Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Mga pagbabago sa pang-araw-araw na buhay at ang epekto nito sa sining at sining. Mga tampok ng dekorasyon at palamuti artistikong istilo Baroque, Rococo, Klasisismo.

Paggawa ng pilak at ginto: St. Petersburg school, Moscow craftsmen at manufactories, niello silver ng Veliky Ustyug. Mga bagong uri ng pagkaing gawa sa mamahaling at non-ferrous na mga metal: mga teapot, kaldero ng kape, bouillottes, samovar. Mga kagamitan sa bahay at simbahan. Regalia ng estado. Mga order at medalya. Mga enamel. Enamel artists A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

Ang paglitaw ng porselana ng Russia. D.I.Vinogradov. Mga pabrika ng imperyal at pribadong porselana. Majolica, faience. Sining na salamin. Mga pandekorasyon na tela at tapiserya. Bago sa damit. Gabinete at uri-setting kasangkapan. Marquetry. Pag-ukit ng kahoy sa loob ng sibil at simbahan. Mga tauhan. Pandekorasyon na bato. Cameos.

Masining na katutubong sining. Inukit at nakatanim sa ilalim ng Gorodets. Pag-ukit ng buto Kholmogory. Gintong pagbuburda ng lalawigan ng Tver. Lace ng Galich at Vologda. Mga keramika ng Gzhel.

Musika at teatro noong ika-18 siglo

Polyphonic pag-awit ng koro. Mga gilid. Instrumental na musika at mga orkestra. Sining ng Opera. Ballet. Musika sa korte, lungsod at buhay magsasaka. Ang paglitaw ng isang pambansang paaralan ng kompositor. E.I.Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S.Berezovsky. A.O. Kozlovsky.

Mga pagtatangka na lumikha ng isang naa-access na pampublikong teatro sa ilalim ng Peter the Great. Mga amateur na pagtatanghal sa korte. Mga sinehan sa paaralan sa espirituwal at sekular institusyong pang-edukasyon. Mga propesyonal na tropa ng mga dayuhang aktor.

Drama ng klasiko ng Russia: mga trahedya at komedya. Ang impluwensya ng sentimentalismo sa theatrical repertoire. Ang paglitaw ng drama at komiks opera sa entablado ng Russia. Si A.P. Sumarokov ay isang playwright at theater figure. Tagalikha ng Ruso propesyonal na teatro, aktor at direktor na si F.G. Volkov. Ang kanyang kaibigan at tagasunod na si I.A. Dmitrevsky. Mass theatrical performances.

Teatro ng kuta. Troupe ng Count P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova at iba pang mga artista. Palace Theatre sa Ostankino. People's Theatre.

MGA daglat para sa mga pangalan ng mga pangunahing koleksyon ng museo na binanggit sa listahan ng mga kultural na monumento.

BAN - Aklatan Russian Academy Mga Agham (St. Petersburg)

VMDPNI - All-Russian Museum of Decorative and Applied Arts katutubong sining(Lungsod ng Moscow)

State Historical Museum - Estado Museo ng Kasaysayan(Lungsod ng Moscow)

HMGS - State Museum of Urban Sculpture (St. Petersburg)

GMMK - Mga Museo ng Estado ng Moscow Kremlin (Moscow)

GNIMA - State Scientific Research Museum of Architecture (Moscow)

GOP - State Armory Chamber (Moscow)

State Russian Museum - State Russian Museum (St. Petersburg)

Tretyakov Gallery - Estado Tretyakov Gallery(Lungsod ng Moscow)

GE - Museo ng Hermitage ng Estado(Saint Petersburg)

ZIKHMZ - dating Zagorsk (ngayon Sergiev-Posad) makasaysayang- Museo ng Sining-reserba (Sergiev Posad, rehiyon ng Moscow)

MIFA - Museo ng Historical Treasures ng Ukraine (Kiev)

MPIB - Museo ng Applied Art at Buhay ng ika-17 Siglo "Ang Katedral ng Labindalawang Apostol at ang Patriarchal Chambers sa Moscow Kremlin" (Moscow)

GPS - Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)

NGP - Novgorod Faceted Chamber (Novgorod)

SHM - Samara Art Museum (Samara)

MGA MONUMENTO NG KULTURANG RUSSIAN

SEKSYON I. KASAYSAYAN NG KULTURANG RUSSIAN NOONG SINAINA AT MIDDLE AGES

(HANGGANG SA PAGKATAPOS NG 17TH CENTURY)

ARKITEKTURANG KAHOY NG BAYAN

MGA GUSALI NG KULTO

1. Mga simbahan ng Kletsky: Simbahan ni Lazarus mula sa Murom Monastery (14-16 na siglo) - Kizhi Nature Reserve; Church of the Deposition of the Robe mula sa nayon ng Borodavy (ika-15 siglo) - Kirillo-Belozersky Museum-Reserve; Church of the Transfiguration mula sa nayon ng Spas-Vezhi (ika-17 siglo) - Kostroma Museum-Reserve; St. Nicholas Church mula sa nayon ng Tukholya (ika-17 siglo) - Novgorod Museum-Reserve "Vitoslavlitsy"; Chapel of Michael the Archangel mula sa nayon ng Lelikozero (ika-18 siglo) - Kizhi Museum-Reserve; Simbahan ng St. Nicholas mula sa nayon ng Glotova (ika-18 siglo) - Suzdal Museum-Reserve.

2. Mga simbahan sa tolda: St. Nicholas Church sa nayon ng Lyavlya (ika-16 na siglo); Simbahan ng St. George mula sa nayon ng Vershina (ika-17 siglo) - Arkhangelsk Museum-Reserve "Malye Korely"; Resurrection Church mula sa nayon ng Patakino (ika-18 siglo) - Suzdal Museum-Reserve; Church of the Assumption (ika-18 siglo) sa lungsod ng Kondopoga.

Bilang bahagi ng pagdiriwang ng ika-35 anibersaryo, ang All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Arts ay nagbubukas ng isang updated na permanenteng eksibisyon na "Decorative and Applied Arts" Russia XVIII- unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo."

"Hinamon ni Peter the Great ang Russia, at sinagot siya ni Pushkin," - catchphrase A. N. Herzen pinakatumpak na tinukoy ang kahulugan at mga hangganan ng panahon kung saan ang eksibisyon ng mga bulwagan na ito ay nakatuon. Ang mga bagay na ipinakita dito ay mga buhay na milestone na minarkahan ang pagbuo at pag-usbong ng Pambansang kultura sa dibdib ng European kultural na tradisyon Bagong panahon. Nakukuha nila ang mga pagbabago sa paraan ng pamumuhay at artistikong mga alituntunin, ang pagbabago ng luma at ang paglitaw ng mga bagong anyo ng paksa, mga diskarte at maging ang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang disenyo ng bagong eksibisyon ay nakabatay sa prinsipyo ng pagpapakita ng mga eksibit bilang mga natatanging artistikong bagay, na pinagsama sa pampakay, pangkakanyahan at typological na mga bloke. Ginagawang posible ng solusyon na ito na suriin ang kahalagahan ng bawat item mula sa punto ng view ng oras, estilo, pag-unlad ng isang partikular na uri ng pandekorasyon at inilapat na sining, at nakatuon ang pansin sa artistikong intrinsic na halaga nito.

Ang senaryo ng inspeksyon ay itinayo batay sa spatial na solusyon ng eksibisyon, hindi lamang makabuluhan (sa mga tuntunin ng tipolohiya, tema, istilo at kronolohiya), kundi pati na rin sa biswal - mula sa panahon ni Peter the Great hanggang Biedermeier.

Terrina (tureen) na may takip 1795

Ang mga pangunahing tema ng bagong eksibisyon: "The Age of Change: the turn of the 17th - 18th century", na katabi ng tinatawag na "primitives of the 18th century", na isinalin ang mga katotohanan ng modernong panahon sa mga anyo tradisyonal na sining; "Classic Russian XVIII siglo", na kumakatawan sa panahon mula kay Peter hanggang Paul sa mataas na mga halimbawa ng sining ng korte, pati na rin ang "Russian Empire" at "In the Rooms", na nagpapakita ng dalawang aspeto ng kulturang Ruso sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo - ang napakatalino na istilo ng imperyal. at ang pagbuo ng isang kultura ng pribadong buhay, na nauugnay sa kababalaghan ng German Biedermeier Kasabay nito, pinapayagan ka ng eksibisyon na tingnan ang mga gawa sa karaniwang hilera - ayon sa uri ng sining, pag-highlight ng mga kasangkapan, sining metal, salamin, porselana, keramika, sining ng pagputol ng bato, buto at kuwintas.

Ang mga kakaibang bagay sa simbahan gaya ng Reliquary Cross at Panagia, na itinayo noong ika-17 siglo, ay nararapat na espesyal na pansin. Ginawa ang mga ito gamit ang isang pamamaraan na mahal noong panahong iyon - filigree enamel. Kabilang sa mga pinakaunang eksibit ay ang mga chest na may mga metal na frame at dekorasyong trim, inkwells, Ural brass utensils mula noong ika-17 siglo - maagang XVIII siglo. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng ceremonial representative metal tableware para sa table setting ay ang mga brass mug mula sa Demidov plant sa Urals.

Ang mga item sa paghahatid ng mesa at mga item sa tray ay ginawa gamit ang iba't ibang mga diskarte. Halimbawa, ang dalawang baso, madilim na asul na goblet na may mga monogram na "EML" at "WGS", na ginawa ng Imperial Glass Factory, ay isang bihirang halimbawa ng mga produktong pininturahan mula sa huling bahagi ng ika-18 - maagang XIX siglo. Ang mga Latin na monogram sa mga tasa ay kabilang sa Swedish envoy sa Russia noong 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - at ang kanyang ina na si Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Ang mga tasa ay itinago nang higit sa dalawang siglo sa Skarhult Castle, Skåne (Sweden), bilang isang kayamanan ng pamilya.

Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga natatanging halimbawa ng mga kasangkapan sa palasyo ng Russia noong ika-18 hanggang ika-19 na siglo, kung saan ang mga chess at card table na ginawa gamit ang marquetry technique ay partikular na interesado. Kabilang sa mga eksibit ay mga kasangkapang tipikal ng una kalahati ng ika-19 na siglo mga siglo, dalawang slide ng bihirang kalidad sa istilong "Jacob" ay nakakaakit ng pansin. Dalawang upuan na dinisenyo ni Osip Ivanovich Bove ay nabibilang din sa parehong oras. Ang interes ay din ang mantel clock na "Minin at Pozharsky" na ginawa ng Parisian bronzer na si Pierre-Philippe Thomire at, na nagpaparami sa isang panloob na format, sikat na monumento Ivan Martos nakatayo sa Red Square.

Bove I.O. Armchair Unang quarter ng ika-19 na siglo

Ang isang espesyal na lugar sa eksibisyon ay inookupahan ng tapestry na "The Rescue of Fishermen", na ginawa sa Flanders sa isang hindi kilalang workshop sa ikalawang kalahati ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Pumasok siya sa VMDPNI noong 1999 kasama ang koleksyon ng Museum of Folk Art na pinangalanan. S. T. Morozova. Ang tema ng tapestry ay hiniram mula sa Bibliya: sa gitna ng komposisyon ay inilalarawan ang isa sa mga himala - "Naglalakad sa Tubig". Ang trellis ay naibalik sa maraming yugto - ito ay bahagyang naibalik ng mga espesyalista mula sa Museum of Folk Art. S. T. Morozov, at na noong 2014, ang kumpletong pagpapanumbalik ay nakumpleto ng mga dalubhasang restorer All-Russian Museum pandekorasyon, inilapat at katutubong sining. Kaya, natagpuan ang trellis bagong buhay at ipapakita sa eksibisyon sa unang pagkakataon.

Ang kaukulang mga pampakay na seksyon ay nagpapakita ng mga kagamitan sa pag-iilaw na gawa sa salamin at kristal, mga panloob na bagay na gawa sa porselana at tanso mula sa huling bahagi ng ika-18-19 na siglo. Ang bawat eksibit ay isang sanggunian na halimbawa ng isang partikular na istilo, na kumukuha ng diwa ng panahon nito at kumakatawan sa mga posibilidad ng artistikong at teknikal na kasanayan.

Ang ganitong spatial na solusyon para sa eksibisyon ay magpapahintulot sa museo na ayusin ang mga ekskursiyon at mga espesyal na programa sa pinaka-epektibo at kawili-wiling paraan. Ang pinakakawili-wili at makabuluhang mga eksibit ay ipapakita ng mga pinahabang anotasyon, pati na rin ang suporta sa mga QR code, salamat sa kung saan ang mga bisita ay makakakuha ng mas detalyadong impormasyon. Ang eksposisyon ay nilagyan makabagong sistema kagamitan sa pag-iilaw. Salamat sa mataas na interaktibidad nito, nangangako ang bagong eksibisyon na magiging mas masigla at kawili-wili, gayundin ang pagsulong ng malikhaing pag-uusap sa mga bisita, lalo na sa mga bata at kabataan.

Na-update na eksibisyon

"Pandekorasyon at inilapat na sining ng Russia noong ika-18 - unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo"

Bilang bahagi ng pagdiriwang ng ika-35 anibersaryo nito, binuksan ng All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Arts ang isang na-update na permanenteng eksibisyon na "Decorative and Applied Art of Russia noong ika-18 - Unang Ikatlo ng 19th Century."

"Hinamon ni Peter the Great ang Russia, at sinagot siya ni Pushkin," ang catchphrase ni A.N. Pinakatumpak na tinukoy ni Herzen ang kahulugan at mga hangganan ng panahon kung saan nakatuon ang eksibisyon ng mga bulwagan na ito. Ang mga bagay na ipinakita dito ay mga buhay na milestone na minarkahan ang pagbuo at pag-unlad ng kulturang Ruso sa dibdib ng tradisyon ng kulturang European ng Bagong Panahon. Nakukuha nila ang mga pagbabago sa paraan ng pamumuhay at artistikong mga alituntunin, ang pagbabago ng luma at ang paglitaw ng mga bagong anyo ng paksa, mga diskarte at maging ang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang disenyo ng bagong eksibisyon ay nakabatay sa prinsipyo ng pagpapakita ng mga eksibit bilang mga natatanging artistikong bagay, na pinagsama sa pampakay, pangkakanyahan at typological na mga bloke. Ginagawang posible ng solusyon na ito na suriin ang kahalagahan ng bawat item mula sa punto ng view ng oras, estilo, pag-unlad ng isang partikular na uri ng pandekorasyon at inilapat na sining, at nakatuon ang pansin sa artistikong intrinsic na halaga nito.

Ang senaryo ng inspeksyon ay itinayo batay sa spatial na solusyon ng eksibisyon, hindi lamang makabuluhan (sa mga tuntunin ng tipolohiya, tema, istilo at kronolohiya), kundi pati na rin sa biswal - mula sa panahon ni Peter the Great hanggang Biedermeier.

Ang mga pangunahing tema ng bagong eksibisyon ay: "The Age of Change: the turn of the 17th-18th century," na kinabibilangan ng tinatawag na "primitives of the 18th century," na isinalin ang mga katotohanan ng modernong panahon sa mga anyo ng tradisyonal na sining; Ang "Classics of the Russian 18th century", na kumakatawan sa panahon mula kay Peter hanggang Paul sa mataas na mga halimbawa ng court art, pati na rin ang "Russian Empire" at "In the rooms", na nagpapakita ng dalawang aspeto ng kulturang Ruso sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 siglo - ang napakatalino na istilo ng imperyal at ang pagbuo ng isang kultura ng pribadong buhay, na nauugnay sa kababalaghan ng German Biedermeier. Kasabay nito, pinapayagan ka ng eksibisyon na tingnan ang mga gawa sa karaniwang hanay - ayon sa uri ng sining, pag-highlight ng mga kasangkapan, masining na metal, salamin, porselana, keramika, sining ng pagputol ng bato, buto at kuwintas.

Ang mga kakaibang bagay sa simbahan gaya ng Reliquary Cross at Panagia, na itinayo noong ika-17 siglo, ay nararapat na espesyal na pansin. Ginawa ang mga ito gamit ang isang pamamaraan na mahal noong panahong iyon - filigree enamel. Kabilang sa mga pinakaunang eksibit ay ang mga chest na may mga metal na frame at dekorasyong trim, inkwells, at Ural brass na kagamitan noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng ceremonial representative metal tableware para sa table setting ay ang mga brass mug mula sa Demidov plant sa Urals.

Ang mga item sa paghahatid ng mesa at mga item sa tray ay ginawa gamit ang iba't ibang mga diskarte. Halimbawa, ang dalawang baso, madilim na asul na goblet na may mga monogram na "EML" at "WGS", na ginawa ng Imperial Glass Factory, ay isang bihirang halimbawa ng mga produktong pininturahan mula sa huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ang Latin monograms sa mga tasa ay nabibilang sa Swedish envoy sa Russia noong 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - at ang kanyang ina na si Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Ang mga tasa ay itinago nang higit sa dalawang siglo sa Skarhult Castle, Skåne (Sweden), bilang isang kayamanan ng pamilya.

Sa eksibisyon maaari mong makita ang mga natatanging halimbawa ng mga kasangkapan sa palasyo ng Russia noong ika-18-19 na siglo, kung saan ang mga talahanayan ng chess at card na ginawa gamit ang marquetry technique ay partikular na interes. Kabilang sa mga eksibit ng muwebles na tipikal sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kapansin-pansin ang dalawang cabinet na may bihirang kalidad sa istilong Jacobean. Dalawang upuan na dinisenyo ni Osip Ivanovich Bove ay nabibilang din sa parehong oras. Ang interes ay din ang mantel clock na "Minin at Pozharsky" na ginawa ng Parisian bronzer na si Pierre-Philippe Thomire at, na muling ginawa sa isang panloob na format, ang sikat na monumento kay Ivan Martos na nakatayo sa Red Square.

Ang isang espesyal na lugar sa eksibisyon ay inookupahan ng tapestry na "The Rescue of Fishermen", na ginawa sa Flanders sa isang hindi kilalang workshop sa ikalawang kalahati ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Pumasok siya sa VMDPNI noong 1999 kasama ang koleksyon ng Museum of Folk Art na pinangalanan. S.T. Morozova. Ang tema ng tapestry ay hiniram mula sa Bibliya: sa gitna ng komposisyon ay inilalarawan ang isa sa mga himala - "Naglalakad sa Tubig". Ang trellis ay naibalik sa maraming yugto - ito ay bahagyang naibalik ng mga espesyalista mula sa Museum of Folk Art. S.T. Morozov, at na noong 2014, ang isang kumpletong pagpapanumbalik ay nakumpleto ng mga dalubhasang restorer ng All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Arts. Kaya, ang trellis ay nakahanap ng bagong buhay at ipapakita sa eksibisyon sa unang pagkakataon.

Ang kaukulang mga pampakay na seksyon ay nagpapakita ng mga kagamitan sa pag-iilaw na gawa sa salamin at kristal, mga panloob na bagay na gawa sa porselana at tanso mula sa huling bahagi ng ika-18-19 na siglo. Ang bawat eksibit ay isang sanggunian na halimbawa ng isang partikular na istilo, na kumukuha ng diwa ng panahon nito at kumakatawan sa mga posibilidad ng artistikong at teknikal na kasanayan.

Ang ganitong spatial na solusyon para sa eksibisyon ay nagpapahintulot sa museo na ayusin ang mga ekskursiyon at mga espesyal na programa sa pinaka-epektibo at kawili-wiling paraan. Ang pinakakawili-wili at makabuluhang mga eksibit ay ipapakita ng mga pinahabang anotasyon, pati na rin ang suporta sa mga QR code, salamat sa kung saan ang mga bisita ay makakakuha ng mas detalyadong impormasyon. Ang eksposisyon ay nilagyan ng modernong sistema ng kagamitan sa pag-iilaw. Salamat sa mataas na interaktibidad nito, nangangako ang bagong eksibisyon na magiging mas masigla at kawili-wili, gayundin ang pagsulong ng malikhaing pag-uusap sa mga bisita, lalo na sa mga bata at kabataan.

Mahalagang lugar sa kultura XVIII V. inookupahan ng pandekorasyon at inilapat na sining. Ang panloob na disenyo sa istilong Rococo ay ginawang magaan ang espasyo, ang mga dingding ay tila manipis, nakatago sa likod ng mga pandekorasyon na panel at mga salamin na sumasalamin sa isa't isa, at ang mga screen ay may mahalagang papel. Nagiging elegante ang muwebles, tila marupok, at may kakaibang hugis. SA scheme ng kulay Ang wallpaper at muwebles ay pinangungunahan ng mga kulay pastel.

Ang silid ay dapat na magbigay ng impresyon ng isang boudoir (isang silid na inilaan para sa komunikasyon lamang sa mga malapit na tao).

Ang mga interior ng Rococo ay madalas na kinukumpleto ng alinman sa mga tunay na produktong Tsino: mga screen, porselana, pagpipinta ng lacquer, o mga komposisyong pampalamuti na inilarawan sa pangkinaugalian bilang pagpipinta ng Tsino.

Mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Sa pag-unlad ng neoclassicism, ang panloob na disenyo ay naging simple at medyo mahigpit. Kung ang mga interior ng Pranses ay isang halimbawa ng Rococo, kung gayon ang mga Ingles ay isang halimbawa ng Neoclassicism. Ang mga interior ng arkitekto ng Ingles ay naging lalong sikat Robert Adam(1728-1792). Kapag lumilikha ng mga manor house, pinalamutian sila ng artist ng mga haligi, pilaster, at eskultura. Ang istilong ito ay tinawag na "estilo ni Adan". Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan at kagandahan nito, na kung minsan ay may kasamang mga tunay na antigong bagay.

Sa mga damit at hairstyle noong ika-18 siglo. ang isang pagbabago sa mga estilo ay ipinahayag din. Sa panahon ng Louis XV, ang hitsura ng isang tao ay naging isang gawa ng sining: ang mga banyo ng maharlika ay detalyado at sopistikado, kamangha-manghang mga hairstyles (mga peluka ay naging uso), ang mga itim na spot sa isang pulbos na mukha ay naging espesyal na wika sa isang love dialogue. "Ang isang babae, na nakabihis at nagsusuklay na parang laruan, at nakasuot ng makitid na sapatos na may mataas na takong, ay kailangang humakbang nang napakaingat upang mapanatili ang balanse at hindi masira - nabuo ang ugali ng isang lumulutang na lakad at makinis na paggalaw ng minuet. Gusto nilang makita ang isang babae bilang isang mahalagang manika, isang ibon ng paraiso, o isang napakagandang bulaklak. Ang kamangha-manghang at pabagu-bagong maaliwalas na kapaligiran ng mga interior ng rocaille ay angkop sa gayong mga nilalang” (2, 45).

Ang isang suit, lalo na ang isang babae, ay nagiging isang gawa ng sining. Ang kasuutan na ito ay hindi komportable at hindi praktikal, ngunit lubhang kaakit-akit.

Ang men's suit ay kasing-elegante gaya ng pambabae, at pinili ang mga pinong shade ng pastel na kulay.

Ang pag-ibig sa lahat ng eleganteng nag-ambag sa pag-usbong ng alahas at porselana.

Ang kasagsagan ng European porcelain art ay naganap din noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. at nauugnay sa istilong Rococo. Ang pinakasikat ay ang French porcelain mula sa lungsod ng Sevres at German porcelain mula sa Meissen (Saxony). Sa kanilang mga komposisyon, ang mga master ng Meissen ay naglalarawan ng "magiting na pagdiriwang" - ang sopistikadong libangan ng mga aristokrata.

Ang Rococo ay hindi isang istilo tulad ng Gothic at Baroque, hindi ito naging malaki at holistic masining na direksyon. Ang pagkalat ng panlasa sa panahon ng Regency ay inihanda mismo ng tadhana maharlikang Pranses, na umunlad noong ika-18 siglo. sa isang bagay lamang - sa pag-aayos ng isang secured at masayang buhay. Ito ay isang walang ginagawa na buhay, na napapalibutan ng eleganteng karangyaan. Ang sining ay isang palamuti sa walang ginagawang buhay ng maharlikang Pranses.

Gampanan ang isang espesyal na papel pandekorasyon na sining(kahit gastronomy ay nakataas sa antas ng sining).

Ang pangunahing gawain ng sining ay pasayahin; ang sining mismo ay kinilala sa karangyaan, pagiging mapaglaro at pangungutya.

Ang mga salamin ay naging paboritong palamuti sa dingding; inilalagay ang mga ito sa tapat ng bawat isa, na nagbibigay ng walang katapusang bilang ng mga pagmuni-muni.

Ang pangangailangan para sa mga luxury goods ay lumikha ng buong sangay ng artistikong produksyon sa France salamat sa gawain ng mga gumagawa ng kasangkapan, weavers, modelers, jewelers at embroiderers.

Ang mga paboritong pandekorasyon na motif ng Rococo ay shell, stems at bulaklak.

Sa larangan ng dekorasyon, ang neoclassicism ay bumaling sa loob ng mga bulwagan, na nilagyan ng antigong paraan. Ang mga pagsasamantala ng hukbo ng Napoleon ay nagdala ng mga bagong pandekorasyon na motif: mga espada, mga banner. Sa panahon ng Napoleonic, naganap ang mga pagbabago sa pananamit at hairstyle. Ang fashion ay kumakalat sa lahat ng antigong: mula sa silweta at hiwa ng mga damit na nakapagpapaalaala sa mga chiton at tunika, hanggang sa malayang bumabagsak na mga maluwag na kulot. Hindi lamang mga crinoline at hoop ang nawala, kundi pati na rin ang mga diamante; ang mga inukit na bato na ginawang mga frame (hiyas) ay nauso.

Hindi tulad ng ibang anyo ng sining, musika XVIII V. Ang Baroque bilang isang istilong kilusan ay malawak pa ring kinakatawan. Ang pinakadakilang mga masters Ang panahon ng Baroque sa musika ay naging Bach at Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) ay ang pinakadakilang musikero noong ika-18 siglo, at ang kapangyarihan ng kanyang musika ay patuloy na tumataas. Ang kanyang paggawa ng komposisyon ay nakakagulat na maraming nalalaman sa kabila ng kanyang panlabas na katamtamang buhay (siya ay isang cantor - ang pinuno at konduktor ng isang koro ng simbahan). Mula pagkabata, si Bach ay lubos na relihiyoso, at sumunod sa relihiyong Protestante. Ang Repormasyon sa Alemanya ang nagpasulong ng sigasig ng Protestant chorale (choral chant). Nang matapos seremonya sa simbahan mas simple at mas mahigpit, pinalaki ng Protestantismo ang kahalagahan ng musika dito. Ang simbahan ay naging sentro ng musikal na sining, at ang organista ng simbahan ang kinatawan nito. Ang sining ng organ ay labis na laganap sa Alemanya at samakatuwid ay hindi nakakagulat na ang organ ay sinamahan ng buong buhay ni Bach. Kasama sa kanyang organ heritage ang ilang genre, kung saan ang chorale preludes at two-part polyphonic cycles ay namumukod-tangi. l fugue. Ang musika ni Bach ay nagpapahayag ng relihiyosong pagpapakumbaba, kalunos-lunos, liriko, at salpok. Kasama ng pagiging natural at pagiging simple, ang kanyang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng kadakilaan at kahalagahan. Kabilang sa mga likhang musikal ni Bach ay mayroong isang malaking bilang ng mga tunay na obra maestra na nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo.

Sa tabi ni Bach ay nakatayo ang isa pang pangunahing pigura ng musikal na Baroque - George Frideric Handel(1685-1759). Ang kanyang buhay ay ginugol sa mahusay mga lungsod sa Europa, naging mahusay siya edukasyong pangmusika. Ang unang opera na itinanghal ni Rinaldo sa London ay nagdala ng katanyagan kay Handel. Sumulat si Handel ng musika sa maraming genre, ngunit ang tuktok ng kanyang legacy ay nabuo ng mga oratorio (malaking vocal-symphonic na gawa na may nabuong plot). Pinagmulan ng pampanitikan Ang pinakatanyag na oratorio ng kompositor ay ang unang bahagi ng Bibliya - Lumang Tipan. Nanirahan si Handel sa England at mga kaganapan nito kasaysayang pampulitika, gayundin ang epikong saklaw ng mga kuwento sa Bibliya, ay hindi maaaring hindi mapukaw ang kanyang interes.

Pangunahing nailalarawan ang kompositor ng mga sibil na tema. Naghahalal mga kuwento sa Bibliya, hinahangaan ni Handel ang kapangyarihan ng mga hilig ng tao. Simbuyo ng damdamin, dinamismo, at larawan ng paghaharap ang katangian ng Baroque.

Kung ang unang kalahati ng ika-18 siglo. Sa musika, ang Baroque ay tinukoy bilang isang istilo ng musikal, pagkatapos ang ikalawang kalahati nito ay naging kasaganaan ng gawain ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan:

Gluck, Haydn, Mozart at Beethoven. Ang pinakamataas na tagumpay ng klasisismo ay nauugnay sa Vienna, ang kabisera ng malawak na Imperyong Austrian, isang lungsod na lubusang puspos ng musika.

Vienna klasikal na paaralan tumutugma sa mga mood at ideya ng Enlightenment. Sining sa musika sumasalamin sa mga espirituwal na paghahanap at magkasalungat masining na proseso ng panahon nito. Halimbawa, naimpluwensyahan ni Lessing ang gawain ni Mozart.

Ang mga prinsipyo ng klasisismo ay natagpuan ang kanilang pagpapatupad sa musika ng Enlightenment.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) pumasok sa kasaysayan ng musika bilang isang repormador ng sining ng opera, na naglatag ng pundasyon para sa isang bagong istilo ng opera. Ang mga opera na isinulat ni Gluck ay hindi karaniwan kapwa sa nilalaman at sa paraan ng pagpapahayag ng damdamin ng mga tauhan. Ang mga aktibidad ni Gluck ay naganap sa Vienna at Paris at nauugnay din sa polemics sa pilosopiya at aesthetics, kung saan ang mga tagapagturo ay kasangkot. Pinuna nila ang court opera at naniniwala na ang sinaunang teatro ay perpektong pinagsama ang musika, plastik at declamation.

Sinubukan ni Gluck na isadula ang opera, upang bigyan ito ng katotohanan at pagiging natural. Lahat pinakamahusay na mga opera Ang Gluck, simula sa Orpheus, ay eksaktong nakasulat sa mga antigong kwento, sa kanila natagpuan ang kompositor makapangyarihang mga karakter at malakas na hilig. Sa panahon ng buhay ni Gluck, ang kanyang mga opera ay nagdulot ng matinding kontrobersya, ngunit ipinakita ng panahon ang posibilidad na mabuhay ang mga prinsipyo, at hindi nagkataon na ipinatupad din ang mga ito ng iba pang mga natitirang kompositor.

Joseph Haydn(1732-1809) ay nanatiling konduktor (pinuno ng choral at orchestral chapel) sa loob ng halos tatlong dekada, at inilaan lamang ang kanyang libreng oras sa pag-compose ng musika. Kung binago ni Gluck ang opera, lumikha si Haydn ng mga perpektong symphony. Ang kanyang malikhaing landas iba't ibang pinagdaanan mga panahon ng sining, ngunit ang gawa ng kompositor ay eksaktong nauugnay sa Panahon ng Enlightenment. Naniniwala ang Enlightenment sa pag-unlad ng lipunan at tao, at ang musika ni Hayd ay nagpapahayag ng optimismo at pagnanais para sa kaligayahan. Ang mga nilikha ni Haydn ay medyo makatwiran: ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging maalalahanin at pagkakaisa, na naaayon din sa mga makatuwirang prinsipyo ng Enlightenment.

Sa kanyang mga oratorio, bumaling si Haydn sa tema ng kalikasan, ang kulto kung saan ay katangian ng tulad ng isang enlightener bilang Rousseau. Si Haydn ang naging pinakamaliwanag na kompositor ng Enlightenment.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) nagsimulang mag-compose pabalik maagang pagkabata, marami siyang nilakbay at maagang nakakuha ng katanyagan. Tulad ni Gluck, si Mozart ay naging isang mahusay na repormador ng opera, hindi lamang symphonizing ito, ngunit din sa pag-update nito. Sa pamamagitan ng pagpili ng isang dula tulad ng "Crazy Day o The Marriage of Figaro," ipinakita ni Mozart ang kanyang pangako sa mga ideyang pang-edukasyon. SA " Magic Flute"Ang kompositor ay kumakatawan sa isang uri ng utopia, malapit sa pananampalataya ng Enlightenment sa moral na pag-unlad ng sangkatauhan. Ang musika ni Mozart ay kamangha-mangha na pinagsasama ang pagiging natural at pagkakaisa, katapatan at pagiging perpekto, hindi nagkakamali na kalinawan at nanginginig na kaguluhan. Ang pinakamataas na tagumpay Ang musika ni Mozart ay naging sikat na "Requiem" - ang kanyang huling komposisyon.

Aleman kompositor na si Ludwig van Beethoven(1770-1827) ginugol ang halos buong buhay niya sa Vienna. Ang kanyang mga sinulat ay nagtataglay din ng imprint ng Enlightenment. Ang kompositor ay nakilala ang kanyang sarili nang tumpak sa mga genre ng sonata at symphony, na sa wakas ay nabuo sa panahong ito. Ang kanyang mga gawa ay nagpapakita ng pagiging maalalahanin ng buong plano at mga indibidwal na detalye, at ang kalinawan ng mga form.

Sa kanyang pinakatanyag na mga gawa, ang kabayanihan na tema, ang tema ng pakikibaka, ay kinakatawan, na nauugnay kapwa sa personalidad ng kompositor mismo at sa mga kakaibang katangian ng kanyang talambuhay: ang mga kaganapan ng Dakila rebolusyong Pranses nakaligtas siya bilang isang labing siyam na taong gulang na kabataan. Bagaman ang mga ideya ng Enlightenment ay katangian ng musika ni Beethoven, kinakatawan na niya bagong panahon, anticipating romanticism. Estilo ng musika ang kompositor ay naiiba sa sining ng iba Mga klasikong Vienna saklaw, drama, emosyonal na kapangyarihan. Ito ang "Pathétique Sonata", ang Third Symphony ("Eroic"), ang Fifth at Ninth Symphony, lalo na ang "Ode to Joy", na nagtatapos sa huli. Ang buong pamana ni Beethoven ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pag-unlad ng musika, lalo na sa pagbuo ng romantikismo.

Ang estilo ng kalagitnaan ng siglo ay nakakaapekto rin sa sining at sining. Ang mga produktong gawa sa porselana, halimbawa, ang "Sariling" serbisyo ni Elizaveta Petrovna, at iba pang mga materyales ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga curvilinear form, pati na rin ang mga rich molded ornaments, na bumalik sa disenyo sa shell at nababaluktot na mga shoots ng halaman. Ang kakaibang silweta ng mga bagay ay organikong pinagsama sa maliliwanag na kulay, isang kasaganaan ng pagtubog, at ang ningning ng mga ibabaw ng salamin, na umaayon sa maligaya na larawan ng interior.

Pagpipinta ng unang kalahati ng ika-18 siglo

Mula noong panahon ni Peter the Great, ang pagpipinta ay sumailalim sa napakalaking pagbabago. Ang sining ng easel painting na may semantiko at mga katangian ng komposisyon. Ang reverse perspective ay pinapalitan ng direkta at nauugnay na paghahatid ng lalim ng espasyo. Ang pinakamahalagang tampok ay ang paglalarawan ng figure alinsunod sa mga prinsipyo ng anatomical correctness. Ang mga bagong paraan ng pagpapadala ng volume ay umuusbong. Ang pinakamahalagang kalidad ay chiaroscuro, na pinalitan ang conventionally symbolic contour line. Ang pamamaraan ng pagpipinta ng langis mismo, kasama ang mga tiyak na katangian na mga diskarte at sistema ng mga relasyon sa kulay, ay matatag, bagaman hindi kaagad, pumapasok sa paggamit ng masining. Ang pakiramdam ng pagkakayari ay tumaas. Ang artist ay nakakakuha ng kakayahang ihatid ang mga partikular na katangian ng malambot na pelus, malupit na balahibo ng ermine, mabigat na gintong brocade at pinong puntas. SA larawan ng balangkas maaaring masubaybayan ang mga bagong prinsipyo ng pagkakaugnay ng mga numero. Ang imahe ng hubad na katawan ay bumubuo ng isang bago at ang pinakamahirap na gawain. Ang istraktura ng pagpipinta mismo ay nagiging mas ramified. Mula sa simula ng ika-18 siglo sekular na sining nililinang iba't ibang uri gawa ng easel, monumental na pagpipinta sa anyo ng mga panel at lampshades, maliit na pagsulat. Kasama sa portrait ang lahat ng kilalang uri - harap, silid, regular at kasuutan, doble at ipinares. Dalubhasa ng mga artista ang alegoriko at mga kwentong mitolohiya. Ang pagkakaroon ng mga tampok na ito, kahit na inihayag sa una sa isang form ng kompromiso, ay nagbibigay-daan sa amin na pag-usapan ang paglitaw ng isang bagong uri ng pagpipinta.

Ang mga unang hakbang patungo sa pagbuo ng isang larawan ay konektado sa mga aktibidad ng pagawaan ng pagpipinta ng Armory Chamber. Ang mga gawa na ginawa ng mga Ruso at dayuhang master ay malamang na parsuna sa kalikasan. Sa lahat ng mga pagpipilian sa typological, ang parsuna ay nagbibigay ng kagustuhan sa isang seremonyal na larawan at matatagpuan sa kapasidad na ito sa ilang mga varieties. Kabilang sa mga ito, ang "portrait-thesis" ay ang pinaka-archaic. Pinagsasama nito sa loob ng kumbensyonal na espasyo ng icon portrait na mga larawan at maraming paliwanag na inskripsiyon. Maaari din nating pag-usapan ang tungkol sa isang "apotheosis portrait". Ito ay mga portrait painting na sumisimbolo feats of arms Peter I. Ibinahagi at mga ordinaryong larawan Peter, Menshikov, Sheremetev sa buong view at nakasakay sa kabayo.

Ang espasyo ay tinatrato sa lahat ng dako sa isang napaka-stereotypical na paraan, at ang pangkalahatang pag-aayos ng mga bagay sa halip ay nagsisilbing simbolikong pagtatalaga ng mga tunay na spatial na relasyon. Ang problema ng panloob at panlabas na espasyo ay nalutas tulad ng conventionally sa mga tuntunin ng kahulugan at sukat. Ang Parsuna ay medyo umaalis sa kayamanan ng kulay na katangian ng ika-17 siglong pagpipinta ng icon. Gayunpaman, ang maselang pag-render ng dekorasyon ng mga robe at iba't ibang detalye ay nagbibigay sa mga canvases ng mas mataas na kalidad ng dekorasyon.

Ang master ay hindi pa ganap na nakakabisado ang mga bagong prinsipyo ng paghahatid ng lakas ng tunog, pinagsasama ang mariin na matambok na pininturahan na mga mukha at mga flat patterned na damit. Malaking sukat mga canvases, ang kanilang kahanga-hangang espiritu, ang kayamanan ng mga kasangkapan at ang mga hiyas na ipinapakita ay nilayon upang ilarawan kahalagahang panlipunan inilalarawan. Ang imahe ay nagsasarili, ito ay nakatuon sa sarili at walang malasakit sa iba. Ang pagpipinta, na hindi pa matured upang ihatid ang indibidwal, sa sarili nitong paraan ay sumusubok na mapansin ang mga tampok na likas sa isang naibigay na karakter. Gayunpaman, ang pangkalahatan at ang indibidwal ay hindi pa pinagsama sa organic na pagkakaisa, at ang mga partikular na katangian ay halos hindi lumilitaw sa ilalim ng pinagsamang typifying mask.

Ang linya ng Parsuna, na umiral nang medyo maikling panahon, pangunahin noong 80s at lalo na noong 90s ng ika-17 siglo, pagkatapos ay nakatagpo ng napakalakas na daloy ng mga gawa ng mga dayuhan at retiradong artista, na halos pumalit dito. Kasabay nito, hindi dapat isipin ng isa na ito ay naging isang hindi sinasadyang yugto sa pangkalahatang proseso ng pagbuo ng larawang Ruso. Ang pagkakaroon ng itinulak pabalik mula sa mga pangunahing posisyon nito, ang Parsuna ay patuloy na umiral. Bilang karagdagan, ang mga tampok nito ay lumitaw sa gawain ng isang bilang ng mga advanced na artist bilang katibayan ng hindi kumpletong paglipat mula sa medieval na pagsulat sa isang bagong paraan. Sa kapasidad na ito ay matatagpuan ito sa mga gawa ng I. Nikitin, I. Vishnyakov at A. Antropov.

Ang mga bakas ng parsunismo ay matatagpuan din sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, lalo na sa mga gawa ng mga serf o mga artista ng probinsiya na nakapag-iisa na dumating sa bagong sining, bilang panuntunan, simula sa pagpipinta ng icon. Tandaan natin na ang parsunismo bilang isang artistikong kababalaghan ay umiiral hindi lamang sa paaralang Ruso, kundi pati na rin sa Ukraine at Poland. Ito ay matatagpuan din sa Bulgaria, Yugoslavia at maging sa mga bansa sa Gitnang Silangan, iyon ay, kung saan ang pagpipinta, sa isang katulad na makasaysayang sitwasyon, ay nakakaranas ng isang panimula na katulad na pagpapakilala sa sining ng modernong panahon at sekular na sining.