Stillleben als eigenständiges Genre. Schullexikon

Was ist Stillleben?

Stillleben ist ein Genre der Malerei, das darstellt unbelebte Natur. Das Genre entstand im 17. Jahrhundert.

Stillleben ist vor allem deshalb überraschend und interessant, weil es den Menschen Schönheit und Harmonie in alltäglichen, langweiligen Dingen erkennen lässt, die uns ständig umgeben, aber unsere Aufmerksamkeit nicht erregen.

Das Genre ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint: In den meisten dieser Gemälde verwenden Künstler Allegorien – sie probieren eine bestimmte Menge von Objekten, deren Anordnung, ausgewählte Farben aus, allgemeine Zusammensetzung Erzählen Sie den Menschen etwas Wichtiges, vermitteln Sie, was sie beunruhigt, erzählen Sie ihnen von ihren Gefühlen und Gedanken.

Trotz der düsteren Übersetzung „tote Natur“, die Leinwände sind oft bunt helle Farben, erfreuen den Betrachter mit ihrer Originalität und Eigenartigkeit, wecken den Wunsch, die Welt um sich herum zu leben und zu bewundern, die Schönheit darin zu sehen.

Es gibt viele Arten und Unterarten von Stillleben, zum Beispiel handlungsthematisch, kreativ, pädagogisch-kreativ, pädagogisch. Sie sind außerdem nach verwendeten Farben, Beleuchtung, Farbgebung, Ausführungszeit, Ort usw. unterteilt.

Die Begründer des Stilllebens als eigenständiges Genre waren die Niederländer und Flämische Künstler. Ursprünglich dienten die Gemälde religiösen Zwecken. Auch in der Ära der Geburt des Genres entstanden Gemälde dunkler Natur mit Tiefe philosophische Bedeutung Und dunkle Töne, in der Mitte der Komposition, die Totenköpfe, Kerzen und einige andere Attribute enthielt. Dann entwickelte sich das Genre allmählich weiter, nahm immer mehr neue Richtungen auf und verbreitete sich immer wieder in allen Kreisen der Gesellschaft. Blumen, Bücher, Gemüse und Obst, Meeresfrüchte, Geschirr und andere Haushaltsgegenstände – alles spiegelt sich in der Kunst wider. Einer der meisten berühmte Künstler Stilllebenkünstler waren Ambrosius Buschaert, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Hem, Willem van Aalst und Cornelis Briese.

Cezanne, Paul. Stillleben mit Granatapfel und Birnen. 1885-1890
Cezanne, Paul. Stillleben mit Äpfeln und Orangen. 1895-1900

In Russland entstand das Genre Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte lang, aber niemand hat sich ernsthaft damit beschäftigt; es galt als „niederes“ Genre. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlebte die Stilllebenmalerei ihre größte Blüte; Künstler schufen ihre Meisterwerke, setzten sich neue Ziele und erreichten unermessliche Höhen in ihrem Können ungewöhnliche Techniken, neue Bilder ausgewählt. Das russische Stillleben entwickelte sich im Gegensatz zu den westlichen nicht allmählich, sondern in einem beschleunigten Tempo. In diesem Genre arbeiteten russische Künstler wie K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov und viele andere.

I. Levitan I. Levitan

IN moderne Malerei Das Stillleben erlebt einen neuen Aufschwung und nimmt nun seinen rechtmäßigen Platz unter den anderen Genres ein bildende Kunst. Mittlerweile ist dies einer der beliebtesten Bereiche in der Malerei. Künstler, die über eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung in der Kreativität verfügen, schreiben am meisten verschiedene Stillleben. Und die Betrachter wiederum kaufen Gemälde, dekorieren damit ihre Innenräume, beleben ihr Zuhause und bringen Komfort und Freude hinein. Museen werden ständig mit Stillleben aufgefüllt, immer mehr neue Ausstellungen werden in verschiedenen Städten und Ländern eröffnet, die viele kunstinteressierte Zuschauer anziehen. Mehrere Jahrhunderte später, nachdem es einen langen, umfassenden Entwicklungsweg durchlaufen hat, ist das Stillleben immer noch relevant und hat seine Bedeutung in der Weltmalerei nicht verloren.

Stillleben(Französisch: Nature morte – tote Natur), eine der Gattungen der Malerei, die die Gaben der Natur (Früchte, Blumen, Fische, Wild) sowie von Menschenhand geschaffene Dinge (Geschirr, Vasen, Uhren usw.) darstellt. Manchmal existieren unbelebte Objekte neben Lebewesen – Insekten, Vögeln, Tieren und Menschen.

Stilllebenmotive finden sich bereits in der Kunst des Alten Orients und der Antike. Einer Legende zufolge stellte der antike griechische Künstler Apelles Weintrauben so geschickt dar, dass die Vögel sie für echte hielten und begannen, sie zu picken.

Die erste Erwähnung von Stillleben findet sich in XV-XVI Jahrhunderte. Lange Zeit Das Stillleben behielt seine Verbindung zur religiösen Malerei.

Als eigenständige Gattung entwickelte sich das Stillleben im 17. Jahrhundert. und erlebte gleichzeitig seine glänzende Blütezeit im Werk niederländischer, flämischer und spanischer Meister. Die Vielfalt seiner Typen und Formen in dieser Zeit ist mit der Entwicklung nationaler realistischer Malschulen verbunden.

Bilder von Küchenutensilien, Vasen mit Blumen und schließlich „Vanitas“(„Eitelkeit der Eitelkeiten“), Stillleben zum Thema der Zerbrechlichkeit des Lebens und seiner kurzfristigen Freuden, die zum Erinnern aufrufen wahre Werte und kümmere dich um das Heil der Seele. Lieblingsattribute von „Vanitas“ sind ein Totenkopf und eine Uhr (J. van Streck. „Vanity of Vanities“).

Für Niederländische Stillleben Wie im Allgemeinen für Stillleben des 17. Jahrhunderts ist es durch das Vorhandensein verborgener philosophischer Obertöne, komplexer christlicher oder Liebessymbolik gekennzeichnet (die Zitrone war ein Symbol der Mäßigung, der Hund - Treue usw.).

Die Flamen hingegen malten große, manchmal riesige Leinwände, die die Palastsäle schmücken sollten. Sie zeichnen sich durch ihre festliche Vielfarbigkeit, die Fülle an Objekten und die Komplexität der Komposition aus. Solche Stillleben wurden genannt "Bank"(Y. Faith, F. Snyders). Sie zeigten Tische voller Wild, Meeresfrüchte und Brot, und daneben boten die Besitzer ihre Waren an. Das reichlich vorhandene Essen hing und fiel direkt auf das Publikum, als ob es nicht auf die Tische passen würde.

IN Italien und Spanien Der Aufstieg des Stilllebens trug maßgeblich dazu bei Kreativität von Caravaggio. Die beliebtesten Stilllebenthemen waren Blumen, Gemüse und Früchte, Meeresfrüchte, Küchenutensilien usw. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis usw.).

Spanische Künstler bevorzugten es, sich auf eine kleine Anzahl von Objekten zu beschränken und zurückhaltend zu arbeiten Farbschema. Die Formen sind einfach und edel; Sie sind sorgfältig mit Hell-Dunkel geformt, fast greifbar, die Komposition ist streng ausbalanciert (F. Zurbaran. „Stillleben mit Orangen und Zitronen“, 1633; A. Pereda. „Stillleben mit einer Uhr“).

Im 19. Jahrhundert Trompe-l'oeil-Traditionen wurden neu überdacht. Das Stillleben erfährt in der ersten Hälfte einen Aufschwung. 19. Jahrhundert in den Werken von F.P. Tolstoi, der die Traditionen der „Blemneys“ („Beeren roter und weißer Johannisbeeren“, 1818), Künstler, neu überdachte Venezianische Schule, I. T. Khrutsky. Künstler wollten Schönheit und Perfektion in Alltagsgegenständen sehen.

Im 18. Jahrhundert Der französische Meister J.-B. wandte sich dem Genre des Stilllebens zu. MIT. Chardin. Seine Gemälde, die einfache, hochwertige Utensilien (Schüsseln, Kupfertank), Gemüse und einfache Lebensmittel darstellen, sind erfüllt vom Atem des Lebens, erwärmt von Poesie Herd und Zuhause und die Schönheit des Alltags bekräftigen. Chardin malte auch allegorische Stillleben („Stillleben mit Attributen der Künste“, 1766).

In einem schwülen Sommer auf dem Land oder in einem anhaltenden Schneesturm. Ohne das Haus zu verlassen, können Sie sich von gewöhnlichen Früchten oder ungewöhnlichen Blumen inspirieren lassen. Das Motiv versucht nicht, den Kopf zu drehen, wie bei einem Porträt, und verwandelt nicht jede Sekunde Schatten in Licht, wie bei einer Landschaft. Das ist das Gute am Stillleben-Genre. Und „tote Natur“, übersetzt aus dem Französischen, oder „ ruhiges Leben Dinge" in der niederländischen Version belebt den Innenraum wirklich. Natalya Letnikova präsentiert die Top 7 Stillleben russischer Künstler.

„Waldveilchen und Vergissmeinnicht“

Waldveilchen und Vergissmeinnicht

Das Gemälde von Isaac Levitan ist wie ein blauer Himmel und eine weiße Wolke – vom Sänger der russischen Natur. Nur auf der Leinwand sind keine heimischen Freiflächen, sondern ein Strauß Wildblumen zu sehen. Löwenzahn, Flieder, Kornblumen, Immortelle, Farne und Azaleen ... Nach dem Wald verwandelte sich das Atelier des Künstlers „entweder in ein Gewächshaus oder einen Blumenladen“. Levitan liebte Blumenstillleben und lehrte seine Schüler, sowohl Farben als auch Blütenstände zu sehen: „Sie sollten nicht nach Farbe, sondern nach Blumen riechen.“

„Äpfel und Blätter“

Äpfel und Blätter

Die Werke von Ilja Repin setzen den brillanten Rahmen des Russischen Museums organisch in Szene. Der reisende Künstler komponierte eine Komposition für seinen Schüler Valentin Serov. Es ist so malerisch geworden, dass der Lehrer selbst zum Pinsel gegriffen hat. Sechs Äpfel aus einem gewöhnlichen Garten – verletzt und mit „Fässern“ und ein Haufen zerfetzter Blätter Herbstfarben, als Inspirationsquelle.

"Blumenstrauß. Phloxen"

Blumenstrauß. Phloxen

Gemälde von Ivan Kramskoy. „Eine talentierte Person wird keine Zeit damit verschwenden, beispielsweise Becken, Fische usw. darzustellen. Es ist gut, dies für Leute zu tun, die bereits alles haben, aber wir haben noch viel zu tun“, schrieb Kramskoy an Vasnetsov. Und doch hat der berühmte Porträtmaler am Ende seines Lebens das Genre des Stilllebens nicht außer Acht gelassen. Blumenstrauß aus Phloxen Glasvase wurde auf der XII. Wanderausstellung präsentiert. Das Gemälde wurde vor dem Eröffnungstag gekauft.

"Stillleben"

Stillleben

Kasimir Malewitsch auf dem Weg zum „Schwarzen Quadrat“ durch Impressionismus und Kubismus, vorbei am Realismus. Eine Obstschale ist das Ergebnis kreativer Suche, auch innerhalb desselben Bildes: dicke schwarze Linien der französischen Cloisonné-Technik, flache Schalen und voluminöse Früchte. Alle Bestandteile des Bildes werden nur durch die Farbe vereint. Charakteristisch für einen Künstler – hell und reichhaltig. Wie eine Herausforderung für Pastellfarben wahres Leben.

„Hering und Zitrone“

Hering und Zitrone

Vier Kinder und Malerei. Diese Kombination im Leben eines Künstlers bestimmt unverkennbar das Genre. Das ist mit Zinaida Serebryakova passiert. Zahlreiche Familienporträts und Stillleben, aus denen Sie ein Menü zusammenstellen können: „Obstkorb“, „Spargel und Erdbeeren“, „Trauben“, „Fisch auf Gemüse“ ... In den Händen eines wahren Meisters werden „Hering und Zitrone“ zu einem Kunstwerk. Poesie und Einfachheit: spiralförmige Zitronenschale und Fisch ohne Schnickschnack.

„Stillleben mit Samowar“

Stillleben mit Samowar

Ilya Mashkov, ein Schüler von Serov, Korovin und Vasnetsov, liebte es, die Welt um ihn herum darzustellen, und zwar lebendiger. Porzellanfiguren und Begonien, Kürbisse... Fleisch, Wild – im Geiste der alten Meister und Moskauer Brot – Skizzen vom Smolensker Markt der Hauptstadt. Und was wären wir nach russischer Tradition ohne einen Samowar? Ein Stillleben aus dem Bereich des Festlebens mit Früchten und buntem Geschirr wird durch einen Totenkopf ergänzt – eine Erinnerung an die Zerbrechlichkeit des Lebens.

„Studieren mit Medaillen“

Studieren Sie mit Medaillen

Stillleben im sowjetischen Stil. Der Künstler des 20. Jahrhunderts, Anatoly Nikich-Krilichevsky, zeigte in einem Gemälde das gesamte Leben der ersten sowjetischen Weltmeisterin im Eisschnelllauf, Maria Isakova. Mit Pokalen, hinter denen sich jahrelanges Training verbirgt; Medaillen, die in einem erbitterten Kampf gewonnen wurden; Briefe und riesige Blumensträuße. Schönes Bild für den Künstler und eine künstlerische Chronik sportlicher Erfolge. Stilllebengeschichte.

Stillleben, Genre der bildenden Kunst

Im 19. Jahrhundert Das Schicksal des Stilllebens wurde von führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf einbezogen Ästhetische Ansichten Und künstlerische Ideen(F. Goya in Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Frankreich). Unter den Meistern des 19. Jahrhunderts, die sich auf dieses Genre spezialisiert haben, ragen auch A. Fantin-Latour (Frankreich) und W. Harnett (USA) heraus. Der neue Aufschwung der Stilllebenmalerei war mit der Leistung der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wurde (P. Cezanne, V. van Gogh). Seit Beginn des 20. Jahrhunderts. Stillleben ist irgendwie kreatives Labor Malerei. In Frankreich gehen die Meister des Fauvismus (A. Matisse und andere) den Weg der verstärkten Identifizierung der emotionalen und dekorativ-expressiven Fähigkeiten von Farbe und Textur und Vertreter des Kubismus (J. Braque, P. Picasso, X. Gris, etc.) streben unter Nutzung der den Besonderheiten des Stilllebens innewohnenden künstlerischen und analytischen Möglichkeiten danach, neue Wege der Raum- und Formvermittlung zu etablieren. Das Stillleben zieht auch Meister anderer Bewegungen an (A. Kanoldt in Deutschland, G. Morandi in Italien, S. Lucian in Rumänien, B. Kubista und E. Filla in der Tschechischen Republik usw.). Gesellschaftliche Trends im Stillleben des 20. Jahrhunderts werden durch die Werke von D. Rivera und D. Siqueiros in Mexiko, R. Guttuso in Italien repräsentiert.

In der russischen Kunst Stillleben erschien im 18. Jahrhundert. zusammen mit der Etablierung der weltlichen Malerei, die das kognitive Pathos der Zeit und den Wunsch widerspiegelt, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau zu vermitteln (die „Tricks“ von G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov usw.). Weitere Entwicklung Die russische Stilllebenmalerei war lange Zeit episodischer Natur. Sein leichter Anstieg erfolgte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. (F. P. Tolstoi, Schule von A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan wandten sich nur gelegentlich Stillleben mit Skizzencharakter zu; Hilfsbedeutung des Stilllebens in künstlerisches System Die Wanderers folgten ihrer Vorstellung von der dominanten Rolle des handlungsthematischen Bildes. Die eigenständige Bedeutung der Stilllebenskizze nimmt zu Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Die Blütezeit des russischen Stilllebens fand zu Beginn des 20. Jahrhunderts statt. Zu seinen besten Beispielen zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; Werke von Künstlern aus der „Welt der Kunst“ (A. Ya. Golovin und andere), die auf subtile Weise die historische und alltägliche Natur der Dinge aufgreifen; akut dekorative Bilder P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan und andere Maler des Kreises „Blaue Rose“; Helle, von der Fülle des Seins durchdrungene Stillleben der Meister des „Karo-Buben“ (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sowjetisches Stillleben, das sich im Einklang mit der Kunst entwickelt Sozialistischer Realismus, wird mit neuen Inhalten bereichert. In den 20-30er Jahren. Es beinhaltet ein philosophisches Verständnis der Moderne in kompositorisch geschärften Werken (K. S. Petrov-Vodkin) und thematischen „revolutionären“ Stillleben (F. S. Bogorodsky und andere) und versucht, das vom sogenannten Nicht abgelehnte „Ding“ wieder greifbar zu finden -objektlose Menschen. durch Experimente auf dem Gebiet der Farbe und Textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) und eine vollwertige Nachbildung des Farbreichtums und der Vielfalt der objektiven Welt (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan , A. A. Osmerkin und andere) sowie die Suche nach subtiler koloristischer Harmonie, Poetisierung der Welt der Dinge (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa usw.). In den 40-50er Jahren. Stillleben, die sich stilistisch deutlich unterscheiden und wesentliche Merkmale widerspiegeln moderne Epochen, erstellt von P.V. Kuznetsov, Yu.I. Pimenov und anderen. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich arbeiten aktiv im Stillleben. Unter den Meistern des Stilllebens in den Unionsrepubliken stechen A. Akopyan in Armenien, T. F. Narimanbekov in Aserbaidschan, L. Svemp und L. Endzelina in Lettland sowie N. I. Kormashov in Estland hervor. Die Tendenz zu erhöhter „Objektivität“ des Bildes, die Ästhetisierung der Welt der Dinge um einen Menschen herum, führte bei jungen Künstlern der 70er und frühen 80er Jahre zu einem Interesse am Stillleben. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis usw.).

Lit.: B. R. Vipper, Das Problem und die Entwicklung des Stilllebens. (Das Leben der Dinge), Kasan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Westeuropäisches Stillleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, Russisches Stillleben Ende des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stillleben auf Russisch und Sowjetische Malerei. L., ; Yu. Ya. Gerchuk, Living Things, M., 1977; Stillleben in Europäische Malerei XVI - Anfang des 20. Jahrhunderts. Katalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Einführung in die Stillleben- und Blumenmalerei, L., 1976; Ryan A., Stillleben-Maltechniken, L. , 1978.

„Tote Natur“ ist vor allem ein Genre der bildenden Kunst Staffelei-Malerei, gewidmet der Darstellung unbelebter Objekte: Blumen, Früchte, totes Wild, Fische, Attribute jeglicher Aktivität.

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STILLLEBEN

Französisch Nature morte – tote Natur), eine der Gattungen der Malerei. Stillleben zeigen Geschenke der Natur (Früchte, Blumen, Fische, Wild) sowie von Menschenhand geschaffene Dinge (Geschirr, Vasen, Uhren usw.). Manchmal leblose Gegenstände koexistieren mit Lebewesen – Insekten, Vögeln, Tieren und Menschen.

In Handlungskompositionen eingebundene Stillleben finden sich bereits in der Malerei Antike Welt(Wandmalereien in Pompeji). Einer Legende zufolge stellte der antike griechische Künstler Apelles Weintrauben so geschickt dar, dass die Vögel sie für echte hielten und begannen, sie zu picken. Als eigenständige Gattung entwickelte sich das Stillleben im 17. Jahrhundert. und erlebte gleichzeitig seine glänzende Blütezeit im Werk niederländischer, flämischer und spanischer Meister.

In Holland gab es verschiedene Arten von Stillleben. Die Künstler malten „Frühstücke“ und „Desserts“ so, dass es schien, als sei die Person irgendwo in der Nähe und würde bald zurückkehren. Auf dem Tisch raucht eine Pfeife, eine Serviette ist zerknittert, der Wein im Glas ist noch nicht ausgetrunken, die Zitrone ist angeschnitten, das Brot ist zerbrochen (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Beliebt waren auch Bilder von Küchenutensilien, Vasen mit Blumen und schließlich „Vanitas“ („Eitelkeit der Eitelkeiten“), Stillleben zum Thema der Zerbrechlichkeit des Lebens und seiner kurzfristigen Freuden, die zur Erinnerung an wahre Werte aufrufen und kümmere dich um das Heil der Seele. Lieblingsattribute von „Vanitas“ sind ein Totenkopf und eine Uhr (J. van Streck. „Vanity of Vanities“). Niederländische Stillleben sowie Stillleben aus dem 17. Jahrhundert im Allgemeinen zeichnen sich durch das Vorhandensein versteckter philosophischer Obertöne und komplexer christlicher oder Liebessymbolik aus (die Zitrone war ein Symbol für Mäßigung, der Hund für Treue usw.). Mit Liebe und Freude haben Künstler in Stillleben die Vielfalt der Welt nachgebildet (schimmernde Seide und Samt, schwere Teppichtischdecken, schimmerndes Silber, saftige Beeren und edler Wein). Die Komposition von Stillleben ist einfach und stabil, der Diagonal- oder Pyramidenform untergeordnet. Darin ist immer der Hauptheld hervorgehoben, zum Beispiel ein Glas, ein Krug. Meister bauen auf subtile Weise Beziehungen zwischen Objekten auf, indem sie deren Farbe, Form und Oberflächenstruktur kontrastieren oder umgekehrt vergleichen. Sorgfältig ausgeschrieben die kleinsten Details. Diese Gemälde sind kleinformatig und für eine genaue Betrachtung, lange Betrachtung und das Verständnis ihrer verborgenen Bedeutung konzipiert.

Die Flamen hingegen malten große, manchmal riesige Leinwände, die die Palastsäle schmücken sollten. Sie zeichnen sich durch ihre festliche Vielfarbigkeit, die Fülle an Objekten und die Komplexität der Komposition aus. Solche Stillleben wurden „Shops“ genannt (J. Veit, F. Snyders). Sie zeigten Tische voller Wild, Meeresfrüchte und Brot, und daneben boten die Besitzer ihre Waren an. Das reichlich vorhandene Essen hing und fiel direkt auf das Publikum, als ob es nicht auf die Tische passen würde.

Spanische Künstler beschränkten sich lieber auf eine kleine Menge an Objekten und arbeiteten in einer zurückhaltenden Farbgebung. Gerichte, Früchte oder Muscheln sind in den Gemälden von F. Zurbaran und A. Fronten ruhig auf dem Tisch platziert. Ihre Formen sind einfach und edel; Sie sind sorgfältig mit Hell-Dunkel geformt, fast greifbar, die Komposition ist streng ausbalanciert (F. Zurbaran. „Stillleben mit Orangen und Zitronen“, 1633; A. Pereda. „Stillleben mit einer Uhr“).

Im 18. Jahrhundert Der französische Meister J.-B. wandte sich dem Genre des Stilllebens zu. S. Chardin. Seine Gemälde, die einfache, hochwertige Utensilien (Schüsseln, Kupfertanks), Gemüse und einfache Lebensmittel darstellen, sind erfüllt vom Atem des Lebens, erwärmt von der Poesie des Herdes und bekräftigen die Schönheit des Alltags. Chardin malte auch allegorische Stillleben („Stillleben mit den Attributen der Künste“, 1766).

In Russland erschienen die ersten Stillleben im 18. Jahrhundert. in dekorativen Gemälden an den Wänden von Palästen und „falschen“ Gemälden, in denen Objekte so genau reproduziert wurden, dass sie real wirkten (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Im 19. Jahrhundert Trompe-l'oeil-Traditionen wurden neu überdacht. Das Stillleben erfährt in der ersten Hälfte einen Aufschwung. 19. Jahrhundert in den Werken von F. P. Tolstoi, der die Traditionen der „Tricks“ („Beeren roter und weißer Johannisbeeren“, 1818) neu überdachte, Künstler der venezianischen Schule, I. T. Khrutsky. Künstler wollten Schönheit und Perfektion in Alltagsgegenständen sehen.

Am Ende steht eine neue Blüte des Genres bevor. 19 – Anfang Im 20. Jahrhundert wurde das Stillleben zum Laboratorium für kreative Experimente und zum Ausdruck der Individualität des Künstlers. Stillleben nehmen einen bedeutenden Platz im Werk der Postimpressionisten ein – V. Van Gogh, P. Gauguin und vor allem P. Cezanne. Die Monumentalität der Komposition, die spärlichen Linien, die elementaren, starren Formen in Cezannes Gemälden sollen die Struktur, die Grundlage der Sache offenbaren und an die unveränderlichen Gesetze der Weltordnung erinnern. Der Künstler modelliert die Form mit Farbe und betont so deren Materialität. Gleichzeitig verleiht das subtile Farbspiel, insbesondere das kalte Blau, seinen Stillleben ein Gefühl von Luft und Weite. Die Linie des Cezanne-Stilllebens wurde in Russland von den Meistern des „Karo-Buben“ (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky usw.) fortgeführt und mit den Traditionen des Russischen kombiniert Volkskunst. Die Künstler von „The Blue Rose“ (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) schufen nostalgische Kompositionen im antiken Stil. Philosophische Verallgemeinerungen durchdrungen von den Stillleben von K. S. Petrov-Vodkin. Im 20. Jahrhundert P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi lösten ihre kreativen Probleme im Stillleben-Genre. In Russland die größten Meister Zu diesem Genre gehörten M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov und andere.

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