Bachs Biographie kurz zum Wesentlichen. Biographie von Sebastian Bach

Der 31. März ist der Geburtstag des herausragenden deutschen Komponisten Johann Sebastian Bach. Sein musikalisches Erbe trat in den goldenen Fundus der Weltkultur ein und ist Kennern der Klassiker wohlbekannt, sein persönliches Schicksal wird jedoch selten diskutiert. Aber Johann Bach war ein Vertreter einer der „musikalischsten“ Familien der Geschichte: Insgesamt hatte er es Zur Familie gehören 56 Musiker und Komponisten. Johann Bach selbst wurde Vater von 20 Kindern!

Johann Sebastian Bach wurde in die Familie des Musikers Johann Ambrosius hineingeboren. Der Junge war der jüngste in der Familie, er hatte sieben Geschwister, unter denen auch Johann Christoph herausragende Fähigkeiten zeigte. Johann Christoph war Organist und beschloss nach dem Tod seines Vaters und seiner Mutter, seinem jüngeren Bruder Musik beizubringen. In der Nachfolge seines Vaters und seines älteren Bruders entschied sich auch Johann Sebastian für den Weg des Komponierens und studierte an der Gesangsschule St. Michael. Auf der Suche nach Arbeit fand Johann Sebastian zunächst eine Anstellung als Hofmusiker in Weimar und wurde später Orgelpfleger in Arnstadt.

In Arnstadt verliebt sich Bach in seine Cousine Maria Barbara. Trotz der familiären Verbindung beschließen die Liebenden zu heiraten. Ihr gemeinsames Leben war nur von kurzer Dauer (Maria starb im Alter von 36 Jahren), aber aus der Ehe gingen sieben Kinder hervor, von denen vier überlebten. Unter ihnen waren zwei zukünftige Komponisten – Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emmanuel.

Johann Sebastian musste den Verlust seiner Frau schwer ertragen, doch knapp ein Jahr später verliebte er sich erneut. Diesmal war seine Auserwählte eine sehr junge Person – Anna Magdalena. Das Mädchen war damals 20 Jahre alt und der bedeutende Musiker 36 Jahre alt. Trotz des großen Altersunterschieds meisterte Anna Magdalena ihre Aufgaben gut: Sie führte den Haushalt, wurde eine fürsorgliche Stiefmutter für die bereits erwachsenen Kinder und war es vor allem aufrichtig an den Erfolgen ihres Mannes interessiert. Bach erkannte in dem Mädchen ein bemerkenswertes Talent und begann, ihr Gesangs- und Musikunterricht zu geben. Mit Begeisterung meisterte Anna ein neues Gebiet für sich, lernte Tonleitern und übte das Singen mit Kindern. Nach und nach vergrößerte sich die Familie Bach; insgesamt schenkte Anna Magdalena ihrem Mann 13 Kinder. Abends traf sich die große Familie oft und veranstaltete spontane Konzerte.

Aus Sorge um die Zukunft seiner Kinder zog Bach 1723 mit seiner Familie nach Leipzig. Hier konnten seine Söhne hinkommen gute Ausbildung und eine Musikkarriere starten. Anna Magdalena kümmerte sich weiterhin um ihren Mann, neben der Hausarbeit fand sie Zeit, Notizen umzuschreiben und Kopien von Chorstimmen anzufertigen. Anna Magdalena hatte zweifellos eine musikalische Begabung, mehr dazu in der Recherche kreatives Erbe Bach sagt der australische Wissenschaftler Martin Jarvis. Seiner Meinung nach hat die Frau des Komponisten sogar mehrere Werke für ihn geschrieben (insbesondere die Arie aus den „Goldberg-Variationen“ und das erste Präludium zum Werkzyklus „Das Wohltemperierte Klavier“ lassen Zweifel aufkommen). Zu solchen Schlussfolgerungen kam er aufgrund einer Handschriftprüfung.

Wie dem auch sei, Anna Magdalena widmete sich ganz der Pflege ihres Mannes. Am Ende seines Lebens verschlechterte sich Bachs Sehvermögen stark; eine Kataraktoperation führte zu völliger Erblindung. Anna Magdalena nahm weiterhin seine Werke auf und ihr Mann schätzte ihr Engagement sehr.

Johann Sebastian Bach starb 1750 und wurde in der Nähe der Johanneskirche beigesetzt. Ironischerweise ging das Grab des Genies verloren und erst 1894 wurden seine sterblichen Überreste beim Wiederaufbau der Kirche zufällig entdeckt. Die Umbettung erfolgte sechs Jahre später.

Wie Johann Sebastian Bach ausgesehen haben könnte, erfahren Sie in unserer Fotorezension.

Nach dem Tod seines Vaters (seine Mutter war bereits zuvor gestorben) wurde er in die Familie seines älteren Bruders Johann Christoph aufgenommen, der als Organist an der St. Michaeliskirche in Ohrdruf tätig war. In den Jahren 1700-03. Studium an der Kirchenchorschule Lüneburg. Während seines Studiums besuchte er Hamburg, Celle und Lübeck, um das Schaffen berühmter Musiker seiner Zeit kennenzulernen Französische Musik. In die gleichen Jahre fallen Bachs erste kompositorische Experimente – Werke für Orgel und Klavier.

Wanderjahre (1703-08)

Nach seinem Abschluss war Bach damit beschäftigt, einen Job zu finden, der ihm das tägliche Brot sichern und Zeit für Kreativität lassen würde. Von 1703 bis 1708 diente er in Weimar, Arnstadt und Mühlhausen. 1707 heiratete er seine Cousine Maria Barbara Bach. Sein Schaffensinteresse galt damals vor allem der Musik für Orgel und Klavier. Die berühmteste Komposition dieser Zeit ist „Capriccio über den Abgang eines geliebten Bruders“ (1704).

Weimarer Zeit (1708-17)

Nachdem Bach 1708 vom Herzog von Weimar die Stelle eines Hofmusikers erhalten hatte, ließ er sich in Weimar nieder, wo er neun Jahre verbrachte. Diese Jahre wurden zu einer Zeit intensiver Kreativität, in der Werke für die Orgel im Vordergrund standen, darunter zahlreiche Choralvorspiele, Orgel-Toccata und -Fuge in d-Moll sowie Passacaglia in c-Moll. Der Komponist schrieb Klaviermusik und geistliche Kantaten (mehr als 20). Benutzen traditionelle Formen, er brachte sie dazu höchste Vollkommenheit. In Weimar hatte Bach Söhne, die späteren berühmten Komponisten Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emmanuel.

Dienst in Köthen (1717–23)

1717 folgte Bach einer Einladung in die Dienste des Herzogs Leopold von Anhalt-Köthen. Das Leben in Köthen war zunächst glücklichste Zeit im Leben des Komponisten: Der Fürst, ein für seine Zeit aufgeklärter Mann und ein guter Musiker, schätzte Bach, mischte sich nicht in sein Werk ein und lud ihn zu seinen Reisen ein. In Köthen entstanden drei Sonaten und drei Partiten für Solovioline, sechs Suiten für Solocello, englische und französische Suiten für Klavier sowie sechs Brandenburgische Konzerte für Orchester. Von besonderem Interesse ist die Sammlung „Das Wohltemperierte Klavier“ – 24 Präludien und Fugen, die in allen Tonarten geschrieben sind und in der Praxis die Vorteile des temperierten Musiksystems beweisen, über dessen Genehmigung heftig diskutiert wurde. Anschließend schuf Bach den zweiten Band des Wohltemperierten Klaviers, der ebenfalls aus 24 Präludien und Fugen in allen Tonarten besteht. Doch die wolkenlose Zeit in Bachs Leben wurde 1720 abgebrochen: Seine Frau starb und hinterließ vier kleine Kinder. 1721 heiratete Bach zum zweiten Mal Anna Magdalena Wilken. Im Jahr 1723 wurde seine „Passion nach Johannes“ in der Kirche St. Thomas in Leipzig, und bald erhielt Bach die Stelle des Kantors dieser Kirche und übte gleichzeitig die Aufgaben eines Lehrers der Kirchenschule (Latein und Gesang) aus.

In Leipzig (1723-50)

Das Beste des Tages

Bach wird zum „musikalischen Leiter“ aller Kirchen der Stadt, überwacht das Personal der Musiker und Sänger, überwacht deren Ausbildung, weist die für die Aufführung erforderlichen Werke zu und erledigt noch vieles mehr. Da der Komponist nicht in der Lage war, listig und geizig zu sein und nicht alles in gutem Glauben aufzuführen, geriet er immer wieder in Konfliktsituationen, die sein Leben verdunkelten und ihn von seiner Arbeit ablenkten. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Künstler den Höhepunkt seines Könnens erreicht und großartige Beispiele in verschiedenen Genres geschaffen. In erster Linie handelt es sich um geistliche Musik: Kantaten (ungefähr zweihundert sind erhalten geblieben), „Magnificat“ (1723), Messen (einschließlich der unsterblichen „Hohen Messe“ in h-Moll, 1733), „Matthäus-Passion“ (1729), Dutzende von weltlichen Kantaten (darunter das Komische „Coffee Room“ und „Peasant Room“), Werken für Orgel, Orchester, Cembalo (unter letzteren ist der Zyklus „Arie mit 30 Variationen“, der sogenannte „ Goldberg-Variationen“, 1742). Im Jahr 1747 schuf Bach einen Theaterzyklus „Musikalische Opfergaben“, der dem preußischen König Friedrich II. gewidmet war. Letzter Job wurde ein Werk namens „Die Kunst der Fuge“ (1749-50) – 14 Fugen und 4 Kanons zu einem Thema.

Das Schicksal des kreativen Erbes

Ende der 1740er Jahre verschlechterte sich Bachs Gesundheitszustand und er war besonders besorgt über den plötzlichen Verlust seines Sehvermögens. Zwei erfolglose Kataraktoperationen führten zur völligen Erblindung. Zehn Tage vor seinem Tod erlangte Bach plötzlich sein Augenlicht zurück, doch dann erlitt er einen Schlaganfall, der ihn ins Grab stürzte. Die feierliche Beerdigung löste eine große Menschenmenge aus verschiedenen Orten aus. Der Komponist wurde in der Nähe der Kirche St. begraben. Thomas, wo er 27 Jahre lang tätig war. Später wurde jedoch eine Straße durch das Friedhofsgelände gebaut und das Grab ging verloren. Erst 1894 wurden Bachs sterbliche Überreste zufällig gefunden Bauarbeiten, dann erfolgte die Umbettung. Auch das Schicksal seines Erbes gestaltete sich schwierig. Zu seinen Lebzeiten genoss Bach Berühmtheit. Nach dem Tod des Komponisten gerieten sein Name und seine Musik jedoch in Vergessenheit. Ein echtes Interesse an seinem Werk entstand erst in den 1820er Jahren, das mit der Aufführung der Matthäus-Passion in Berlin im Jahr 1829 (organisiert von F. Mendelssohn-Bartholdy) begann. Im Jahr 1850 wurde die Bach-Gesellschaft gegründet, deren Ziel es war, alle Manuskripte des Komponisten zu identifizieren und zu veröffentlichen (über ein halbes Jahrhundert wurden 46 Bände veröffentlicht).

Bach ist eine bedeutende Persönlichkeit der Weltmusikkultur. Sein Werk stellt einen der Höhepunkte dar philosophischer Gedanke in der Musik. Frei kreuzende Features nicht nur verschiedener Genres, sondern auch nationale Schulen Bach schuf unsterbliche Meisterwerke, die über der Zeit stehen. Als letzter (zusammen mit G. F. Händel) großer Komponist des Barock ebnete Bach gleichzeitig den Weg für die Musik der Neuzeit.

Zu den Fortsetzungen von Bachs Suche gehören seine Söhne. Insgesamt hatte er 20 Kinder: sieben von seiner ersten Frau, Maria Barbara Bach (1684 – 1720), und 13 von seiner zweiten, Anna Magdalena Wilken (1701 – 1760), nur neun von ihnen überlebten ihren Vater. Vier Söhne wurden Komponisten. Zusätzlich zu den oben genannten - Johann Christian (1735-82), Johann Christoph (1732-95).

Bach ist nicht neu, nicht alt, er ist viel mehr – er ist ewig...
R. Schumann

Das Jahr 1520 markiert die Wurzel des verzweigten Stammbaums der alten Bürgerfamilie der Bachs. In Deutschland waren die Wörter „Bach“ und „Musiker“ mehrere Jahrhunderte lang synonym. Allerdings nur in fünfte Generation „aus ihrer Mitte kam ein Mann, dessen herrliche Kunst ein so helles Licht ausstrahlte, dass der Widerschein dieses Glanzes auf sie fiel. Es war Johann Sebastian Bach, die Schönheit und der Stolz seiner Familie und seines Vaterlandes, ein Mann, der wie kein anderer von der Kunst der Musik selbst gefördert wurde.“ Das schrieb I. Forkel, der erste Biograph und einer der ersten wahren Kenner des Komponisten zu Beginn des neuen Jahrhunderts, im Jahr 1802, denn das Jahrhundert Bach verabschiedete sich unmittelbar nach seinem Tod vom großen Kantor. Doch schon zu Lebzeiten konnte der Auserwählte der „Kunst der Musik“ kaum als Auserwählter des Schicksals bezeichnet werden. Äußerlich unterscheidet sich Bachs Biographie nicht von der Biographie eines deutschen Musikers an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. Bach wurde in der kleinen thüringischen Stadt Eisenach geboren, die in der Nähe der legendären Wartburg liegt, wo sich im Mittelalter der Legende nach die Farbe des Minnesangs traf, und zwar in den Jahren 1521-22. Das Wort M. Luthers erklang: Auf der Wartburg übersetzte der große Reformator die Bibel in die Sprache seines Vaterlandes.

J. S. Bach war kein Wunderkind, erhielt aber von Kindheit an in einem musikalischen Umfeld eine sehr gründliche Ausbildung. Zunächst unter der Leitung seines älteren Bruders J. C. Bach und der Schulkantoren J. Arnold und E. Herda in Ohrdruf (1696–99), dann an der Schule der Michaeliskirche in Lüneburg (1700–02). Mit 17 Jahren besaß er Cembalo, Violine, Bratsche und Orgel, sang im Chor und fungierte nach seiner Stimmveränderung als Präfekt (Assistenzkantor). Schon in jungen Jahren verspürte Bach seine Berufung im Orgelbereich und er studierte unermüdlich bei mittel- und norddeutschen Meistern – J. Pachelbel, J. Lewe, G. Böhm, J. Reincken – die Kunst der Orgelimprovisation die Grundlage seiner kompositorischen Fähigkeiten. Hinzu kommt eine umfassende Kenntnis der europäischen Musik: Bach nahm an Konzerten teil, die für seinen französischen Geschmack bekannt waren Hofkapelle in Celle hatte Zugriff auf das, was darin gelagert war Schulbibliothek reichhaltige Sammlung Italienische Meister Bei seinen wiederholten Besuchen in Hamburg konnte er schließlich die dortige Oper kennenlernen.

Im Jahr 1702 ging ein einigermaßen gebildeter Musiker aus der Michaelschule hervor, doch Bach verlor sein ganzes Leben lang nicht die Lust am Lernen und an der „Nachahmung“ von allem, was dazu beitragen konnte, seinen beruflichen Horizont zu erweitern. Auch sein musikalischer Werdegang, der nach damaliger Tradition mit der Kirche, der Stadt oder dem Hof verbunden war, war von einem ständigen Wunsch nach Verbesserung geprägt. Nicht zufällig, was für diese oder jene freie Stelle sorgte, sondern entschlossen und beharrlich stieg er auf die nächste Stufe der musikalischen Diensthierarchie auf, vom Organisten (Arnstadt und Mühlhausen, 1703–08) zum Begleiter (Weimar, 1708–17) und Kapellmeister (Köthen). , 171723), schließlich Kantor und Kapellmeister (Leipzig, 1723-50). Gleichzeitig wuchs und erstarkte neben Bach, einem praktischen Musiker, der Komponist Bach, der in seinen schöpferischen Impulsen und Leistungen weit über die konkreten Aufgaben hinausging, die ihm gestellt wurden. Es sind Vorwürfe gegen den Arnstädter Organisten bekannt, er habe „viele seltsame Variationen im Choral vorgenommen …, die die Gemeinde verwirrten“. Ein Beispiel hierfür stammt aus dem ersten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts. 33 Choräle, kürzlich gefunden (1985) als Teil einer typischen (von Weihnachten bis Ostern) Arbeitssammlung eines lutherischen Organisten (Bachs Name steht hier neben den Namen seines Onkels und Schwiegervaters I.M. Bach – seines Vaters). erste Frau Maria Barbara, I. Pachelbel, V . Tsakhov, sowie Komponist und Theoretiker G. A. Sorge). Noch drin in einem größeren Ausmaß Diese Vorwürfe könnten sich auf Bachs frühe Orgelzyklen beziehen, deren Konzept bereits in Arnstadt Gestalt annahm. Besonders nach einem Besuch im Winter 1705/06. Lübeck, wohin er auf Ruf von D. Buxtehude ging ( berühmter Komponist und der Organist suchte einen Nachfolger, der bereit war, neben einem Platz in der Marienkirche auch seine einzige Tochter zu heiraten. Bach blieb nicht in Lübeck, doch die Kommunikation mit Buxtehude prägte sein gesamtes weiteres Schaffen maßgeblich.

1707 zog Bach nach Mühlhausen, um die Organistenstelle an der St. Blasius-Kirche zu übernehmen. Ein Bereich, der etwas mehr Möglichkeiten bot als in Arnstadt, aber eindeutig nicht ausreichte, um, wie Bach es ausdrückte, „regelmäßige Kirchenmusik aufzuführen und, wenn möglich, im Allgemeinen, wenn möglich, zur Entwicklung der Kirchenmusik fast überall beizutragen, die an Stärke gewinnt, für die sich ... ein umfangreiches Repertoire vorzüglicher kirchlicher Werke angesammelt hat (Rücktrittsschreiben an den Magistrat der Stadt Mühlhausen vom 25. Juni 1708). Bach sollte diese Absichten in Weimar am Hofe des Herzogs Ernst von Sachsen-Weimar verwirklichen, wo von ihm vielfältige Tätigkeiten sowohl in der Schlosskirche als auch in der Kapelle erwartet wurden. In Weimar wurde der erste und wichtigste Schlussstrich im Orgelbereich gezogen. Die genauen Daten sind nicht erhalten, aber offenbar sind Meisterwerke wie Toccata und Fuge in d-Moll, Präludien und Fugen in c-Moll und f-Moll, Toccata in C-Dur, Passacaglia in c-Moll und das berühmte „Orgelbuch“ in dem „dem angehenden Organisten Anleitung gegeben wird, wie er einen Choral auf jede erdenkliche Weise dirigieren kann.“ Der Ruhm Bachs verbreitete sich weithin – „der beste Experte und Berater, insbesondere was die Disposition ... und den Bau der Orgel selbst betrifft“ sowie der „Phönix der Improvisation“. So gibt es in den Weimarer Jahren einen legendären gescheiterten Wettbewerb mit dem berühmten französischen Organisten und Cembalisten L. Marchand, der das „Schlachtfeld“ verließ, bevor er seinem Gegner begegnete.

Mit seiner Ernennung zum Vizekapellmeister im Jahr 1714 erfüllte sich Bachs Traum von einer „regelmäßigen Kirchenmusik“, die er laut Vertrag monatlich liefern musste. Hauptsächlich im Genre einer neuen Kantate mit synthetischer Textbasis (biblische Sprüche, Choralstrophen, freie „Madrigal“-Dichtung) und entsprechenden musikalischen Komponenten (Orchestereinleitung, „trockene“ und begleitete Rezitative, Arie, Choral). Der Aufbau jeder Kantate ist jedoch weit entfernt von jeglichen Stereotypen. Es genügt, solche Perlen des frühen vokalen und instrumentalen Schaffens wie BWV (Bach-Werke-Verzeichnis (BWV) – eine thematische Liste der Werke von J. S. Bach) 11, 12, zu vergleichen. Bach vergaß nicht das „angesammelte Repertoire“ anderer Komponisten. Dies sind zum Beispiel diejenigen, die in Bachs Kopien aus der Weimarer Zeit erhalten sind und höchstwahrscheinlich für bevorstehende Aufführungen der „Lukas-Passion“ eines unbekannten Autors (lange Zeit fälschlicherweise Bach zugeschrieben) und der „Markus-Passion“ von R. angefertigt wurden . Kaiser, die als Vorbild für ihre eigenen Werke in diesem Genre dienten.

Bach ist nicht weniger aktiv – Kammermusiker und Begleiter. Mitten im intensiven Musikleben des Weimarer Hofes konnte er die europäische Musik umfassend kennenlernen. Wie immer war diese Bekanntschaft mit Bach kreativ, wie die Orgelarrangements der Konzerte von A. Vivaldi und die Klavierarrangements von A. Marcello, T. Albinoni und anderen beweisen.

Die Weimarer Jahre sind auch geprägt von der ersten Hinwendung zur Gattung Soloviolinsonate und -suite. All diese instrumentalen Experimente fanden auf neuem Boden ihre glänzende Umsetzung: 1717 wurde Bach auf die Stelle des großherzoglich anhaltisch-köthenischen Kapellmeisters nach Köthen berufen. Dank Fürst Leopold von Anhalt-Keten selbst, einem leidenschaftlichen Musikliebhaber und Musiker, der Cembalo und Gambe spielte und eine gute Stimme hatte, herrschte hier eine sehr günstige musikalische Atmosphäre. Die schöpferischen Interessen Bachs, zu dessen Aufgaben es gehörte, den Fürsten beim Gesang und Spiel zu begleiten und vor allem eine hervorragende Kapelle bestehend aus 15–18 erfahrenen Orchesterspielern zu leiten, verlagerten sich naturgemäß in den instrumentalen Bereich. Solo, hauptsächlich Violine und Orchesterkonzerte, darunter 6 Brandenburgische Orchestersuiten, Sonaten für Violine und Solocello. Dies ist ein unvollständiges Register der Keten-„Ernte“.

In Köthen beginnt (oder vielmehr geht es weiter, wenn wir das „Orgelbuch“ meinen) eine weitere Zeile im Werk des Meisters: Kompositionen für pädagogische Zwecke, in Bachs Sprache, „zum Nutzen und Nutzen der lernbestrebten musikalischen Jugend“. Das erste dieser Reihe ist das „Wilhelm Friedemann Bach-Notenbuch“ (1720 für den Erstgeborenen und Liebling seines Vaters, den späteren berühmten Komponisten, begonnen). Hier finden sich neben Tanzminiaturen und Chorbearbeitungen auch Prototypen von Band 1 „“ (Präludien), zwei- und dreistimmige „Inventionen“ (Präambeln und Fantasien). Bach hat diese Treffen 1722 bzw. 1723 selbst abgeschlossen.

In Köthen wurde mit dem „Notizbuch der Anna Magdalena Bach“ (der zweiten Frau des Komponisten) begonnen, das neben Stücken verschiedener Autoren auch fünf der sechs „Französischen Suiten“ enthielt. In denselben Jahren entstanden „Kleine Präludien und Fugetten“, „Englische Suiten“, „Chromatische Fantasie und Fuge“ und andere Werke für Klavier. So wie sich die Zahl von Bachs Schülern von Jahr zu Jahr vervielfachte, wurde sein pädagogisches Repertoire ergänzt, das zu einer Schule werden sollte darstellende Künste für alle nachfolgenden Musikergenerationen.

Die Liste der Keten-Opuse wäre ohne die Erwähnung von Vokalwerken unvollständig. Dabei handelt es sich um eine ganze Reihe weltlicher Kantaten, von denen die meisten nicht erhalten sind und mit einem neuen, geistlichen Text ein zweites Leben erhalten haben. In vielerlei Hinsicht trug die latente Arbeit im Gesangsbereich, die nicht an der Oberfläche lag (in der reformierten Kirche von Kethen war „normale Musik“ nicht erforderlich), in der letzten und umfangreichsten Schaffensperiode des Meisters Früchte.

Das neue Feld des Thomaskantors und Musikdirektors der Stadt Leipzig betritt Bach nicht mit leeren Händen: Die „Probe“-Kantaten BWV 22, 23 sind bereits geschrieben; Magnifikat; „Johannes-Passion“. Leipzig ist die letzte Station von Bachs Wanderungen. Äußerlich, insbesondere gemessen am zweiten Teil seines Titels, wurde hier die gewünschte Spitze der Diensthierarchie erreicht. Gleichzeitig zeugt die „Verpflichtung“ (14 Kontrollpunkte), die er „im Zusammenhang mit seinem Amtsantritt“ unterzeichnen musste und deren Nichteinhaltung mit Konflikten mit der Kirche und der Stadtverwaltung behaftet war, von der Komplexität dieses Segments von Bachs Biographie. Die ersten drei Jahre (1723–26) waren der Kirchenmusik gewidmet. Bis es zu Streitigkeiten mit den Behörden kam und der Magistrat die liturgische Musik finanzierte, wodurch es möglich wurde, professionelle Musiker für Auftritte zu gewinnen, kannte die Energie des neuen Kantors keine Grenzen. Das gesamte Weimar-Köthen-Erlebnis floss in die Leipziger Kreativität ein.

Das Ausmaß dessen, was in dieser Zeit erdacht und erreicht wurde, ist wirklich unermesslich: Mehr als 150 Kantaten entstehen wöchentlich (!), 2. Aufl. „Die Passion nach Johannes“ und nach neuen Angaben „Die Passion nach Matthäus“. Die Uraufführung dieses monumentalsten Werks Bachs findet nicht, wie bisher angenommen, im Jahr 1729 statt, sondern im Jahr 1727. Der Rückgang der Intensität der kantorischen Tätigkeit, die Bach in seinem berühmten „Projekt zur guten Führung der Angelegenheiten in …“ formulierte Kirchenmusik unter Hinzufügung einiger unvoreingenommener Überlegungen über ihren Untergang“ (23. August 1730, Denkschrift an den Leipziger Magistrat) wurde durch Aktivitäten anderer Art kompensiert. Erneut tritt der Kapellmeister Bach in den Vordergrund, diesmal an der Spitze des studentischen „Collegium musicum“. Bach leitete diesen Kreis 1729–37 und dann 1739–44 (?) Mit wöchentlichen Konzerten im Zimmerman Garden oder im Zimmerman Coffee House leistete Bach einen enormen Beitrag zum öffentlichen Musikleben der Stadt. Das Repertoire ist sehr vielfältig: Sinfonien (Orchestersuiten), weltliche Kantaten und natürlich Konzerte – das „Brot“ aller Amateur- und Profitreffen der damaligen Zeit. Hier entstand höchstwahrscheinlich die spezifisch Leipziger Variante von Bachs Konzerten – für Klavier und Orchester, bei denen es sich um Bearbeitungen seiner eigenen Konzerte für Violine, Violine und Oboe etc. handelt. Darunter klassische Konzerte D-Moll, F-Moll, A-Dur.

Unter tatkräftiger Mithilfe des Bach-Kreises entwickelte sich das städtische Musikleben Leipzigs selbst weiter, sei es „feierliche Musik zum strahlenden Namenstag Augusts II., abends unter Beleuchtung im Zimmermannsgarten aufgeführt“ oder „Abendmusik mit Trompeten“. und Pauken“ zu Ehren desselben Augustus, oder wunderbare „Nachtmusik mit vielen Wachsfackeln, mit den Klängen von Trompeten und Pauken“ usw. In dieser Liste von „Musiken“ zu Ehren der sächsischen Kurfürsten besonderer Ort gehört zur Missa, die August III. gewidmet ist (Kyrie, Gloria, 1733) – Teil eines weiteren monumentalen Werks Bachs – der Messe in h-Moll, die erst 1747–48 fertiggestellt wurde. Im letzten Jahrzehnt konzentrierte sich Bach vor allem auf Musik, die frei von jeglichem Zweck war. Dabei handelt es sich um den zweiten Band des „Wohltemperierten Klaviers“ (1744) sowie die darin enthaltenen Partiten „Italienisches Konzert“, „Orgelmesse“ und „Arie mit verschiedenen Variationen“ (nach Bachs Tod Goldbergs genannt). Sammlung „Klavierübungen“. Im Gegensatz zur liturgischen Musik, die Bach offenbar als Hommage an das Handwerk betrachtete, versuchte er, seine nicht angewandten Werke der breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Unter seiner eigenen Herausgeberschaft wurden Keyboard Exercises und eine Reihe anderer Werke veröffentlicht, darunter die letzten beiden größten Instrumentalwerke.

Im Jahr 1737 gründete der Philosoph und Historiker, Bach-Schüler L. Mitzler die „Gesellschaft Musikwissenschaften„, wo Kontrapunkt oder, wie wir heute sagen würden, Polyphonie als „Erster unter Gleichen“ anerkannt wurde. IN verschiedene Zeiten G. Telemann und G. F. Händel treten der Gesellschaft bei. Im Jahr 1747 wurde der größte Polyphonist J. S. Bach ihr Mitglied. Im selben Jahr besuchte der Komponist die königliche Residenz in Potsdam, wo er vor Friedrich II. auf einem damals neuen Instrument – dem Klavier – über ein von ihm vorgegebenes Thema improvisierte. Die königliche Idee wurde dem Autor hundertfach zurückgegeben – Bach schuf ein unvergleichliches Denkmal kontrapunktischer Kunst – „Musikalisches Opfer“, einen grandiosen Zyklus aus 10 Kanons, zwei Ricercars und einer vierteiligen Triosonate für Flöte, Violine und Cembalo.

Und neben dem „Musikalischen Angebot“ reifte ein neuer „Ein-Themen“-Zyklus heran, dessen Idee Anfang der 40er Jahre entstand. Dies ist die „Kunst der Fuge“, die alle Arten von Kontrapunkten und Kanons enthält. „Krankheit (gegen Ende seines Lebens wurde Bach blind. - T.F.) hinderte ihn daran, die vorletzte Fuge zu vollenden ... und die letzte auszuarbeiten ... Dieses Werk erblickte erst nach dem Tod des Autors das Licht der Welt“, was den höchsten Grad polyphoner Meisterschaft markiert.

Der letzte Vertreter der jahrhundertealten patriarchalen Tradition und zugleich ein universell ausgestatteter Künstler der neuen Zeit – so erscheint J. S. Bach in einem historischen Rückblick. Ein Komponist, der es wie kein anderer seiner mit großen Namen großzügigen Zeit verstand, das Unvereinbare zu vereinen. Der niederländische Kanon und das italienische Konzert, der protestantische Choral und das französische Divertissement, die liturgische Monodie und die italienische Virtuosenarie ... Verbinden Sie sowohl horizontal als auch vertikal, sowohl in der Breite als auch in der Tiefe. Deshalb durchdringen sich in seiner Musik, um es mit den Worten der Zeit zu sagen, die Stile „Theatralik, Kammermusik und Kirche“, Polyphonie und Homophonie, Instrumental- und Gesangsprinzipien so frei. Deshalb wandern einzelne Stimmen so leicht von Komposition zu Komposition, wobei sie sowohl ihr Aussehen bewahren (wie zum Beispiel in der h-Moll-Messe, die zu zwei Dritteln aus bereits gehörter Musik besteht) als auch ihr Aussehen radikal verändern: eine Arie aus Die Hochzeitskantate (BWV 202) wird zum Finale einer Violine. Die Sonaten (BWV 1019), die Symphonie und der Chor aus der Kantate (BWV 146) sind identisch mit den ersten und langsamen Sätzen des Klavierkonzerts in d-Moll (BWV 1052). Die mit Chorklängen angereicherte Ouvertüre aus der Orchestersuite D-Dur (BWV 1069) eröffnet die Kantate BWV110. Beispiele dieser Art bildeten eine ganze Enzyklopädie. In allem (die einzige Ausnahme ist die Oper) äußerte sich der Meister vollständig und vollständig, als würde er die Entwicklung eines bestimmten Genres abschließen. Und es ist zutiefst symbolisch, dass das in Form einer Partitur aufgezeichnete Universum von Bachs Gedanken „Die Kunst der Fuge“ keine Anweisungen zur Aufführung enthält. Bach scheint ihn anzusprechen alle Musiker. „Dieses Werk“, schrieb F. Marpurg im Vorwort zur Ausgabe von „Die Kunst der Fuge“, „enthält die verborgensten Schönheiten, die man sich vorstellen kann.“ diese Kunst...“ Diese Worte wurden von den engsten Zeitgenossen des Komponisten nicht gehört. Nicht nur für die sehr limitierte Abonnementausgabe, sondern auch für die „sauberen und sauber gravierten Tafeln“ von Bachs Meisterwerk, die Philippe Emanuel 1756 „von Hand zu Hand zu einem angemessenen Preis“ zum Verkauf ankündigte, fand sich kein Käufer, „damit …“ das Werk sollte der Öffentlichkeit zugute kommen – wurde überall berühmt.“ Über dem Namen des großen Kantors lag eine Wolke des Vergessens. Aber dieses Vergessen war nie vollständig. Bachs veröffentlichte und vor allem handschriftliche Werke – in Autographen und zahlreichen Kopien – gelangten in die Sammlungen seiner sowohl bedeutenden als auch völlig unbekannten Schüler und Kenner. Unter ihnen sind die Komponisten I. Kirnberger und der bereits erwähnte F. Marpurg; ein großer Kenner alter Musik, Baron van Swieten, in dessen Haus W. A. Mozart Bach kennenlernte; Komponist und Lehrer K. Nefe, der in seinem Schüler L. Beethoven die Liebe zu Bach weckte. Schon in den 70ern. XVIII Jahrhundert I. Forkel beginnt, Material für sein Buch zu sammeln, das den Grundstein für den künftigen neuen Zweig der Musikwissenschaft legt – die Bach-Studien. Besonders aktiv war um die Jahrhundertwende der Direktor der Berliner Singakademie, Freund und Korrespondent J. W. Goethes, K. Zelter. Als Besitzer einer reichen Sammlung von Bach-Manuskripten vertraute er eines davon dem zwanzigjährigen F. Mendelssohn an. Es handelte sich um die Matthäus-Passion, deren historische Aufführung am 11. Mai 1829 den Beginn einer neuen Bach-Ära einläutete. „Ein verschlossenes Buch, ein vergrabener Schatz“ (B. Marx) öffnete sich und ein kraftvoller Strom der „Bach-Bewegung“ erfasste die gesamte Musikwelt.

Heute verfügt man über umfangreiche Erfahrungen im Studium und in der Förderung des Werkes des großen Komponisten. Seit 1850 gibt es eine Bach-Gesellschaft (seit 1900 die „Neue Bach-Gesellschaft“, die 1969 zu einer internationalen Organisation mit Sektionen in der Deutschen Demokratischen Republik, Deutschland, den USA, der Tschechoslowakei, Japan, Frankreich und anderen Ländern wurde). Auf Initiative der NBO finden Bachfestivals sowie nach ihr benannte Internationale Aufführungswettbewerbe statt. J. S. Bach. 1907 wurde auf Initiative der NBO das Bach-Museum in Eisenach eröffnet, in dem sich heute mehrere Brüder befinden verschiedene Städte Deutschland, darunter das „Johann-Sebastian-Bach-Museum“ in Leipzig, wurde 1985 zum 300. Geburtstag des Komponisten eröffnet.

Es gibt ein breites Netzwerk von Bach-Institutionen auf der ganzen Welt. Die größten davon sind das Bach-Institut in Göttingen (Deutschland) und die Nationale Forschungs- und Gedenkstätte für J. S. Bach in der Bundesrepublik Deutschland in Leipzig. Die letzten Jahrzehnte waren von einer Reihe bedeutender Errungenschaften geprägt: Die vierbändige Sammlung „Bach-Dokumente“ wurde veröffentlicht, eine neue Chronologie der Vokalwerke erstellt sowie „Die Kunst der Fuge“, bisher unbekannte 14 Kanons aus die „Goldberg-Variationen“ und 33 Choräle für Orgel wurden veröffentlicht. Seit 1954 führen das Institut in Göttingen und das Bach-Zentrum Leipzig eine kritische Neuausgabe des Gesamtwerkes Bachs durch. Die Veröffentlichung des analytischen und bibliografischen Verzeichnisses von Bachs Werken „Bach-Kompendium“ wird in Zusammenarbeit mit der Harvard University (USA) fortgesetzt.

Der Prozess, sich Bachs Erbe anzueignen, ist endlos, genauso wie Bach selbst endlos ist – eine unerschöpfliche Quelle (denken Sie daran). berühmtes Spiel Worte: der Bach) der höchsten Erfahrungen des menschlichen Geistes.

T. Frumkis

Merkmale der Kreativität

Bachs zu seinen Lebzeiten nahezu unbekanntes Werk geriet nach seinem Tod lange Zeit in Vergessenheit. Es dauerte lange, bis man das Erbe des größten Komponisten wirklich würdigen konnte.

Der Entwicklungsprozess der Kunst im 18. Jahrhundert war komplex und widersprüchlich. Der Einfluss der alten feudal-aristokratischen Ideologie war stark; aber die Triebe einer neuen, die die spirituellen Bedürfnisse der jungen, historisch fortgeschrittenen Klasse des Bürgertums widerspiegelte, waren bereits im Entstehen und Reifen.

Im intensivsten Kampf der Strömungen wurde durch die Negierung und Zerstörung alter Formen eine neue Kunst etabliert. Dem kalten Pomp der klassischen Tragödie mit ihren von der aristokratischen Ästhetik etablierten Regeln, Handlungssträngen und Bildern wurde ein bürgerlicher Roman und ein sensibles Drama aus dem bürgerlichen Leben gegenübergestellt. Im Gegensatz zur konventionellen und dekorativen Hofoper wurden die Lebendigkeit, Einfachheit und Demokratie der komischen Oper gefördert; Leichte und unprätentiöse alltägliche Genremusik wurde der „wissenschaftlichen“ Kirchenkunst der Polyphonisten gegenübergestellt.

Unter solchen Umständen gab das Überwiegen von Formen und Ausdrucksmitteln, die in Bachs Werken aus der Vergangenheit übernommen wurden, Anlass zu der Annahme, dass sein Werk veraltet und schwerfällig sei. In der Zeit der weit verbreiteten Faszination für die galante Kunst mit ihren anmutigen Formen und einfachen Inhalten erschien Bachs Musik zu komplex und unverständlich. Sogar die Söhne des Komponisten sahen im Werk ihres Vaters nichts als Gelehrsamkeit.

Bach wurde offenkundig den Musikern vorgezogen, deren Namen in der Geschichte kaum überliefert sind; aber sie nutzten nicht „nur Gelehrsamkeit“, sie hatten „Geschmack, Brillanz und ein zartes Gefühl“.

Auch Anhänger der orthodoxen Kirchenmusik standen Bach feindlich gegenüber. So wurde Bachs Werk, das seiner Zeit weit voraus war, sowohl von Anhängern der galanten Kunst als auch von denen, die vernünftigerweise in Bachs Musik einen Verstoß gegen kirchliche und historische Kanones sahen, abgelehnt.

Im Kampf der widersprüchlichen Tendenzen dieses Wendepunkts in der Musikgeschichte bildete sich nach und nach eine führende Strömung heraus und es zeichneten sich Wege für die Entwicklung von etwas Neuem ab, das zur Symphonie von Haydn, Mozart und zur Opernkunst von Gluck führte. Und nur von den Gipfeln, die sie bestiegen haben Musikkultur bedeutende Künstler Ende des 18. Jahrhunderts wurde das grandiose Erbe Johann Sebastian Bachs sichtbar.

Mozart und Beethoven waren die ersten, die seine wahre Bedeutung erkannten. Als Mozart, bereits Autor von „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“, Bachs bisher unbekannte Werke kennenlernte, rief er aus: „Hier gibt es etwas zu lernen!“ Begeistert sagt Beethoven: „Er ist kein Bach – er ist ein Ozean“. Laut Serov drücken diese bildlichen Worte am besten die „unermessliche Gedankentiefe und unerschöpfliche Formenvielfalt von Bachs Genie“ aus.

Seit dem 19. Jahrhundert begann eine langsame Wiederbelebung von Bachs Werk. 1802 erschien die erste Biographie des Komponisten, verfasst vom deutschen Historiker Forkel; reich und interessantes Material es brachte etwas Aufmerksamkeit auf das Leben und die Persönlichkeit Bachs. Dank der aktiven Propaganda von Mendelssohn, Schumann und Liszt begann Bachs Musik allmählich in ein breiteres Umfeld einzudringen. Im Jahr 1850 wurde die Bach-Gesellschaft mit dem Ziel gegründet, das gesamte handschriftliche Material des großen Musikers zu finden, zu sammeln und in Form einer vollständigen Werksammlung zu veröffentlichen. Seit den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts wurde Bachs Werk nach und nach in das Musikleben eingeführt, auf der Bühne gehört und in das pädagogische Repertoire aufgenommen. Doch bei der Interpretation und Bewertung von Bachs Musik gab es viele gegensätzliche Meinungen. Manche Historiker charakterisierten Bach als einen abstrakten Denker, der mit abstrakten musikalischen und mathematischen Formeln operierte, andere sahen in ihm einen vom Leben losgelösten Mystiker oder einen gläubigen, wohlgesinnten Kirchenmusiker.

Besonders negativ für das Verständnis des eigentlichen Inhalts von Bachs Musik war die Einstellung zu ihr als einem Speicher polyphoner „Weisheit“. Fast eine solche Sichtweise reduzierte Bachs Werk auf die Position eines Handbuchs für Studenten der Polyphonie. Serov schrieb empört darüber: „Es gab eine Zeit, in der die gesamte Musikwelt die Musik von Sebastian Bach als schulpedantischen Unsinn betrachtete, als alten Kram, der manchmal, wie zum Beispiel in „Clavecin bien tempere“, dazu passt.“ Fingerübungen, dazu die Etüden von Moscheles und die Übungen von Czerny. Seit Mendelssohns Zeiten hat sich der Geschmack wieder stärker an Bach orientiert als zu der Zeit, als er selbst lebte – und auch heute noch gibt es „Konservatoriendirektoren“. die sich im Namen des Konservatismus nicht schämen, ihren Schülern das Spielen von Bachs Fugen ohne Ausdruckskraft beizubringen, also als „Übungen“, als Fingerbrechübungen... Wenn es auf dem Gebiet der Musik überhaupt etwas geben muss Man nähert sich nicht unter einer Ferula und mit einem Zeigefinger in der Hand, sondern mit Liebe im Herzen, mit Angst und Glauben, das sind genau die Schöpfungen des großen Bach.“

In Russland zeichnete sich Ende des 18. Jahrhunderts eine positive Einstellung gegenüber Bachs Werk ab. Im in St. Petersburg erschienenen „Taschenbuch für Musikliebhaber“ erschien eine Rezension von Bachs Werken, in der die Vielseitigkeit seines Talents und sein außergewöhnliches Können hervorgehoben wurden.

Für die führenden Musiker Russlands war Bachs Kunst die Verkörperung einer mächtigen kreativen Kraft, die die menschliche Kultur bereicherte und unermesslich voranbrachte. Russische Musiker unterschiedlicher Generationen und Bewegungen konnten in Bachs komplexer Polyphonie die hohe Poesie der Gefühle und die wirkungsvolle Kraft des Denkens nachvollziehen.

Die Tiefe der Bilder von Bachs Musik ist unermesslich. Jeder von ihnen ist in der Lage, eine ganze Geschichte, ein Gedicht, eine ganze Geschichte zu enthalten; jedes enthält bedeutende Phänomene, die gleichermaßen zu grandiosen musikalischen Leinwänden entwickelt oder in einer lakonischen Miniatur konzentriert werden können.

Die Vielfalt des Lebens in seiner Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, alles, was ein inspirierter Dichter fühlen, was ein Denker und Philosoph reflektieren kann, ist in der umfassenden Kunst Bachs enthalten. Eine große kreative Bandbreite ermöglichte die gleichzeitige Arbeit an Werken verschiedener Maßstäbe, Genres und Formen. Bachs Musik verbindet auf natürliche Weise die monumentalen Formen der Passionen und der h-Moll-Messe mit der lässigen Einfachheit kleiner Präludien oder Inventionen; die Dramatik der Orgelkompositionen und Kantaten – mit den besinnlichen Texten der Choralvorspiele; der Kammerklang der filigran geschliffenen Präludien und Fugen des „Wohltemperierten Klaviers“ – mit der virtuosen Brillanz und Lebensenergie der Brandenburgischen Konzerte.

Die emotionale und philosophische Essenz von Bachs Musik liegt in der tiefsten Menschlichkeit, in der selbstlosen Liebe zu den Menschen. Er sympathisiert mit einem trauernden Menschen, teilt seine Freuden und sympathisiert mit dem Wunsch nach Wahrheit und Gerechtigkeit. Bach zeigt in seiner Kunst das Edelste und Schönste, was im Menschen liegt; Sein Werk ist erfüllt vom Pathos einer ethischen Idee.

Bach stellt seinen Helden weder im aktiven Kampf noch in Heldentaten dar. Durch emotionale Erfahrungen, Reflexionen, Gefühle spiegelt sich seine Einstellung zur Realität, zur Welt um ihn herum wider. Bach entkommt dem wirklichen Leben nicht. Es war die Wahrheit der Realität, die Nöte des deutschen Volkes, die Bilder von atemberaubender Tragödie entstehen ließen; Nicht umsonst zieht sich das Thema des Leidens durch die gesamte Musik Bachs. Aber die Trostlosigkeit der umgebenden Welt konnte das ewige Lebensgefühl, seine Freuden und großen Hoffnungen nicht zerstören oder verdrängen. Themen des Jubels und der enthusiastischen Inspiration sind mit Themen des Leidens verflochten und spiegeln die Realität in ihrer kontrastierenden Einheit wider.

Bach ist ebenso großartig darin, einfache menschliche Gefühle auszudrücken und die Tiefen der Volksweisheit zu vermitteln, in großer Tragödie und in der Offenlegung des universellen Strebens nach Frieden.

Bachs Kunst zeichnet sich durch eine enge Interaktion und Verbindung aller ihrer Bereiche aus. Die Gemeinsamkeit des figurativen Inhalts lässt die Volksepen der Leidenschaften den Miniaturen des Wohltemperierten Klaviers, den majestätischen Fresken der h-Moll-Messe mit Suiten für Violine oder Cembalo ähneln.

Bei Bach gibt es keinen grundsätzlichen Unterschied zwischen geistlicher und weltlicher Musik. Was gemeinsam ist, ist der Charakter Musikalische Bilder, Umsetzungsmittel, Entwicklungstechniken. Es ist kein Zufall, dass Bach nicht nur einzelne Themen, große Episoden, sondern sogar ganze abgeschlossene Nummern so mühelos von weltlichen Werken auf geistliche Werke übertrug, ohne den Kompositionsplan oder die Art der Musik zu ändern. Themen von Leid und Trauer, philosophische Gedanken Einfacher Bauernspaß findet sich in Kantaten und Oratorien, in Orgelphantasien und Fugen, in Klavier- oder Violinsuiten.

Es ist nicht die Zugehörigkeit eines Werkes zu einer spirituellen oder weltlichen Gattung, die seine Bedeutung bestimmt. Der bleibende Wert von Bachs Werken liegt in der Erhabenheit der Ideen, im tiefen ethischen Sinn, den er in jedes Werk einbringt, sei es weltlich oder spirituell, in der Schönheit und seltenen Perfektion der Formen.

Vitalität, unvergängliche moralische Reinheit und mächtige Kraft Bachs Werk ist der Volkskunst verpflichtet. Bach hat die Traditionen des Volksliederschreibens und des Musizierens von vielen Generationen von Musikern geerbt; sie haben sich durch die direkte Wahrnehmung lebendiger musikalischer Bräuche in seinem Gedächtnis verankert. Abschließend eine eingehende Untersuchung der Volksdenkmäler Musikalische Kunst ergänzte Bachs Wissen. Solch ein Denkmal und zugleich unerschöpflich kreative Quelle es gab einen protestantischen Choral für ihn.

Der protestantische Choral hat eine lange Geschichte. Während der Reformation inspirierten und vereinten Chorgesänge wie Kriegshymnen die Massen im Kampf. Der von Luther verfasste Choral „Der Herr ist unsere Festung“ verkörperte den kämpferischen Eifer der Protestanten und wurde zur Hymne der Reformation.

Die Reformation nutzte in großem Umfang weltliche Volkslieder, Melodien, die seit langem im Alltag üblich sind. Unabhängig von ihrem bisherigen, oft leichtsinnigen und mehrdeutigen Inhalt wurden ihnen religiöse Texte hinzugefügt und daraus Chorgesänge. Zu den Chorälen gehörten nicht nur deutsche Volkslieder, sondern auch französische, italienische und tschechische.

Statt volksfremder katholischer Kirchenlieder werden unverständliche Chorgesänge gesungen lateinisch werden Chormelodien vorgestellt, die allen Gemeindemitgliedern zugänglich sind und von der gesamten Gemeinde in ihrer eigenen deutschen Sprache gesungen werden.

So etablierten sich weltliche Melodien und passten sich dem neuen Kult an. Damit „die gesamte christliche Gemeinschaft mitsingen kann“, wird die Melodie des Chorals in die Oberstimme gelegt und die übrigen Stimmen werden begleitend; komplexe Polyphonie wird vereinfacht und aus dem Choral verdrängt; Es entsteht eine besondere Chorstruktur, in der rhythmische Regelmäßigkeit, die Tendenz, alle Stimmen zu einem Akkord zu verschmelzen und die melodische Oberstimme hervorzuheben, mit der Beweglichkeit der Mittelstimmen kombiniert werden.

Eine besondere Kombination von Polyphonie und Homophonie ist ein charakteristisches Merkmal des Chorals.

In Choräle verwandelte Volkslieder blieben immer noch Volksmelodien, und Sammlungen protestantischer Choräle erwiesen sich als Aufbewahrungsort und Schatzkammer Volkslieder. Bach hat aus diesen alten Sammlungen das reichhaltigste melodische Material gewonnen; Er brachte den Chormelodien den emotionalen Inhalt und den Geist protestantischer Hymnen aus der Zeit der Reformation zurück, gab der Chormusik ihre frühere Bedeutung zurück, das heißt, er belebte den Chor als Ausdrucksform der Gedanken und Gefühle des Volkes wieder.

Der Choral ist bei weitem nicht die einzige Art der musikalischen Verbindung zwischen Bach und Volkskunst. Der stärkste und fruchtbarste Einfluss war der Einfluss der Genre- und Alltagsmusik in ihren verschiedenen Formen. In zahlreichen Instrumentalsuiten und anderen Stücken erschafft Bach nicht nur Bilder alltäglicher Musik; er entwickelt viele der vor allem im städtischen Leben etablierten Genres neu und schafft Möglichkeiten für deren Weiterentwicklung.

Ausgeliehen von Volksmusik Formen, Lied- und Tanzmelodien finden sich in jedem Werk Bachs. Ganz zu schweigen weltliche Musik, er verwendet sie vielfältig und vielfältig in seinen geistlichen Werken: in Kantaten, Oratorien, Passionen und der h-Moll-Messe.

Bachs kreatives Erbe ist nahezu immens. Es sind sogar noch viele Hundert Titel erhalten geblieben. Es ist auch bekannt, dass viele Werke Bachs unwiederbringlich verloren gingen. Von den dreihundert Kantaten, die Bach besaß, verschwanden etwa hundert spurlos. Von den fünf Passionen sind die „Passion nach Johannes“ und die „Passion nach Matthäus“ erhalten.

Kindheit und Jugend

Bach wurde 1685 in Eisenach geboren. Er gehörte einer großen deutschen Familie an, deren Vertreter im Laufe von drei Jahrhunderten überwiegend Berufsmusiker waren, die in verschiedenen Städten Deutschlands tätig waren. Seine musikalische Grundausbildung erhielt er unter der Anleitung seines Vaters (Geigen- und Cembalospiel). Im Alter von 9 Jahren wurde Bach als Waise zurückgelassen und von seinem älteren Bruder Johann Christoph, der als Kirchenorganist tätig war, betreut. In den Jahren 1700–03 studierte er an der Kirchenchorschule in Lüneburg. In die gleichen Jahre fallen Bachs erste kompositorische Experimente – Werke für Orgel und Klavier.

Wanderjahre (1703-08)

Nach seinem Abschluss war Bach damit beschäftigt, Arbeit zu suchen. Von 1703 bis 1708 diente er in Weimar, Arnstadt und Mühlhausen. 1707 heiratete er seine Cousine Maria Barbara Bach. Sein Schaffensinteresse galt damals vor allem der Musik für Orgel und Klavier. Die berühmteste Komposition dieser Zeit ist „Capriccio über den Abgang eines geliebten Bruders“ (1704).

Weimarer Zeit (1708-17)

Nachdem Bach 1708 vom Herzog von Weimar die Stelle eines Organisten und Hofmusikers erhalten hatte, ließ er sich in Weimar nieder, wo er neun Jahre verbrachte. Diese Jahre wurden zu einer Zeit intensiver Kreativität, in der Kompositionen für ihn im Vordergrund standen Orgel, darunter zahlreiche Choralvorspiele, Orgel-Toccata und Fuge in d-Moll, Passacaglia in c-Moll. Der Komponist schrieb Klaviermusik und geistliche Kantaten (mehr als 20). Unter Verwendung traditioneller Formen, wie des protestantischen Chorals, brachte er sie zur höchsten Perfektion.

Keten-Zeit (1717-23)

1717 folgte Bach einer Einladung, als Herzog von Köthen zu dienen. Das Leben in Köthen war zunächst die glücklichste Zeit im Leben des Komponisten: Der Fürst, ein aufgeklärter Mann seiner Zeit und ein guter Musiker, schätzte Bach, mischte sich nicht in sein Schaffen ein und lud ihn zu seinen Reisen ein. In Köthen fehlte Bachs Lieblingsinstrument, die Orgel, und Bach komponierte ausschließlich Tastatur Und Ensemble Musik. In Köthen entstanden drei Sonaten und drei Partiten für Solovioline, sechs Suiten für Solocello, englische und französische Suiten für Klavier sowie sechs Brandenburgische Konzerte für Orchester. Von besonderem Interesse ist die Sammlung „Das Wohltemperierte Klavier“ – 24 Präludien und Fugen, die in allen Tonarten geschrieben sind und in der Praxis die Vorteile des temperierten Musiksystems beweisen, über dessen Genehmigung heftig diskutiert wurde. Anschließend schuf Bach den zweiten Band des Wohltemperierten Klaviers, der ebenfalls aus 24 Präludien und Fugen in allen Tonarten besteht. Doch die wolkenlose Zeit in Bachs Leben wurde 1720 abgebrochen: Seine Frau starb und hinterließ vier kleine Kinder. 1721 heiratete Bach zum zweiten Mal Anna Magdalena Wilken.

Leipziger Zeit (1723-50)

Im Jahr 1723 wurde seine „Passion nach Johannes“ in der Kirche St. Thomas in Leipzig, und bald erhielt Bach die Stelle des Kantors dieser Kirche und übte gleichzeitig die Aufgaben eines Lehrers der Kirchenschule (Latein und Gesang) aus. Bach wird zum „musikalischen Leiter“ aller Kirchen der Stadt, überwacht das Personal der Musiker und Sänger, überwacht deren Ausbildung, weist die für die Aufführung erforderlichen Werke zu und erledigt noch vieles mehr. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Künstler den Höhepunkt seines Könnens erreicht und großartige Beispiele in verschiedenen Genres geschaffen. Zuallererst dies spirituelle Vokal-Instrumentalmusik: Kantaten (ca. 200 sind erhalten), „Magnificat“ (1723), Messen (darunter die unsterbliche „Hohe Messe“ in h-Moll, 1733), „Matthäus-Passion“ (1729), Dutzende weltliche Kantaten (darunter komische). „ Kaffee“ und „Bauer“), Werke für Orgel, Orchester, Cembalo (unter letzteren ist der Zyklus „Arie mit 30 Variationen“, die sogenannten „Goldberg-Variationen“, 1742 hervorzuheben).

Im Jahr 1747 schuf Bach einen Theaterzyklus „Musikalische Opfergaben“, der dem preußischen König Friedrich II. gewidmet war. Das letzte Werk war ein Werk mit dem Titel „Die Kunst der Fuge“ (1749-50) – 14 Fugen und 4 Kanons zu einem Thema.

Das Schicksal des kreativen Erbes

Die feierliche Beerdigung löste eine große Menschenmenge aus verschiedenen Orten aus. Der Komponist wurde in der Nähe der Kirche St. begraben. Thomas, wo er 27 Jahre lang tätig war. Später ging das Grab jedoch verloren. Erst 1894 wurden bei Bauarbeiten zufällig Bachs sterbliche Überreste gefunden und anschließend erfolgte die Umbettung.

Auch das Schicksal seines Erbes gestaltete sich schwierig. Zu seinen Lebzeiten genoss Bach Berühmtheit. Nach dem Tod des Komponisten gerieten sein Name und seine Musik jedoch in Vergessenheit. Ein echtes Interesse an seinem Werk entstand erst in den 1820er Jahren, das mit der Aufführung der Matthäus-Passion in Berlin im Jahr 1829 (organisiert von F. Mendelssohn-Bartholdy) begann. Im Jahr 1850 wurde in Leipzig die Bach-Gesellschaft gegründet, deren Ziel es war, alle Manuskripte des Komponisten zu identifizieren und zu veröffentlichen (über ein halbes Jahrhundert wurden 46 Bände veröffentlicht).

Zu den Fortsetzungen von Bachs Suche gehören seine Söhne. Insgesamt hatte er 20 Kinder, von denen nur neun ihren Vater überlebten. Vier Söhne wurden Komponisten:

Wilhelm Friedemann(1710-1784) – „gallischer“ Bach, Komponist und Organist, Improvisator

Carl Philip 53 mmmanuel(1714-1788) – „Berlin“ oder „Hamburg“ Bach, Komponist und Cembalist; Sein Werk, das der literarischen Bewegung Sturm und Drang ähnelt, beeinflusste Komponisten der Wiener Klassik

Johann Christian(1735-82) – „Mailänder“ oder „Londoner“ Bach, Komponist und Cembalist, Vertreter des galanten Stils, beeinflusste das Werk des jungen Wolfgang Amadeus Mozart

Johann Christoph Friedrich(1732-95) – „Bückeburg“ Bach, Komponist, Cembalist, Kapellmeister.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – großartig Deutscher Komponist, Kapellmeister, virtuoser Organist. Seit seinem Tod sind mehr als zwei Jahrhunderte vergangen, und das Interesse an seinen schriftlichen Werken lässt nicht nach. Nach Angaben der New York Times wurde eine Rangliste der Weltkomponisten erstellt, die Meisterwerke geschaffen haben, die über der Zeit stehen, und Bach steht auf dieser Liste an erster Stelle. Seine Musik, die das Beste war, was die Menschheit erschaffen konnte, wurde auf der Voyager Golden Record aufgenommen, an ein Raumschiff angeschlossen und 1977 von der Erde ins All geschossen.

Kindheit

Johann Sebastian wurde am 31. März 1685 in der deutschen Stadt Eisenach geboren. In der großen Bakh-Familie war er das jüngste, achte Kind (vier von ihnen starben im Jahr 2010). Kindheit). Ihre Familie ist seitdem Anfang des XVI Jahrhunderte lang war er für seine Musikalität berühmt; viele seiner Verwandten und Vorfahren waren Musikprofis (Forscher zählten etwa fünfzig). Der Ururgroßvater des Komponisten, Faith Bach, war Bäcker und ein ausgezeichneter Zitherspieler (ein Zupfinstrument). Musikinstrument in Form einer Box).

Der Vater des Jungen, Johann Ambrosius Bach, spielte Geige in der Eisenacher Kirche und arbeitete als Hofbegleiter (in dieser Position organisierte er gesellschaftliche Konzerte). Der ältere Bruder, Johann Christoph Bach, fungierte als Organist in der Kirche. Aus ihrer Familie stammten so viele Trompeter, Organisten, Geiger und Flötisten, dass der Nachname „Bach“ zu einem gebräuchlichen Substantiv wurde, der Name, der zunächst in Eisenach und dann in ganz Deutschland jedem mehr oder weniger angesehenen Musiker gegeben wurde.

Bei einer solchen Familie ist es selbstverständlich, dass der kleine Johann Sebastian begann, Musik zu lernen, bevor er sprechen lernte. Er erhielt seinen ersten Geigenunterricht von seinem Vater und erfreute diesen mit seiner Gier nach musikalischem Wissen, Fleiß und Können sehr. Der Junge hatte eine ausgezeichnete Stimme (Sopran) und war schon in jungen Jahren Solist im Chor einer städtischen Schule. In seinem zukünftiger Beruf Niemand zweifelte daran, dass Sebastian unbedingt Musiker werden würde.

Als er neun Jahre alt war, starb seine Mutter Elisabeth Lemmerhirt. Ein Jahr später starb auch der Vater, doch das Kind blieb nicht allein; sein älterer Bruder Johann Christoph nahm es bei sich auf. Er war ein ruhiger und angesehener Musiker und Lehrer in der Stadt Ohrdruf. Zusammen mit seinen Schülern brachte Johann Christoph seinem jüngeren Bruder das Spielen von Kirchenmusik auf dem Cembalo bei.

Dem jungen Sebastian erschienen diese Aktivitäten jedoch eintönig, langweilig und schmerzhaft. Er begann, sich weiterzubilden, insbesondere als er herausfand, dass sein älterer Bruder in einem geschlossenen Schrank ein Notizbuch mit Werken hatte. berühmte Komponisten. Nachts ging der junge Bach in den Schrank, holte ein Notizbuch heraus und schrieb im Mondlicht die Notizen ab.

Aufgrund dieser ermüdenden Nachtarbeit begann sich das Sehvermögen des jungen Mannes zu verschlechtern. Wie schade war es, als der ältere Bruder Sebastian dabei entdeckte und alle Notizen mitnahm.

Ausbildung

In Ohrdruf machte der junge Bach sein Abitur, wo er Theologie, Geographie, Geschichte, Physik und Latein studierte. Schullehrer riet ihm, sein Studium an der berühmten Gesangsschule der Michaeliskirche in Lüneburg fortzusetzen.

Als Sebastian fünfzehn Jahre alt war, beschloss er, dass er bereits völlig unabhängig war und ging nach Lüneburg, zu Fuß von Mitteldeutschland nach Norden, fast 300 Kilometer. Hier ging er zur Schule und drinnen drei Jahre(von 1700 bis 1703) war vollverpflegt und erhielt sogar ein kleines Stipendium. Während seines Studiums besuchte er Hamburg, Celle und Lübeck, wo er die Arbeit zeitgenössischer Musiker kennenlernte. Gleichzeitig versuchte er, eigene Werke für Klavier und Orgel zu schaffen.

Nach seinem Abschluss an der Gesangsschule hatte Sebastian das Recht, die Universität zu besuchen, nutzte es jedoch nicht, da er seinen Lebensunterhalt verdienen musste.

Kreativer Weg

Bach ging nach Thüringen, wo er in der Privatkapelle des Herzogs Johann Ernst von Sachsen eine Anstellung als Hofmusiker bekam. Sechs Monate lang spielte er Geige für Herren und erlangte erste Popularität als Interpret. Aber an einen jungen Musiker Ich wollte mich weiterentwickeln, neue kreative Horizonte für mich entdecken und nicht den Ohren der Reichen gefallen. Er ging nach Arnstadt, 200 Kilometer von Weimar entfernt, wo er seine Tätigkeit als Hoforganist in der Bonifatiuskirche aufnahm. Bach arbeitete nur drei Tage die Woche und erhielt trotzdem ein recht hohes Gehalt.

Die Kirchenorgel wurde nach einem neuen System gestimmt, der junge Komponist hatte viele neue Möglichkeiten, die er nutzte und etwa dreißig Capricci, Suiten, Kantaten und andere schrieb Orgelwerke. Drei Jahre später musste Johann jedoch die Stadt Arnstadt verlassen, da er ein angespanntes Verhältnis zu den Behörden hatte. Den Kirchenbehörden gefiel sein innovativer Ansatz bei der Aufführung geistlicher Kultwerke nicht. Gleichzeitig verbreitete sich der Ruhm des talentierten Organisten schneller als der Wind in ganz Deutschland und Bach wurden in vielen deutschen Städten lukrative Stellen angeboten.

1707 kam der Komponist nach Mühlhausen, wo er in den Dienst der St. Blasius-Kirche trat. Hier begann er nebenberuflich als Orgelreparateur zu arbeiten und schrieb die festliche Kantate „Der Herr ist mein König“.

1708 zog er mit seiner Familie nach Weimar, wo er längere Zeit als Hofkomponist und Organist blieb. Man geht davon aus, dass hier und in dieser Zeit sein kreativer Weg als Musikkomponist begann.

1717 verließ Bach Weimar, um Hofkapellmeister in Köthen beim Fürsten Leopold von Anhalt zu werden, der das Talent des Komponisten schätzte. Der Fürst bezahlte Bach gut und ließ ihm völlige Handlungsfreiheit, doch in der Religion bekannte er sich zum Calvinismus, was den Einsatz anspruchsvoller Musik im Gottesdienst ausschloss. Daher beschäftigte sich Bach in Köthen hauptsächlich mit dem Schreiben weltlicher Werke:

Suiten für Orchester;
sechs Brandenburgische Konzerte;
Französische und englische Suiten für Klavier;
Band 1 des Wohltemperierten Klaviers;
Suiten für Solocello;
zwei- und dreistimmige Erfindungen;
Sonaten;
drei Partiten für Solovioline.

1723 zog Sebastian nach Leipzig, wo er eine Stelle als Chorkantor an der Thomaskirche annahm. Bald wurde ihm die Stelle des „musikalischen Leiters“ aller Leipziger Kirchen angeboten. Dieser Zeitraum seiner schöpferischen Tätigkeit war geprägt durch das Verfassen folgender Werke:

„Matthäus-Passion“;
„Weihnachtsoratorium“;
„Johannespassion“;
Messe in h-Moll;
„Hohe Messe“;
„Majestätisches Oratorium“.

Im Laufe seines Lebens schrieb der Komponist mehr als tausend Werke.

Familie

Im Herbst 1707 heiratete Johann seine Cousine zweiten Grades, Maria Barbara. Der Familie wurden nur sieben Kinder geboren, von denen drei jedoch im Säuglingsalter starben.

Zwei der Überlebenden erlangten später große Berühmtheit musikalische Welt Menschen:

Wilhelm Friedemann war wie sein Vater Organist und Komponist, Improvisator und Meister des Kontrapunkts.
Auch Carl Philipp Emmanuel wurde Musiker, Komponist, bekannt als der Berliner oder Hamburger Bach.

Im Juni 1720 starb Maria Barbara plötzlich und Bach blieb als Witwer mit vier kleinen Kindern zurück.

Als der Schmerz über den Verlust etwas nachließ, dachte Sebastian wieder an eine vollwertige Familie. Er wollte für seine Kinder keine Stiefmutter ins Haus holen, aber für ihn allein war es schon unerträglich. In dieser Zeit gab die Sängerin Anna Magdalena Wilke, die Tochter seines alten Freundes, eines Weißenfelder Hofmusikanten, Konzerte in Köthen. Die junge Anna besuchte Bach mehrmals und spielte liebevoll mit seinen Kindern. Sebastian zögerte lange, machte ihr aber schließlich einen Heiratsantrag. Trotz des Altersunterschieds von 16 Jahren stimmte das Mädchen zu, die Frau des Komponisten zu werden.

1721 heirateten Bach und Anna Magdalena. Seine junge Frau gehörte einer Musikerdynastie an und hatte eine erstaunliche Stimme und ein erstaunliches Gehör. Diese Ehe wurde für den Komponisten glücklicher als die erste. Die freundliche und flexible Anna akzeptierte die Kinder als ihre eigenen und war außerdem eine ausgezeichnete Hausfrau. Ihr Haus war jetzt immer sauber und komfortabel, lecker, laut und lustig. Für seine Geliebte schuf Johann Sebastian das „Notenbuch der Anna Magdalena Bach“.

Abends wurden im Haus Kerzen angezündet, Menschen versammelten sich im Wohnzimmer, Bach spielte Geige und Anna sang. In solchen Momenten versammelten sich Scharen von Zuhörern unter ihren Fenstern, die dann ins Haus durften, um mit den Besitzern zu Abend zu essen. Die Familie Bach war sehr großzügig und gastfreundlich.

Aus dieser Ehe gingen dreizehn Kinder hervor, von denen nur sechs überlebten.

Leider kam es nach Johanns Tod zu Meinungsverschiedenheiten zwischen seinen Kindern. Alle gingen, nur zwei jüngere Töchter blieben bei Anna Magdalena – Regina Susanna und Johanna Caroline. Keines der Kinder leistete finanzielle Unterstützung und die Frau des großen Komponisten verbrachte den Rest ihres Lebens in völliger Armut. Nach ihrem Tod wurde sie sogar in einem nicht gekennzeichneten Armengrab beigesetzt. Am meisten jüngste Tochter Bach Regina fristete ein schreckliches Dasein; am Ende ihres Lebens wurde ihr von Ludwig van Beethoven geholfen.

Letzte Lebens- und Todesjahre

Johann Sebastian wurde 65 Jahre alt. IN letzten Jahren Sein in seiner Jugend geschädigtes Sehvermögen hatte sich stark verschlechtert. Der Komponist beschloss, sich einer Operation zu unterziehen, die der britische Augenarzt John Taylor an ihm durchführte. Der Ruf des Arztes konnte nicht als gut bezeichnet werden, doch Sebastian klammerte sich an seine letzte Hoffnung. Der chirurgische Eingriff blieb jedoch erfolglos und Bach war völlig blind. Er hörte jedoch nicht auf zu komponieren; nun diktierte er seine Werke seiner Frau oder seinem Schwiegersohn.

Zehn Tage vor seinem Tod geschah ein Wunder und Bachs Sehvermögen kehrte zurück, als ob er es tun würde Letztes Mal Ich konnte die Gesichter meiner geliebten Frau und meiner Kinder sehen, das Licht der Sonne.

Am 28. Juli 1750 blieb das Herz des großen Musikers stehen. Er wurde in Leipzig auf einem Kirchenfriedhof beigesetzt.