Gibt es eine Zukunft für das russische Volkshandwerk? traditionelle Künste? Natalia Nekhlebova hat es herausgefunden

Volkskunst und Kunsthandwerk, das Kriege, Revolutionen, Sowjetherrschaft und Perestroika überlebte, in neues Russland waren vom Aussterben bedroht: Die Produktion geht Jahr für Jahr zurück, der Umsatz wächst nicht, die Zahl der Handwerker geht unaufhaltsam zurück. Nur ein Wunder könnte diese einzigartige Branche vor einem traurigen Schicksal bewahren. Und es sieht so aus, als ob es passieren könnte. Wie die russische Identität im Sterben lag und warum der St. Petersburger Unternehmer Anton die Chance hat, im Gedächtnis vieler Generationen von Volkshandwerkern zu bleiben, fand Ogonyok heraus.

Natalia Nekhlebova

„Bei unserem Volkshandwerk läuft alles stabil“, sagt Gennady Drozhzhin, Vorstandsvorsitzender des Vereins „Volkskunsthandwerk Russlands“, „durchweg schlecht.“ Und er erklärt: Seit 25 Jahren stirbt unsere „Basis der ursprünglichen nationalen Kultur“ (wie das Ministerium für Industrie und Handel in seinen Dokumenten das Volkshandwerk definiert) still und leise aus …

Die tragischen Töne in den Worten des Verbandschefs sind verständlich: Das Produktionsvolumen sinkt von Jahr zu Jahr, die Zahl der Handwerker nimmt stetig ab. Während in der Sowjetunion etwa 100.000 Handwerker in Volkskunst- und Handwerksbetrieben arbeiteten, gibt es heute in den riesigen russischen Weiten weniger als 20.000 Hüter der „nationalen Identität“. Typisches Bild: Von Betrieben, die früher 200-300 Mitarbeiter beschäftigten, sind nur noch 15 übrig, allesamt im Rentenalter. Und sie arbeiten mehr aus Gewohnheit als für Geld – in einem Drittel der einst berühmten Fabriken beträgt der Lohn nicht mehr als 10.000 Rubel. Für so viel Geld werden sich junge Leute natürlich nicht hinsetzen, um Zhostovo-Tabletts zu bemalen, über Bogorodsk-Schnitzereien, Jelets-Spitze oder Fedoskino-Miniaturen zu brüten. „Neunundneunzig Prozent der Volkshandwerke benötigen Soforthilfe“, heißt es vom Verband. Und sie verleihen einem tristen Bild düstere Farben: Im vergangenen Jahr produzierten Unternehmen Produkte im Wert von 5 Milliarden Rubel, konnten diese aber nicht verkaufen, ein Drittel der Unternehmen weist eine Rentabilität von 0,1 bis 3 Prozent auf, mehr als die Hälfte ist unrentabel. Die Leiterin eines der berühmtesten Kunsthandwerke Russlands, der „Khokhloma-Malerei“, Elena Krayushkina, seufzt: „Über Profit muss nicht gesprochen werden.“

Was ist das? Unser Dymkovo-Spielzeug, Palekh-Box, Lackminiaturen, die theoretisch ganze Regionen ernähren und den ländlichen Tourismus entwickeln können, nützen niemandem?

Schwer fassbare Identität

In der UdSSR arbeiteten alle Handwerksbetriebe im Auftrag der Regierung. Die Produkte wurden zentral eingekauft, an Geschäfte verteilt und als Geschenke für angesehene ausländische Gäste verwendet. In großen Städten gab es große Kunstsalons, in denen alle Produkte des Volkshandwerks präsentiert wurden. In Leipzig und Edinburgh fanden regelmäßig Messen statt – traditionelle russische Souvenirs wurden schnell exportiert...

Dann ersetzten der Markt und die launische Mode die staatlichen Anordnungen. Was früher als „jahrhundertealtes Erbe“ und fast „Seele des Volkes“ galt, ist für die neuen Russen zum Kitsch geworden. Und für Ausländer erwies es sich als unzugänglich – kaputte Straßen und das Fehlen einer freundlichen touristischen Infrastruktur schnitten selbst Fans von den Handwerkern ab: Handwerksbetriebe sind überwiegend in Dörfern angesiedelt, die einfach nicht zugänglich waren.

Daher gibt es heute kein Vertriebsnetz für traditionelle Artikel Nationalstolz Nein. Unternehmen können einfach keine Verkaufsstellen eröffnen – sie hätten etwas für den Strom zu bezahlen. „Die Mietkosten in Moskau und St. Petersburg sind exorbitant“, sagt Elena Krayushkina, „kolossale Preise pro Quadratmeter. Von solchen Beträgen haben wir noch nie geträumt!“

Nur die Glücklichen erhalten Mittel – das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register für Volkskunst und Handwerk des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Sich darauf einzulassen ist der ultimative Traum für alle Liebhaber origineller Kunsthandwerke

Für bekannte Fischereibetriebe wie Khokhloma ist der Großhandel für Firmenkunden einer der Hauptmärkte. Aber hier geht es nicht mehr um Kunst, sondern um die Launen des Kunden – Unternehmen bestellen Geschenke für Mitarbeiter und verlassen sich dabei auf die eigene Kreativität, sodass allerlei wilde Dinge auftauchen: entweder Nistpuppen mit eingebautem Flash-Laufwerk oder Laptops mit der Aufschrift „Chokhloma“. Einst wurde sogar der königliche Thron für einen Bewunderer der Autokratie von der Khokhloma-Fabrik im Kampf um Rache angefertigt. Und um ehrlich zu sein: Es hat eine Reihe von Kapazitäten für die Produktion gewöhnlicher Landmöbel umfunktioniert – die Nachfrage danach ist stabil. Die Khokhloma-Produktion ist jedoch groß angelegt, und kleine Unternehmen, die einzigartige kommerzielle Produkte herstellen, haben keine solche Möglichkeit, Geld zu verdienen.

In Moskau oder St. Petersburg kann man heute alles kaufen. Zusätzlich zu... traditionellen russischen Produkten. Weder echte Vologda-Spitze noch Palekh-Särge kann nicht gefunden werden. Chinesische Fälschungen, belarussische und ukrainische Waren an Souvenirständen selbst in den Städten des Goldenen Rings verdrängen den Originalhersteller. „Viele Reisebüros lösen das Problem, Touristen mit Souvenirs zu versorgen, indem sie billige importierte chinesische Produkte verwenden“, beklagt der Folk Arts and Crafts Association. Und sie geben zu: Es ist fast unmöglich, dagegen anzukämpfen. „Die Menge an illegalen Produkten, die gegen Urheberrechte verstoßen, ist um ein Vielfaches höher als der Umsatz unseres Unternehmens“, sagt Elena Krayushkina. „Es gab mehrere Klagen. Wir haben Testkäufe von gefälschten Produkten bei verschiedenen einzelnen Unternehmern durchgeführt Verstöße gegen unsere Urheberrechte und reichten eine Klage beim Schiedsgericht ein. Im Zuge des Papierkrams werden die einzelnen Unternehmer begraben, der Fall verlässt die Zuständigkeit des Schiedsgerichts und wird an den Weltgerichtshof weitergeleitet, wo den Verstößen eine Geldstrafe zugesprochen wird von 2.000 Rubel. Nichts: Die Geldstrafe wurde bezahlt, und einen Monat später eröffnen sie neue Einzelunternehmer und machen weiterhin das Gleiche, aber wir für die Prüfung bezahlt, Geld für Anwälte ausgegeben ... Das heißt, das Gericht kostet uns 150-200.000, und sie kosten 2.000. Und was nützen solche Gerichtsverfahren?

Nicht für jeden gedacht

Der Staat unterstützt die Fischerei punktuell und in kleinen Mengen. Es ist jedoch gut, dass zumindest dies der Fall ist – für viele Menschen ist das Leben nur dank Subventionen (in diesem Jahr wurden 450 Millionen Rubel bereitgestellt) kaum noch zu sehen. Unternehmen können Subventionen nutzen, um Gas, Strom, Schienentransport und Ausstellungsaktivitäten zu finanzieren. Aber das Geld reicht dringend nicht aus, um alle Ausgaben zu decken, und nur die Glücklichen erhalten Mittel – das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register für Volkskunst und Handwerk des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Sich darauf einzulassen ist der ultimative Traum für alle Liebhaber origineller Kunsthandwerke. Und der Traum hängt vom Glück und der Gunst der Mitglieder der Kunstkommission des Ministeriums ab.

Das Glück ist launisch und lächelt nicht jedem zu. Zum Beispiel versuchen russische Mosaike – das berühmte Handwerk der Herstellung von Tafeln aus farbigen Steinen – seit 10 Jahren, in dieses Register aufgenommen zu werden, und schaffen es immer noch nicht. Die einzigartige Kunst existiert seit 300 Jahren und wurde von ihren Meistern dekoriert Isaakskathedrale damals in der Zarenzeit und in Sowjetzeit Mitglieder des Politbüros schenkten ausländischen Gästen teure Tafeln aus Ural-Jaspis. Doch es stellt sich heraus, dass dies der für die Registereinträge zuständigen Ministerkommission nicht ausreicht.

„Beim Kunstrat fragten sie uns, wo die Berge in der Wolga-Region seien“, erzählt Nail Badtredinov, Leiter des Unternehmens Artel NHP, über die Missgeschicke im Büro. „Die Behauptung war, dass unser Handwerk nicht an ein bestimmtes Dorf gebunden sei. wie die Anderen. Und was soll ich ihnen antworten? Unsere Berge sind gewöhnlich. Ural. Und der Jaspisgürtel verläuft durch viele Siedlungen ... Ein anderes Mal stellte sich heraus, dass unser Papierkram falsch war, dann stellte sich heraus, dass wir nicht traditionell genug waren. Wir haben erneut eine Bewerbung eingereicht. Wir warten. Wir hoffen...

Der Verband für Volkskunst und Kunstgewerbe kämpft seit langem für Steuervorteile. Und sie scheinen sogar in der 2015 vom Ministerium für Industrie und Handel ausgearbeiteten Sektorstrategie für die Entwicklung des Volkskunsthandwerks bis 2020 versprochen worden zu sein. Im Allgemeinen wird dort viel Gutes geschrieben, aber alles bleibt immer noch auf dem Papier. Aber im wirklichen Leben zahlen Unternehmen unserer ursprünglichen Volkskultur fast alle Steuern und Versicherungsprämien vollständig. „Wir beschäftigen 700 Mitarbeiter“, sagt Elena Krayushkina, „der größte Kostenanteil an den Produktkosten entfällt auf Löhne und Steuern.“ Löhne, fast 75 Prozent des Selbstkostenpreises sind eine kolossale Summe. Und wir zahlen als große, hochtechnologische und automatisierte Unternehmen alle Steuern und Versicherungsprämien. Das ist für uns eine unerträgliche Belastung.“

Handarbeit, das Hauptmerkmal der Volkskunst, ist teuer. Das ist es, was Unternehmen in die hoffnungslose Unrentabilität stürzt. „Den populären Handwerken, die die Handarbeit aufgegeben haben, geht es besser“, gibt Drozhzhin zu. Dies sind zum Beispiel Pavlovo Posad-Schals – das einst einzigartige Muster darauf wird heute nicht mehr von einem Handwerker gezeichnet, sondern von einem Drucker gedruckt. Und die verlorene Identität scheint die Kuratoren der Branche nicht zu stören: Das Ministerium für Industrie und Handel hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Zahl der Volkskunst- und Handwerksbetriebe mit einem Mindestanteil an Handarbeit zu erhöhen. Das heißt, sie werden aufhören, echte Industrieprodukte als solche herzustellen, sondern stattdessen billige Produkte herstellen. Wir sind bereit, dafür staatliche Gelder bereitzustellen – für den Kauf von Ausrüstung. Aber wird dies die Besitzer alter Handwerke und kleine Unternehmen retten, die keinen Laden eröffnen können?

Die Welt funktioniert anders. In Deutschland beispielsweise genießen Branchen, die Handarbeit einsetzen, erhebliche Steueranreize, die es ihnen ermöglichen, ihre Kosten innerhalb weniger Jahre vollständig zu amortisieren. Dort sind die Kosten für die Anmietung von Einzelhandelsflächen deutlich niedriger als in Russland. Gültig in Kanada zentralisiertes System Verkauf: Der Meister übergibt die von ihm hergestellten Produkte an die Genossenschaft, die sie an Verkaufsstellen versendet. In Frankreich, wenn Absolventen Kunstschulen Gehen Sie zur Arbeit für Handwerker oder Organisationen, die sich auf manuelles Arbeiten spezialisiert haben künstlerische Arbeit Dann erhalten sie drei Jahre lang eine Zuzahlung, die ihnen ein über dem Durchschnitt der Region liegendes Einkommen sichert. Und in Japan Volkshandwerker und haben sogar den Status eines Nationalschatzes. Und der Staat kauft garantiert Produkte von Meistern und ihren Schülern, um Museums- und Schenkungsgelder aufzufüllen und in anderen Ländern zu verkaufen.

Hohe Beamte sind sich des traurigen Schicksals des russischen Volkshandwerks bewusst: Der Verein „Volkskunsthandwerk Russlands“ veranstaltet jährliche Konferenzen, kommuniziert mit dem Ministerium für Industrie und Handel und bombardiert regionale Leiter mit Hilferufen. Ach...

Aber es stellt sich heraus, dass eine andere Methode für uns einwandfrei funktioniert – das Streben nach dem Himmel.

Wort des Ersten

Vor zwei Jahren kaufte Anton Georgiev die bankrotte Fabrik Krestetskaya Stochka im Dorf Kresttsy in der Region Nowgorod. Ich bin direkt auf alle oben besprochenen „allgemeinen Probleme“ der Branche gestoßen. Ich kam auf die Hauptfragen: An wen soll man Krestetsk-Spitze verkaufen und warum der Staat nicht hilft. Doch im Gegensatz zu seinen Kollegen hatte er großes Glück: Er gehörte zu den zehn Geschäftsleuten, die sich Ende April in Weliki Nowgorod mit Wladimir Putin trafen.

Anton macht keine Angaben zu den Einzelheiten des Treffens, er gibt nur zu, dass er dem Präsidenten berichtet hat: In unserer Fischerei ist alles durchweg schlecht. Er fügt außerdem hinzu, dass danach alle Verantwortlichen plötzlich aufgeheitert seien. Und dann die offizielle Chronik: Eine Woche später wurde bekannt, dass der Präsident der Regierung den Auftrag erteilt hatte, „einen Maßnahmenplan zur Gewährleistung der Erhaltung, Wiederbelebung und Entwicklung des Volkskunsthandwerks“ zu entwickeln. Es wird insbesondere angewiesen, durch den Einsatz von Volkskunst und Kunsthandwerk in Programmen zur zusätzlichen Bildung und Erziehung von Kindern, der Ausbildung einer Fachkraft, nachzudenken Berufsausbildung, Entwicklung des Inlands- und Inlandstourismus an Orten mit traditioneller Existenz von Volkskunsthandwerk. Und vor allem gibt es eine Antwort auf die Frage: „Wer kauft?“ Es wird vorgeschlagen, im Rahmen des Bundesvertragssystems ein System der vorrangigen staatlichen Beschaffung von Kunsthandwerk zu schaffen, um Museumsfonds und Sammlungen in Bildungs- und Kultureinrichtungen aufzufüllen. Darüber hinaus verfügen alle Ministerien, Rosneft und Gazprom über Schenkungsfonds – sie werden auch kaufen. Dmitri Medwedew muss dem Präsidenten Ende August über die Erstellung eines Plans berichten, der alle diese Positionen umfasst...

Anton skizzierte all diese guten Aussichten und sagte nicht ohne Stolz zu Ogonyok: Der Geschenkfonds des Präsidenten habe bereits beschlossen, Werke von Krestetskaya Stochka zu kaufen. Georgievs Fabrik erhielt auch einen Regierungsauftrag aus der Region Nowgorod.

Ist es wirklich eine Erlösung? „Wenn Spendengelder Produkte von uns kaufen, werden Museumssammlungen irgendwie mit handwerklichen Elementen aufgefüllt, das wird eine große Hilfe sein“, sagt Elena Krayushkina. „In der Sowjetunion große Menge„Unsere Arbeiten gingen an Schenkungsgelder“, stimmt Nail Badtredinov zu, „wenn alles zurückkommt, hilft uns das natürlich.“

Die Meister hoffen, dass die von der Anordnung des Präsidenten betroffenen Ministerien sich nun irgendwie „im Namen der Rettung russischer Traditionen vereinen“ werden. Und sie träumen: Der Rosttourismus wird Industriebetriebe in die föderale Touristenroute einbeziehen; Das Kulturministerium wird die Tretjakow-Galerie und die Eremitage anweisen, Produkte von ihnen zu kaufen; Das Bildungsministerium wird bei der Personalschulung helfen; Das Ministerium für Industrie und Handel wird in eine Ladenkette gründen Großstädte, wo alle Volkshandwerke präsentiert werden...

„Eine Person würde sich für ein Geschenk entscheiden und verstehen, dass sie sich für ein Geschenk entscheidet, das in Russland hergestellt wurde, ein Sammlerstück ist und an eine andere Generation weitergegeben werden kann“, träumt der Verein. Wir sind aber auch bereit, bescheidenere Wünsche zu erfüllen: Wenn die Ressorts das alles nicht bewältigen oder verschwenden (sie bauen keine Straßen, schaffen keine touristische Infrastruktur, eröffnen keine Geschäfte usw.), dann lassen sie es zumindest mit Gewalt geschehen Kaufen Sie „Produkte nationaler Originalkultur“ als Geschenk.

Wie sonst können wir unsere Identität bewahren?

Valeria Praid, Mitglied des RTD Coordination Council, Soziologin und Zukunftsforscherin, und Ekaterina Kokina, Architektin, sprechen darüber, wie sich der Kunstbegriff in Zukunft verändern wird.
Sie glauben, dass unsere Nachkommen wahrscheinlich nicht wissen, was ein Papierbuch oder ein Kinobesuch ist. Aber sie werden in umziehenden Häusern leben, Skulpturen aus „lebendem“ Ton herstellen und ihre eigenen schaffen Kunstmuseen. Und wahrscheinlich werden sie endlich in die Welt eintauchen virtuelle Realität, wo sie zusammen mit der mächtigsten künstlichen Intelligenz wunderschöne Sinfonien und spannende Filme schaffen werden.
Die Welt wird sich verändern. Neue Technologien dringen bereits mit voller Kraft in unser Leben ein und regen die Gefühle von Künstlern und Musikern an, die danach streben, die Welt um sie herum mit Hilfe ihrer Vorstellungskraft zu verstehen und so in die Zukunft blicken zu können. Künstler sind immer empfänglicher als andere für verschiedene Innovationen, insbesondere für solche, die es ihnen ermöglichen, ihr kreatives Potenzial besser auszuschöpfen. Daher finden nach und nach virtuelle Universen, verschiedene Biotechnologien und einzigartige kybernetische Systeme Eingang in die künstlerische Nutzung.

Jeder wird seinen eigenen Louvre haben

Kleine Revolutionen, eine nach der anderen, die die postindustrielle Gesellschaft erschüttern, haben sicherlich Auswirkungen auf die Kunst. Es ist beispielsweise offensichtlich, dass aufgrund des Rückgangs der Beschäftigung am Arbeitsplatz (der wissenschaftliche und technische Fortschritt führt die Menschheit selbstbewusst in eine „Freizeitgesellschaft“) jeder an Kreativität interessiert ist mehr Leute. Bemerkenswert ist auch, dass die Geheimnisse des Handwerks und der Technologie nach und nach öffentlich zugänglich werden und die Kunst demokratisch wird. Es sind verschiedene neue Computerprogramme erschienen, die es jedem, der sie beherrscht, ermöglichen, mit virtuellen Stiften, Pinseln und Farben Ähnlichkeiten zu Gemälden und grafischen Leinwänden sowie verschiedene dreidimensionale Installationen zu schaffen.
Dies ist der offensichtlichste und einfachste Trend. Ebenso klar ist, dass sich neotechnologische Subkulturen in naher Zukunft rasch entwickeln werden. Die Rede ist von Bloggern, Hackern und Communities von Filesharing-Netzwerken. Auch die Kunst des Flashmobs wird sich weiterentwickeln. Aber auch Retro-Enklaven werden bleiben, die Menschen werden natürlich weiterhin ins Kino gehen und lesen Papierbücher. Uns vertraute Inseln traditioneller Kunst - Zeichnungskreise, historische Rekonstruktionen, Orchestermusik- wird teilweise dienen psychologischer Schutz von den stattfindenden Änderungen und wird teilweise die Möglichkeit geben, originell auszusehen.
Heutzutage verbreiten sich Ideen mit sehr hoher Geschwindigkeit. Die Ära des kollektiven, globalen Denkens naht. Theateraufführungen, Gemälde, Musik und Bücher werden dank digitaler Technologien öffentlich zugänglich. In diesem Zusammenhang entwickelt sich ein besonderes Genre der Kreativität – Fanfiction, bei der ein bekanntes Werk von Lesern, Zuhörern oder Zuschauern hinzugefügt oder verändert wird. Jeder kann also am Entstehungsprozess eines Werkes beteiligt sein. Es gibt beispielsweise etwa eine halbe Million Fanversionen von Harry Potter, und es ist erwähnenswert, dass es darunter sogar noch interessantere und ungewöhnlichere Versionen als den Originaltext gibt. Dieser Trend kann zur Vergesellschaftung von Kunstwerken führen, und vielleicht werden Kinder im Jahr 2030 im Schulunterricht mehrere Autoren von Krieg und Frieden nennen.
Durch die Digitalisierung von Gemälden und die Erstellung von 3D- oder holografischen Modellen von Skulpturen wird es wiederum möglich, Kunst direkt von zu Hause aus zu genießen, an einem Tag verschiedene Galerien auf der ganzen Welt zu besuchen und sogar Privatsammlungen zu besichtigen. Jeder wird die Möglichkeit haben zu sammeln Kunstwerke in Ihrem persönlichen Louvre. Die Kunst verlagert sich zunehmend in die virtuelle Welt, und dort finden bereits Ausstellungen statt.
Mit der Weiterentwicklung der Technologie wird die imaginäre Realität die Welt völlig überwältigen, das Gefühl der „Präsenz“ in der virtuellen Umgebung wird fast 100 % erreichen. Kleinste Temperatur- und Farbveränderungen, Klang- und Geruchsnuancen – alles wird direkt an unser Gehirn weitergeleitet. Und dann entstehen „verrückte“ Symphonien aus Druck und Windgravitation.

Lasst uns zeichnen – werden wir leben?

Die Zukunft bringt nicht nur neue Themen, sondern auch neue Werkzeuge und Materialien. Kritiker bemängeln weiterhin, dass Künstler ständig neue Ideen mit neuen Materialien verwechseln. Aber Künstler lassen sich oft mitreißen und experimentieren fröhlich, ohne auf verschiedene unangenehme Bemerkungen zu achten.
Vor nicht allzu langer Zeit begannen Experimente mit Ferrofluiden – das sind magnetische Flüssigkeiten, die durch Mischen magnetischer Partikel und Flüssigkeiten gewonnen werden. Sie schaffen ungewöhnliche, noch nicht sehr große, kinetische Skulpturen.
Im Bekleidungsdesign erwarten uns viele Entdeckungen. Schon jetzt können besonders progressive Fashionistas teilweise unsichtbare oder leuchtende Kleidung, sofort trocknende Badeanzüge, schmutzabweisende Hosen, bakterientötende Socken, Flüssigkeitsanzüge für Sportler, Haifischhaut für Schwimmer und sogar Meerjungfrauenschwänze für Schwimmer kaufen. Und auf der Rusnanotech-Ausstellung stellten sie metallisiertes Fell aus, das dies nicht zulässt elektromagnetische Strahlung. Vielleicht werden transparente, solarbetriebene Pelzmäntel entstehen, wenn nicht zuerst nanotechnologische Haut auftaucht, die nicht nur unsichtbar wird, sondern auch den Träger schützen und wärmen kann. Zumindest planen sie, ähnliche Lederbekleidung für Soldaten der US-Armee herzustellen.
Was die Musik betrifft, so wurde es mit dem Aufkommen von Synthesizern möglich, beliebige Klänge zu simulieren, und es ist bereits schwierig, ein Instrument zu entwickeln, das mehr bietet große Auswahl Gelegenheiten. Was wird also passieren? Stehen wir vor einer Musikkrise? Wir bezweifeln es. Höchstwahrscheinlich werden wir weitere Fortschritte in Richtung eines Gesamtkunstwerks machen. Schließlich beinhaltet ein Musikvideo bereits viele verschiedene Arten von Kreativität.
Die Hauptaufgabe der Architektur ist die Organisation des Raumes. Aber auch hier lautet Schellings berühmter Satz: „Architektur ist eingefrorene Musik" - ist nicht mehr relevant. Denn Architektur entwickelt sich, bewegt sich, auch im wahrsten Sinne des Wortes: Schon jetzt gibt es Entwicklungen von sich bewegenden und rotierenden Häusern, rotierenden künstlichen Bäumen.
Mit der Verbreitung moderner Technologien und Baumaterial Die architektonische Form gestaltet sich entsprechend den Wünschen des Autor-Architekten oder Kunden immer anspruchsvoller. Besonders beliebt ist die konzeptionelle Bewegung, die danach strebt, die Formen von Gebäuden so natürlich wie möglich zu gestalten, sodass sie den Eindruck erwecken, sie seien von der Natur selbst geschaffen worden. Solche Entwicklungen stecken noch in den Kinderschuhen. Doch bald werden weitere Schalen, biomorphe krummlinige Strukturen und selbstähnliche fraktale Formen beginnen, sich erfolgreich gegen die traditionelle rechteckige Anordnung von Gebäuden zu behaupten.
In kurzer Zeit haben unsere Computeruniversen an Volumen gewonnen, realistische Landschaften und Charaktere, die mit den Grundlagen der künstlichen Intelligenz ausgestattet sind.
Zu beachten ist auch, dass derzeit in mehreren Ländern Projekte von Tunnelstädten umgesetzt werden, also Städte, die auf unterschiedlichen Ebenen entlang der Straßen liegen. Sie haben kein traditionelles Zentrum, was die gesamte Stadtstruktur völlig verändert und das eigentliche Konzept einer Stadt mit ihrem zentralen Teil verschwindet. Die Idee besteht darin, alle Siedlungen in einer gemeinsamen kontinuierlichen Kette zu vereinen.

Körperkunst

Neue Zeiten – neue Themen in der Kunst. Erstens wird es lange dauern, bis sich ein Mensch von dem Schock erholt, den revolutionäre Entdeckungen auslösen. Die verängstigten, verwirrten, begeisterten und fassungslosen Charaktere auf dem Moskauer Foto des Künstlers und Bildhauers Oleg Gurov scheinen an der Grenze der Zeit zu stehen: der Gegenwart und der Zukunft.
Die Entwicklung der Biotechnologie sollte zu einer Verbesserung der Körperbemalung führen; Veränderungen in diesem Bereich der Kreativität werden wirklich bedeutsam sein. In Zukunft wird es noch viel mehr Möglichkeiten geben, den Körper zu verändern, und dementsprechend wird eine neue Art kreativer Aktivität aufblühen – die Körpermodifikation. Aber nicht drin modernen Sinn Wörter (Tätowierungen und Piercings), nämlich als Veränderung des Körpers. Die Menschen werden in der Lage sein, sowohl ihren Geist als auch ihren Körper vollständig zu verändern, und jeder Mensch wird sein eigenes Haupt-„Kunstwerk“ sein. Heutzutage kann eine Veränderung der Hautfarbe oder Augenform niemanden mehr überraschen; es wird möglich sein, die Gesichtsform zu verändern und je nach persönlichen Vorlieben oder Modetrends auch neue Organe, sogar Körperteile, wachsen zu lassen.
Ist deine Freundin eine kleine Brünette? Klug und freundlich, aber genau Ihr Typ? Aber wenn sie dich liebt, kann sie sich komplett ändern. Es wird also keine hässlichen Menschen mehr geben. Jeder wird so aussehen, wie er möchte.
Doch während solche Entwicklungen im Labor verbleiben, entwickelt sich die Kunst der Avatare weiter. Die virtuelle Komponente der Persönlichkeit – der Avatar – wird immer ausgefeilter. Beispielsweise kommen dreidimensionale Avatare zum Einsatz, die mit dem realen Aussehen einer Person oft wenig gemein haben. Sie können bereits als besondere Kunstform und als einer der Schritte zur Körpermodifikation angesehen werden, da ein solcher Avatar eine Art ideales Modell des gewünschten Bildes des Autors darstellt.

Nichtmenschliche Perspektiven

Die wichtigste Kunst der Zukunft – die Erschaffung von Welten – entwickelt sich rasant, aber irgendwie außerhalb der Aufmerksamkeit der Kritiker. Und es stellt sich die Frage: Das ist nicht alles tausendjährige Geschichte Kunst nur als Trainingseinheit für die majestätischen Schöpfungen der Zukunft? Schließlich neue Welt wird alles enthalten, was sein Schöpfer will: Kunst, Technologie, Wissenschaft ...
Während die Menschen in den letzten 20 Jahren gelernt haben, Computerspiele zu entwickeln, hat sich in aller Stille ein grundlegender Wandel in der Kreativität vollzogen. Über einen Zeitraum, der aus historischer Sicht lächerlich ist, haben unsere virtuellen Universen an Volumen, realistischen Landschaften und Charakteren gewonnen, die mit den Grundlagen künstlicher Intelligenz ausgestattet sind. Und die Vielfalt der Handlungsstränge dieser Spiele spiegelt die Komplexität der Zivilisation und der menschlichen Beziehungen wider. Mit zunehmender Leistung von Computern können wir davon ausgehen, dass virtuelle Universen immer realistischer und stereoskopischer werden.
Es gibt bereits primitive Mechanismen, um Empfindungen direkt an das menschliche Gehirn zu übertragen. Es besteht kein Zweifel, dass es in Zukunft möglich sein wird, die äußere Umgebung in allen Details zu simulieren und einen direkten Einfluss auf das Bewusstsein zu haben virtuelle Welt Zuerst wird es gleich und dann stärker als in der äußeren Realität.
Mark Stankenburg, Regisseur des berühmten Amerikanisches Unternehmen ImageMetrics sagte, dass sie sehr bald in der Lage sein werden, alles zum Leben zu erwecken, was sich ein Mensch vorstellen kann. Hier ist er – Raum für neue Universen. Die Verbesserung der Software wird dazu führen, dass wir nur noch über eine imaginäre Welt sprechen oder die Grundparameter festlegen müssen – und sie wird „zum Leben erweckt“.
Und noch ein wichtiger Aspekt: ​​Wenn wir über Kunst sprechen, gehen wir immer davon aus wir reden überüber menschliche Schöpfungen. Schließlich gab es in der Geschichte der Erde keine anderen Lebewesen, die Meisterwerke schaffen konnten. Es ist jedoch unwahrscheinlich, dass dieser Zustand für immer anhält. Und es geht nicht um Außerirdische, auch wenn ihr Erscheinen unsere Vorstellungen von allem verändern kann. Andere Akteure betreten die Szene: Roboter und künstliche Intelligenz. Ein ähnliches, wenn auch sehr konservatives Szenario wird im Film „Bicentennial Man“ betrachtet. Dort tauscht ein gewöhnlicher „harter“ Android-Roboter im Laufe der Jahrhunderte seine Module gegen verbesserte aus, führt intelligentere Programme in sein Cyberhirn ein und erwirbt sogar ein künstliches Nervensystem. Er beginnt, an der Grenze zu Handwerk und Kunst neue Dinge zu schaffen und lernt sogar, was Liebe ist. Die Realität wird nicht so lange warten. Computer schreiben bereits Gedichte und Prosa, und vom Programm komponierte Musikstücke gewinnen anonym Wettbewerbe.
Ein bekannter Wissenschaftler und Spezialist für künstliche Intelligenz, Alexander Shamis, schreibt in seinem Buch „Ways of Modeling Thinking“ direkt: „Es ist möglich, dass alle Interpretationen der psychologischen Ebene auf der Ebene der Computermodellierung des Gehirns möglich sind.“ Dazu gehört die Interpretation von Gehirnmerkmalen wie Intuition, Einsicht, Kreativität und sogar Humor.“ Selbst wenn die Menschheit ihr kreatives Potenzial erschöpft oder völlig faul wird, werden wir mit ziemlicher Sicherheit weiterhin mit brillanten Büchern, Liedern und Gemälden versorgt.
Um einen ersten Eindruck von der Kunst der Zukunft zu bekommen, können Sie das Programm „Cybernetic Poet“ des berühmten amerikanischen Erfinders (der Synthesizer ist seine Idee!) Ray Kurzweil herunterladen. Sie liest zum Beispiel die Gedichte eines Autors, erstellt dann sein Sprachmodell und verfasst selbstbewusst Verse in seinem Stil, von denen viele – gute Qualität. Typischerweise verwenden Dichter solche Programme als Assistenten bei der Vorbereitung des ursprünglichen poetischen Materials. Ein weiteres Kurzweil-Programm – „Aaron“ – malt mit Strichen auf dem Bildschirm ...
Neue Trends haben natürlich auch die jüngste der traditionellen Künste erreicht – das Kino. Schon jetzt sind in den Kampfszenen von Filmen mit großem Budget (z. B. in „Der Herr der Ringe“) nicht Schauspieler oder deren Darstellungen beteiligt, sondern virtuelle Charaktere mit dem nötigen Maß an künstlicher Intelligenz. Es gibt auch Computerversionen echter Schauspieler. Und es ist sogar bekannt, dass einer von beliebte Künstler(sein Name wird nicht bekannt gegeben) kontaktierte die Firma LightStage, die Geschäfte tätigt Computergrafik. Mittlerweile ist er 30 Jahre alt und hat darum gebeten, sein vollwertiges Computer-Double zu modellieren, damit er in Zukunft ebenso jung in Filmen „mitspielen“ kann.

Der Artikel wird außerdem von zwei kleinen Seitenleisten begleitet:

Kasten 1. Wer besteht aus Ton?

Könnte der Mythos um den Bildhauer Pygmalion und die belebte Galatea-Statue Wirklichkeit werden? Ja, wenn es nach Seth Goldstein, Leiter des Pittsburgh Research Center von Intel, geht. Tatsache ist, dass er versucht, den Stein wiederzubeleben! Genauer gesagt, Ton – es ist einfacher, ihn wiederzubeleben. Wissenschaftliche Leitung, das diesen Bereich entwickelt, hieß Claytronics.
Der Sinn der Idee besteht darin, winzige Partikel zu erzeugen, die sich selbst zu Objekten zusammenfügen könnten. Und sie müssen sich bewegen und sich gegenseitig festhalten. Dazu werden sie mit Elektromagneten oder anderen Greifern, Steuerchips und Energieübertragungssystemen ausgestattet. Erste Prototypen, noch vier Zentimeter lang und nur im Flugzeug beweglich, gibt es bereits. Jetzt versuchen Forscher, das Design zu verbessern und gleichzeitig das Verhalten zukünftiger Babys an Computermodellen zu erarbeiten. Intel prognostiziert, dass die Claytronics bis zum Jahr 2025 ein solches Niveau erreichen wird, dass eine aus Tonatomen zusammengesetzte Kopie einer Person nicht mehr vom Original zu unterscheiden ist und sich auch so bewegt!
Hier gibt es echten Spielraum für Kunst. Sie können nicht nur „lebende“ Skulpturen entwerfen, sondern auch beliebigen Objekten Dynamik verleihen. Stuckleisten, die Form und Farbe verändern, ermöglichen es Ihnen, die Wände Ihres Hauses mit „echten“ Blumen, Gräsern und Schmetterlingen zu dekorieren. Wir sind an konstante Texturen gewöhnt, aber mit Hilfe der Claytron-Beschichtung kann die Oberfläche entweder samtig, rau wie Holz oder glatt wie Marmor oder Metall werden ...
Sobald eine Person in die Claytronics eingetaucht ist, kann es sein, dass sie Angst vor ungewöhnlichen Schwankungen hat. Aber Chancen werden wichtiger sein als Beständigkeit. Und die nach einem vorgegebenen Design erstellten Dinge werden genau so sein, wie wir es wollen. Die entwickelte Glinotron-Welt kann als Kunstwerk betrachtet werden. Schließlich werden die Computer, die unsere Umwelt steuern, selbst Claytron-Objekte verändern und sie an unsere Anforderungen anpassen ...

Kasten 2. Cocktail von einem Roboter.

Roboter drin In letzter Zeit inspirieren zunehmend Künstler. Es lohnt sich, zumindest an die Roboterskulpturen von Gordon Benet zu erinnern. Unter verschiedenstem Schrott findet Gordon Teile für seine wunderbaren Werke und gibt alten Einheiten neues Leben.
Aber die wahrscheinlich ungewöhnlichste (und gleichzeitig so verständlichste!) Verwendung für Roboter fand Magnus Wurzer aus Wien – ein Technophilosoph und Künstler, ein Forscher der Möglichkeiten der menschlichen Psyche und auch ein Organisator exotischer Partys Dabei spielen Roboter eine sehr wichtige Rolle. Sie bereiten Cocktails zu und servieren sie, bedienen Besucher an der Theke und bieten ihnen Zigarren an. Wurzers Partyfestivals sind Unterhaltung und Entdeckung zugleich.
Vor 1999 wäre niemand auf die Idee gekommen, „Cocktail-Robotik“ zu nutzen, um öffentlich zu analysieren, wie tief Neueste Technologien dringen in den menschlichen Lebensraum ein. Auch hat niemand ernsthaft versucht, die Praxis des Hedonismus in der Beziehung zwischen Mensch und Maschine zu dokumentieren. Die entstandene Nische in der Kultur wird nun durch das Wiener Festival „Roboexotica“ gefüllt.
Magnus, der ständige Organisator, sagt: „Denken Sie daran, dass die Zukunft heute sehr aktiv ist und mehr als je zuvor danach strebt, Gegenwart zu werden.“ Und jeder von uns muss sich entscheiden, in welcher Zukunft er leben wird – in der düsteren, postindustriellen Zukunft, die von den Vorfahren des Cyberpunk beschrieben wurde, oder in der fröhlichen Zukunft von „Roboexotics“, voller neuer und ultraneuer Freuden und völlig neuer Unterhaltung Technologien geben uns.“
In den kommenden Jahrzehnten können wir mit einem echten Durchbruch in der Robotik rechnen, was bedeutet, dass solche Technologien den Menschen weiterhin dabei helfen werden, das Leben zu genießen, und die Partys von Magnus Wurzer weiterhin ein Erfolg sein werden.

Die moderne Welt der Kunst kann weder durch Malerei allein noch durch Musik allein erobert werden. Aber wenn Sie alle oben genannten Punkte kombinieren und das Licht richtig einstellen, ist der Erfolg garantiert. Was ist das: das Sättigungsgefühl eines Städters oder die Evolution der Kunst? Wie dem auch sei, Multimedia-Ausstellungen fegen in fröhlicher Schar durch die Lofts der Hauptstadt und wir können nur raten, was uns in Zukunft erwartet?

Ursprung des Konzepts

Alles begann in den 60er Jahren mit der einfachen Präsentation des englischen Künstlers Dick Higgins und kreative Gruppe Fluxus: „Ich möchte vorschlagen, dass der Einsatz von Intermedialität eine mehr oder weniger universelle Möglichkeit ist, Repräsentation in der Kunst abzulehnen, da das Kennzeichen unserer neuen Mentalität eher Kontinuität als Trennung ist.“

Aus den seit den 50er-Jahren kursierenden Ideen von Freiheit und Erneuerung der Kunst ist eine einzige Form entstanden, unverständlich, aber äußerst unterhaltsam: eine Symbiose aus Text, Musik und Bild. Von der Universalität der Fähigkeiten des Künstlers kann jedoch keine Rede sein; das Konzept von D. Higgins impliziert lediglich eine Ablehnung der Genreeinteilung, der Klassifizierung der Kunst und des Systems Berufsausbildung Künstler.

Trotz der Tatsache, dass das Konzept von D. Higgins selbst nicht weit verbreitet ist, ist die Idee der Inklusion verschiedene Künsteв структуру произведения была использована многими его современниками: Н. Дж. Пайком, Дж. Белсоном, Дж. Уитни, Дж. Ялкутом, С. Бартлетом, К. Джекобсом, П. Рист, Ф. Темплтон, Д. Грэхемом, Дж. Джонас usw.

Je weiter, desto spannender: In den 70-80er Jahren löste der Begriff „Intermedia“ den Begriff „Multimedia“ ab. Unter dem neuen Motto „Multiple Media“ finden nun Installationen und Performances statt, die Elemente aus Film, Video und Diabildschirmen integrieren.

Unterschied zwischen den Begriffen „Multimedia“ und „Multimedia-Kunst“

Heutzutage gibt es immer noch Verwirrung mit der Terminologie. Künstlerische Praktiken, die auf vielschichtigen Experimenten basieren, können definiert werden als: "Multimedia", und wie " Multimedia-Kunst“. Der erste Begriff bezieht sich auf die bereits bekannten Praktiken der bildenden Kunst der 1960er bis 1990er Jahre, die mit der Einbeziehung von mehr als einer Kunstform in die Struktur eines Werks verbunden waren.

Multimedia-Kunst ist ein Synonym für die in den Ländern verbreitetere Kunst Westeuropa den Begriff „digitale Kunst“ oder „neue Medienkunst“. Multimedia-Kunst ist in ihrer Erscheinungsform harmonischer als ihre Vorgänger: Erzwungene Aktualisierungen weichen einer natürlichen Reaktion auf den technischen Fortschritt. Und hier gibt es Paradoxien: In der modernen Welt große Stadt In einer Gegend, in der es reichlich Informationen gibt und es an Konsistenz mangelt, ist der durchschnittliche Einwohner sehr bereit, sich Multimedia anzusehen. Dies geschah mit einer Reihe beliebter Multimedia-Ausstellungen, die die Werke großer Künstler auf der ganzen Welt durch digitale Projektionen präsentieren.

„Unsere Ausstellungen sind relevant, weil man gleichzeitig und an einem Ort alle Werke von Van Gogh oder die bedeutendsten Gemälde der Impressionisten sehen kann. Solange die Originale vorliegen verschiedene Museen Ob Welt- oder Privatsammlungen, wir präsentieren sie alle zusammen, in vergrößertem Format und begleitet von wunderbarer Musik“, kommentiert der Erfolg der Ausstellungen Kira Marinina, PR-Direktorin von iVision- Veranstalter in Russland.

Im Zuge der Popularisierung der Kunst gibt es auch Gegner multimedialer Darstellungen, die nicht sehen Bildungsaktivitäten, sagen sie, „sie werden hinsehen und vergessen.“ Es ist jedoch schwierig, Multimedia-Kunst als „Ersatz für Kunst“ zu bezeichnen. Vielmehr ist es eine unentschlossene Frage, ob sie ein Werkzeug zum Ausdruck der Gedanken des Künstlers oder eine neue Richtung sein soll, deren Aussichten davon abhängen Abenteuerlust des Schöpfers.

Multimediashow „Große Modernisten. Revolution in der Kunst

„Betrachten Sie Multimedia-Display und Klassik.“ Museumsausstellung Gemälde austauschbar ist aus vielen Gründen unmöglich. Es besteht eine interne künstlerische Konvention, nach der der Autor des Werkes (und anschließend das Museum, das das Werk ausstellt) den Inhalt, das Format und die Art der Ausstellung bestimmt und die keinen Änderungen unterliegt. Darüber hinaus ist dies technisch unmöglich, da zu diesem Zeitpunkt keine repräsentative Darstellungsweise in der Lage ist, alle Nuancen der Farbschicht und die Textur des Pinselstrichs zu vermitteln. Eine multimediale Darstellung arbeitet eher mit dem Inhalt des Werkes; sie orientiert sich an der Handlung des Bildes und hilft dem Betrachter, die Fantasie anzuregen und Nuancen zu erkennen, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind.

Natürlich bleiben Multimedia-Ausstellungen vorerst ein modischer Trend, aber in Zukunft werden sie sich als eigenständige Richtung in der Kunst entwickeln und möglicherweise formieren. In der Ausstellung „Große Modernisten. „Revolution in Art“ ist ein experimenteller Versuch, über die Darstellung von Gemälden hinauszugehen, indem nicht die Gemälde selbst animiert werden, sondern eine separate grafische Umgebung geschaffen wird, in die diese Gemälde integriert werden. Bisher gibt es jedoch nur wenige solcher Videos. Um beispielsweise flächige Kompositionen und Kandinsky „wiederzubeleben“, identifizierten unsere Designer die Hauptmuster in den Gemälden jedes Künstlers und schufen darauf basierend 3D-Welten, in denen sich der Betrachter bewegen kann. Das heißt, dies ist nicht mehr nur eine Diashow mit Musik, sondern eine echte Reise in das Universum von Kandinsky und Malewitsch...“, erklärt Kuratorin des ARTPLAY Design Center Yasha Yavorskaya.

Text: Daria Logashova

Hat Kunst eine Zukunft?

Wenn wir diese Frage stellen, blicken wir zurück in die Kulturgeschichte und wir werden feststellen, dass dies eine der ewigen Fragen ist.

So kam es im Zeitalter der spätantiken Kultur zu einer Krise, als die Wände von Gebäuden mit Intarsien, Mosaiken und Mustern verziert wurden bildende Kunst. Gleichzeitig beklagte Tacitus den Niedergang der Redekunst.

Erinnern wir uns an die Geschichte des Bildersturms während der Etablierung des Christentums.

Die gleiche Situation wiederholte sich am Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert Zum Beispiel der Einstieg in die Kultur des Impressionismus und der Moderne.

Der vielseitige und begabte A. Benois drückte seine an Entsetzen grenzende Verwirrung über den Impressionismus aus: „Können aufrichtige und unparteiische Menschen in dieser allgemeinen Unordnung von Farben und Linien wirklich Licht, Sonne und sogar Poesie finden?“

N. Berdyaev sah Anzeichen einer „menschlichen Krise“, einer „Verflüssigung“ menschliche Seele im Kubismus, Futurismus, Surrealismus, wobei er betont, dass „Technologie den Tod der Schönheit mit sich bringt“, und in Bildern zeitgenössische Kunst entdeckte die „geheimnisvolle Ausbreitung aus dem Weltraum“, „die Lockerung materieller Grenzen“, das „Fliegen der Blätter der Welt“, den Hauch des universellen Winters, der Schrecken und Freude zugleich hervorruft.

Wie wir sehen, entsteht bei diesem Thema jedes Mal eine Tradition, die sich in bestimmten, vertrauten Formen ausdrückt figurative Formen gerät in Konflikt mit einer neuen Denkweise, mit einer neuen Weltanschauung und einem neuen Weltbild, das wiederum seine Reflexion in neuen künstlerischen Formen erfordert.

Die Besonderheit der Avantgarde besteht darin, dass das Werk umso mehr Informationen enthält, je ungewöhnlicher und unerwarteter es ist.

Der Religionsphilosoph und Publizist S. N. Bulgakov sprach über den herausragenden Vertreter der modernen Kunst P. Picasso: In der inhaltlichen Tiefe lässt er den Naturalismus und überhaupt alle „reine“, „ästhetisierende“ Kunst weit hinter sich – nach seinen Leinwänden traditionell Die Malerei wirkt fade, naiv.

Und noch ein natürliches Paradoxon: Je mehr Rationalismus und materielle Alltäglichkeit darin steckt wahres Leben, desto weniger ist es in der Kunst.

20. Jahrhundert ist noch nicht zu Ende, und obwohl jedes einzelne Phänomen stets als modernes Phänomen anerkannt wird, können wir uns das zu Ende gehende Jahrhundert noch nicht als ganzheitliches Phänomen vorstellen – wie beispielsweise das Mittelalter oder die Renaissance.

Erstens, weil wir immer noch Zeitgenossen vieler Prozesse sind – komplex und widersprüchlich. Es gibt keine historische Distanz zwischen der Entstehungszeit des Werkes und dem Zeitpunkt seiner Interpretation. G. Gadamer argumentierte, dass eine solche Distanz zu einem besseren Verständnis der Ergebnisse künstlerischer Lebensauffassung beiträgt, uns vom Zufall, vom einst relevanten, aber in Vergessenheit geratenen sozialpsychologischen Kontext befreit.

Die Zeit ist kein Abgrund, über den eine Brücke geschlagen werden muss; sie trennt nicht, sondern verbindet Vergangenheit und Gegenwart.

Zweitens stößt der Wunsch nach Konsistenz heute unweigerlich auf stilistisches Chaos, das durch Zugänglichkeit verursacht wird künstlerische Informationen, das unbegrenzte Möglichkeiten zur Replikation und Verteilung erhielt. Anders künstlerische Traditionen existieren parallel, was auf die Leichtigkeit der Bewegung über die Kontinente der Erde und die Beteiligung daran zurückzuführen ist Weltkultur„periphere“ Phänomene. Viele von ihnen werden als künstlerische Entdeckungen wahrgenommen, als wären sie die Zivilisationen des alten Mexiko, Kultur Antikes Ägypten, Inseln Ozeaniens usw.

Wenn wir also beispielsweise die bisherige Kulturgeschichte als eine Geschichte von Stilen analysieren könnten, die sich sukzessive ablösten, dann gibt es in der Kultur des 20. Jahrhunderts nichts Vergleichbares: Stile und Trends „schweben“ aufeinander, auf komplexe Weise miteinander verflochten und interagieren.

Und doch, wenn wir die Kultur der Menschheit als Ganzes betrachten, als einen einzigen Prozess, in dessen Rahmen es ständig nicht nur zu einem Wandel einer lokalen Kultur zur anderen, sondern auch zum Aussterben des Alten und zur Entstehung eines Neuen kommt Erstens, aber ihr Dialog, dann müssen wir das Problem nicht dramatisieren. Versuchen wir, das Neue, das in diesem Dialog entsteht, nicht abzulehnen, sondern uns darauf einzulassen und uns gleichzeitig über uns selbst zu erheben.

„Es gibt etwas Bleibendes in einem kurzlebigen Moment – ​​so war Kunst gestern, bleibt heute und wird immer sein.“

G. Gadamer

Denken Sie im 21. Jahrhundert? Wird die Rolle der Kunst im gesellschaftlichen Leben gestärkt oder schwächer?

Wird es bringen Kunst XXI V. neue Meisterwerke?

Welche Kunstformen werden sich aus Ihrer Sicht am fruchtbarsten entwickeln?

Wird Schönheit die Welt retten?

Fragen und Aufgaben zum Thema

• 1. Was hat die Krise der zeitgenössischen Kunst verursacht?
• 2. Trägt die Entwicklung der Massenkunst zum Wachstum der Kultur der Gesellschaft bei?
• 3. Welche negativen Auswirkungen hat die Massenkultur auf einen Menschen?
• 4. Entwickelt es sich? moderne Verhältnisse Volkskunst?
• 5. Mitbringen konkrete Beispiele Negative Folgen der Kommerzialisierung von Kunst.
• 6. Enthält der Handel im Kulturbereich positive Aspekte?
• 7. Was kann getan werden, damit sich die Kunst in der Gesellschaft harmonisch entwickelt?
• 8. Wie können wir sicherstellen, dass neue Kunst auf natürliche Weise klassische Traditionen weiterentwickelt?
• 9. Vergleichen Sie die Beiträge zur Entwicklung Kunst des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert

, Moskauer Biennale, Auftritte auf Festivals in Europa, prestigeträchtige Auszeichnungen wie PRIX CUBE, Zusammenarbeit mit, wo haben Sie Ihre Ausbildung erhalten und wie sind Sie an der Schaffung technologischer Kunst interessiert?

Dmitry Morozov: Ich bin ausgebildeter Kunsthistoriker und habe an der Russischen Staatlichen Universität für Geisteswissenschaften an der Fakultät für Kunstgeschichte studiert. Aber ich habe mich schon immer für Technik und Technik interessiert. Ich habe meine Abschlussarbeit über die modernistische Architektur der USA geschrieben, die im Allgemeinen nicht zu verstehen ist, ohne Parallelen zwischen Technologie, Design und Kunst zu ziehen. Ich habe mich auch schon immer dafür interessiert Elektronische Musik, die es ohne Technologie natürlich nicht gibt. Irgendwann kamen alle diese Interessen zusammen, aber das Studium der Theorie war nicht mehr interessant und nach und nach kam ich durch die Schaffung elektronischer Musikinstrumente zur Schaffung von Objekten und Installationen.

Daher fällt es mir schwer, für das gesamte Genre verantwortlich zu sein, aber ich kann sagen, dass ich persönlich dem Format der kleinen Werke, Skulpturen usw. sehr nahe stehe. eher wie Gadgets. Obwohl ich es getan habe Hauptarbeiten, aber es handelt sich im Wesentlichen um die gleichen Gadgets in größerem Maßstab. Zuallererst reizt mich an diesem Format die Verfügbarkeit einer solchen Sprache zum Verständnis meiner Werke moderne Gesellschaft, denn mittlerweile ist die „Schnittstelle“ wichtiger geworden als das Bild. Die Technologie hat uns völlig übernommen.

Finanzielle Risiken. 2015. Das Kunstobjekt besteht aus sechs Bankkartenlesegeräten, einem Hardwaresystem zur Video- und Tonsynthese, einer Tastatur zur Eingabe eines PIN-Codes und einem Zweikanal-Soundsystem. Karten sind aus dem Leben nicht mehr wegzudenken moderner Mann, deren Wohlbefinden und materieller Seelenfrieden auf symbolischer Ebene durch Informationen auf einem kleinen Magnetstreifen und einem vierstelligen PIN-Code gewährleistet werden. Der Künstler geht mit dem Betrachter eine Art psychologisches Spiel ein, das ihm die Möglichkeit gibt, Ängste vor der Verbreitung vertraulicher Informationen zu überwinden und im Gegenzug in volle Interaktion mit dem Kunstobjekt zu treten.

Wie man versteht, wo es endet Museum für Wissenschaft und Industrie und wo beginnt die Kunst selbst?

Dmitry Morozov: Irgendwo in der Mitte, aber immer noch Polytechnikum, ist eine Sammlung von Artefakten, meist Gebrauchsgegenständen, die unter dem Gesichtspunkt der Entwicklung der Technologie betrachtet werden, während technologische Kunst eher eine Arbeit mit Bedeutungen und Ideen ist, aber überhaupt nicht Umsetzung angewandter Ziele.

R x2, 2015 (Anastasia Alyokhina, Dmitry Morozov). Kinetische Klanginstallation. Ein Computeralgorithmus liest aus dem Internet die Stärke und Tiefe der Schwingungen der Erdkruste und registriert alle Erdbeben über 0,1 auf der Richterskala. Im Durchschnitt ereignen sich pro Tag etwa zweihundert solcher seismischen Erschütterungen. Die Informationen werden in Signale umgewandelt, die an an der Thunder Drum angebrachte Motoren gesendet werden. Klang und Bewegung sind in diesem Fall eine visuelle Interpretation der seismischen Aktivität des Planeten.

In jedem Werk sind es letztendlich die Idee und das Konzept, die wichtig sind, aber die Reihenfolge, in der sie erscheinen, kann eine andere Reihenfolge haben. Was mich am meisten interessiert, ist, wie Technologie mit unserem Leben verflochten ist und wie Werkzeuge dazu gekommen sind, die Gesellschaft zu beeinflussen. Sehr interessant finde ich auch, dass alle Wissenschaften und Disziplinen viel näher beieinander liegen, als oft in der Gesellschaft angenommen wird. Ich interessiere mich auch sehr für die Tatsache, dass jede Technologie tatsächlich sehr anthropomorph ist, dass Menschen sehr dazu neigen, Technologie mit menschlichen Eigenschaften auszustatten – sie sprechen mit ihr, wenn sie kaputt geht, oder sehen in irgendeinem Prozess sogar eine gewisse Erotik. Ich interessiere mich sehr für die Ideen der technologischen Singularität, des Fortschritts und der Probleme, mit denen die Gesellschaft in Zukunft konfrontiert sein wird, wenn sich die Technologie auf einem völlig anderen Niveau weiterentwickelt.

Wie wird Ihrer Meinung nach die Kunst der Zukunft aussehen? Liegt die Zukunft in der technischen Kunst?

Dmitry Morozov: Ich denke, dass die technologische Kunst erst die allererste Formationsstufe durchlaufen hat und immer mehr an Stärke gewinnen wird, obwohl dieser Prozess nicht linear sein wird und sich möglicherweise sogar verlangsamt oder sich beispielsweise „horizontal“ entwickelt nicht „vertikal“, was in dieser Phase normalerweise der Fall ist. Ich möchte nicht genau vorhersagen, wie es sein wird, aber ich hoffe, dass ich selbst irgendwie an diesem Prozess teilhaben kann.