Pag-unlad ng mga paunang teknikal na kasanayan sa klase ng akurdyon. Mga tampok na katangian ng mga pangunahing stroke at pamamaraan ng pagpapatupad
Mga tradisyon at pananaw sining ng pagganap
sa pindutan ng akurdyon.
Ostrikov S.A.
Ostrikova M.M.
SA institusyong pang-edukasyon, kung saan ang mga departamento ay aktibong gumagana mga instrumentong bayan, mayroong isang pagtaas ng pangangailangan upang pag-aralan ang kasaysayan ng pag-unlad ng akurdyon instrumental pagkamalikhain, matukoy ang kasalukuyan at hulaan ang hinaharap.
Ang layunin ng artikulo ay isaalang-alang ang mga isyung nauugnay sa papel at lugar ng button accordion sa musical instrumental creativity.
Sa simula ng ikadalawampu siglo, ang mga instrumentong katutubong Ruso, kabilang ang harmonica, ay masinsinang binuo at sumailalim sa mga makabuluhang pagpapabuti sa kanilang mga disenyo.
Si Imkhanitsky M.I. sa kanyang aklat-aralin ay nagsasaad na "ang terminong "harmonica" ay isang pangkalahatang konsepto para sa buong klase ng self-sounding wind instruments (self-sounding aerophones)." Ang tunog ng mga instrumentong ito ay muling ginawa ng isang malayang gumagalaw na metal na tambo (boses), na nanginginig sa ilalim ng impluwensya ng isang daloy ng hangin. Sa una, ang mga harmonica ay may isa o dalawang hilera na diatonic na kanang keyboard na may pinakasimpleng saliw ng bass chord sa kaliwang keyboard. Dinala sa Russia humigit-kumulang sa ikalawang quarter ng ika-19 na siglo, unti-unting ipinakilala ang kanilang mga sarili sa buhay ng mga taong Ruso, sila ang naging pinakakaraniwang mga instrumentong pangmusika, na pinadali ng pagiging simple ng aparato at kadalian ng pag-master ng laro. Nagbigay ito ng malaking katanyagan sa harmonica. At sa simula lamang ng ikadalawampu siglo, ang salitang "accordion" ay nagsimulang nangangahulugang isang instrumento ng isang espesyal na uri, "kung saan ang isang chromatic na kanang keyboard na may hindi bababa sa tatlong hilera ng mga pindutan ay tumutugma sa isang chromatic set ng bass chord accompaniment: major. , minor triads, pati na rin ang ikapitong chords - ang tinatawag na full chromatic isang set ng mga ready-made chords".
Noong 1907, sa St. Petersburg, sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng performer-harmonist na si Ya F. Orlansky-Titarenko, ang master P. E. Sterligov ay gumawa ng isang pinahusay na instrumento ng konsiyerto na may apat na hilera na kanang-kamay na keyboard na may buong chromatic scale. Sa kaliwang keyboard, bilang karagdagan sa buong chromatic bass scale, mayroong mga handa na chord - major, minor at ikapitong chord. Tinawag ng master at performer ang instrumentong ito na akordyon, pagkatapos ng sinaunang Ruso na mang-aawit-kuwentong si Boyan.
Ang pag-iisa ng mga artisan sa mga artel, at pagkatapos ay ang organisasyon ng mga maayos na pabrika, ay nag-ambag sa pagtaas ng produksyon ng mga instrumento sa bansa. Ang button accordion ay nagiging pinakasikat na instrumento sa pang-araw-araw na buhay at amateur music performances ng populasyon ng urban.
Sa pagtatapos ng 1930s, laganap ang isang button accordion na may mga yari na chord sa kaliwang keyboard. Ang mga gawang ginanap sa mga instrumentong ito ay buo at nakakumbinsi sa masining at teknikal na mga termino. Bilang halimbawa, maaari nating banggitin ang mga gawang isinagawa sa isang konsiyerto na naganap noong Mayo 1935 sa Leningrad ng accordionist na si P. Gvozdev - Chaconne ni J. S. Bach, Passacaglia ni G. F. Handel, Polonaise sa A major ni F. Chopin at iba pang kompositor -classics . Ngunit ang mga makabuluhang gawang ito ay pangunahing mga transkripsyon mula sa organ at piano literature, kung saan ang musikal na teksto ay kailangang baguhin o itama sa isang tiyak na kahulugan. Ang tumaas na antas ng pagganap ng mga manlalaro ng accordion ay nangangailangan ng isang orihinal na repertoire nang higit pa at mas acutely.
Kasabay nito, may mga pagtatangka ng mga propesyonal na kompositor na gumawa ng orihinal na musika para sa button na accordion. Gayunpaman, ang mga sumusunod na gawa ng malaking anyo - isang konsiyerto para sa button accordion kasama ang Russian folk orchestra ng Leningrad composer F. Rubtsov at isang concert para sa button accordion na may symphony orchestra ng Rostov composer na si T. Sotnikov - ay itinuturing na pamantayan sa pag-unlad. ng accordion academic repertoire. Ang kapalaran ng dalawang bahagi na konsiyerto ni F. Rubtsov ay naging mas matagumpay. Ito ay naging isang repertoire piece sa lalong madaling panahon. Sa komposisyon na ito, pinamamahalaan ng kompositor na ihayag ang maraming panig na posibilidad ng button accordion na may mga yari na chord.
Ang genre ng pagproseso ng folk melody ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa pagganap ng akurdyon. Patuloy itong bumubuo ng batayan ng orihinal na repertoire ng mga manlalaro ng akurdyon.
Ang pagproseso ng mga katutubong kanta ay umabot sa makabuluhang pagiging perpekto sa gawain ng may likas na accordion player na si I. Ya. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang pagguhit, na naghahatid ng kabagalan at lawak ng salaysay na "Oh, ikaw, Kalinushka" o ang kaibahan ng madamdaming liriko na may apoy at sigasig sa mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng mga katutubong awiting Ruso na "Among the Flat Valley" at "Ang Buwan ay Nagniningning." Ang gawain ng I. Ya. Panitsky sa maraming paraan ay nagsilbing panimulang punto para sa karagdagang pag-unlad ng genre ng pagpoproseso ng akurdyon ng pindutan at tinutukoy ang mga pangunahing pamamaraan ng mga pagbabagong-anyo nito.
Ang mga karagdagang hakbang sa pagbuo ng genre ng pagpoproseso ng akurdyon ay ginawa ng mga propesyonal na manlalaro ng akurdyon N. Rizol, V. Podgorny, A. Timoshenko.
Sa kanyang pinakamahusay na kaayusan, bukod sa kung saan, una sa lahat, maaaring pangalanan ng isa ang "Ulan", "Oh, mga blond braids", pinamamahalaan ni N. Rizol na pagtagumpayan ang paghihiwalay ng isang kanta o sayaw na melody. Dahil dito, ang variational na anyo na karaniwan para sa genre na ito ay pinagkaitan ng pagiging mekanikal nito, na nagpapasakop sa karamihan ng mga kaso sa dinamika ng isang makulay na aksyong maligaya.
Ang gawain ni V. Podgorny ay nagtutulak sa mga hangganan ng genre at nagbubukas ng mga bagong reserba dito. Nahanap ng kompositor sa pagtatrabaho sa folk melody ang pagkakataon para sa pagpapahayag ng sarili, tinatrato ito bilang kanyang sariling materyal, ganap na isinailalim ito sa kanyang plano, ang kanyang mga layunin sa sining (pantasya "Gabi", "Blow the Wind to Ukraine").
Ang mga pagsasaayos ni A. Timoshenko ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maliwanag na kalidad ng konsiyerto at kayamanan ng mga kulay ng intonasyon. Ang mga tema ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, binabago ang kanilang hitsura. Ang lahat ng ito ay binibigyang diin ng maharmonya at maindayog na pagbabago ("Maghahasik ako ng quinoa sa baybayin", "Meadow duck").
Kaugnay nito, ang landas ng nabanggit na mga kompositor ay ipinagpatuloy ng mga kompositor na sina G. Shenderev, V. Chernikov, V. Vlasov, E. Derbenko at iba pa, na namumukod-tangi sa kanilang talino at banayad na kahulugan ng mga detalye ng pagsasalin ng materyal ng alamat. sa pindutan ng akurdyon.
Ito ay kilala na ang artistikong at teknikal na kakayahan ng isang instrumentong pangmusika ay ipinahayag, una sa lahat, sa pamamagitan ng repertoire na ginanap sa instrumentong ito.
Ang repertoire ng "klasikal" na mga instrumento, na umiral sa loob ng maraming siglo, ay naipon ng isang malaking bilang ng magkakaibang mga gawa para sa mga layunin ng konsyerto at pang-edukasyon. Ang repertoire ng mga orihinal na komposisyon para sa button accordion ay limitado pa rin, at kakaunti ang mga natitirang gawa.
Ang isang sitwasyon ay maaaring ituring na isang punto ng pagbabago kapag, isa-isa, dalawang akda ang lumitaw na naging epochal sa akcordion literature. Ito ang Sonata para sa button accordion sa H minor at ang Concerto para sa button accordion at symphony orchestra sa B major ng kompositor na si N. Ya.
"Na may magandang dahilan maaari tayong maniwala na ang hitsura ng Sonata para sa button accordion h-moll ni Chaikin ay pinasigla nang husay. bagong yugto sa pagbuo ng orihinal na panitikan ng Sobyet para sa button accordion...”, sabi ni V. Bychkov, isang mananaliksik ng gawain ni N. Chaikin.
Sa pagdating ng isang multi-timbre na handa na button accordion, ang pagnanais ng mga may-akda na maghanap para sa ganap na bagong mga imahe ay nagiging halata, at ang mismong istilo ng musika para sa button na accordion ay nagbabago. Ito ay tipikal para sa gawain ng mga kompositor at accordion player: V. Zolotarev "Partita" (1968), V. Zubitsky "Chamber Partita" (1977), V. Semenov "Sonata No. 1" (1984), V. Vlasov Suite "Limang Pananaw" sa bansa ng Gulag" (1991), medyo kalaunan ni A. Kusyakova Cycle sa 12 bahagi na "Faces of the passing time" (1999), p. Gubaidulina Concerto para sa button accordion na may symphony orchestra "Under the Sign of Scorpio" (2004), atbp.
Ang gawain ng mga kompositor na ito ay puno ng mga makabagong ideya, kapwa sa makasagisag na istraktura at sa paraan ng pagpapatupad ng textural. Sa kanilang mga komposisyon ay gumagamit sila ng mga elemento ng pagpapahayag tulad ng hindi teritoryal na glessandi, ang mga mapagkukunan ng ingay ng instrumento, ang tunog ng paghinga, iba't ibang mga diskarte sa paglalaro ng mga bellow, atbp. Mayroong lumalaking interes sa mga di-tradisyonal na paraan ng pagpapahayag ng musikal - dodecaphonic, serial, aleatorics. Ang paghahanap para sa isang bagong timbre palette ng button accordion ay lumalawak, sa partikular, na nauugnay sa iba't ibang uri ng sonoristics, at, higit sa lahat, cluster.
Mula noong 70-80s ng ika-20 siglo, ang domestic accordion school ay naging pangkalahatang kinikilalang pinuno sa pagbuo ng accordion art. Ito ay isang mahusay na merito ng mga nanalo ng maraming mga kumpetisyon, Yu Vostrelova, V. Petrov, F. Lips, A. Sklyarov, Yu at iba pang natitirang mga manlalaro ng akurdyon. istilo ng pagganap na pinagsasama ang mahigpit na katwiran at detalyadong pag-iisip sa lahat ng bahagi ng interpretasyon, birtuoso na kasanayan sa instrumento at katapatan ng paraan ng pagganap. Ang lahat ng mga katangiang ito ay napapailalim sa pangunahing layunin - pagkilala sa artistikong kakanyahan itinatanghal na musika.
Ang mga aktibidad ng mga propesyonal na institusyong pang-edukasyon, sa loob kung saan ang mga pader na pang-agham at metodolohikal na pag-iisip ay aktibong umuunlad, ay nagiging mahalaga at mahalaga para sa pag-unlad ng propesyonal na akademikong pagganap ng button accordion.
Ang malubhang pananaliksik ay lumilitaw sa larangan ng teknolohiya ng pagganap ng akurdyon at ang paglalathala ng mga pag-unlad na pang-agham at pamamaraan.
Ang ilang mga libro at polyeto ay inilathala na tumatalakay sa mga isyu ng teorya at praktika ng pagganap ng button accordion, mga artikulong nakatuon sa masining at teknikal na pagsasanay ng mga manlalaro ng button accordion, mga problema sa paglikha ng tunog, sistematisasyon ng mga stroke ng button accordion at iba pang mahahalagang isyu sa button. pagganap ng akurdyon.
Kaya, maaari nating tapusin na ang pagbuo, pagbuo ng akurdyon ng pindutan at pagganap dito ay naganap sa mga yugto. Ang mga pagpapabuti sa disenyo ng instrumento ay nakaapekto sa paglago ng mga kasanayan sa pagganap ng mga accordion player. Ang paglikha ng mataas na artistikong komposisyon ng mga propesyonal na kompositor ay may husay na pinalawak ang repertoire ng mga orihinal na gawa para sa button accordion. Pinahintulutan nito ang button na akordyon, kasama ang iba pang mga klasikal na instrumento, na kumuha ng nararapat na lugar sa akademikong yugto.
Panitikan
1. Bychkov V. Nikolay Chaykin: Mga Larawan mga modernong kompositor. – M.: Konseho. kompositor, 1986.
2. Imkhanitsky M.I. Mga isyu ng modernong akurdyon at sining ng akurdyon: koleksyon. gumagana / kinatawan ed. M. I. Imkhanitsky; comp. F. R. Lips at M. I. Imkhanitsky. – M.: Ros. acad. musikang pinangalanan Gnessins, 2010. – Isyu. 178.
3. Imkhanitsky M.I. Kasaysayan ng button accordion at accordion art: aklat-aralin. allowance. – M.: Ros. acad. musikang pinangalanan Gnesinykh, 2006.
Institusyong pang-edukasyon sa badyet ng munisipyokaragdagang edukasyon para sa mga bata
Ogudnevskaya Children's Art School
Shchelkovsky munisipal na distrito, rehiyon ng Moscow
Sanaysay
sa paksa ng:
«
Mga paraan ng paglalaro ng pindutan ng akurdyon, akurdyon
F.R. Lipsa»
Binuo ni:
guro ng akurdyon
Pushkova Lyudmila Anatolyevna
Panimula
Ang sining ng paglalaro ng button accordion ay isang medyo batang genre na tumanggap ng malawakang pag-unlad lamang sa panahon ng Sobyet. Ang sistema ng edukasyon sa musika para sa mga gumaganap ng mga katutubong instrumento ay nagsimulang mabuo noong huling bahagi ng 20s at unang bahagi ng 30s ng ika-20 siglo. Ang mahalagang inisyatiba na ito ay mainit na suportado ng mga pangunahing pigura ng pampublikong edukasyon at sining (A.V. Lunacharsky, A.K. Glazunov, M.I. Ippolitov-Ivanov, V.E. Meyerhold, atbp.). Ang mga mahuhusay na musikero ng iba't ibang mga specialty ay walang pag-iimbot na ipinasa ang kanilang propesyonal na karanasan sa mga performer sa mga katutubong instrumento at sa maikling panahon ay tinulungan silang makapasok sa mundo ng mahusay na musika; sa kasalukuyan, sa larangan ng katutubong- instrumental na sining Libu-libong mga espesyalista ang matagumpay na nagtatrabaho - mga performer, conductor, guro, methodologist, artist ng mga musical group; Samakatuwid, ang mga praktikal na tagumpay sa pagganap at pedagogy ay unti-unting lumikha ng batayan para sa pangkalahatan ang naipon na karanasan sa mga manwal na pang-edukasyon at pamamaraan.
Dapat ding tandaan na ang pagpapakilala sa pagsasanay ng pinaka-progresibong uri ng instrumento - ang handa na button na akordyon - ay makabuluhang naimpluwensyahan ang buong proseso ng pagsasanay sa mga performer ng akurdyon: sa isang maikling panahon ang repertoire ay nagbago nang radikal, ang nagpapahayag at teknikal. ang mga kakayahan ng mga gumaganap ay lumawak nang hindi katimbang, at ang pangkalahatang antas kulturang gumaganap. Ang mga makabuluhang pagbabago ay nagsimulang maganap sa mga pamamaraan ng pagsasanay at pagtuturo ng isang bagong henerasyon ng mga manlalaro ng button accordion; Ang mga pamantayan na nagsimulang ilapat sa mga pag-unlad ng pedagogical at metodolohikal ay lumago din: ang mga nangungunang mga prinsipyo para sa kanila ay naging mga prinsipyo ng pang-agham na bisa at malapit na koneksyon sa mga praktikal na aktibidad (halimbawa, hanggang ngayon, ang isang bilang ng mga disertasyon ay ipinagtanggol sa iba't ibang mga problema ng pedagogy ng musika, sikolohiya, kasaysayan at teorya ng pagganap sa larangan ng katutubong instrumental na sining: sa gayon, ang mga makabuluhang tagumpay ng musikal at artistikong kasanayan at pedagogy ay tumatanggap ng isang matatag na pang-agham at teoretikal na batayan, na kung saan ay pinasisigla ang kanilang karagdagang pag-unlad).
Pinarangalan na Artist ng RSFSR, nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon, associate professor sa State Musical-Pedagogical Institute na pinangalanan. Si Gnesinykh Friedrich Robertovich Lips mismo ay ang pinakamahusay na halimbawa ng isang modernong accordion player - isang erudite, edukadong musikero, pinalaki sa pinakamahusay na mga tradisyon ng domestic at foreign musical culture. Batay sa pinakamahusay na mga tagumpay ng paaralan ng akordyon ng Sobyet, isang pinuno sa internasyonal na arena mula noong 70s ng huling siglo, at maingat na nagbubuod ng kanyang malawak na personal at kolektibong karanasan sa pagganap, ang maestro ay nagawang suriin nang detalyado ang mga pangunahing problema ng akurdyon. mga kasanayan sa pagganap ng manlalaro - paggawa ng tunog, diskarte sa pagganap, mga isyu ng interpretasyon ng isang gawaing musikal at ang mga tiyak na pagtatanghal ng konsiyerto - sa kanyang "The Art of Playing the Accordion", na karapat-dapat na naging isa sa mga pangunahing kinikilalang pamamaraan para sa pagsasanay ng mga batang performer.
Ang pamamaraan ng F. Lips ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpapatuloy, maingat na pangangalaga ng pinakamahusay at pinakamahalaga, ang pagbuo ng mga progresibong uso, pananaw, direksyon at ang pinakamalapit na koneksyon sa pagganap at pedagogical na kasanayan: halimbawa, kapag isinasaalang-alang ang mga problema ng sound production, siya ay nagre-refract ang karanasan ng mga musikero ng iba pang mga specialty alinsunod sa mga detalye ng button accordion (lalo na kapag gumaganap ng mga transkripsyon), babala laban sa bulag na imitasyon ng tunog ng iba pang mga instrumento - na may ibang likas na katangian ng pagbuo ng tunog. Ang diskarte sa pagganap (isang set ng pagtatanghal ay nangangahulugan na ang bawat musikero - sa isip - ay dapat na makabisado nang buo), ayon kay F. Lips, ay hindi isang katapusan para sa guro/mag-aaral, ngunit naglalayong isama ang isang partikular na musikal na imahe sa pamamagitan ng pagkuha ng isang tunog ng angkop na katangian. Upang gawin ito, kailangan mong magkaroon ng isang mahusay na pag-unawa sa lahat ng mga bahagi ng kumplikadong ito, halos pakiramdam at pagsamahin ang pinakamahusay na mga kasanayan sa paglalaro, bumuo sa batayan pangkalahatang mga prinsipyo iyong sariling masining na pamamaraan. Ang mga nasabing elemento ng complex ay kinabibilangan ng mga kasanayan sa pagtatanghal ng dula (landing, pag-install ng instrumento, mga posisyon ng kamay), mga elemento ng button accordion technique, at fingering.
Kasama rin sa mahahalagang probisyon ng pamamaraan ang sumusunod:
pagtatanghal ng dula bilang isang proseso na naglalahad sa paglipas ng panahon;
malikhaing diskarte sa pagtatrabaho sa mga elemento ng pamamaraan ng akordyon ng pindutan;
ang prinsipyo ng suporta sa timbang kapag naglalaro ng pindutan ng akurdyon (akurdyon);
mga prinsipyo ng masining na pagkondisyon ng daliri.
Ang malawak na personal na karanasan ng musikero-performer at guro ay makikita sa atensyon na binabayaran ni F. Lips sa pagbuo ng artistikong panlasa ng accordion player, dahil ang sagisag ng konsepto ng kompositor sa tunay na tunog ng instrumento ay ang pinaka. mahalaga, responsable at mahirap na problema para sa sinumang musikero: halos lahat ay puro dito ang mga gawain ng pagganap ng sining - mula sa isang malalim na pag-aaral ng teksto, nilalaman, anyo at istilo ng trabaho, maingat na pagpili ng kinakailangang tunog-nagpapahayag at teknikal na paraan, sa pamamagitan ng maingat na pagpapatupad ng nilalayon na interpretasyon sa pang-araw-araw na pagpapakinis hanggang sa pagtatanghal ng konsiyerto sa harap ng mga tagapakinig. Ang patuloy na pag-asa sa mataas na mga prinsipyo ng sining, pagpapasiya at paghahanap para sa isang bagong bagay, artistikong mahalaga, pagpapalawak ng mga paraan ng pagpapahayag at pag-unawa sa mga intricacies ng estilo, nilalaman at anyo, pagpapabuti ng kasanayan at pagpapalalim ng propesyonalismo - ito ang mga pangunahing gawain na dapat harapin ng bawat musikero.
Ang pamamaraan mismo ay nakikilala sa pamamagitan ng kalinawan ng samahan ng proseso ng pag-aaral, kaiklian, na, gayunpaman, ay kinabibilangan ng maraming mga pamamaraan para sa pagpapasigla ng mga malikhaing paghahanap ng mag-aaral, na nag-iiwan ng puwang sa larangan ng malikhaing: ang mag-aaral, lampas sa kanyang pagnanais o kahandaan, ay nahahanap ang kanyang sarili. sa isang sitwasyon ng hindi inaasahang kaguluhan mula sa mataktika ngunit paulit-ulit na mga gawain ng guro: "mag-isip", "subukan", "kumuha ng panganib", "lumikha", atbp. (kaya ang isang "provocation" upang improvise ay nilikha); Palaging nararamdaman ng mag-aaral ang malikhaing enerhiya ng aralin, kung saan kailangan niyang maibigay ang orihinalidad at pagka-orihinal ng kanyang laro. Ang semantic emphasis ay inilalagay sa stroke, techniques, at nuances, habang ang mga maliliit na depekto ng mag-aaral ay hindi pinapansin. Ang sining ng paglikha ng malikhaing dinamika at malinaw na pinapanatili ang pangunahing ideya (layunin) ay nagbibigay-daan sa mga mag-aaral na maniwala sa kanilang sarili, na madama kahit sa isang sandali ang estado ng isang musikero "nang walang sakong Achilles," kung wala ito ay tunay na mga himala ng kaalaman sa sarili at imposible ang pagpapakita ng sarili - ang tunay na layunin ng proseso ng edukasyon.
Pagbuo ng pagpapahayag ng tunog
Tulad ng alam mo, ang sining ay sumasalamin totoong buhay masining na paraan at sa masining na anyo. Ang bawat uri ng sining ay may sariling paraan ng pagpapahayag. Halimbawa, sa pagpipinta ang isa sa pangunahing paraan ng pagpapahayag ay kulay. Sa sining ng musika, mula sa buong arsenal ng mga nagpapahayag na paraan, walang alinlangan na iisa-isahin natin ang tunog bilang pinakamahalaga: ito ang sound embodiment na nagpapakilala sa isang gawa ng musikal na sining mula sa iba pa, "ang tunog ay ang mismong bagay ng musika"(Neuhaus), ang pangunahing prinsipyo nito. Walang musika na walang tunog, kaya ang pangunahing pagsisikap ng gumaganap na musikero ay dapat na naglalayong bumuo ng tunog na pagpapahayag.
Para sa matagumpay na pagganap at pagtuturo ng mga aktibidad, dapat malaman ng bawat musikero ang mga partikular na katangian ng kanyang instrumento. Ang modernong button accordion at accordion ay may maraming natural na pakinabang na nagpapakilala sa artistikong hitsura ng instrumento. Sa pagsasalita tungkol sa mga positibong katangian ng pindutan ng accordion/accordion, kami, siyempre, ay una sa lahat ay pag-uusapan ang tungkol sa mga pakinabang ng tunog nito - tungkol sa maganda, malambing na tono, salamat sa kung saan ang tagapalabas ay nakapaghatid ng isang malawak na iba't ibang mga kulay ng musikal. at masining na pagpapahayag. May lungkot, lungkot, saya, walang pigil na saya, magic, at dalamhati.
Paraan ng artikulasyon
Ang proseso ng pagpapatunog sa bawat nakuhang tunog ay maaaring nahahati sa tatlong pangunahing yugto: ang pag-atake ng tunog, ang direktang proseso sa loob ng tunog ng tunog (nangunguna sa tunog), at ang pagtatapos ng tunog. Dapat tandaan na ang tunay na tunog ay nakakamit bilang isang resulta ng direktang gawain ng mga daliri at bubulusan, at ang parehong mga paraan ng pagpindot sa mga susi gamit ang mga daliri at paggalaw ng mga bubulusan ay patuloy na umakma sa isa't isa, na dapat lagi mong tatandaan.
Maaari kaming magbigay ng maikling buod ng tatlong pangunahing paraan ng naturang pakikipag-ugnayan (ayon kay V.L. Pukhnovsky):
Pindutin ang ninanais na key gamit ang iyong daliri, pagkatapos ay ilipat ang mga bellow na may kinakailangang puwersa (ang tinatawag na "artikulasyon na may mga bellow" - sa terminolohiya ni Pukhnovsky). Ang pagtigil ng tunog ay nakamit sa pamamagitan ng pagtigil sa paggalaw ng mga bubulusan, pagkatapos kung saan ang daliri ay naglalabas ng susi. Sa kasong ito, ang pag-atake ng tunog at ang dulo nito ay nakakakuha ng isang makinis, malambot na karakter, na, siyempre, ay magbabago depende sa aktibidad ng balahibo.
Ilipat ang bellow nang may kinakailangang puwersa, pagkatapos ay pindutin ang pindutan. Ang tunog ay humihinto sa pamamagitan ng pag-alis ng daliri mula sa susi at pagkatapos ay pagpapahinto sa mga bubuyog (finger articulation). Gamit ang diskarteng ito ng paggawa ng tunog, nakakamit namin ang isang matalim na pag-atake at pagtatapos ng tunog. Ang antas ng sharpness dito ay matutukoy kasama ang aktibidad ng bellows, ang bilis ng pagpindot sa key, sa madaling salita, ang tampok ng pagpindot.
Sa pamamagitan ng bellows-finger articulation, ang pag-atake at pagtatapos ng tunog ay nakakamit bilang resulta ng sabay-sabay na gawain ng bellows at ng daliri. Dito muli ay dapat bigyang-diin na ang likas na katangian ng pagpindot at ang intensity ng mga bubulusan ay direktang makakaimpluwensya sa simula ng tunog at sa pagtatapos nito.
Napakahalaga para sa manlalaro ng accordion na tiyakin na sa panahon ng konektadong paglalaro ng daliri, ang puwersa na kinakailangan lamang upang pindutin ang key at ayusin ito sa stop point ay ginagamit. Hindi mo dapat ilagay ang presyon sa susi pagkatapos maramdaman ang "ibaba". Ito ay hahantong lamang sa hindi kinakailangang diin sa kamay. Napakahalaga na ang sitwasyong ito ay isinasaalang-alang ng lahat ng mga guro sa paunang yugto ng edukasyon - pagkatapos ng lahat, ang mga nakakuyom na mga kamay ay hindi biglang lumitaw sa mga paaralan at conservatories.
Itulak, tulad ng pagpindot, ay hindi nangangailangan ng pag-ugoy ng mga daliri, gayunpaman, hindi tulad ng pagpindot, "ang daliri ay mabilis na bumulusok sa susi sa lahat ng paraan at itinutulak palayo dito nang mabilis na paggalaw ng pulso (ang mga paggalaw na ito ay sinamahan ng isang maikling haltak ng mga bubulusan). ” Gamit ang pamamaraang ito ng paggawa ng tunog, ang mga staccato-type na stroke ay nakakamit.
Hit na nauunahan ng pag-indayog ng daliri, kamay, o pareho. Ang ganitong uri ng tinta ay ginagamit sa magkakahiwalay na mga stroke (mula non legato hanggang staccatissimo). Pagkatapos i-extract ang mga gustong tunog, mabilis na babalik ang gaming device sa orihinal nitong posisyon sa itaas ng keyboard. Ang mabilis na pagbabalik na ito ay hindi hihigit sa isang swing para sa isang kasunod na strike.
madulas(glissando) ay isa pang uri ng pagpindot. Ang Glissando ay nilalaro mula sa itaas hanggang sa ibaba gamit ang hinlalaki. Dahil sa ang katunayan na ang mga susi ng isang button accordion sa anumang hilera ay nakaayos sa minor thirds, isang single-row na glissando ay tumutunog sa isang pinaliit na ikapitong chord. Sa pamamagitan ng pag-slide sa kahabaan ng tatlong hilera nang sabay-sabay, makakamit natin ang isang chromatic glissando, na may sariling kaakit-akit. Glissando up ang keyboard ay ginaganap gamit ang ika-2, ika-3 at ika-4 na daliri. Ang unang daliri, pagpindot sa pad ng hintuturo, ay lumilikha ng komportableng suporta (mukhang dumudulas na may isang bungkos ng mga daliri). Upang makamit ang chromatic sa halip na random na pag-slide, inirerekumenda na ilagay ang iyong mga daliri na hindi kahanay sa mga pahilig na hilera ng keyboard, ngunit bahagyang sa isang anggulo at gamit ang hintuturo sa isang nangungunang posisyon.
Mga diskarte sa paglalaro ng balahibo
Ang mga pangunahing pamamaraan para sa paglalaro ng balahibo ay ang pagpisil at pagpisil. Ang lahat ng iba ay karaniwang binuo sa iba't ibang mga kumbinasyon ng pagpapalawak at compression.
Ang isa sa pinakamahalagang tagapagpahiwatig ng husay ng kultura ng pagganap ng isang accordion player ay ang mahusay na pagbabago ng direksyon ng paggalaw o, gaya ng sinasabi nila ngayon, pagbabago ng balahibo. Kasabay nito, dapat itong alalahanin ang pag-iisip ng musikal ay hindi dapat magambala sa panahon ng pagbabago ng mga bubuyog. Pinakamainam na baguhin ang bubulusan sa sandali ng syntactic caesura. Gayunpaman, sa pagsasagawa, hindi laging posible na baguhin ang mga bubulusan sa mga pinaka-maginhawang sandali: halimbawa, sa mga piraso ng polyphonic kung minsan ay kinakailangan upang baguhin ang mga bellow kahit na sa isang matagal na tono. Sa ganitong mga kaso, kinakailangan:
a) pakinggan ang tagal ng tala hanggang sa katapusan bago palitan ang mga bellow;
b) mabilis na baguhin ang balahibo, pag-iwas sa hitsura ng caesura;
c) tiyakin na ang dynamics pagkatapos ng pagbabago ng mga bubulusan ay hindi nagiging mas kaunti o, tulad ng nangyayari nang mas madalas, higit sa kinakailangan ayon sa lohika ng pag-unlad ng musika.
Tila na ang maliliit na paggalaw ng katawan ng tagapalabas sa kaliwa (kapag lumalawak) at sa kanan (kapag pinipiga) ay maaari ding mag-ambag sa isang mas malinaw na pagbabago ng mga bellow, na tumutulong sa gawain ng kaliwang kamay.
Sa paggawa ng musikang pang-akademiko, ang kontrol ng balahibo ay dapat na mahigpit kapag nag-unclench, ang balahibo ay inilipat sa kaliwa at bahagyang pababa. Ang ilang mga manlalaro ng button accordion ay "itinaas ang mga bubuyog" sa pamamagitan ng paglalarawan ng isang kulot na linya na may kaliwang kalahating katawan at paglipat nito sa kaliwa at pataas. Bukod sa ang katunayan na ito ay mukhang aesthetically hindi kaakit-akit, wala ring saysay sa pagbubuhat ng isang mabigat na semi-hull. Mas mainam na baguhin ang balahibo bago ang downbeat, kung gayon ang pagbabago ay hindi masyadong kapansin-pansin. Sa mga adaptasyon ng mga katutubong awit, kadalasan ay may mga pagkakaiba-iba na itinakda sa panlabing-anim na tala, kung saan minsan ay maririnig mo ang pagbabago sa mga bubuyog hindi bago ang downbeat, ngunit pagkatapos nito. Malinaw, ang mga accordionist sa mga kasong ito ay masigasig na dalhin ang daanan sa lohikal na tuktok nito, ngunit nakalimutan nila na ang malakas na beat ay maaaring makuha sa pamamagitan ng pag-jerking ng bellow sa kabaligtaran na direksyon, habang iniiwasan ang kasunod na hindi natural na break sa pagitan ng panlabing-anim na mga nota.
Ito ay kilala na ang paglalaro ng button accordion ay nangangailangan ng malaking pisikal na pagsisikap. At, kung patuloy na pinaalalahanan ni G. Neuhaus ang kanyang mga mag-aaral na "ang piano ay madaling i-play!", Kung gayon kaugnay sa pindutan ng akurdyon ay halos hindi natin maibulalas ang isang bagay na katulad. Mahirap para sa isang accordion player na tumugtog ng malakas at mahabang panahon, dahil ang paghawak sa bellow ay nangangailangan ng malaking lakas, lalo na kapag naglalaro habang nakatayo. Kasabay nito, sa pamamagitan ng malikhaing paglapit sa aphorism ni Neuhaus, makakarating tayo sa konklusyon na kapag naglalaro ng anumang instrumento, kailangan mo ng pakiramdam ng kaginhawaan, kung gusto mo ng kaginhawahan, bukod pa, kasiyahan. Ang isa ay dapat na patuloy na makaramdam ng kalayaan, at kalayaan, wika nga, na naglalayong matanto ang mga tiyak na layunin sa sining. Ang pagsisikap na kinakailangan kapag nagtatrabaho sa bubulusan kung minsan, sa kasamaang-palad, ay nagiging sanhi ng pagkurot ng mga braso, kalamnan ng leeg o ang buong katawan. Ang accompanist ay kailangang matutong magpahinga habang naglalaro; kapag nagtatrabaho ng ilang mga kalamnan, sabihin nating, upang palabasin, kailangan mong i-relax ang mga kalamnan na gumagana upang i-compress, at kabaliktaran, at dapat mong iwasan ang static na stress sa gaming machine sa panahon ng pagganap, kahit na kailangan mong maglaro habang nakatayo.
Ang mga Harmonist ay matagal nang sikat sa Rus' para sa kanilang mahusay na pagtugtog ng mga bubuyog. Ang ilang mga uri ng harmonics ay gumawa ng iba't ibang mga tunog kapag ang parehong key ay pinindot; Ang pagtugtog ng gayong mga instrumento ay nangangailangan ng mahusay na kasanayan mula sa mga gumaganap. Mayroon ding ganoong ekspresyon: "ilog ang mga bubuyog." Sa pamamagitan ng pag-alog ng mga bubulusan, nakamit ng mga manlalaro ng accordion ang isang natatanging sound effect na inaasahan ang paglitaw ng modernong bellows tremolo. Nakakapagtataka na sa mga dayuhang orihinal na panitikan ang bellows tremolo ay tinutukoy sa mga salitang Ingles - Bellows Shake, na literal na nangangahulugang: "shake the bellows". Ngayon, naging sunod sa moda sa mga accordionist na ihambing ang papel ng bellow sa papel ng bow ng violinist, dahil ang kanilang mga function ay halos magkapareho, at ang sining ng violin ay palaging may maraming mga katangian na stroke na gumanap nang tumpak sa bow.
Mga stroke at pamamaraan ng kanilang pagpapatupad
Kasama sa pagganap ng musika ang isang buong kumplikadong mga stroke at iba't ibang mga diskarte sa paggawa ng tunog. Sa mga manlalaro ng accordion, hanggang ngayon, hindi pa nabubuo ang pinag-isang kahulugan ng mga stroke at mga diskarte sa paglalaro; Minsan naglalagay pa sila ng pantay na tanda sa pagitan ng mga konseptong ito. Nang hindi nagpapanggap na maging kategorya, subukan nating tukuyin ang mga konsepto ng stroke, pamamaraan at pamamaraan. Ang stroke ay isang tunog na karakter na tinutukoy ng tiyak na makasagisag na nilalaman, na nagreresulta mula sa isang tiyak na artikulasyon.
Isaalang-alang natin ang mga tampok na katangian ng mga pangunahing stroke at mga pamamaraan ng kanilang pagpapatupad.
Legatissimo– ang pinakamataas na antas ng magkakaugnay na paglalaro. Ang mga susi ay pinindot at ibinababa nang maayos hangga't maaari, habang ang mga magkakapatong na tunog ay dapat na iwasan - ito ay isang tanda ng hindi hinihingi na lasa.
Legato- konektadong laro. Ang iyong mga daliri ay nakalagay sa keyboard; Kapag naglalaro ng legato (at hindi lamang legato), hindi mo dapat pindutin ang key nang labis na puwersa. Dapat tandaan ng manlalaro ng akurdyon mula sa mga unang hakbang ng pag-aaral na ang lakas ng tunog ay hindi nakasalalay sa puwersa ng pagpindot sa key. Ang puwersa na nagtagumpay sa paglaban ng tagsibol at humahawak sa susi sa isang resting state ay sapat na. Kapag naglalaro ng cantilena, napakahalaga na sensitibong hawakan ang ibabaw ng mga susi gamit ang iyong mga daliri. “Kailangang haplusin ang susi! Ang susi ay nagmamahal sa pagmamahal! Sinasagot lang niya ito ng ganda ng tunog! - sabi ni N. Mettner. “...ang dulo ng daliri ay dapat, kumbaga, tumubo kasama ng susi. Dahil ito ang tanging paraan upang madama na ang susi ay karugtong ng ating kamay” (J. Gat). Hindi na kailangang tusukin ng matitigas at matitigas na mga daliri.
Portato- isang konektadong laro kung saan ang mga tunog ay tila humiwalay sa isa't isa sa pamamagitan ng isang bahagyang pagtulak ng daliri. Ang pagpindot na ito ay ginagamit sa mga melodies na may likas na declamatory, kadalasang ginagawa gamit ang isang mahinang pag-strike ng daliri.
Tenuto– pagpapanatili ng mga tunog nang eksakto alinsunod sa tinukoy na tagal at dinamika; nabibilang sa kategorya ng mga hiwalay na stroke. Ang simula ng isang tunog at ang pagtatapos nito ay may parehong hugis. Isinagawa ng suntok o pagtulak habang pantay-pantay ang pagmamaneho ng balahibo.
Maghiwalay- isang stroke na ginagamit sa parehong konektado at hindi magkakaugnay na mga laro. Ito ay ang pagkuha ng bawat tunog sa pamamagitan ng isang hiwalay na paggalaw ng balahibo upang palawakin o i-compress. Ang mga daliri ay maaaring manatili sa mga susi o lumayo sa kanila.
Marcato– pagbibigay-diin, pag-highlight. Isinagawa gamit ang isang aktibong hampas ng daliri at isang haltak ng balahibo.
Hindi legato- hindi magkakaugnay. Ginagawa ito ng isa sa tatlong pangunahing uri ng pagpindot na may makinis na paggalaw ng balahibo. Ang tunog na bahagi ng tono ay maaaring mag-iba sa tagal, ngunit hindi bababa sa kalahati ng tinukoy na tagal (ibig sabihin, ang oras ng pagtunog ay dapat na hindi bababa sa katumbas ng hindi tumutunog na oras). Ang stroke na ito ay nakakakuha ng pantay-pantay sa kaso kapag ang tumutunog na bahagi ng tono ay katumbas ng artipisyal na paghinto (hindi tumutunog na bahagi) na nangyayari sa pagitan ng mga tunog ng melodic na linya.
Staccato- matalim, biglang tunog. Karaniwang inaalis ito sa pamamagitan ng pag-indayog ng daliri o kamay habang pantay-pantay ang paggalaw ng balahibo. Depende sa nilalamang musikal ang stroke na ito ay maaaring higit pa o hindi gaanong matalas, ngunit sa anumang kaso ang aktwal na tagal ng tunog ay hindi dapat lumampas sa kalahati ng tala na ipinahiwatig sa teksto. Ang mga daliri ay magaan at nakolekta.
Martele– pinatingkad na staccato. Ang paraan ng pagkuha ng stroke na ito ay katulad ng sa marcato, ngunit ang likas na katangian ng tunog ay mas matalas.
Ang marcato at martele stroke ay dapat bigyan ng higit na pansin sa trabaho, dahil ang mga ito ay mahalagang paraan ng pagpapahayag para sa manlalaro ng akurdyon. Sa kasamaang palad, ang isang tao ay madalas na nakakarinig ng makinis, unexpressive fur play, at walang mobility kapag naglalaro ng iba't ibang stroke at technique na may fur.
Staccatissimo– ang pinakamataas na antas ng sharpness sa tunog. Ito ay nakakamit sa pamamagitan ng magaan na suntok ng mga daliri o kamay, habang ito ay kinakailangan upang subaybayan ang katatagan ng gaming machine.
Nagrerehistro
Dapat mong laging tandaan na ang mga rehistro ay hindi isang luho, ngunit isang paraan upang makamit ang isang mas kahanga-hangang artistikong resulta. Kailangan nilang gamitin nang matalino. Ang ilang mga manlalaro ng button accordion ay literal na inililipat ang mga ito sa bawat isa o dalawang bar, habang ang parirala at pag-iisip ay pira-piraso, at ang pagpaparehistro ay nagiging wakas sa sarili nito. Alam ng lahat kung gaano kahusay ang mga Hapones na pumili ng magagandang bouquet ng ilang bulaklak, na mukhang mas kaakit-akit kaysa sa walang lasa na kumbinasyon ng maraming bulaklak sa isang bouquet. Sa palagay ko, sa ilang lawak maaari mong ihambing ang sining ng pag-aayos ng mga bouquet sa sining ng pagrehistro.
Ang ilang mga manlalaro ng akurdyon ay palaging gumagamit ng mga rehistro na may mga pagdodoble ng octave (kadalasan - "akordyon na may piccolo"). Gayunpaman, kapag tumugtog ang isang melodious folk melody o isang recitative theme, angkop na gumamit ng single-voice registers, gayundin ang unison.
Ang rehistro ng "tutti" ay dapat na nakalaan para sa climax episodes, para sa mga kaawa-awa, solemne at heroic na mga seksyon. Pinakamainam na baguhin ang mga rehistro sa ilang mahalaga o medyo mahalagang mahahalagang sandali: sa mga gilid ng isang seksyon ng form, kapag dinadagdagan o binabawasan ang bilang ng mga boto, binabago ang texture, atbp. Ang partikular na higpit ay dapat gamitin kapag pumipili ng mga rehistro sa polyphony. Ang tema ng fugue sa eksposisyon, bilang panuntunan, ay hindi nilalaro sa tutti register. Mas mainam na gamitin ang mga sumusunod na timbre: "bayan", "bayan na may piccolo", "organ".
Dynamics
Halos lahat ng instrumentong pangmusika ay may medyo malaking dynamic range, na umaabot halos sa loob ppp – fff. Ang ilang mga instrumento (organ, harpsichord) ay walang kakayahan para sa nababaluktot na mga dynamic na nuances. Ang isang bilang ng mga instrumento ng hangin sa ilang mga tessitura ay dynamic na mabagal, dahil nakakagawa lamang sila ng mga tunog, halimbawa, na may nuance f o p lamang. Maswerte si Bayan sa bagay na ito. Perpektong pinagsasama nito ang isang medyo malaking dynamic amplitude na may pinakamagandang sound thinning sa loob ng buong range.
Tulad ng alam mo, sa proseso ng pagbuo ng tunog sa pindutan ng akurdyon, ang pinakamahalagang papel ay kabilang sa balahibo. Kung gumuhit tayo ng isang pagkakatulad sa pagitan ng isang piraso ng musika at isang buhay na organismo, kung gayon ang mga bellow ng pindutan ng akordyon ay gumaganap ng pag-andar ng mga baga, paghinga ng buhay sa pagganap ng piraso. Ang balahibo, nang walang pagmamalabis, ay ang pangunahing paraan ng pagkamit ng masining na pagpapahayag. Alam ba ng lahat ng mga manlalaro ng button accordion ang mga dynamic na kakayahan ng kanilang instrumento hanggang sa mga subtleties, lahat ba sila ay may sapat na flexibility at mobility sa mechanics? Malamang na hindi natin masasagot ang tanong na ito sa sang-ayon. Ang isang sensitibo, maingat na saloobin sa tunog ay dapat itanim sa mga mag-aaral mula sa mga unang hakbang ng pag-aaral. Dapat alam ng bawat button accordionist ang lahat ng intricacies ng kanyang instrument at marunong gumamit ng dynamics sa anumang nuance, mula pp hanggang ff. Kung pinindot natin ang isang susi at ililipat ang balahibo nang may kaunting pagsisikap, makakamit natin ang mode ng kontrol ng balahibo kung saan ang balahibo ay nag-iiba (o nagtatagpo) nang napakabagal at walang tunog. Alinsunod sa angkop na terminolohiya ni G. Neuhaus, sa kasong ito ay makakakuha tayo ng "ilang zero", "hindi pa tunog". Sa pamamagitan ng bahagyang pagtaas ng pag-igting ng mga bubulusan, mararamdaman at maririnig natin ang pinagmulan ng tunog sa button accordion. Ang pakiramdam ng gilid, pagkatapos kung saan ang tunay na tunog ay lilitaw, ay lubhang mahalaga para sa isang accordion player. Marami sa kasong ito ang nakasalalay sa mga hinihingi ng kontrol sa pandinig, sa kakayahan ng musikero na makinig sa katahimikan. Kung para sa isang artista ang background para sa isang pagguhit ay isang blangkong papel, isang canvas, kung gayon para sa isang tagapalabas ang background para sa musika ay katahimikan. Ang isang musikero na may sensitibong tainga ay maaaring lumikha ng pinakamahusay na pag-record ng tunog sa katahimikan. Ang kakayahang makinig sa mga paghinto ay mahalaga din dito. Ang pagpupuno sa isang paghinto ng nilalaman ay ang pinakamataas na sining: "Ang matinding katahimikan sa pagitan ng dalawang parirala, na nagiging musika sa gayong kapitbahayan, ay nagbibigay sa atin ng isang presentasyon ng isang bagay na higit pa sa isang mas tiyak, ngunit samakatuwid ay hindi gaanong pinalawak na tunog ang maaaring magbigay" 1. Ang kakayahang tumugtog ng pianissimo at panatilihin ang mga manonood sa pag-aalinlangan ay palaging nakikilala ang mga tunay na musikero. Ito ay kinakailangan upang makamit ang paglipad ng tunog na may kaunting sonority, upang ang tunog ay nabubuhay at nagdadala sa bulwagan. Ang stagnant, nakamamatay na tunog sa piano ay makakaantig ng ilang tao.
Sa texture ng chord, kailangan mong tiyakin na ang lahat ng mga boses ay tumutugon nang may kaunting sonority. Ito ay totoo lalo na para sa huling chord sa anumang mabagal na piraso, na dapat tunog morendo. Dapat marinig ng manlalaro ng accordion ang dulo ng chord sa kabuuan nito, at hindi ito i-drag palabas hanggang sa tumahimik ang mga tunog nang paisa-isa. Madalas mong marinig ang isang di-proporsyonal na mahabang tunog ng huling chord sa mga piraso, parehong sa f at p. Ang mga huling chord ay dapat na "hilahin ng tainga", at hindi depende sa supply ng balahibo.
Sa pamamagitan ng pagtaas ng pag-igting ng mga bubulusan, makakakuha tayo ng unti-unting pagtaas sa sonority. Sa fff nuance, may darating din na punto kung saan nawawala ang aesthetic appeal ng tunog. Sa ilalim ng impluwensya ng labis na presyon ng daloy ng hangin sa mga butas ng resonator, ang mga metal na tinig ay nakakakuha ng labis na matalim, matinis na tunog, ang ilan sa kanila ay nagsisimula pa ring sumabog. Inilarawan ni Neuhaus ang zone na ito bilang "hindi na tunog." Ang accordion player ay dapat matutong madama ang mga limitasyon ng sonik ng kanyang instrumento at makamit ang isang buo, mayaman, marangal na tunog sa fortissimo. Kung humihiling ka ng mas maraming tunog mula sa isang instrumento kaysa sa magagawa nito, ang likas na katangian ng akordyon ng pindutan, tulad ng nabanggit na, ay "maghihiganti". Kapaki-pakinabang na maingat na sundin ang tunog mula sa simula nito hanggang sa fortissimo. Sa proseso ng pagtaas ng sonority, maririnig natin ang isang malaking kayamanan ng mga dinamikong gradasyon (karaniwang mga pagtatalaga: ppp, pp, p, mf, f, ff, fff - sa anumang paraan ay hindi nagbibigay ng kumpletong ideya ng pagkakaiba-iba ng dynamic na sukat).
Dapat nating matutunang gamitin ang buong dynamic na amplitude ng button accordion, ngunit kadalasang ginagamit ng mga mag-aaral ang dynamics sa loob lamang ng mp - mf range, at sa gayon ay pinapahirap ang kanilang sound palette. Karaniwan ding hindi maipakita ang pagkakaiba sa pagitan ng p at pp, f at ff. Bukod dito, para sa ilang mga mag-aaral f at p tunog sa isang lugar sa parehong eroplano, sa average na dynamic na zone - kaya ang dullness at facelessness ng pagganap. Sa mga katulad na kaso, K.S. Sinabi ni Stanislavsky: "Kung gusto mong maglaro ng kasamaan, hanapin ito. Saan siya magaling! Sa madaling salita: kung gusto mong maglaro ng forte, magpakita ng totoong piano para sa contrast.
Sa pagkakataong ito, sinabi ni G. Neuhaus: "Si Maria Pavlovna (mp) ay hindi dapat malito kay Maria Fedorovna (mf), Petya (p) kay Pyotr Petrovich (pp), Fedya (f) kay Fyodor Fedorovich (ff)."
napaka mahalagang punto ay din ang kakayahang ipamahagi ang crescendo at diminuendo sa kinakailangang haba ng musikal na materyal. Ang pinakakaraniwang mga pagkukulang sa bagay na ito ay ang mga sumusunod:
Ang kinakailangang crescendo (diminuendo) ay ginagawa nang napakabagal, malumanay na halos hindi ito nararamdaman.
Ang pagpapalakas (pagpapahina) ng dinamika ay hindi ginagawa ng poco a poco (hindi unti-unti), ngunit sa mga pagtalon, na nagpapalit-palit ng kahit na dinamika.
Ang Crescendo ay nilalaro nang maayos at nakakumbinsi, ngunit walang kasukdulan sa halip na isang taluktok ng bundok, kami ay inaalok na pag-isipan ang isang tiyak na talampas.
Kinakailangan na laging tandaan ang layunin (sa kasong ito, ang kasukdulan), dahil ang pagnanais para dito ay nagsasaad ng paggalaw, isang proseso, na siyang pinakamahalagang salik sa sining ng pagganap.
Madalas nating ginagamit ang mga expression: "magandang tunog", "masamang tunog". Ano ang ibig sabihin ng mga konseptong ito? Ang advanced na pedagogical na pag-iisip sa sining ng musika ay matagal nang dumating sa konklusyon na maaaring walang "mahusay" na tunog sa abstract, nang walang koneksyon sa mga partikular na gawaing masining. Ayon kay Ya. I. Milstein, sinabi ni K. N. Igumnov: "Ang tunog ay isang paraan, hindi isang layunin sa sarili nito, ang pinakamahusay na tunog ay ang pinaka-ganap na nagpapahayag ng ibinigay na nilalaman." Nakakita kami ng mga katulad na salita at kaisipan sa Neuhaus at maraming musikero. Kaya ang konklusyon na kailangang gawin ng lahat: ito ay kinakailangan upang gumana hindi sa tunog sa pangkalahatan, ngunit sa pagsusulatan ng tunog sa nilalaman ng piyesa na ginaganap.
Ang pangunahing kondisyon para sa pagtatrabaho sa tunog ay isang binuo na auditory perception - "pre-hearing", na patuloy na naitama ng auditory control. May malapit na kaugnayan sa pagitan ng paggawa ng tunog at pandinig. Kinokontrol ng pandinig ang tunog na ginagawa at nagbibigay ng signal para sa kasunod na tunog na gagawin. Napakahalaga na patuloy na makinig sa iyong sarili at huwag pabayaan ang iyong pansin sa isang sandali. Pinahina niya ang kanyang atensyon at kontrol sa pandinig - nawalan siya ng kapangyarihan sa publiko. Ang pandinig ng isang musikero ay nabuo sa pamamagitan ng paggawa sa tunog; meron din Feedback: mas pino ang pandinig, mas hinihingi ng tainga ang tunog, at, nang naaayon, mas mataas ang performer bilang isang musikero.
Tungkol sa pagbigkas
Ang anumang gawaing musikal ay maaaring maiugnay na isipin bilang isang istraktura ng arkitektura, na nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na proporsyonalidad ng mga bahagi nito. Ang tagapalabas ay nahaharap sa gawain ng pagsasama-sama ng lahat ng mga bahaging ito, kabilang ang himig ng mga vocal, sa isang solong artistikong kabuuan, pagbuo ng architectonics ng buong kanta. Ito ay sumusunod na ang pagpapatupad ng isang motibo, parirala, atbp. depende sa pangkalahatang konteksto ng trabaho. Imposibleng tumugtog ng isang parirala nang nakakumbinsi nang hindi isinasaalang-alang kung ano ang nangyari bago ito at kung ano ang mangyayari pagkatapos nito. Ang karampatang pagbigkas ay ipinapalagay ang nagpapahayag na pagbigkas ng mga bahagi ng isang musikal na teksto, batay sa lohika ng pag-unlad sa kabuuan. May malaking pagkakatulad sa pagitan ng isang kolokyal na parirala at isang musikal: sa isang kolokyal na parirala ay may isang sanggunian na salita, sa isang musikal ay mayroon tayong mga katulad na bahagi: isang sanggunian na motibo o tunog, at ang sarili nitong mga bantas. Ang mga indibidwal na tunog ay pinagsama-sama sa mga intonasyon at mga motif tulad ng mga titik at pantig sa mga salita, at ang mga salitang ito (mga salita) ay maaaring bigkasin na may maraming iba't ibang mga intonasyon: nagpapatibay, malungkot, nagsusumamo, masigasig, nagtatanong, nagagalak, atbp. at iba pa. Ang parehong ay maaaring masabi tungkol sa pagbigkas ng mga motibo na bumubuo sa isang musikal na parirala. Ang bawat parirala ay hindi maaaring isipin ng lokal, sa paghihiwalay: ang pagganap ng isang partikular na parirala ay nakasalalay sa nakaraan at kasunod na musikal na materyal at, sa pangkalahatan, sa likas na katangian ng buong piraso sa kabuuan.
Ang isang motibo, isang parirala ay isang maliit na bahagi lamang ng pangkalahatang pag-unlad sa isang akda. Ang mga gumaganap na naglalaro na may malinaw na pananaw at layunin ay nagpaparinig sa mga tao sa kanilang sarili. Nang hindi nakikita (naririnig) ang pananaw, ang pagganap ay tumitigil at nagdudulot ng hindi maipaliwanag na pagkabagot. Hindi natin dapat kalimutan ang kilalang katotohanan: ang musika bilang isang anyo ng sining proseso ng tunog, umuunlad ang musika sa oras. Gayunpaman, sa patuloy na pagnanais na pag-isahin ang musikal na pananalita, dapat ding makamit ng isa ang natural na lohikal na dibisyon nito sa tulong ng mga caesuras. Ang wastong natanto na mga caesuras ay nagdadala ng mga kaisipang pangmusika sa pagkakasunud-sunod.
Kapaki-pakinabang para sa mga instrumental na musikero na makinig sa mahuhusay na mang-aawit, dahil ang pariralang ginagampanan ng boses ng tao ay palaging natural at nagpapahayag. Kaugnay nito, kapaki-pakinabang para sa mga accordionist (at hindi lamang sila) na kumanta ng ilang mga tema sa trabaho gamit ang kanilang mga boses. Makakatulong ito na matukoy ang lohikal na parirala.
Pamamaraan
Ano ang ibig nating sabihin sa konsepto ng "teknolohiya"? mabilis na oktaba? Openwork, gaan? Ngunit alam namin na ang bravura sa kanyang sarili ay hindi kailanman ginagarantiyahan ang isang mataas na artistikong resulta. Sa kabaligtaran, maraming mga halimbawa kung saan ang isang musikero na hindi nagpapakita ng kanyang sarili bilang isang record holder sa napakabilis na tempo. Gumawa siya ng hindi maalis na impresyon sa kanyang mga tagapakinig. Sa aming diksyunaryo mayroong ganitong konsepto - craft. Kasama sa konseptong ito ang buong kumplikado ng mga teknolohikal na paraan-kasanayan ng isang gumaganap na musikero na kinakailangan upang mapagtanto ang kanyang mga artistikong intensyon: iba't ibang mga diskarte ng paggawa ng tunog, mga daliri, mga kasanayan sa motor, pag-eensayo sa pulso, mga diskarte para sa paglalaro ng button na akordyon na may mga bellow, atbp. Kapag nag-uusap tayo tungkol sa teknolohiya, may isip tayo espirituwal isang bapor na napapailalim sa malikhaing kalooban ng gumaganap na musikero. Ito ay tiyak na inspirasyon ng interpretasyon na nagpapakilala sa pagtugtog ng isang musikero sa paglalaro ng isang craftsman. Ito ay hindi walang dahilan na sinasabi nila ang "hubad na pamamaraan" na may kaugnayan sa mabilis, ngunit walang pag-iisip, walang laman na pagtakbo sa mga susi, hindi inayos ng malinaw at lohikal na mga intensyon ng artistikong.Ang pinakamataas na pagpapakita ng teknikal na kahusayan sa musikal at gumaganap na sining, pati na rin sa anumang larangan ng aktibidad ng tao, ay tinatawag na kasanayan.
pagtatanghal ng dula
Kailangan mong umupo sa harap na kalahati ng isang matigas na upuan; kung ang mga hips ay nakaposisyon nang pahalang, kahanay sa sahig, maaari nating ipagpalagay na ang taas ng upuan ay tumutugma sa taas ng musikero. Ang manlalaro ng akurdyon ay may tatlong pangunahing punto ng suporta: suporta sa upuan at suporta sa kanyang mga paa sa sahig - para sa kadalian ng suporta, mas mahusay na ikalat ang kanyang mga binti nang bahagya. Gayunpaman, kung halos ganap nating nararamdaman ang ating timbang sa upuan, makakamit natin ang isang mabigat, "tamad" na posisyon. Kailangan mong makaramdam ng isa pang punto ng suporta - sa ibabang likod! Sa kasong ito, ang katawan ay dapat na ituwid, ang dibdib ay dapat ilipat pasulong. Ito ay ang pakiramdam ng suporta sa ibabang likod na nagbibigay ng liwanag at kalayaan sa mga paggalaw ng mga braso at katawan.Ang instrumento ay dapat tumayo nang tuluy-tuloy, parallel sa katawan ng accordion player; ang balahibo ay matatagpuan sa kaliwang hita.
Ipinapakita ng pagsasanay na ang pinaka-katanggap-tanggap na pagsasaayos ng mga strap ng balikat ay dapat isaalang-alang na isa kung saan ang palad ay maaaring malayang ilipat sa pagitan ng katawan ng akurdyon at ng tagapalabas. Sa mga nagdaang taon, ang isang sinturon na nagkokonekta sa mga strap ng balikat sa antas ng lumbar ay lalong lumaganap. Ang pagbabagong ito ay maaari lamang tanggapin, dahil ang mga sinturon ay nakakuha na ngayon ng kinakailangang katatagan at hindi nahuhulog sa mga balikat. Ang operating strap ng kaliwang kamay ay inaayos din upang malayang gumalaw ang kamay kasama ang keyboard. Kasabay nito, kapag binubuksan ang gilid at pinipiga ito, dapat na maramdaman ng kaliwang pulso ang sinturon, at dapat maramdaman ng palad ang katawan ng instrumento.
Ang pangunahing pamantayan para sa tamang pagpoposisyon ng mga kamay ay ang pagiging natural at pagiging angkop ng mga paggalaw. Kung ibababa natin ang ating mga braso sa kahabaan ng katawan sa libreng pagkahulog, ang mga daliri ay magkakaroon ng natural na kalahating baluktot na hitsura. Ang posisyon na ito ay hindi nagiging sanhi ng kaunting pag-igting sa lugar ng aparato ng kamay. Sa pamamagitan ng pagyuko ng aming mga siko, nakita namin ang panimulang posisyon para sa paglalaro ng pindutan ng akurdyon at akurdyon. Ang kaliwang kamay, siyempre, ay may ilang mga pagkakaiba sa posisyon, ngunit ang pakiramdam ng kalayaan ng kalahating baluktot na mga daliri, kamay, bisig at balikat ay dapat na pareho para sa parehong mga kamay. Ang balikat at bisig ay lumikha ng magagandang kondisyon para sa pakikipag-ugnay sa daliri sa keyboard, dapat nilang tulungan ang mga daliri at kamay na gumana nang may kaunting pagsisikap.
Mahalagang bigyang-pansin ang katotohanan na ang kanang kamay ay hindi nakabitin nang malumanay, ngunit isang natural na extension ng bisig. Ang likod ng kamay at bisig ay bumubuo ng halos tuwid na linya. Ang parehong nakakapinsala ay ang mga static na posisyon ng kamay na may hubog o malukong pulso.
Pagdaliri
Ang iba't ibang musika ay nangangailangan ng walang katapusang bilang ng mga kumbinasyon ng daliri. Kapag pumipili ng mga daliri, pangunahing ginagabayan tayo ng mga prinsipyo ng artistikong pangangailangan at kaginhawahan. Kabilang sa mga diskarte sa pag-finger, ang mga sumusunod ay maaaring makilala: paglalagay at pagpapalit ng mga daliri, pag-slide, pagpapalit ng mga daliri, gamit ang lahat ng limang daliri sa isang sipi, pagsasagawa ng isang sipi na may dalawa o tatlong daliri lamang (o pagkatapos ay isa), atbp. Ang pagnanais para sa karampatang Ang pagfinger ay dapat na likas sa DMSh.
Upang pumili ng mga daliri, ipinapayong i-play ang ilang mga fragment sa isang tempo, kung maaari, dahil ang koordinasyon ng mga kamay at mga daliri sa iba't ibang mga tempo ay maaaring magkakaiba. Kung ang pagkakasunud-sunod ng daliri ay naayos, ngunit pagkatapos ng ilang oras ang mga bahid nito ay nagiging malinaw, kung gayon ang pag-finger ay dapat baguhin, bagaman hindi ito laging madali.
Ang pagpili ng isang apat o limang daliri na sistema ng pag-finger ay dapat na nakasalalay hindi lamang sa mga personal na kagustuhan ng mismong manlalaro ng accordion, ngunit higit sa lahat sa artistikong pangangailangan. Sa mga araw na ito, tila lumipas na ang bagyo ng kontrobersya na pumapalibot sa isa o ibang sistema ng pagfinger. Gayunpaman, kung minsan sa mga malikhaing pagpupulong ang parehong tanong ay itinatanong: mas mahusay bang maglaro gamit ang apat na daliri o lima? Sa totoo lang, matagal nang nalutas ang problema. Ang mga manlalaro ngayon ay kadalasang naglalaro gamit ang lahat ng limang daliri, na may higit o mas kaunting paggamit ng unang daliri. Ang paggamit ng five-finger system nang walang taros ay isang pagpupugay sa fashion. Siyempre, kung minsan ay mas maginhawang ilagay ang lahat ng limang daliri sa isang hilera, ngunit ang pagfinger na ito ay makakatulong sa accordion player sa kanyang artistikong intensyon? Dapat nating isaalang-alang ang katotohanan na sa likas na katangian ang lakas ng bawat daliri ay naiiba, kaya kinakailangan upang makamit ang ritmo at stroke na pagkapantay-pantay sa pag-atake sa anumang daliri. Sa mabilis na mga sipi na parang glissando, maaari mong gamitin ang lahat ng mga daliri sa isang hilera, sa gayon ay lumalawak ang mga hangganan ng posisyon.
Ang istraktura ng kamay na may kaugnayan sa kanang keyboard ng accordion ay mas natural na gamitin ang hinlalaki sa una at pangalawang hanay. Ang natitirang mga daliri ay malayang gumagana sa buong keyboard.
Mga tanong ng interpretasyon ng isang gawaing musikal
Ang pinakamataas na layunin ng isang musikero ay isang maaasahan, nakakumbinsi na embodiment ng plano ng kompositor, i.e. paglikha ng isang masining na imahe ng isang musikal na gawain. Ang lahat ng mga musikal at teknikal na gawain ay naglalayong makamit ang isang masining na imahe bilang ang huling resulta.
Ang unang panahon ng trabaho sa isang gawaing pangmusika ay dapat na nauugnay, una sa lahat, sa pagtukoy ng mga layunin sa sining at pagtukoy sa mga pangunahing paghihirap sa paraan upang makamit ang pangwakas na resulta ng masining. Sa proseso ng trabaho, nabuo ang isang pangkalahatang plano ng interpretasyon. Ito ay medyo natural na sa paglaon, sa panahon ng isang pagtatanghal ng konsiyerto, sa ilalim ng impluwensya ng inspirasyon, maraming mga bagay ang maaaring tunog bago, mas espirituwal, patula, makulay, bagaman ang interpretasyon sa kabuuan ay mananatiling hindi nagbabago.
Sa kanyang trabaho, sinusuri ng tagapalabas ang nilalaman, anyo, at iba pang mga tampok ng akda, at binibigyang-kahulugan ang kaalamang ito sa tulong ng pamamaraan, emosyon at kalooban, i.e. lumilikha ng isang masining na imahe.
Una sa lahat, ang tagapalabas ay nahaharap sa problema ng estilo. Kapag tinutukoy ang mga tampok na pangkakanyahan ng isang gawaing musikal, kinakailangan upang matukoy ang panahon ng paglikha nito. Tila hindi na kailangang patunayan na ang kamalayan ng mag-aaral sa pagkakaiba, halimbawa, sa pagitan ng musika ng mga French harpsichordists at ng musika ngayon ay magbibigay sa kanya ng pinakamahalagang susi sa pag-unawa sa gawaing pinag-aaralan. Ang isang mahalagang tulong ay dapat na pamilyar sa pambansang kaugnayan ng isang naibigay na may-akda (tandaan, halimbawa, kung gaano naiiba ang estilo ng dalawang mahusay na kontemporaryo - S. Prokofiev at A. Khachaturian ay), na may mga kakaibang uri ng kanyang malikhaing landas at mga imahe at paraan ng pagpapahayag na katangian niya, at sa wakas, malapit na pansin sa kasaysayan ng paglikha ng gawain mismo.
Nang matukoy ang mga tampok na pangkakanyahan ng isang gawaing pangmusika, patuloy nating sinisiyasat ang ideolohikal at matalinghagang istruktura nito, sa mga koneksyong nagbibigay-kaalaman nito. Ang programming ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa pag-unawa sa masining na imahe. Minsan ang programa ay nakapaloob sa pamagat ng dula: halimbawa, "Cuckoo" ni L.K. Daken, "Musical Snuffbox" ni A. Lyadov, atbp.
Kung ang programa ay hindi inihayag ng kompositor, kung gayon ang tagapalabas, gayundin ang tagapakinig, ay may karapatang bumuo ng kanyang sariling konsepto ng akda, na dapat na sapat sa ideya ng may-akda.
Ang pagpapahayag, emosyonal na paghahatid ng matalinghagang nilalaman ay dapat na itanim sa mga mag-aaral sa kanilang pinakaunang mga aralin sa isang paaralan ng musika. Hindi lihim na ang madalas na pakikipagtulungan sa mga baguhan ay nagmumula sa pagpindot sa tamang mga key sa tamang oras, kung minsan kahit sa hindi marunong mag-fingering: "magtatrabaho kami sa musika mamaya"! Pangunahing maling pag-install.
Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba
Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.
Na-post sa http://www.allbest.ru/
gawaing kurso
Pamamaraan para sa pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng musikero
Panimula
I. Produksyon ng tunog
1.1 Ilang mga kinakailangan para sa paunang pagsasanay
1.2 Artikulasyon at touche
1.3 Metrorhythmic na mga paghihirap
1.4 Mga tampok ng tempo at dynamics
II. Pamamaraan
2.1 Maikling konsepto ng teknolohiya at mga elemento nito
2.2 Paggawa sa mga stroke
2.3 Mga diskarte sa balahibo
2.4 Nagsasagawa ng harmonies
2.5 Kasarinlan ng mga daliri at kamay
2.6 Fingering at teknikal na parirala
III. Iba pang mga aspeto ng paggawa sa isang piraso
3.1 Pag-unlad ng aesthetic
3.2 Interpretasyon at pagpapaunlad ng malikhaing pag-iisip
3.3 Pagganap ng konsyerto
IV. Konklusyon
Bibliograpiya
articulation concentration fingering consonance button accordion
Panimula
Sa loob lamang ng isang siglo, ang button na akordyon ay napunta mula sa isang simpleng katutubong instrumento sa isang kumplikado, multifunctional na mekanismo na nagpapahintulot sa iyo na magsagawa ng musika ng anumang genre, gayahin ang tunog ng maraming iba pang mga instrumento, at malawakang gamitin ang mga tampok ng saklaw, pagpaparehistro, at produksyon ng tunog. Ang lahat ng ito ay nagbubukas ng malawak na mga pagkakataon para sa tagapalabas, ngunit humahantong din sa hindi maiiwasang mga paghihirap. Ang modernong pagsasanay ng musikal na pagganap ay nangangailangan ng malalim na emosyonalidad, espirituwalidad, at kalayaan sa pagganap mula sa musikero. Isa sa mga kinakailangan para sa isang mataas na antas ng pagganap ay ang teknikal na paghahanda ng isang musikero. Ang diskarte ay bahagi ng craft, at direktang nakakaapekto sa masining na imahe Habang nagtatrabaho sa isang piraso, ang accordion player ay nakikibahagi sa pag-polish ng mga indibidwal na bahagi, nagsasanay sa pagnipis, mga stroke, dynamics at iba pang mga elemento. Ang tagumpay ng pag-master ng mga kasanayan sa pagganap ay nakasalalay sa kung gaano nakatutok ang gawain hindi lamang sa teknikal na kagamitan ng tagapalabas kundi pati na rin sa kasiningan ng teknikal na materyal.
1. Produksyon ng tunog
1.1 N ilang mga kinakailangan para sa pangunahing edukasyon
Ang paggawa sa isang masining na imahe ay dapat magsimula mula sa mga unang aralin, kahit na sa pag-aaral ng pinakasimpleng mga gawa, kailangan mong makamit ang pagpapahayag at makabuluhang pagganap. Ang mga katutubong melodies ay lalong angkop para dito, ang emosyonal at patula na kahulugan kung saan ay medyo simple at naiintindihan. Gayunpaman, mas mababa ang teknikal na antas ng mag-aaral, mas malaki ang kahirapan para sa kanya sa paggawa sa isang masining na imahe.
Ang musika ay ang sining ng tunog, ang libangan nito ay dapat na ganap na ihayag ang nilalaman, ang kahulugan ng imahe, kaya sulit na tumuon muna sa relasyon
Tunog na may ilang mga tampok ng akordyon ng pindutan. Mayroong ilang mga kundisyon na may husay na nakakaimpluwensya sa pagganap ng sinumang musikero. Una, kumpletong kalayaan ng kamay, batay hindi lamang sa indibidwal na estado ng kalusugan, mga kalamnan, sikolohikal na pagpapalaya, ngunit kinakailangang nagreresulta mula sa karampatang paglalagay ng instrumento at ang tamang posisyon ng manlalaro ng akurdyon.
Pangalawa, ang mga guro ng mga modernong paaralan ay lalong nagtataas ng tanong tungkol sa kalidad ng instrumento, dahil ang mahinang tunog ay madalas na naitanim sa mag-aaral nang awtomatiko, dahil sa imposibilidad ng pagpapakita ng isang mahusay, ganap na mayaman na tunog sa isang mababang kalidad na akordyon ng pindutan, o kawalan ng kakayahan ng mag-aaral na kumuha ng mas "live", espirituwal na tono sa masamang instrumento.
Pangatlo, ang aspetong panlipunan ay gumaganap ng isang mahalagang papel, iyon ay, pamilya, pang-araw-araw at kultural na mga kondisyon na dating nakaimpluwensya sa pag-unlad ng mag-aaral.
1.2 Aartikulasyon at hawakan
Ang kasiningan sa musika ay namamalagi lamang sa pagpaparami ng iba't ibang lilim at gradasyon ng tunog, samakatuwid ang tagapalabas ay dapat idirekta ang lahat ng pagsisikap sa pagbuo ng pagpapahayag ng tunog. Ang kakaiba ng pindutan ng akurdyon ay posible na kontrolin ang mga banayad na lilim ng dinamika at sa ilang paraan ay nakakaimpluwensya sa timbre sa tulong ng mga bellow.
Artikulasyon - mga paraan ng pagpindot sa mga susi gamit ang mga daliri at mga pamamaraan ng mechanical engineering. Ang mga ito ay patuloy na umaasa sa isa't isa at sa imahe ng piyesa na ginaganap ay maaaring nahahati sa 3 uri - daliri, balahibo at fur-finger. Depende sa kung anong artikulasyon ang ginagamit, ang pag-atake at pagtatapos ng tunog ay magkakaroon ng makinis, malambot na karakter, o isang matalim, biglang tunog. Ang pinakakaraniwang uri ng artikulasyon ay ang artikulasyon ng daliri, kapag ang mga bellow ay unang inilipat sa kinakailangang puwersa, at pagkatapos ay pinindot ang key. Kapag natapos ang tunog, kabaligtaran ang nangyayari. Mula sa pinakaunang mga aralin, kailangan mong bigyan ng babala ang mag-aaral laban sa monotonous mechanical finger work. Ang unang takdang-aralin ay dapat na may kasamang ilang elemento ng pagkamalikhain - ang paggamit ng magkakaibang dynamics, iba't ibang rhythmic pattern sa kahit isang tunog kapag nagsasanay ng mga articulatory technique. (Ang sikat na tula na "Andrew the Sparrow").
Ang touché ay isang paraan ng pagpindot sa mga key, pagpindot, pagtulak, pagpindot o pag-slide (glissando). Inirerekomenda ng mga modernong guro ang paggamit ng glissando bilang isang staging exercise upang magkaroon ng pakiramdam ng "ibaba" ng keyboard. Mayroon din itong masining na kahulugan, dahil ipinakilala nito ang mag-aaral sa isang kawili-wiling artistikong pamamaraan na malawakang ginagamit sa pagtatanghal ng akurdyon. Sa hinaharap, maaaring gamitin ang glissando sa malikhaing gawain sa improvisation at variation, at sa meter-rhythmic exercises.
Para sa masining na pagpapahayag ng isang komposisyon, ang papel ng paggalaw ng balahibo ay napakahalaga. Narito ang lahat ay nakasalalay sa gawain ng kaliwang kamay. Ang kapunuan at lalim ng tunog, kahit na sa mababang lakas, ay hindi mawawala kung ang bubulusan ay patuloy na hinihimok gamit ang kaliwang kamay, nang hindi humihinto sa paggalaw kahit na sa mga paghinto. Ang labis na puwersa sa pagmamaneho ng bubulusan ay palaging nagdudulot ng sapilitang tunog, habang ang passive accompaniment ay nagbibigay ng walang laman na tunog. Ang konklusyon ay sumusunod mula dito: nang walang tiyak na pag-install at tumpak na pisikal na pamamahagi ng mga paggalaw ng mga kamay, daliri, at katawan, imposibleng gawin ang tunog ng instrumento na nagpapahayag. Ang susi ay ang kakayahang mahanap ang pinakaangkop na sandali upang baguhin ang direksyon ng balahibo. Ito ay tinutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng istraktura ng parirala, kundi pati na rin sa likas na katangian ng melodic na paggalaw. Ang isa sa mga tampok ay ang ilang mga tunog ng melody ay binibigyang-diin, habang ang iba ay binibigkas nang walang diin. Ang climactic na sandali ay nangangailangan ng pinakamaliwanag na diin. Samakatuwid, kadalasan ang direksyon ng balahibo ay nagbabago sa harap niya. Dapat itong ipatupad nang maingat hangga't maaari. Ang pinakamahirap na bagay ay kapag ang culminating sound ay nahiwalay mula sa nauna sa pamamagitan ng isang pagtalon, at kung mas mahaba ang pagitan, mas hindi mahahalata ang pagbabago sa balahibo. Sa kabaligtaran, ang agwat ng isang pataas na menor de edad na segundo ay ginagawa itong lubos na kapansin-pansin at samakatuwid ay hindi kanais-nais: Ang isang pagbabago ng mga bellow ay ganap na hindi katanggap-tanggap kung ang kasukdulan ay nauuna ng isang grupo ng isang mas maliit na kategorya ng sukatan. Ang pinakasimple at hindi gaanong kapansin-pansin sa tainga ay ang pagbabago sa pagitan ng paulit-ulit na tunog, lalo na kung ang una sa mga ito ay nasa mahinang oras, at ang pangalawa sa isang malakas o medyo malakas na oras. Sa polyphony, madalas na kinakailangan na baguhin ang mga bellow sa mga napapanatiling tunog, dapat itong gawin nang mabilis, siguraduhin na ang pagbabago ay hindi nagbabago sa dinamika,
Kapag gumaganap ng cantilena, dapat kang magsikap hangga't maaari upang mailapit ang tunog ng akordyon ng pindutan sa pag-awit, sa boses ng tao.
1.3 Mritmikong kahirapan
Ang mga istrukturang melodiko, ritmo, at tempo ay magkakaugnay at, sa pamamagitan ng kanilang mga tiyak na paraan, tinutukoy ang pangkalahatang katangian ng akda. Ang Metro-rhythmic accuracy ng performance ay madalas na nangangailangan ng espesyal na atensyon, dahil sa katotohanan na ang musika ay isang sound process na lumaganap sa takdang panahon, kaya kailangang isaalang-alang ang iba't ibang salik nito - ang metric na pagkakasunud-sunod ng rhythmic groupings, tempo at deviations mula rito na dulot ng ilang mga gawaing masining. Ang koneksyon sa pagitan ng tunog at ritmo ay nagiging lalong malinaw sa mga kaso ng rubato. Ang isa sa mga dahilan para sa hindi pantay na paglalaro ay ang kakulangan ng mga coordinated na paggalaw ng kanan at kaliwang mga kamay, na kung minsan ay humahantong sa kanang kamay na "aabutan" ang kaliwa. Ang solusyon sa kasong ito ay ang paglalaro sa isang mabagal na tempo, na ang kampana ay nagpapatingkad ng malalakas na beats, ngunit ito ay pinahihintulutan lamang sa mga lugar kung saan mayroong pag-finger o iba pang mga paghihirap na humahantong sa isang pagbaluktot ng artistikong plano ng ang trabaho. Ang ritmikong pagkakasundo ay maaaring maputol sa pamamagitan ng mga pagtalon na nagaganap sa kaliwang kamay; nakakaapekto ang mga ito sa koordinasyon, at gaya ng nalalaman, ang pagkakaiba sa pagitan ng mga galaw ng mga kamay at katawan at ang tunog na imahe ay nakakagambala sa pag-unawa ng tagapalabas at mga tagapakinig sa likas na katangian ng musika. Kadalasan ang ritmikong organisasyon sa mga piraso ng motor ay naghihirap dahil sa hindi pantay na pagpindot at hindi pantay na pagpindot sa daliri. Ito ay nangyayari kapag ang isang malaking pagkarga ay nahuhulog sa "mahina" na mga daliri.
Sa kabila ng lahat ng conventionality at sketchiness ng metro-rhythmic notation, ang tumpak na pagbabasa lamang ng ritmo na isinulat ng kompositor ay nagpapakita ng emosyonal at nagpapahayag na kahulugan na nakapaloob dito. Ang imahe ng trabaho ay madaling masira kapag ang eksaktong ratio ng mga tagal ay nilabag, lalo na kapag naglalaro ng may tuldok na ritmo sa mabagal na tempo, o kapag ang may tuldok na linya ay sinusundan ng isa pang rhythmic figure sa susunod na beat ng bar. Ang tumpak na pagganap sa mga ganitong kaso ay pinadali ng kamalayan sa artistikong kahalagahan ng bagong ritmo. Ito ay lalong mahalaga kapag nagtatrabaho sa polyrhythms kailangan mong madama ang nagpapahayag na kahulugan ng anumang polyrhythmic na kumbinasyon. Maaari kang makumbinsi, halimbawa, na ang paggalaw sa pangunahing melodic na boses sa mga grupo ng mas kaunting mga nota kaysa sa saliw ay nagbibigay sa himig ng higit na kalmado at kinis.
Ang isang espesyal na lugar sa laro ay inookupahan ng mga error na nauugnay sa pagpapatupad ng mga pag-pause; kailangan mong tandaan na ito ay hindi lamang isang pahinga sa tunog. Ang mga paghinto ay may masining na makatwiran na kahulugan. Minsan ang mga mag-aaral ay maaaring gumalaw habang naka-pause, ayusin ang kanilang mga sinturon, o tumingin sa keyboard. Nawawala nito ang tagapalabas (at ang nakikinig) sa isang linya ng pag-unlad, at kung ang caesura sa pagitan ng mga bahagi ay nilabag, ang pagkakataon na i-highlight ang magkakaibang mga tema at magbigay ng kasiglahan at pagpapahayag sa pagganap (V.L. Zolotarev Suite No .3, “Kalungkutan”).
1.4 TUNGKOL SA mga tampok tempo at mga nagsasalita
Ang likas na katangian ng panloob na paggalaw ng trabaho at ang pag-unlad nito ay nakasalalay sa tempo. Kinakailangang bigyang-pansin ang tamang interpretasyon ng mga tagubilin sa tempo ng may-akda. Halimbawa, ang paglalaro sa tempo ay hindi nangangahulugan ng pinakamataas na tempo na sasama sa buong piyesa. Mahalagang ihambing nang tama ng guro ang mga teknikal na kakayahan ng mag-aaral sa pag-unlad ng tempo ng gawain sa kabuuan.
Ang pinakakaraniwang pagkakamali:
1. Kawalan ng kakayahang pumili ng paunang tempo, lalo na kapag gumaganap ng cantilena, ang guro ay dapat magdirekta ng mga pagsisikap na buhayin at patalasin ang matalinghaga at emosyonal na pagdama at karanasan ng mag-aaral sa musika. Kung ito ay hindi sapat, maaari kang magmungkahi sa pag-iisip na kumanta ng ilang mga bar ng trabaho, upang kapag ang mag-aaral ay nagsimulang magtanghal, siya ay nasa nais na ritmikong lugar. Hindi kinakailangang kantahin ang piyesa mula sa simula;
2. Ang atensyon ng tagapalabas ay nakadirekta sa pagtagumpayan ng mga teknikal na paghihirap, bilang isang resulta kung saan ang kontrol sa ritmo ay humina. Ito ang dahilan kung bakit napakahalaga ng pamamaraan, nagbibigay ito ng kalayaan at pagiging natural ng pagpapahayag.
3. Paglabag sa tempo kapag nagsagawa ng rubato. Ang solusyon ng mga agogic nuances, ang sukat ng rubato ay higit na nakasalalay sa sariling katangian ng gumaganap, ang kanyang intuwisyon, talento, panlasa, lawak ng pananaw at malikhaing imahinasyon, pati na rin ang mga katangian ng bawat akda, estilo at istilo ng komposisyon ng may-akda. Ang malikhaing pagganap ay ipinanganak bilang isang resulta ng pakikipag-ugnayan ng intuwisyon at pantasya na may malalim na pagsusuri sa akda. Imposibleng makamit ang isang kumbinasyon ng tamang pagpapatupad at ritmikong kalayaan ng isang naibigay na parirala nang hindi nahahanap ang tamang nuance nito. Ang tempo ng mga indibidwal na bahagi ng isang trabaho o cycle ay maaari lamang isaalang-alang na may kaugnayan sa tempo ng iba pang mga bahagi at ang pakiramdam ng ilang pansamantalang kabuuan ng buong trabaho o cycle. Upang tukuyin ang iba't ibang tempo deviations, ginagamit ng mga may-akda ang mga terminong meno mosso - hindi gaanong maliksi, piu mosso - mas maliksi, o accelerando - bumibilis, ritardando - bumagal. Ang una ay nag-oobliga sa iyo na agad na baguhin ang bilis, at ang huli - unti-unti. Kadalasan ang pagtatalaga ng tempo (sa parehong tempo) ay nauunawaan ng gumaganap sa isang tuwirang paraan, na humahantong sa hindi makatarungang pagkabigla sa bilis ng paggalaw. Ang nilalaman at katangian ng akda ay palaging magsasabi sa iyo kung paano bumalik sa isang tempo, biglaan o malumanay, nang paunti-unti. Nangangailangan ang agoical na kalayaan ng pagsunod sa batas ng kabayaran - "hanggang sa hiniram mo, napakaraming ibinabalik mo." Ang musical instinct ng performer, na nag-uudyok sa kanya sa iba't ibang agogic nuances, ay dapat na napapailalim sa isang mahigpit na rehimen ng oras at lohikal na pagkalkula. Ang isang tiyak na kahirapan ay ang libreng pagpapatupad ng mga cadence formations. Para sa higit na kalinawan sa kanilang pagpapatupad, dapat isa sa isang tiyak na paraan pangkat at balangkasin ang mga hangganan ng pagkilos ng accelerando at rallentando, kalkulahin ang mga ito sa oras. (D. Barton "Toccata at Fugue sa D minor"). Maaaring magmungkahi ang lohika na sa mga piraso ng toccata, tulad ng martsa, ang paggamit ng rubato ay halos hindi angkop. Hindi ito nangangahulugan na dapat silang gumanap nang may ilang mekanikal na pagkakapareho; magkakaroon ng iba pang mga agogic shade (caesuras sa pagitan ng mga indibidwal na pormasyon at mga bahagi, acceleration at deceleration, mga pagbabago sa tempo. Ang tamang napiling tempo ay makakatulong sa katumpakan ng pagpapatupad at kalinawan ng pagpapahayag ng dynamic na plano Ang mag-aaral ay dapat bigyan ng malawak na konsepto ng dynamic na sukat.
Ang isang karaniwang pagkakamali ay ang kawalan ng kakayahang ipakita ang pagkakaiba sa pagitan ng p at pp, f at ff.”* Bukod dito, para sa ilang mga mag-aaral, tunog ng f at p sa isang lugar sa parehong eroplano, sa average na dynamic na sona. Kaya naman ang dullness at facelessness ng performance. Sa lugar ng tunog na may kaugnayan sa forte, mahalagang bigyan ng babala ang mag-aaral laban sa panganib ng pagmamalabis at labis. Kailangan mong magkaroon ng malakas, malakas na tunog, ngunit hindi dapat mawala ang pagpapahayag, kayamanan, at kagandahan ng tunog. Magandang ideya na magsanay sa isang tunog upang tumpak na maihambing sariling lakas na may dynamic na hanay ng instrumento. Ang isang napakahalagang punto ay ang kakayahang ipamahagi ang crescendo at diminuendo sa kinakailangang haba ng musikal na materyal. Ang mga pagbabago sa tempo at dynamics ay karaniwang hindi nagsisimula sa pinakasimula ng sukat o parirala, ngunit nangyayari sa ibang pagkakataon, madalas sa isang downbeat. Ang partikular na mahirap ay ang mga maiikling sipi na nangangailangan ng maingat na pagsasaayos ng mga mekanika at stroke. Ang pinakakaraniwang pagkakamali ay ang acceleration kapag gumaganap ng crescendo at ang pagbagal kapag gumaganap ng diminuendo ang pagsasanay gamit ang isang metronome sa silid-aralan at sa bahay ay maaaring itama ang kakulangan na ito.
II. Pamamaraan
2.1 K Ratkoe p konsepto ng teknolohiya at mga elemento nito
Maraming tagapalabas sa salitang "teknikal" ay nangangahulugan lamang ng katatasan, bilis, kapantay ng tunog, iyon ay, mga indibidwal na elemento ng pamamaraan, at hindi ang pamamaraan mismo sa kabuuan. Ang diskarte ay isang hanay ng mga teknolohikal na paraan, mga kasanayan na kinakailangan para sa pagsasakatuparan ng mga masining na intensyon - iba't ibang mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, mga kasanayan sa motor ng daliri, pag-eensayo sa pulso, mga diskarte sa paglalaro ng bellow, atbp. Upang makamit ang isang pamamaraan na nagbibigay-daan sa iyo upang malayang maglaro ng mga gawa ng anumang antas, kinakailangang gamitin ang lahat ng anatomikal na katangian ng mga kamay at katawan, simula sa gawain ng pinakamaliit na kalamnan ng mga daliri at kasama ang paglahok ng mga kalamnan ng puno ng kahoy. Ang pamamaraan ng accordion ng pindutan ay maaaring nahahati sa maliit (daliri) at malaki (interval), pati na rin ang paglalaro ng bellow at mga diskarte sa paggawa ng tunog.
Esensyal na elemento:
1. Pagkuha ng isang tunog.
2. Melismas, rehearsals, sequential performance ng dalawa o higit pang note sa isang posisyon.
3. Single-voice scale, pagganap ng mga sipi na parang sukat na lumalampas sa isang posisyon.
5. Paglalaro ng double notes.
6. Chords.
7. Paglipat ng kamay at pagtalon.
8. Pagganap ng polyphony.
Sa ibaba ay isasaalang-alang natin ang ilan sa mga paraan ng pagpapahayag ng musikal na kinakailangan para sa pagbuo ng kulturang gumaganap ng isang accordion player.
2.2 Rnagtatrabaho sa mga stroke
Ang isang espesyal na lugar sa paggawa sa isang sanaysay ay dapat ibigay sa mga stroke. Dapat silang gumanap ng parehong masining at teknikal na mga function. "Ang mga stroke ay mga katangiang anyo ng mga tunog na nakuha sa pamamagitan ng angkop na mga diskarte sa articulatory depende sa intonasyon at semantikong nilalaman ng akda." Sa karaniwan, maaari silang hatiin sa mga hugot, konektado - legato at legatissimo, magkahiwalay - hindi legato, at maikli, maigsi - staccato at staccatissimo. Ang mga mahahaba (konektado at hiwalay) na mga stroke ay kinakailangan pangunahin sa pagganap ng cantilena, at ang mga maiikling (maikling tinig) na mga stroke ay nagsisilbi para sa kalinawan, talas ng paghihiwalay ng mga tunog o chord, kapwa sa patuloy na paggalaw at hiwalay. (I. Ya. Panitsky "Peddlers" var. No. 1).
Mga tampok na katangian ng mga pangunahing stroke at pamamaraan ng pagpapatupad:
legato - magkakaugnay). Ang mga daliri ay nakalagay sa mga susi. Ang brush ay malambot, ngunit hindi maluwag, dapat itong magkaroon ng pakiramdam ng may layunin na kalayaan. Ang daliri ay malumanay, nang walang pag-indayog, pinindot ang nais na key, na nagiging sanhi ng maayos na paglubog nito. Ang bawat kasunod na key ay pinipindot nang maayos, at kasabay ng pagpindot nito, ang nakaraang key ay marahang bumabalik sa orihinal nitong posisyon. Mahalagang tiyakin ang pantay ng balahibo at ang mga tunog ay hindi magkakapatong sa isa't isa.
Non legato - hindi magkakaugnay. Ginagawa ito ng isa sa tatlong pangunahing uri ng mga pagpindot na may maayos na paghawak ng balahibo. Upang hindi ito maging masyadong biglaan, maaari mong sabihin sa mag-aaral na ang tagal ng bawat nota ay dapat na hindi bababa sa agwat, huminto sa pagitan ng mga tunog, at mas mabuti nang higit pa sa isang paghinto o katumbas nito kung ang tempo ay mabagal.
Staccato - matalim, biglang tunog. Karaniwang inaalis ito sa pamamagitan ng pag-indayog ng daliri o kamay habang pantay-pantay ang paggalaw ng balahibo. Depende sa musikal na nilalaman, ang pagpindot na ito ay maaaring higit pa o hindi gaanong matalas, ngunit sa anumang kaso, ang aktwal na tagal ng tunog ay hindi dapat lumampas sa kalahati ng tala na ipinahiwatig sa teksto. Ang mga daliri ay magaan at nakolekta:
Mayroong iba't ibang mga basic stroke na nakakatulong upang mas maunawaan ang masining na konsepto - marcato - salungguhit, isang aktibong pag-strike ng daliri kapag hina-jerking ang balahibo, martele - accentuated staccato, isang mas matalas na haltak ng balahibo. Ang Portato ay isang cohesive stroke na may mas aktibong tunog kumpara sa legato. Ginagamit ito sa mga melodies na may likas na declamatory, tenuto - isang hiwalay na stroke - tumpak na pagpapanatili ng mga tagal at dinamika, De tache - ang pagkuha ng bawat tunog sa pamamagitan ng isang hiwalay na paggalaw ng mga bellow sa paglabas o compression. Maaari itong konektado o hiwalay, gumanap gamit ang mga daliri o balahibo. Ang mga simbolo ng linya na ipinahiwatig ng kompositor ay higit sa lahat ay arbitrary at karaniwang nangangailangan ng mga karagdagan at paglilinaw. Para sa isang mas mahusay na pag-unawa sa artistikong imahe, maaari mong gamitin ang kabaligtaran na stroke, sa halip na legato - staccato, at vice versa, malinaw na ipinapakita nito sa mag-aaral kung gaano nagbabago ang karakter ng trabaho, at kung bakit dapat itong isagawa kasama ang stroke na ipinahiwatig. sa mga tala, at hindi sa iba. (S. Frank “Prelude, Fugue and Variation in B minor”). Bilang karagdagan, ang paraan ng pagbabago o pagsasama-sama ng iba't ibang mga stroke ay nagkakaroon ng lakas ng loob ng motor at nagpapagana ng pansin.
2.3 M ehov unang mga diskarte
Ang mga pangunahing pamamaraan ng paglalaro ng balahibo ay pagpapalawak at compression Ang natitirang mga diskarte ay batay sa iba't ibang mga kumbinasyon ng mga ito. Ang Tremolo ay ang pinakakaraniwang pamamaraan, isang mabilis, pare-parehong paghahalili ng pagpapalawak at compression. Ang pangunahing kahirapan nito ay ang patuloy na pagsubaybay sa estado ng mga kalamnan, ang ilan ay dapat magkaroon ng oras upang "magpahinga" sa panahon ng paglabas, ang iba sa panahon ng pag-urong, kailangan mong subaybayan ang pagkakapareho ng tunog, kadalasan ang mga mag-aaral ay gumugugol ng mas maraming pagsisikap na "itulak" ang bumubulusok sa paglabas, kaya mas malakas ang tunog nito. Ang mga paggalaw ng kaliwang kamay ay hindi lamang dapat maging pare-pareho, ngunit isagawa din hindi pahalang, na tila sa unang sulyap, ngunit pahilis, na nagbibigay ng kalayaan at walang pigil na paggalaw Para sa matagumpay na pangmatagalang pagganap ng tremolo, kailangan mo siguraduhin na ang instrumento ay nakatayo bilang matatag hangga't maaari, at hindi gumagalaw sa lahat sa panahon ng paglalaro, ayusin ang mga strap nang mas mahigpit, kalkulahin ang pagbabago ng mga bellow sa piraso upang ang tremolo ay magsimula sa halos buong compression.
Ang mga unang pagtatangka na ipakilala ang tremolo sa paggamit ay ginawa ni Konyaev sa "piraso ng konsiyerto", Kuznetsov sa "Saratov busts". Ginaya nila ang isang akurdyon, o nagsilbing isang uri ng saliw sa himig.
Ang Vibrato ay isang dynamic na pagbabagu-bago na natamo ng maliliit na shocks ng bellows sa panahon ng patuloy na paggalaw nito. Maaari itong isagawa gamit ang parehong kaliwa at kanang kamay, minsan gamit ang dalawang kamay o sa iba pang mga paraan. Ang dalas ng vibrato ay matukoy ang tunog nito; ang isang malaki ay maaaring gayahin ang isang vibraphone, ang isang maliit ay maaaring gayahin ang isang string tremolo. (Dalla-Podgorny "Dedikasyon kay Caruso").
Ang Ricochet ay isang kawili-wiling pamamaraan, na ginamit sa unang pagkakataon
V. Zolotarev sa finale ng pangalawang sonata. Ito ay batay sa mga alternating na paggalaw ng itaas at ibabang bahagi ng balahibo sa pagpapalawak at pag-compress. Ang Ricochet ay maaaring tatlo o apat na beats, mas madalas na lima o higit pa, maaari itong gayahin ang saltando touch ng mga string, na nagpaparami ng tuyo, biglang ritmo.
2.4 I naglalaro ng harmonies
Ang pinakamahalagang elemento ng paglalaro ng button accordion ay ang pagpapatupad ng Accompaniment. Ang karakter nito ay dapat na ganap na tumutugma sa katangian ng pagtatanghal ng himig, nilalaman nito, at estilo ng buong dula sa kabuuan. Kaya, sa mga piraso ng isang mabagal na tempo at sa melodies ng isang melodic na uri, ang mga bass ay madalas na maayos na pinagsama sa mga chord, at ang mga chord ay tinutugtog sa buong tagal, magkakaugnay. (Ivanovichi waltz "Danube Waves"). Sa isang melody na binuo sa maliit na fractional rhythmic na mga tagal, lalo na sa mabilis na tempo, ang ganitong pag-uugnay ng bass sa chord ("pedalization") at pagpapanatili ng buong tagal sa mga accompaniment chord ay makakasagabal lamang sa melody, magpapabigat at muffle nito. . Para sa karamihan, ang mga chord ay tinutugtog nang maikli at madali, lalo na sa mga piraso na may gumagalaw na tempo. Maraming iba't ibang uri ng saliw at mga pamamaraan para sa pagsasagawa nito. Mahalagang tandaan ang pangunahing bagay: ang saliw ay dapat na mas mahusay na i-highlight, i-highlight at suportahan ang melody. Ang texture ng chord ay mahirap para sa mga manlalaro ng button accordion dahil kinakailangan na mabilis na tipunin ang mga daliri sa hugis ng tamang chord, na lalong mahirap kapag ang mga tunog ng mga chord ay matatagpuan sa iba't ibang mga hilera. Upang malampasan ang mga paghihirap na ito, inirerekumenda na gumamit ng mga pamamaraan tulad ng pag-slide, pagpapalit ng daliri, at pag-ikot ng mga paggalaw ng kamay. Ang pangunahing bagay ay dapat na matiyak na sa mga gawa ng isang likas na cantilena, ang melodic na linya na nakatago sa mga chord ay ginagampanan nang maayos ang mga chord ay kailangang "ilapit" sa bawat isa hangga't maaari. (D. Buxtehude "Chaconne sa E minor").
2.5 N pagsasarili ng mga daliri at kamay
Ang lahat ng mga daliri ay naiiba sa likas na katangian, ang kanilang pagsasanay ay hindi dapat limitado sa paggawa ng mga ito ng parehong lakas, ngunit upang ang anumang daliri ay makagawa ng tunog ng kinakailangang lakas, at may kaugnayan sa pindutan ng akurdyon, magparami ng nais na stroke. Ang kahirapan ay nakasalalay sa katotohanan na sa isang pindutan ng akordyon, ang hangin na may parehong presyon ay dumadaan sa lahat ng mga bukas na butas ng resonator, na hindi pinapayagan ang isa na mag-isa ng anumang isang tunog sa isang chord. Samakatuwid, ang mga pamamaraan para sa paghihiwalay ng mga indibidwal na boses sa texture ay mababawasan sa pagtatrabaho sa pakikipag-ugnayan ng mga daliri sa mga susi. Sa polyphony, ang pagkakaiba sa tunog ng mga tinig ay kadalasang nakakamit sa pamamagitan ng paglalaro ng mga ito gamit ang iba't ibang stroke; Isang boses, sabihin natin sa itaas, kailangan mong laruin ang staccato, ang ibabang legato, at kabaliktaran. Maaari mo ring idagdag ang kaliwang kamay, na magkakaroon ng isa pang ugnayan - hindi legato. Ang isa pang paraan ng pagpapakita ng isang tiyak na melodic na linya ay isang bahagyang pagpindot sa key, kadalasang ginagamit sa kaliwang keyboard, kadalasan ay isang bahagyang pagpindot sa bass, kung minsan ay isang chord. (E. Grieg “Folk tune”). Ang pamamaraang ito ay mahirap para sa mga mag-aaral, kaya kailangan mong bigyang-pansin ito mula sa pinakaunang mga aralin, lalo na isinasaalang-alang ang katotohanan na para sa maraming mga instrumento ang mga tunog ng kaliwang keyboard ay madalas na mas malakas kaysa sa kanan, at kapag nilalaro ay nalulunod sila. ang bahagi ng kanang kamay. Ang isa pang paraan ng pagpapakita ng isang himig na tumatakbo laban sa background ng mga chord ay banayad na mga nuances sa bellows kung ang mga tunog ng melody ay unang tumugtog, at pagkatapos ay isa pang tinig o saliw ang ipapatong sa kanila, pagkatapos ay sa sandaling isa pang boses o chord ang pumasok, ikaw. kailangang i-pause ng kaunti ang mga kampana, o pangunahan ito nang medyo hindi gaanong aktibo (A. Rubinstein "Melody"). Ang kahirapan ay na sa pamamagitan ng pag-pause ng bellows, ang mag-aaral ay ginulo nito at huli sa paglalaro ng mga nota sa kanang kamay na may mga paghina at paghinto ay isinasagawa nang maaga, dapat itong maging awtomatiko. Imposibleng hindi banggitin ang kalayaan ng mga kamay kapag naglalaro ng mga pamamaraan ng bellows, lalo na ang tremolo, kung saan ang isang eksaktong pagkakataon ng mga nota na tinutugtog ay kinakailangan sa pagbubukas at pagsasara. (V.L. Zolotarev Suite No. 1 "The Jester plays the harmonica").
2.6 A daliri at teknikal na parirala
Ang parirala ay ang syntactic na dibisyon ng isang musikal na gawain, ito ay nahahati sa mga bahagi, tuldok, pangungusap, parirala, motibo. Karaniwan, ang pag-iisip ng accordion player ay nauugnay sa paghahati ng gawain sa mga parirala; sa nakaraan at kasunod na materyal, at sa likas na katangian ng buong piraso sa kabuuan. Ang tagapalabas ay kinakailangan na magkaroon ng isang malinaw na pakiramdam ng pananaw, karampatang paglalagay ng mga caesuras, na nagbibigay ng kinakailangang pagpapahayag, ngunit hindi lumalabag sa integridad ng trabaho.
Mahalagang pumili ng isang mahusay, pinaka-angkop na palasingsingan. dahil ito ay nag-aambag sa isang mas mahusay na solusyon ng mga kinakailangang artistikong gawain at mas mabilis na automation ng mga paggalaw ng laro. Ang pangunahing bentahe ng pag-finger na may scale na paggalaw ay tinitiyak nito ang isang kalmado na estado ng kamay at pare-pareho, maindayog na paggalaw ng mga daliri, na nagpapahintulot sa iyo na tumuon sa mga mekanika at mas mahusay na ayusin ang mga dinamikong pagbabago sa tunog. Hindi katanggap-tanggap ang hindi makatwirang paglabag sa fingering. Gayunpaman, may mga kaso kapag ang prinsipyo ng fingering ay nilabag hindi lamang kapag lumitaw ang mga jump, kundi pati na rin kapag sumusulong. Nangyayari ito. Kung imposibleng makamit ang isang pagkakataon ng teknikal at musikal na parirala, dito ay dapat na mangibabaw ang kasiningan kaysa sa kaginhawaan; (V.L. Zolotarev suite No. 1 "The jester plays the harmonica"). Ginagamit lang ang teknikal na parirala sa panahon ng pag-aaral ng isang piyesa, kapag ang pagbibigay-diin sa malalakas na beats ay nakakatulong na mapanatili ang meter-ritmikong integridad at kalinawan ng pagbigkas.
Ang pangunahing prinsipyo sa pagpili ng pangatlong daliri ay ang pinakamahabang posibleng pag-iingat ng isang tiyak na ipinares na paghalili ng mga daliri. Gayunpaman, ang pangunahing kondisyon ay hindi dapat kadalian ng pagganap, ngunit ang pangangalaga ng pamamaraan na ipinahiwatig sa mga tala. Kung saan imposibleng mapanatili ang prinsipyo ng pagpapares, kailangang gumamit ng mga slide, pagpapalit, at pagkuha ng minor thirds gamit ang isang daliri. (G. Shenderev "May isang landas sa mamasa-masa na kagubatan"). Ito ay maaaring maging mahirap upang mapanatili ang mga stroke, ito ay lalo na kapansin-pansin kapag naglalaro ng legato. Samakatuwid, ang pag-finger na pinakamahusay na makapagpahayag ng ideya ng may-akda ay maaaring ituring na maginhawa.
III. Ibamga aspeto ng gawain sa gawain
3.1 E pag-unlad ng aesthetic
Ang aesthetic at artistikong pag-unlad ng accordion player ay kapaki-pakinabang na naiimpluwensyahan ng komprehensibo pagsasanay sa musika. Kailangan mong makinig ng musika nang mas madalas (mga pagtatanghal ng mga soloista, mga konsiyerto ng symphony, opera), naghahanda nang maaga para sa pang-unawa ng mga gawang pangmusika. Lubhang kapaki-pakinabang para sa mga mag-aaral ng akordyon na makinig sa isa't isa sa klase, dahil ginagawa nitong madaling mapansin ang mga bahid ng pagganap. Sa pamamagitan ng pagsusuri sa mga sanhi ng pagkakamali ng ibang tao, maaari mong mabilis na mahanap at maitama ang iyong sarili. Ang mahusay na kaalaman ay may malaking papel sa pangkalahatang pag-unlad ng musika. vocal music. Ito ay nakakamit sa pamamagitan ng sistematikong pakikinig, pati na rin ang pagganap gamit ang boses at akordyon. mga gawa ng boses, lalo na ang mga awiting bayan. Ang partikular na nilalaman na ipinahayag sa teksto, kasama ng musika, ay nakakatulong upang mas maunawaan ang mga paraan ng pagsasakatuparan ng intensyon ng may-akda. Ang pagiging perpekto ng mga katutubong awit at mga klasikong gawa ay nagbibigay ng malawak na saklaw para sa pagbuo ng isang aesthetic na kahulugan kasama ng imahinasyon, pinupukaw ang pagnanais na bumuo ng sariling mga tema ng musika at nililinang ang artistikong panlasa at isang mas kritikal na pagtatasa ng sariling gawa. Medyo maganda ang kontribusyon nila pangkalahatang pag-unlad kaalaman mula sa iba pang larangan ng sining. Kinakailangang magbasa ng mas maraming kathang-isip hangga't maaari, pinasisigla nito ang imahinasyon, sistematikong bumisita sa teatro at sinehan, patuloy na sumabay sa modernong drama, na nagpatibay ng ilang kapaki-pakinabang na karanasang masining.
3.2 I interpretasyon gumagana at pag-unlad ng malikhaing pag-iisip
Kung walang malikhaing inisyatiba at kalayaan, ang isang tunay na gumaganap na musikero ay hindi maiisip. Kailangan mong pagsikapan ang pagbuo ng mga katangiang ito araw-araw, sa buong panahon ng pagsasanay. Ang mga gawa ng programa na hindi lamang nagtatakda ng isa sa isang tiyak na mood, ngunit bumuo din ng pantasya at imahinasyon ay angkop para sa mga mas batang mag-aaral. Sa paunang yugto, ginigising ng guro ang inisyatiba ng mag-aaral sa mismong aralin.
Kung mataas ang iyong akademikong pagganap, maaari mong hayaan ang mga mag-aaral na tapusin ang pag-aaral ng kalahating natutunang piraso nang mag-isa. Ang isang mag-aaral na mahusay na nakayanan ang gawaing ito ay maaaring hilingin na pag-aralan ang buong piraso sa kanyang sarili. Ang paraan ng panghihikayat ay nakakatulong sa pagbuo ng malikhaing inisyatiba.
Dapat itong ipakita na may mga tiyak na halimbawa kung paano isagawa ito o ang bahaging iyon ng trabaho, bakit sa ganoong pamamaraan at tulad ng pagdaliri.
Walang alinlangan, ang sariling pananaw ng mag-aaral ay dapat isaalang-alang, dahil ang interpretasyon ng akda ay maaaring iba, kahit na may mga tagubilin ng may-akda sa teksto. Ang mga pagsasaayos ng mga katutubong awit, gayundin ang sinaunang musika ng hindi kilalang mga may-akda, ay karaniwang mayroon iba't ibang interpretasyon, ang mag-aaral ay madaling mahanap ang pinakamahusay na pagpipilian, ngunit hindi dapat ganap na sundin ng isang tao ang kanyang pamumuno, dahil madalas na sinusubukan ng mga mag-aaral na maglaro sa paraang mas madali, bilang isang resulta, ang isang pagkakaiba ay lumitaw sa pagitan ng estilo at tunog ng piraso.
Hindi mo maaaring limitahan ang pagganap sa ideya ng guro ng tunog ng isang naibigay na piraso. Mahalagang makahanap ng gitnang lupa na magbibigay ng pagkakataong bumuo ng malikhaing inisyatiba ng mag-aaral, ngunit pananatilihin din siya sa loob ng mga limitasyon ng isang partikular na istilo. Upang bumuo ng malikhaing kalayaan, maaari mong gamitin ang pagpili ng trabaho sa kalooban. Kung ang dulang iminungkahi ng mag-aaral ay isang ganap na gawa ng sining at tumutugma sa antas ng teknikal na pag-unlad sa yugtong ito ng pagsasanay, maaari itong isama sa plano ng trabaho.
3.3 Kpagtatanghal ng konsiyerto
Tulad ng alam mo, ang pagganap sa entablado ay dapat na korona sa anumang gawa sa isang gawa. Ang bawat guro, bago hayaan ang isang mag-aaral na umakyat sa entablado, ay dapat isaalang-alang ang ilang mga kadahilanan na kasama ng anumang pagtatanghal. Una, napakahalaga kung paano binubuo ang programa; kailangan mong magsimula sa isang hindi gaanong kumplikado, marahil ay bahagi ng cantilena, na magbibigay-daan sa tagapalabas na marinig ang kanyang sarili at masanay sa acoustics ng bulwagan. Ang unang piraso ay nagtatatag ng pakikipag-ugnayan sa madla at inihahanda silang makinig sa musika. Pangalawa, hindi mo dapat paghaluin ang mga genre; kadalasan ang programa ay nakaayos sa paraang iyon
Una ang mga klasiko ay isinagawa, pagkatapos ay romantikong musika, mga pagsasaayos ng bayan, at ang pagtatanghal ay natapos sa mga modernong dula. Para sa isang walang karanasan na tagapalabas, ang mapagpasyang bagay ay ang istraktura ng programa sa paraang maaari niyang i-play ito sa isang nakapangangatwiran na pamamahagi ng mga pisikal na puwersa at walang mga pagkakamali. Ang huling piyesa ay dapat na isang piyesa na naglalagay ng lohikal na punto sa konsiyerto, o nagiging kulminasyon nito. Pangatlo, ang piyesa ay dapat gawin sa paraang masisimulan ito ng tagapalabas mula sa anumang bar, o hindi bababa sa anumang parirala. Ang tungkulin ng guro ay sanayin ang mag-aaral na huwag mawala sa kaso ng mga pagkakamali at pagkakamali, upang magpatuloy sa pagsulong, upang magbigay ng ideya ng ilang mga pamamaraan na makakatulong sa entablado kung sakaling magkamali. Ang isang maliit na blot ay maaaring masira ang buong plano ng pagganap kung ito ay itinuturing na isang trahedya ay dapat na suriin lamang pagkatapos ng pagganap. Pang-apat, sa araw ng konsiyerto hindi mo dapat pagod ang iyong sarili sa mga klase, kung maglalaro ng programa o hindi, lahat ay nagpapasya para sa kanilang sarili, ngunit tiyak na kailangan mong maglaro ng mahusay, lalo na bago magtanghal sa isang hindi pamilyar na bulwagan, kapag hindi lamang ang acoustics nito ay hindi kilala, ngunit pati na rin ang temperatura nito. Sa anumang kaso ay hindi dapat magbigay ng payo ang isang guro bago umakyat sa entablado, nilalabag nila ang panloob na estado at mahalagang walang silbi, imposible pa ring iwasto ang anuman sa panahon ng pagtatanghal, ngunit napakadaling maghasik ng gulat at kawalan ng katiyakan sa isang walang karanasan na tagapalabas, at isang makaranasang isa. Ang lahat ay dapat isaalang-alang at gawin nang maaga, ngunit kung ang anumang mga pagkukulang ay natuklasan, hindi mo dapat ipagpaliban ang pagganap, mas mahusay na iwasto ang mga pagkakamali sa hinaharap; Ito ang nagpapakilala sa isang mahusay na performer; patuloy niyang pinagbubuti ang programa pagkatapos ng konsiyerto, tinatapos ito, o muling pinag-iisipan.
IV. Konklusyon
Ang lahat ng gawain ng musikero sa piyesa ay naglalayong tiyakin na ito ay tunog pagtatanghal ng konsiyerto. Ang isang matagumpay, maliwanag, puno ng damdamin at kasabay ng malalim na pag-iisip na pagganap na kumukumpleto sa gawain sa isang gawain ay palaging magkakaroon mahalaga para sa mag-aaral, at kung minsan maaari itong maging isang malaking tagumpay, isang uri ng malikhaing milestone sa isang tiyak na yugto ng kanyang edukasyon. Ito ay sumusunod mula dito na ang nakaraang teknikal na pagsasanay ay hindi dapat bawasan sa mekanikal na pag-unlad ng mga paggalaw, ngunit dapat maglaman ng masining na simula nang maaga. Ang teknikal na materyal ay maaaring ipatupad nang malikhain, nagiging kawili-wili at hindi malilimutan para sa mag-aaral. Ang mga manlalaro ng akurdyon ay mayroon nang mga ganitong pamamaraan, mas maaga - isang manwal sa pagbuo ng pamamaraan ng manlalaro ng accordion na si Vladimir Podgorny na "Modulating scales at arpeggios sa isang closed circle system", at mga modernong, halimbawa, Alexander Gurov "Development of accordion player technique gamit ang paraan ng ehersisyo”. Ang synthesis ng dalawang prinsipyo - teknikal at masining - ay magbibigay sa gumaganap na musikero ng isang mulat na pag-unawa sa musika at sa mataas na artistikong pagganap nito, na hindi mag-iiwan sa marunong na makinig na walang malasakit.
May listahan baregulares
1. Davydov N. A. "Mga Batayan ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng isang accordion player" - bersyon ng Internet, 2006.
2. Mga labi F.R. "Ang sining ng paglalaro ng pindutan ng akurdyon" - Moscow, 1985
3. Neuhaus G.G. "Sa sining ng pagtugtog ng piano" - Moscow, 1958
4. Pankov "Sa gawain ng manlalaro ng akurdyon sa ritmo" - Moscow, "Musika" 1986
5.Chinyakov A. "Pagtagumpayan ang mga teknikal na paghihirap sa pindutan ng akurdyon" - Moscow, "Musika" 1982
6. Yakimets N. "System ng paunang pagsasanay sa paglalaro ng button accordion" - Moscow, "Music" 1990.
Nai-post sa Allbest.ru
Mga katulad na dokumento
Mga katangian personalidad ng musikero. Paghahambing ng paglalaro ng isang bata at isang musikero mula sa isang sikolohikal na pananaw. Paglalarawan ng mga pangunahing yugto ng paglitaw at pagbuo ng mga kasanayan sa musika. Pagsusuri ng kahalagahan ng koordinasyon ng mga aksyon sa aktibidad ng musikal.
pagsubok, idinagdag noong 10/21/2010
Ang konsepto ng pop well-being ng isang performer sa panahon ng isang concert performance. Pagkabalisa sa panahon ng pagtatanghal ng konsiyerto at mga sanhi nito. Ang pagtaas ng emosyonal na tono, pagbubukas ng pangalawang hangin, malikhaing inspirasyon. Paghahanda ng isang musikero para sa isang pagtatanghal.
abstract, idinagdag 06/27/2009
Ang pagbuo ng gumaganap na kagamitan ng isang drummer na musikero: pagpoposisyon ng mga kamay, landing, paggawa ng tunog, pagbuo ng isang pakiramdam ng ritmo. Pisiyolohikal na mekanismo ng motor-teknikal na kasanayan ng tagapalabas. Masining na intonasyon ng pagtugtog ng snare drum.
pagsubok, idinagdag noong 07/12/2015
Mga taon ng pagkabata at kabataan ng namumukod-tanging Italyano na musikero na si Niccolo Paganini, ang pambihirang katalinuhan ng pandinig ni Niccolo, mga organ concert sa simbahan. Masining na pag-unlad. Mga taon ng mga konsyerto sa Italya at Europa, mga pagtatanghal sa Paris. Ang sikreto ng karunungan ni Paganini.
abstract, idinagdag noong 01/24/2012
Landing, pag-install ng instrumento at pagpoposisyon ng mga kamay bilang isang hanay ng mga kondisyon para sa paglalaro ng button accordion, ang pagkakasunud-sunod ng pagbuo at pagsasama-sama ng mga kasanayang ito. Mga tampok ng pag-unlad ng musicality at musically imaginative na pag-iisip. Gumaganap ng dobleng boses at dobleng tala.
tutorial, idinagdag noong 10/11/2009
Isang maikling sketch ng buhay at simula ng gawain ng natitirang Aleman na kompositor at musikero na si I.S. Bach, ang kanyang mga unang hakbang sa larangan ng musika ng simbahan. Paglago ng karera ni Bach mula sa musikero ng korte sa Weimar hanggang sa organista sa Mühlhausen. Ang malikhaing pamana ng kompositor.
abstract, idinagdag 07/24/2009
Mga yugto ng pagbuo ng pindutan ng akurdyon bilang isang propesyonal na instrumento. Polyphony bilang isang anyo musikal na pag-iisip. Mga kakaibang katangian ng pagsasagawa ng polyphonic music sa button accordion. Mga detalye ng pagpaparami ng polyphonic na tela. Mga pagsasaayos para sa isang handa na button na akurdyon.
master's thesis, idinagdag noong 07/19/2013
Mga sangkap na psycho-physiological sa mga aktibidad ng isang guro-musika. Mga pamamaraan ng pagtatrabaho sa melodic kinetics: ritmo, himig, pagkakatugma, pagbigkas. Scat at ang kahulugan nito sa vocal-jazz art. Mga yugto ng trabaho sa isang pamantayan ng jazz at improvisasyon.
thesis, idinagdag noong 09/07/2016
pagsubok, idinagdag noong 09/24/2016
Pangkalahatang katangian ng pagganap, kahulugan ng French keyboard music. Metrorhythm, melismatics, dynamics. Mga detalye ng pagpapatugtog ng French keyboard music sa accordion. Artikulasyon, mekanika at intonasyon, teknik ng melisma.
Ang modelo ng isang nagtapos ng isang mas mataas na institusyong pang-edukasyon na may espesyalidad sa button accordion/accordion ngayon ay isang mahusay na itinatag, patuloy na gumaganang konsepto, na sinamahan ng isang tiyak na makabuluhang "decoding". Ang mga programa para sa pagbuo ng mga espesyalista na ito ay matagumpay na ipinatupad sa lahat ng antas ng edukasyon sa musika sa Russia. Kasabay nito, ang pangunahing layunin ay palaging ang pagsasanay ng mga highly qualified na espesyalista, na ang mga propesyonal na katangian ay hindi mas mababa sa mga musikero ng iba pang mga akademikong specialty - mga violinist, pianist, atbp. Ang mga katulad na uso ay nangingibabaw sa buong lugar. Makasaysayang pag-unlad button accordion at accordion, paunang matukoy ang pangkalahatang pagnanais ng mga musikero na mapabuti ang kanilang mga instrumento, repertoire, at mga pamamaraan sa pagtuturo. Ang mga Bayanista at akordyonista, na sadyang pinagkadalubhasaan ang mga tagumpay ng modernong instrumental na sining, ay lumikha ng isang bago, orihinal na musikal at gumaganap na kultura, na kinabibilangan ng isang buong sukat na tatlong yugto na sistema ng propesyonal na edukasyon. Sa ngayon, ang sistemang ito ay tila ang pinakamainam na anyo ng mga espesyalista sa pagsasanay sa nauugnay na profile.
Ayon sa nabanggit na modelo ng pagtatapos, ang proseso ng pagsasanay sa mga bayanista at akordiyonista ay isinasagawa sa mga kondisyon ng ganap na pagkakapantay-pantay. Nalalapat ito sa lahat ng bahaging pang-edukasyon: paghahanda ng mga programa sa espesyalidad, pagpasa sa mga pagsusulit, pagsusulit, pagtatanghal sa mga konsyerto. Ang prinsipyo ng pagkakapantay-pantay ay tumutukoy din sa pakikilahok sa iba't ibang mga pagdiriwang at mga kumpetisyon, kung saan, bilang isang panuntunan, walang dibisyon ng mga performer na motibasyon ng iba't ibang mga istraktura ng keyboard. Ang pinagtibay na diskarte ay mukhang medyo makatwiran at makatwiran, dahil ang pindutan ng akurdyon at akurdyon, sa katunayan, ay pinagkalooban ng isang mahalagang kumplikado ng masining at nagpapahayag na paraan at mga paraan ng pag-impluwensya sa mga tagapakinig. Isang napaka-kwalipikadong eksperto lamang ang kasalukuyang nakakapag-distinguin sa pagitan ng mga audio recording ng mga button na accordion player at accordion player. Ang pagkakaiba sa istraktura ng mga keyboard ay nadarama kapag naglalaro ng ilang uri ng textural presentation: ang ilan ay nagiging mas maginhawa para sa accordion player, ang iba ay para sa accordion. Sa pangkalahatan, ang artistikong epekto na nakamit ng mga tool na ito ay mukhang halos magkapareho. Ang pagnanais ng mga gumaganap ng akurdyon ay "nasaktan ng mga manlalaro ng akurdyon" (tandaan, napakakaunti) na ipakita ang kanilang sariling "kabuluhan" at "natatangi" sa tulong ng organisadong "hiwalay" na mga pagdiriwang at kumpetisyon, sa pagsasalita, ay tila walang saysay at ikinalulungkot. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa isang hindi sapat na malalim na pag-unawa sa kasalukuyang mga pattern ng pag-unlad ng pagganap ng button accordion. Ang kawalan ng pagkakaisa, lalo na sa modernong makasaysayang mga kondisyon, ay nakakapinsala lamang sa natural na proseso ng ebolusyon ng parehong nabanggit na mga instrumento.
Dapat pansinin na sa teritoryo ng dating USSR isang sitwasyon na nabuo sa kasaysayan kung saan ang akurdyon ay hindi maiiwasang itinalaga ang papel ng isang "nahuhuli". Sa Russia, ang mga push-button harmonic ay una nang laganap at aktibong binuo. Sa paglipas ng mga taon, ang primitive na "talyankas" at "livenkas" ay pinalitan ng button accordion. Ang mga instrumento sa keyboard sa ating bansa ay nakakuha ng katanyagan lamang noong dekada thirties, na pinadali ng pagpapasikat ng mga genre ng pop. Pagkatapos ng pagpapalabas ng pelikula " Mga nakakatawang lalaki"Maraming pianista ang bumaling sa akurdyon. Kadalasan, ang mga melodies na nagustuhan ng publiko ay ginanap sa kanang keyboard, nang walang paglahok ng bass, na sinamahan ng isang pop orchestra o ensemble. Sa panahon ng Dakila Digmaang Makabayan, pati na rin sa panahon ng post-war, ang akurdyon at pindutan ng akurdyon ay nasa sentro ng atensyon ng domestic audience. Ang mga pagsasaayos at pagsasaayos ng mga sikat na kanta at sayaw na musika ay ginanap sa mga nakunan na instrumento na dinala mula sa Europa at ginanap ng maraming mga baguhan. Ang mga pagtatangka ay ginawa upang ayusin ang mga klase ng accordion sa mga institusyong pang-akademiko. Gayunpaman, pagkatapos ng paglalathala ng Resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa paglaban sa cosmopolitanism" (1949), ang mga nabanggit na klase ay tinanggal mula sa mga teknikal na paaralan at kolehiyo. Ang pagtuturo sa espesyalidad na ito ay napanatili lamang sa mga paaralan ng musika, at ang kaukulang mga programa sa pagsasanay ay pangunahing nakatuon sa pangkalahatang artistikong at aesthetic na pag-unlad ng contingent.
Sa pagliko ng 1950s at 1960s, ang akurdyon ay muling pinasok sa larangan ng akademikong edukasyon sa musika. Naturally, sa ganitong mga sitwasyon ay palaging mahirap abutin, lalo na dahil ang pagganap ng akurdyon ay aktibong umuunlad sa loob ng 15 taon: binago ang mga instrumento, nilikha ang orihinal na repertoire, maraming masigasig na practitioner, inspirasyon ng mga ideya ng pagbuo ng katutubong instrumental na sining, ay kasangkot sa proseso ng pagbuo ng isang tatlong yugto na sistema para sa pagsasanay ng mga domestic accordionist. Aktibong ibinahagi ng mga guro sa elementarya at sekondarya ang kanilang naipong propesyonal na karanasan sa isa't isa, na binihag ang isa't isa sa mga bagong tagumpay. Ang lahat ng ito, walang alinlangan, ay tila napakahalaga at makabuluhan para sa kanilang mga mag-aaral - Nakababatang henerasyon mga musikero.
Ang mga accordionist ay nasa mas mahirap na mga kondisyon, pinilit na umangkop sa aktwal na "lag". Sa katunayan, wala pang mga certified accordion teachers sa bansa. Ang kanilang hitsura ay nagsimula noong humigit-kumulang sa kalagitnaan ng 1960s (mga paaralan ng musika) at simula ng 1970s (mga unibersidad). Ang mga accordionist sa una ay tinatrato ang mga prospect ng akademikong pagsasanay sa accordion na may malaking pagkiling. Dapat alalahanin na ang mahuhusay na accordionist na si Yuri Dranga, nagwagi sa napaka-prestihiyosong All-Union Variety Artists Competition, ay nag-aral sa Rostov Musical Pedagogical Institute (klase ng Propesor V.A. Semenov) mula 1971 hanggang 1976. Ang mabilis na pag-akyat ng Yu Dranga sa taas ng akademikong pagganap ay isang nagpapakitang halimbawa para sa lahat na nag-alinlangan sa pagiging posible ng naturang "mga eksperimento." Sa katunayan, sa loob ng tatlong taon, ang pop musician, na dati ay limitado lamang sa entertainment repertoire, ay naging isang pambihirang interpreter. Klasikong musika. Ang matagumpay na ipinakita ang kanyang sarili sa pinakamahirap na kumpetisyon - ang All-Union qualifying round, kung saan gumanap ang pinakamalakas na domestic accordion performers, nanalo si Yuri ng 3rd prize sa sobrang prestihiyosong International Competition noong panahong iyon (Klingenthal, 1975). Siyempre, ang mahusay na pagganap na ito ay lubos na pinadali ng natitirang mga personal na katangian Y. Dranga mismo, pati na rin ang mga progresibong pamamaraan ng mataas na mahuhusay na guro at musikero na si V. Semenov.
Sa kasunod na mga taon, bilang isang patakaran, ang takbo ng pumipili na pagpasok at pagsasanay ng mga accordionist ay dominado sa domestic mas mataas na edukasyon. Ang mga ipinag-uutos na kondisyon para sa pagpapatala ay paunang pagwawagi ng elective system o paglipat sa tinukoy na sistema sa mga darating na buwan. Ang naturang screening, sa isang banda, ay naging posible upang ibukod ang posibilidad ng isang napakalaking pagdagsa ng mga nabanggit na instrumentalist sa akademikong pagganap; sa kabilang banda, pinasigla nito ang pagganap ng pag-unlad ng mga musikero na nakatiis sa kompetisyon, na kalaunan ay naging mga propesyonal mataas na uri. Kaya, ang mga guro ng button accordion at accordion department ng Rostov State Conservatory na pinangalanan. S. V. Rachmaninov ngayon ay may dahilan upang ipagmalaki ang mga nagtapos na accordionist nito, na ang mabungang pagganap, pagtuturo, at mga gawaing pang-organisasyon sa maraming rehiyon ng ating bansa at sa ibang bansa ay nag-aambag sa patuloy na pag-unlad ng akademikong katutubong instrumental na sining. Ang paglitaw ng mga matatalinong kabataan - napaka-promising na mga mahilig na nakakabisado na sa elective accordion sa music school, at may mga kinakailangang katangian para sa intensive creative growth - ay nagbibigay inspirasyon din sa optimismo. Ang mga makabuluhang tagumpay ng mga nangungunang accordionist ng ating bansa at sa ibang bansa ay nagbibigay inspirasyon at nagsisilbing tunay na mga patnubay para sa mga kabataan.
Gayunpaman, dapat tandaan na ang binibigkas na mga positibong uso sa pagbuo ng pagganap ng domestic professional accordion ay, hindi bababa sa, pinagtatalunan sa mga pahina ng kamakailang mga publikasyon ni N. Kravtsov. Una sa lahat, pinag-uusapan natin ang artikulong "Isang sistema ng mga keyboard ng organ-piano sa disenyo ng isang handa na akordyon," na naghihikayat sa pagmuni-muni sa tunay na kahalagahan at karagdagang mga prospect para sa pangmatagalang ebolusyon ng accordion art sa aming bansa at sa ibang bansa. Tulad ng sinabi ni N. Kravtsov, "... sa kultura at sining ng musikal, sa simula ang pagkamalikhain ng kompositor at ang pagka-orihinal ng pagtatanghal ng teksto ng akda ay pinahahalagahan higit sa lahat, at dito, kapag gumaganap ng mga genre ng akademikong musika sa akurdyon, seryoso. nananatili ang mga problema sa pagpapatupad ng masining at matalinghagang ideya ng komposisyong ginaganap. Alam namin ang tungkol dito at nananatiling condescendingly tahimik. Siguro dahil ang culprit ng sitwasyon ay ang sikat na piano keyboard? O baka dahil, dahil sa kakulangan ng mga batang manlalaro ng akurdyon, pinupunan ng mga sinanay na akordiyonista ang mga kakulangan sa trabaho sa mga klase ng mga guro ng akurdyon? Saan natin matapat na pag-uusapan ang pagiging epektibo at layunin ng pagsasanay ng mga accordionist? Kaya nangyari na sa propesyonal at pre-propesyonal mga programang pang-edukasyon Sa pagsasanay ng mga accordionist ngayon, tahimik na nag-ugat ang dobleng pamantayan ng "propesyonal na kakayahan". Parehong ang accordionist at ang button accordion player ay tumatanggap ng parehong diploma sa pagtatapos mula sa institusyong pang-edukasyon (!?). Ito ay masama para sa estado at hindi patas sa tao."
Susunod, lumipat si N. Kravtsov sa mga praktikal na rekomendasyon: "Tila sa amin ang pinakamainam na pamamaraan para sa pagsasanay ng mga accordionist, na maaaring ipahayag sa sumusunod na instrumental na formula. Ang unang yugto (ng pangkalahatang pagsasanay sa edukasyon), tulad ng dati, ay binubuo ng pag-aaral na tumugtog ng mga instrumento na may tradisyonal na organ-piano na keyboard. Ang ikalawang yugto (pre-propesyonal na pagsasanay), bilang isang predisposisyon sa bokasyonal na pagsasanay ay natukoy, ay dapat na nilagyan ng mga akordyon na may kanang-kamay na organ-piano na keyboard, at ang kaliwang elective na keyboard ay dapat magkaroon ng iminungkahing pagbabago nito. Ang ikatlong yugto (bokasyonal na pagsasanay) ay natutukoy ng eksklusibo sa pamamagitan ng propesyonal na oryentasyon batang musikero. Ang pagbibigay ng prosesong pang-edukasyon, halimbawa, gamit ang ZK-17 accordion (pabrika "ZONTA" - V.U.) ... ay magbibigay-daan sa mga sekundarya at mas mataas na institusyong pang-edukasyon na alisin ang dalawahang diskarte sa pagsasanay ng mga accordionist at button accordionist." Ang "gabay sa pagkilos" na iminungkahi sa itaas, sa katunayan batay sa ideya ng "pag-promote sa sarili" ng orihinal na kanang-kamay na accordion keyboard (na naimbento ni N. Kravtsov noong 1980s), ay naghihikayat sa atin na muling isaalang-alang ang pinakamahalagang tampok ng disenyo ng huli.
Tila ang isyung ito ay kailangang lapitan sa kasaysayan. Tulad ng alam mo, may mga accordion na may dalawang uri ng mga keyboard sa mundo - push-button at keyboard. Sa Russia, ang push-button accordions ay tinatawag na bayans, at ang keyboard accordions ay tinatawag na accordions. Ang accordion keyboard ay isang eksaktong kopya ng piano keyboard, na ginamit sa loob ng ilang siglo. Kahit na sa panahon ng Baroque, ang keyboard system na ito ay malawakang ginagamit ng mga manggagawa - mga tagagawa ng mga organo at harpsichord. Kasunod nito, inangkop ito sa paggawa ng mga grand piano at tuwid na piano. At ngayon ang sistemang ito ay kinikilala bilang tunay na unibersal, na nagpapakita ng posibilidad na mabuhay sa iba't ibang sosyokultural at musikal na istilong konteksto. Ang kasaysayan ng sining ng piano ay naglalaman ng impormasyon tungkol sa maraming mga pagtatangka upang mapabuti ang kaukulang disenyo, ngunit sa ngayon ang lahat ng naturang mga eksperimento ay hindi pa nakakamit ng tagumpay. Ang pinakamainam ng karaniwang modelo ng keyboard ay tinutukoy, una, sa pamamagitan ng perpektong sound-spatial na relasyon (ang pagtaas ng tunog ay sinamahan ng isang mas malaking distansya ng key, at vice versa), at pangalawa, sa pamamagitan ng isang maginhawa at kapaki-pakinabang na pagbagay sa sound embodiment ng pinaka-iba't ibang texture. Ito ay hindi nagkataon na ang piano keyboard ay itinuturing na ngayon bilang isang uri ng nakabubuo na pamantayan at bilang isang mahalagang bahagi ng mga siglo-gulang. pamanang kultural– world organ, piano, harpsichord music. Ang katotohanan na ang akurdyon ay nagmana ng napakagandang sistema ng keyboard ay isang walang alinlangan na bentahe ng instrumento, lalo na sa unang panahon ng mga aralin, kapag ang mga pangunahing kasanayan sa paglalaro na may kaugnayan sa spatial na oryentasyon at ang sound-motor complex system sa kabuuan ay nabuo.
Ano ang mga mahahalagang parameter ng bagong keyboard ni N. Kravtsov? Gaano ito kahalintulad sa keyboard ng piano? Dapat bang ang isang batang performer na may kasanayan sa akurdyon na may tradisyonal na keyboard ay kinakailangang "magtapos ng kanyang pag-aaral" sa naturang instrumento upang madagdagan ang kanyang repertoire ng pinakabagong orihinal na mga komposisyon? At mayroon bang tunay na pangangailangan na ipakilala ang keyboard ni N. Kravtsov upang palitan ang "hindi napapanahong" piano? Kailangan ba talagang muling itayo ang buong performance complex upang maisagawa ang mga bagong likhang accordion works, o ang mga kinakailangan sa unibersidad ay pangunahing tugma sa isang pagtuon sa napatunayang konsiyerto at panitikan ng pedagogical, na medyo maginhawa para sa pagganap sa akordyon? Kung ang perestroika ay kinakailangan sa prinsipyo, kung gayon hindi ba mas mahusay na agad na mag-aral muli, na pinagkadalubhasaan ang pinaka-promising na instrumento - ang pindutan ng akurdyon?
Ang paghahambing ng dalawang accordion keyboard ay nagbibigay-daan sa musikero na matuklasan ang kanilang mga halatang pagkakaiba. Ang bagong modelo ay mukhang isang button na accordion keyboard, na may ibang hugis ng mga key - mas malaki at pinaghihiwalay ng mga naaangkop na espasyo. Ang mga susi ay hindi nakaayos sa isang tuwid na linya, tulad ng sa isang akurdyon, ngunit sa isang medyo masalimuot na pagkakasunud-sunod. Tulad ng sinabi ng imbentor, "Kapag sinusuri ang keyboard, ang isa ay nabigla sa hindi pangkaraniwan ng mahigpit na mga graphic ng paglalagay ng mga itim at puting key, na sa panlabas ay may napakakaunting pagkakahawig sa isang tradisyonal na organ-piano accordion keyboard. Gayunpaman... ang pagkakaibang ito ay panlabas lamang. Sa disenyo nito, minana nito ang lahat ng katangian ng tradisyonal na keyboard ng accordion. Madali mong mabe-verify ito sa unang pagkakataong subukan mong tumugtog ng bagong instrumento. Samakatuwid, makatitiyak na bilang isang akordyonista ay hindi mo na kailangang muling mag-aral, ngunit kumpletuhin lamang ang iyong pag-aaral sa kakaibang akordyon na ito.” Ang isang detalyadong pagsusuri ay nagpapakita ng lohikal na prinsipyo na ginamit ni N. Kravtsov - isang uri ng "compression" ng piano keyboard.
Ang modelong ito, natural, ay nagbubunga ng maraming katanungan, ngunit ang pangunahing at determinadong salik sa pagbabago ng mga musikero na dating matagumpay na sinanay sa klasikal na akordyon sa isang bagong instrumento ay dapat na ang walang sakit na pagbagay ng binuo, matatag na mga kasanayan sa paglalaro at kakayahan sa mga kondisyon ng isang "binagong" keyboard. Hanggang saan ang maitutulong ng mga nabanggit na kasanayan sa pagbuo ng isang stable performing complex? Ang isyung ito, tila, ay tila walang kabuluhan sa imbentor. Ang pangunahing argumento na pabor sa bagong disenyo para sa N. Kravtsov ay ang panlabas na pagkakapareho ng mga daliri, na nagpapahiwatig ng isang pinasimple na interpretasyon ng problema. Ang pagsasagawa ng mga proseso sa anumang instrumento ay tiyak na hindi limitado sa fingering pagkakatulad o pagkakaiba. Halimbawa, ang mga manlalaro ng akurdyon ay kusang-loob na gumamit ng mga daliri ng piano, ngunit ang isa ay hindi makapagpapasiya mula dito na ang bawat manlalaro ng akurdyon, na natutunan ang isang piraso sa piano, ay maaaring tumugtog nito nang may kumpiyansa at tumpak sa akurdyon. Napipilitan siyang iakma ang kanyang mga kasanayan sa pagganap sa mga bagong kondisyon ng paggalaw ng keyboard. Para sa bawat keyboard, ang instrumentalist ay bubuo ng mga partikular na kasanayan sa pagganap.
Ang problema ng walang error, matatag at emosyonal na liberated na paglalaro ng button accordion at accordion ay nauugnay sa tamang paglalagay ng gumaganap na apparatus, na nagbibigay para sa pagbuo ng mga pundasyon ng spatial orientation, coordinated sa pitch auditory concepts, na nasa paunang panahon ng pagkabisado ng instrumento. "Ang oryentasyon sa akordyon ay nangangahulugan ng proseso ng pagbabago ng mga konsepto ng pitch sa mga spatial-keyboard, na pinapadali ang tumpak na paglalagay ng mga daliri sa mga susi. Sa ilalim ng mga kondisyon ng isang partikular na instrumento, ang nabanggit na proseso ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang medyo mabilis na bumuo at pagsamahin ang mga matatag na koneksyon sa pagitan ng pitch at spatial na "coordinate" » . Ang kasanayan sa paglalaro ng akordyon ay unti-unting nabubuo. Ang lahat ng gumaganap na mga aksyon ay dapat na makabuluhan, at ang paghahalili ng mga daliri at ang kanilang mga galaw sa keyboard ay dapat na coordinated salamat sa isang mahusay na pinag-isipan at napatunayan na sistema ng auditory-motor na relasyon. Kapag gumaganap ng mga musikal na gawa, ang anumang paggalaw ng mga daliri sa ibabaw ng mga susi ay maaaring ituring bilang sunud-sunod na pagkuha ng mga pagitan at ang kanilang mga kumbinasyon.
Ang isa sa mga pangunahing kinakailangan sa pamamaraan na nag-aambag sa pagbuo ng matatag na mga kasanayan sa pag-navigate ay ang mag-aaral na bumubuo ng isang tumpak na representasyon ng kaisipan ng istrukturang organisasyon ng keyboard. "Kapag nagsisimulang makabisado ang mga pangunahing kasanayan sa pag-navigate, ipinapayong gumamit ng sabay-sabay na kontrol sa pagganap sa tatlong antas: pitch ("mga agwat na inaawit" ng panloob na tainga), istruktura (mental na representasyon ng kaukulang mga parameter ng keyboard), motor (koordinasyon ng mga paggalaw sa kalawakan). Ang bawat isa sa mga nakalistang antas ay tumutugma sa isang tiyak na uri ng memorya: pitch, structural-logical at motor-motor" (; tingnan din:). Kaya, ang mga kasanayan sa pagganap ay isang buong sistema ng mga pakikipag-ugnayan ng iba't ibang mga bahagi, kung saan ang pangunahing papel ay kabilang sa koordinasyon ng pitch at spatial na representasyon.
Ano ang ibig sabihin ni N. Kravtsov sa pagpapaalam sa mga mambabasa: "Sa disenyong ito, ang pag-iisip at mga pamamaraan ng paglalaro sa isang tradisyunal na organ-piano na keyboard ay napanatili hangga't maaari"? Ang ganitong mga pahayag, bilang panuntunan, ay nangangailangan ng seryosong pamamaraan ng pagbibigay-katwiran. Samantala, inaanyayahan talaga ng imbentor ang accordionist na "kunin lang" ang instrumento at... tumugtog. Kasiglahan at walang ingat na pagtitiwala - ito ba ay isang ganap na sapat na "kabuuan ng mga bahagi" kapag ang kapalaran ng isang gumaganap ay napagpasyahan? Ang bagong keyboard, ayon kay N. Kravtsov, na nakakatulong sa pagbuo ng modernong imahe ng isang batang tagapalabas, ay nangangailangan ng iba't ibang mga pangunahing kasanayan; ang huli ay dapat na organikong tumutugma sa isang maayos na sistema ng mga koneksyon sa auditory-motor. Ang pagkakatulad ng daliri ay ang panlabas na bahagi lamang ng pagganap. Sa ilalim ng mga kondisyon ng isang bagong keyboard (kung saan ang lahat ng pinakamahalagang katangian ng spatial ay nabago), ang instrumentalist ay kailangang bumuo ng mga naaangkop na koneksyon sa pagganap sa isang bagong paraan. Ang mga pagtitiyak ni N. Kravtsov tungkol sa "hindi kumplikado" na mekanismo ng adaptasyon ("upang matapos ang pag-aaral, hindi upang muling matuto") ay kulang sa tamang argumentasyon at tiyak na nililigaw ang madla.
Ang kadalian ng pag-finger ay isa lamang sa mga bahagi ng pamamaraan ng pagganap, at malayo sa pinakamahalaga. Para sa mga paggalaw na walang error sa keyboard at pinakamainam na kontrol ng mga proseso ng intonasyon, ang pinakamahalagang bagay ay ang oryentasyon sa sistema ng keyboard kung saan nilagyan ang instrumento na ito. Sa pamamagitan ng paglilimita lamang sa ating sarili sa maginhawang pag-finger, nang walang isang full-scale na sistema ng oryentasyon, hindi tayo gagawa ng mga kinakailangan na nag-aambag sa pagbuo ng tamang mga kasanayan sa auditory-motor. Ang keyboard na "honeycomb" ni N. Kravtsov, dahil sa ilang mga tampok na istruktura, ay walang parehong spatial na "delimitation" (naroroon sa isang tradisyonal na akurdyon) at ang prinsipyo ng hilera (katangian ng isang pindutan ng akurdyon). Ang kakulangan ng planar differentiation at tactile specificity ay nagbibigay-daan sa performer na maramdaman lamang ang mga malapit na key. Gayunpaman, ang pakiramdam na ito, sa katunayan, ay lumalabas na hindi matatag dahil sa hindi naayos na mga distansya sa pagitan ng mga susi. Sa ganoong sitwasyon, tila napakahirap gumamit ng pitch (auditory) at spatial na sanggunian. Kapag nag-aaral ng bagong piraso, sa bawat oras na ang tagapalabas ay napipilitang muling i-master ang mekanismo ng interval-spatial na pagkakakilanlan, na nagpapadali sa mga galaw ng daliri na walang error at pagpindot sa mga kinakailangang key.
Ito ay ang mga prospect para sa matatag at mataas na kalidad na paglalaro sa ilalim ng mga kondisyon ng keyboard ni N. Kravtsov na mukhang lubhang nagdududa. Ang mga accordionist na ang mga pagtatanghal ay nagawa kong pakinggan sa instrumentong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kawalan ng katiyakan ng pagitan-spatial na paggalaw, na may mga kalapit na susi na pana-panahong "kumakapit" at isang pinipigilan, hindi maipahayag na pagganap ng mga kaukulang yugto. Ang pagkakaroon ng pagpapakita ng interes sa nabanggit na mga paghihirap, nakapag-iisa kong nakilala ang aking sarili sa bagong keyboard at natuklasan na ang isang kumpiyansa na pakiramdam ng mga spatial na katangian ng keyboard ay nahahadlangan ng ganap na kakulangan ng mga hilera. Samantala, sa modernong accordion player Hindi inirerekomenda na tumingin sa keyboard habang naglalaro. Ang visual na pagwawasto ng mga paggalaw sa keyboard, na sinamahan ng isang patayong posisyon at nakapangangatwiran na pag-install ng instrumento, ay napakahirap at nakakapagod, sinusubukan kong alisin ang aking mga mag-aaral mula sa ugali na ito. Gayunpaman, ang mga performer na gumaganap sa isang instrumento na dinisenyo ni N. Kravtsov ay halos napipilitang patuloy na tumingin sa keyboard! Sa pangkalahatan, ang "flat" na pag-aayos ng mga susi, sa palagay ko, ay mali, at para sa mga maikling musikero, ang visual na kontrol ng laro ay imposible lamang. Ang nabanggit na mga musikero, na sinusubukang kontrolin ang mga kinakailangang spatial na paggalaw, ay pinilit na i-install ang instrumento sa isang hilig na posisyon, na naghihikayat sa higpit ng gumaganap na aparato at lumilikha ng isang malaking pagkarga sa hubog na gulugod.
Ang istraktura ng piano at accordion keyboard ay nagbibigay-daan sa tagapalabas na umasa sa prinsipyo ng agwat, pagsasama-sama at pagsasama ng auditory at spatial na representasyon. Sa aspetong ito, ipinapalagay ng keyboard ni N. Kravtsov ang hindi masusukat na mas malaking pagkakaiba-iba, samakatuwid, ang antas ng karunungan ng mga nauugnay na kasanayan ay depende, una sa lahat, sa paunang yugto ng pagsasanay (habang ito ay malinaw mula sa itaas na pangangatwiran ng imbentor, ang ang paunang kasanayan sa instrumento ay dapat isagawa sa isang klasikal na akurdyon). Ito ay humahantong sa susunod na tanong: ang akurdyon ba ay isang instrumento na may bagong keyboard, o iba pa ba ito? Siguro mas mahusay na tawagan itong "Kravtsophone" bilang parangal sa imbentor? Pagkatapos ng lahat, sa esensya, pinag-uusapan natin ang tungkol sa isang bagong instrumento, na may iba't ibang mga kasanayan at sensasyon, ibang "topograpiya", daliri "choreotechnics", na nagmumungkahi ng pagbuo ng ibang gumaganap na pag-iisip. Mahirap matukoy kung gaano karaming oras ang aabutin upang makabisado ang isang pangunahing hanay ng mga kasanayang ito ay puro indibidwal. Kung ang nabanggit na modelo ay mabuti o masama, mayroon man itong mga prospect (pagkatapos ng ilang partikular na mga pagpapabuti sa disenyo) o wala, kung ang "Kravtsovofon" ay may karapatang umiral, tulad ng isang pindutan ng akurdyon at isang akurdyon, o sa kalaunan ay mawawala sa limot - ito ay posible na maitatag lamang sa pamamagitan ng eksperimentong paraan. Ngunit pagkatapos ay ang pagpapatuloy na idineklara ng may-akda sa pagitan ng akurdyon at ng bagong instrumento ay lumalabas na higit pa sa pagdududa. Pagkatapos ng lahat, ang nakuha na mga kasanayan ay dapat na mabago at kahit na mabago! Ang pagbagay ng mga kasanayan na nauugnay sa tradisyonal na keyboard (na pinagkadalubhasaan ng mga bata sa pre-propesyonal na panahon ng pagsasanay) sa bagong imbento na instrumento, na iminungkahi ni N. Kravtsov, ay talagang nawawalan ng anumang kahulugan, dahil para sa tagapalabas ang bagong bagay na ito, sa kabila ng lahat ng pagkakatulad ng mga prinsipyo ng fingering, ay malinaw na "higit" sa kahalagahan ng mga nabanggit na kasanayan .
Kapag pinagkadalubhasaan ang inilarawan na keyboard, magkakaroon ng muling pagsasaayos ng gumaganap na sistema ng sound-spatial orientation, na gumagana sa ilalim ng mga kondisyon ng isang tradisyonal na keyboard ng accordion (kung saan ang pagpapalawak ng agwat ay tumutugma sa isang pagtaas sa distansya na sakop) o button accordion ( na may chromatic system ng pag-aayos ng mga susi at isang matatag na kahulugan ng mga hilera). Ang pagkakapareho ng mga daliri sa sitwasyong ito ay hindi ginagarantiyahan ang pagkakapareho ng mga kasanayan. Tulad ng tiniyak ni N. Kravtsov (tingnan ang: ), ang tagapalabas ay hindi magagawang mabilis na "makatapos ng kanyang pag-aaral" sa pamamagitan ng pag-angkop sa bagong keyboard. Samantala, ang anumang muling pag-aaral ay natural na nagdudulot ng iba't ibang "mga kapintasan" sa spatial na oryentasyon sa keyboard, na nagpapalala sa katatagan ng laro. Sa palagay ko, mas mainam na irekomenda ang button na accordion sa mga mahuhusay na musikero ng accordion na talagang gustong magsagawa ng mga komposisyon ng "matinding" kahirapan nang walang instrumental na "pagbagay" ng mga orihinal na teksto. Sa kasong ito, ang artistikong resulta at ang katatagan ng pagpapatupad ay magiging mas mahuhulaan.
Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng isang balanse at promising na diskarte sa pagbuo ng button accordion at accordion ay ang gawa ng kahanga-hangang Polish na musikero, guro at metodologo na si Wlodzimierz Lech Puchnovsky: "Si Puchnovsky ay isang pioneer sa maraming mga pagsisikap sa Poland at higit pa. Siya ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng accordion art sa Poland at halos gumaganap ng isang mapagpasyang papel dito. Salamat sa kanya aktibong gawain, binuksan ang mga klase ng accordion sa maraming institusyong pang-edukasyon, kabilang ang Academy of Music na pinangalanan. F. Chopin. Ito ay si Pukhnovsky, sa pamamagitan ng kanyang malakas na desisyon, na inilipat ang lahat ng Polish keyboardist sa push-button accordions (accordions). Kasabay nito, pinag-aaralan ang mga tagumpay ng mga manlalaro ng accordion na pindutan ng Sobyet sa mga internasyonal na kumpetisyon, dumating siya sa konklusyon na ang sistema ng Russia, ang tinatawag na B-griff, ay mas maginhawa para sa posisyon ng mga kamay, lalo na sa kaliwa- kamay na keyboard. Palagi niyang binibigyang-diin na sa sistemang ito, ang "Albertian basses," tulad ng sa piano, ay mas madaling tugtugin, iyon ay, ang mahinang hinliliit ay tumutugtog ng mababang bass, habang ang malalakas na daliri ay nananatiling libre para sa mga figurasyon ng birtuoso. Mula noon, unti-unting lumipat sa push-button system ang lahat ng Polish accordionist, na lahat ay tumutugtog ng mga instrumento sa keyboard.
Aling instrumento ang pinakamahusay na magsanay ay isang tanong na matagal nang nalutas sa mga manlalaro ng button accordion at accordion. Ang pindutan ng akurdyon ay tila mas maaasahan para sa pagsasanay at pagsasanay sa konsiyerto, na tinutukoy ng lawak ng kaukulang repertoire. Ang paraan ng paglipat mula sa accordion hanggang sa button accordion ay nasubok na ng mga sikat na musikero-guro: V. A. Semenov, O. M. Sharov, S. F. Naiko, atbp. Maraming mga halimbawa kapag ang mga accordionist ay muling nagsanay sa loob ng isang taon at matagumpay na gumanap sa mga kumpetisyon, na nagpapakita ng mahusay na mga resulta. Kinailangan ko ring lumahok sa mga katulad na "eksperimento" sa aking mga mag-aaral. Gayunpaman, ang ilan sa aking klase ay hindi nagsasanay sa nabanggit na muling pagsasanay ng mga accordionist. Ang mga dahilan para sa desisyon na ito ay ang naipon na karanasan ng pakikipagtulungan sa mga accordionist, isang kapansin-pansing pagpapayaman ng artistikong repertoire na ginanap sa akurdyon, ngunit, marahil ang pinakamahalaga, ang kadahilanan ng indibidwal na attachment, ang pag-ibig ng batang musikero para sa kanyang instrumento. Sa ngayon, lalong mahalaga na maunawaan ang mga pagsisikap na ginawa ng mag-aaral mismo at ng kanyang dating guro sa panahon ng "pangalawang dalubhasa" na yugto ng paghahanda sa edukasyon. Bilang karagdagan, ang guro ay nanganganib na makagambala sa natural na proseso ng pag-unlad ng mag-aaral, dahil ang pagiging ganap at pagiging natural ng mga nakuhang paunang kasanayan ay maaaring maputol sa panahon ng muling pagsasanay.
Bakit kailangan mong magsanay muli? Ayon kay N. Kravtsov, ang pangunahing motibo ay ang pagnanais ng mga accordionist na makabisado ang isang bagong modernong repertoire na tinutugunan sa akurdyon, dahil ang pangunahing "problema ng pagsasagawa ng texture ng accordion sa kanan - organ-piano keyboard" ay nagiging "isang malawak na hanay ng mga boses.” Ang pagnanais na regular na makilala kawili-wiling musika sa ating mga araw ay katangian ng bawat mahuhusay at matanong na artista, anuman ang instrumento na pag-aari niya. Naturally, kapag gumaganap ng modernong pang-akademikong musika para sa pindutan ng akurdyon sa akurdyon, ang mga paghihirap ay lumitaw na nauugnay sa pag-angkop ng ilang mga elemento ng pagtatanghal ng textural ng orihinal sa mga detalye ng keyboard ng akurdyon. Paminsan-minsan, ang accordionist ay napipilitang ipakilala ang ilang mga pagbabago sa musikal na tela na hindi nakakaapekto sa mga batayan ng masining at makasagisag na konsepto ng komposisyon na ginaganap. Sa ganitong mga kaso kinakailangan mayroong isang malinaw na representasyon (pre-hearing) ng pinakamahalagang textural na "mga bahagi" ng plano ng may-akda, na nagpapahintulot sa isa na makamit ang isang sapat na resulta ng pagganap (salamat sa pare-parehong likas na katangian ng paggawa ng tunog sa pindutan ng akurdyon at ang akurdyon).
Tandaan natin na ang "awtomatikong" adaptasyon ng modernong akademikong accordion music sa accordion ay napakabihirang - kahit na ang naturang "automatism" ay lumalabas na teknikal na maginhawa at posible. Sa madaling salita, hindi gaanong mahalaga kung ang isang partikular na pagsasaayos ay ginagawa sa isang tradisyonal o isang "bagong" keyboard. Ito ay totoo lalo na para sa "naaangkop" na mga tampok ng three-row fingering system (batay sa lohikal na mga prinsipyo ng istraktura ng keyboard ng accordion na pindutan: sa madaling salita, ang bawat daliri ay gumagalaw kasama ang "sariling" hilera ng mga susi nito). Sa katunayan, ang pindutan ng akurdyon na "grip" sa akurdyon ay tila isang uri ng "imbensyon", bahagyang maginhawa at organiko. Ang pagnanais ni N. Kravtsov na "mapanatili hangga't maaari ang pag-iisip at mga diskarte sa paglalaro sa isang tradisyunal na organ-piano keyboard" ay nagpapahiwatig ng pagpapatupad ng mga partikular na elemento na naka-texture ng accordion na may sunud-sunod na alternating na mga daliri. Ang mga positional na prinsipyo na binanggit sa itaas (isang natural na produkto ng three-row system) ay hindi maipapatupad sa kasong ito, dahil ang mga distansya sa pagitan ng mga key ng bagong keyboard ay lumampas sa mga distansya ng modernong button accordion. Iyon ang dahilan kung bakit ang texture ng accordion ay mapipilitang isagawa gamit ang iba pang mga kumbinasyon ng fingering.
Ang ganitong mga paghihirap ay lalong kapansin-pansin sa proseso ng pag-aaral ng mga orihinal na gawa ng mga kompositor ng akurdyon (Vl. Zolotarev, V. Semenov, V. Zubitsky, A. Yashkevich, atbp.), Na napakalinaw na nauunawaan ang mga detalye ng tamang keyboard ng akurdyon, at kung minsan ay nagko-compose pa sa direktang "contact" " gamit ang instrumento (o "sinubok" nila ang mga bagong likhang opus sa kanilang sariling pagganap). Ang bagong keyboard na iminungkahi ni N. Kravtsov ay nangangailangan ng mga bagong solusyon sa fingering na naiiba sa tunog mula sa orihinal na disenyo at tumutugma sa mga transkripsyon. Kapag gumaganap ng accordion music na nilikha ng mga kompositor - "non-accordionists" (sa pangkalahatan ay isinasaalang-alang nila ang mga tampok ng keyboard ng instrumento nang hindi pinagkadalubhasaan ito), ang potensyal na interpreter ay higit na kailangang "iangkop" ang tunog na materyal alinsunod sa mga aktwal na tampok. ng pindutan ng akurdyon o akurdyon.
Sa pangkalahatan, ang problema ng repertoire na "kakulangan" ay madalas na matagumpay na nalutas ng mga modernong nagsasanay sa pagtuturo. Halimbawa, ang mga mag-aaral ng akordyon ay nag-aaral sa aking klase sa loob ng maraming taon, at walang koneksyon na matatagpuan dito sa diumano'y "closed gaps in load volume" sa mga klase sa unibersidad. Tila, ngayon ang pagiging kaakit-akit ng akurdyon sa paunang panahon ng pagsasanay ay lumalabas na mas mataas kaysa sa "akit" ng pindutan ng akurdyon (hindi namin susuriin ang mga dahilan para sa hindi pangkaraniwang bagay na ito). Ang organisasyon ng proseso ng unibersidad ng mga akordyonista sa pagsasanay at mga akordyonista ng pindutan ay halos walang makabuluhang pagkakaiba. Pagkatapos ng 45 taon ng trabaho sa mga unibersidad at kolehiyo, nakabuo ako ng isang ganap na repertoire para sa akordyon, na nagpapahintulot sa mga mag-aaral na makamit ang kinakailangang antas ng propesyonal alinsunod sa pamantayan ng mas mataas na dalubhasang edukasyon. Ang akordyon, siyempre, ay hindi isang "omnivorous" na instrumento, at upang hamunin ang pagiging lehitimo ng pagtatalaga ng isang kwalipikasyon sa unibersidad batay sa sukat ng modernong orihinal na repertoire na ginanap ay, sa hindi bababa sa, walang ingat.
Ang isang pantay na mabigat na argumento na pabor sa mga transkripsyon ng modernong akademikong accordion na musika ay ang saloobin sa prosesong ito na ipinakita ng mga may-akda ng kaukulang mga gawa. Sa partikular, ang kahanga-hangang kompositor ng Don na si A. Kusyakov, na paulit-ulit na sumang-ayon na makinig sa aking mga mag-aaral sa akordyon upang maging pamilyar sa isa o ibang bersyon ng pag-aayos, ay napakalma tungkol sa mga pagsasaayos na ginawa, na naniniwala na ang pangunahing bagay sa lugar na ito ay panatilihin ang isang pakiramdam ng proporsyon at sundin ang masining na layunin ng trabaho. Bukod dito, sa suporta ni A. Kusyakov, ang isang bilang ng kanyang mga gawa sa "mga bersyon" ng akurdyon ay nai-publish ng bahay ng pag-publish ng Rostov Conservatory.
May kaugnayan sa pagganap ng musika ng organ sa akurdyon, dapat itong tandaan: hindi lahat ng komposisyon para sa organ ay maaaring muling likhain ng mga accordionist sa orihinal na bersyon. Kadalasan ang interpreter ay kailangang "muling ipakita" ang teksto ng may-akda, na pumipili ng artistikong katanggap-tanggap na mga opsyon para sa sound embodiment nito. Ang pindutan ng akurdyon, tulad ng akurdyon, ay hindi maaaring ituring na isang "unibersal" na instrumento, na kinumpirma ng pagsasagawa ng kaukulang mga transkripsyon ng orkestra, violin at piano opuses ng romantikong panahon.
Kung isinasaalang-alang ang mga prospect para sa paggamit ng keyboard na iminungkahi ni N. Kravtsov sa kaliwang bahagi, pati na rin ang pagpapayo ng "salamin" na paglalagay ng mga boses (mababang rehistro ang itaas na bahagi ng keyboard, ang mataas na rehistro ay ang mas mababang bahagi ), ang may-akda ng mga linyang ito ay may malaking pagdududa. Ang ideya ay nangangailangan ng karagdagang pag-aaral at masusing pagpipino. Ang argumento ng imbentor tungkol sa "pinahusay" na pag-aayos ng mas mababang mga boses at ang lohikal na hindi motibasyon na sistema ng mga dobleng hilera sa elective na keyboard ay mukhang lubhang problemado: "Ang pag-aaral ng problema ay nagpakita na ang mga proseso ng motor-game ay naitatag nang mas mabilis at mas pare-pareho sa pangkalahatang pisyolohiya ng tao kung ang mga ito ay batay sa "salamin" na countermovement " At higit pa: “Lumalabas na kapag paggawa ng salamin elective keyboard, lahat ng fingering na kilala sa kasaysayan ng piano, organ at accordion para sa kanang kamay ay maaaring matagumpay na magamit kapag tumutugtog sa kaliwa." Hindi malinaw kung ano ang mga proseso ng motor-game na nasa isip ni N. Kravtsov. Gayunpaman, ang praktikal na karanasan sa pakikipagtulungan sa isang accordionist na nag-aaral sa klase ng may-akda ng artikulong ito at nagsasanay sa "salamin" na kaliwang keyboard ng isang elektibong instrumento ay nagbibigay-daan sa amin upang tapusin: ang mga problema sa kaginhawahan ng pagsasagawa ng mga paggalaw sa panahon ng mga sipi na tulad ng sukat. mananatiling hindi nagbabago para sa tinukoy na "inverted" na modelo. Sa parehong mga kaso, mukhang mas maginhawang magsagawa ng mga sipi na may mga pataas na paggalaw sa keyboard, at mas mahirap sa mga pababang paggalaw. Kapag gumaganap ng isang bass-chord texture sa isang "mirror" elective na keyboard, ang mga kontradiksyon ng auditory-motor na kalikasan ay lumitaw kapag ang mas mababang boses ay inilagay sa tuktok ng keyboard, ang mga chord sa ibaba (na may malinaw na paglihis mula sa mga patnubay sa pitch ). Ito ay humahantong sa hindi makatwiran na paggamit ng mga daliri, na hindi isinasaalang-alang ang mga katangian ng pisyolohikal ng kamay at ang pangunahing papel ng mas magaling na mga daliri sa pag-aayos ng proseso ng pagganap. Sa isang "mirror" na keyboard, ang bass ay nilalaro ng mobile at flexible na 2nd finger, habang ang mga hindi gaanong nabuong mga daliri, na hindi masyadong angkop para sa paghahanap at sabay-sabay na pagtugtog ng magkatugmang mga tono, ay nakatalaga ng mga tunog ng chord. Ang keyboard ng tradisyunal na sistema ay dapat ituring na malinaw na mas kanais-nais para sa pagganap ng gayong texture, dahil pinapayagan nito ang isa na muling likhain ang mga lohikal na prinsipyo ng orihinal sa mga transkripsyon ng piano music. Ang elective keyboard ay ang kaliwa (ibabang) bahagi ng piano scale kung saan nilalaro ang bass saliw gamit ang ika-5 o ika-4 na daliri. Sa konteksto ng isang tradisyunal na keyboard, lumalabas din na mas maginhawa ang spatial na oryentasyon - pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga hilera at distansya na patuloy na nadarama (sa pamamagitan ng 2nd daliri) sa panahon ng mga paglukso o mga naka-texture na paggalaw, sa kabila ng medyo malaking distansya ng mga tunog ng chord mula sa ang bass.
Ang isa pang napaka-kaduda-dudang thesis ni N. Kravtsov ay ang pahayag: "... ang mga daliri para sa mga bahagi ng kanan at kaliwang mga kamay ay hindi kailangang pag-aralan nang hiwalay, ngunit isang daliri lamang ang sapat, na magiging pangkalahatan para sa parehong mga kamay. Bilang karagdagan, ang proseso ng pagbabasa ng mga tala mula sa isang sheet, na palaging problema kapag tumutugtog sa tatlong sistema ng instrumento, ay lubos na pinasimple." Kaugnay ng iminungkahing “uniform” fingering, muli nating bumaling sa proseso ng pagbuo ng mga kasanayan sa paglalaro. Sa pindutan ng akurdyon, sa kabila ng walang alinlangan na pagkakapareho ng kanan at kaliwang mga keyboard, ang nabanggit na proseso ay hindi nangangahulugang tinutukoy sa pamamagitan ng pag-finger ng "mga parallel". Ang pagbuo ng malakas at matatag na mga kasanayan sa paglalaro ay nakakamit sa pamamagitan ng pagsasanay na isinasagawa ng bawat kamay nang hiwalay. Ipinahihiwatig nito, kasama ang pare-parehong pag-unlad ng landas ng keyboard, ang ipinag-uutos na paggamit ng mga prinsipyo ng kontrol sa antas ng sound-spatial at intonation. Nang maglaon, sa susunod na yugto ng pag-master ng piyesang pinag-aaralan, nabuo ang isang bagong – pinagsamang, pinag-iisang – kasanayan. Samakatuwid, ang pangangatwiran ni N. Kravtsov tungkol sa mga prospect ng pag-aaral ay gumanap ng mga komposisyon ayon sa isang pinabilis at pinakamataas na "magaan" na iskedyul ay mukhang malinaw na mali, pati na rin ang dapat na "relasyon" sa pagitan ng kumpiyansa na pagbabasa ng paningin at ang pagkakatulad ng mga daliri.
Ang mga katulad na maling kuru-kuro ay katangian ng mga naunang publikasyon ni G. Shakhov (tingnan, halimbawa:), kung saan ang mga kasanayan sa pandinig-motor na gumaganap ay pinalitan ng "parallelism" ng daliri. Ang kamalian ng interpretasyong ito ng problema ay malinaw na inihayag kapag ang pagbabasa ng paningin ng mga walang karanasan na button accordionist at accordionist: hindi masyadong tumpak na pitch prediction ng tekstong ginaganap ay pinalala ng tinatayang panloob na paningin ng keyboard. Ang resulta ay isang paghahanap para sa naaangkop na mga susi, na ipinatupad sa pamamagitan ng "pagsusundot" sa keyboard - "pag-detect" ng teksto sa keyboard, at hindi sa kabaligtaran. Ang resulta ng naturang gawain ay hindi masyadong nakaaaliw: ang aktwal na pagganap ay nagpapatuloy "nang nakapag-iisa" ng mga tunay na koneksyon sa pitch pre-hearing at intonation control.
Isa-isahin natin ang sinabi sa itaas:
1. Ang pahayag ni N. Kravtsov tungkol sa propesyonal na "kababaan" ng mga sertipikadong accordionist, na diumano'y kailangang lumipat sa isang bagong disenyo ng keyboard, ay mukhang walang katotohanan (at, sa katunayan, nakakapinsala).
2. Ang akordyon ay isang instrumento na sapat sa sarili, ang pag-unlad nito ay nagaganap sa mga kondisyon ng isang mahusay na itinatag at medyo epektibong sistema para sa pagsasanay ng mga highly qualified na espesyalista.
3. Ang mga pahayag ng may-akda tungkol sa mga pakinabang ng keyboard na naimbento niya ay hindi suportado ng mga pamamaraang katwiran para sa pagpapayo ng malawakang pagsasanay sa "Kravtsov's accordions."
4. Keyboard, tungkol saan pinag-uusapan natin, ay hindi isang "pinahusay na bersyon" ng tradisyonal, ngunit isang bagong modelo, upang makabisado kung alin ang dapat muling matutunan - hindi "tapusin ang pag-aaral."
5. Ang pagpapalit ng tradisyonal na pag-aayos ng pitch sa kaliwang elective na keyboard ng isang bagong imbento ("salamin") ay mukhang isang hindi naaangkop at hindi magandang inisyatiba.
6. Ang kasalukuyang sitwasyon sa larangan ng edukasyon sa musika ay nailalarawan sa kaugnayan ng mga problema na may kaugnayan sa nilalaman at kalidad ng proseso ng edukasyon. Kailangan nating magturo at mag-aral sa paraang ang ating propesyon ay kumuha ng karapat-dapat na posisyon sa kaukulang domestic ranking. Kailangang mahanap ng mga Bayanista at akordiyonista ang kanilang lugar sa lipunan, ipahayag ang mahalagang papel ng pagtatanghal ng mga katutubong instrumento at pukawin ang mainit na tugon mula sa mga manonood ngayon.
7. Ang punto ng pagsasanay ay hindi kung gaano karaming mga diploma at tasa ang mapanalunan ng isang batang musikero sa mga internasyonal na kumpetisyon, ngunit ang kanyang hilig para sa kanyang napiling propesyon. Ang pag-ibig ng tagapalabas para sa kanyang instrumento ay dapat na "pulang sinulid" ng bawat isa malikhaing talambuhay; Bilang karagdagan, ang isang tunay na propesyonal ay obligadong pukawin ang isang katulad na pakiramdam sa kanyang sariling mga mag-aaral.
8. Ang instrumental na "re-equipment" ng mga accordionist at ang pagpapakilala ng isang binagong keyboard sa pagsasanay sa pagganap ngayon ay halos hindi nakakapagod na mga gawain. Ang sitwasyon sa imbensyon ni N. Kravtsov ay maaaring matagumpay na malutas at nalutas na salamat sa isang indibidwal na diskarte sa pagsasanay. Sa pamamagitan ng pagpapataw ng ilang "pangkalahatang obligado" na mga recipe sa lugar na ito sa mga lokal na musikero, inaakay lang namin ang aming mga kasamahan mula sa pag-unawa sa mga pangunahing problema ng domestic na propesyonal na edukasyon at ang konsiyerto at sining ng pagtatanghal.
Panitikan
1. Akordyon ni N. Kravtsov. URL: http://www.accordionkravtsov.com/method.shtml.
2. Kravtsov N. Sistema ng mga organ-type na keyboard sa disenyo ng isang handa na akordyon // Nag-aalok sa Kagawaran ng Mga Instrumentong Bayan [SPbGUKI]: koleksyon. Art. St. Petersburg, 2013.
3. Lips F. Sa memorya ng V. L. Pukhnovsky. URL: http://www.goldaccordion.com/id1344.
4. Ushenin V. Pagpapabuti ng teknikal na kasanayan ng isang accordion player: textbook. allowance. Rostov n/d, 2013.
5. Ushenin V. Paaralan ng paglalaro ng akurdyon: paraan ng edukasyon. allowance. Rostov n/d, 2013.
6. Ushenin V. School of artistic mastery ng accordion player: paraan ng edukasyon. allowance. 2009.
7. Shakhov G. Naglalaro sa pamamagitan ng tainga, pagbabasa ng paningin at transposisyon sa klase ng akurdyon: aklat-aralin. allowance. M., 1987.
Pinarangalan na Artist ng Russia,
Ph.D. sa History of Arts,
Propesor ng Rostov State Conservatory na pinangalanan. S.V. Rachmaninov
V.V. Ushenin
TUNGKOL SA LIBRO
Ang aklat na dinala sa atensyon ng iginagalang na mambabasa ay nagbubuod sa maraming taon ng pagganap at karanasan sa pagtuturo ng may-akda nito - Doctor of Art History, Propesor - Nikolai Andreevich DAVYDOV.
Ang halaga ng libro ay na ito ay sumasalamin sa isang qualitatively bagong antas ng pagganap ng sining ng akordyon player, na nakamit sa huling isa at kalahati hanggang dalawang dekada. Ang paglago nito ay pinasigla ng muling pagtatayo ng button accordion sa tinatawag na ready-made multi-timbre concert instrument at ang pagsulong ng mga mahuhusay na kompositor na lumilikha ng mga artistikong makabuluhang gawa para sa modernong button accordion.
Ang pag-usbong ng pagtatanghal ng akurdyon ay nagtaas nito sa antas na maihahambing sa isang tiyak na lawak sa pagganap ng violin, organ o piano. Gayunpaman, kung mayroong hindi bababa sa dose-dosenang, at sa pagsasanay sa mundo - daan-daang mga generalizing na gawa sa kasaysayan, teorya at pamamaraan ng paglalaro ng mga klasikal na instrumentong pangmusika, kung gayon ang mga daliri ng isang kamay ay sapat na upang mabilang ang mga ito sa larangan ng pagganap ng akurdyon ng pindutan.
Ang antas ng pag-unlad ng gumaganap na sining ng mga manlalaro ng accordion na nakamit ngayon ay napakataas na hindi na ito tumutugma sa tradisyonal na nilalaman at organisasyon ng kaalaman sa lugar na ito, ang kanilang pagkapira-piraso, hindi kumpleto, madalas na nangingibabaw na teknolohikal, oryentasyon ng recipe, isang tiyak. paghihiwalay, paghihiwalay mula sa iba pang mga lugar ng kaalaman at pagganap ng pagkamalikhain. Sa sitwasyong ito, ang aklat ni N. A. Davydov ay hindi lamang nauugnay. Ito ay pangkasalukuyan dahil napagtagumpayan nito ang nabanggit na pagkakaiba sa pamamagitan ng pagsasama ng pagganap ng akurdyon sa karaniwang sistema musical performing arts sa pangkalahatan, kung saan lumilitaw ang lahat ng uri ng performance (piano, string-bow, wind at iba pang instrumento) bilang katabi ng sining ng mga accordionist.
Ang pag-on sa mga pamamaraan at pamamaraan ng pagtugtog ng piano, violin at iba pang mga instrumento, pati na rin sa sikolohiya, musikal acoustics at teorya ng musika, isinasaalang-alang ng may-akda ng aklat ang awtomatikong pagpapakalat o mekanikal na paglipat ng karanasan ng mga kaugnay na manlalaro sa accordion art hindi katanggap-tanggap. Kinuha lamang ni N. A. Davydov mula sa karanasang ito ang pinakamahalagang bagay na karaniwan sa lahat ng mga lugar ng pagganap ng sining, o ang hindi sumasalungat sa mga detalye ng pindutan ng akurdyon. Nakikita ng may-akda ang pinakamahalagang aspeto ng pagganap ng button accordion at ang partikular na tampok ng button na accordion sa kalapitan ng mga kamay sa keyboard, hindi maihihiwalay na pakikipag-ugnayan dito, ang kanilang paglulubog sa keyboard, at ekonomiya ng mga paggalaw.
Ang libro ay paulit-ulit na pinag-uusapan ang tungkol sa hindi sapat na koneksyon ng mga manlalaro ng akurdyon na may mga kaugnay na larangan, na sila ay madalas na interesado lalo na sa pagganap ng mga detalye ng kanilang aktibidad, habang ang isang accordion player, na pamilyar sa, halimbawa, compositional technique, ay may mas mahusay na pag-unawa sa istraktura ng mga gawang musikal at malayang nakakahanap ng tamang interpretasyon ng tekstura at iba pang paraan ng pagpapahayag.
Tamang kinilala ng may-akda ang pinakamahalagang isyu na nangangailangan ng agarang pagsasaalang-alang: pagtukoy sa mga detalye ng gumaganap na interpretasyon ng mga paraan ng pagpapahayag ng musikal; pagtukoy ng mga partikular na aspeto ng pag-iisip ng pagganap ng musika at pagpapahayag ng intonasyon ng button accordion; teoretikal na pagpapatibay ng mga mekanismo ng sapat na intonasyon ng tagapalabas ng mga elemento ng istruktura ng mga gawang musikal; paggawa ng isang konsepto masining na pamamaraan manlalaro ng akurdyon; pagbibigay-katwiran sa likas na pagkaka-akda ng pagganap ng sining, atbp.
Ang masusing siyentipikong pag-aaral ng may-akda sa paksa ng kanyang pananaliksik - ang teorya ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap - ay nagbubunga ng malalim na kasiyahan. Batay sa pangunahing premise ng teorya ng intonasyon ni Asafiev, ang isang napakalaki at malalim na pagsusuri ng mga pattern ng pagganap ng sining sa pindutan ng accordion ay isinagawa. Ang may-akda ay sapat na inayos ang mga pattern na ito sa tatlong mga lugar: "intonasyon at nagpapahayag na mga kakayahan ng pindutan ng akordyon" (I kabanata); "intonasyon ng tagaganap ng kahulugan ng musika" (II kabanata); "mga sangkap na elemento ng artistikong pamamaraan ng accordion player" (III kabanata).
Walang alinlangan na ang may-akda, sa isang mas mataas na antas ng spiral ng pananaliksik, ay umabot sa sikat na "Neuhausian" triad: instrument-work-performer. Sa pagbuo ng huling bahagi ng triad, ang Kabanata IV ng aklat ay mahusay na isinulat - "Edukasyon ng Tagapagganap."
Ang isa ay hindi maaaring ngunit sumang-ayon sa pangunahing hanay ng mga isyu kung saan partikular na nakatuon ang pansin ni N. Davidov. Ito ay, una sa lahat, mga tanong ng mga detalye ng instrumento at ang mga pattern ng artikulasyon dito; ang isyu ng mutual adaptation ng artistikong at nagpapahayag na kakayahan ng button accordion at musical at playing movements (bilang isang proseso ng pagbuo ng artistic at performing skills).
Pangalawa, ito ay isang katanungan ng mga detalye ng gumaganap na pag-iisip ng isang musikero, na gumagana hindi lamang sa mga kategorya ng pangkalahatang musikal na pag-iisip, kundi pati na rin sa mga tiyak (tiyak na instrumental-performing) - tulad ng timbre, articulation, agogics, dynamics (sa malawak na kahulugan ng salita).
Pangatlo, ang tanong ng kumplikado, sintetikong katangian ng masining na pamamaraan, na nagbibigay-daan para sa katumbas na pagpapalitan ng gumaganap na paraan ng pagpapahayag. At sa wakas, ang tanong ng pagbuo ng mga kapaki-pakinabang na psycho-physical micro-action ng isang musikero bilang pangunahing batayan para sa karagdagang kapaki-pakinabang na pag-unlad sa meso- at macro-level, na magkakasamang sumasalamin sa likas na katangian ng kapaki-pakinabang na artistikong pamamaraan.
Ang halaga ng mga sagot na natagpuan ng may-akda ay halos hindi matataya. Nang walang pagmamalabis, malawak niyang "binubuksan ang mga pinto" sa "mga lihim ng karunungan" para sa pinakamalawak na mga layer ng mga performer, kabilang ang mga nasa mga instrumentong pangmusika na may kaugnayan sa button accordion.
Ang tagumpay ng may-akda sa pagtatrabaho sa mga isyung isinasaalang-alang ay dahil sa ang katunayan na hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa mga teoretikal na paghahanap, kundi pati na rin ang malawakang ginagamit na mga eksperimento sa laboratoryo at empirikal. Kaya, sa ilalim ng kanyang pamumuno, isang eksperimentong laboratoryo ang inayos upang pag-aralan ang mga problema sa pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng isang manlalaro ng akurdyon. Ang mga bunga nito ay makikita sa mga disertasyon at publikasyon ng kandidato: Y. Baya, N. Vroyako, V. Bilous, L. Matviychuk, V. Knyazeva, V. Sharova, G. Shakhova. Ang mga may-akda na ito, sa ilalim ng pamumuno ni N. Davydov, ay lumikha ng mga pangunahing katwiran para sa mga pangunahing bahagi ng pagganap ng sining: ang instrumento (V. Sharov), ang mga kasanayan sa motor ng instrumentalist (Yu. Bai), ang pagdinig ng manlalaro ng accordion at ang pagtitiyak nito ( G. Shakhov), psychotechnics (V. Bilous).
Ang solidong "buhay" na materyal na inaalok sa atensyon ng mga mambabasa ng libro ay bumubuo sa personal na karanasan ng may-akda na siyentipiko at empirical-pedagogical. Sa kanyang pangmatagalang pag-aaral ng problema, nagsagawa siya ng 17 mga programa sa konsiyerto ng iba't ibang mga estilo, nagsanay ng higit sa 100 mataas na kalidad na mga performer, kabilang ang 39 na nagwagi ng mga internasyonal at republikang kumpetisyon, karamihan sa kanila ay ginawaran ng mga unang premyo, Grand Prix, pinarangalan na mga artista. at mga artista ng Ukraine, mga propesor, mga kandidato ng agham, mga associate professor
Mula sa punto ng view ng hinaharap ng pagganap ng akurdyon, ang ideya ng may-akda ng pagiging bukas, na tumatakbo tulad ng isang pulang thread sa buong libro, ay napakahalaga at pangunahing. Si N. A. Davydov ay hindi hilig na gumawa ng ganap na kanyang mga praktikal na rekomendasyon, na binuo batay sa bago, orihinal at kawili-wiling mga teoretikal na prinsipyo. Ang mga ito at maraming iba pang mga pakinabang ng iminungkahing libro ay nagbibigay inspirasyon sa pagtitiwala na ito ay magiging parehong reference na libro para sa mga akordyonista gaya ng, sabihin nating, ang aklat ni G. Neuhaus para sa mga pianista, lalo na dahil ang mga pangunahing gawain tulad ng aklat ni N.A. Davydov ay halos hindi para sa mga akordyonista.
A. I. ROVENKO, Doctor of Art History, Propesor
Y. N. BAI, kandidato ng kasaysayan ng sining, propesor
- KABANATA I. Intonasyon at nagpapahayag na mga kakayahan ng akordyon ng pindutan
- 1. Mga paraan ng pagpapahayag ng musikal sa proseso ng pagtatanghal
- 2. Intonation expressiveness ng button akurdyon
- 1. Oryentasyon
- 2. Pakikipag-ugnayan sa keyboard
- 3. Teknikal na pangingibabaw
- 4. Timbang ng kamay
- 5. Mga pangunahing anyo ng paggalaw ng kamay Chords
- 6. Mga detalye ng kaliwang kamay Kontrol ng dynamics Finger work
- 7. Koordinasyon
- II. Ang ibig sabihin ng pagpapahayag bilang batayan ng karunungan
- 1. Paggabay sa paggalaw
- 2. Pagdidiin
- 3. Line art technique
- 4. Dinamika ng pagganap
- 5. Ang paggawa sa isang melody ay ang pangunahing salik sa integridad ng artistikong kasanayan
- 1. Kultura ng damdamin
- 2. Pagkakaisa ng emosyonal at rasyonal na mga salik
- 3. Mga pangunahing kinakailangan para sa pagbuo ng malikhaing kalayaan
- 4. Takdang-aralin bilang salik sa pag-aaral sa sarili
- a) Iba't ibang paraan ng pag-aaral ng isang piraso ng musika
- b) Paggawa sa partikular na mahirap na mga sipi (chain method)
- c) Pagbuo ng melodic na istraktura
- 5. Ang antas ng pagiging kumplikado ng repertoire bilang isang kadahilanan sa artistikong paglago ng gumaganap
- 6. Pamamaraan para sa pagtukoy ng pagtatasa ng pagganap
