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Barnett Newman, auch Newman (engl. Barnett Newman; 29. ​​Januar 1905, New York - 4. Juli 1970, New York) - Amerikanischer Künstler, ein prominenter Vertreter des abstrakten Expressionismus.

BIOGRAPHIE DES KÜNSTLERS

Newman wurde in eine Familie jüdischer Einwanderer aus Polen hineingeboren. Nachdem er an der Art Students League bei Duncan Smith Malerei studiert hatte, konnte er sich erst 1937 ganz der Kunst widmen.

Zunächst arbeitete er automatisch, schuf 1944–1945 eine Reihe kalligraphisch-surrealistischer Zeichnungen und gründete drei Jahre später zusammen mit William Baziotis und Robert Motherwell Kunstschule. Zu dieser Zeit malte der Künstler seine abstrakt-expressionistischen Gemälde.

Erst 1950 organisierte Barnett Newman seine erste Einzelausstellung, die auf scharfe Kritik stieß. Danach legt der Künstler eine achtjährige Pause ein, die er der Weiterentwicklung seiner Fähigkeiten widmet. Das Ergebnis war eine Retrospektive seines Schaffens im Jahr 1958, die er der Öffentlichkeit präsentierte. Seine Gemälde sind meist monochromatische Flächen, als wären sie mit farbigen Linien „zusammengenäht“, die im Kontrast zum Hauptton stehen.

1966 organisierte Lawrence Alloway im Solomon Guggenheim Museum in New York eine Ausstellung mit dem Titel „Kreuzweg“. Sie zerstreute die letzten Zweifel selbst bei jenen Künstlern, die Newmans technische Qualitäten (Farbbrillanz, Großformat) mehr schätzten als die wahre, metaphysische Bedeutung seines Werkes.

„Die Werkstatt ist ein Zufluchtsort“, erklärte der Künstler.

Newmans neueste Werke sind Kompositionen in Form eines gleichschenkligen Dreiecks. Retrospektive Ausstellungen von Newmans Werken fanden 1972 in New York und dann in London, Amsterdam und Paris statt. Seine Gemälde sind in vielen privaten und öffentlichen Sammlungen in New York vertreten (Museum zeitgenössische Kunst), Los Angeles („Onement VI“, 1953, Sammlung Weisman), Basel („Day before one“, 1951), London („Adam“, 1951-1952, Gal. Tate), Stockholm („Tertia“, 1964, Nationalmuseum) und Houston (Mennil-Sammlung). Im National Museum für moderne Kunst. Das Centre Pompidou in Paris beherbergt das Gemälde „Shining Forth“ (1961) und eine Sammlung von Drucken.

SCHAFFUNG

Clement Greenberg schrieb: „Die Grenzen von Newmans großen Leinwänden spielen die gleiche Rolle wie die inneren Linien der Formen. Sie trennen, aber trennen, schließen oder isolieren nichts. Sie setzen Grenzen, schränken aber nichts ein.“

Newman wurde als Vorbild des Hochmodernismus, Vorläufer des Minimalismus, Existentialist und spiritueller Künstler bezeichnet, der sich von der jüdischen Mystik inspirieren ließ. Newman selbst gab 1947 an, als er zu sich kam reifer Stil, dass jede Kunst, die diesen Namen verdient, sich mit „Leben“, „Mensch“, „Natur“, „Tod“ und „Tragödie“ befassen muss. Newman bestand stets auf dem reichen emotionalen Inhalt seiner Arbeit, obwohl seine Arbeit zu seinen Lebzeiten Missverständnisse und den Vorwurf der „Leere“ hervorrief.

Newman ist einer der führenden Vertreter der amerikanischen Nachkriegskunst. Zusammen mit Rothko und Still repräsentiert er einen Teil der New Yorker Schule, die dem Action Painting feindlich gegenüberstand. Bis 1960 spielte er eine eher bescheidene Rolle. Allerdings hatten Newmans strenge Formen und große Flächen einen besonders spürbaren Einfluss auf und vor allem für die Hauptproblem Es gab vertikale Farbfelder und ihre Lage im Raum.

Dann begann der Künstler großformatig und in leuchtenden Farben zu arbeiten, so dass die vertikalen Farbfelder Relief erhielten und ihre Ausdehnung im Raum die Aufmerksamkeit des Publikums vollständig fesselte („Abraham“, 1949, New York, Museum of Modern Art) . Dadurch wurde das ursprüngliche Rechteck des Gemäldes gebrochen. Die dem Rechteck eingeschriebene vertikale Teilung wurde zum nächsten Faktor zwischen den Teilen; es bestätigt das ursprüngliche Schema innerhalb der Ebene: Jeder Teil des Bildes steht in einer Beziehung formaler Analogie zu einem anderen, so wie das ganze Bild mit der Wand in Beziehung steht („Wer hat Angst vor Rot, Gelb, Blau?“, 1966- 1967, Amsterdam, Stadtmuseum).

Diese Richtung kann jedoch nicht rein formal betrachtet werden. Der Künstler selbst betrachtet seine Werke fast als symbolisch. Wie bei anderen Meistern dieser Generation sind die Titel seiner Gemälde oft metaphorisch und polysemantisch, gleichzeitig intellektuell und poetisch.

„ONEMENT“-REIHE

„Onement“ (sechs Gemälde tragen diesen Titel) spiegelt Harmonie, Totalität, Vollständigkeit wider. Der Biograf des Künstlers, Thomas Hess, stellt dies fest Englische Sprache Es gibt kein Wort „onement“, es kommt von „atonement“, was „Erlösung“ bedeutet.

Die „Onement“-Reihe ist eines der grundlegenden Projekte in Newmans Werk. Die Leinwände dieser Serie zeigen, ohne ins Detail zu gehen, die Charakteristik des Künstlers kreative Methode Werke: mehrfarbiger oder gleichmäßig strukturierter Hintergrund mit vertikalen Streifen. Der Künstler selbst nannte sie Lightning (zip). Er sagte, dieser Begriff sei passender – verbunden mit Bewegung und Unvollständigkeit. Newman hielt den Ausdruck „vollendete Arbeit“ für Scharlatanismus. „Onement1“ (1948) – zuerst Malerarbeiten, was die Richtung der Suche deutlich zum Ausdruck brachte: Ein großes orangefarbenes Band, das außerhalb der Bildmitte verläuft, erzeugt den Effekt einer konstanten Dynamik.

Darüber hinaus beschäftigte sich der Künstler auch mit Skulpturen, hauptsächlich aus Stahl („Here 1“, 1962; „Here II“, 1965; „Here III“, ebenda; „Broken Obelisk“, 1963-1967; „ZimZum“, 1962), über dem Modell der Synagoge (1963) und Lithographien („Cantos“, 1963-1964, Paris, Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou). Das Werk dieses originellen Künstlers, der manchmal wahre Tiefe erreichte und selten in Oberflächlichkeit und Pomposität verfiel, wird noch lange in Erinnerung bleiben.

US-amerikanischer Künstler, Bildhauer, Philosoph und Essayist Barnett Newman (1905-1970) Ich dachte, dass „Kreativität ist nicht nur der höchste, sondern auch der primäre Zustand des menschlichen Bewusstseins“.

Doch um dies der Welt zu beweisen, musste der Vertreter des abstrakten Expressionismus eine Flut von Unzufriedenheit und Missverständnissen seitens der Kritik ertragen, seine in 40 Jahren entstandenen Werke zerstören, eine achtjährige Pause einlegen und erst nach allem, was er erlebt hatte, werden zum Beispiel der Hochmoderne.

Lassen Sie uns nun der Reihe nach über alles sprechen.

New York, USA. 29. Januar 1905. Geboren in eine Familie jüdischer Emigranten aus Polen zukünftiger Künstler Barnett Newman. Schon während seiner Schulzeit entwickelte der Junge ein Interesse für die Malerei. Allmählich wurde es zum Werk seines ganzen Lebens, und der erhaltene philosophische Abschluss verstärkte nur den Wunsch, dies der Welt zu beweisen „Der erste Mann war ein Künstler!“, weil „Adam, der vom Baum der Erkenntnis gegessen hatte, suchte etwas zu gewinnen kreatives Leben, um wie Gott zu sein – „Schöpfer der Welten“.

Die frühen Werke des Malers sind freie Assoziationen, Träume oder, anders gesagt, eine Art Automatismus. Im Stil von Jackson Pollock schuf Newman 1944–1945 eine Reihe kalligraphisch-surrealer Zeichnungen mit dem Titel „The Blessing“.

Die Gemälde, die 1950 in einer Einzelausstellung präsentiert wurden, zeichnen sich durch die Verwendung von Anspielungen und eine paradoxe Formenkombination aus. Viel bedeuten oder nichts bedeuten ist das Prinzip des Surrealismus, weshalb jeder den frühen Newman auf seine eigene Weise versteht. Der Künstler selbst gab an, dass seine Werke reich an emotionalen Inhalten seien. Er hat sich ein hohes Ziel gesetzt – sich epochalen Konzepten zuzuwenden: Mensch, Natur, Leben, Tod.

Die Titel von Newmans Gemälden sollen jene Gefühle und Emotionen hervorrufen, die der Autor allein durch Farbe in einer nicht-objektiven Welt vermittelt. Leider warfen Kritiker seinem Werk vor, leer zu sein. Im Gegenzug zwangen wenig schmeichelhafte Kritiken Newman dazu, die Kunstarena für einige Zeit zu verlassen, aber wie sich herausstellte, nicht, um zu gehen, sondern um sich zu verstecken. Eine achtjährige Pause führte den Künstler zum abstrakten Expressionismus.

Ausgangspunkt für eine neue Runde expressionistischen Schaffens war eine Retrospektive seiner Werke. Barnett Newmans Werke, die 1858 der Öffentlichkeit präsentiert wurden, wurden in einer völlig neuen Art und Weise ausgeführt. Seine Leinwände wurden größeres Format und wurden in leuchtenden Farben hergestellt. Auf ihnen erschien ein sogenannter „Reißverschluss“ oder vertikaler Streifen – Visitenkarte Neuer Mann.

Die Onement-Serie („Redemption“), bestehend aus sechs Gemälden, spiegelt die Harmonie und Fülle des Lebens wider. Der Künstler ließ sich von philosophischen Werten inspirieren, daher können alle Werke als symbolisch betrachtet werden und ihre Namen sind metaphorisch. Die Tongrenzen auf ihnen trennen eigentlich nichts, sondern verkünden eines der wichtigsten amerikanischen Prinzipien – die Freiheit. Der amerikanische Kunstkritiker Clement Greenberg schrieb:

„Die Grenzen von Newmans großen Leinwänden spielen die gleiche Rolle wie die inneren Linien der Formen. Sie trennen, aber trennen, schließen oder isolieren nichts. Sie setzen Grenzen, schränken aber nichts ein.“

Neben der Malerei beschäftigte sich Newman auch mit Bildhauerei. Der zerbrochene Obelisk beeindruckt durch seine Monumentalität. Dabei handelt es sich um einen umgekehrten Obelisken, der in der Luft zu schweben scheint. Pyramiden und Obelisken galten lange Zeit als Symbol des Todes, doch der Künstler interpretiert dieses Konzept neu und verwandelt den Tod in endloses Leben.

Während er abstrakte Gemälde schuf, erstellte Barnett Newman seine eigenen Anweisungen zum Verständnis seiner Arbeit. Er bestand darauf, dass seine Leinwände entgegen dem geltenden Grundsatz nicht aus einer Entfernung betrachtet werden dürfen, die der Höhe der Leinwand entspricht, sondern ausschließlich aus deren Nähe. Dadurch entsteht der Effekt des Eintauchens in die Welt der bunten Felder.

Später toller Vertreter Der abstrakte Expressionist begann, Schilder mit Anweisungen direkt auf Ausstellungen anzubringen, da er glaubte, dass sie in der Nähe seiner Arbeit das Selbstbewusstsein eines Menschen ansprechen könnten.

1. Pablo Picasso. Traum – 155 Millionen Dollar

Der Meister malte dieses Werk 1932 in seinem Schloss Boisgeloup, 63 km von Paris entfernt. Für ihn posierte Maria-Therese Walter, die damals sein einziges Modell, Heldin und Muse war. „Der Traum“ entstand in der sogenannten „Periode des Surrealismus“, einer der schwierigsten und ungleichmäßigsten Perioden in Picassos Werk. Die mittelgroße Leinwand (130 x 97 cm) wurde erstmals am 11. September 1997 bei Christie's versteigert und kam für 48,4 Millionen US-Dollar unter den Hammer. Neun Jahre später tauchte das Gemälde wieder auf dem Kunstmarkt auf, allerdings mit einem Wert von 139 US-Dollar Kurz vor dem Verkauf ereignete sich jedoch ein unvorhergesehener Vorfall: Am Tag vor dem Umtausch für den bereits vereinbarten Betrag erzählte er seinen Gästen vom Leben des Künstlers, von dem er so hingerissen war Seine Geschichte war so emotional aufgeladen, dass er die ganze Zeit über in einem anderen Impuls gestikulierte, als Steve Wynn das Gemälde unerwartet mit dem rechten Ellbogen schlug und es zerriss. Am Ende wurde der Deal abgebrochen Im März 2013 wurde bekannt, dass der vorherige Anwärter auf das Gemälde Steven Cohen war, der „beschädigt“ war, „der sich weigerte, es zu kaufen, und erneut seinen Wunsch bekundete, das restaurierte Meisterwerk zu kaufen.“ und Picassos „Dream“ wurde für den Rekordpreis von 155 Millionen US-Dollar für diesen Maler verkauft (Stephen Cohen äußerte die Meinung, dass das Gemälde nach der Restaurierung besser geworden sei, und er selbst fügte 16 Millionen US-Dollar hinzu). Niemand hat jemals etwas teureres als Picasso gekauft.

2. Francis Bacon. Drei Studien zu einem Porträt von Lucian Freud – 142,4 Millionen US-Dollar

Dieses Werk wurde 1969 vom Künstler am Royal College of Art in London gemalt. Es zeigt einen anderen britischen Maler und Bacons damaligen engen Freund: Lucian Freud. Jeder Teil des Triptychons hat die gleiche Größe von 198 x 147,5 cm. Es wurde erstmals auf einer Ausstellung in Turin in der Galleria d'Arte Galatea gezeigt. Mitte der 70er Jahre des letzten Jahrhunderts gingen drei Teile des Triptychons nach einer Ausstellung im Grand Palais in verschiedene Richtungen – Rom, Paris und Japan – und erst Ende der 80er Jahre durch die Bemühungen eines italienischen Sammlers aus Rome, Francesco de Simone Niques, wurden erneut vereint und 1999 im American Yale Centre for British Art gezeigt. Am 12. November 2013 wurde das Triptychon innerhalb von 6 Minuten bei Christie's für einen Rekordpreis versteigert offene Ausschreibung Preis - 142,4 Millionen US-Dollar. Der Name des Käufers wurde zunächst nicht genannt, nach einiger Zeit wurde er jedoch bekannt. Im Gegensatz zu angeblichen Gerüchten, denen zufolge das Werk des englischen Künstlers von der Schwester des Emirs von Katar Al-Mayassa-bint-Hamad-bin-Khalifa-al-Tan und tatsächlich der glücklichen Besitzerin des Triptychons von Francis Bacon gekauft wurde „Drei Studien für ein Porträt von Lucian Freud“ war die 70-jährige Elaine Winn, Ex-Frau Der amerikanische Tycoon Steve Wynn, derselbe, der Picasso mit dem Ellbogen angegriffen hat.

3. Barnett Newman. Anna's Light – 106 Millionen US-Dollar

Barnett Newman hat nur neun öffentliche Auktionen (im Gegensatz zu Picasso, der bereits 359 hatte), was diesen Amerikaner nicht daran hindert, in der Eliteklasse der meisten Werke zu sein liebe Künstler. Tatsächlich hat Barnett Newman nicht viele Werke zum Verkauf – nur 120, da er 1940 alle seine frühen Werke persönlich zerstört hat. Das Licht von Anna, 1968 von Newman gemalt und zum Gedenken an seine 1965 verstorbene Mutter benannt, ist das größte von allen kreatives Erbe Künstler. Seine Abmessungen sind wirklich beeindruckend – 610,5 x 275 cm. Für Newman war das sehr wichtig, er legte besonderen Wert auf die Größe als Hauptbestandteil des visuellen Erlebnisses. Und natürlich dürfen wir die Vielfalt der roten Farben nicht vergessen, die der Künstler in mehreren Schichten aufgerollt hat, um die gewünschte Sättigung zu erreichen und sie für den Betrachter körperlich erfahrbar zu machen und ihn zu dominieren. Der Künstler begegnete einem Mann mit einer Welle unteilbarer Farbe, die seiner Meinung nach der konstruktive Beginn einer neuen Welt hätte werden sollen, denn nach den Worten von Newman selbst ist „der Mensch ein tragisches Geschöpf und das Wesentliche davon.“ Die Tragödie liegt im metaphysischen Problem des Teils und des Ganzen.“

4. Andy Warhol. Silberner Autounfall (Doppelwrack) – 105,4 Millionen US-Dollar

Bei diesem Werk des Königs der Pop-Art aus dem Jahr 1963 handelt es sich um eine 250 x 400 cm große Leinwand, auf die ein aus einer Zeitung aufgenommenes Foto eines gegen einen Baum prallenden Autos übertragen und im Siebdruckverfahren (Warhols Lieblingstechnik) reproduziert wurde. Für dieses Werk verwendete Warhol silberne reflektierende Farbe. Dies ist eines von vier zweiteiligen Werken von Warhol aus dem Jahr 1963, die Autounfälle darstellen, wobei die eine Hälfte einen Verkehrsunfall darstellt und die andere eine monochrome silberne Fläche darstellt. Die restlichen drei Werke der Serie sind unter dem allgemeinen Titel „Tod und Katastrophen“ in aufbewahrt Museumssammlungen USA, Schweiz und Österreich. Meiner Meinung nach hat Warhol eine hervorragende Metapher für Leben und Tod gefunden, wenn die Tragödie an eine allumfassende Leere grenzt. Das Gemälde durchlief bereits die Sammlungen von Gunter Sachs, Charles Saatchi und Thomas Ammann, was sein Sammlergewicht nur noch erhöht und seinen Preis erhöht.

5. Jeff Koons. Hund von Heißluftballon– 58,4 Millionen US-Dollar

Erbe von Duchamp und heller Vertreter Als Zeichen des Simulationismus in der zeitgenössischen Kunst schuf Jeff Koons in den 1990er-Jahren eine ganze Reihe von Skulpturen, die Spielzeuge aus länglichem Material imitierten Luftballons. Es wurden fünf Beispiele von Hunden gegossen. Sie sind alle aus glänzendem, spiegelpoliertem Stahl gefertigt und unterscheiden sich lediglich in der Farbe voneinander. Neben dem orangefarbenen „Balloon Dog“, der für 58,4 Millionen US-Dollar verkauft wurde, gibt es auch lila, rote, gelbe und blaue. Die Riesenhunde erreichen eine Höhe von drei Metern und wiegen jeweils eine Tonne. Skulpturen aus dieser Serie sind in der Sammlung enthalten berühmte Sammler Steven Cohen, Eli Broad und Francois Pinault. Nach dem Verkauf im Jahr 2013 erlangte Jeff Koons den Status des teuersten lebenden Künstlers.

6. Jackson Pollock. Nummer 19 – 58,4 Millionen US-Dollar

Jackson Pollock, der mit der von ihm erfundenen Tropftechnik arbeitete, schuf „Number 19“ bereits 1948, als der abstrakte Expressionismus in Amerika gerade erst aufkam. Gleichzeitig muss man verstehen, dass der abstrakte Expressionismus keine eigenständige Bewegung war Stilmerkmale, sondern eher eine allgemeine Sicht auf das Wesen der Kunst – ein spontaner Ausdruck innere Welt, subjektive Assoziationen des Unterbewusstseins sind desorganisiert logisches Denken abstrakte Formen. Und in diesem Sinne ist Pollock der einflussreichste Prediger dieser Bewegung und ein absoluter Klassiker. Sein „Action Painting“ gab der entstehenden neuen Kunst einen starken Impuls. Mit seiner geringen Größe (78,4 x 57,4 cm) entstand Jackson Pollocks Gemälde „Nummer 19“ in der produktivsten Zeit im Leben des Meisters, kurz vor seiner ersten Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery, die zu einer Sensation und einem finanziellen Erfolg wurde Erfolg. Wie man nun sehen kann, begleitet dieser Erfolg Pollocks Schaffen bis heute.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3) – 57,3 Millionen US-Dollar

Wieder einmal auf der Liste steht der Mann, der die Disco-Spiegelkugel erfunden hat: Andy Warhol. Diesmal mit dem originalen Schwarz-Weiß-Bild einer lebensgroßen Coca-Cola-Flasche (176,2 x 137,2 cm), erstellt im Jahr 1962. Es wird angenommen, dass mit diesem Werk der Siegeszug der Pop-Art auf der ganzen Welt begann. Viele sagen, dass Warhol ein „Porträt einer Generation“ geschaffen hat, indem er sich dafür entschieden hat, es auf Leinwand darzustellen universelles Symbol. Der Meister selbst begründet seine Wahl so: „Was Amerika großartig macht, ist, dass die reichsten Menschen genau die gleichen Waren kaufen wie die Ärmsten.“ Sie wissen, dass der Präsident Coca-Cola trinkt, Liz Taylor von Coca-Cola begeistert ist und Sie, stellen Sie sich vor, Sie können auch Coca-Cola trinken! Coca-Cola ist immer das gleiche Coca-Cola, egal wie viel Geld man bezahlt.“ Fairerweise muss man sagen, dass Andy Warhol nicht der erste Künstler war, der sich von einer Cola-Flasche inspirieren ließ. Es ist bekannt, dass auch Salvador Dali und Marisol Escobar zärtliche Gefühle für sie hegten, aber es war Warhol, der es schaffte, aus ihr das letzte Meisterwerk zu schaffen.

8. Roy Lichtenstein. Frau mit Hut und Blumen – 56,1 Millionen US-Dollar

Dieses berühmte kleine Pop-Art-Werk (127 x 101,6 cm) basiert auf dem gleichnamigen Gemälde von Pablo Picasso aus dem Jahr 1940. Laut Lichtenstein wurde der spanische Meister zu Lebzeiten zum Objekt der Popkultur und sollte daher nun allen gehören. Picasso war übrigens nicht der einzige Künstler, den Lichtenstein auf diese Weise in die vereinfachte Sprache der Popkultur „übersetzte“. Es gab auch Monet, Matisse, Léger, Mondrian. Aber wenn die Hauptidee der Pop-Art die Umwandlung von Waren in Kunst war, dann lag die ganze Ironie hier in der entgegengesetzten Bewegung. So Roy Lichtenstein, der eine klassische Ausbildung auf diesem Gebiet erhielt Bildende Kunst, entledigte sich des Einflusses seiner ehrwürdigen Vorgänger, unter die er in seiner Jugend geriet, und übertrug deren Werke mit Hilfe auffälliger Farben, Nachahmung des Industriedrucks und Comic-Ästhetik ironischerweise in das Register des stereotypen Massenbewusstseins. Doch wie sich herausstellte, kehren die durch Lichtensteins Hand zu „Fälschungen“ gemachten Meisterwerke nun als neue Meisterwerke zu uns zurück.

9. Alberto Giacometti. Big Thin Head (Big Head Diego) – 50 Millionen US-Dollar

Bei der 1955 entstandenen Skulptur von Alberto Giacometti handelt es sich um eine 65 Zentimeter hohe Büste des jüngeren Bruders des Bildhauers, der zeitlebens sein Lieblingsmodell war. In Bronze gegossen, sollte es auf einem Straßenplatz in New York aufgestellt werden, schaffte es aber nie dorthin. Neben seinem legendären Walking Man gilt diese Skulptur auch als Ikone für Giacomettis Werk. „Diego’s Big Head“ ist eines der radikalsten und emotionalsten Werke des Autors. Seine einzigartige Technik erweckt den Eindruck von Unvollständigkeit und symbolisiert die Unvollkommenheit der Welt, und die Verletzlichkeit, Zerbrechlichkeit und Wehrlosigkeit des Menschen in den Bildern des Meisters verkörpern die Ideen des Existentialismus – Umgebung Wie Säure korrodiert und verformt es die Körperoberfläche und zwingt den Menschen dazu, sein Leben mutig in ständiger Bewegung und auf der ewigen Suche nach einem besseren Schicksal zu leben. Leider wurde die Arbeit an Diegos „Big Head“ aufgrund des Todes des Autors auf Eis gelegt. Tatsächlich ist dies also eines davon neueste Werke Giacometti.

10. Jean-Michel Basquiat. Foggy Heads – 48,8 Millionen US-Dollar

Was auch immer man sagen mag, mit arbeitet der Neoexpressionist Jean-Michel Basquiat, ein Sänger des New Yorker Untergrunds der ersten Hälfte der 80er Jahre, der uns die Welt des Graffiti eröffnete und im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin starb sein helles und Kurzgeschichte Leben. Der Künstler wurde endlich „auf die Probe gestellt“ und wird nun mit Warhol und Pollock, zwei Kolossen amerikanischer Kunst des 20. Jahrhunderts, gleichgesetzt. Dies wird durch Auktionsverkäufe beredt bestätigt. Der bisherige Höchstwert für den Verkauf von Gemälden dieses Künstlers lag bei 28,97 Millionen US-Dollar. Jetzt wurde es verabschiedet und nach Einschätzung von Experten ist dies nicht die Grenze – der Preis wird nur steigen. Gemälde „Blizzard Heads“ (182,8x213,3 cm) — frühe Arbeit Künstler, der 1982 von ihm gemalt wurde, genau zu der Zeit, als er von rituellen Masken, Skeletten und haitianischen Motiven fasziniert war und als das Ereignis stattfand, das ihn definierte späteres Leben Begegnung mit Andy Warhol, mit dem er anschließend übrigens mehrere gemeinsame Werke schuf.

Barnett Newman ist der prominenteste Vertreter der amerikanischen Sparte der abstrakten Kunst. Er wurde 1905 in New York geboren. Eine weitere gebräuchliche Schreibweise seines Nachnamens ist Newman. In englischsprachigen Quellen ist er als Barnett Newman bekannt.

Wie viele Gemälde sind erhalten geblieben?

Übrigens hat der Künstler Barnett Newman absolut alle seine frühen Leinwände zerstört; etwa vierzig Jahre Arbeit wurden durchgestrichen und leider überhaupt nicht mit einem Pinselstrich. Wenn Forscher heute über Newmans Werk sprechen, analysieren sie daher ausschließlich „überlebende“ Gemälde späte Periode in einer Menge von 120 Stück, innerhalb eines Zeitraums von fast fünfundzwanzig Jahren.

Phasen der Ausbildung

Seine Eltern waren Einwanderer aus Polen, jüdischer Herkunft. Der junge Barnett Newman studierte Malerei an der Art Students League, auch bekannt als Art Student League. Diese Schaffensperiode ist geprägt von Experimenten im Automatismusstil von Jackson Pollock, dann ist Barnett Newman von der Grafik fasziniert und er stürzt sich kopfüber in die Zeichenebene mit surrealistischen Tendenzen. Bemerkenswert ist, dass er gleichzeitig zusammen mit Persönlichkeiten der amerikanischen Malerei des 20. Jahrhunderts wie Rothko, Motherwell und Baziotis eine Kunstschule gründete.

Es ist Zeit, sich zu öffnen

Die erste Einzelausstellung, die ausschließlich Gemälde von Barnett Newman präsentierte, wurde von Kunstkritikern in Rezensionsartikeln regelrecht zerstört. Das Ergebnis war eine anhaltende Depression und eine Zurückhaltung, seine Werke der Öffentlichkeit zu zeigen, mit der der Künstler erst acht Jahre später fertig werden konnte, als er beschloss, eine Retrospektive seiner bestehenden Werke auszustellen. Darüber hinaus zerstörte Newman in dieser Zeit alle seine Werke frühe Arbeiten Daher können wir mit Sicherheit sagen, dass er nicht nur ein anspruchsvoller Pinselkünstler, sondern auch verletzlich war.

Am meisten Berühmte Werke Barnett Newman – Gemälde, die zwischen 1947 und 1970 gemalt wurden. Es handelt sich um programmatische Leinwände mit pathetischen Namen, die allein durch die Bewegung des Pinsels von der gegenstandslosen Welt erzählen. „Gebot“, „Einheit“, „Der Abgrund des Euklid“, „Mitternachtsblau“ und andere Werke des abstrakten Künstlers befinden sich heute in Privatsammlungen, darunter der Sammlung der Familie des Künstlers, und werden auch in einer Reihe von Museen in der Region ausgestellt Vereinigte Staaten. Das Museum of Modern Art in New York verfügt vielleicht über die umfassendste Sammlung, die verschiedene Lebensabschnitte des Künstlers abdeckt.

Newmans Art

Kritiker zählen ihn zu den Vertretern der amerikanischen Malerei. Ein so prominenter Theoretiker wie Clement Greenberg gab diesem Gemälde die Definition einer Feldmalerei, die ihm im wahrsten Sinne des Wortes anhaftete, was den Unterschied zwischen den in linearer Weise geschaffenen Automatismen und Glitzer deutlich macht helle Farben große Rothko- und Newman-Flugzeuge. „Feldmalerei“ deutet keineswegs auf pastorale Landschaften hin, sondern charakterisiert die Liebe der beiden Meister zu monochromatischen großen horizontalen Flächen in ihren Werken. Die Forscher waren der Ansicht, dass dieser Stil einen ausgeprägten philosophischen Unterton hat und die Grenzen der auf der Leinwand präsentierten Töne eigentlich nichts trennen, was bedeutet, dass es sich um ein Gemälde handelt, das eines der wichtigsten amerikanischen Prinzipien verkündet – die Freiheit.

Inspiration

Barnett Newman (der Künstler) ließ sich von philosophischen Werten inspirieren. Bereits 1947 verkündete er das hohe Ziel jeder Kunst – nicht vorübergehend zu sein, sondern sich epochalen Konzepten zuzuwenden: Leben, Tod, Mensch und Natur. Die komplexen Namen, die den Leinwänden gegeben wurden, betonten die Palette an Gefühlen und Emotionen, die der Künstler nur mit Farbe in eine nicht-objektive Welt zu vermitteln versuchte. Leider, Kunstkritiker Diesen Ansatz konnten wir erst viel später zu schätzen wissen.

Wie man Newmans Gemälde betrachtet

Unter Künstlern und Kunstliebhabern gilt eine unausgesprochene Regel: Um einen Gesamteindruck von der Leinwand zu bekommen, muss man sich in einem Abstand von ihr entfernen, der ihrer Höhe entspricht. Ein ähnliches Prinzip galt vom Mittelalter bis zur Renaissance und noch lange danach, doch Barnett Newman bestand darauf, dass seine Gemälde ausschließlich aus nächster Nähe betrachtet werden sollten. Was bietet dieser Ansatz? Der Effekt, den Betrachter in die Welt der bunten Felder einzutauchen. Später begann der New Yorker Meister sogar, direkt auf Ausstellungen Anleitungen zur Betrachtung seiner Bilder zu veröffentlichen.

Teure Anschaffung

Was von seinen Zeitgenossen erst in der Spätzeit seines Schaffens akzeptiert wurde, wurde später und insbesondere in unserer Zeit geschätzt. Leinwände des amerikanischen Meisters der abstrakten Kunst tauchen regelmäßig auf bedeutenden Auktionen auf, unter anderem berühmte Auktion Sotheby's. Einer davon, der unter den Hammer kam In letzter Zeit, hatte einen Wert von 30 Millionen US-Dollar.

Und gleichzeitig begeistert die Kreativität des Künstlers nicht jeden. positive Gefühle. Barnett Newmans Onement VI wurde von einigen als eines der wertlosesten und ekelhaftesten Kunstwerke bezeichnet, die jemals versteigert wurden. Der Preis für das Gemälde betrug beim letzten Verkauf im Jahr 2013 bei Sotheby’s mehr als 43 Millionen US-Dollar; es handelte sich um eine großformatige, mit blauer Farbe gefüllte Leinwand mit einem vertikalen, ziemlich gleichmäßigen Streifen.

Die Schöpfung wird dem sogenannten Blitz zugeschrieben, im Gegensatz zu horizontalen „Feldern“. Die Gesamtmaße des Werkes betragen 2,6 x 3 m.

Barnett Newman widmete „Anna's Light“ seiner verstorbenen Mutter. Genau genommen handelt es sich bei diesem Ding um eine horizontale Leinwand von beeindruckender Größe, gefüllt mit karminroter Farbe. 2013 wurde das „Meisterwerk“ ebenfalls versteigert und kam für 106 (!) Millionen Dollar unter den Hammer.

MIT technische Seite Bemerkenswert an der Leinwand ist, dass Newman mit der Leuchtkraft der roten Farbe zu kämpfen hatte, die der durchscheinenden, weiß grundierten Leinwand zusätzliche Helligkeit entzieht. Mehrere Schichten roter Farbe entzogen der Farbe diese Qualität und machten sie „stumpf“ und „traurig“, wie sie nach Meinung des Künstlers in dieser Situation sein sollte.