Kultur Europas im 17.–18. Jahrhundert. Westeuropäische Kultur des 18. Jahrhunderts Die Hauptrichtungen des wissenschaftlichen Lebens in Europa im 18. Jahrhundert

Das 18. Jahrhundert ging als Jahrhundert in die Geschichte Europas und der ganzen Welt ein Aufklärung. Der Begriff „Aufklärung“ wurde erstmals 1734 vom französischen Philosophen Voltaire verwendet. Im Allgemeinen wird unter Aufklärung der Prozess der Verbreitung wissenschaftlicher Erkenntnisse verstanden, deren Quelle der menschliche Geist ist, frei von dogmatischem Denken. Im 18. Jahrhundert erkannten fortgeschrittene europäische Denker die Notwendigkeit einer solchen Verbreitung und lösten dieses Problem aktiv.

Das Zeitalter der Aufklärung wurde durch die Errungenschaften der Renaissance und die wissenschaftliche Revolution des 17. Jahrhunderts vorbereitet, in der englische Denker wie Francis Bacon, Isaac Newton, John Locke und Thomas Hobbes eine besondere Rolle spielten.

Die Ideen der Aufklärung erlebten in Frankreich ihre größte Entfaltung. Sowohl die englischen Wissenschaftler des 17. Jahrhunderts als auch die französische Aufklärung des 18. Jahrhunderts waren von einer anfänglichen Orientierung geprägt Sensualismus als Methode, die Welt durch Sinneswahrnehmung zu verstehen – die Natur mit den Sinnen zu beobachten. Es wurde dann durch eine Betonung ergänzt Rationalismus , über die Vernunft als Hauptquelle und Kriterium für die Wahrheit wissenschaftlicher Erkenntnisse. Die Aufklärer glaubten, dass die Welt intelligent organisiert ist und dass ein Mensch mit seinem Verstand in der Lage ist, die Welt um ihn herum zu verstehen, indem er die Informationen erfasst, die er über die Sinne erhält.

Der Glaube an die unbegrenzten Fähigkeiten des menschlichen Geistes, die Welt zu verstehen, und an die Fähigkeit der Wissenschaft, alle Widersprüche zu lösen, mit denen die menschliche Gemeinschaft konfrontiert ist, wurde zu einem charakteristischen Merkmal der Aufklärung, und deshalb wird oft das 18. Jahrhundert genannt das Zeitalter der Vernunft.

Den Problemen der sozialen Ordnung wurde zunehmend Aufmerksamkeit geschenkt. Charakteristisch für die Aufklärung waren Versuche, die Gesetze der gesellschaftlichen Entwicklung zu bestimmen und auf der Grundlage dieser Gesetze ein Idealmodell zu schaffen oder zumindest die Mängel des damaligen Gesellschaftssystems zu korrigieren. Gleichzeitig stützten sich die Aufklärer auf das Konzept des „Naturrechts“ und legten nahe, dass alle Menschen von Geburt an bestimmte Rechte haben, die aus der menschlichen Natur selbst resultieren. Diese Rechte wurden im Laufe der historischen Entwicklung verletzt, was zur Entstehung unfairer, fehlerhafter sozialer Beziehungen führte. Die Herausforderung besteht nun darin, diese Rechte wiederherzustellen und eine Gesellschaft aufzubauen, die auf „natürlichen Prinzipien“ basiert. Die Aufklärer glaubten, dass dies ein Höchstmaß an kultureller Entwicklung gewährleisten würde. Daher war die Definition der „natürlichen Bestandteile“ von Mensch und Gesellschaft eine der Hauptfragen der Pädagogen. Sie legten großen Wert auf das Studium spezifischer Erfahrungen gesellschaftliche Entwicklung. Und in dieser Hinsicht galt das Sozialsystem in England als das fortschrittlichste in Europa (eine konstitutionelle Monarchie mit weitreichenden parlamentarischen Rechten). Der englische Parlamentarismus galt bei Pädagogen als Vorbild.

Die Hauptziele der Kritik waren die Feudalordnung und die katholische Kirche. Bereits der unmittelbare Vorgänger der Aufklärer, der Priester Jean Meslier wurde weithin bekannt, weil er in seinem „Testament“ scharfe Kritik äußerte katholische Kirche und feudale Institutionen weltlicher Macht. Auf die gleiche Weise wurden sie weithin bekannt Charles Montesquieu Und Voltaire, die ersten großen Persönlichkeiten der französischen Aufklärung.

Obwohl sie die Kirche scharf kritisierten, waren nicht alle Pädagogen bereit, sich gegen die Religion als solche auszusprechen. Wie die Wissenschaftler des 17. Jahrhunderts vertraten auch französische Aufklärer in der Frage nach der Rolle Gottes überwiegend Stellung Deismus: Gott wurde nur als der „große Architekt“ angesehen, der die Welt erschuf und die Gesetze festlegte, nach denen diese Welt existiert. Weitere Entwicklung Die Welt folgte diesen Gesetzen ohne göttliches Eingreifen. Einige Pädagogen teilten diese Position Pantheismus, in dem Gott in der Natur aufgelöst und mit ihr identifiziert wurde. Eine Reihe von Aufklärern, darunter La Mettrie, Diderot, Condillac, wandten sich an Materialismus, wobei spirituelles Bewusstsein als eine der Eigenschaften der Materie betrachtet wird. Dieser Ansatz trug verborgene atheistische Prinzipien. Allerdings im Offenen Atheismus(Leugnung der Existenz übernatürlicher Kräfte im Allgemeinen und Gottes im Besonderen) wurde von wenigen gelöst. Der erste Vertreter des Atheismus war Baron P. Holbach. Auch gegenüber der Religion und der Kirche waren die Materialisten sehr kompromisslos. Diderot Und D'Alembert. Aus ihrer Sicht entstand die Religion aus der Unwissenheit und Hilflosigkeit des Menschen gegenüber den Naturgewalten, und die kirchliche Organisation dient der Aufrechterhaltung dieser Unwissenheit und verhindert die spirituelle und soziale Befreiung der Menschen.

Praktisch gesehen war für die Figuren der französischen Aufklärung die pädagogische Tätigkeit selbst das Wichtigste. Sie glaubten, dass die Geschichte ihnen eine besondere Mission anvertraut hatte: die Verbreitung und Förderung wissenschaftlicher Erkenntnisse und des Glaubens an den Triumph der Vernunft, an die Möglichkeit und Regelmäßigkeit des gesellschaftlichen Fortschritts. Fortschritt wurde als der unumkehrbare Weg der Geschichte aus der Dunkelheit der Unwissenheit in das Reich der Vernunft angesehen.

Unter den ersten Aufklärern ist darauf hinzuweisen Charles Montesquieu(1689-1755). UM Große Bekanntheit erlangte er durch die Veröffentlichung des anonymen Werkes „Persische Briefe“, in dem er in Form von Korrespondenzen wohlhabender Perser scharfe Kritik an den modernen französischen Orden übte. Dann, in dem Aufsatz „Über den Geist der Gesetze“, sagte er historische Beispiele zeigte die Existenz von verschiedene Nationen verschiedene Bräuche und Prinzipien des politischen Systems und verurteilte den Despotismus, indem er die Ideen der religiösen Toleranz sowie der bürgerlichen und persönlichen Freiheit der Menschen förderte. Gleichzeitig rief der Autor nicht zur Revolution auf, sondern sprach von Schrittweise und Mäßigung bei der Durchführung der notwendigen Veränderungen. Montesquieu leistete wichtige Beiträge zur Entwicklung der Kulturtheorie. Er kam zu dem Schluss, dass das soziale System, die Bräuche und die Völker selbst größtenteils Produkte des Einflusses der umgebenden geografischen Umgebung (Klima, Flüsse, Böden usw.) sind. Dieser Ansatz war eindeutig materialistischer Natur und wurde „geografischer Determinismus“ genannt.

Der prominenteste Vertreter der Aufklärung war der französische Schriftsteller und Philosoph Voltaire (1694 – 1778). Seine talentierte Feder besaß Hunderte von literarischen, philosophischen und historischen Werken verschiedener Genres, von satirischen Gedichten bis hin zu ernsthaften philosophischen Abhandlungen, in denen er sich gegen feudale Institutionen aussprach, die Bibel, Wunderfiktionen und andere religiöse Vorurteile gnadenlos anprangerte. Voltaire schrieb den berühmten Aufruf „Zerschmettere das Reptil!“, der sich gegen die katholische Kirche richtete. Gleichzeitig lehnte Voltaire die Religion als solche nicht ab und hielt sie für notwendig, um die dunklen Massen zu unterwerfen: „Wenn Gott nicht existierte, müsste er erfunden werden!“ Voltaire verband scharfe Kritik an der Kirche und den feudalen Ordnungen mit gemäßigten praktischen Empfehlungen. Daher hielt er es nicht für möglich, im heutigen Frankreich für ein republikanisches System zu kämpfen. Er misstraute den unteren Klassen der Gesellschaft und hielt sie für zu dunkel. Voltaire legte großen Wert auf die Erforschung der kulturellen Besonderheiten verschiedener Nationen. In diesem Zusammenhang verfasste er das Werk „Essays on General History, Customs and Character of Nations“ (1756).

Leistete einen wichtigen Beitrag zur Ideologie der Aufklärung Zh.A. Condorcet(1743-94), der in seinem Werk „Skizze eines historischen Bildes vom Fortschritt des menschlichen Geistes“ (1794) die Weltgeschichte als einen Entwicklungsprozess des menschlichen Geistes darstellte. Er teilte die Geschichte der Menschheit in neun Epochen ein, deren Beginn er mit der einen oder anderen großen Erfindung in Verbindung brachte.

Neben dem vorherrschenden optimistischen Kulturbild trat in der Aufklärung auch eine pessimistische Haltung gegenüber Kultur als Mittel zur Versklavung und Unterdrückung von Menschen auf. Damit nahm der gebürtige Genfer einen besonderen Platz in der französischen Aufklärung ein Jean-Jacques Rousseau, erlangte Berühmtheit im Jahr 1749, als er den berühmten „Diskurs“ veröffentlichte, dass „Aufklärung schädlich und Kultur selbst eine Lüge und ein Verbrechen ist.“ Rousseau sah die Wurzel des Übels und des Unglücks der Menschheit in der Ungleichheit und argumentierte, dass die Hauptursache der Ungleichheit die Entstehung des Privateigentums sei, das die Menschen in Arm und Reich teilte. Ungleichheit wird vom Staat geschützt, und Religion, Kunst und sogar Wissenschaft tragen zum Erhalt der Ungleichheit bei und verhindern, dass Menschen ein glückliches Leben führen. Es ist offensichtlich, dass Rousseau jene spezifischen Formen und Institutionen der Kultur verabsolutierte, die in seiner zeitgenössischen Gesellschaft tatsächlich die Entwicklung der Demokratie und sozial gerechter sozialer Beziehungen behinderten.

Rousseau entwickelte Fragen der Pädagogik und Theorie des „Gesellschaftsvertrags“, Danach ist der Staat das Produkt einer Vereinbarung zwischen Bürgern und wenn der Staat ihnen nicht passt, haben sie das Recht, ihn zu ändern. Rousseaus Ansichten trugen wesentlich zur ideologischen Vorbereitung der Großen Französischen Revolution am Ende des Jahrhunderts bei.

Die Quintessenz aller Ideen der französischen Aufklärung wurde zur berühmten „Enzyklopädie“, herausgegeben von Denis Diderot, die zu einer Art Bibel der Aufklärer wurde. Die Artikel der Enzyklopädie wurden von den besten Köpfen Europas verfasst und erklärten den gesamten Aufbau der Welt aus rationaler Sicht. Die Aufklärung sah in der Enzyklopädie ein Werkzeug, mit dem sie einem breiten Menschenkreis den Zugang zu Wissen ermöglichen sollte.

Da die Ansichten der Aufklärer von der offiziellen Ideologie abwichen, lösten ihre Aktivitäten oft eine scharfe Reaktion weltlicher und insbesondere geistlicher Autoritäten aus. Viele Pädagogen wurden verfolgt, verhaftet, deportiert, bereits veröffentlichte Werke verboten und beschlagnahmt.

Dennoch verbreiteten sich die Ideen der Aufklärung und drangen auch in die Gesellschaftsbereiche vor, die selbst Gegenstand ihrer Kritik waren. Daher hatten viele Persönlichkeiten der französischen Aufklärung hochrangige Gönner, die ihnen Schutz gewährten. So wurde beispielsweise die Veröffentlichung der Enzyklopädie dank der Unterstützung von Madame de Pompadour ermöglicht, der Günstling von König Ludwig XV., die selbst Gegenstand der Kritik der Aufklärung war.

Keiner der Vertreter der Aufklärung wollte eine Revolution vorbereiten – im Gegenteil, sie alle fürchteten sie und versuchten, die Gesellschaft durch die Verbreitung des Lichts des Wissens schrittweise zu verändern, um die Dunkelheit der Unwissenheit zu vertreiben. Dennoch entstanden unter dem Einfluss pädagogischer Ideen in Europa Geheimbünde. Die erste Gesellschaft dieser Art war der Bayerische Orden der Illuminaten, die berühmteste war jedoch der Orden der Freimaurer. Geheimbünde schufen und verbreiteten eine Vielzahl populärer Literatur, die für den Durchschnittsleser zugänglich war. Mit Hilfe dieser Literatur verbreiteten sich die Ideen der Aufklärung in ganz Europa.

IN Deutschland Die Aufklärungsbewegung war nicht so radikal wie in Frankreich. Die Aufmerksamkeit deutscher Pädagogen wurde nicht auf gesellschaftspolitische Probleme gelenkt, sondern auf Fragen der Philosophie, Moral, Ästhetik und Bildung. Besonderes Augenmerk wurde auf Fragen der kulturellen Entwicklung gelegt.

Entwickelte das Konzept der kulturellen Entwicklung G. Lessing, die die Idee verfolgten, dass die Menschheit eine Reihe von Stadien der organischen Entwicklung durchläuft und dass die Dominanz der Religion und der Glaube an die göttliche Offenbarung auf die Unreife der Gesellschaft hinweisen.

Der deutsche Philosoph widmete kulturellen Problemen große Aufmerksamkeit Johann Herder(1744-1803), der sein 20-bändiges Hauptwerk „Ideen zur Philosophie der Menschheitsgeschichte“ (1791) nannte. Er griff die Frage nach dem Ursprung der Sprache auf, lehnte die These von der „gottgegebenen“ Natur der Sprache ab und vertrat die These von der naturgeschichtlichen Entwicklung nicht nur der Natur, sondern auch der Sprache, des Denkens und der menschlichen Kultur als ein ganzes. Herder ist Pantheist, löste Gott in der Natur auf und verstand die Entwicklungsgeschichte der Natur als eine fortschreitende Entwicklung von der anorganischen Materie zur Welt der Pflanzen und Tiere und dann zum Menschen. In der Gesellschaftsgeschichte sah er den Prozess des wachsenden Humanismus, den er als Verbesserung der Lebensbedingungen und harmonische Entwicklung jedes Einzelnen verstand. Herder legte besonderen Wert auf die nationale Identität der Kultur verschiedener Völker und kam auf die Idee der Gleichwertigkeit verschiedener Kulturen und verschiedener Epochen in der Entwicklung der Kultur eines bestimmten Volkes, indem er sie als naturgeschichtlich betrachtete Stufen, die im allgemeinen Prozess der fortschreitenden Entwicklung gleichermaßen wertvoll und notwendig sind. Die besondere Aufmerksamkeit, die Herder den Problemen der Kultur widmete, und weiter Kreis Die von ihm gestellten kulturologischen Fragen geben allen Anlass, diesen Wissenschaftler als einen der Begründer der Kulturologie als Wissenschaft zu betrachten.

Hat einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Kulturtheorie geleistet Immanuel Kant(1724-1804), Begründer der deutschen klassischen Philosophie. Er betrachtete Kultur als eine vom Menschen geschaffene künstliche Welt. Das Hauptmerkmal von Kants Kulturkonzept war die Idee, dass Kultur als Instrument zur Befreiung des Menschen von der natürlichen Welt fungiert. Der Philosoph stellte die Welt der Natur und die Welt der Freiheit gegenüber und verband die zweite Welt mit der Welt der Kultur. Er stellte fest, dass in der Natur die strengen Gesetze der Zoologie vorherrschen und der Mensch als Naturprodukt seiner Freiheit beraubt wird. Von Menschenhand geschaffen Die Kultur befreit ihn von der Unfreiheit und dem Bösen der natürlichen Welt, und die Moral spielt dabei die wichtigste Rolle: Die Macht der moralischen Pflicht besiegt die strengen Gesetze der Zoologie. Damit betonte Kant die führende Rolle der Moral im System der kulturellen Werte. Gleichzeitig wies Kant darauf hin, dass die Welt der Natur und die Welt der Freiheit durch die große Kraft der Schönheit verbunden seien, und glaubte, dass Kultur in ihren höchsten Formen mit dem ästhetischen Prinzip, mit künstlerischem Schaffen – mit der Kunst – verbunden sei.

IN Italien Die Aufklärung hatte ihre tiefen Wurzeln und führte in die Renaissance, aber aufgrund der starren Position der Kirche entwickelte sich die Bildungsbewegung langsam und war von gemäßigtem Charakter. Zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Eine wichtige Rolle im sozialen Denken Italiens spielte G. Vico (1668-1744), der eine zyklische Geschichtstheorie entwickelte, ohne mit dem traditionellen christlichen Konzept der Vorsehung (göttlicher Plan) zu brechen. Nach Vicos Konzept führt die göttliche Vorsehung die Menschheit Schritt für Schritt von der Barbarei zur Zivilisation, dann beginnt die Ära der Barbarei von neuem und der Zyklus wiederholt sich. Vico kam zu dieser Schlussfolgerung auf der Grundlage einer Analyse der ihm bekannten Geschichte, in der zwei abgeschlossene Zyklen deutlich hervortraten: von der Antike bis zum Untergang Roms und erneut von der „neuen Barbarei“ des frühen Mittelalters bis zum Zeitalter der Aufklärung . Die These von der Hand der Vorsehung zählte Vico zu den Theisten, aber die Idee, historische Zyklen zu wiederholen, passte nicht gut zur traditionellen christlichen Vorstellung vom zweiten Kommen Christi und der Errichtung des „Reiches Gottes“. auf Erden wie im Himmel.“ Vico glaubte, dass sich alle Nationen in Zyklen entwickeln, die aus drei Epochen bestehen: dem Zeitalter der Götter (ein staatenloser Staat, Unterordnung unter Priester als Diener der Götter), dem Zeitalter der Helden (ein aristokratischer Staat, der unterdrückt gewöhnliche Menschen) und das Zeitalter des Volkes (einfache Menschen rebellieren gegen die Aristokratie und erreichen Gleichheit durch die Gründung einer Republik; im Laufe der weiteren Entwicklung löst sich die Gesellschaft jedoch auf und die Ära der Barbarei beginnt erneut). Es ist anzumerken, dass im Rahmen dieser zyklischen Theorie die Idee der fortschreitenden Entwicklung der politischen Kultur der menschlichen Gesellschaft klar enthalten ist. Vico war einer der ersten, der die Idee des Klassenkampfes als Faktor der gesellschaftlichen Entwicklung zum Ausdruck brachte.

In der 2. Hälfte. XVIII Jahrhundert Das Hauptzentrum pädagogischer Ideen war Mailand, wo die Brüder sie verbreiteten Vierry. Neapel wurde zu einem weiteren Zentrum der italienischen Aufklärung, wo er Vorträge hielt Antonio Genovesi , der die Möglichkeiten der Regulierung wirtschaftlicher Beziehungen mithilfe der Gesetze der Vernunft untersuchte.

Aufklärung in Spanien zeichnete sich durch die zurückhaltende Haltung spanischer Denker gegenüber ihren französischen Kollegen aus, die eine Art Abwehrreaktion auf die negativen Einschätzungen französischer Pädagogen zur Rolle Spaniens in der Geschichte Europas darstellte. Eine führende Rolle unter den spanischen Aufklärern spielten eine Reihe hochgebildeter Vertreter der Aristokratie, wie Pedro Rodriguez de Campomanes, Graf von Floridablanca, Graf von Aranda, Gaspar Melchior de Jovellanos y Ramirez, die sich für eine schrittweise Reform der feudalen Gesellschaft einsetzten . Ihre Aktivitäten trugen zur Umsetzung von Reformen in Spanien im Geiste des „aufgeklärten Absolutismus“ bei.

England . Fast alle englischen Denker des 18. Jahrhunderts, wie Henry Bolingbroke, James Addison, A. Shaftesbury und F. Hutchison, waren religiöse Menschen und zeichneten sich durch gemäßigte Ansichten aus, insbesondere in Fragen der politischen und sozialen Ordnung. Ihr Ideal war ein politischer Kompromiss, und das Eigentumsrecht galt als unveräußerliches natürliches Menschenrecht. Mit dem Namen eines Schotten Adam Smith mit dem Beginn der klassischen politischen Ökonomie verbunden.

Englische Materialisten des 18. Jahrhunderts – Hartley, Priestley und andere – erkannten das Denken als ein Produkt der Materie. Ihnen widersprach die idealistische Richtung, die vertreten wurde George Berkeley(1685-1753), der sich zum Ziel gesetzt hatte, den Materialismus zu widerlegen und die Unantastbarkeit der Religion zu begründen. Ausgehend von Lockes Empfindungslehre gelangte Berkeley zu der äußerst idealistischen Schlussfolgerung, dass die reale Welt nur insoweit existiert, als sie von uns durch die Kombination verschiedener Empfindungen wahrgenommen wird. Die Ansichten des schottischen Philosophen und Wissenschaftlers stimmten mit Berkeleys Ideen überein David Hume, der die Unmöglichkeit einer objektiven Kenntnis der Welt postulierte ( Agnostizismus).

Die Verschärfung der gesellschaftlichen Widersprüche, die mit der Entwicklung der kapitalistischen Verhältnisse einhergingen, führte schon früh zu Kritik an der bürgerlichen Gesellschaft in England. An erster Stelle können wir hier setzen Jonathan Swift mit seinem brillanten satirischen Roman „Gullivers Reisen“ (1726). Die Enttäuschung über die Realitäten der britischen bürgerlichen Gesellschaft mit einem parlamentarischen System führte zu Unglauben an die Möglichkeit, eine perfekte, auf Vernunft basierende Gesellschaft zu schaffen. Dies trug zu einem gesteigerten Interesse an der inneren Welt eines Menschen, an seinen Gefühlen und Erfahrungen bei. Mitte des 18. Jahrhunderts spiegelte sich dieses Bedürfnis in einer neuen literarischen Richtung wider – Sentimentalismus. Der größte Vertreter dieses Trends war Laurence Stern, dessen Roman „ Sentimentale Reise" und gab es.

Von England aus wurden die Ideen der Aufklärung nach Übersee in die nordamerikanischen Kolonien übertragen. amerikanisch Die Aufklärer waren eher Praktiker als Denker und versuchten, neue wissenschaftliche Erkenntnisse für die Entwicklung ihres Landes anzuwenden. Sie interessierten sich vor allem für die Probleme der Beziehungen zwischen Gesellschaft, Individuum und Staat. Gleichzeitig glaubten amerikanische Denker, dass die Bürger ihr politisches System ändern könnten, wenn sie es nützlich fänden. Dieses Konzept wurde am aktivsten verteidigt von Thomas Paine in der Broschüre „Common Sense“. Die Aktivitäten amerikanischer Pädagogen bereiteten ideologisch die Amerikanische Revolution und die Unabhängigkeitserklärung der nordamerikanischen Kolonien vor. Die bekanntesten Vertreter der amerikanischen Bildung, wie z Thomas Jefferson und Benjamin Franklin, wurden die Anführer der Amerikanischen Revolution und die „Gründerväter“ der Vereinigten Staaten – des ersten Staates, in dessen Verfassung viele wichtige Ideen der Aufklärung ihren Niederschlag fanden.

Wissen über die Welt. Das 18. Jahrhundert war eine Zeit der rasanten Entwicklung der Wissenschaft. Es basierte auf den Errungenschaften der wissenschaftlichen Revolution des 17. Jahrhunderts. Um die Jahrhundertwende entstanden in den meisten europäischen Ländern wissenschaftliche Institutionen – die Akademien der Wissenschaften. Wissenschaftliche Erkenntnisse werden systematischer und präziser. Wissenschaftler konzentrierten sich auf die praktische Nutzung ihrer Errungenschaften im Interesse der wirtschaftlichen und sozialen Entwicklung.

Charakteränderungen Seereise. Während frühere Expeditionen hauptsächlich militärischen und handelsbezogenen Zwecken dienten, sind heute gezielt Wissenschaftler dabei, die mit der Suche und Erkundung neuer Länder beschäftigt sind. Dank der Erfindung fortschrittlicherer Navigationsinstrumente wie des Sextanten (1730) und des Chronometers (1734) wurden Seereisen sicherer. Drei englische Expeditionen J. Cook(1768-1771) sowie die Reisen französischer Kapitäne L.A. Bougainville(1766-1769) und J.F. La Perouse(1785–1788) legte den Grundstein für die systematische Erforschung und praktische Erschließung der Region des Pazifischen Ozeans.

In Entwicklung Botaniker Und Biologie Ein schwedischer Wissenschaftler hat einen großen Beitrag geleistet Carl Linné(1707–1778). Er entwickelte ein bis heute gültiges Klassifizierungssystem für Lebewesen, in das er auch den Menschen einbezog.

Französischer Entdecker J.-B. Lamarck(1744–1829) stellte die erste Theorie der biologischen Evolution auf, die in vielerlei Hinsicht die Ideen von Charles Darwin vorwegnahm.

Im Gebiet exakte Wissenschaften Johann Bernoulli und seine Schüler Leonard Euler Und Jean D'Alembert Vervollständigen Sie die Entwicklung von Systemen der Differential- und Integralrechnung und erstellen Sie die Theorie der Differentialgleichungen. Mit seiner Hilfe begannen sie, die Bewegung von Kometen und anderen Himmelskörpern zu berechnen, und sie fanden ihre Vollendung in dem berühmten Buch JosephaLagrange„Analytische Mechanik“ (1788).

Französischer Wissenschaftler Pierre Laplace(1749-1827) bewies meisterhaft mithilfe mathematischer Analysen die Stabilität der Umlaufbahnen der Planeten des Sonnensystems und beschrieb auch ihre Bewegung vollständig. Damit widerlegte er die Meinung, dass die Aufrechterhaltung des gegenwärtigen Erscheinungsbilds des Sonnensystems das Eingreifen einiger erfordert fremde übernatürliche Kräfte.

IN Physik Es wird die Meinung vertreten, dass alle physikalischen Prozesse Manifestationen der mechanischen Bewegung der Materie sind. Die Erfindung des Thermometers durch den Niederländer Fahrenheit zu Beginn des 18. Jahrhunderts und das anschließende Aufkommen der Temperaturskalen Réaumur (1730) und Celsius (1742) ermöglichten die Temperaturmessung und führten zur Entstehung der Wärmelehre.

In Chemie Es entstand die Theorie von Phlogiston (einer feurigen Substanz), die das Wissen über die Verbrennungs- und Röstprozesse von Metallen verallgemeinerte. Versuche, Phlogiston nachzuweisen und zu isolieren, regten die Untersuchung gasförmiger Verbrennungsprodukte und Gase im Allgemeinen an. Dadurch wurden Wasserstoff, Stickstoff, Sauerstoff und das Phänomen der Photosynthese entdeckt. Im Jahr 1777 Antoine Lavoisier schuf die Sauerstofftheorie der Verbrennung.

Das Studium beginnt elektrische und magnetische Phänomene. Dabei wurde das Phänomen der elektrischen Leitfähigkeit entdeckt und ein Elektrometer geschaffen. B. Franklin und M. V. Lomonosov Der Blitzableiter wurde erfunden. Der Franzose A. Coulomb entdeckte das Coulombsche Gesetz, das die Grundlage für die spätere Entwicklung des Wissens über Elektrizität bildete.

Das Hauptergebnis der Entwicklung der Wissenschaft im 18. Jahrhundert. war die Schaffung eines vollwertigen wissenschaftlichen Weltbildes, das keiner theologischen Begründung bedarf.

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XVIII Jahrhundert war die letzte historische Etappe eines langen Übergangs vom Feudalismus zum Kapitalismus. Inhalt historischer Prozess war die Behauptung der Dominanz der klassischen Formen der entwickelten bürgerlich-kapitalistischen Gesellschaft und ihrer Kultur. Dieser Prozess verlief in verschiedenen Ländern unterschiedlich.

In England - die industrielle Revolution, der Übergang zur maschinellen kapitalistischen Industrie. In Frankreich - Vorbereitung auf Klassik bürgerliche Revolution, befreit von der religiösen Hülle im Ausdruck seiner politischen und sozialen Ideale. Aber trotz der nationalen Besonderheiten der politischen und kulturellen Revolution einzelner Länder waren die Hauptmerkmale ihrer Gemeinsamkeit die Krise des Feudalismus und seiner Ideologie sowie die Herausbildung der fortschrittlichen Ideologie der Aufklärung. XVIII Jahrhundert - das Zeitalter der Vernunft, das Zeitalter der Aufklärung, das Zeitalter der Philosophen, Soziologen, Ökonomen. Eine neue Ära kommt, eine neue Kultur entsteht. Vernunft und Aufklärung wurden zu den wichtigsten Schlagworten dieser Zeit. Auch der Absolutismus, der sich den Bedürfnissen der Zeit beugt, wird aufgeklärt. In Österreich und Preußen nutzten die Monarchen die Ideen der Aufklärung, um das zentralisierte Regierungssystem zu stärken. Die Schaffung eines einheitlichen Bildungssystems wird praktiziert und die Entwicklung von Wissenschaft und Kunst gefördert – in gewissen Grenzen.

PHILOSOPHIE

In allen europäischen Ländern entwickelte sich die Kultur im 18. Jahrhundert. standen gewissermaßen im Zeichen der Ideen der Aufklärung. In Deutschland entstand eine Schule der klassischen deutschen idealistischen Philosophie (Kant, Fichte). In Italien vollzog Giambattista Vico die Dialektisierung der Philosophie der Neuzeit. In England liefert Berkeleys Philosophie eine theoretische Rechtfertigung für die religiöse Weltanschauung, und Humes Skeptizismus spielt die Rolle einer theoretischen Rechtfertigung für die utilitaristische und rationale Weltanschauung der Bourgeoisie. Aber die zahlreichste Gruppe von Aufklärern, die vor brillanten Talenten sprühten, bildete sich in Frankreich: Von hier aus verbreiteten sich die Ideen der Aufklärung, geprägt vom französischen Genie, in ganz Europa.

Charles Louis Montesquieu (1689–1755) wendet sich in seinen Werken „Persische Briefe“ (1721) und „Über den Geist der Gesetze“ (1748) gegen Feudalismus und unbegrenzte Monarchie.

Montesquieu unterscheidet drei Formen staatlicher Macht: Despotismus, dessen Grundlage die Angst ist; eine Monarchie, die auf dem „Prinzip der Ehre“ basiert, und eine Republik, in der die Bevölkerung von der höchsten bürgerlichen Tugend inspiriert ist – dem Patriotismus. Montesquieus politische Ansichten, insbesondere seine Lehre von der Aufteilung der gesetzgebenden, exekutiven und judikativen Gewalten zwischen unabhängigen, aber sich gegenseitig kontrollierenden Autoritäten, waren im 18. Jahrhundert nicht nur fortschrittlich, sondern auch für die Neuzeit äußerst relevant. politische Situation in Russland.

Der herausragendste Anführer des gemäßigten Flügels der französischen Aufklärung war Voltaire (1694-1778). Sein enormes Talent kam in einer Vielzahl brillant gestalteter literarischer, philosophischer und historischer Werke zum Ausdruck, die von Hass auf den Feudalstaat und religiösem Fanatismus durchdrungen waren. Von ihm Philosophische Werke die bedeutendsten sind „Philosophische Briefe“, „Grundlagen von Newtons Philosophie“ und „Philosophisches Wörterbuch“. Der Einfluss von Voltaires Ideen außerhalb Frankreichs, auch in Russland, war äußerst groß. Voltaires antiklerikale Werke spielten eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung des russischen Freidenkens im 18. Jahrhundert.

Eine neue Etappe in der Entwicklung der französischen Aufklärung des 18. Jahrhunderts. war die Tätigkeit von Jean-Jacques Rousseau (1712-1778), dem Ideologen des revolutionären Kleinbürgertums. Seine Ideen, die in den Werken „Über die Ursachen der Ungleichheit“, „Über den Gesellschaftsvertrag oder die Grundsätze des politischen Rechts“ usw. zum Ausdruck kamen, wirkten sich später während der Großen Französischen Revolution von 1789–1794 aus. erheblichen Einfluss auf die Jakobiner, die Rousseau zu ihrem ideologischen Vorgänger erklärten. Seine Werke sind durchdrungen von Hass auf die Unterdrücker, leidenschaftlicher Kritik am heutigen Gesellschafts- und Staatssystem, sozialer Ungleichheit und hässlicher Bildung. Er prangert heuchlerische Moral, Feindseligkeit gegenüber den Interessen des Volkes, falsche Kunst und offizielle Wissenschaft an.

Die wichtigste Richtung der Bildungsphilosophie wird von der materialistischen Schule vertreten. Ihr Gründer war der Arzt Julien Aufrait La Mettrie (1709–1751), Autor medizinischer und philosophischer Werke. La Mettries kühner Atheismus erregte den Zorn kirchlicher und weltlicher Reaktionäre. Der Philosoph musste aus Frankreich fliehen und starb im Exil.

Die Weiterentwicklung des französischen Materialismus ist mit den Aktivitäten von Denis Diderot (1713–1784), Etienne Bonn Condillac (1710–1780) und Paul Holbach (1723–1789) verbunden. Die Blütezeit der Aktivitäten französischer Materialisten reicht bis in die 50er und 60er Jahre zurück. XVIII Jahrhundert und steht in engem Zusammenhang mit der Veröffentlichung der Encyclopedia of Sciences, Arts and Crafts in 33 Bänden, die zum ideologischen Mittelpunkt des gesamten Aufklärungslagers wurde.

XVIII Jahrhundert gekennzeichnet durch die gleichzeitige Entwicklung von Wissenschaft und Technologie. Dank Adam Smith und den französischen Physiokraten wurde die politische Ökonomie zu einer wissenschaftlichen Disziplin. Wissenschaft ist zunehmend mit Produktion und Technologie verbunden und entwickelt sich rasant weiter. Lavoisier legte wie Lomonossow in Russland den Grundstein für die Chemie moderne Wissenschaft. Um den Übergang ins Industriezeitalter vorzubereiten, entstehen neue Maschinen.

Im 18. Jahrhundert Neue Zweige der Physik werden intensiv erschlossen – das Studium von Wärme, Elektrizität, Magnetismus. Chemische Forschung wird in großem Umfang betrieben. Die Biowissenschaften machen Fortschritte – Anatomie, Physiologie, Embryologie. Die Erfolge von C. Linnaeus (1707-1778) bei der Klassifizierung neuen Faktenmaterials, das von der Botanik und Zoologie gesammelt wurde, sowie die Entwicklung der Paläontologie warfen unweigerlich die Frage nach der Entwicklung der organischen Welt auf. Der größte Vertreter des Evolutionismus des 18. Jahrhunderts, der französische Wissenschaftler J.L. Buffon (1707 - 1788), schuf ein grandioses „ Naturgeschichte„Die Fortschritte der Geologie lieferten reichlich Material zur Entwicklung der Erdkruste. Dies war von großer Bedeutung für die Entwicklung der kosmogonischen Hypothesen, die Buffon und Kant (1724 – 1804) in der Mitte des Jahrhunderts und am Ende des Jahrhunderts aufgestellt hatten das Jahrhundert von P.S. Laplace (1749 - 1827).

Es genügt zu sagen, dass es in Frankreich viele wissenschaftliche und Bildungsinstitutionen- Akademie der Wissenschaften, Royal College, Schule für Militäringenieure, Pariser Observatorium usw. In vielen Provinzen entstehen Akademien und Universitäten. Ausgegeben wissenschaftliche Arbeiten, Zeitschriften, wissenschaftliche Notizen, es findet ein reger Austausch von Forschungsergebnissen statt. Aber hier war nicht alles gut. Viele Naturforscher lehnten das „offenbarte“ Bild der Natur als Absurdität ab und beteiligten sich an der Entwicklung einer unorthodoxen „Naturtheorie“. Zu dieser Zeit erschienen Bücher wie „Die Theologie des Wassers“ von Fabricius, „Der Schöpfer der Natur“ von Boissy, „Astronomische Theologie“ von Dergel und andere, die weiterhin versuchten, den Theismus durch naturwissenschaftliche Entdeckungen vor dem Hintergrund des Krise der orthodoxen Religion, waren zu dieser Zeit weit verbreitet.

Das westeuropäische Gesellschaftsdenken entwickelt sich im Zeichen pädagogischer Ideen weiter. Die Macht der Vernunft wird geltend gemacht und Kritik an Klassenvorurteilen und kirchlichem Obskurantismus verbreitet sich. Austausch zwischen Ländern, philosophischer, wissenschaftlicher, ästhetische Ideen. Französisch wird zur Sprache der internationalen Kommunikation zwischen den aufgeklärten Teilen der Gesellschaft. In den meisten Ländern entsteht eine Intelligenz, die die Interessen der benachteiligten Klassen vertritt, was zur Bildung einer umfassenderen Vorstellung von der Einheit der Kultur der menschlichen Gesellschaft beiträgt.

LITERATUR UND MUSIK

Im 18. Jahrhundert beginnt der Prozess eines entscheidenden Wandels im Verhältnis zwischen Kunstarten und -gattungen, der im nächsten Jahrhundert abgeschlossen wurde. Der Anteil von Literatur und Musik nimmt zu und erreicht den Grad der künstlerischen Reife, den die Malerei bereits im 16.-17. Jahrhundert erlangte. Literatur und Musik gewinnen allmählich die Bedeutung führender Kunstformen. Sie ergänzen sich gegenseitig und befriedigen das Bedürfnis der Zeit nach einem ästhetischen Bewusstsein für das Leben, seine Bewegung und Gestaltung.

Prosa entwickelt sich zu einem Genre, das das Schicksal eines Individuums in seiner komplexen Entwicklung im Laufe der Zeit und in seinen komplexen Beziehungen zum sozialen Umfeld zeigen möchte oder das ein umfassendes Bild des Lebens und der Bräuche der damaligen Zeit zeichnet und grundlegende Fragen zu diesem Thema beantwortet Platz und Rolle des Menschen im Leben der Gesellschaft. Dazu gehören, trotz der unterschiedlichen Handschrift und des Stils, „The Lame Demon“ von Lesage, „Manon Lescaut“ von Prevost, „Candide“ von Voltaire, die Schelmenromane von Fielding, „Sentimental Journey“ von Stern, „The Sorrows of Young“. Werther“ und „Wilhelm Meister“ von Goethe. Besonders fruchtbar entwickelt sich das Genre des Romans, der ein universelles Weltbild vermittelt.

Das Bedürfnis nach einem poetischen, emotional ganzheitlichen Ausdruck der geistigen Welt eines Menschen, der Offenlegung seiner unmittelbaren Weltanschauung und Weltanschauung in Entwicklung, Widersprüchen und Integrität bestimmte das Aufblühen der Musik als eigenständige Kunstform. Schöpfung im 18. Jahrhundert. Bach, Mozart, Gluck und Haydn zeigten in musikalischen Formen wie Fuge, Symphonie und Sonate die Fähigkeit der Musik, die subtilsten Nuancen und den Entstehungsprozess menschlicher Erfahrungen zu vermitteln.

Bedeutend im 18. Jahrhundert. Erfolge der Theaterkunst, Dramaturgie, eng verbunden mit der Literatur. Es zeichnet sich durch eine Abkehr von den Traditionen des Klassizismus hin zu realistischen und vorromantischen Schaffensrichtungen aus. Ein charakteristisches Merkmal der Kultur dieser Zeit ist die eingehende Auseinandersetzung mit den Hauptthemen der Theaterästhetik, der Natur des Schauspiels und der Berichterstattung über die soziale und pädagogische Rolle der Theaterkunst.

BILDENDE KUNST UND ARCHITEKTUR

XVIII Jahrhundert - das Jahrhundert des Porträts, aber bereits in einer neuen Phase der Kulturentwicklung. Meister des 18. Jahrhunderts schuf eine raffinierte, differenzierte Kunst, die die subtilsten Nuancen von Gefühlen und Stimmungen analysiert. Anmutige Intimität, zurückhaltende Lyrik, höfliche, gnadenlose analytische Beobachtung – das sind sie künstlerische Besonderheiten Porträts von Latour, Gainsborough, Houdon. Die Fähigkeit, die subtilsten Stimmungsnuancen zu vermitteln und das Charakteristische wahrzunehmen, zeichnet sich durch die galanten Feierlichkeiten und Genreszenen von Watteau, Fragonard, die bescheidenen Alltagsmotive von Chardin und die Stadtlandschaften von Guardi aus. Diese Qualitäten künstlerische Wahrnehmung Zum ersten Mal wurde das Leben in der Kunst mit einer solchen Konsequenz bestätigt, allerdings um den Preis eines teilweisen Verlusts der künstlerischen Errungenschaften der Vergangenheit.

Die Malerei verliert die universelle Fülle der Darstellung des menschlichen Geisteslebens, was bei Rubens, Poussin, Rembrandt und Velazquez der Fall war.

Das Spektrum ästhetischer Bedürfnisse des 18. Jahrhunderts. am besten in den bildenden Künsten, der Architektur, der Literatur und der Musik zum Ausdruck kommt. Das Problem der relativen Bedeutung der bildenden Künste und der Architektur in der künstlerischen Kultur der Menschheit wird erst in der Blütezeit des Kapitalismus in seiner ganzen Schärfe aufgeworfen.

Formation neue Kultur kommt in verschiedenen Ländern sehr ungleichmäßig vor. In Italien beispielsweise, das seiner nationalen Einheit beraubt ist, setzt sich die Entwicklung der Traditionen des 17. Jahrhunderts fort. In Frankreich im 18. Jahrhundert. beginnt mit der traurigen und verträumten bildenden Kunst von Watteau und endet mit dem revolutionären Pathos von Davids Gemälden, die eine bewusste bürgerliche Ausrichtung erlangen.

In Spanien stellt das Werk des jungen Goya dem Klassizismus ein leidenschaftliches Interesse an den hellen, charakteristischen Ausdrucksaspekten des Lebens entgegen und geht dem Übergang von der bildenden Kunst zur realistischen Kunst voraus 19. Romantik V.

Im 18. Jahrhundert Die Kirchenarchitektur nimmt ab und das Volumen des Zivilbaus nimmt zu. Die Architektur ist vom spätbarocken Stil geprägt – noch dynamisch komplizierter, dekorativ überladen, weniger stattlich und monumental. Auch die klassizistische Richtung wird weiterentwickelt. In Frankreich entstanden zahlreiche brillante Ensemblelösungen (Place de la Concorde in Paris), die ein Umdenken der Prinzipien der städtischen Ensembleplanung im Geiste des Klassizismus darstellen. Es besteht Interesse an einer intimeren Interpretation des architektonischen Bildes eines separaten Herrenhauses, das komfortabler und eleganter ist. Dies führt zur Bildung der Prinzipien der Rokoko-Kunst, die intimer ist als der Barock. Das Rokoko in der Architektur manifestierte sich hauptsächlich im Bereich der Dekoration: flach, leicht, kapriziös, skurril und raffiniert.

Malerei und Bildhauerei im Stil des Rokoko waren rein dekorativer Natur und dienten zusammen mit der dekorativen und angewandten Kunst der Innendekoration. Die intimere Kunst des Rokoko, die dazu bestimmt ist, die Freizeit einer Privatperson zu schmücken, die ein Gespür für das „Elegante“ hat und einen exquisiten Geschmack hat, bestimmte die Schaffung eines Malstils, der sich in Stimmungsnuancen, in den Feinheiten der Handlung und der Komposition differenziert , koloristische und rhythmische Lösungen. Die Kunst des Rokoko vermied es, sich dramatischen Themen und der Erkenntnis der Realität zuzuwenden und war offen hedonistischer Natur. Sie verkam sehr bald zur gedankenlosen und oberflächlichen Kunst von Vertretern jenes Teils der Gesellschaft, der sich zum Motto Ludwigs XV. bekannte: „Nach uns kommt sogar eine Flut.“ .“

Kunst des 18. Jahrhunderts endet mit einem grandiosen Epos – dem Werk des großen Spaniers Francis Goya. Es ist mit der spanischen Bildtradition, mit dem Leben der Nation verschmolzen, aber gleichzeitig ist in Goyas Werk alles auf Menschlichkeit und Geschichte ausgerichtet, alles lebt in einer Atmosphäre universeller Tragödie und universeller Freude. Goya wurde bereits im 18. Jahrhundert zu einem großen Künstler, als er vor Lebensfreude sprühende Volksszenen und stolze, temperamentvolle Porträts malte. An der Wende des 19. Jahrhunderts. Goya schuf eine Reihe von Radierungen „Caprichos“, in denen er der Welt mit furchtloser Hand die Abgründe offenbarte, in die sie nicht zu blicken wagten, die mit dem Subtext der Kultur des 18. Jahrhunderts klangen, von denen gesprochen wurde im Flüstern. Dieser Zyklus war aber auch ein Abschied vom 18. Jahrhundert. Das Werk Goyas eröffnet ebenso wie das Gemälde Davids die Kunstgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts.

ABSCHLUSS

Westeuropäische Kultur-Kunst-Ausbildung

Fassen wir zusammen. Kunst des 53. Jahrhunderts Im Vergleich zu anderen Epochen zeichnet sie sich durch eine größere stilistische Integrität aus: Gemeinsame Merkmale finden sich in verschiedenen nationalen Schulen und Kunststilen. Diese Kunst vollzieht einen Übergang vom Rationalismus zum Sensualismus, vom Erhabenen zum unmittelbar Gegebenen, Menschlichen.

Das wichtigste Ergebnis der menschlichen Kreativität selbst ist die Welt der Kultur. Ein besonders wichtiger Platz kommt dabei dem Staat und den Rechtssystemen, der Industrie, der Wissenschaft, der Moral und dem Bildungssystem sowie der Kunst zu. Und obwohl die Ergebnisse menschlicher Kreativität manchmal negativ bewertet werden (Rousseau), gilt im Allgemeinen die Kultur des 18. Jahrhunderts. Optimistisch. Es wird von der Überzeugung dominiert, dass die Entstehung von Gesellschaft und Kultur ein günstiger Faktor für die Menschheit ist. Darüber hinaus ist Kultur eine Art Kriterium zur Bestimmung der Stadien der fortschreitenden Entwicklung der menschlichen Gesellschaft (Herder).

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„Kultur Europas im 17.–18. Jahrhundert“


1. Geistliches Leben

In der Geschichte Europas war das 17. Jahrhundert vom Siegeszug des neuen Barockstils in der Kunst und der Skepsis im spirituellen Leben der Gesellschaft geprägt. Nach der Renaissance, erfüllt von Begeisterung und Vertrauen in die Fähigkeiten des Menschen, folgen Enttäuschung, Verzweiflung und eine tragische Zwietracht zwischen dem Einzelnen und der Außenwelt. Ein Mann, der sich seit dem Mittelalter daran gewöhnt hatte, sich im Zentrum des Universums zu fühlen, fand sich plötzlich verloren auf einem riesigen Planeten wieder, dessen Ausmaße ihm bekannt wurden. Der Sternenhimmel über ihnen war keine verlässliche Kuppel mehr, sondern ein Symbol der Weite des Weltraums, das lockte und zugleich abstoßete und Angst machte. Die Europäer mussten sich selbst neu entdecken und sich an eine stark veränderte Welt um sie herum anpassen.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurde in Kontinentaleuropa der Skeptizismus und Rationalismus des Barock durch das Zeitalter der Aufklärung und die Kunst des Rokoko abgelöst. Die Grundidee der Aufklärung war Optimismus und der feste Glaube, dass die Menschheit durch eine Verbesserung ihrer Bildung verändert werden kann (daher der Name). dieses Stroms). Die Aufklärung hatte ihren Ursprung in Frankreich, das nach dem Tod Ludwigs XIV. aufatmete und hoffnungsvoll in die Zukunft blickte.

Eine große Rolle bei der Verbreitung der Ideen der Aufklärung spielte der Geheimbund der Freimaurer – Freimaurer. Die Ursprünge der Freimaurerei bleiben immer noch ein Rätsel. Die Freimaurer selbst betrachten sich als Nachfolger des Templerordens, der das Massaker überlebte frühes XIV Jahrhundert, dessen Mitglieder die erste Loge gründeten – eine Geheimsektion. Wissenschaftler gehen davon aus, dass die Freimaurer als politische Organisation zu Beginn des 18. Jahrhunderts auf der Grundlage von Handwerksvereinigungen von Bauhandwerkern entstanden sind. Mitglieder der Freimaurerlogen befürworteten den Aufbau einer neuen Welt auf der Grundlage universeller Gleichheit und Brüderlichkeit und kämpften gegen die katholische Kirche, wofür sie wiederholt mit dem Fluch belegt wurden.

2. Barock- und Rokoko-Kunst

Ende des 16. Jahrhunderts begann der Manierismus allmählich dem Barock zu weichen, hoher Stil die etablierte absolute Macht der Monarchen, die die Krise des Katholizismus überlebten und das Existenzrecht des Protestantismus verteidigten. Die größte Blütezeit des Barock fand in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts statt, als Europa die Katastrophen der Religionskriege erfolgreich überwand.

Die barocke Architektur zeichnete sich durch üppige dekorative Verzierungen mit vielen Details, mehrfarbige Modellierung, eine Fülle von Vergoldungen, Schnitzereien, Skulpturen und malerischen Lampenschirmen aus, die die Illusion offener, sich nach oben erstreckender Gewölbe erzeugten. Dies ist die Zeit der Dominanz der Kurven, der ineinander fließenden, kompliziert geschwungenen Linien, der feierlichen und majestätischen Gebäudefassaden Architekturensembles. Das Gemälde wird vom zeremoniellen Porträt dominiert; die Leinwände sind voller Allegorien und meisterhafter dekorativer Kompositionen.

Trotz der Dominanz des Barock war diese Epoche stilistisch nicht homogen. In Frankreich, wo die Tendenzen des strengen Klassizismus stark waren, versuchte man, antiken Vorbildern zu folgen. In den Niederlanden neigte man eher zu einem naturalistischen Stil.

Der Barock als Stil entstand in Italien, von wo aus er das Licht des wiederbelebten Katholizismus nach Europa bringen sollte. Einer der herausragendsten Architekten und Begründer des Barock war Lorenzo Bernini. Er wurde zum Chefarchitekten der St. Paul's Cathedral, der wichtigsten katholischen Kirche Roms, ernannt. Nach seinem Entwurf wurde 1623–1624 über dem Altar der Kathedrale ein riesiger Bronzebaldachin errichtet, dessen Material im Auftrag von Papst Urban VIII. vom alten Dach des Pantheons verwendet wurde. Ebenfalls zwischen 1656 und 1665 errichtete Bernini eine grandiose ovale Kolonnade vor der Fassade der Kathedrale. 1658 baute der Architekt die Kirche Sant'Andrea al Quirinale und 1663-1666 die „Königliche Treppe“ im Vatikan. Berninis brillantes Können zeigte sich im Bau der berühmten römischen Brunnen – des „Brunnens des Triton“ und des „Brunnens der vier Flüsse“. Zusätzlich zu seinem brillanten architektonischen Talent verfügte Bernini über brillante Fähigkeiten als Bildhauer. Er ist Autor der Gräber von Papst Urban VIII. und Alexander VII. im Petersdom, der Skulpturen „David“ (1623), „Apollo und Daphne“ (1622–1625) und zahlreicher Büsten. Insbesondere während einer Reise nach Frankreich im Jahr 1665 schuf Bernini eine Büste Ludwigs XIV.

Die wichtigste Malschule des barocken Italiens war die Bologneser Schule, die von drei Künstlern gegründet wurde: Aodovico Carracci und seinen Cousins ​​​​Annibale und Agostino. 1585 gründeten sie in Bologna eine Werkstatt namens „Akademie des rechten Weges“, in der sie die Grundprinzipien der Barockmalerei entwickelten. 1597 zogen Annibale und Agostino nach Rom, wo sie den Auftrag erhielten, die Galerie des Palazzo Farnese auszumalen. Laut Carracci ist die Realität zu rau, daher sollte sie durch die Gestaltung auf Leinwand veredelt werden ideale Bilder.

Ein anderer bedeutender Künstler des italienischen Barock, Caravaggio Michelangelo, strebte im Gegenteil nach maximalem Realismus. Bei der Schaffung von Gemälden zu biblischen Themen versuchte der Künstler gezielt, diese so demokratisch und einfach wie möglich zu gestalten. Dies sind seine Gemälde „Die Bekehrung Sauls“ (1600–1601), „Grablegung“ (1602–1604). , „Der Tod Mariens“ (1606). Darüber hinaus machte er das Stillleben zu einer eigenständigen Gattung der Malerei.

Der Barockstil in Spanien machte das 17. Jahrhundert zum „goldenen Zeitalter“ der Nationalkultur dieses Landes. König Philipp IV. unterstützte die Maler auf jede erdenkliche Weise und schuf für sie beste Konditionen und sie großzügig für ihre Arbeit bezahlen.

Jusepe Ribera gilt als der erste große spanische Barockkünstler, obwohl er in seiner Jugend nach Italien ging, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Sein Werk wurde von Caravaggio beeinflusst und der Künstler versuchte, seine Figuren so realistisch wie möglich zu gestalten. Riberas bekannteste Werke sind „Der Heilige Hieronymus“ (1626), „Die Qual des Heiligen Bartholomäus“ (1630) und „Das lahme Bein“ (1642).

Der größte Maler Spaniens im 17. Jahrhundert war Diego De Silva Velazquez, ab 1623 war er Hofmaler Philipps IV. Der Stil von Velazquez zeichnete sich durch einen betonten Realismus, eine gewisse Strenge des Schreibens und eine erstaunliche Lebenswahrheit aus. In seiner Jugend schuf er eine ganze Galerie kluger Volkstypen; in seinen reifen Jahren, die am Hof ​​lebten, bevorzugte er Aristokraten, Mitglieder der königlichen Familie sowie mythologische Themen. Dies sind „Bacchus“ (1628-1629), „Venus mit Spiegel“ (1651), „Las Meninas“ (1656).

Der spanische Barock hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Flandern, wo sich derselbe Stil durchsetzte. Der Höhepunkt des flämischen Barock war das Werk des Künstlers Peter Paul Rubens. Wie viele andere Maler reiste Rubens in seiner Jugend nach Italien, wo er antike Denkmäler und die Werke von Meistern der Renaissance studierte. Als er in seine Heimat zurückkehrte, schuf er das klassische Bild des monumentalen Altarbildes des Barock – „Die Erhebung des Kreuzes“ und „Die Kreuzabnahme“ (1610-1614). Rubens zeichnet sich durch kraftvolle und üppige menschliche Körper aus Vitalität, großer dekorativer Umfang. Das Thema seiner Gemälde waren mythologische und biblische Themen, historische Szenen. Er wurde zum Schöpfer des zeremoniellen Barockporträts. Am meisten Berühmte Gemälde Rubens sind: „Der Raub der Töchter des Leukipp“ (1619-1620), „Perseus und Andromeda“ (1621), „Bathseba“ (1636), „Pelzmantel“ (1638).

Rubens‘ Schüler war der Künstler Anthony van Dyck, Hofmaler Karls I. Als Fortsetzer der Ideen der flämischen Schule arbeitete Van Dyck lange Zeit in Genua und Antwerpen und zog 1631 endgültig nach London. Dort wurde er zum beliebtesten Porträtmaler der königlichen Familie und erhielt so viele Aufträge, dass er gezwungen war, das Werk unter seinen Schülern zu verteilen und so etwas wie eine Kunstmanufaktur zu gründen. Zu seinen Pinseln gehören Porträts: „Karl I. auf der Jagd“ (1633), „ Familienporträt"(1621).

In Frankreich, wo die klassische Tradition mit dem Barock konkurrierte, war Nicolas Poussin der prominenteste Vertreter der nationalen Malerschule. Poussin betrachtete Raffael und Tizian als seine Lehrer, deren Werke er während seines Italienbesuchs studierte. Der Künstler bevorzugte die Darstellung mythologischer und biblischer Szenen mit einer Vielzahl von Charakteren und Allegorien. Anschauliche Beispiele des Klassizismus waren seine Gemälde „Die Inspiration eines Dichters“ (1629-1635), „Das Königreich der Flora“ (1632), „Der Raub der Sabinerinnen“ (1633) und „Bacchanalien“.

Die Herrschaft Ludwigs XIV. wurde zu einer ganzen Ära in der Entwicklung der französischen Kunst. Künstler und Architekten wurden in der Akademie für Malerei und Bildhauerei und der Akademie für Architektur vereint. Sie waren aufgerufen, die Größe des „Sonnenkönigs“ zu verherrlichen, und schufen durch gemeinsame Anstrengungen, basierend auf einem Kompromiss zwischen Barock und Klassizismus, eine neue Bewegung, die den Stil Ludwigs XIV. nannte. Prunkvolle Paläste und Parkanlagen sollten die Idee der Allmacht des absoluten Monarchen und der Macht der französischen Nation deutlich verkörpern.

Geleitet von diesen Grundsätzen begann der Architekt Claude Perrault 1667 mit dem Bau der Ostfassade des Louvre, der sogenannten „Kolonnade“. Nach dem Projekt von Liberal Bruant und Jules Hardouin-Mansart wurde das Invalides-Haus gebaut – eine Herberge für Kriegsveteranen und eine Kathedrale. Der Höhepunkt der französischen Architektur dieser Epoche war der Bau von Versailles (1668-1689). Der Bau des Schloss- und Parkensembles von Versailles wurde von den Architekten Louis Levo und Jules Hardouin-Mansart geleitet. In Versailles verbinden sich die für den Klassizismus charakteristischen strengen Linien des Schlossbaus mit der üppigen Barockdekoration der Säle. Darüber hinaus ist der mit zahlreichen Brunnen geschmückte Park selbst ein Produkt des Barockstils.

Im Gegensatz zu Italien, Spanien, England und Frankreich, wo Maler riesige Summen für ihre Gemälde erhielten, erhielten Künstler in Holland nur sehr wenig Geld. Eine gute Landschaft konnte man für ein paar Gulden kaufen, ein gutes Porträt beispielsweise kostete nur 60 Gulden und Rembrandt erhielt auf dem Höhepunkt seines Ruhmes für „Die Nachtwache“ nur 1.600 Gulden. Im Vergleich dazu beliefen sich die Honorare von Rubens auf mehrere Zehntausend Franken. Niederländische Handwerker lebten mit sehr bescheidenen Einkommen, manchmal in Armut in kleinen Werkstätten. Ihre Kunst spiegelte das tägliche Leben des Landes wider und zielte nicht darauf ab, die Monarchie oder die Ehre Gottes zu verherrlichen, sondern die Psychologie des einfachen Menschen zu offenbaren.

Der erste große Meister der niederländischen Malschule war Frans Hals. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde sind Porträts. Er hatte eine große Werkstatt, hatte 12 Kinder, die in der Nachfolge ihres Vaters Künstler wurden, viele Studenten, führte einen böhmischen Lebensstil, war mit zahlreichen Schulden belastet und starb in völliger Armut.

Die bedeutendsten Werke der frühen Niederländische Malerei wurden zu Gruppenporträts von Hals. Die Kunden waren Mitglieder von Zünften, die darum baten, sie während eines Festes oder einer Versammlung abzubilden. Dies sind „Offiziere der Schützenkompanie von St. George“ (1616), „Schützen der Gilde von St. Adrian in Haarlem“ (1627). Khalsas Kunst ist frei von tiefer Konzentration und psychologischen Konflikten. In seinen Gemälden, die den Charakter des Künstlers selbst widerspiegeln, wird fast immer gelacht. Hals schuf eine Galerie einfacher Holländer, ein wenig unhöflich, aber offen in ihren Gefühlen – „Gypsy“, „Malle Babbe“, „Fisherman Boy“, „Jester“.

Hals‘ Schüler, der Künstler Adrian van Ostade, arbeitete im Alltagsgenre. Seine Szenen aus dem Land- und Stadtleben sind voller Humor und einem gutmütigen Grinsen. Sie sind also „Kampf“, „In einer Dorfschenke“, „Künstlerwerkstatt“. Zu einem Klassiker der niederländischen Landschaft wurde Jan van Goyen, der in seinen Werken die Prinzipien der Luftperspektive nutzte. Sein bestes Gemälde gilt als „Ansicht von Dordrecht“ (1648).

Der zweite große Maler Hollands, dessen Werk Hals ebenbürtig ist, war Jan Wermeer aus Delft. Er bevorzugte alltägliche lyrische Kompositionen, die eine oder zwei Frauen in einer häuslichen Umgebung darstellten – „Mädchen liest einen Brief“, „Frau am Fenster“, „Frau probiert eine Halskette an“, „Glas Wein“, „Spitzenklöpplerin“. Wermeer schaffte es, mit großer emotionaler Kraft das Privatleben der Stadtbewohner sowie eine mit ihnen verbundene Person darzustellen Umfeld. Es gelang ihm, das silbrige Tageslicht, das mit vielen Reflexionen auf seinen Leinwänden spielt, erstaunlich wahrheitsgetreu wiederzugeben.

Der Höhepunkt der niederländischen Schule war das Werk von Rembrandt Harmensz van Rijn mit seinem tiefen Psychologismus und seinen einzigartigen goldbraunen Farbtönen. Wie Hals erlebte Rembrandt eine Zeit der Popularität, ging dann aber bankrott und beendete sein Leben in bitterer Armut.

Rembrandt malte hauptsächlich Einzel- und Gruppenporträts sowie Gemälde zu mythologischen und biblischen Themen. Der Künstler war ein Meister des Hell-Dunkels, und seine Figuren scheinen von einem Lichtstrahl aus der Dunkelheit gerissen zu werden. Seine Gemälde „Danae“, „Die Heilige Familie“ und „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ gelten zu Recht als unübertroffene Meisterwerke. Von den Gruppenporträts sind „Die Anatomiestunde des Doktor Tulpe“ und „Nachtwache“ die bekanntesten. Spiritualität und erstaunliche emotionale Tiefe zeichnen „Porträt eines alten Mannes in Rot“ aus.

Von Italien aus breitete sich die Barockarchitektur nicht nur nach Norden, sondern auch nach Osten aus. Nach dem Ende des Dreißigjährigen Krieges entstanden in Süddeutschland unter der Leitung italienischer Handwerker zahlreiche Barockbauten. IN spätes XVII Jahrhunderte lang gab es in den deutschen Ländern eigene Meister, die im Barockstil arbeiteten.

Der preußische Architekt Andreas Schlüter errichtete in Berlin das Königsschloss und das Rathaus. Wenn Schlüter sich an dem italienischen Bildhauer Lorenzo Bernini und französischen Vorbildern orientierte, dann ist das Werk von Daniel Peppelman völlig originell. Nach seinem Entwurf wurde für August II. den Starken in Dresden die berühmte Zwingeranlage errichtet. Außerdem errichtete der Architekt Peppelman im Auftrag von Augustus den Königspalast in Grodno.

Die Verbreitung des Barockstils im polnisch-litauischen Commonwealth wurde durch das Eindringen der Jesuiten in das Land verursacht. Das erste Barockdenkmal in Weißrussland und allgemein in Europa außerhalb Italiens war die Jesuitenkirche, die Ende des 16. Jahrhunderts vom italienischen Architekten Bernardoni für Fürst Radziwill in Neswisch erbaut wurde. Dieser Stil erreichte seine wahre Blütezeit in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts, als er erworben wurde nationale Merkmale, nahm im weißrussischen oder Wilnaer Barock Gestalt an. Klassische Beispiele des belarussischen Barocks waren zahlreiche Kirchen und städtische Gebäude in Wilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, die nach der Explosion wieder aufgebaute Sophienkathedrale in Polozk, Klöster in Golypany, Baruny, Berezveche, Palastkomplexe in Nesvizh und Ruschany.

Ende des 17. Jahrhunderts drang der Barock von Weißrussland nach Russland vor, wo er erstmals als Naryschkin-Stil bezeichnet wurde. Ein Beispiel für diese Richtung ist die Fürbittekirche in Fili und die Zeichenkirche in Dubrovitsy. Mit Beginn der Reformen Peters I. siegte der Barock endgültig in der russischen Architektur, was sich vor allem beim Bau von St. Petersburg manifestierte. Der Höhepunkt der Entwicklung des Barock in Russland war das Werk des italienischen Architekten Bartolomeo Francesco Rastrelli. Er baute die Paläste in Peterhof und Zarskoje Selo wieder auf, errichtete den Smolny-Klosterkomplex und den berühmten Winterpalast in der Hauptstadt.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts entstand in Frankreich ein neuer Stil Kunst - Rokoko. Im Gegensatz zum Barock, der ausschließlich ein höfischer Stil war, war das Rokoko die Kunst der Aristokratie und der Oberschicht des Bürgertums. Nun war das Hauptziel des Meisters nicht die Verherrlichung von irgendjemandem oder irgendetwas, sondern die Bequemlichkeit und das Vergnügen einer bestimmten Person. Schaute der Barock hoch hinaus, so stieg das Rokoko von himmlischen Höhen auf die sündige Erde herab und richtete seinen Blick auf die umstehenden Menschen. Manchmal wird der Rokoko-Stil als Kunst um der Kunst willen bezeichnet. Es wäre richtiger, diesen Stil Kunst für den Menschen zu nennen.

Rokoko-Architekten begannen, sich um den menschlichen Komfort zu kümmern. Sie verzichteten auf den Prunk majestätischer Barockbauten und versuchten, die Menschen mit einer Atmosphäre der Bequemlichkeit und Anmut zu umgeben. Auch die Malerei verzichtete auf „große Ideen“ und wurde einfach schön. Befreit von den heftigen Emotionen des Barock, waren die Gemälde von kaltem Licht und subtilen Halbtönen erfüllt. Das Rokoko war vielleicht der erste fast völlig weltliche Stil in der Geschichte Europäische Kunst. Sowohl die Philosophie der Aufklärung als auch die Kunst des Rokoko lösten sich von der Kirche und drängten religiöse Themen weit in den Hintergrund. Sowohl die Malerei als auch die Architektur sollten von nun an leicht und angenehm sein. Die galante Gesellschaft des 18. Jahrhunderts hatte es satt, zu moralisieren und zu predigen; die Menschen wollten das Leben genießen und es maximal genießen.

Der größte Meister Rokoko war François Boucher, der seine Gemälde in dekorative Tafeln für die Wanddekoration verwandelte. Dies sind die Gemälde „Dianas Baden“, „Triumph der Venus“ und „Hirtenszene“.

Maurice-Kanter Larout war in der Lage, das Genre des Rokoko-Porträts zu schaffen. Die in seinen Gemälden dargestellten Menschen schauen den Betrachter ganz im Einklang mit den Anforderungen des Jahrhunderts freundlich und galant an und versuchen, in ihm keine Bewunderung, sondern ein Gefühl der Sympathie hervorzurufen. Die wahren Charaktere der Charaktere verbergen sich unter der Maske weltlicher Höflichkeit.

Die Gemälde von Honore Fragonard sind erfüllt von einem aufrichtigen Gefühl der Fülle des Lebens, das in unbeschwerter Freude vergeht. Ein Beispiel hierfür sind die Gemälde „Swing“ (1766), „Stolen Kiss“ (1780).

Der Rokoko-Stil kam in den 30er Jahren des 18. Jahrhunderts nach Deutschland und blieb im Norden, da in den süddeutschen Ländern bis zum Ende des Jahrhunderts der Barock vorherrschte.

Im Jahr 1745 begann der preußische Architekt Georg Knobelsdorff mit dem Bau des Schloss- und Parkensembles Sanssouci bei Potsdam. Schon sein Name (aus dem Französischen übersetzt „keine Sorgen“) spiegelte den Geist des Rokoko wider. Auf der Weinterrasse wurde im Auftrag Friedrichs II. ein bescheidener einstöckiger Palast errichtet. Doch schon bald wurde das Rokoko vom immer stärker werdenden Klassizismus abgelöst.

Die englische Kunst des 18. Jahrhunderts war so originell, dass sie sich den in Kontinentaleuropa akzeptierten Klassifizierungen widersetzt. Hier kommt es zu einer bizarren Verflechtung aller Stile und Strömungen, unter denen der Klassizismus nach und nach den ersten Platz einnimmt.

Der Gründer der nationalen englischen Malschule war William Hogarth. Ganz im Sinne der damaligen englischen Gesellschaft widmete er sein Werk der politischen und sozialen Satire. Die Gemäldeserie „Career of a Spender“, „Fashionable Marriage“ und „Elections“ brachte dem Künstler echten Ruhm. Um seine Werke möglichst vielen Betrachtern vorzustellen, fertigte Hogarth selbst Ölstiche aller seiner Werke an und verbreitete sie große Auflagen.

Der Künstler Joshua Reynolds ging als Kunsttheoretiker, erster Präsident der Royal (London) Academy of Arts und herausragender Porträtmaler in die Geschichte ein. Seine Porträts sind erfüllt vom Pathos der Verherrlichung von Helden, die es wert sind, für immer auf Leinwand festgehalten zu werden.

Während sich Reynolds durch eine rationale Herangehensweise an die Malerei auszeichnete, war das Werk von Thomas Gainsborough emotionaler. Seine Porträts zeichnen sich durch eine poetische Wahrnehmung der menschlichen Natur aus.

Das 17. Jahrhundert ist eine der hellsten und brillantesten Seiten in der Geschichte der Weltkunstkultur. Dies ist die Zeit, in der die Ideologie des Humanismus und der Glaube an die unbegrenzten Möglichkeiten des Menschen durch ein Gefühl für die dramatischen Widersprüche des Lebens ersetzt wurden. Einerseits findet in der Naturwissenschaft eine revolutionäre Revolution statt, ein neues Weltbild entsteht, in der Kunst entstehen neue Stilrichtungen, andererseits herrschen politischer Konservatismus und pessimistische Gesellschafts- und Menschenbilder vor.

Die Epoche des 17. Jahrhunderts in Kultur und Kunst wird üblicherweise als Barockzeit bezeichnet. Die Entstehung einer neuen europäischen Kultur war mit dem sich rasch verändernden „Weltbild“ und der Krise der Ideale der italienischen Renaissance verbunden. Für das geistige Leben der Gesellschaft im 17. Jahrhundert sehr wichtig hatte große geographische Entdeckungen und naturwissenschaftliche Entdeckungen. Der Mann begann die Zerbrechlichkeit und Instabilität seiner Position, die Widersprüche zwischen Illusion und Realität deutlich zu spüren. Die neue Weltanschauung wurde in der künstlerischen Kultur auf besondere Weise gebrochen: Alles Ungewöhnliche, Unklare und Illusionäre begann schön und attraktiv zu erscheinen, und alles Klare und Einfache begann langweilig und uninteressant zu wirken. Diese neue Ästhetik hat die bisherigen deutlich verdrängt. Prinzipien der Renaissance Nachahmung der Natur, Klarheit, Ausgewogenheit.

So entstand ein neuer Stil – der Barock. Barock (italienisch barocco – „bizarr“, „seltsam“, „anfällig für Exzesse“, port. perola barroca – „Perle von unregelmäßiger Form“ (wörtlich „Perle mit einem Defekt“) – ein umgangssprachliches Wort portugiesischer Seeleute, das sich auf defekt bezieht Perlen von unregelmäßiger Form. Wird in der Bedeutung „weicher machen, die Kontur auflösen, die Form weicher und malerischer machen“ verwendet.

Die barocke Architektur zeichnete sich durch üppige dekorative Verzierungen mit vielen Details, mehrfarbige Modellierung, eine Fülle von Vergoldungen, Schnitzereien, Skulpturen und malerischen Lampenschirmen aus, die die Illusion offener, sich nach oben erstreckender Gewölbe erzeugten. Dies ist die Zeit der Dominanz von Kurven, ineinander fließenden, kompliziert geschwungenen Linien, feierlichen Gebäudefassaden und majestätischen Architekturensembles. Das Gemälde wird vom zeremoniellen Porträt dominiert, das durch Kontrast, Spannung, Dynamik der Bilder, den Wunsch nach Größe und Prunk, nach der Verbindung von Realität und Illusion gekennzeichnet ist.

Der Beginn des italienischen Barocks ist mit dem Bau der romanischen Kirche Il Gesu (1575) verbunden, deren Fassade von Giacomo della Porta entworfen wurde. Es schuf im wahrsten Sinne des Wortes „eine Ära“ und wurde zum Ausdruck der Stilrichtungen der Zeit: die traditionelle Aufteilung in zwei Etagen, Halbsäulen, Nischen, Statuen und die unvermeidlichen Voluten (Locken) an den Ecken. Das erste und größte Palastgebäude dieser Zeit war der Palazzo Quirinale, die Sommerresidenz der Päpste, errichtet auf der Spitze des Quirinale-Hügels.

Ihren deutlichsten Ausdruck findet dieser Trend in der Bildhauerei im Werk von Lorenzo Bernini. Seine Skulptur „David“ stellt einen Moment schneller Bewegung dar, einen Ansturm auf den Riesen Goliath, den Übergang einer Bewegung in eine andere. Bernini begnügt sich nicht damit, sein Gesicht zu verzerren und einen schmerzlichen oder glückseligen Ausdruck zu vermitteln. In der Skulptur „Apollo und Daphne“ hat Lorenzo Bernini in einer fliegenden Bewegung den Moment der Verwandlung der jungen wehrlosen Daphne, die vom leichtfüßigen Apollo überholt wird, in einen Lorbeer festgehalten. Berninis brillantes Können zeigte sich im Bau der berühmten römischen Brunnen – des Tritonbrunnens und des Vierströmebrunnens.

Der Name Bernini ist mit der nächsten Transformationsstufe des Petersdoms in Rom verbunden: Er entwarf den Platz vor der Kathedrale, überdachte Galeriekorridore erstreckten sich weit nach vorne, direkt an den Rändern der Fassade. Der Architekt schuf zwei Plätze – einen großen elliptischen, von Säulen eingerahmten und einen direkt angrenzenden trapezförmigen Platz, der auf der gegenüberliegenden Seite durch die Hauptfassade der Kathedrale begrenzt wird. Gleichzeitig war der Platz vor der Kathedrale auch ein Stadtplatz, geschmückt mit einem Obelisken in der Mitte des Ovals und zwei Brunnen.

Die Niederlande treten in der bildenden Kunst und vor allem in der Malerei in den Vordergrund. Peter Paul Rubens (1577-1640) zeichnete sich wie die großen Persönlichkeiten der Renaissance durch Folgendes aus: verschiedene Bereiche Aktivitäten: Er war Diplomat, Höfling, erhielt den Adelstitel, war befreundet und arbeitete mit prominenten Persönlichkeiten der damaligen Zeit zusammen. Wie viele andere Maler reiste Rubens in seiner Jugend nach Italien, wo er antike Denkmäler und die Werke von Meistern der Renaissance studierte. Als er in seine Heimat zurückkehrte, schuf er das klassische Bild des monumentalen Altarbildes des Barock – „Die Erhebung des Kreuzes“ und „Die Kreuzabnahme“ (1610-1614). Eine Gruppe von Henkern und Soldaten stellte ein großes Kreuz auf, an das Christus genagelt war. Die verschiedenen Posen der Figuren, ihre komplexen Winkel und geschwollenen Muskeln drücken die extreme Anspannung der körperlichen Kraft aus; dieser rohen Kraft steht das idealisierte Bild Christi gegenüber. Rubens zeichnet sich durch kraftvolle und prächtige menschliche Körper voller Vitalität und einen großen dekorativen Umfang aus. Das Thema seiner Gemälde waren mythologische und biblische Themen, historische Szenen.

Rubens „Kreuzerhöhung“ „Kreuzabnahme“

Im Gemälde „Löwenjagd“, dessen Skizze zu den besten Rubens-Werken in der Hermitage-Sammlung gehört, ist die Handlung von außerordentlicher Schnelligkeit und Leidenschaft geprägt. Die sich aufbäumenden Pferde, der Löwe, der den fallenden Reiter quält, und die ihn schlagenden Jäger verschmolzen zu einer untrennbaren Gruppe, in der unbändige Kraft und Lebensenergie in Wut umschlagen.

Er wendet sich gerne Themen der Antike zu. Das Hermitage-Gemälde „Perseus und Andromeda“ (1620-1621), eines der Meisterwerke des Meisters, ist ein Beispiel dafür, wie frei und realistisch er Bilder der klassischen Antike verwendet. Dargestellt ist der Moment, in dem der mythische Held Perseus auf seinem geflügelten Pferd Pegasus die an einen Felsen gekettete Andromeda befreit. Er besiegte den Drachen, der sie gefangen hielt, und das schreckliche Monster öffnet machtlos sein Maul zu seinen Füßen. Bewundert von der Schönheit der Gefangenen nähert sich Perseus ihr, Ruhm krönt den Sieger und die Amoretten eilen herbei, um ihm zu dienen.

Das Hauptthema von Rubens war der Mensch, die lebendige und irdische Liebe, man könnte sogar sagen Leidenschaft. Er war der lebenswichtigen Fülle, Kraft, Weite und dem Sturm der Bewegung verpflichtet. Er stellte oft nackte Figuren dar, oft einen schweren, warmen, vollblütigen Körper, erfüllt von der üppigen Farbe des Lebens und meist hervorgehoben durch einen hellen Fleck auf dunklem Hintergrund. Also schreibt er: „Elena Fourman im Pelzmantel.“ In Rubens‘ Porträts störten Accessoires, Hintergründe – üppige Vorhänge usw. – nicht, sondern trugen im Gegenteil dazu bei, den Charakter des Charakters zu offenbaren und in seinen einzudringen Innere(„Bildnis einer Kammerzofe“).

Realistische Tendenzen in der Malerei lassen sich im Werk des großen niederländischen Künstlers Rembrandt Garmens van Rijn (1606-1669) beobachten. Die Themen seiner Arbeit sind vielfältig: religiöse Themen, Mythologie, Geschichte, Porträts, Genreszenen. Rembrandts Kunst zeichnete sich vor allem durch seine Liebe zum Menschen und den Humanismus aus; in jedem Werk Rembrandts wird versucht, die spirituelle Entwicklung des Menschen, den tragischen Weg des Lernens über das Leben, zu vermitteln. Seine Helden sind Menschen mit widersprüchlichen Charakteren und schwierigen Schicksalen. Der Künstler studiert stets die Natur, sein Vorbild, und beschränkt sich nicht auf die Darstellung allgemeiner Merkmale. Rembrandt ging als Meister der Selbstporträts in die Geschichte der Weltmalerei ein. Von Jahr zu Jahr porträtierte er sich entweder fröhlich oder traurig, dann wütend oder gleichgültig. In den hundert von ihm geschaffenen Selbstporträts steckt die Geschichte seines Lebens, die Biographie seiner Seele, das Bekenntnis des Künstlers.

Das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ zeigt die letzte Episode des Gleichnisses, als verlorene Sohn kehrt nach Hause zurück, „und als er noch weit weg war, sah ihn sein Vater und hatte Mitleid; Und er rannte, fiel ihm um den Hals und küsste ihn“, und sein älterer, gerechter Bruder, der bei seinem Vater blieb, wurde wütend und wollte nicht eintreten.

„Danae“ basiert auf dem antiken griechischen Mythos über Danae, die Mutter des Perseus. Als der König der antiken griechischen Stadt Argos von einer Prophezeiung erfuhr, dass er durch die Hand des Sohnes von Danae, seiner Tochter, sterben sollte, sperrte er sie in einen Kerker und gab ihr eine Magd. Der Gott Zeus kam jedoch in Form eines Goldregens nach Danae, woraufhin sie einen Sohn, Perseus, zur Welt brachte.

In Frankreich herrschte im 17. Jahrhundert der Klassizismus. Klassizismus (frz. classicisme, von lateinisch classicus – vorbildlich) – Kunst Stil Und ästhetische Richtung in der europäischen Kunst des 17.-19. Jahrhunderts. Der Klassizismus basiert auf den Ideen des Rationalismus. Aus klassizistischer Sicht sollte ein Kunstwerk auf der Grundlage strenger Regeln errichtet werden und so die Harmonie und Logik des Universums selbst offenbaren. Die Meister des Klassizismus vermittelten in ihren Werken nicht das unmittelbare Leben, das sie umgab. Sie stellten eine veredelte Wirklichkeit dar und suchten Idealbilder zu schaffen, die ihren Vorstellungen vom Vernünftigen, Heroischen und Schönen entsprachen. Die Themen der klassizistischen Kunst beschränkten sich hauptsächlich auf die antike Geschichte, Mythologie und die Bibel, und figurative Sprache und künstlerische Techniken wurden der klassischen antiken Kunst entlehnt, die in den Köpfen der Meister des Klassizismus am ehesten dem harmonischen Ideal der Kunst entsprach vernünftig und das Schöne.

Der Begründer des Klassizismus in der französischen Malerei war Nicolas Poussin (1594-1665). Seine Werke zeichnen sich durch tiefe Ideen, Gedanken und Gefühle aus. Er glaubte, dass Kunst einen Menschen „an Kontemplation und Weisheit erinnern sollte, mit deren Hilfe er vor den Schicksalsschlägen standhaft und unerschütterlich bleiben kann“. Im Rahmen von Handlungssträngen aus der antiken Mythologie und der Bibel enthüllte Poussin Themen der Neuzeit. In seinen Werken strebte er nach majestätischer Ruhe, edler Zurückhaltung und Ausgeglichenheit. Sein Ideal ist ein Held, der in den Prüfungen des Lebens einen unerschütterlichen Seelenfrieden bewahrt und in der Lage ist, eine Leistung zu vollbringen. Die Idee der Vergänglichkeit des Lebens und der Unvermeidlichkeit des Todes erregte oft die Aufmerksamkeit von Poussin und diente als Thema vieler seiner Werke. Das beste unter ihnen ist das Gemälde „Die arkadischen Hirten“ (Louvre), das offenbar in den frühen 1650er Jahren entstand. Es zeigt vier Bewohner des legendären glücklichen Landes Arkadien, die im Dickicht der Büsche ein Grab fanden und die darauf eingravierten Worte entzifferten: „Und ich war in Arkadien.“ Diese zufällige Entdeckung regt die arkadischen Hirten zum Nachdenken an und erinnert sie an die Unvermeidlichkeit des Todes. Die tiefe philosophische Idee, die diesem Gemälde zugrunde liegt, kommt auf kristallklare und klassisch strenge Weise zum Ausdruck. Die Beschaffenheit der Figuren, ihr statuarisches Aussehen und ihre Nähe zu antiken Formen und Proportionen weisen auf die reife Kunst des Meisters hin. Das Gemälde zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Integrität in Konzept und Ausführung aus und die verborgene Traurigkeit, von der es durchdrungen ist, verleiht ihm einen völlig einzigartigen Charme. Eines der charakteristischen Merkmale seines Talents ist die Fähigkeit, die innere Welt eines Menschen in Bewegung, Geste und Rhythmen zu offenbaren.

In der Geschichte der französischen Kultur wird die Zeit vom Beginn der Herrschaft Ludwigs XV. bis zum Beginn der Revolution (1789) als Zeit der Aufklärung bezeichnet. Einer von die wichtigsten Eigenschaften Die Kultur der Aufklärung ist der Prozess, die religiösen Prinzipien der Kunst durch weltliche zu ersetzen. Im 18. Jahrhundert erlangte die Profanarchitektur erstmals in fast ganz Europa Vorrang vor der Kirchenarchitektur.

Das gesellschaftliche Leben der Aufklärung war sehr umstritten. Die Aufklärer kämpften gegen die „alte Ordnung“, die damals noch über die eigentliche Macht verfügte. Nicht nur der Stil des künstlerischen Schaffens, sondern auch die Lebensweise der königlichen Höfe, die die „Alte Ordnung“ Europas verkörperten, wurde zum Rokoko (vom französischen „rocaille“ – Muschel). Der Name bringt das Hauptmerkmal dieses Stils zum Ausdruck – die Wahl einer komplexen, raffinierten Form und skurrilen Linien, die an die Silhouette einer Muschel erinnern.

Der Begriff „Rokoko“ (oder „Rocaille“) kam in Gebrauch Mitte des 19 V. Ursprünglich handelt es sich bei „Rocaille“ um eine Möglichkeit, die Innenräume von Grotten, Brunnenschalen usw. mit verschiedenen Fossilien zu schmücken, die natürliche Formationen imitieren. Die charakteristischen Merkmale des Rokoko sind Raffinesse, große dekorative Fülle von Innenräumen und Kompositionen, anmutiger Ornamentrhythmus, große Aufmerksamkeit für die Mythologie und persönlicher Komfort.

Rokoko-Architektur

Im Gegensatz zum Barock, der ausschließlich ein höfischer Stil war, war das Rokoko die Kunst der Aristokratie und der Oberschicht des Bürgertums. Nun war das Hauptziel des Meisters nicht die Verherrlichung von irgendjemandem oder irgendetwas, sondern die Bequemlichkeit und das Vergnügen einer bestimmten Person. Rokoko-Architekten begannen, sich um den menschlichen Komfort zu kümmern. Sie verzichteten auf den Prunk majestätischer Barockbauten und versuchten, die Menschen mit einer Atmosphäre der Bequemlichkeit und Anmut zu umgeben. Auch die Malerei verzichtete auf „große Ideen“ und wurde einfach schön. Befreit von den heftigen Emotionen des Barock, waren die Gemälde von kaltem Licht und subtilen Halbtönen erfüllt. Das Rokoko war vielleicht der erste fast völlig weltliche Stil in der Geschichte der europäischen Kunst. Sowohl die Philosophie der Aufklärung als auch die Kunst des Rokoko lösten sich von der Kirche und drängten religiöse Themen weit in den Hintergrund. Sowohl die Malerei als auch die Architektur sollten von nun an leicht und angenehm sein. Die galante Gesellschaft des 18. Jahrhunderts hatte es satt, zu moralisieren und zu predigen; die Menschen wollten das Leben genießen und es maximal genießen.

Das Rokoko manifestierte sich nicht in der äußeren Gestaltung von Gebäuden, sondern nur in den Innenräumen sowie in der Gestaltung von Büchern, Kleidung, Möbeln und Gemälden. Der Stil des Rokoko kam auch in allen Bereichen der künstlerischen und industriellen Produktion brillant zum Ausdruck; Es wurde mit besonderem Erfolg bei der Herstellung von Porzellan verwendet und verlieh sowohl der Form als auch der Verzierung seiner Produkte eine einzigartige Eleganz. Dank ihm machte diese Erfindung einen großen Schritt nach vorne und erlangte bei Kunstliebhabern große Wertschätzung. Neben Porzellan liegt Silber im Trend. Es werden Schokoladenschalen, Terrinen, Kaffeekannen, Schüsseln, Teller und mehr hergestellt. In diesem Jahrhundert wird geboren Kochkunst in seiner modernen Form, inklusive der Kunst des Tischgedecks. Rokoko-Möbel weisen charakteristische Merkmale auf. Eines der auffälligsten Merkmale sind die geschwungenen Linien und die geschwungenen Beine. Die Möbel werden im Vergleich zu früher leichter und eleganter. Neue Möbelstücke erscheinen: Konsolentische, Sekretäre, Sekretäre, Kommoden, Kleiderschränke. Die beiden häufigsten Stuhltypen sind Bergere und Marquise. Vergoldete Kandelaber, Uhren, Porzellanfiguren, Wandteppiche und Paravents sind wesentliche Elemente des Rokoko-Stils. Spiegel und Gemälde mit asymmetrischem Gewicht werden häufig verwendet. Verwenden Sie auf Sofas und Sesseln Seidenkissen und Poufs mit gestickten Motiven. Interessante Tatsache– Es war der Rokoko-Designstil, der eine solche Innovation in den Innenraum einführte wie ein Aquarium im Innenraum.

Rokoko-Interieur

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“ und idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor dem Hintergrund unberührter Natur. Einer von größte Meister Französische Kunst des 18. Jahrhunderts war Antoine Watteau (1684-1721), ein Künstler mit subtilem poetischem Gefühl und großem künstlerischen Talent. Als verträumter und melancholischer Meister „galanter Festlichkeiten“ brachte er echte Poesie und Gefühlstiefe in seine Darstellung des Lebens der säkularen Gesellschaft ein und einen Hauch von Melancholie und Unzufriedenheit in seine Interpretation von Liebesszenen und unbeschwerten Vergnügungen. Sehr oft sehen wir in seinen Gemälden das Bild eines einsamen Träumers, melancholisch und traurig, in Gedanken versunken und fern vom lauten Spaß, von der eitlen Eitelkeit der Menge. Das - wahrer Held Watteau. Seine Werke sind stets von lyrischer Traurigkeit umgeben. Wir werden in ihnen keinen stürmischen Spaß, keine scharfen und klangvollen Farben finden. Besonders gern zeigt er Damen und Herren beim Spazierengehen oder Vergnügen vor dem Hintergrund einer Landschaft, in überwucherten schattigen Parks, an den Ufern von Teichen und Seen. So sind zum Beispiel zwei bezaubernde Gemälde in der Dresdner Galerie, „Gesellschaft im Park“, wo alles von einer subtilen lyrischen Stimmung durchdrungen ist und sogar die Marmorstatuen antiker Götter den Liebenden wohlwollend entgegenzuschauen scheinen.

„Ankunft auf der Insel Kythera“

Der berühmteste Rokoko-Künstler war Francois Boucher, der sich neben der Malerei auch mit allen Arten dekorativer und angewandter Kunst beschäftigte: Er schuf Kartons für Wandteppiche, Zeichnungen für Sevres-Porzellan, bemalte Fächer, führte Miniaturen und dekorative Gemälde aus. François Boucher war ein Künstler, der während seines Niedergangs ideologisch mit der aristokratischen Gesellschaft verbunden war; Er fing in seinen Leinwänden den Wunsch ein, alle Segnungen des Lebens zu genießen, das in der Mitte des 18. Jahrhunderts in der Oberschicht herrschte. In Bouchers Werk sind mythologische Themen weit verbreitet, so dass die Darstellung nackter Frauen und Kinderkörper entsteht. Besonders oft schreibt er mythologische Heldinnen – zu verschiedenen Zeitpunkten ihrer Liebesaffären oder auf der Toilette beschäftigt. Nicht weniger charakteristisch für Boucher sind die sogenannten Pastoral- oder Hirtenszenen. Die für die gesamte Epoche charakteristische Leidenschaft für pastorale Themen spiegelte die damals modischen Theorien wider, wonach nur naive Menschen, die fernab der Zivilisation, im Schoß der Natur leben, glücklich seien. Seine Hirten und Hirtinnen sind kluge und hübsche junge Männer und Frauen, ein wenig kostümiert und vor dem Hintergrund von Landschaften dargestellt. Neben pastoralen und mythologischen Gemälden malte er Genreszenen aus dem Leben der aristokratischen Gesellschaft, Porträts (besonders oft Porträts der Marquise von Pompadour) und religiöse Bilder, die meist auf die gleiche dekorative Weise gelöst wurden („Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“). ), Blumen und ornamentale Motive. Boucher hatte ein unbestreitbares Talent als Dekorateur; er verstand es, seine Kompositionen mit der Innenarchitektur zu verbinden.

Rokoko-Mode

Fragen und Aufgaben:

1. Erzählen Sie uns von den ästhetischen Merkmalen des Barockstils

2. Erzählen Sie uns etwas über die Besonderheiten der Barockmalerei am Beispiel von Rubens‘ Werk

3. Erzählen Sie uns etwas über Rembrandts Malstil

4. Warum gilt der Rokoko-Stil als Stil der Aristokratie?

5. Machen Sie eine Korrespondenztour durch Versailles

Vorlesung Nr. 18.

Thema: Europäische Kultur des 16.-18. Jahrhunderts.

1. Kultur der Renaissance.

2. Literatur der Aufklärung.

3. Kunst XVII-XVIII Jahrhunderte.


1.

Die neue Periode in der kulturellen Entwicklung West- und Mitteleuropas wurde Renaissance oder Renaissance genannt.

Renaissance (auf Französisch Renaissance) ist eine humanistische Bewegung in der Geschichte der europäischen Kultur in der Zeit vom Ende des Mittelalters bis zum Beginn der Neuzeit. Die Renaissance entstand im 14. Jahrhundert in Italien und breitete sich in westlichen Ländern aus ( Nördliche Renaissance) und erreichte Mitte des 16. Jahrhunderts seinen größten Wohlstand. Ende des 16. – Anfang des 17. Jahrhunderts: Niedergang – Manierismus.

Das Phänomen der Renaissance wurde dadurch bestimmt, dass das antike Erbe zu einer Waffe für den Sturz kirchlicher Kanones und Verbote wurde. Einige Kulturwissenschaftler vergleichen es bei der Bestimmung seiner Bedeutung mit einer grandiosen Kulturrevolution, die zweieinhalb Jahrhunderte dauerte und mit der Schaffung einer neuen Art von Weltanschauung und einer neuen Art von Kultur endete. In der Kunst fand eine Revolution statt, vergleichbar mit der Entdeckung von Kopernikus. Im Zentrum der neuen Weltanschauung stand der Mensch und nicht Gott als höchstes Maß aller Dinge. Das neue Weltbild wurde Humanismus genannt.

Anthropozentrismus - Hauptidee Weltanschauung der Renaissance. Die Geburt einer neuen Weltanschauung ist mit dem Schriftsteller Francesco Petrarca verbunden. Er stellt die auf der formalen Terminologie basierende Scholastik der wissenschaftlichen Erkenntnis gegenüber; Glück in der „Stadt Gottes“ – irdisches menschliches Glück; spirituelle Liebe zu Gott – erhabene Liebe zu einer irdischen Frau.

Die Ideen des Humanismus drückten sich darin aus, dass es bei einem Menschen auf seine persönlichen Qualitäten ankommt – Intelligenz, schöpferische Energie, Unternehmungsgeist, Selbstwertgefühl, Wille und Bildung – und nicht sozialer Status und Herkunft.

Während der Renaissance etablierte sich das Ideal einer harmonischen, befreiten, schöpferischen Persönlichkeit, Schönheit und Harmonie, ein Appell an den Menschen als höchstes Seinsprinzip, ein Gefühl der Integrität und harmonische Muster des Universums.

Die Renaissance brachte Genies und Titanen hervor:


  • Italien - Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Tizian, der Politiker Machiavelli, die Philosophen Alberti, Bruni, Vala, Ficino, Nikolaus von Kues, die Architekten Brunelleschi und Bramante;

  • Frankreich – Rabelais und Montaigne;

  • England – More, Bacon, Sidney, Shakespeare;

  • Spanien – Cervantes;

  • Polen - Kopernikus;

  • Deutschland - Böhme, Münzer, Kepler.
In den Werken dieser Autoren gibt es die Idee, dass sich die Harmonie der geschaffenen Welt überall manifestiert: in den Handlungen der Elemente, im Lauf der Zeit, in der Position der Sterne, in der Natur von Pflanzen und Tieren.

Meisterwerke der Renaissance:


  • Leonardo da Vinci „La Gioconda“, „Das letzte Abendmahl“;

  • Raphael „Sixtinische Madonna“ und „Schlafende Venus“, „Madonna Conestabile“ und „Judith“;

  • Tizian „Danae“ (Eremitage).
Die Renaissance zeichnet sich durch den Universalismus der Meister und einen breiten Wissensaustausch aus (die Niederländer übernehmen einige der koloristischen Merkmale der Italiener, und diese wiederum übernehmen von ihnen die Arbeit der Ölfarben auf Leinwand).

Das Hauptmerkmal der Kunst und Kultur der Renaissance ist die Bestätigung der menschlichen Schönheit und des Talents, der Triumph des Denkens und der hohen Gefühle sowie die schöpferische Tätigkeit. Barocke und klassizistische Stile entwickeln sich in der bildenden Kunst, Akademismus und Karavaggismus in der Malerei. Es entstehen neue Genres – Landschaft, Stillleben, Alltagsbilder, Jagd und Urlaub.


Leonardo da Vinci Mona Lisa

Die Sixtinische Madonna von Raffael

Die Architektur der Renaissance basiert auf der Wiederbelebung der klassischen, hauptsächlich römischen Architektur. Die Hauptanforderungen sind Ausgewogenheit und Klarheit der Proportionen, die Verwendung eines Ordnungssystems, Sensibilität für das Baumaterial, seine Textur und Schönheit.

Die Wiederbelebung fand in Italien statt und zeigte sich am deutlichsten.

Der Zeitraum vom letzten Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts (Hochrenaissance) wird zum „goldenen Zeitalter“ der italienischen Kunst. Von ihm bleibt die feierliche und majestätische Architektur von Bramante und Palladio als Andenken für die Nachkommen erhalten, er schenkt der Welt die unsterblichen Meisterwerke von Raffael und Michelangelo. Das gesamte 16. Jahrhundert dauert an, und erst zu Beginn des 17. Jahrhunderts verblasst die Blüte der unter dem Himmel Italiens geborenen Renaissancekultur.

Die Spätrenaissance ist durch die rasante Entwicklung einer synthetischen Kunstform wie des Theaters gekennzeichnet, deren prominenteste Vertreter Lope de Vega, Calderon, Tirso de Molina (Spanien) und William Shakespeare (England) waren.

Somit spiegelt die Kultur der Renaissance eine Synthese der Merkmale der Antike und des mittelalterlichen Christentums wider; die ideologische Grundlage für die Säkularisierung der Kultur ist der Humanismus.

Die Renaissance ersetzte religiöse Rituale durch weltliche Rituale und erhob den Menschen auf ein heroisches Podest.

2.
Die Menschen des 17. und 18. Jahrhunderts nannten ihre Zeit Jahrhunderte der Vernunft und Aufklärung. Kritisiert wurden mittelalterliche Ideen, die von den Autoritäten der Kirche und der allmächtigen Tradition geheiligt wurden. Im 18. Jahrhundert erfasste der Wunsch nach Wissen, das auf der Vernunft und nicht auf dem Glauben beruhte, eine ganze Generation. Das Bewusstsein, dass alles zur Diskussion steht, dass alles mit der Vernunft geklärt werden muss, war ein charakteristisches Merkmal der Menschen des 17. und 18. Jahrhunderts.

Im Zeitalter der Aufklärung vollzog sich der Übergang zur modernen Kultur. Nimmte Gestalt an neues Bild Leben und Denken, wodurch sich auch das künstlerische Selbstbewusstsein einer neuen Kultur veränderte. Die Aufklärung sah in Unwissenheit, Vorurteilen und Aberglauben die Hauptursache für menschliche Katastrophen und soziale Übel und in Bildung, Philosophie und wissenschaftliche Tätigkeit, in Gedankenfreiheit - der Weg des kulturellen und sozialen Fortschritts.

Die Ideen der sozialen Gleichheit und der persönlichen Freiheit erfassten vor allem den Dritten Stand, aus dessen Mitte die meisten Humanisten hervorgingen. Die Mittelschicht bestand aus dem wohlhabenden Bürgertum und Menschen freiberuflicher Berufe; sie verfügte über Kapital, Berufs- und wissenschaftliches Wissen, allgemeine Ideen, spirituelle Bestrebungen. Die Weltanschauung des Dritten Standes kam in der Bildungsbewegung am deutlichsten zum Ausdruck – inhaltlich antifeudal und im Geiste revolutionär.

Auch auf der Ebene des ästhetischen Bewusstseins kam es zu radikalen Veränderungen. Die gestalterischen Grundprinzipien des 17. Jahrhunderts – Klassizismus und Barock – erhielten im Zuge der Aufklärung neue Qualitäten, denn die Kunst des 18. Jahrhunderts wandte sich dem Bild zu echte Welt. Künstler, Bildhauer und Schriftsteller haben es in Gemälden und Skulpturen, Geschichten und Romanen, Theaterstücken und Performances nachgebildet. Die realistische Ausrichtung der Kunst förderte die Schaffung einer neuen kreativen Methode.

Die Literatur basierte auf öffentliche Meinung, die sich in Zirkeln und Salons bildete. Der Hof war nicht mehr das einzige Zentrum, nach dem alle strebten. Die philosophischen Salons von Paris, in denen Voltaire, Diderot, Rousseau, Helvetius, Hume und Smith besuchten, kamen in Mode. Von 1717 bis 1724 wurden mehr als eineinhalb Millionen Bände von Voltaire und etwa eine Million Bände von Rousseau gedruckt. Voltaire war wirklich ein großartiger Schriftsteller – er verstand es, das ernsteste Thema, das die Aufmerksamkeit seiner Zeitgenossen auf sich zog, einfach und öffentlich in einer schönen, eleganten Sprache zu verstehen und zu erklären. Er hatte einen enormen Einfluss auf die Köpfe des gesamten aufgeklärten Europas. Sein böses Lachen, das jahrhundertealte Traditionen zerstören konnte, wurde mehr gefürchtet als die Anschuldigungen aller anderen. Er betonte nachdrücklich den Wert der Kultur. Er schilderte die Geschichte der Gesellschaft als die Geschichte der Entwicklung der Kultur und der menschlichen Bildung. Voltaire predigte dieselben Ideen in seinen dramatischen Werken und philosophischen Geschichten („Candide oder Optimismus“, „Der Einfältige“, „Brutus“, „Tancred“ usw.).

Die Richtung des pädagogischen Realismus erhielt erfolgreiche Entwicklung in England. Die gesamte Gruppe von Ideen und Träumen über eine bessere natürliche Ordnung fand ihren künstlerischen Ausdruck berühmter Roman Daniel Defoe (1660-1731) „Robinson Crusoe“. Er schrieb mehr als 200 Werke verschiedener Genres: Gedichte, Romane, politische Essays, historische und ethnografische Werke. Das Buch über Robinson ist nichts anderes als die Geschichte eines isolierten Individuums, das der erzieherischen und korrigierenden Arbeit der Natur überlassen ist, einer Rückkehr zum natürlichen Zustand. Weniger bekannt ist der zweite Teil des Romans, der von der spirituellen Wiedergeburt auf einer Insel fernab der Zivilisation erzählt.

Deutsche Schriftsteller, die in der Position der Aufklärung blieben, suchten nach nichtrevolutionären Methoden zur Bekämpfung des Bösen. Sie betrachteten die ästhetische Bildung als die wichtigste Kraft des Fortschritts und die Kunst als das wichtigste Mittel. Von den Idealen der sozialen Freiheit gelangten deutsche Schriftsteller und Dichter zu den Idealen der moralischen und ästhetischen Freiheit. Dieser Übergang ist charakteristisch für das Werk des deutschen Dichters, Dramatikers und Theoretikers der Aufklärungskunst Friedrich Schiller (1759-1805). In ihrem frühe Stücke Mit seinem enormen Erfolg protestierte der Autor gegen Despotismus und Klassenvorurteile. „Gegen Tyrannen“ – das Epigraph seines berühmten Dramas „Räuber“ – spricht direkt von seiner sozialen Ausrichtung.

Zusätzlich zu den in Europa allgemein akzeptierten barocken und klassizistischen Stilen erschienen im 17. und 18. Jahrhundert neue Stile: Rokoko, Sentimentalismus und Vorromantik. Im Gegensatz zu früheren Jahrhunderten gibt es keinen einheitlichen Stil der Epoche, keine Einheit künstlerische Sprache. Die Kunst des 18. Jahrhunderts wurde zu einer Art Enzyklopädie verschiedener Stilformen, die von Künstlern, Architekten und Musikern dieser Zeit häufig verwendet wurden. In Frankreich Kunstkultur war eng mit dem Gerichtsumfeld verbunden. Der Rokoko-Stil hat seinen Ursprung in der französischen Aristokratie. Die Worte Ludwigs Die strenge Etikette wurde durch eine frivole Atmosphäre, Lust auf Vergnügen und Spaß ersetzt. Die Aristokratie hatte es eilig, sich vor der Flut in einer Atmosphäre galanter Festlichkeiten zu vergnügen, deren Seele Madame Pompadour war. Das höfische Umfeld prägte zum Teil selbst den Stil des Rokoko mit seinen kapriziösen, skurrilen Formen. Als Begründer des Rokoko in der Malerei gilt Antoine Watteau (1684-1721), ein Hofmaler. Watteaus Helden sind Schauspielerinnen in weiten Seidenkleidern, Dandys mit trägen Bewegungen, in der Luft herumtollende Amoretten. Schon die Titel seiner Werke sprechen für sich: „The Capricious One“, „Feast of Love“, „Society in the Park“, „Predicament“.

Watteau „Dilemma“.

Als Maler war Watteau viel tiefgründiger und komplexer als seine vielen Anhänger. Er studierte fleißig die Natur und schrieb viel über das Leben. Nach Watteaus Tod übernahm Francois Boucher (1704–1770) seinen Platz am Hof. Sehr erfahrener Handwerker Er arbeitete viel im Bereich der dekorativen Malerei, fertigte Skizzen für Wandteppiche an und malte auf Porzellan. Typische Themen sind „Der Triumph der Venus“, „Die Toilette der Venus“, „Das Baden der Diana“. In den Werken Bouchers kamen der Manierismus und die Erotik des Rokoko besonders stark zum Ausdruck, was ihm von aufklärerischen Moralisten immer wieder vorgeworfen wurde.

In der Zeit der Französischen Revolution siegte der neue Klassizismus in der Kunst. Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts ist keine Weiterentwicklung des Klassizismus des vorigen Jahrhunderts – er ist ein grundlegend neues historisches und künstlerisches Phänomen. Gemeinsamkeiten: Berufung auf die Antike als Norm und künstlerisches Vorbild, Behauptung der Überlegenheit der Pflicht über das Gefühl, gesteigerte Abstraktion des Stils, Pathos der Vernunft, Ordnung und Harmonie. Der Vertreter des Klassizismus in der Malerei war Jacques Louis David (Leben: 1748-1825). Sein Gemälde „Der Eid der Horatier“ wurde zum Kampfbanner neuer ästhetischer Ansichten. Eine Verschwörung aus der Geschichte Roms (die Brüder Horaz schwören ihrem Vater Treue zur Pflicht und Bereitschaft, gegen ihre Feinde zu kämpfen) wurde zum Ausdruck republikanischer Ansichten im revolutionären Frankreich.


J.S.Bach
Das 18. Jahrhundert brachte viel Neues musikalische Kreativität. Im 18. Jahrhundert erreichte die Musik das Niveau anderer Künste, die seit der Renaissance florierten. An der Spitze stehen Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Christoph Glück, Franz Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart Musikalische Kunst Im 18. Jahrhundert. Das Aufblühen der Musik als eigenständige Kunstform in dieser Zeit erklärt sich aus dem Bedürfnis nach poetischem, emotionalem Ausdruck Spirituelle Welt Person. Das Werk von Bach und Händel wahrte noch immer die Kontinuität der musikalischen Traditionen, doch sie begannen eine neue Etappe in der Musikgeschichte. Berücksichtigt wird Johann Sebastian Bach (Leben: 1685-1750). vollendeter Meister Polyfonie. Er arbeitete in allen Genres und schrieb etwa 200 Kantaten, Instrumentalkonzerte, Werke für Orgel, Klavier usw. Bach stand der demokratischen Linie der deutschen Kunsttradition besonders nahe, verbunden mit Poesie und Musik des protestantischen Chors, mit Volksmelodie. Durch die spirituelle Erfahrung seines Volkes spürte er den tragischen Beginn des menschlichen Lebens und gleichzeitig den Glauben an die endgültige Harmonie. Bach ist ein musikalischer Denker, der sich zu denselben humanistischen Prinzipien bekennt wie die Aufklärer.


Mozart
Alles Neue, was für progressive Musikrichtungen charakteristisch war, wurde in Kreativität verkörpert Österreichischer Komponist Wolfgang Amadeus Mozart (Lebensjahre: 1756-1791). Zusammen mit Franz Joseph Haydn vertrat er die Wiener Klassik. Haydns Hauptgenre war die Sinfonie, Mozarts Oper. Er veränderte das Traditionelle Opernformen, führte psychologische Individualität in Genretypen von Symphonien ein. Er besitzt etwa 20 Opern: („Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“, „Die Zauberflöte“); 50 Sinfoniekonzerte, zahlreiche Sonaten, Variationen, Messen, das berühmte „Requiem“, Chorwerke.



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