaing inspirasyon. Larawan ng N.I. Si Petrunkevich (1893) ay ipininta ng pintor sa pagtatapos ng kanyang buhay. Ang batang babae ay itinatanghal halos sa buong taas sa bukas na bintana. Siya ay nalubog sa pagbabasa. Ang kanyang mukha sa profile, ang pagkiling ng kanyang ulo, at ang kanyang postura ay nagpapahiwatig ng isang estado ng pag-iisip. Tulad ng dati, binigyang pansin ni Ge ang background. Ang pagkakatugma ng kulay ay nagpapatotoo sa hindi nagastos na kapangyarihan ng artist.

Mula noong 1880s, naging malapit na kaibigan at tagasunod si Ge ni L.N. Tolstoy. Sa pagsisikap na bigyang-diin ang nilalaman ng tao ng sermon ng ebanghelyo, lumipat si Ge sa isang mas malayang istilo ng pagsulat, nagpapatalas ng kulay at maliwanag na kaibahan sa limitasyon. Ang master ay nagpinta ng mga magagandang larawan, puno ng panloob na espirituwalidad, kabilang ang larawan ni L.N. Tolstoy sa kanyang mesa (1884). Sa larawan ng N.I. Petrunkevich laban sa background ng isang window na nakabukas sa hardin (1893; parehong mga larawan sa Tretyakov Gallery). Namatay si Ge sa sakahan ng Ivanovsky (lalawigan ng Chernigov) noong Hunyo 1 (13), 1894.

Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Ipinanganak sa Tobolsk noong Disyembre 21 o 23, 1833 (Enero 2 o 4, 1834). Siya ang iligal na anak ng lokal na tagausig, si Baron G.K. Kridener, ang apelyido na "Perov" ay ibinigay sa hinaharap na artista sa anyo ng isang palayaw ng kanyang guro sa pagbasa, isang ordinaryong sexton. Nag-aral siya sa Arzamas School of Painting (1846-1849) at sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1853-1861), kung saan ang isa sa kanyang mga tagapayo ay si S.K. Zaryanko. Lalo siyang naimpluwensyahan ng P.A. Fedotov, isang master ng magazine satirical graphics, at kabilang sa mga dayuhang masters - W. Hogarth at ang genre artist ng Düsseldorf school. Nakatira sa Moscow. Isa siya sa mga founding member ng Association of Itinerants (1870).

Ang pinakamahusay na mga portrait na gawa ng master ay nagmula sa pagliko ng 60-70s: F.M. Dostoevsky (1872, Tretyakov Gallery) A.N. Ostrovsky (1871, Tretyakov Gallery), I.S. Turgenev (1872, Museo ng Russia). Lalo na nagpapahayag si Dostoevsky, ganap na nawala sa masakit na mga pag-iisip, kinakabahan na ikinakapit ang kanyang mga kamay sa kanyang tuhod, isang imahe ng pinakamataas na talino at espirituwalidad. Ang taos-pusong genre na romansa ay nagiging simbolismo, na natatakpan ng isang malungkot na pakiramdam ng kahinaan. Mga larawan ng master (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, lahat ng mga larawan - 1872), na umaabot sa isang espirituwal na intensidad na walang uliran para sa pagpipinta ng Russia. Hindi nakakagulat na ang larawan ng F.M. Si Dostoevsky (1872) ay nararapat na itinuturing na pinakamahusay sa iconograpiya ng mahusay na manunulat.

Sa mga huling dekada ng kanyang buhay, natuklasan ng pintor ang pambihirang talento ng isang manunulat at sanaysay (mga kuwento ni Tita Marya, 1875; Under the Cross, 1881; at iba pa; pinakabagong edisyon- Mga Kuwento ng Artista, M., 1960). Noong 1871-1882, nagturo si Perov sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, kung saan kabilang sa kanyang mga estudyante ang N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Namatay si Perov sa nayon ng Kuzminki (sa mga taong iyon - malapit sa Moscow) noong Mayo 29 (Hunyo 10), 1882.

Nikolai Alexandrovich Yaroshenko (1846-1898)

Ipinanganak sa Poltava noong Disyembre 1 (13), 1846 sa isang pamilyang militar. Nagtapos siya sa Mikhailovsky Artillery Academy sa St. Petersburg (1870), nagsilbi sa Arsenal, at nagretiro noong 1892 na may ranggong major general. Nag-aral ng pagpipinta sa Drawing School of the Society for the Encouragement of Arts sa ilalim ng I.N. Kramskoy at sa Academy of Arts (1867-1874). Naglakbay nang marami - sa iba't ibang bansa Kanlurang Europa, Malapit at Gitnang Silangan, ang Ural, Volga, Caucasus at Crimea. Siya ay miyembro (mula noong 1876) at isa sa mga pinuno ng Association of Itinerants. Nanirahan pangunahin sa St. Petersburg at Kislovodsk.

Ang kanyang mga gawa ay maaaring tawaging mga portrait - tulad ng "Stoker" at "Prisoner" (1878, Tretyakov Gallery). Ang "Stoker" ay ang unang larawan ng isang manggagawa sa pagpipinta ng Russia. Ang “The Prisoner” ay isang may-katuturang imahe sa mga taon ng magulong populistang rebolusyonaryong kilusan. "Estudyante" (1880, Russian Russian Museum) isang batang babae na may mga libro ang naglalakad sa basang simento ng St. Petersburg. Sa larawang ito, ang buong panahon ng pakikibaka ng kababaihan para sa malayang espirituwal na buhay ay natagpuang ekspresyon.

Si Yaroshenko ay isang inhinyero ng militar, mataas ang pinag-aralan na may malakas na karakter. Ang Peredvizhniki artist ay nagsilbi ng mga rebolusyonaryo at demokratikong mithiin sa kanyang sining. Master ng social genre at portrait sa diwa ng "Itinerants". Ang isla ay gumawa ng isang pangalan para sa sarili nito sa mga nagpapahayag na mga larawang komposisyon nito, na umaakit sa pakikiramay para sa mundo ng mga socially outcasts. Ang isang espesyal na uri ng pagkabalisa, "konsiyensiya" na ekspresyon ay nagbibigay-buhay sa pinakamahusay na mga larawan ni Yaroshenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid.; G.I. Uspensky, 1884, Art Gallery, Yekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Russian Museum, St. Petersburg ). Namatay si Yaroshenko sa Kislovodsk noong Hunyo 25 (Hulyo 7), 1898.

Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Ipinanganak sa lalawigan ng Voronezh sa pamilya ng isang menor de edad na opisyal. Simula pagkabata, interesado na ako sa sining at panitikan. Matapos makapagtapos sa paaralan ng distrito noong 1850, nagsilbi siya bilang isang eskriba, pagkatapos bilang isang retoucher para sa isang photographer.

Noong 1857 natapos siya sa St. Petersburg at nagtrabaho sa isang photo studio. Sa taglagas ng parehong taon ay pumasok siya sa Academy of Arts.

Ang nangingibabaw na lugar ng artistikong tagumpay para sa Kramskoy ay nanatiling portraiture. Ang Kramskoy sa genre ng portrait ay inookupahan ng isang mataas, mataas na espirituwal na personalidad. Lumikha siya ng isang buong gallery ng mga larawan ng mga pangunahing pigura ng kulturang Ruso - mga larawan ng Saltykov - Shchedrin (1879, Tretyakov Gallery), N.A. Nekrasova (1877, Tretyakov Gallery), L.N. Tolstoy (1873, Tretyakov Gallery), P.M. Tretyakov (1876, Tretyakov Gallery), I.I. Shishkina (1880, Museo ng Russia), D.V. Grigorovich (1876, Tretyakov Gallery). artistikong pagpipinta ng portrait

Ang istilo ng artistikong Kramskoy ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na pagkatuyo ng protocol, monotony ng mga komposisyon at mga scheme, dahil ang larawan ay nagpapakita ng mga tampok ng pagtatrabaho bilang isang retoucher sa kanyang kabataan. Iba ang portrait ni A.G. Litovchenko (1878, Tretyakov Gallery) na may kaakit-akit na kayamanan at kagandahan ng kayumanggi at olive tone. Ang mga kolektibong gawa ng mga magsasaka ay nilikha din: "Forester" (1874, Tretyakov Gallery), "Mina Moiseev" (1882, Russian Museum), "Peasant with a Bridle" (1883, KMRI). Si Kramskoy ay paulit-ulit na bumaling sa isang anyo ng pagpipinta kung saan nagkaugnay ang dalawang genre - portraiture at pang-araw-araw na buhay. Halimbawa, ang mga gawa ng 80s: "Hindi Kilala" (1883, Tretyakov Gallery), " Hindi mapawi ang kalungkutan"(1884, Tretyakov Gallery). Ang isa sa mga tuktok ng pagkamalikhain ni Kramskoy ay ang larawan ng Nekrasov, Self-Portrait (1867, Tretyakov Gallery) at ang larawan ng agronomist na si Vyunnikov (1868, Museum ng BSSR).

Noong 1863-1868, nagturo si Kramskoy sa Drawing School ng Society for the Encouragement of Artists. Noong 1870, si Kramskoy ay naging isa sa mga tagapagtatag ng TPHV. Kapag nagpinta ng isang larawan, mas madalas na ginagamit ni Kramskoy graphic na teknolohiya(paggamit ng wort, puti at lapis). Ito ay kung paano ginawa ang mga larawan ng mga artista na si A.I. Morozova (1868), G.G. Myasoedova (1861) - Museo ng Estado ng Russia. Si Kramskoy ay isang artista ng mahusay na malikhaing ugali, isang malalim at orihinal na palaisip. Palagi siyang nakipaglaban para sa advanced na makatotohanang sining, para sa ideolohikal at demokratikong nilalaman nito. Nagtrabaho siya nang mabunga bilang isang guro (sa Drawing School of the Society for the Encouragement of the Arts, 1863-1868). Namatay si Kramskoy sa St. Petersburg noong Marso 24 (Abril 5), 1887.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

Ipinanganak sa Chuguev sa lalawigan ng Kharkov sa pamilya ng isang settler ng militar. Natanggap niya ang kanyang paunang artistikong pagsasanay sa paaralan ng mga typographer at mula sa mga lokal na artist na I.M. Bunakova at L.I. Persanova. Noong 1863 dumating siya sa St. Petersburg at nag-aral sa Drawing School ng Society for the Encouragement of Artists sa ilalim ng R.K. Sina Zhukovsky at I.N. Kramskoy, pagkatapos ay pinasok sa Academy of Arts noong 1864.

Si Repin ay isa sa mga pinakamahusay na pintor ng portrait noong panahon. Ang isang buong gallery ng mga imahe ng kanyang mga kapanahon ay nilikha niya. Sa anong husay at lakas sila ay nakunan sa kanyang mga canvases. Sa mga portrait ni Repin ang lahat ay iniisip hanggang sa huling fold, ang bawat tampok ay nagpapahayag. Si Repin ang may pinakamalaking kakayahan ng instinct ng isang artist na tumagos hanggang sa pinaka esensya sikolohikal na katangian, na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Perov, Kramskoy, at Ge, iniwan niya ang mga imahe mga sikat na manunulat, mga kompositor, mga aktor na niluwalhati ang kulturang Ruso. Sa bawat indibidwal na kaso, nakahanap siya ng iba't ibang mga komposisyon at coloristic na solusyon kung saan maaari niyang pinakahayag na ihayag ang imahe ng taong inilalarawan sa larawan. Gaano kabilis ang pagpikit ng surgeon na si Pirogov. Ang malungkot na magagandang mga mata ng artist na si Strepetova (1882, Tretyakov Gallery) ay lumilibot, at kung paano ipininta ang matalas, matalinong mukha ng artist na si Myasoedov, ang maalalahanin na Tretyakov. Isinulat niya ang "Protodeacon" (church minister 1877, Russian Russian Museum) na may walang awa na katotohanan. Isinulat nang may init ng may sakit na M.P. Mussorgsky (1881, Tretyakov Gallery), ilang araw bago ang pagkamatay ng kompositor. Ang mga larawan ng batang Gorky, ang matalinong Stasov (1883, State Russian Museum) at iba pa ay taos-pusong isinagawa ang "Autumn Bouquet" (1892, Tretyakov Gallery) ay isang larawan ng anak na babae ni Vera, kung gaano maaraw ang mukha ng anak na babae ng artista. ang mainit na anino ng isang dayami na sombrero. Sa sobrang pagmamahal, ipinakita ni Repin ang isang mukha na kaakit-akit sa kanyang kabataan, pagiging masayahin, at kalusugan. Ang kalawakan ng mga patlang, namumulaklak pa, ngunit naaantig ng dilaw ng damo, berdeng mga puno, at ang transparency ng hangin ay nagdudulot ng nakapagpapasigla sa trabaho.

Ang larawan ay hindi lamang ang nangungunang genre, kundi pati na rin ang batayan ng gawain ni Repin sa pangkalahatan. Kapag nagtatrabaho sa malalaking canvases, sistematikong bumaling siya sa mga portrait sketch upang linawin ang hitsura at katangian ng mga character. Ito ang Hunchback portrait na nauugnay sa pagpipinta na "Relihiyosong prusisyon sa lalawigan ng Kursk" (1880-1883, Tretyakov Gallery). Mula sa kuba, patuloy na binibigyang-diin ni Repin ang pagiging prosaic, ang kalat ng damit ng kuba at ang kanyang buong hitsura, ang pagiging ordinaryo ng pigura kaysa sa trahedya at kalungkutan nito.

Ang kahalagahan ng Repin sa kasaysayan ng Russian Art ay napakalaki. Ang kanyang mga larawan ay lalo na sumasalamin sa kanyang pagiging malapit sa mga dakilang masters ng nakaraan. Sa mga portrait na nakamit ni Repin pinakamataas na punto ang lakas ng larawan nito.

Nakakagulat na kaakit-akit ang mga larawan ni Repin. Lumilikha siya ng mga mapanuring uri ng katutubong, maraming perpektong larawan ng mga cultural figure, at magagandang larawang panlipunan (Baroness V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Ang mga larawan ng mga kamag-anak ng artist ay lalong makulay at taos-puso: isang buong serye ng mga pagpipinta kasama ang asawa ni Repin na si N.I. Nordman-Severovoy. Ang kanyang mga purong graphic na portrait, na isinagawa sa graphite pencil o uling, ay mahusay din (E. Duse, 1891; Princess M.K. Tenisheva, 1898; V.A. Serov, 1901). Pinatunayan din ni Repin ang kanyang sarili bilang isang natatanging guro: siya ay isang propesor-pinuno ng workshop (1894-1907) at rektor (1898-1899) ng Academy of Arts, at sa parehong oras ay nagturo sa Tenisheva's school-workshop.

Pagkatapos Rebolusyong Oktubre Noong 1917, natagpuan ng artista ang kanyang sarili na hiwalay sa Russia nang ang Finland ay nakakuha ng kalayaan; Namatay si Repin noong Setyembre 29, 1930. Noong 1937, inilathala ni Chukovsky ang isang koleksyon ng kanyang mga memoir at artikulo sa sining (Far Close), na pagkatapos ay muling nai-publish nang maraming beses.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)

Ipinanganak sa St. Petersburg sa pamilya ng kompositor na si A.N. Serova. Mula pagkabata, si V.A. Si Serov ay napapalibutan ng sining. Ang guro ay si Repin. Nagtrabaho si Serov malapit sa Repin mula sa maagang pagkabata at sa lalong madaling panahon natuklasan ang talento at kalayaan. Ipinadala siya ni Repin sa Academy of Arts sa P.P. Chistyakov. Ang batang artista ay nakakuha ng paggalang, at ang kanyang talento ay pumukaw ng paghanga. Sinulat ni Serov ang "Girl with Peaches". Ang unang pangunahing gawain ni Serov. Sa kabila ng maliit na sukat nito, ang larawan ay tila napakasimple. Ito ay nakasulat sa kulay rosas at gintong kulay. Nakatanggap siya ng parangal mula sa Moscow Society of Art Lovers para sa pagpipinta na ito. Sa susunod na taon, pininturahan ni Serov ang isang larawan ng kanyang kapatid na si Maria Simonovich at pagkatapos ay tinawag itong "Girl Illuminated by the Sun" (1888). Ang batang babae ay nakaupo sa lilim, at ang mga sinag ng araw sa umaga ay nagpapaliwanag sa pag-alis sa background.

Si Serov ay naging isang naka-istilong pintor ng portrait. Ang mga sikat na manunulat, aristokrata, aktor, artista, negosyante at maging ang mga hari ay nag-pose sa kanyang harapan. Sa pagtanda, patuloy na nagsulat si Serov ng mga kamag-anak at kaibigan: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Isinagawa ni Serov ang mga utos ng nakoronahan na Alexander III at Nicholas II. Ang Emperador ay inilalarawan sa isang simpleng dyaket ng Preobrazhensky Regiment; ang pagpipinta na ito (nasira noong 1917, ngunit napanatili sa replika ng may-akda ng parehong taon; Tretyakov Gallery) ay madalas na itinuturing na pinakamahusay na larawan ng huling Romanov. Ang master ay nagpinta ng parehong may pamagat na opisyal at negosyante. Si Serov ay nagtrabaho sa bawat larawan hanggang sa pagkahapo, kasama kumpletong dedikasyon, dahil kung ang trabaho ay nagsimula ay kanya huling trabaho. Ang impresyon ng spontaneous, light artistry ay pinahusay sa mga imahe ni Serov dahil malaya siyang nagtrabaho sa iba't ibang mga diskarte (watercolor, gouache, pastel), na pinaliit o kahit na inaalis ang pagkakaiba sa pagitan ng sketch at pagpipinta. Ang itim at puti na pagguhit ay palaging isang pantay na anyo ng pagkamalikhain para sa master (ang intrinsic na halaga ng huli ay pinagsama sa kanyang trabaho mula noong 1895, nang gumanap si Serov ng isang serye ng mga sketch ng mga hayop, na nagtatrabaho sa paglalarawan ng mga pabula ng I.A. Krylov).

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo. Si Serov ay naging marahil ang unang pintor ng portrait sa Russia, kung siya ay mas mababa sa sinuman sa bagay na ito, pagkatapos ay kay Repin lamang.

Tila siya ang pinakamahusay sa paglikha ng mga intimate, liriko na mga larawan ng mga kababaihan at mga bata (N.Ya. Derviz na may isang bata, 1888-1889; Mika Morozov, 1901; parehong mga larawan - Tretyakov Gallery) o mga larawan ng mga taong malikhain (A. Masini. , 1890; K.A Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; Ngunit kahit na mas opisyal, sekular na mga larawan ay organikong pinagsama ang banayad na kasiningan sa hindi gaanong banayad na regalo ng isang artist-psychologist. Kabilang sa mga obra maestra ng "sekular" na Serov ay si Count F.F. Sumarokov-Elston (mamaya Prince Yusupov), 1903, Russian Museum; G.L. Girshman, 1907; SA. Girshman, 1911; I.A. Morozov, 1910; Prinsesa O.K. Orlova, 1911; lahat ay naroon).

Sa mga larawan ng master sa mga taong ito, ang Art Nouveau ay ganap na nangingibabaw sa kanyang kulto ng isang malakas at nababaluktot na linya, monumental-catchy na kilos at pose (M. Gorky, 1904, A.M. Gorky Museum, Moscow; M.N. Ermolova, 1905; F.I. . Chaliapin, charcoal, chalk, 1905, parehong portrait - sa Tretyakov Gallery, tempera, charcoal, 1910, Russian Museum; Iniwan ni Serov ang isang nagpapasalamat na memorya ng kanyang sarili bilang isang guro (noong 1897-1909 nagturo siya sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, kung saan kasama sa kanyang mga estudyante si K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov- Vodkin). Namatay si Serov sa Moscow noong Nobyembre 22 (Disyembre 5), 1911.

"Maaari mo lamang pagkatiwalaan ang mga larawang iyon
Kung saan ang modelo ay halos hindi nakikita,
Ngunit ang Artist ay napakalinaw na nakikita.
Oscar Wilde.
Ang unang kalahati ng ika-19 na siglo sa buhay ng lipunang Ruso ay dramatiko sa una, ngunit romantiko din sa kalaunan. Ang mga kaganapan ng Digmaan noong 1812, ang pagkatalo ng hukbong Ruso at ang pag-agaw ng mga teritoryo ni Napoleon sa simula ng siglo, ang matagumpay na martsa sa buong Europa at ang pagsulong ng pambansang kamalayan sa sarili ay naging batayan para sa kasunod na paglitaw at pag-unlad. ng interes sa pag-unawa sa isang partikular na tao sa mahahalagang sandali ng kanyang buhay, sa kanyang panloob na mundo at mga karanasan. Medyo mas maaga, ang mga uso na ito ay lumitaw sa Europa at nagbunga ng siningromantiko,na sa Russia ay nakakuha ng sarili nitong kakaiba: sa simula ng siglo ito ay kabayanihan, nauugnay sa interes sa pambansang kultura at kasaysayan, sa mga talento sa tahanan. At ito ay humantong sa mga natitirang tagumpay sa portraiture, na direktang konektado sa artist sa lipunan at sa mga natitirang kontemporaryo.
Isa sa mga pinakasikat na portrait artist noong panahong iyon ayOrest Kiprensky (1782-1836) , sa sining na kahit isang panahonsumasalamin sa parehong mga tampok ng classicism at romanticism.

Nabuhay si Kiprensky mabagyong buhay, na mayroong lahat: pagiging ilehitimo mula sa isang serf na ina, isang imbentong apelyido, edukasyon mula sa edad na 6 sa isang paaralan sa Academy of Arts sa ilalim ng pamumuno ni Levitsky, mga singil ng pandaraya nang ang isang 22-taong-gulang na artista ay nagpakita ng isang larawan ng ang kanyang adoptive father sa Italy (doon, sa una, ang gawaing ito ay itinuturing na isang hindi kilalang obra maestra ni Rubens o Rembrandt).

Siya ay pambihirang guwapo at baliw sa pagnanasa, nagkaroon ng galit na galit na ugali at impressionability, at nakaranas ng pagtaas ng katanyagan sa Italya at Russia (kung saan siya ay tinawag na "Russian Van Dyck"). At pagkatapos ay bumaba ang lahat: ang mga alingawngaw tungkol sa pagpatay sa kanyang modelo, ang pag-ampon ng Katolisismo at isang hindi kinakailangang kasal, paglalasing, kahirapan at kamatayan na malayo sa tinubuang-bayan.

Mababasa sa kaniyang lapida sa Roma: “Bilang alaala ng Orest Kiprensky, ang pinakatanyag sa mga artistang Ruso.” (Maaari mong basahin ang higit pa tungkol sa kanyang talambuhay dito:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Isa pang natatanging pintor noong panahong iyon,Alexey Venetsianov (1780-1847) Ang pangunahing lugar sa trabaho ay inookupahan ng paglalarawan ng trabaho at buhay ng mga magsasaka, medyo na-idealize at smoothed out.

Sinimulan ni Venetsianov ang kanyang paglalakbay sa sining sa pamamagitan ng mga aralin sa pagguhit na ibinigay sa kanya ng kanyang "tiyuhin" (tutor), isang mahusay na draftsman. Sa oras na iyon, tulad ng naaalala natin, ang pangunahing genre ay ang portrait, at ang batang itinuro sa sarili, na nagpinta ng isang larawan ng kanyang ina, ay nagpasya na italaga ang kanyang sarili sa pagpipinta, pumunta sa St. Petersburg at nagtrabaho bilang isang draftsman sa departamento ng koreo.

Ang isang masayang aksidente ay naging isang mag-aaral ng Borovikovsky, unti-unti siyang nakakuha ng katanyagan at nagawang italaga ang kanyang sarili nang buo sa pagpipinta. Di-nagtagal pagkatapos ng kanyang kasal, si Venetsianov ay bumili ng isang maliit na ari-arian at ganap na inilubog ang kanyang sarili sa isang bagong direksyon para sa pagpipinta ng Russia - mga larawan at mga eksena sa genre mula sa buhay magsasaka. Kasabay nito, natuklasan niya ang pangalawang pagtawag sa kanyang sarili - upang turuan ang may kakayahang magpinta ng mga batang magsasaka, at bumili pa siya ng ilang mga serf mismo. Nagpalaki siya ng higit sa 70 may kakayahang mag-aaral sa kanyang "Venetsianov School".

"Ang maagang poetic realism ni Venetsianov, na naging isang kailangang-kailangan na yugto sa pag-unlad ng pagpipinta ng Russia, ay nagbigay-kulay din sa kanyang larawang gawa, sa gayon ay pinayaman ang buong larawan ng Russia sa panahong ito."
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Ang mga huling taon ng kanyang buhay ay mahirap: ang kanyang asawa ay namatay sa kolera, walang sapat na pera, ang kanyang mga anak na babae ay hindi makapag-asawa, maraming mga mag-aaral ang nagtaksil sa kanyang mga mithiin at nagsulat ng hindi kapani-paniwalang masasayang eksena buhay magsasaka at pinalamutian na mga larawan. Ang artista ay namatay sa isang walang katotohanan at kahila-hilakbot na paraan: ang mga kabayo sa kariton ay tumakas, at ang kanyang mga kamay ay nasalikop sa mga bato, at sa loob ng ilang kilometro ang kanyang katawan, na itinapon sa labas ng kariton, ay sinugod ito sa ibabaw ng mga bato. ( Detalyadong talambuhay Mababasa ang artist dito:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Isa pang natitirang artist ng unang kalahati ng ika-19 na sigloAlexandra Ivanova (1806-1858)

ang larawan, bilang panuntunan, ay hindi ang pangunahing bagay sa trabaho; Alalahanin ang buong bulwagan ng mga portrait na may iba't ibang laki at sketch sa Tretyakov Gallery, ipininta ng artist para sa pangunahing larawan ng kanyang buhay - "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao"? Ang ilang mga kritiko sa sining ay naniniwala na ang mga sketch ay mas malaki kaysa sa halaga ng pagpipinta mismo, na naging napakalaking (5.4 m x 7.5 m), nagbibigay-inspirasyon sa paggalang, ipininta sa loob ng 20 taon, ngunit hindi humipo sa kaluluwa, sa aking opinyon. Ngunit ang bawat sketch para dito ay maaaring ituring na isang kumpletong pagpipinta, tingnan ang ulo na ito, ito ay isang larawan ng Gogol, na may balbas lamang at mahabang kulot na buhok.

Mula sa edad na 25 hanggang sa halos katapusan ng kanyang buhay, ang artista ay nanirahan sa Italya, halos sa kahirapan at kung minsan kahit na nagugutom, nang hindi nagsisimula ng isang pamilya, kahit na siya ay may malaking pagmamahal sa magandang Italyano na si Vittoria Caldoni, na mas gusto ang kanyang kaibigan, ang artist na si Lapchenko. (Ito ay kawili-wiling isinulat tungkol dito:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

Wala siyang swerte sa mga babae. Sa loob ng halos walong taon ay nanirahan siya kasama ang ilang Teresa (may binanggit sa kanya sa kanyang sulat), palagi itong gumagawa ng mga eksena para sa kanya at nagnanakaw mula sa kanya ng higit sa isang beses. May isa pang babae na kanyang iniibig, si Kondesa Apraksina, ngunit siya ay naipakasal sa iba. Pagbalik sa Russia, si Ivanov ay nahawahan ng kolera makalipas ang isang buwan at namatay.
Ang isang espesyal na lugar sa portraiture ay inookupahan ng gawain ng isa pang Russian artist, na madalas na ipinakilala ang mga detalye ng genre sa kanyang mga portrait painting. Ito ay tungkol saPavle Fedotov (1815-1852) ,

karera militar, kapitan ng mga guwardiya, na umalis sa serbisyo at nakatuon ang kanyang sarili sa sining sa utos ni Nicholasako, na natutunan ang tungkol sa magagandang kakayahan ng “drawing officer.” At nagsimula siyang gumuhit bilang isang pintor ng labanan, naakit siya sa mga eksena ng malalaking labanan, pati na rin ang mga karikatura at karikatura ng kanyang mga kasama. cadet corps. umalis serbisyo militar Si Fedotov ay naghahanda kahit na bago ang utos ng tsar, na nakita ang kanyang trabaho at pinayuhan siya na "ilantad ang kasamaan ng buhay ng Russia at sa gayon ay mag-ambag sa pagpapabuti nito," tinawag siya dito. Alam mong lahat ang kanyang mga sikat na eksena sa genre, na kinagigiliwan ng manonood, ngunit sa mga larawan ay ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang pambihirang artista, mapagmasid at prangka.

Minsan maaari niyang lakarin ang kalahati ng lungsod sa likod ng ilang uri na gusto niya upang mas makita siyang gumagalaw, at pagkatapos ay ilarawan siya sa isa sa kanyang mga nakaplanong eksena. Namuhay siya ng napakahinhin sa kanyang maayos, minsan ay nabubuhay pa siya sa kahirapan, ngunit tinulungan niya ang kanyang pamilya - ang kanyang ama at mga kapatid na babae.

Ang pagtatapos ng kanyang maikling buhay ay kakila-kilabot - namatay siya sa isang mental hospital, sa departamento para sa marahas na mabaliw mula sa pleurisy, tanging ang kanyang tapat na ayos ang naglibing sa kanya, ang kanyang mga kaibigan ay hindi man lang naabisuhan. (Ang isang detalyadong talambuhay ay matatagpuan dito:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Isang napakatalino na pintor, isang kahanga-hangang pintor ng portrait, isang mahuhusay na monumentalista, isang mahusay na watercolorist, isang klasiko at isang romantikong - lahat ng mga epithet na ito ay hindi pagmamalabis kapag pinag-uusapan natin.artistang ito.

Ang Diyos mismo ang nag-utos sa kanya na maging isang pintor, na ipinangakong ipanganak sa pamilya ng isang artista at guro sa Academy of Arts ng St. Petersburg, si Pavel Brullo. Nasa edad na 10, pumasok siya sa Academy at nagulat ang mga guro sa kanyang talento at pamamaraan, kadalian ng pagsulat at kahusayan. Noong 1822, nagdagdag ng "v" sa kanyang apelyido, naglakbay si Bryullov at ang kanyang kapatid sa Europa sa ngalan ng Society for the Encouragement of Artists. Ang kanyang mga gawa, na isinulat sa Italya, ay isang mahusay na tagumpay at nakatanggap ng papuri ni Nicholas mismo ako . Nagpinta siya ng malaking bilang ng mga portrait sa komisyon, gamit ang iba't ibang artistikong pamamaraan at istilo mula baroque hanggang realismo, na nagpapakilala ng mga pang-araw-araw na detalye at kasangkapan.

Nang bumalik sa kanyang tinubuang-bayan bilang isang kilalang pintor, siya ay naging isang pintor ng larawan na hinihiling sa mataas na lipunan ng maraming maharlika, pulitiko, at manunulat na itinuturing na isang karangalan na magkaroon ng kanilang sariling larawan ni Bryullov.

Noong 1847, pagkatapos ng isang matinding sipon, ang rayuma ni Bryullov ay lumala at ang kanyang trabaho ay lumala dahil siya ay may kondisyon sa puso mula pagkabata sa pagpilit ng mga doktor, siya ay gumugol ng pitong buwan sa kama, ngunit nagpatuloy sa trabaho.

Sa kahilingan ng parehong mga doktor, noong 1849 lumipat si Bryullov sa isla ng Madeira, pagkatapos ay sa isang maliit na lugar malapit sa Roma, nagpinta ng ilang mga larawan, ngunit mahirap na ito para sa kanya, at noong 1852 namatay ang artista, na nag-iwan ng maraming hindi natapos na mga gawa at mga sketch sa studio. (Maaari mong basahin ang buong talambuhay dito: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Unti-unti kaming lumapit sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nang sa sining ng Russia sa pangkalahatan, at sa partikular na pagpipinta, malalaking pagbabago nauugnay sa mga pagbabago sa sitwasyon sa bansa at mood sa lipunan. "Isinilang ang pambansang makatotohanang sining, na ang gawain ay upang ipakita ang buhay ng lipunan at ng mga tao..." (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Bagaman hindi ko gusto ang gayong mga kahulugan, dahil itinuturing kong malayo ang mga ito, naniniwala ako na ang pagpipinta (at sining sa pangkalahatan) ay hindi obligado na "itakda ang sarili nito ang gawain" na sumasalamin sa anuman, ngunit hindi ito ang lugar para sa pag-uusap na ito.
Isa sa mga unang artistang Ruso na naramdaman at nagawang ihatid ang pangangailangan ng lipunan para sa pagbabago, tinawag ito sa pananaw, iginuhit ang atensyon nito sa buhay ng mga tao, "ibinunyag," gaya ng sinabi ng mga kritiko, ang kawalan ng katarungan at pang-aapi, ayVasily Perov (1834-1882) .

Ang kanyang apelyido noong una ay isang palayaw na ibinigay sa kanya ng isang guro ng gramatika para sa kanyang mahusay na "paghawak ng panulat," na kalaunan ay naging isa lamang. Siya ang iligal na anak ni Baron Kridener, na nagpalaki sa kanya sa kanyang pamilya. Ang Perov ay higit na kilala sa kanyang mga pagpipinta sa genre, ang ilan sa mga ito ay malinaw na nagsisiwalat (halimbawa, "Troika," pamilyar sa marami mula sa aklat-aralin ng Sobyet na "Native Speech"), ngunit interesado kami sa mga portrait, na marami sa mga ito ay itinuturing na mga obra maestra ng ang genre.

"Ang larawang ito ay hindi lamang ang pinakamahusay na larawan ng Perov, ngunit isa rin sa mga pinakamahusay na larawan ng paaralang Ruso sa pangkalahatan. Ang lahat ng lakas ng artist ay makikita sa kanya: karakter, kapangyarihan ng pagpapahayag, napakalaking kaginhawahan. Ganito inilarawan ni Ivan Kramskoy ang gawaing ito. Ang Perov ay nagpinta ng isang buong serye ng mga larawan ng mga manunulat at musikero ng Russia, kasama ng mga ito ang mga magagandang larawan ng Turgenev, Rubinstein, Ostrovsky.

Kahanga-hangang sinabi ng pintor na si Nesterov tungkol sa kanyang mga larawan noong panahong iyon: “...Ipinahayag sa mga makalumang kulay at simpleng disenyo, ang mga larawan ni Perov ay mabubuhay nang mahabang panahon at hindi mawawala sa uso tulad ng mga larawan ni Luke Cranach at sinaunang mga larawang eskultura.”
Ang pagkamalikhain ng mga huling taon ng kanyang maikling buhay ay itinuturing na hindi masyadong matagumpay, at ang kanyang buhay mismo ay kalunos-lunos: ang pagkamatay ng kanyang asawa, ang pagkawala ng kanyang dalawang nakatatandang anak, at pagkontrata ng pagkonsumo. Ang mahaba, malubha at walang lunas na sakit sa oras na iyon ay pinalubha ng typhoid at pneumonia, namatay ang artista sa edad na 48 at inilibing sa sementeryo ng Donskoy Monastery. (Higit pang mga detalye dito:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Isa sa mga pinakamatalino na artista noong panahong iyon, na sinubukan ang kanyang kamay sa pang-araw-araw na buhay at mga makasaysayang genre, ngunit naging sikat higit sa lahat salamat sa mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo, ayIvan Kramskoy (1837-1887).


Ang kanyang buong buhay ay isang kumpletong kontradiksyon: siya ay isang akademiko at sa parehong oras ay isang manlalaban laban sa akademya, ay isang masigasig na tagahanga ng Chernyshevsky, ngunit nagpinta ng mga larawan ng mga miyembro. maharlikang pamilya. Ang pagiging tanyag sa kanyang birtuoso na pagpipinta ng mga larawan, ang artist, gayunpaman, ay itinuturing na ang ganitong uri ng pagpipinta ay isang pasanin, isang tungkulin, "hindi isang tunay na sining", na ginagawang posible upang suportahan ang kanyang pamilya, ngunit nakakagambala sa kanya mula sa kung ano siya. nais gawin - "ang paghahanap para sa layunin ng pagkakaroon ng tao at ang solusyon ng mga problema sa sosyo-politikal sa pamamagitan ng pagpipinta."

At kami, mga inapo, ay mapalad na upang mapanatili ang pamantayan ng pamumuhay ng pamilya, ang artista ay kailangang tumanggap ng mga order para sa isang malaking bilang ng mga larawan, salamat sa kung saan mayroon kaming pagkakataon na makita ang mga mukha ng marami. mga natatanging tao ng panahong iyon.

Nakilala ni Kramskoy ang kanyang magiging asawa noong siya ay 22 taong gulang, siya ang pinananatiling babae ng isang maliit na kilalang artista, at nang siya ay pumunta sa ibang bansa, siya ay naging asawa ni Kramskoy, nanganak sa kanya ng 6 na anak, dalawa sa kanila ang nakaligtas, at naging katulong niya at suporta hindi lamang sa pang-araw-araw na buhay, kundi pati na rin sa mga aktibidad ng "Artel of Artists" na pinamumunuan ng kanyang asawa.

Ang mga huling taon ng buhay ng artista ay natatakpan ng walang katapusang paghahangad ng kita, sapilitang, nakababagot na trabaho sa mga larawan upang mag-order, ang imposibilidad ng pagnanais na italaga ang kanyang sarili sa iba pang mga paksa, mahinang kalusugan at sakit sa puso, na sinubukan niyang sugpuin ng morphine. Namatay siya bago siya 50 taong gulang habang nagtatrabaho sa isa pa ang huling larawan(Doctor Rauchfus) mula sa isang ruptured aortic aneurysm, imposibleng matulungan siya.
At tungkol sa isa pang pintor ng Pranses na pinagmulan at isang hindi pangkaraniwang zigzag na kapalaran,Nicolae Ge (bakla) (1831-1894) ,

na nagsimula sa kanyang trabaho mga kuwento ng ebanghelyo, na unang sumikat sa kanyang mga ipininta noong makasaysayang paksa, na, kasama si Myasoedov, ay naging aktibong bahagi sa paglikha ng Association of Travelling Exhibitions, pumunta sa ilang upang magsasaka, naging kaibigan ni Leo Tolstoy at nag-iwan sa amin ng mga larawan ng marami sa kanyang mga dakilang kapanahon. Kawili-wiling katotohanan mga talambuhay: Nakilala ni Ge si Herzen sa Italya,

pininturahan ang kanyang kahanga-hangang larawan, at naihatid ito sa Russia sa ilalim lamang ng pagkukunwari ng propetang si Moises, dahil si Herzen ay nanirahan sa pagkatapon at ang larawan ng "rebeldeng ito" ay maaaring sirain ng mga gendarme sa hangganan. Mula noong 1880s, si Ge ay naging hindi lamang isang tagasunod ni Leo Tolstoy, kundi pati na rin ang kanyang kaibigan,

ay nakakaranas ng isang espirituwal na muling pagsilang, ipinapahayag na ang isang tao ay dapat mamuhay lamang sa pamamagitan ng tapat na gawain, at "ang sining ay hindi maaaring ipagpalit." Sa pagtatapos ng kanyang buhay ang artista ay abala sa tema mga huling araw Kristo. Ang sabi niya: “Aaligin ko ang lahat ng kanilang utak sa pagdurusa ni Kristo.” Ngunit ang kanyang bagong istilo, na inaasahan ang pagdating ng ekspresyonismo, ay hindi tinanggap ng publiko at mga kritiko. Ang kanyang biglaang pagkamatay sa edad na 63 ay naantala ang kanyang paghahanap para sa mga bagong paraan ng pagpapahayag;ika-19 na siglo hanggang sa masakit na aesthetics ng susunod na siglo." (Anna kahapon.