Roger Fenton. Obst. 1860 Graham Clarke. Der Fotograf. Oxford, 1997

Die fotografische Enzyklopädie von Fred und Gloria McDurr definiert das Wort „Stillleben“ wie folgt: Allgemeiner Begriff für Fotografien von unbelebten Gegenständen, Produkten und Waren, oft für Werbezwecke. Wenn kleine Objekte auf der Oberfläche eines Tisches platziert werden, wird die Stilllebenfotografie manchmal als „Tischplatten“-Fotografie bezeichnet. Mit Ausnahme der letzten Klarstellung stimmt diese Definition mit derjenigen überein, die in Bezug auf die Malerei verwendet wird. Interessanterweise tauchte der Begriff selbst viel später als das Bild auf und bezieht sich auf den Beginn des 19. Jahrhunderts. Die französische Kombination nature morte (tote oder beschämte Natur) unterscheidet sich nicht nur in der Schreibweise, sondern auch in der Bedeutung von englischen still life und deutschen stilleben (ruhiges, ruhiges Leben). In Holland gab es überhaupt keinen einheitlichen Begriff: Jede Spezialisierung (Frühstück, Blumensträuße, Fischstillleben) hatte einen eigenen Namen für eine Eule.

Unbelebte Objekte sind seit der Altsteinzeit in Kunstwerken präsent. BEI andere Zeit Sie haben ihre eigene Rolle und Bedeutung. Die Werke von Hans Holbein, Caravaggio oder Jan Vermeer sind keine Stillleben, aber in ihren Werken wird ihm sowohl künstlerisch als auch inhaltlich ein besonderer Platz eingeräumt. Als eigenständiges Genre Stillleben erschienen erst im 17. Jahrhundert.

Die Fotografie, die fast alle Gattungen der Malerei entlehnte, machte auch beim Stillleben keine Ausnahme. Wie die Geschichte der Fotografie zeigt, war es das Stillleben, das in der Fotokunst am wenigsten vertreten war, obwohl diese Geschichte eigentlich damit begann. Zu den frühen heliografischen Experimenten von Nicephore Niepce gehörte ein Stillleben, bestehend aus einer Flasche, einem Messer, einem Löffel, einer Schüssel und einem auf einem Tisch liegenden Brotlaib. Hippolyte Bayard fertigte 1839 eine Komposition aus Gipsabgüssen an, Jacques-Louis Daguerre fertigte mehrere Stillleben mit Gipsabgüssen, kleinen Skulpturen, Gemälden und Fragmenten antiker Friesen an, Henry Fox Talbot – mit Muscheln und Fossilien. Es ist erwähnenswert, dass Stillleben mit Kunstattributen auch in der Malerei von Jean Baptiste Chardin gefunden wurden.

Fotografen wiederholten oft die Komposition und verwendeten dieselben Motive wie die Künstler. Henry Fox Talbots Aussage, dass „die niederländische Malschule als unsere maßgebliche Quelle für die Darstellung von Gegenständen des alltäglichen, alltäglichen Lebens dient“, scheint nicht unbeachtet geblieben zu sein, wie beispielsweise die Werke von Roger Fenton, William Lake belegen Preis und Drew Diamond. Die Hauptobjekte solcher Stilleben waren Blumen, Früchte oder totes Wild. In Frankreich ähnelte die Arbeit von Adolphe Braun der fotografischen Version der Arbeit von Jean-Baptiste Oudry, einem beliebten Hofmaler des 19. Jahrhunderts der königlichen Jagd von Ludwig XV.

Stillleben wurden normalerweise in Innenräumen gedreht, aber es gab Ausnahmen. Aufgrund der geringen Lichtempfindlichkeit früher fotografischer Materialien arbeiteten manche Fotografen bevorzugt im Garten oder Vorgarten. Es wurden beliebige improvisierte Materialien (Leitern, Rechen, Schubkarren, Eimer usw.) verwendet, die oft mit mitgebrachten Haushaltsgegenständen, frischen Blumen, Bäumen neben unbelebten Gegenständen vermischt wurden. Das sind zum Beispiel die Stillleben von Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard und Richard Jones.

Fotografische Stillleben zum Thema Vanitas (lat. „Geist“, „Eitelkeit“), deren wesentliches Attribut der Schädel ist, erscheinen Mitte des 19. Jahrhunderts beispielsweise von Louis Jules Duboc-Soleil und ab tauchen im 20. Jahrhundert von Zeit zu Zeit auf - Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe und andere.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchte die Fotografie nach neuen Wegen und Objekten, um das Genre des Stilllebens zu verkörpern. Das bloße Erfassen der aneinandergereiht angeordneten Objekte reicht nicht mehr aus. Komplizierte Winkel, Nahaufnahmen, Fotogramme, Leidenschaft für die Form und Textur des Objekts - all dies verleiht dem alten Genre einen neuen Look. Die Palette der Objekte erweitert sich: Neben so banalen Alltagsgegenständen wie einer Gabel oder einer Brille tauchen Industrieobjekte (Werkzeuge, Maschinenteile und Werkzeugmaschinen) auf. Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-Fotografen, Edward Weston, William Underhill und andere waren mit ähnlichen Suchen beschäftigt.

Mit den Stillleben von Josef Sudek erblüht Mitte des Jahrhunderts die Welt der gewöhnlichen Dinge neu. Weiches, diffuses Licht verleiht einer gewöhnlichen Blume in einem Glas eine lyrisch-melancholische Stimmung.

In der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts sind Stillleben in der Werbebranche zunehmend gefragt. Die glückliche Vereinigung von Handel und Kunst wird in den Stillleben von Irwin Pena verkörpert. Klassisch, stylish, ironisch, aber immer schlicht und raffiniert. Dank dieses Meisters wurde 1944 zum ersten Mal das Cover einer Modezeitschrift mit einem fotografischen Stillleben verziert.

Unter den russischen Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die in diesem Genre arbeiteten, nimmt Boris Smelov einen besonderen Platz ein. Seine klassischen Stillleben des alten Petersburger Alltags zeichneten sich durch perfekte Komposition und tadellose Technik aus. Joel-Peter Witkin ist ein unübertroffener Meister des „schockierenden“ Stilllebens. Die Übersetzung aus dem Französischen "tote Natur" spiegelt in diesem Fall genau die Vorlieben des Autors wider - verschiedene Teile menschlicher Körper allein („Torso“) oder umrahmt von Blumen und Früchten („Frauenkopf“, „Narrenfest“, etc.).

Das fotografische Stillleben ist anderen Gattungen quantitativ weit unterlegen und taucht nur vereinzelt im Werk des einen oder anderen Autors auf. Blättern in Geschichtsbüchern und Sammlungskatalogen der Fotografie große Museen, ist die Chance, einen eigenen Abschnitt zu finden, der dem Stillleben gewidmet ist, fast gleich null.

Diplomarbeit

1. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens

In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (vom französischen natur morte - „tote Natur“) üblicherweise als Bild bezeichnet leblose Gegenstände zu einer einzigen Kompositionsgruppe zusammengefasst. Vielen ist die deutsche oder englische Version der Bezeichnung still life und still leben geläufiger. Auf Niederländisch klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, das heißt „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunsthistoriker ist dies der genaueste Ausdruck der Essenz des Genres, aber das ist die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eine eigenständige Bedeutung haben als auch sein Bestandteil Kompositionen der Genremalerei. Stilleben drücken die Beziehung des Menschen zu seiner Umwelt aus. Sie offenbart das Verständnis des Schönen, das dem Künstler als Mensch seiner Zeit innewohnt.

Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion in der Vermittlung der Vielfalt der Gegenstände der materiellen Welt. Der Prozess zum Stillleben verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Aber nehmen wir die Kunstgeschichte zusammen, dann bezieht sich die erste Stufe in der Entwicklung des Stilllebens auf die Altsteinzeit. Es gibt zwei Haupttechniken, die von alten Künstlern verwendet werden: Naturalismus und Ornamentalität. Dann konvergieren diese beiden Strömungen immer mehr, und es erscheint ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein echtes Gesamtobjekt findet sich bereits nur in Bronzezeit. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erlebt ihre Blütezeit in der ägyptischen Kunst. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Motiv einer Blume, das Thema Schnittpflanzen, eingeführt. Die Korrelation der Proportionen erscheint in den Werken der ägäischen Kunst. Die Objekte sind zu drei Vierteln in Gruppen angeordnet dargestellt. Die Traditionen der ägäischen Malerei fanden ihre Fortsetzung in Griechische Kultur. Wir können dieses Genre der bildenden Kunst anhand der Vasen beurteilen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihren eigenen " echter Ort"im Weltraum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel - das sogenannte "hängende" Stillleben. auch in Schulszenen oft wird ein "musikalisches" Stillleben dargestellt. Eine weitere Art von griechischem Stillleben kann unterschieden werden - „antik“. Künstler schaffen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, ein Hammer, Zeichenplatten. Es ist fast unmöglich, Bilder von Blumen und Tieren auf griechischen Vasen zu finden.

In der mittelalterlichen Kunst wird das Subjekt durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung der Bildleinwand in besondere Register, zu einem Attribut und nicht zu einem Objekt des Bildes. Ornamente spielen auch weiterhin eine wichtige Rolle, besonders aktiv in Buntglasfenstern verwendet. katholische Kathedralen. Die strenge, intensiv asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder von einzelnen Objekten mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

Auch in der altrussischen Ikonenmalerei spielten jene wenigen Objekte, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte, eine wichtige Rolle. Sie brachten Spontanität, Vitalität und schienen manchmal ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk zu sein, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet war.

Stillleben spielten in den Gemälden eine noch größere Rolle Künstler XV-XVI Jahrhundert während der Renaissance. Der Maler, der zuerst seine Aufmerksamkeit auf die Welt um sich herum richtete, versuchte, den Ort zu bezeichnen, den Wert von allem zu bestimmen, was einem Menschen dient. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahmen Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien an dünnen Stielen, die sich oft in die Ecke des Bildes drängten. Doch in der Darstellung dieser Dinge steckt so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung ist so stark vergeistigt, dass man hier schon alle Züge erkennen kann, die in Zukunft die eigenständige Entwicklung der ganzen Gattung bestimmt haben.

Gegenstände, ein materielles Element, erhielten in der Malerei des 17. Jahrhunderts – in der Ära der entwickelten Stillleben-Gattung – eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit Literarische Handlung Sie nahmen ihren Platz zusammen mit anderen Helden der Arbeit ein. Analysiert man die Werke dieser Zeit, sieht man, welch wichtige Rolle das Stillleben im Bild zu spielen begann. In diesen Werken tauchten Dinge als Hauptfiguren auf, die zeigten, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.

Gegenstände, die von geschickten, fleißigen und weisen Händen hergestellt wurden, tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen einer Person. Sie dienen ihm, erfreuen ihn, wecken berechtigten Stolz. Kein Wunder, dass wir aus jenen Scherben von Geschirr, Haushaltsgeräten und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, etwas über Epochen erfahren, die längst vom Erdboden verschwunden sind.

In die sie umgebende Welt blickend, ihre Gesetze mit neugierigem Geist durchdringend, die faszinierenden Geheimnisse des Lebens enträtselnd, spiegelt der Künstler sie in seiner Kunst immer umfassender und vielfältiger wider. Er bildet nicht nur die Welt um sich herum ab, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.

Die Geschichte der Entstehung und Entwicklung verschiedener Gattungen der Malerei ist ein lebendiges Zeugnis unermüdlicher Arbeit menschliches Bewusstsein das Streben, die unendliche Vielfalt der Aktivitäten zu umfassen, sie ästhetisch zu erfassen. Besonders ausgeprägt war das Genre des Stilllebens in der holländischen Malerei der Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Einrichtung, aber gleichzeitig entstehen durch die Liebe der Künstler zum Detail erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, Schuhe, die auf dem Boden stehen. All dies ist mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien taucht das Stillleben aus der Landschaft auf. In Zukunft erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität, wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer geworden, manchmal sogar fast greifbar. Es ist kein Schein mehr, sondern wird Alltag. Im 16. Jahrhundert Künstler Nördliche Renaissance Sie fangen an, Gegenstände freizulegen, reißen Abdeckungen von ihnen ab (z. B. Haut von Tieren).

Stillleben ist ein relativ junges Genre. Eigenständige Bedeutung in Europa erlangte es erst im 17. Jahrhundert. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. Besonders reich und lebhaft blühte das Stillleben in Flandern und den Niederlanden auf. Endlich formiert sich das Stillleben als eigenständige Gattung der Malerei. Seine Entstehung hängt mit jenen revolutionären historischen Ereignissen zusammen, durch die diese Länder, nachdem sie zu Beginn des 17. Jahrhunderts ihre Unabhängigkeit erlangt hatten, den Weg der bürgerlichen Entwicklung einschlugen. Für das damalige Europa war dies ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Vor der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen, neue gesellschaftliche Verhältnisse gelenkt und bestimmte gestalterische Anforderungen, Veränderungen in der Lösung der Probleme, vor denen der Maler steht. ohne direkt darzustellen historische Ereignisse Ihre Künstler haben die Welt neu betrachtet, neue Werte im Menschen gefunden. Das Leben erschien routinemäßig vor ihnen mit bisher unbekannter Bedeutung und Fülle. Sie wurden von den Besonderheiten des nationalen Lebens angezogen, heimische Natur, Dinge, die den Abdruck von Mühen und Tagen bewahren gewöhnliche Menschen. Von hier aus, aus einem bewussten, vertieften, angeregten Interesse am Leben der Menschen, entstanden eigenständige und eigenständige Gattungen der Alltagsmalerei, der Landschaftsmalerei und des Stilllebens.

Die sich im 17. Jahrhundert entwickelnde Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Malerei, der Welt gewidmet Dinge, sprachen über die grundlegenden Eigenschaften, die Objekten innewohnen, die eine Person umgeben, offenbarten die Haltung des Künstlers und Zeitgenossen zu dem Dargestellten, drückten die Natur und Vollständigkeit des Wissens über die Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, Gewicht, Textur, Farbe, Gebrauchswert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlicher Aktivität. Die Schönheit und Vollkommenheit von Haushaltsgeräten wurde nicht nur von ihrer Notwendigkeit, sondern auch von der Kunstfertigkeit ihres Schöpfers bestimmt. Das Stilleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelte den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute, den Respekt vor der Arbeit wider.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung in allgemein gesagt bestand in der Europäischen Schule bis zu Mitte des neunzehnten Jahrhundert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass sich die Künstler nicht neuen Aufgaben gestellt und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholt haben.

Im Laufe der Epochen änderten sich nicht nur die Methoden und Malweisen eines Stilllebens, sondern es sammelten sich künstlerische Erfahrungen, im Entstehungsprozess entwickelte sich ein komplexeres und sich ständig bereicherndes Weltbild.

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Stillleben in der Malerei - Bilder von statischen, unbelebten Objekten, die zu einem einzigen Ensemble kombiniert werden. Ein Stillleben kann als eigenständige Leinwand präsentiert werden, aber manchmal wird es Teil der Komposition einer Genreszene oder eines ganzen Gemäldes.

Was ist Stillleben?

Eine solche Malerei drückt sich in der subjektiven Einstellung eines Menschen zur Welt aus. Dies zeigt das dem Meister innewohnende Schönheitsverständnis, das zur Verkörperung gesellschaftlicher Werte und zum ästhetischen Ideal der Zeit wird. Das Stillleben in der Malerei verwandelte sich allmählich in ein separates bedeutende Gattung. Dieser Prozess dauerte mehr als hundert Jahre, und jede neue Generation von Künstlern verstand Leinwände und Farben gemäß den Trends der Zeit.

Die Rolle des Stilllebens in der Komposition eines Gemäldes beschränkt sich nie auf einfache Informationen, eine zufällige Ergänzung des Hauptinhalts. Je nach historischen Bedingungen und gesellschaftlichen Anforderungen können Objekte mehr oder weniger aktiv an der Gestaltung einer Komposition oder eines Hotelbildes mitwirken und das eine oder andere Ziel verdecken. Das Stillleben in der Malerei als eigenständiges Genre soll zuverlässig die Schönheit der Dinge vermitteln, die einen Menschen täglich umgeben.

Manchmal bekommt ein einzelnes Detail oder Element plötzlich eine tiefe Bedeutung, bekommt seine eigene Bedeutung und seinen eigenen Klang.

Geschichte

Als altes und verehrtes Genre kannte das Stillleben in der Malerei seine Höhen und Tiefen. Streng, asketisch und minimalistisch trugen dazu bei, unsterbliche, monumentale, verallgemeinerte, erhabene Heldenbilder zu schaffen. Bildhauer mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft genossen das Bild einzelne Objekte. Arten von Stillleben in der Malerei und alle Arten von Klassifikationen entstanden während der Entstehung der Kunstgeschichte, obwohl die Leinwände lange vor dem Schreiben des ersten Lehrbuchs existierten.

Traditionen der Ikonenmalerei und Stilleben

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten jene wenigen Dinge eine große Rolle, die der Künstler in den strengen Lakonismus kanonischer Werke einzubringen wagte. Sie tragen zur Manifestation von allem Unmittelbaren bei und demonstrieren den Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten oder mythologischen Handlung gewidmet ist.

Arten von Stillleben in der Malerei existieren getrennt von Werken der Ikonenmalerei, obwohl ein strenger Kanon die Darstellung einiger dem Genre innewohnender Objekte nicht verbietet.

Stillleben-Renaissance

Die Werke des 15.-16. Jahrhunderts spielen jedoch eine wichtige Rolle in der Renaissance. Der Maler lenkte zunächst die Aufmerksamkeit auf die Welt um sich herum und versuchte, die Bedeutung jedes Elements im Dienste der Menschheit zu bestimmen.

Moderne Malerei, Stillleben als beliebtes und beliebtes Genre, entstand in der Tricento-Zeit. Haushaltsgegenstände erlangten eine gewisse Vornehmheit und Bedeutung des Besitzers, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden wirkt ein Stillleben in der Regel sehr bescheiden und dezent - Einmachglas mit Wasser, das Silber einer eleganten Vase oder zarte Lilien an dünnen Stielen, die sich häufiger in einer dunklen Ecke des Bildes zusammenkauern, wie arme und vergessene Verwandte.

Dennoch steckte im Bild der schönen und nahen Dinge so viel Liebe in poetischer Form, dass die moderne Malerei, das Stillleben und seine Rolle darin bereits schüchtern durch Lücken in Landschaften und schwere Vorhänge von Genreszenen blickten.

Kritischer Moment

Im 17. Jahrhundert, einer Ära, in der Stillleben mit Blumen vorherrschten und dominierten, gewannen Motive in der Malerei ein echtes Element und eine neue Bedeutung. Malerei dieser Art hat unter Adel und Klerus zahlreiche Bewunderer gewonnen. In komplexen Kompositionen mit ausgeprägter literarischer Note Handlung Die Szenen bekamen ihren Platz zusammen mit den Hauptfiguren. Analysiert man die Werke dieser Zeit, ist leicht zu erkennen, dass sich die wichtige Rolle des Stilllebens in ähnlicher Weise in Literatur, Theater und Skulptur manifestierte. In diesen Werken begannen die Dinge zu „spielen“ und zu „leben“ – sie wurden als Hauptfiguren gezeigt, die die besten und vorteilhaftesten Aspekte von Objekten demonstrierten.

Kunstgegenstände, die von fleißigen und talentierten Handwerkern hergestellt werden, tragen einen persönlichen Eindruck von Gedanken, Wünschen und Neigungen. spezielle Person. malen ist das beste psychologische Tests helfen, den psycho-emotionalen Zustand zu verfolgen und innere Harmonie und Integrität zu erreichen.

Die Dinge dienen einem Menschen treu, übernehmen seine Begeisterung für Haushaltsgegenstände und inspirieren Besitzer, neue schöne, elegante Kleinigkeiten zu kaufen.

Flämische Renaissance

Gouachemalerei, Stillleben als Genre wurde nicht sofort akzeptiert. Die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und weit verbreiteten Umsetzung verschiedener Ideen und Prinzipien erinnert an die ständige Entwicklung des Denkens. Mitte des 17. Jahrhunderts wurde das Stillleben berühmt und in Mode. Das Genre begann in den Niederlanden, dem hellen und festlichen Flandern, wo die Natur selbst Schönheit und Spaß fördert.

Gouachemalerei und Stillleben erlebten ihre Blütezeit in einer Zeit grandioser Veränderungen, eines vollständigen Wandels der politischen, sozialen und religiösen Institutionen.

flandern strom

Die bürgerliche Ausrichtung der Entwicklung Flanderns war ein Novum und ein Fortschritt für ganz Europa. Änderungen in politisches Leben führten zu ähnlichen Neuerungen in der Kultur - der Horizont, der sich vor den Künstlern öffnete, war nicht mehr auf religiöse Verbote beschränkt und wurde nicht durch die entsprechenden Traditionen gestützt.

Das Stillleben wurde zum Flaggschiff der neuen Kunst, die alles Natürliche, Helle und Schöne verherrlichte. Die strengen Regeln des Katholizismus hinderten die Phantasie und Neugier der Maler nicht mehr daran, und so begannen sich Wissenschaft und Technologie zusammen mit der Kunst zu entwickeln.

Gewöhnliche Alltagsdinge und -gegenstände, die zuvor als niederträchtig und nicht der Erwähnung wert galten, wurden plötzlich zu Objekten eingehender Studien. dekorative Malerei, Stillleben und Landschaften sind zu echten Spiegeln des Lebens geworden – Alltag, Ernährung, Kultur, Schönheitsideale.

Genre-Eigenschaften

Von hier aus, aus einem bewussten und vertieften Studium der Umwelt, entwickelte sich eine eigene Gattung von Alltagsmalerei, Landschaft und Stillleben.

Die Kunst, die im 17. Jahrhundert bestimmte Kanons erwarb, bestimmte die Hauptqualität der Gattung. Das der Welt der Dinge gewidmete Bild beschreibt die Haupteigenschaften der Objekte, die eine Person umgeben, zeigt die Haltung des Meisters und seines hypothetischen Zeitgenossen zu dem Gezeigten, drückt die Natur und Vollständigkeit des Wissens über die Realität aus. Der Künstler vermittelte notwendigerweise die materielle Existenz von Dingen, ihr Volumen, Gewicht, Texturen, Farben, den funktionalen Zweck von Haushaltsgegenständen und ihre vitale Verbindung mit menschlicher Aktivität.

Aufgaben und Probleme des Stilllebens

Dekorative Malerei, Stillleben und häusliche Szenen nahmen die neuen Trends der Zeit auf - die Abkehr von den Kanons und die gleichzeitige Bewahrung des konservativen Naturalismus des Bildes.

Das Stillleben der revolutionären Ära während des vollständigen Sieges der Bourgeoisie spiegelt den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute wider, den Respekt vor der Arbeit gewöhnlicher Handwerker, die Bewunderung für wunderschöne Bilder Schönheit.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Probleme und Aufgaben der Gattung insgesamt wurden darin nicht erörtert Europäische Schulen bis Mitte des 19. Jahrhunderts. Unterdessen stellten sich die Künstler immer wieder neue Aufgaben und reproduzierten nicht mehr maschinell vorgefertigte Kompositionslösungen und Farbschemata.

Moderne Leinwände

Fotos von Stillleben zum Malen, angefertigt in modernen Ateliers, demonstrieren deutlich den Unterschied zwischen der Wahrnehmung der Welt durch einen Zeitgenossen und einen Menschen des Mittelalters. Die Dynamik von Objekten überschreitet heute alle denkbaren Grenzen, und die Statik von Objekten war damals der Normalfall. Farbkombinationen des 17. Jahrhunderts zeichnen sich durch Helligkeit und Farbreinheit aus. Gesättigte Farbtöne fügen sich harmonisch in die Komposition ein und betonen die Idee und Idee des Künstlers. Das Fehlen jeglicher Kanons auf die beste Weise beeinflussten die Stillleben des 20. und 21. Jahrhunderts und erweckten manchmal die Fantasie mit ihrer Hässlichkeit oder bewussten Buntheit.

Die Methoden zur Lösung der Probleme des Stilllebens ändern sich in jedem Jahrzehnt schnell, Methoden und Techniken halten nicht mit der Vorstellungskraft anerkannter und nicht so großer Meister Schritt.

Der Wert der heutigen Malerei liegt im Ausdruck der Realität durch die Augen zeitgenössischer Künstler; durch die verkörperung auf der leinwand entstehen neue welten, die den menschen der zukunft viel über ihre schöpfer erzählen können.

Einfluss des Impressionismus

Der nächste Meilenstein in der Geschichte der Stillleben war der Impressionismus. Die gesamte Entwicklung der Richtung spiegelte sich in den Kompositionen durch Farben, Technik und Raumverständnis wider. Die letzten Romantiker des Jahrtausends übertrugen das Leben so wie es ist auf die Leinwand – schnelle, helle Striche und ausdrucksstarke Details wurden zu den Eckpfeilern des Stils.

Malerei, Stilleben zeitgenössische Künstler tragen durch Farben, Bildweisen und Bildtechniken sicherlich den Eindruck der inspirierenden Impressionisten.

Abkehr von den Standardkanonen des Klassizismus - drei Pläne, zentrale Komposition und historische Helden- ermöglichte es den Künstlern, ihre eigene Wahrnehmung von Farbe und Licht zu entwickeln und dem Publikum den freien Flug der Emotionen auf zugängliche und visuelle Weise zu demonstrieren.

Die Hauptaufgaben der Impressionisten - ändern Maltechnik und psychologischen Inhalt des Bildes. Und heute, selbst in Kenntnis der damaligen Situation, ist es schwierig, die richtige Antwort auf die Frage zu finden, warum impressionistische Landschaften, so fröhlich und anspruchslos wie Poesie, bei wählerischen Kritikern und einer aufgeklärten Öffentlichkeit scharfe Ablehnung und groben Spott hervorriefen.

Die impressionistische Malerei passte nicht in den allgemein akzeptierten Rahmen, daher wurden Stillleben und Landschaften als etwas Vulgäres wahrgenommen, das zusammen mit anderen Absätzen der hohen Kunst der Anerkennung nicht würdig war.

Eine Kunstausstellung, die zu einer Art Missionstätigkeit für geworden ist berühmte Künstler dieser Zeit war in der Lage, die Herzen zu erreichen und Schönheit und Anmut zu demonstrieren.Bilder von Objekten und Objekten mit allen verfügbaren Mitteln sind selbst innerhalb der Mauern beeindruckender Institutionen, die sich nur auf Prinzipien bekennen, alltäglich geworden klassische Kunst. Der Siegeszug der Stilllebenmalerei ist seit Ende des 19. Jahrhunderts ungebrochen und die Vielfalt der Genres und Techniken macht es heute möglich, keine Angst vor Experimenten mit Farbe, Texturen und Materialien zu haben.

Was ist Stillleben?

Stillleben ist ein Genre der Malerei, das darstellt unbelebte Natur. Das Genre entstand im 17. Jahrhundert.

Überraschend und interessant ist das Stillleben vor allem deshalb, weil es die Menschen Schönheit und Harmonie in alltäglichen, langweiligen Dingen sehen lässt, die uns ständig umgeben, aber unsere Aufmerksamkeit nicht auf sich ziehen.

Das Genre ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint: In den meisten dieser Gemälde verwenden Künstler Allegorien - sie versuchen, eine bestimmte Reihe von Objekten, ihre Anordnung, gewählte Farben, Gesamtkomposition Menschen etwas Wichtiges zu sagen, ihnen mitzuteilen, was sie beunruhigt, von ihren Gefühlen und Gedanken zu erzählen.

Trotz der düsteren Übersetzung „tote Natur“, Leinwände sind oft voll von helle Farben, erfreuen den Betrachter mit ihrer Originalität und Skurrilität, wecken den Wunsch zu leben und die Welt um sich herum zu bewundern, die Schönheit darin zu sehen.

Es gibt viele Arten und Unterarten von Stillleben, zum Beispiel thematisch, kreativ, pädagogisch und kreativ, pädagogisch. Sie sind auch nach verwendeten Farben, Beleuchtung, Farbe, Aufführungszeit, Ort usw. unterteilt.

Die Begründer des Stilllebens als eigenständige Gattung waren die Holländer u Flämische Künstler. Zunächst erschienen die Gemälde im religiösen Gebrauch. Auch in der Ära der Entstehung des Genres, Gemälde von düsterer Natur mit einem tiefen philosophischen Sinn und dunkle Töne, in der Mitte der Komposition, die Totenköpfe, Kerzen und einige andere Attribute waren. Dann nahm das Genre, sich allmählich entwickelnd, immer neue Richtungen auf und verbreitete sich immer wieder in allen Kreisen der Gesellschaft. Blumen, Bücher, Gemüse und Obst, Meeresfrüchte, Geschirr und andere Haushaltsgegenstände – alles spiegelt sich in der Kunst wider. Einige der berühmtesten Stilllebenmaler waren Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.

Cézanne, Paul. Stillleben mit Granatapfel und Birnen. 1885-1890
Cézanne, Paul. Stilleben mit Äpfeln und Orangen. 1895-1900

In Russland entstand das Genre Anfang XVIII Jahrhundert, aber niemand beschäftigte sich ernsthaft damit, es galt als "niederes" Genre. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erreichte die Stilllebenmalerei ihren Höhepunkt; Künstler schufen ihre Meisterwerke, stellten sich neuen Aufgaben und erreichten unsägliche Höhen an Können, gebraucht ungewöhnliche Techniken, ausgewählte neue Bilder. Das russische Stillleben entwickelte sich im Gegensatz zum westlichen nicht allmählich, sondern beschleunigt. Schaffen in diesem Genre solche russischen Künstler wie K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S. I. Osipov und viele andere.

I. Levitan I. Levitan

In der modernen Malerei erlebt das Stillleben einen neuen Aufschwung und nimmt mittlerweile einen festen Platz neben anderen Gattungen der bildenden Kunst ein. Jetzt ist es eine der gefragtesten Richtungen in der Malerei. Künstler haben eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung in der Kreativität und malen eine Vielzahl von Stillleben. Und die Betrachter wiederum kaufen Gemälde, schmücken ihre Innenräume damit, beleben ihr Zuhause und bringen Komfort und Freude hinein. Museen werden ständig mit Stillleben aufgefüllt, immer mehr neue Ausstellungen eröffnen in verschiedenen Städten und Ländern, zu denen Massen von kunstinteressierten Zuschauern kommen. Mehrere Jahrhunderte später, nachdem es einen langen, vollwertigen Entwicklungsweg durchlaufen hat, ist das Stillleben immer noch relevant und hat seine Bedeutung in der Weltmalerei nicht verloren.

Anweisung

Das Stilleben als Genre stach nicht sofort hervor; Gemälde mit Blumen und Haushaltsgegenständen wurden lange Zeit als Rahmen für andere Leinwände sowie als Dekoration für Möbeltüren verwendet. Die ersten eigenständigen Gemälde erschienen um das 17. Jahrhundert. Dann wurden die Bilder von Objekten als Allegorien verwendet, und jedes Objekt hatte eine zusätzliche symbolische Bedeutung. Später wurde das Stillleben unter Künstlern populär, galt jedoch als minderwertiges Genre.

Es gibt verschiedene Arten von Stillleben, eine der frühesten und häufigsten ist das Blumenstillleben, die zweitbeliebteste ist das Stillleben des gedeckten Tisches. Das symbolische Stillleben besteht weiter. Eine andere Ansicht, die vor relativ kurzer Zeit aufgetaucht ist, ist ein abstraktes Stillleben, in diesem Stil werden Objekte nicht realistisch dargestellt, die Formen sind skizzenhaft und die Farben weisen keine fließenden Übergänge auf.

Wenn Sie gerne zeichnen, haben Sie wahrscheinlich viele Zeichnungen und Gemälde in diesem Genre gemacht. Um ein Stillleben zu zeichnen, müssen Sie keine Zeit und Mühe aufwenden, um nach interessanten Objekten zum Zeichnen zu suchen, Sie können immer zeichnen gute komposition Gegenstände, die immer griffbereit sind. Verwenden Sie Vorhänge als Hintergrund, ein kleines Stück Stoff ist in Ordnung. Ordnen Sie die Objekte so an, dass Sie mehrere Pläne erhalten, denken Sie daran, dass die Objekte große Größe sollten im Hintergrund sein und diejenigen sein, die kleiner sind. Setzen Sie eine zusätzliche seitliche Farbquelle ein, dies verleiht den Objekten Volumen. Regelmäßige Übungen mit solchen Produktionen ermöglichen es Ihnen, Ihre zeichnerischen Fähigkeiten zu verbessern.

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Quellen:

• Komposition im Stillleben
• Was ist Stillleben

Gut Stillleben wird geboren, lange bevor Sie Farbe und Pinsel in die Hand nehmen. Der Erfolg hängt davon ab, wie Sie die zu zeichnenden Objekte auswählen und wie Sie sie im Raum anordnen.

Anweisung

Denken Sie an ein Stilleben-Thema. Natürlich können Sie alle Gegenstände auf einmal auf den Tisch legen, aber die durch eine Geschichte vereinten Komponenten, die von der Persönlichkeit ihres Besitzers erraten werden, oder zumindest stilistisch, werden viel logischer aussehen.

Sortieren Sie alle Komponenten nach Form. Es ist wünschenswert, dass es abwechslungsreich ist - finden Sie Objekte hoch und niedrig, breit und schmal. Andernfalls führt die Monotonie der Formen im Bild dazu, dass sich alles zu einer Masse vermischt und die Objekte einfach aus dem Sichtfeld „fallen“.

Achten Sie darauf, dass es sich nicht um Produkte und Dinge handelt, die farblich nicht zusammenpassen. Wenn Sie es schwierig finden, dies mit dem Auge zu bestimmen, verwenden Sie das Farbrad. Geben Sie ein gleichseitiges Dreieck ein. Seine Winkel zeigen drei Grundfarben an, die gut zueinander passen. Als zusätzliche Farben können Sie Farbtöne nehmen, die sich an den Seiten der Hauptfarben befinden.

Wählen Sie den richtigen Hintergrund. Sie können ein Stillleben auf einem Vorhang oder einer unbedeckten Oberfläche auslegen. Es ist wichtig, dass es farbneutral ist (wenn die Schattierungen von Objekten gesättigt sind) oder mit der gesamten Komposition kombiniert wird. Auf jeden Fall sollte der Hintergrund nicht den Löwenanteil der Aufmerksamkeit des Betrachters einnehmen.