Roger Fenton. Früchte. 1860 Graham Clarke. Die Fotografie. Oxford, 1997

Die Encyclopedia of Photography von Fred und Gloria McDarr definiert das Wort „Stillleben“ wie folgt: „ Allgemeiner Begriff für Fotografien von unbelebten Gegenständen, Produkten und Waren, oft für Werbezwecke.“ Wenn kleine Objekte auf der Oberfläche eines Tisches platziert werden, wird die Stilllebenfotografie manchmal als „Tischfotografie“ bezeichnet. Mit Ausnahme der letzten Klarstellung stimmt diese Definition durchaus mit der in Bezug auf die Malerei verwendeten überein. Interessanterweise erschien der Begriff selbst viel später als das Bild und stammt aus dem Anfang des 19. Jahrhunderts. Die französische Kombination „nature morte“ (tote oder beschämte Natur) unterscheidet sich vom englischen „Still Life“ und dem deutschen „Stilleben“ (ruhiges, stilles Leben) nicht nur in der Schreibweise, sondern auch in der Bedeutung. In Holland gab es überhaupt keinen einheitlichen Begriff: Jede Spezialisierung (Frühstück, Blumensträuße, Fischstillleben) hatte ihren eigenen Namen.

Unbelebte Objekte sind seit der Altsteinzeit in Kunstwerken vorhanden. IN andere Zeit Sie haben ihre eigene Rolle und Bedeutung. Die Werke von Hans Holbein, Caravaggio oder Johannes Vermeer sind zwar keine Stillleben, aber in ihren Werken kommt ihnen sowohl künstlerisch als auch semantisch eine besondere Stellung zu. Als unabhängiges Genre Stillleben erschienen erst im 17. Jahrhundert.

Die Fotografie, die fast alle Genres der Malerei entlehnte, machte für das Stillleben keine Ausnahme. Wie die Geschichte der Fotografie zeigt, war das Stillleben in der Fotokunst am wenigsten vertreten, obwohl diese Geschichte eigentlich damit begann. Zu den frühen heliographischen Experimenten von Nicéphore Niépce gehörte ein Stillleben bestehend aus einer Flasche, einem Messer, einem Löffel, einer Schüssel und einem Laib Brot, die auf einem Tisch lagen. Hippolyte Bayard schuf 1839 eine Komposition aus Gipsabgüssen, Jacques-Louis Daguerre schuf mehrere Stillleben mit Gipsabgüssen, kleinen Skulpturen, Gemälden und Fragmenten antiker Friese, Henry Fox Talbot – mit Muscheln und Fossilien. Bemerkenswert ist, dass auch in den Gemälden von Jean Baptiste Chardin Stillleben mit künstlerischen Attributen zu finden waren.

Fotografen wiederholten häufig die Komposition und verwendeten dieselben Motive wie Künstler. Die Aussage von Henry Fox Talbot, dass „die niederländische Malschule unsere maßgebliche Quelle für die Darstellung von Gegenständen des Alltags ist“, scheint nicht unbemerkt geblieben zu sein, wie beispielsweise die Arbeiten von Roger Fenton, William Lake Price und Drew Diamond belegen . Die Hauptthemen solcher Stillleben waren Blumen, Früchte oder totes Wild. In Frankreich ähnelte Adolphe Brauns Werk einer fotografischen Version des Werks von Jean-Baptiste Oudry, einem beliebten Hofmaler des 19. Jahrhunderts über die königliche Jagd Ludwigs XV.

Stillleben wurden normalerweise in Innenräumen aufgenommen, es gab jedoch Ausnahmen. Aufgrund der schlechten Lichtempfindlichkeit des frühen Fotomaterials arbeiteten viele Fotografen lieber im Garten oder Vorgarten. Es wurden alle verfügbaren Materialien verwendet (Leitern, Rechen, Schubkarren, Eimer usw.), die häufig mit mitgebrachten frischen Blumen vermischt wurden, und Bäume wurden neben unbelebten Gegenständen platziert. Dies sind beispielsweise die Stillleben von Louis-Rémy Robert, Hippolyte Bayard und Richard Jones.

Fotografische Stillleben zum Thema Vanitas (lateinisch für „Geisterhaftigkeit“, „Eitelkeit“), deren integrales Merkmal der Schädel ist, erscheinen in der Mitte des 19. Jahrhunderts beispielsweise von Louis Jules Duboc-Soleil und tauchen von Zeit zu Zeit im 20. Jahrhundert auf - Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe usw.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchte die Fotografie nach neuen Wegen und Objekten, um das Genre Stillleben zu verkörpern. Es reicht nicht mehr aus, einfach nur aneinander angeordnete Objekte zu erfassen. Komplexe Blickwinkel, Nahaufnahmen, Fotogramme, Leidenschaft für die Form und Textur des Objekts – all das verleiht dem alten Genre ein neues Aussehen. Das Objektspektrum erweitert sich: Neben so banalen Haushaltsgegenständen wie einer Gabel oder Gläsern tauchen auch Industriegegenstände (Werkzeuge, Maschinenteile und Werkzeugmaschinen) auf. Ähnliche Recherchen wurden von Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-Fotografen, Edward Weston, William Underhill und anderen durchgeführt.

Die Welt der gewöhnlichen Dinge blüht Mitte des Jahrhunderts mit den Stillleben von Josef Sudek wieder auf. Sanftes diffuses Licht verleiht einer gewöhnlichen Blume im Glas eine lyrische und melancholische Stimmung.

In der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts sind Stillleben in der Werbebranche zunehmend gefragt. Die glückliche Verbindung von Kommerz und Kunst wird in den Stillleben von Irving Pena verkörpert. Klassisch, stilvoll, ironisch, aber immer schlicht und raffiniert. Dank dieses Meisters zierte 1944 erstmals ein fotografisches Stillleben das Cover eines Modemagazins.

Unter den russischen Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die in diesem Genre arbeiteten, nimmt Boris Smelov einen besonderen Platz ein. Seine klassischen Stillleben aus Objekten des antiken St. Petersburger Lebens zeichneten sich durch ideale Komposition und tadellose Technik aus. Joel-Peter Witkin ist ein unübertroffener Meister des „schockierenden“ Stilllebens. Die Übersetzung aus dem Französischen „tote Natur“ spiegelt in diesem Fall genau die Vorlieben des Autors wider – in verschiedenen Teilen menschlicher Körper einzeln („Torso“) oder umrahmt von Blumen und Früchten („Kopf einer Frau“, „Fest der Narren“ usw.).

In quantitativer Hinsicht ist das fotografische Stillleben anderen Genres weit unterlegen und taucht nur sporadisch im Werk des einen oder anderen Autors auf. Blättern in Büchern zur Geschichte der Fotografie und Sammlungskatalogen große Museen, ist die Chance, eine eigene Rubrik für Stillleben zu finden, praktisch gleich Null.

Diplomarbeit

1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens

In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (von französisch natur morte – „tote Natur“) üblicherweise als Bild bezeichnet leblose Gegenstände, vereint in einer einzigen Kompositionsgruppe. Für viele ist die deutsche oder englische Version der Bezeichnung Stillleben und Stillleben geläufiger. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, also „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber darin liegt die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eigenständige Bedeutung haben als auch sein Bestandteil Kompositionen eines Genrebildes. Ein Stillleben drückt die Haltung eines Menschen gegenüber der Welt um ihn herum aus. Es offenbart das Schönheitsverständnis, das dem Künstler als Mann seiner Zeit innewohnt.

Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Darstellung der Vielfalt der Objekte in der materiellen Welt. Der Prozess der Stilllebenentwicklung verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Wenn wir jedoch die Kunstgeschichte als Ganzes betrachten, dann reicht die erste Phase in der Entwicklung des Stilllebens bis in die Altsteinzeit zurück. Es gibt zwei Haupttechniken, die antike Künstler verwendeten: Naturalismus und Ornamentik. Dann beginnen diese beiden Trends näher zusammenzurücken und es entsteht ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein echtes Gesamtobjekt kann nur in gefunden werden Bronzezeit. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erreicht in der ägyptischen Kunst ihren Höhepunkt. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Blumenmotiv, das Thema Schnittpflanzen, vorgestellt. Korrelative Proportionen treten in Werken der ägäischen Kunst auf. Die Objekte sind in drei Vierteln dargestellt und in Gruppen angeordnet. Die Traditionen der ägäischen Malerei wurden fortgeführt Griechische Kultur. Wir können dieses Genre der bildenden Kunst anhand der Vasen beurteilen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihre eigene „ echter Ort„im Weltraum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel – das sogenannte „hängende“ Stillleben. auch in Sketche aus der Schule Oft wird ein „musikalisches“ Stillleben dargestellt. Man kann noch einen weiteren Typ griechischer Stillleben unterscheiden: „antik“. Künstler erstellen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, einen Hammer, Skizzenplatten. Es ist fast unmöglich, auf griechischen Vasen Abbildungen von Blumen und Tieren zu finden.

In der mittelalterlichen Kunst wird durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung des Gemäldes in einzigartige Register, das Objekt zum Attribut und nicht zum Objekt des Bildes. Auch Ornamente spielen weiterhin eine wichtige Rolle, insbesondere in der Glasmalerei. Katholische Kathedralen. Die harte, äußerst asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder einzelner Objekte mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten auch die wenigen Objekte eine große Rolle, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte. Sie brachten Spontaneität, Vitalität und wirkten manchmal wie ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet ist.

Stillleben spielten in der Malerei eine noch größere Rolle Künstler XV-XVI Jahrhunderte während der Renaissance. Der Maler, der zum ersten Mal der Welt um ihn herum große Aufmerksamkeit schenkte, versuchte, den Ort und den Wert aller Dinge zu bestimmen, die dem Menschen dienen. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, desjenigen, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahm das Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien auf dünnen Stielen, die oft in der Ecke des Bildes zusammengedrängt waren. Allerdings steckte in der Darstellung dieser Dinge so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung war so stark vergeistigt, dass man hier bereits alle Merkmale erkennen kann, die später die eigenständige Entwicklung des gesamten Genres bestimmten.

Im 17. Jahrhundert – im Zeitalter des entwickelten Stillleben-Genres – erhielten Gegenstände und materielle Elemente in der Malerei eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit literarische Handlung sie nahmen ihren Platz zusammen mit anderen Helden des Werkes ein. Wenn man die Werke dieser Zeit analysiert, kann man erkennen, welche wichtige Rolle das Stillleben in der Malerei zu spielen begann. In diesen Werken tauchten Dinge als Hauptfiguren auf und zeigten, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.

Von geschickten, fleißigen und weisen Händen gefertigte Gegenstände tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen eines Menschen. Sie dienen ihm, erfreuen ihn und erwecken in ihm ein berechtigtes Gefühl des Stolzes. Nicht umsonst erfahren wir aus den Scherben von Geschirr, Haushaltsutensilien und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, etwas über Epochen, die längst vom Erdboden verschwunden sind.

Der Künstler blickt in die Welt um ihn herum, durchdringt mit neugierigem Geist ihre Gesetze, enträtselt die faszinierenden Geheimnisse des Lebens und spiegelt sie in seiner Kunst umfassender und umfassender wider. Er stellt nicht nur die Welt um ihn herum dar, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.

Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte verschiedener Genres der Malerei ist ein lebendiges Zeugnis unermüdlicher Arbeit menschliches Bewusstsein, bestrebt, die unendliche Vielfalt der Aktivitäten zu erfassen und ästhetisch zu erfassen. Das Genre des Stilllebens manifestierte sich besonders deutlich in der niederländischen Malerei der Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Inneneinrichtung, aber die Liebe zum Detail der Künstler schafft erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, auf dem Boden stehende Schuhe. All dies wird mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien tauchen Stillleben aus der Landschaft auf. Anschließend erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität und wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer, manchmal sogar fast greifbar geworden. Es ist kein Requisit mehr, sondern wird zum Alltag. Im 16. Jahrhundert Künstler Nördliche Renaissance Sie beginnen, Gegenstände freizulegen, indem sie ihre Hüllen abreißen (zum Beispiel Tierhäute).

Stillleben ist ein relativ junges Genre. Erst im 17. Jahrhundert erlangte es in Europa eigenständige Bedeutung. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. Besonders üppig und leuchtend blühte das Stillleben in Flandern und den Niederlanden. Das Stillleben etabliert sich endgültig als eigenständiges Genre der Malerei. Seine Entstehung ist mit jenen revolutionären historischen Ereignissen verbunden, durch die diese Länder nach der Erlangung der Unabhängigkeit zu Beginn des 17. Jahrhunderts den Weg der bürgerlichen Entwicklung betraten. Für Europa war dies damals ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen und neue gesellschaftliche Beziehungen lenkten und bestimmten kreative Wünsche und Veränderungen bei der Lösung der Probleme, mit denen der Maler konfrontiert war. Ohne direkt abzubilden historische Ereignisse, Künstler haben einen neuen Blick auf die Welt geworfen, neue Werte im Menschen gefunden. Das Leben, der Alltag erschien ihnen in einer bis dahin unbekannten Bedeutung und Vollständigkeit. Sie wurden von den Besonderheiten des nationalen Lebens angezogen, heimische Natur, Dinge, die den Abdruck von Arbeit und Tagen tragen gewöhnliche Menschen. Von hier aus, aus einem bewussten, tiefen Interesse am Leben der Menschen, angetrieben durch das System selbst, entstanden eigenständige und eigenständige Genres der Alltagsmalerei, der Landschaftsmalerei und des Stilllebens.

Die im 17. Jahrhundert entwickelte Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Malerei, dem Frieden gewidmet Dinge, sprach über die grundlegenden Eigenschaften, die den eine Person umgebenden Objekten innewohnen, enthüllte die Haltung des Künstlers und Zeitgenossen gegenüber dem Dargestellten, drückte die Natur und Vollständigkeit der Kenntnis der Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Textur, ihre Farbe, den funktionalen Wert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlichem Handeln. Die Schönheit und Perfektion von Haushaltsgeräten wurde nicht nur durch ihre Notwendigkeit bestimmt, sondern auch durch das Können ihres Schöpfers. Das Stillleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelte den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute und den Respekt vor der Arbeit wider.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung in allgemeiner Überblick existierte in der Europaschule bis Mitte des 19 Jahrhundert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Künstler sich nicht neue Aufgaben stellten und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholten.

Im Laufe der Epochen haben sich nicht nur die Methoden und Methoden der Stilllebenmalerei verändert, es haben sich auch künstlerische Erfahrungen angesammelt und im Laufe der Entstehung ein komplexeres und immer bereichernderes Weltbild entwickelt.

Kreieren Sie kreative, helle Akzente im Kinderzimmer, hergestellt in der Batik-Technik

Batik ist ein Design, das auf besondere Weise angewendet wird. Es geht um um der ursprüngliche Weg Dekorieren von Stoffen durch Auftragen von Mustern mit geschmolzenem Wachs und anschließendes Bemalen der unbedeckten Bereiche des Stoffes ...

Technologische Merkmale der Darstellung von Stillleben in Grafiken

Die Geschichte der Grafik als Kunstform reicht mehrere tausend Jahre zurück. Grafik ist die älteste aller schönen Künste...

Traditionen und Innovationen in der Kunst impressionistischer Künstler

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts waren französische Maler Teil des Systems und erlebten den Einfluss einer komplexen Berufsinstitution mit Abteilungen für alle wichtigen Kunstgattungen ...

Kunstkultur Klassisches Frankreich

Um zu verstehen, warum diese Kunstrichtung in Frankreich entstand und dort so große Popularität erlangte, wenden wir uns der Geschichte dieses Staates zu. Anfang des XVII Jahrhundert. Nach der Ermordung von König Heinrich IV. im Jahr 1610, offiziell bis 1614...

Japanische Animation

Die Entstehung des Anime Die ersten japanischen Zeichentrickfilme erschienen 1917. Dabei handelte es sich um kleine Filme mit einer Länge von einer bis fünf Minuten, die von einzelnen Künstlern gedreht wurden ...

Japanischer Minimalismus im Design

Die ersten Anfänge des Minimalismus in Europa gab es bereits im 18. Jahrhundert: 1777 errichtete der größte deutsche Dichter, Philosoph und Künstler Johann Wolfgang Goethe im Garten seines Sommerhauses in Weimar eine einzigartige Skulptur...

Stillleben in der Malerei ist ein Bild statischer, unbelebter Objekte, die zu einem einzigen Ensemble zusammengefasst sind. Ein Stillleben kann als eigenständiges Gemälde präsentiert werden, manchmal wird es aber auch Teil der Komposition einer Genreszene oder eines ganzen Gemäldes.

Was ist Stillleben?

Eine solche Malerei drückt sich in der subjektiven Einstellung eines Menschen zur Welt aus. Dies zeigt das dem Meister innewohnende Verständnis von Schönheit, das zum Inbegriff gesellschaftlicher Werte und des ästhetischen Ideals der Zeit wird. Das Stillleben in der Malerei verwandelte sich allmählich in ein eigenständiges bedeutendes Genre. Dieser Prozess dauerte Hunderte von Jahren und jede neue Generation von Künstlern verstand Leinwände und Farben entsprechend den Trends der Zeit.

Die Rolle des Stilllebens bei der Komposition eines Gemäldes beschränkt sich nie auf einfache Informationen, eine zufällige Ergänzung zum Hauptinhalt. Je nach historischen Bedingungen und gesellschaftlichen Anforderungen können Objekte mehr oder weniger aktiv an der Gestaltung einer Komposition oder eines Einzelbildes beteiligt sein und dabei das eine oder andere Ziel verschleiern. Stillleben in der Malerei als eigenständiges Genre sollen zuverlässig die Schönheit der Dinge vermitteln, die einen Menschen jeden Tag umgeben.

Manchmal erhält ein einzelnes Detail oder Element plötzlich eine tiefe Bedeutung, erhält seine eigene Bedeutung und seinen eigenen Klang.

Geschichte

Als altes und verehrtes Genre hat die Stilllebenmalerei ihre Höhen und Tiefen erlebt. Strenge, asketisch und minimalistisch trugen dazu bei, unsterbliche, monumentale, verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder zu schaffen. Die Bildhauer genossen das Bild mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft einzelne Objekte. Arten von Stillleben in der Malerei und alle Arten von Klassifikationen entstanden während der Entstehung der Kunstkritik, obwohl die Leinwände schon lange vor dem Schreiben des ersten Lehrbuchs existierten.

Ikonografische Traditionen und Stillleben

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten die wenigen Dinge eine große Rolle, die der Künstler in den strengen Lakonismus kanonischer Werke einzuführen wagte. Sie tragen zur Manifestation alles Unmittelbaren bei und demonstrieren den Ausdruck von Gefühlen in Werken, die einem abstrakten oder mythologischen Thema gewidmet sind.

Arten von Stillleben in der Malerei existieren getrennt von der Ikonenmalerei, obwohl der strenge Kanon die Darstellung einiger dem Genre innewohnender Gegenstände nicht verbietet.

Renaissance-Stillleben

In der Renaissance spielen jedoch Werke des 15.-16. Jahrhunderts eine große Rolle. Der Maler lenkte zunächst die Aufmerksamkeit auf die Welt um ihn herum und versuchte, die Bedeutung jedes Elements im Dienste der Menschheit zu bestimmen.

Moderne Malerei und Stillleben als beliebtes und beliebtes Genre haben ihren Ursprung in der Tricento-Zeit. Alltagsgegenstände erlangten einen gewissen Adel und eine gewisse Bedeutung des Besitzers, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden wirkt Stillleben in der Regel sehr bescheiden und dezent - Einmachglas mit Wasser, dem Silber einer eleganten Vase oder zarten Lilien an dünnen Stielen, die oft wie arme und vergessene Verwandte in einer dunklen Ecke des Bildes zusammengekauert sind.

Dennoch steckte so viel Liebe in der Darstellung schöner und naher Dinge in poetischer Form, dass die moderne Malerei, das Stillleben und ihre Rolle darin bereits durch die Lücken der Landschaften und die schweren Vorhänge der Genreszenen schüchtern sichtbar wurden.

Kritischer Moment

Im 17. Jahrhundert – einer Zeit, in der Stillleben mit Blumen vorherrschend und dominant waren – erlangten die Motive in der Malerei eine echte Bedeutung und eine neue Bedeutung. Gemälde dieser Art erfreuten sich bei Adel und Klerus großer Beliebtheit. In komplexen Kompositionen mit ausgeprägter Literatur Handlung Szenen haben zusammen mit den Hauptfiguren ihren Platz gefunden. Bei der Analyse der Werke dieser Zeit fällt leicht auf, dass sich die wichtige Rolle des Stilllebens in ähnlicher Weise in der Literatur, im Theater und in der Bildhauerei manifestierte. In diesen Werken begannen die Dinge zu „wirken“ und zu „leben“ – sie wurden als Hauptfiguren dargestellt und demonstrierten die besten und vorteilhaftesten Aspekte von Objekten.

Von fleißigen und talentierten Handwerkern gefertigte Kunstgegenstände tragen die persönliche Prägung von Gedanken, Wünschen und Neigungen. spezielle Person. Malen ist das Beste psychologische Tests helfen, den psycho-emotionalen Zustand zu verfolgen und innere Harmonie und Integrität zu erreichen.

Dinge dienen dem Menschen treu, übernehmen seine Freude an Alltagsgegenständen und inspirieren ihre Besitzer zum Erwerb neuer schöner, eleganter Kleinigkeiten.

Flämische Renaissance

Die Menschen akzeptierten die Gouachemalerei und das Stillleben nicht sofort als Genre. Die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und weit verbreiteten Umsetzung verschiedener Ideen und Prinzipien erinnert an die ständige Weiterentwicklung des Denkens. Stillleben erlangten Berühmtheit und kamen Mitte des 17. Jahrhunderts in Mode. Das Genre entstand in den Niederlanden, dem hellen und festlichen Flandern, wo die Natur selbst zu Schönheit und Spaß einlädt.

Gouachemalerei und Stillleben erlebten ihre Blütezeit in einer Zeit enormer Veränderungen, eines völligen Wandels der politischen, sozialen und religiösen Institutionen.

Flandernstrom

Die bürgerliche Entwicklungsrichtung in Flandern wurde zu einer Neuheit und einem Fortschritt für ganz Europa. Änderungen in politisches Leben führte zu ähnlichen Innovationen in der Kultur – die Horizonte, die sich den Künstlern eröffneten, waren nicht mehr durch religiöse Verbote begrenzt und wurden nicht durch einschlägige Traditionen gestützt.

Das Stillleben wurde zum Flaggschiff einer neuen Kunst, die alles Natürliche, Helle und Schöne verherrlichte. Die strengen Kanones des Katholizismus schränkten die Fantasie und Neugier der Maler nicht mehr ein, und so begannen sich neben der Kunst auch Wissenschaft und Technologie zu entwickeln.

Gewöhnliche Dinge und Gegenstände des Alltags, die zuvor als niederträchtig und der Erwähnung nicht würdig galten, wurden plötzlich zu Objekten, die näher untersucht werden sollten. Dekorative Malerei Stillleben und Landschaften sind zu einem echten Spiegel des Lebens geworden – Alltag, Ernährung, Kultur, Vorstellungen von Schönheit.

Genreeigenschaften

Von hier aus, aus einer bewussten, eingehenden Untersuchung der umgebenden Welt, entwickelte sich ein eigenes Genre der Alltagsmalerei, der Landschaft und des Stilllebens.

Die Kunst, die im 17. Jahrhundert bestimmte Kanons erlangte, bestimmte die Hauptqualität des Genres. Ein der Welt der Dinge gewidmetes Gemälde beschreibt die grundlegenden Eigenschaften der Objekte, die einen Menschen umgeben, zeigt die Haltung des Meisters und seines hypothetischen Zeitgenossen gegenüber dem Gezeigten und drückt die Natur und Vollständigkeit des Wissens über die Realität aus. Der Künstler vermittelte notwendigerweise die materielle Existenz von Dingen, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Texturen, Farben, den funktionalen Zweck von Haushaltsgegenständen und ihren lebenswichtigen Zusammenhang mit menschlicher Aktivität.

Aufgaben und Probleme des Stilllebens

Dekorative Malerei, Stillleben und Alltagsszenen nahmen die neuen Trends der Epoche auf – eine Abkehr vom Kanon und gleichzeitige Beibehaltung des konservativen Naturalismus des Bildes.

Das Stillleben der Revolutionszeit während des vollständigen Sieges der Bourgeoisie spiegelt den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute, den Respekt vor der Arbeit gewöhnlicher Handwerker und seine Bewunderung wider wunderschöne Bilder Schönheit.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Probleme und Aufgaben der Gattung als Ganzes wurden darin nicht erörtert Europäische Schulen bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. In der Zwischenzeit stellten sich Künstler immer wieder neuen Aufgaben und reproduzierten nicht weiterhin mechanisch vorgefertigte kompositorische Lösungen und Farbschemata.

Moderne Leinwände

Fotos von Stillleben zum Malen, die in modernen Ateliers angefertigt wurden, zeigen deutlich den Unterschied zwischen der Weltwahrnehmung eines Zeitgenossen und einer Person des Mittelalters. Die Dynamik von Objekten überschreitet heute alle erdenklichen Grenzen und die Statik von Objekten war damals die Norm. Die Farbkombinationen des 17. Jahrhunderts zeichnen sich durch ihre Helligkeit und Reinheit der Farbe aus. Satte Farbtöne fügen sich harmonisch in die Komposition ein und unterstreichen die Absichten und Ideen des Künstlers. Das Fehlen jeglicher Kanons auf die bestmögliche Art und Weise beeinflussten die Stillleben des 20. und 21. Jahrhunderts und erregten manchmal mit ihrer Hässlichkeit oder absichtlichen Vielfältigkeit die Fantasie.

Methoden zur Lösung von Stilllebenproblemen ändern sich jedes Jahrzehnt rasant; Methoden und Techniken halten nicht mit der Vorstellungskraft anerkannter und weniger anerkannter Meister Schritt.

Der Wert heutiger Gemälde liegt im Ausdruck der Realität durch die Augen zeitgenössischer Künstler; Durch die Verkörperung auf Leinwand entstehen neue Welten, die den Menschen der Zukunft viel über ihre Schöpfer erzählen können.

Impressionistischer Einfluss

Der nächste Meilenstein in der Geschichte des Stilllebens war der Impressionismus. Die gesamte Entwicklung der Richtung spiegelte sich in den Kompositionen durch Farben, Technik und Raumverständnis wider. Die letzten Romantiker des Jahrtausends übertrugen das Leben, wie es ist, auf die Leinwand – schnelle, helle Striche und ausdrucksstarke Details wurden zu den Eckpfeilern des Stils.

Malerei, Stillleben zeitgenössische Künstler Sie tragen sicherlich den Eindruck ihrer impressionistischen Inspirationen durch Farbe, Methoden und Darstellungstechniken.

Eine Abkehr von den Standardkanons des Klassizismus – drei Pläne, eine zentrale Komposition und historische Helden- ermöglichte es Künstlern, ihre eigene Wahrnehmung von Farbe und Licht zu entwickeln und dem Publikum den freien Flug der Emotionen klar und deutlich zu demonstrieren.

Die Hauptaufgabe der Impressionisten ist die Veränderung Maltechnik und der psychologische Inhalt des Bildes. Und selbst wenn man die Situation dieser Zeit kennt, ist es heute schwierig, die richtige Antwort auf die Frage zu finden, warum impressionistische Landschaften, so fröhlich und naiv wie Poesie, bei wählerischen Kritikern und der aufgeklärten Öffentlichkeit scharfe Ablehnung und groben Spott hervorriefen.

Die impressionistische Malerei passte nicht in den allgemein akzeptierten Rahmen, daher wurden Stillleben und Landschaften zusammen mit anderen Verschwendungen hoher Kunst als etwas Vulgäres und Anerkennungsunwürdiges wahrgenommen.

Eine Kunstausstellung, die zu einer Art missionarischer Tätigkeit wurde berühmte Künstler Damals gelang es ihm, Herzen zu erreichen und Schönheit und Anmut zu demonstrieren. Bilder von Objekten und Objekten sind selbst innerhalb der Mauern beeindruckender Institutionen, die sich nur auf Prinzipien bekennen, alltäglich geworden klassische Kunst. Der Siegeszug der Stilllebenmalerei hat seit dem Ende des 19. Jahrhunderts nicht aufgehört, und die Vielfalt der Genres und Techniken lässt heute keine Angst vor Experimenten mit Farbe, Texturen und Materialien zu.

Was ist Stillleben?

Stillleben ist ein Genre der Malerei, das darstellt unbelebte Natur. Das Genre entstand im 17. Jahrhundert.

Stillleben ist vor allem deshalb überraschend und interessant, weil es den Menschen Schönheit und Harmonie in alltäglichen, langweiligen Dingen zeigt, die uns ständig umgeben, aber unsere Aufmerksamkeit nicht auf sich ziehen.

Das Genre ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint: In den meisten dieser Gemälde verwenden Künstler Allegorien – sie probieren eine bestimmte Menge von Objekten, deren Anordnung, ausgewählte Farben aus, allgemeine Zusammensetzung Erzählen Sie den Menschen etwas Wichtiges, vermitteln Sie, was sie beunruhigt, erzählen Sie ihnen von ihren Gefühlen und Gedanken.

Trotz der düsteren Übersetzung „tote Natur“, die Leinwände sind oft bunt helle Farben, erfreuen den Betrachter mit ihrer Originalität und Eigenartigkeit, wecken den Wunsch, die Welt um sich herum zu leben und zu bewundern, die Schönheit darin zu sehen.

Es gibt viele Arten und Unterarten von Stillleben, zum Beispiel handlungsthematisch, kreativ, pädagogisch-kreativ, pädagogisch. Sie sind außerdem nach verwendeten Farben, Beleuchtung, Farbgebung, Ausführungszeit, Ort usw. unterteilt.

Die Begründer des Stilllebens als eigenständiges Genre waren die Niederländer und Flämische Künstler. Ursprünglich dienten die Gemälde religiösen Zwecken. Auch in der Ära der Geburt des Genres entstanden Gemälde dunkler Natur mit Tiefe philosophische Bedeutung Und dunkle Töne, in der Mitte der Komposition, die Totenköpfe, Kerzen und einige andere Attribute enthielt. Dann entwickelte sich das Genre allmählich weiter, nahm immer mehr neue Richtungen auf und verbreitete sich immer wieder in allen Kreisen der Gesellschaft. Blumen, Bücher, Gemüse und Obst, Meeresfrüchte, Geschirr und andere Haushaltsgegenstände – alles spiegelt sich in der Kunst wider. Einige der berühmtesten Stilllebenkünstler waren Ambrosius Basschaert, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aalst und Cornelis Briese.

Cezanne, Paul. Stillleben mit Granatapfel und Birnen. 1885-1890
Cezanne, Paul. Stillleben mit Äpfeln und Orangen. 1895-1900

In Russland entstand das Genre Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhundert, aber niemand hat es ernsthaft studiert; es galt als „niederes“ Genre. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlebte die Stilllebenmalerei ihre größte Blüte; Künstler schufen ihre Meisterwerke, setzten sich neue Ziele und erreichten unermessliche Höhen in ihrem Können ungewöhnliche Techniken, neue Bilder ausgewählt. Das russische Stillleben entwickelte sich im Gegensatz zu den westlichen nicht allmählich, sondern in einem beschleunigten Tempo. In diesem Genre arbeiteten russische Künstler wie K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov und viele andere.

I. Levitan I. Levitan

In der modernen Malerei erlebt das Stillleben einen neuen Aufschwung und nimmt mittlerweile seinen rechtmäßigen Platz unter anderen Genres der bildenden Kunst ein. Mittlerweile ist dies einer der beliebtesten Bereiche in der Malerei. Künstler haben eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung in der Kreativität und malen eine Vielzahl von Stillleben. Und die Betrachter wiederum kaufen Gemälde, dekorieren damit ihre Innenräume, beleben ihr Zuhause und bringen Komfort und Freude hinein. Museen werden ständig mit Stillleben aufgefüllt, immer mehr neue Ausstellungen werden in verschiedenen Städten und Ländern eröffnet, die viele kunstinteressierte Zuschauer anziehen. Mehrere Jahrhunderte später, nachdem es einen langen, umfassenden Entwicklungsweg durchlaufen hat, ist das Stillleben immer noch relevant und hat seine Bedeutung in der Weltmalerei nicht verloren.

Anweisungen

Stillleben als Genre entstand nicht sofort; Gemälde mit Blumen und Haushaltsgegenständen wurden lange Zeit als Rahmen für andere Gemälde sowie als Dekoration für Möbeltüren verwendet. Die ersten eigenständigen Gemälde entstanden um das 17. Jahrhundert. Dann begann man, Bilder von Objekten als Allegorien zu verwenden, und jedes Objekt hatte eine zusätzliche symbolische Bedeutung. Später erfreute sich das Stillleben bei Künstlern großer Beliebtheit, galt jedoch als minderwertiges Genre.

Es gibt verschiedene Arten von Stillleben, eine der frühesten und häufigsten ist das Blumenstillleben, die zweitbeliebteste ist das Stillleben mit einem gedeckten Tisch. Auch das symbolische Stillleben existiert weiterhin. Ein anderer Typus, der erst vor relativ kurzer Zeit auftauchte, ist das abstrakte Stillleben; in diesem Stil werden Objekte nicht realistisch dargestellt, die Formen sind schematisch und die Farben weisen keine fließenden Übergänge auf.

Wenn Sie sich für das Zeichnen interessieren, haben Sie wahrscheinlich bereits viele Zeichnungen und Gemälde in diesem Genre angefertigt. Um ein Stillleben zu zeichnen, müssen Sie keine Zeit und Mühe mit der Suche nach interessanten Objekten verschwenden, die Sie jederzeit zeichnen können gute komposition aus Gegenständen, die immer zur Hand sind. Benutzen Sie einen Vorhang als Hintergrund; ein kleines Stück Stoff reicht vollkommen aus. Ordnen Sie Objekte so an, dass Sie mehrere Pläne erhalten. Merken Sie sich diese Objekte große Größe diejenigen, die kleiner sind, sollten im Hintergrund und vor ihnen sein. Platzieren Sie eine zusätzliche seitliche Farbquelle, dies verleiht den Objekten Volumen. Durch regelmäßiges Üben mit solchen Einstellungen können Sie Ihre Zeichenfähigkeiten verbessern.

Video zum Thema

Quellen:

• Komposition im Stillleben
• Was ist Stillleben?

Gut Stillleben entsteht lange bevor man Farbe und Pinsel in die Hand nimmt. Der Erfolg hängt davon ab, wie Sie die zu zeichnenden Objekte auswählen und wie Sie sie im Raum anordnen.

Anweisungen

Überlegen Sie sich ein Thema für Ihr Stillleben. Natürlich können Sie alle Gegenstände auf einmal auf den Tisch legen, aber Komponenten, die durch eine Geschichte vereint sind, durch die Persönlichkeit ihres Besitzers oder zumindest stilistisch erraten werden, werden viel logischer aussehen.

Sortieren Sie alle Komponenten nach Form. Es empfiehlt sich, abwechslungsreich zu sein – finden Sie Objekte, die hoch und niedrig, breit und schmal sind. Andernfalls führt die Monotonie der Formen im Bild dazu, dass alles zu einer Masse vermischt wird und Objekte einfach aus dem Sichtfeld „herausfallen“.

Achten Sie darauf, dass es sich nicht um Produkte und Dinge handelt, die farblich nicht zusammenpassen. Wenn Sie Schwierigkeiten haben, dies mit dem Auge zu bestimmen, verwenden Sie einen Farbkreis. Beschreibe darin ein gleichseitiges Dreieck. Seine Winkel zeigen drei Primärfarben an, die gut zusammenpassen. Als zusätzliche Farben können Sie Farbtöne verwenden, die sich an den Seiten der Hauptfarben befinden.

Wählen Sie einen geeigneten Hintergrund. Sie können das Stillleben auf einem Vorhang oder einer unbedeckten Oberfläche auslegen. Es ist wichtig, dass es farbneutral ist (wenn die Farbtöne der Objekte gesättigt sind) oder mit der gesamten Komposition kombiniert wird. Auf jeden Fall sollte der Hintergrund nicht den Löwenanteil der Aufmerksamkeit des Betrachters in Anspruch nehmen.