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Foto: ANTON ZEMLYANY Stil: KATYA KLIMOVA

Es ist einfach, den Sieg im Ziel zu genießen; viel schwieriger ist es, als Erster ins Rennen zu gehen. Aber Schwierigkeiten störten Kristina Krasnyanskaya nie. Wir trafen uns mit der Gründerin von Heritage, die kürzlich das zehnjährige Jubiläum ihrer Galerie feierte und der ganzen Welt längst bewiesen hat, dass es in der UdSSR Design gibt.

„Design in der Sowjetunion? Machst du Witze? – Die Besitzerin der Heritage-Galerie erinnerte sich für den Rest ihres Lebens an den überraschten Ausruf des Gründers und Kurators von Design Miami / Basel Craig Robins. Als sie vor sechs Jahren beschloss, sowjetisches Design in Basel zu zeigen, tauchten andere Fragen auf, die auf die berüchtigte Frage hinausliefen: „Warum brauchen Sie das?“ Aber Christina wusste immer warum. Generell gehört sie zu den Menschen, die sich zuerst mit der Hardware auseinandersetzen und sich dann kopfüber in den Pool stürzen, sodass selbst ein Skeptiker diese Erfolgsgeschichte nicht mit purem Glück erklären könnte. „Ich hatte keine Ahnung, wie sie auf uns reagieren würden“, erinnert sich der Galerist. „Ich erinnere mich, dass wir eine anderthalb Meter große Skulptur leidenschaftlich küssender russischer und europäischer Arbeiter unter einem roten Banner mit der Aufschrift „Arbeiter aller Länder, vereinigt euch!“ mitgebracht haben. Sie fragten mich: „Was ist das, zeitgenössische Kunst?“ Nein, sage ich, nicht zeitgenössisch – ’37.“ Krasnyanskaya ist sich sicher, dass damals bei der Vorbereitung des Basler Debütprojekts ohne die Hilfe von Juri Wassiljewitsch Slutschewski nichts passiert wäre: Der Stroganowski-Professor und Schöpfer der ersten Schrankmöbel in der UdSSR wurde ihr treuer Assistent und Berater. „Wir stellten fest, dass wir fast keine Avantgarde-Objekte mehr hatten. Aber es gibt den Konstruktivismus, der im Wesentlichen die Spätavantgarde ist. Es entstand die Idee eines Dialogs zwischen Konstruktivismus und der Ästhetik der 60er Jahre – einer Zeit, in der sich Designer und Architekten derselben Avantgarde und dem Bauhaus zuwandten.“ Der Plan funktionierte nicht nur, er schlug auch mit ohrenbetäubender Wucht los – und der Galerist kehrte mit Lobpreisungen nach Russland zurück Rezensionen von The Guardian, Wallpaper und The Daily Telegraph, die das Schicksal von Heritage einhellig als fast das Hauptereignis der Messe bezeichneten. „Wenn sie mir gesagt hätten, dass es SO passieren würde, hätte ich es nie geglaubt“, lächelt der Gesprächspartner. „Wir wurden Pioniere: Wir bewegten uns mit geschlossenen Augen im Dunkeln.“

Christina meistert die Rolle einer Pionierin geschickt. Alles begann mit Künstlern aus der russischen Diaspora. „Natürlich haben wir Amerika nicht entdeckt, verzeihen Sie das Wortspiel. Vor uns lagen die Galerien „Our Artists“, „Elysium“, „Watercolor“. 1995 fand in der Tretjakow-Galerie die wichtige Ausstellung „Sie nahmen Russland mit“ statt – Gemälde, Grafiken und Archivmaterialien, gesammelt vom französischen Professor René Guerra. Eine ganze Reihe von Namen tauchte auf: Isaev, Pozhedaev, Polyakov, de Stael. Aber es ist eine Sache, eine Ausstellung in einem Museum zu veranstalten, und eine ganz andere, eine private Galerie zu haben, die Geld verdienen muss. Heute sind Sammler auf der Jagd nach Gemälden ausgewanderter Künstler, doch damals kannten sie nur wenige Menschen. Sie kannten Chagall, Kandinsky, Jawlensky, Goncharova und Larionov. Aber sobald man einen Schritt zur Seite machte, waren da alle weißen Flecken. Wir hatten also viele Aufgaben, und die wichtigste davon war pädagogischer Natur: zu erklären, wer all diese Menschen sind und warum ihre Arbeit die richtige Investition ist. Und so eröffneten wir die Ausstellung von Andrei Mikhailovich Lansky. Klein, aber sehr umfangreich: Frühwerke, Mosaike, Collagen, lyrische Abstraktion. Die Reaktion war einfach wow! Dies ist eines meiner Lieblingsprojekte: Erstens ist es ein Debüt und zweitens, sehr bezeichnend – wir haben uns im Laufe von zehn Jahren viele solcher synkretistischen Ausstellungen ausgedacht.“

Übrigens zum zehnjährigen Jubiläum: Es wurde im Heritage mit einem Abendessen von Vladimir Mukhin und einer Ausstellung zum sowjetischen Art Deco gefeiert. „Kuratorin Sasha Selivanova und ich haben einen winzigen Zeitraum gewählt – von 1932 bis 1937“, erklärt der Galerist. „Wir haben uns entschieden, einen Quasi-Stil zu zeigen: nicht mehr Avantgarde, aber noch kein Empire.“ Auch die Vorbereitungen für Juni Basel laufen auf Hochtouren. Krasnyanskaya wird Glück haben mit Propagandakunst der 20er und 30er Jahre: Möbel, Porzellan, Teppiche, Glas. Es gibt auch Pläne, Nachbildungen sowjetischer Möbel und Projekte mit berühmten Kunstinstitutionen herzustellen. „Ich möchte mit der Prada Foundation zusammenarbeiten“, sagt sie verträumt. Es klingt laut, aber für Christina ist nichts unmöglich. Norman Foster bewundert seine Exponate und die besten Moskauer Museen vertrauen Heritage ihre Sammlungen an. Sie kuratiert eine Ausstellung im Mailänder Museo MAGA und hilft unseren Künstlern, Stars auf der internationalen Bühne zu werden. Auch abseits der Arbeit schafft dieses zerbrechliche Mädchen so viel, dass man sie der Teleportation zu verdächtigen beginnt: Heute studiert sie Kabakovs Retrospektive in London, morgen applaudiert sie Currentzis in Moskau. Ich möchte nur die höllische Banalität fragen: „Ruhen Sie sich wenigstens manchmal aus?“ Du musst deinen Kopf frei machen!“ „Natürlich ist es notwendig“, sagt sie. „Dafür sind Flugzeuge da.“ Neulich habe ich „For Whom the Bell Tolls“ noch einmal gelesen. Und wissen Sie was? Das Buch passte perfekt zu unserem jüngsten Projekt zu diesem Thema Bürgerkrieg in Spanien. Oh, ich glaube, ich spreche schon wieder von der Arbeit, oder?“

Kristina Krasnyanskaya ist die Tochter des berühmten Unternehmers Georgy Krasnyansky (ehemaliger Partner von Filaret Galchev, er leitet jetzt den Vorstand des Kohleunternehmens Karakan Invest). Sie betreut drei Sammlungen gleichzeitig – Familien-, Privat- und Galeriesammlung. „Die Familiensammlung nahm vor etwa 15 Jahren Gestalt an. Irgendwie gerieten wir in einen allgemeinen Trend, als alle anfingen, Kunst zu kaufen“, sagt Kristina Krasnyanskaya. - Aber es gibt einige Dinge, die ich jetzt für mich selbst kaufe. Es ist kein einfacher Prozess, weil man sich als Sammler ständig von sich als Galerist trennen muss.“

Die Krasnyanskys begannen, wie viele russische Sammler, mit klassischem Russisch Gemälde XIX-XX Jahrhunderte - Aivazovsky, Schukowski, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. Die Heritage Gallery, die Christina im Februar 2008 auf Petrovka eröffnete, war zunächst auf Künstler aus der russischen Diaspora spezialisiert. Doch vor etwa fünf Jahren begann sich das Mädchen für Design zu interessieren. „Eltern interessieren sich weniger für Design, obwohl sie auch skandinavische moderne Artikel haben. Mir scheint, dass die Menschen in Russland gerade erst begonnen haben, sich mit diesem Thema zu beschäftigen“, sagt Christina.

Sie selbst entwickelte ihre Leidenschaft noch weiter und fügte dem europäischen Design Objekte aus der UdSSR hinzu. Als wir uns im Heritage bei der Ausstellung „Sowjetischer Modernismus – ein Phänomen der Kultur und des Designs des 20. Jahrhunderts“ trafen, waren dort Dinge aus ihrer persönlichen Sammlung ausgestellt.

Laut Krasnyanskaya beschäftigten sich russische Sammler vor ihr praktisch nicht mit sowjetischen Möbeln als solchen.

Die Aufgabe ihrer Museumsprojekte Das Mädchen sieht darin „das Sowjetische auf nicht-sowjetische Weise zeigen“. Es macht ihr Spaß, sowjetisches Design in einen internationalen Kontext zu integrieren.

Zu diesem Zweck bringt Krasnyanskaya seit einigen Jahren Objekte aus ihrer Sammlung zur renommierten internationalen Messe Art Basel Miami. Viele der Exponate seien echte Raritäten, und westliche Kuratoren wüssten das zu schätzen, sagt sie: „Ich habe 23 Objekte aus einem Gemeinschaftshaus in Smolensk aus den späten 1930er Jahren, angefertigt vom Leningrader Bildhauer Krestovsky, das ist so ein Übergang vom Konstruktivismus zur Spätkunst.“ Deko. Ich habe sie kürzlich auf der Art Miaimi Basel ausgestellt – es war ein Projekt, das sich dem kulturellen Phänomen der Gemeinschaftshäuser widmete. Daraufhin kam das Victoria and Albert Museum in London mit dem Vorschlag für ein gemeinsames Projekt auf mich zu. Ausländer reagieren sofort auf alles, was mit Propagandadesign zu tun hat.“

Ihre Designkollektion umfasst bereits mehrere hundert Stücke. „Es gibt eine ziemlich beeindruckende Sammlung von Möbeln – konstruktivistische Objekte von Boris Iofan aus dem Jahr 1929, insbesondere von ihm berühmter Stuhl aus dem Haus am Ufer, einzigartige Designerstücke im Propagandadesign aus dem Gemeindehaus von 1937; Es gibt Autorenstücke im stalinistischen Empire-Stil, es gibt den sowjetischen Art Deco von Nikolai Lansere, der hier im Mai ausgestellt wird – und den letzten großen Stil, der jetzt zu sehen ist: den sogenannten sowjetischen Modernismus von 1955 bis 1985 ,- Christina listet auf und geht durch Ausstellungshalle. - Gerade zu Beginn dieser Zeit entstanden die von vielen so unbeliebten Chruschtschow-Bauten – und mit ihnen neuer Stil. Erstens handelt es sich dabei um kleine Möbel, die auch in kleinen Wohnungen praktisch wären.“

Es muss gesagt werden, dass sowjetisches modernistisches Design selten auf dem Markt zu finden ist – laut Krasnyanskaya wurden Möbel aus den 1960er Jahren mit Ausnahme von Raritäten in Museumsqualität oft auf Mülldeponien geworfen, verbrannt oder auf Datschen geschickt. Doch mit ihren Partnern hatte sie Glück: „Als wir begannen, uns mit diesem Thema zu beschäftigen, arbeiteten wir sehr eng mit der Stroganow-Akademie zusammen, auf deren Grundlage einst eine Experimentalwerkstatt entstand.“ Dort stellten sie Muster her, die auf drei großen Ausstellungen ausgestellt wurden, die dem neuen Design gewidmet waren – 1958, 1964 und 1967.“

„Als wir zum ersten Mal die Art Miami Basel besuchten, half uns Stroganovka dabei, Dinge aus diesen Ausstellungen zu finden, die nach den Ausstellungen an die Datschen und Wohnungen derjenigen verteilt wurden, die es sich leisten konnten. Am Ende sind also Dinge aus diesen Wohnungen entstanden – Prototypen, die aus hochwertigeren Materialien als in der Massenproduktion hergestellt wurden. Aber wir verzichten auch nicht auf Massenmöbel, denn davon gibt es heute fast nichts mehr.“

Die sowjetischen Möbel von Krasnyanskaya sehen nicht sowjetisch aus, was vor allem auf die hochwertige Restaurierung zurückzuführen ist. „Wir haben nicht das Ziel, die gleichen Stoffe zu reproduzieren, die im Original verwendet wurden“, sagt sie. - Natürlich wählen wir es so aus, dass der Zeitgeist, das Zeitgefühl erhalten bleibt - aber diese Dinge erhalten durch einige Spielmomente eine neue Interpretation. Diese Stühle aus den späten 1960er und frühen 1970er Jahren sind beispielsweise mit Loro Piana-Stoff gepolstert, was in der Sowjetunion kaum vorstellbar wäre.“ Die Stühle sind Teil ihrer eigenen Sammlung und haben bereits an mehreren Ausstellungen teilgenommen.

IN neue Wohnung Krasnyanskaya besitzt auch ein Paar sowjetische Sessel – sie sieht darin „einen gewissen Chic“. Viele in ihrer Galerie präsentierte modernistische Möbelstücke können leicht mit skandinavischem Design verwechselt werden, das in Deutschland sehr beliebt ist in letzter Zeit auf dem Kunstmarkt.

In den vier Jahren, in denen sie Möbel und Wohnaccessoires sammelt, hat sich der Wert skandinavischen Designs aus den 1950er und 1960er Jahren verdreifacht.

Kristina sieht auch Investitionspotenzial in Dingen, die mit „made in the UdSSR“ gekennzeichnet sind: „Natürlich wächst das Interesse an sowjetischem Design. Superdinge zum Sammeln, die es auf dem Markt praktisch nicht gibt, sind immer gefragt und teuer. Aber ich bin mir sicher, dass Dinge, die in Massenproduktion hergestellt wurden und in dieser Ausstellung nur als Spiegelbild der Zeit präsent sind, früher oder später auch Anerkennung finden werden.“

Die vielleicht beeindruckendsten Objekte aus Krasnyanskayas persönlicher Sammlung, die hier präsentiert werden, sind sowjetisches Kunstglas. „Ich glaube, dass diese Nische im Gegensatz zu Porzellan noch nicht so populär ist. Beginnen wir mit der Tatsache, dass das Kunstglas von Vera Mukhina, der Autorin von „Die Arbeiterin und die Kolchosfrau“, und dem geschliffenen Glas nachgebildet wurde. Seit 1934 leitete sie die Versuchswerkstatt der Leningrader Spiegelfabrik. „Ich habe eine absolut atemberaubende Plexiglasvase von ihr aus den späten 1940er Jahren“, sagt sie.

Bei Heritage stellte Christina aus Glasvase Ende der 1960er Jahre mit einem Sockel in Form von Leitungsisolatoren und kreisförmig eingravierten Stromleitungen. Die Autorin ist die estnische Künstlerin Helen Põld, die in der sehr experimentellen Werkstatt der Leningrader Spiegelfabrik arbeitete. „Es ist eine erstaunliche Sache – filigrane Verarbeitung und gleichzeitig eine Produktionsbotschaft“, kommentiert Christina. - Die Auflage war sehr gering, solche Dinge gibt es nur in wenigen Museen. Kunst pur! In die gleiche Kategorie zählt sie auch ein Triptychon aus den späten 1970er Jahren mit dem unerwartet relevanten Titel „Ukrainischer Aufstand“ – kraftvolle, ausdrucksstarke Vasen aus experimentellem doppelschichtigem rotem und weißem Glas, die an die Werke von Emile Galle erinnern. Krasnyanskaya fand sie in einer Privatsammlung in der Ukraine: „Sie wurden nicht im Alltag verwendet – sie dienten als Kunstobjekt.“ Es gab mehrere Glasproduktionsstätten in der Ukraine, in Kiew und an anderen Orten.“

Kristina selbst wurde wie ihre Mutter in Kiew geboren, und das Erste in ihrer Familienkunstsammlung kam von dort: ein Aquarell von Taras Schewtschenko im Kiew-Look – der wichtigste ukrainische Dichter war auch Künstler. Im Laufe von anderthalb Jahrzehnten sei es ihnen gelungen, eine museale Sammlung russischer Gemälde und Grafiken zusammenzustellen, wie Krasnjanskaja sagt. Sie träumt davon, eines Tages zu zeigen, wie sich die ganze Familie in einem der Häuser versammelt große Museen. Dafür reicht der Platz ihrer Galerie einfach nicht aus: Die Sammlung der Familie Krasnyansky ist in vier Lagerräumen untergebracht – drei in Moskau und eines in Genf.

Krasnyanskaya nennt weder die geschätzten Kosten der Sammlung noch die Kosten für deren Bildung. Ihre Galerie beschäftigt fünf Mitarbeiter, aber als ausgebildete Kunstkritikerin trifft sie alle Entscheidungen über den Kauf oder Verkauf von Objekten selbst. Es sei denn, Sie konsultieren im Zweifelsfall andere Sammler bezüglich der Echtheit oder des Preises. Und in letzter Zeit nimmt er nur noch über Vertreter und nicht mehr persönlich an Auktionen teil – er sagt, dass die emotionale Atmosphäre dort wie in einem Casino sei, weshalb man leicht außerhalb seines vorgeplanten Budgets bleiben könne.

Während die große Familienausstellung noch nicht stattgefunden hat, zeigt Krasnyanskaya allen Exponaten aus ihrer eigenen Sammlung von Designobjekten und den Sammlungen ihrer Freunde bei Heritage. Für den Besuch erhebt sie keine Gebühr.

Ein weiteres Merkmal der Krasnyanskaya-Galerie sind die Abendessen für Sammler. „Im Westen wird das oft gemacht, aber in Russland waren wir einer der Ersten. „Das Ziel ist, dass Privatsammler ihre Neuerwerbungen in einem angenehmen Umfeld präsentieren können“, sagt sie am Ende unserer Tour. - Wir haben es ernst gemacht Musikprogramm für diese Treffen. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov und meine guter Freund Yuri Rosum. Es gab keine kommerziellen Ziele – lediglich eine Geste seitens der Galerie. Jeder Sammler, egal was er sagt, möchte seine Errungenschaften zur Schau stellen.“

Das Bildungsprogramm zu Gossipnik geht weiter) Heute beginnen wir mit Anastasia Ragozina, was oft in Klatschkolumnen zu sehen ist, aber für mich persönlich waren ihre Aktivitäten ein Rätsel. Bis heute. Über sie steht in Hochglanz geschrieben: „der Besitzer eines Schmuckgeschäfts (Stephen Webster) und jetzt auch einer Filmfirma.“

Es stellte sich heraus, dass Anastasia eine Produzentin ist, zu deren Filmen Filme von Nikolai Khomeriki und Ivan Vyrypaev gehören. Ihrer Meinung nach in meinen eigenen Worten(aus einem Interview für Sobaka Ru) „ist sie nicht daran interessiert, Filme zu machen, die nur auf sie abzielen kommerzieller Erfolg. Welchen Sinn hat es, einen Film mit Dmitry Dyuzhev und Vera Brezhneva zu machen und Namen aus Gründen der Einspielergebnisse und Einschaltquoten zusammenzuzählen, wenn ich ein Geschäft habe, das viel mehr einbringt? großes Interesse aus Investitionen? Aber für mich ist Arthouse nicht das Gebiet der Wohltätigkeit oder des Mäzenatentums. Ich bin ein ziemlich geschäftsorientierter Mensch und finde Konzepte, die es mir ermöglichen, das Budget so zu formulieren, dass der Film nicht unrentabel wird.

Anastasia war zweimal verheiratet. Der erste Ehemann, Kirill, kam auf tragische Weise ums Leben: Er stürzte beim Fahren mit einem Schneemobil im Finnischen Meerbusen durch das Eis. Kirill Ragozin

Der zweite Ehemann ist Eduard Boyakov, der Schöpfer der Goldenen Maske und Gründer des Praktika-Theaters, in dessen Kuratorium Anastasia noch immer Mitglied ist.

Die Ehe mit Edward zerbrach jedoch Ex-Ehepartner Freunde bleiben

Übrigens war Edward nach seiner Scheidung von Anastasia einige Zeit mit Ksenia Sobtschak zusammen:

Als nächstes auf der Liste Kristina Krasnyanskaya.Ich wusste nur, dass sie mit Ksenia Chilingarova befreundet war (siehe unten). Wofür ist Christina berühmt? Google gibt zurück: „Kunstkritiker, Kunstsammler aus der russischen „goldenen“ Emigration, künstlerischer Leiter der internationalen Kunstgalerie „Heritage, Kurator von Ausstellungsprojekten zur Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts“ und „Ökonom mit einem Diplom von MGIMO, Tochter eines Minenbesitzers.“

Vater - Georgy Krasnyansky, ehemaliger Miteigentümer von Eurocement. Ehemann - Matvey Urin.

Die Geschichte mit meinem Mann ist interessant, sie schreiben über ihn: „Bis 2005 leitete er die Brizbank, 2009-2010 wurde er vermutlich der eigentliche Eigentümer einer Reihe von Banken schuldig, einen Hooligan-Angriff auf einen niederländischen Staatsbürger, Jorrit Faassen, organisiert zu haben.“ Matvey Urin

Ich weiß nicht, ob Christina und Matvey jetzt zusammen sind.

Nun ein paar Worte zu Christinas Freundin, Ksenia Chilingarova (geboren 1982). Was man auf der Website über sie weiß, ist, dass ihr Vater ein berühmter Polarforscher ist. Dies war (vorerst) das Ende der Erfolge des Mädchens. Wofür wurde Ksenia außer den Verdiensten ihres Vaters für das Vaterland noch berühmt?

Ksenia ist als „Journalistin“ eingetragen. Folgendes habe ich im Internet gefunden:

Ksenia erhielt höhere Bildung an der Fakultät für Internationalen Journalismus der MGIMO-Universität des russischen Außenministeriums

2007 erschien ihre erste Sammlung wunderschöner Gedichte, der sie den Namen „Reflection“ gab.

In Zukunft träumt Ksenia davon, ihr eigenes Buch zu schreiben

Sie ist die PR-Direktorin von Lublu by Kira Plastinina (aber nicht sicher, ob sie noch aktiv ist oder nicht mehr)

Ein Beispiel für einen Artikel unserer Heldin (über mit Diamanten besetzte Uhren, wenn Sie sich erinnern, haben wir das einmal besprochen).

Ehemann (ehemaliger?) Geigenvirtuose Dmitry Kogan

Das ist alles für heute, wir sehen uns auf Sendung :)

Aktualisiert am 01.07.13 14:26:

Ich füge einige verlässliche Informationen hinzu:

Christina ist schon lange geschieden, Ksenia schreibt für Elle und ist „Direktorin-Botschafterin“ der Krasnyanskaya-Galerie, eigentlich sind sie Partner. Außerdem ist Chiligarova seit vier Jahren die Nicht-PR-Direktorin von Kira Plastinina.

Das Sammeln von Kunstwerken ist ein Elite-Hobby, das nicht nur eine ernsthafte Ausbildung im Bereich der Kunstgeschichte, sondern auch einen tadellosen Geschmack erfordert.
Kristina Krasnyanskaya, Kunstkritikerin, korrespondierendes Mitglied der Internationalen Akademie für Kultur und Kunst und Inhaberin der Moskauer Heritage Gallery, erzählte uns, ob es möglich ist, selbst einen guten Geschmack zu entwickeln und wie man lernt, Kunstsammlungen zu erstellen.

• Christina, was ist für dich „guter Geschmack“?
• Guter Geschmack ist die Kunst, im Einklang mit der Welt um Sie herum zu sein. Gestützt auf unseren Geschmack können wir entscheiden, was Teil unseres Lebens werden soll und was nicht. Es ist, als würde man eine gute Sammlung erstellen. Die Fähigkeit, Übereinstimmungen auszuwählen und zu finden, bestimmt die Gestaltung unseres persönlichen Lebenskontexts. Ein Mensch mit gutem Geschmack existiert und fühlt sich immer am Ort und in der Zeit, da er nach Harmonie zwischen Außen- und Innenwelt strebt.
• Lässt sich guter Geschmack Ihrer Meinung nach kultivieren?
• Natürlich ist guter Geschmack eine Eigenschaft, die in der Kindheit vermittelt wird. Wenn eine Person von sehr frühes Alter Wer das Schöne und den ewigen Schönheitskanon kennenlernt, dem fällt es viel leichter, einen guten Geschmack zu entwickeln. Guter Geschmack ist keine angeborene Eigenschaft, sondern das Ergebnis der Arbeit an sich selbst. Den Horizont ständig erweitern und Neues entdecken, wir verbessern uns
• Dein Geschmack. Guter Geschmack wird oft mit Sinn für Stil in Verbindung gebracht, obwohl es sich dabei um zwei völlig unterschiedliche Konzepte handelt, wie Mode und Kunst.
• Was ist bei der Erstellung privater Kollektionen wichtiger – Geschmack oder Mode? Die Gesetze der Mode gibt es in allen Formen menschliche Aktivität . Aber Mode ist immer bedingt. Auch wenn Modekunst zu einem bestimmten Zeitpunkt unglaublich gefragt ist, macht sie das aus Sicht der Sammlungsbildung nicht attraktiver. Es gibt viel wichtigere Kriterien bei der Auswahl von Werken zum Sammeln, und zwar zunächst einmal der künstlerische Wert des Werkes. Heutzutage ist es äußerst in Mode, zeitgenössische Kunst zu sammeln, aber das bedeutet nicht, dass Sammler Kunst des 19. Jahrhunderts
• Jahrhunderte haben einen schlechten Geschmack... Der Geschmack eines professionellen Sammlers und eines unerfahrenen Sammlers stimmen oft nicht überein.
• Wie verhalten Sie sich in solchen Situationen? Bringen Sie den Kunden Geschmack bei oder versuchen Sie, sich daran zu halten? ihre Wünsche? Ich versuche immer, auf die Wünsche und Visionen meiner Kunden einzugehen, ohne ihnen jedoch meine Meinung zu verheimlichen. In der Regel beginnt jeder mit dem Sammeln von Klassikern und orientiert sich dabei an Ideen aus Anthologien und Museumskatalogen. Aber Konservatismus beim Sammeln - nicht immer ein Zeichen von gutem Geschmack.
• Abstrakte Kunst - Das ist die Entwicklung, die zuerst der Künstler und dann der Betrachter durchläuft. Diese Kunst erfordert eine besondere Ausbildung, Erfahrung und Ausbildung.
• Sie müssen dorthin gelangen und Ihre Vision schrittweise erweitern, sonst werden Sie es vielleicht nie schaffen. Wie bildete sowohl den Schönheitskanon als auch den Modestil. Zeitgenössische Kunst tut dies auf eine intensivere und vielseitigere Art und Weise, indem sie über so viele Dinge gleichzeitig spricht. Heutzutage gibt es eine Tendenz zum Gesamtkunstwerk, wenn Theater mit Musik, Malerei mit Design, Videoinstallationen kombiniert wird und Kino. Kunst zeigt uns ihre Einstellung zu den in der Gesellschaft ablaufenden Prozessen und hilft uns, unsere eigene Einstellung dazu zu bestimmen.
• Wie hell und interessant es wird, hängt vom Talent und Können des Künstlers ab.
• Schlechter Kunstgeschmack ist...? Schockierend. Wenn es einem Künstler an Inspiration oder Schule mangelt, um sich der Welt bekannt zu machen, greift er zu schockierendem Verhalten. Dank der Aktivitäten einiger kreative Assoziationen, modern Russische Kunst wird sehr oft mit Unverschämtheit in Verbindung gebracht.
• Glücklicherweise gibt es in Russland neben dem Schockierenden auch viele interessante Dinge
• zeitgenössische Künstler , basierend auf den reichen Traditionen der russischen Malschule. Zweifellos werden ihre Werke eines Tages der breiten Öffentlichkeit bekannt werden, aber schon jetzt sind ihre Werke Sammlerstücke. Welches Künstlerwerk ist für Sie ein Beispiel für tadellosen Geschmack? Dies ist eine sehr umfassende Frage. Unglaublich starkes Gefühl
  Stil besaßen Künstler wie Van Gogh, Marc Chagall und Konstantin Korovin. Für mich persönlich ist das Werk des Grafen der russischen Avantgarde Andrei Lansky, eines russischen Künstlers, der im Laufe der Jahre seine Heimat verließ, eine unendliche Quelle der Bewunderung
  Oktoberrevolution
  und erlangte im Westen große Anerkennung. Seine lyrischen Abstraktionen sind raffinierte intellektuelle Malerei, voller Energie des „Farblichts“. Heute erlangt Lanskys Werk endlich die wohlverdiente Anerkennung in seinem Heimatland, was auch von der Entwicklung des öffentlichen Geschmacks in Russland zeugt ...
  Viele Teilnehmer unserer Ausstellungsprojekte sind Mitglieder der Union der Künstler der UdSSR und Russlands, Schüler solcher Kolosse moderne Malerei, wie Warwara Bubnowa (Mitglied der „Union der Jugend“, „Karo-Bube“, „Eselsschwanz“, ausgestellt zusammen mit Malewitsch, Tatlin und Rodtschenko), Wassili Sitnikow (Vertreter der „inoffiziellen Kunst, Gründer seiner eigenen Schule“) ), Heinrich Ludwig (Vertreter der Avantgarde Sowjetische Architektur 20er Jahre).
  Jede des Präsentierten in unserer Werkgalerie trägt eine unbestreitbare Bedeutung künstlerischer Wert, was zeitgenössische Kunst einer Elite-Sammlung würdig macht und uns ausnahmslos Freude bereitet aus Kontakt mit dem Schönen.
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  Kristina Krasnyanskaya (38 Jahre alt): Tochter des Miteigentümers der Eurocement Group Georgy Krasnyansky (Nettovermögen 1,5 Milliarden Dollar).
  Heritage Gallery

Am 31. März endet ihre Arbeit, die dem achten Jahrestag der Heritage Gallery gewidmet ist. Heute ist diese Galerie die einzige in Russland, die sich mit westlichem und sowjetischem Sammlerdesign beschäftigt.

Die Inhaberin von „Heritage“ Kristina Krasnyanskaya erzählte der Chefredakteurin von „365“ Yana Kharina, was das Phänomen des sowjetischen Modernismus ist, was das Gute an „Chruschtschow“-Gebäuden ist und ob Möbel aus den 60er Jahren mitgeführt werden Sammelwert.

Als ich durch die Ausstellung ging, wurde mir klar, dass mir hier vieles schmerzlich bekannt vorkam. Für wen ist diese Ausstellung gedacht: für Menschen, die mit sowjetischem Design vertraut sind, oder für diejenigen, die keine Zeit hatten, sich damit auseinanderzusetzen?

Wir haben eine umfassende Ausstellung. Natürlich ist es für beide Gästetypen konzipiert. Das ist einerseits für Menschen interessant, die von der sowjetischen Situation umgeben waren. Andererseits ist es lehrreich für ein jüngeres Publikum, und eines der Hauptziele unserer Ausstellung ist es, neue Maßstäbe zu setzen. Zu zeigen, was sowjetisch ist, ist nicht der sowjetische Weg.

Es ist kein Zufall, dass sich die Galerie vor einigen Jahren auf sowjetisches Design konzentrierte: Es gibt viele berühmte Dinge, Namen, die nicht nur im Westen, sondern auch hier bekannt sind. In Kraft historische Gründe Wir haben eine Seite aus dem Kontext unserer Kunstgeschichte herausgenommen. Es gibt eine ganze Galaxie talentierter Architekten, Bildhauer und Designer, die heute einem sehr engen Fachkreis bekannt sind. Das Konzept des „sowjetischen Designs“ ist sehr weit gefasst. Avantgarde-Künstler wandten sich dem Design zu, jeder versuchte etwas zu tun. Doch bis heute ist kein einziges Stück avantgardistisches Design erhalten geblieben. Aber Dinge aus der Spätavantgarde und dem Konstruktivismus sind erhalten geblieben, darunter Boris Iofan (einer der führenden Vertreter der stalinistischen Architektur. - Anmerkung „365.“) In unserer Sammlung befindet sich ein Stuhl aus „Haus am Ufer“. Der Rest kann in Museen besichtigt werden.

Was genau ist „sowjetischer Modernismus“?

Wir sprechen über den neuesten Stil in der Geschichte des sowjetischen Designs – den Modernismus. Offiziell stammt es aus den Jahren 1955-85. Wenn man sich daran erinnert, was der sowjetische Modernismus ist, gibt es einen Bezug zu großartiger Architektur. Zum Beispiel zum selben unglücklichen abgerissenen Rossiya-Hotel, das eines der hellsten Objekte der sowjetischen Moderne war. Dieser Stil entstand nach dem Tod Stalins, als eine andere Regierung kam, neuer Kult Persönlichkeit. Zur gleichen Zeit kam eine für die UdSSR völlig ungewöhnliche Zeit – das sogenannte „Tauwetter“, als sich der „Eiserne Vorhang“ leicht öffnete und ein Strom frischer Westwinde zu uns kam. Der Durchbruch war VI Weltfest Jugendliche und Studenten im Jahr 1957, für die Picasso die „Friedenstaube“ anfertigte.

Was wird auf der Ausstellung präsentiert?

Unsere Ausstellung präsentiert nicht nur Design, sondern auch Fotografie, Malerei, Designglas, Bronze und Porzellan. Die Aufgabe der Kuratoren bestand darin, zu zeigen, wie diese Dinge in ihrer Ästhetik im Einklang mit dem stehen, was im Westen gemacht wurde. Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs bestand die dringende Notwendigkeit, Gemeinschaftswohnungen neu anzusiedeln. Die Menschen fangen an, eine eigene Wohnung zu bekommen, „Chruschtschowka“. Dieselben „Chruschtschows“ sind eines der negativen Muster, mit denen die meisten Menschen diese Zeit assoziieren. Es ist tatsächlich sehr interessanter Stil, der den stalinistischen Empire-Stil ersetzte. Und die Designer und Architekten, die unter Stalin arbeiteten, fühlten sich unwohl, weil dieser Stil keine dekorativen Prinzipien hat, minimalistischer ist, eine schwere Form hat und seine Wurzeln in den Ideen von Bauhaz hat: Funktionalität, Einfachheit der Linien, Lakonismus, Massivität.

Aber für junge Designer war es ein riesiges Betätigungsfeld, in dem sie sich einen Namen machen und einen völlig neuen Eindruck hinterlassen konnten neue Architektur. Und in diesen 30 Jahren bildete sich ein Stil wie der sowjetische Modernismus heraus, der im Einklang mit dem modischen Design der 50er und 60er Jahre im Westen stand. Stalins sperrige Möbel passten nicht in die neuen Kompaktwohnungen. Erscheinen neue Größe Möbel und Möbeldesigner. Der erste Designer dieser Zeit, Yu.V. Sluchevsky, der modulare Schrankmöbel einführte, lebt noch. Zunächst löste es in der Öffentlichkeit schreckliche Empörung aus. Aber diese Möbel wurden genehmigt und auf den Markt gebracht. Dieser Stil hat einerseits eine sozioökonomische Berechtigung, andererseits ist dies die Ästhetik, die im Westen existierte. Dies ist eine Zeit der Abstraktion, dies ist die Kultur, die sich parallel zum offiziellen sozialistischen Realismus entwickelte.

Gibt es Konzepte oder Namen, die Messegäste kennen müssen?

Ausstellungen werden gemacht, um den Menschen etwas zu sagen. Wenn jemand hierher kommt und alles weiß, dann ist er entweder ein Experte auf diesem Gebiet oder ein Sammler und auf der Suche nach Kaufobjekten. Im Allgemeinen werden Ausstellungen im Wesentlichen geschaffen, um zu zeigen neues Material. Ich denke, das war ein schwieriges Projekt für uns: Wir mussten in unserer Richtung sehr unterschiedliche Dinge kombinieren, und damit es nicht zu einer Art Chaos wurde, mussten wir es richtig aufdecken. Und natürlich wollte ich, dass die Dinge miteinander im Dialog stehen. Wir präsentieren frühes Werk Oscar Rabin mit einer brennenden Bibel und daneben „Der Ukrainische Aufstand“ von 1970. Das ist eine experimentelle Sache. Wir wollen zwingen auf eine gute Art und Weise Dieses Wort, betrachten Sie das Alte auf eine neue Art und Weise. Es gab eine ganze Galaxie talentierter Menschen, die absolut avantgardistische Dinge herstellten, die heute perfekt in ein modernes westliches Interieur passen würden, und es wäre völlig unverständlich, dass dies in der UdSSR geschah. Deshalb ist es wertvoll, weil es von Künstlern gemacht wurde, die in einem geschlossenen Staat leben. Das ist eine parallele Ästhetik, eine parallele Kultur.

Liege ich richtig, wenn ich verstehe, dass die Ausstellung geschaffen wurde, um Einzelstücke und nicht Massenware zu zeigen?

Zweifellos . Als wir begannen, uns mit dieser Zeit zu beschäftigen, galt bis zum Ende der 50er-Jahre die Regel, dass Architekten auch Designer seien. Sie haben großartige Architektur gemacht, sie haben auch Innenräume geschaffen. Während Boris Iofan das Haus am Ufer entwarf, gestaltete er auch dessen Innenräume. Karo Halabyan, einer der führenden Designer und Architekten des stalinistischen Empire-Stils, errichtete nicht nur das Theatergebäude Sowjetische Armee, sondern auch alle Möbel für ihn. Es war ganz und gar sein Projekt. In den 50er Jahren begann die Trennung zwischen Architekten und Designern. Und natürlich steckt hinter jedem Ding ein Mensch, der es erfunden hat. Unsere Ausstellung enthält ausschließlich Originalartikel. Dank der Stroganow-Akademie konnten wir den Autor jedes Artikels finden. Ja, das waren Designgruppen, denn Design begann sich zu entpersönlichen, aber hinter jedem Objekt stehen Menschen. Dies wurde jedoch nicht beworben; es war unnötig.

Haben diese Möbel einen Sammlerwert?

Möbel aus dieser Zeit liegen bereits im Trend. Ich bin mir sicher, dass es in fünf Jahren etwas gefragter sein wird als jetzt. Ich werde nicht sagen, dass es einen Sammlerwert hat, aber aufgrund der Tatsache, dass es vom Markt verschwindet, wird es eines der Hauptsuchobjekte sein. Heutzutage ist selbst das, was in Massenproduktion hergestellt wurde, schwer zu finden. Sie wurden gnadenlos getrennt: Einige brachten sie zur Datscha, andere warfen sie einfach raus. Wir zeigen hier sowjetische Sachen, nicht Tschechisch, Rumänisch oder DDR.

Möbel spiegeln die Zeit wider. Aber aus der Sicht des heutigen Trends besteht im Zuge des allgemeinen Interesses in den 50er und 60er Jahren die Möglichkeit, zu sehen, was in der UdSSR geschah.

Die Ausstellung trägt den Titel „ Sowjetisches Design- ein Phänomen der Kultur und des Designs des 20. Jahrhunderts. Was ist dieses Phänomen?

Im Allgemeinen ist das Konzept der sowjetischen Moderne eine phänomenale Definition. Modernismus ist ein Begriff, der mit der westlichen Kunst im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts assoziiert wird. Das Phänomen des sowjetischen Modernismus besteht auch darin, dass es sich um einen Stil handelt, der in den internationalen Kontext integriert werden kann. Es gibt Dinge, die absolut international sind, ohne propagandistische Untertöne, ohne totalitären Touch oder Propaganda. Diese Dinge können sowohl in Museen als auch bei der Dekoration von Wohnungen problemlos mit Objekten westlichen Designs mithalten können.

Was gefällt Ihnen an der Ausstellung am besten??

Das Muschelsofa gefällt mir sehr gut. Ich mag natürlich die Werke unserer nonkonformistischen Künstler, das wunderbare Diptychon Viktor Pivovarov. Er und Ilya Kabakov kauften Farbe, die überhaupt nicht zum Malen geeignet war. Dies ist ein technischer Lack, Nitro-Email, der ziemlich stinkt und einen sowjetischen Geruch hat. Sie fertigten Arbeiten auf Hartfaserplatten an, die sofort zu Objekten wurden. Sie tat dies während seiner „abstrakten“ Zeit, von der nur wenige Menschen wissen. Und auch Kabakovs hier präsentierte Arbeiten wurden in dieser Nitro-Emaille-Technik hergestellt. Ich mag Erik Bulatov und Oleg Vasiliev sehr. Aus Glas – eine atemberaubende Dekovase „Electrification“ der Künstlerin Helena Põld. Die Vase gehört zum Designerglas; solche Dinge gibt es nur in zwei Museen. Ich liebe die Skulpturen von Nikolai Silis wirklich und betrachte ihn als den sowjetischen Henry Moore. Es ist überraschend, dass die Ästhetik ihrer Arbeit sehr nahe beieinander liegt, obwohl Silis keine Ahnung hatte, dass ein Bildhauer wie Henry Moore existierte. Interessanterweise gleichzeitig in verschiedene Punkte Ganz unterschiedliche Menschen auf der ganzen Welt haben das Gleiche getan.

Schauen wir 10-15 Jahre in die Zukunft. Ist es möglich, dass Sie eine Ausstellung machen, die sich dem Design der 90er und 2000er Jahre widmet?

Nein, und ich werde Ihnen sagen, warum. Nach 1985 verschwand die inländische Produktion praktisch, Importe ersetzten alles. An diesem Punkt ist unsere Designaktivität abgeschlossen. Die 90er Jahre waren überhaupt nicht die günstigste Zeit. moderne Geschichte, dann wurde überhaupt wenig produziert.

Und jetzt?

Leider nein. Wahrscheinlich gibt es an der Stroganow-Akademie talentierte Studenten, die Gutes tun Abschlussarbeiten. Aber weiter geht es nicht. Mein Traum ist es, einen Pool von Designern zu schaffen, die mit ihrer eigenen Persönlichkeit würdige Dinge schaffen, die es wert wären, in Basel aufzutreten.