De Boillier

Aus dem Leben zu zeichnen ist immer eine professionelle kreative Ausbildung. Während dieses Trainings entwickeln sich unsere Augen, unser Gehirn und unsere Hand aktiv weiter. Mit unseren Augen trainieren wir den Wahrnehmungsprozess. Das Gehirn ist für den Prozess der Abstraktion und des visuellen Denkens verantwortlich – indem wir aus dem Leben schöpfen, tragen wir zu seiner Entwicklung in diesem Bereich bei. In diesem Moment entwickelt die Hand die Fähigkeit, mit dem Material zu arbeiten, lernt, ein Bild auf der Bildebene effizienter und technisch zu erstellen. Daher besteht kein Zweifel daran, dass die Darstellung der Natur aus dem Leben das Niveau der kreativen Fähigkeiten dramatisch steigert. In diesem Artikel möchte ich darüber sprechen, wie nützlich Pleinairs für Künstler sind, über die Wahl des Themas und die grundlegenden technischen Techniken zum Skizzieren nach der Natur. In meinem anderen Artikel teile ich meine kleinen Tricks, um das Malen im Freien angenehmer und komfortabler zu gestalten:

Die Vorteile des Plein-Air-Trainings

Aus dem Leben zu zeichnen ist immer eine professionelle kreative Ausbildung. In diesem Prozess werden viele der erforderlichen Fähigkeiten erworben künstlerische Tätigkeit. Plein-Air-Übungen fördern effektiv die Ausrichtung von Auge und Hand und entwickeln sich visuelles Denken und figuratives Gedächtnis. Wir können endlos darüber reden, welche Vorteile es hat, aus dem Leben zu schöpfen – es bereichert uns selbst künstlerische Kenntnisse, der Prozess der Materialbearbeitung wird verbessert, das Farbgefühl erreicht ein neues Niveau. Im Freien kopiert der Künstler das Gesehene nicht gedankenlos, sondern aktiv Forschungstätigkeit Er studiert sorgfältig die Welt um ihn herum und bemerkt die subtilsten Veränderungen darin. Dank dieser Praxis entsteht eine völlig neue Sicht auf Farbe, Form und den gesamten Raum. Eine Vielzahl von Farbtönen öffnet sich vor Ihren Augen, und jetzt finden Sie im üblichen Grün bereits Rot, Lila, Blau ... Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, dies in seinem Werk richtig zu erzählen und das Gesehene so darzustellen, wie es war dieser Moment.

Aber zu diesem unschätzbaren praktischen Nutzen gehört unsichtbar noch ein weiterer wichtiger Bestandteil der Freiluftpraxis – der enge Kontakt mit der Welt der lebendigen Natur, der den Menschen spirituell bereichert. Ein solcher Dialog hinterlässt immer einen besonders inspirierenden Eindruck und ist eine Quelle kreativer Kraft. Beim Malen im Freien ist es notwendig, den damals vorherrschenden Naturzustand in die Skizze zu übertragen. Das Foto kann teilweise vermitteln gewünschte Farben, Aerial Perspektive, aber etwas Lebendiges, mit dem dieser Moment erfüllt war, wird fehlen. Beim Zeichnen nach einem Foto kann man die Stimmung, den Atem des Augenblicks, das Spiel von Licht und Schatten, die Bewegung des Lebens dieser festgehaltenen Zeit nicht vollständig erleben. Deshalb wirken Freilichtskizzen oft besonders lebendig, mit dem Charakter der vermittelten Atmosphäre.

Ich liebe das Training im Freien sehr, gerade weil man die Landschaft nicht nur mit den Augen sieht. Sie hören das Flüstern der Blätter und das Rauschen des Wassers, Sie spüren etwas Unsichtbares, das alles umhüllt. Und diese Empfindungen werden durch Pinsel und Farben auf Leinwand oder Papier übertragen.

Skizzen

Eine der Hauptaufgaben von Skizzen besteht darin, den Zustand zu vermitteln, den ersten Eindruck der Natur zu bündeln. Das Zeitlimit bestimmt die Einzelheiten der Skizze. Muss erstellt werden künstlerisches Bild, um sich mit einem Minimum an visuellen und kompositorischen Mitteln eine Vorstellung von der Natur zu machen, ohne auf unnötige Details einzugehen, sondern den Aufmerksamkeitsvektor auf das Wesentliche zu lenken. Die Skizzen sind sehr nützliche Übung. Bei der Aufführung entwickelt der Künstler aktiv die Fähigkeit, sich ein Farbbild zu merken, zu reproduzieren und ein visuelles Kurzzeitgedächtnis zu entwickeln. Die Fähigkeit, einen farblichen Bildzustand zu vermitteln, ist für die emotionale Ausdruckskraft eines Gemäldes von großer Bedeutung. Es ist die systematische Ausführung von Skizzen, die es ermöglicht, das koloristische Bild der Natur durch Farben richtig zu finden und zu vermitteln.

Szenenauswahl

Alles aus der gesamten Vielfalt der umgebenden Welt kann als Natur für Skizzen verwendet werden: Landschaftsmotive, Stadtstraßen, Stillleben unter freiem Himmel und vieles mehr. Das Wichtigste ist, dass das gewählte Motiv gezielt auf Sie eingeht, Sie nicht gleichgültig lässt und Sie mit einigen Eigenheiten überrascht, die für andere vielleicht nicht auf den ersten Blick erkennbar sind. Wenn Ihre Augen beim Betrachten der Natur leuchten und Ihre Hände es kaum erwarten können, die Farben zu berühren, haben Sie die richtige Wahl getroffen. Sie müssen lediglich den optimalen Standpunkt auf dem gewählten Grundstück finden, der Ihnen hilft, die wichtigsten und charakteristischsten Dinge in der Natur zu sehen. Auch ein richtig gewähltes Format hilft Ihnen dabei, die Besonderheit des Motivs hervorzuheben. Für kurzfristige Skizzen ist es besser, einfache Szenen mit wenigen darin enthaltenen Objekten zu wählen. Dadurch vermeiden Sie, zu sehr ins Detail zu gehen, was sich nicht immer positiv auf die Integrität der Skizze auswirkt. Wenn dein Übung im Freien Wenn Sie noch nicht reich sind, sollten Sie sich nicht sofort an Stadtpanoramen wagen, sondern lieber mit einfachen Naturmotiven beginnen. Sogar die Beziehung zwischen Himmel und sauberes Feld, die sich bis zum Horizont erstreckt, kann insbesondere zur Lösung von Farbproblemen äußerst interessant sein. Solche Plots eignen sich ideal für die Erstellung kurzfristiger Skizzen. Sie werden Ihnen dabei helfen, die Erfahrung und das Selbstvertrauen aufzubauen, die Sie brauchen, um mehr zu tun komplexe Aufgaben.

Technik und Maltechniken

Jedes künstlerische Material kann im Freien verwendet werden – es gibt keine Einschränkungen. Das Wichtigste ist, dass Sie mit dem ausgewählten Material vertraut sind, da es in der Praxis nicht möglich ist, die Eigenschaften und das Verhalten des Materials im Detail zu untersuchen. Nachdem Sie einen Plot ausgewählt haben, müssen Sie die Farb- und Tonverhältnisse aller darin enthaltenen Komponenten sorgfältig analysieren. Während der Arbeit ist es notwendig, das Ergebnis in Farbe und Ton ständig mit der Natur zu vergleichen. Um den Tonunterschied genauer zu erfassen, müssen Sie öfter blinzeln und die Natur betrachten, als die Arbeit. Beim Farbvergleich muss man sich ständig fragen, welche Farbe kühler, welche wärmer ist und um wie viel, welche Farbtöne sind in dieser Farbe noch vorhanden? So konstant vergleichende Analyse hilft Ihnen, die richtige Atmosphäre im Bild zu schaffen und die Stimmung richtig zu vermitteln Umfeld. Jeder Naturzustand zeichnet sich durch seine eigenen Farb- und Tonverhältnisse aus – wenn diese richtig gefunden werden, vermittelt die Skizze den gewünschten Zustand. Beispielsweise beleuchtet die Morgensonne Objekte mit einem rosa-gelben Farbton und färbt Schatten blau-lila.

Der Arbeitsablauf an der Skizze muss nach dem Prinzip „vom Allgemeinen zum Besonderen“ strukturiert sein. Das heißt, die Hauptmassen werden zuerst gelöst, die Arbeit wird an großen Stellen ausgeführt und es werden breite Pinsel verwendet. Und erst am Ende wird Zeit für ein detaillierteres Studium gegeben. Im Freien hatte ich lange Zeit das Problem, „in die Details einzutauchen“ – da ich keine Zeit hatte, die Gesamtmasse darzustellen, zeichnete ich sorgfältig Grashalme und fragte mich, warum ich keine Zeit zum Anfertigen hatte eine Skizze in drei Stunden. Dieses Problem wurde dadurch gelöst, dass ich in der ersten Phase begann, nur große Pinsel zu nehmen und mich ständig daran erinnerte, worauf es ankommt. Ich lasse die Details zum Schluss und gebe ihnen die Rolle von Akzenten, die das Bild bereichern. Es besteht kein Grund, eine Skizze mit langer, mehrstündiger Arbeit im Studio, dem Versuch, eine Skizze bis zur Perfektion auszuarbeiten, oder absolut unnötiger fotografischer Genauigkeit zu verwechseln. Das Aufführen von Etüden hat seine eigenen Aufgaben und seine eigene Logik. Hier geht es vor allem um die Übertragung von Eindrücken, Farbspektrum, die Stimmung, die in diesem Moment die Welt um uns herum durchdrang. Die Natur selbst kann Ihnen sagen, mit welcher technischen Technik Sie eine Skizze anfertigen sollten, wenn Sie sie sorgfältig studieren. Oft kann es die Art des Farbauftrags und die Art der Striche bestimmen – ob es sich um eine glatte Füllung oder um dicke Striche handelt, die die Textur des Pinsels hinterlassen, Sie werden es verstehen und die Beschaffenheit dessen, was sich vor Ihren Augen befindet, erfassen. Eine Skizze, die verschiedene Maltechniken kombiniert, sieht sehr lebendig und interessant aus, daher empfehle ich Ihnen, innerhalb eines Werkes zu experimentieren und die Farbschicht in Textur und Farbauftragstechnik abwechslungsreich zu gestalten. Bei dieser Aufgabe helfen Ihnen auch Pinsel in verschiedenen Formen und Borsten, von denen jeder seine eigenen charakteristischen Spuren hinterlässt. Vernachlässigen Sie nicht Werkzeuge wie Lappen und Finger, sie können erstaunliche Effekte erzielen, wenn Sie mit Öl oder Pastell arbeiten. All diese technischen Punkte sollen Ihnen bei der Erstellung eines künstlerischen Bildes helfen.

Die Erinnerungen, die ich aus dem Freien mitnehme, sind in den Farbstrichen verborgen. Sie werden also nicht verschwinden, sich nicht in den Tiefen der Erinnerung auflösen. Beim Zeichnen überträgt der Künstler das Gesehene nicht mechanisch auf eine Leinwand oder ein Blatt, sondern verbindet sich unsichtbar mit der Handlung, erinnert sich an jedes Detail und wird für einen Moment zu dem, was ihn umgibt – entweder eine stürmische Flussströmung oder ein zitternder blauer Himmel oder ein duftender Grashalm. Die Zeit vergeht, aber das Gesehene und Eingefangene erscheint bis ins kleinste Detail vor dem inneren Auge. Man spürt sogar wieder den Ostwind und das Summen einer Hummel. Zeichnen Sie, was freudig, aufregend und gleichgültig in Ihrem Herzen nachhallt! Schließlich bleibt die Stimmung der Handlung unsichtbar in Ihnen.

Wie man eine Skizze in Öl malt

(Auf der Website ist geplant, demnächst das Video „Malunterricht“ kostenlos anzusehen Ölfarben»

Ich möchte beschreiben, wie ich die oben beschriebenen Materialien und Arbeitsmethoden in der Praxis anwende. Beispielsweise wurde die Landschaft „Ende des Sommers“ ausgewählt.

Am Ende des Sommers - Anfang Herbst werden die Blätter der Bäume gelb, das Gras wird gelb verschiedene Farben. Die Schatten der Bäume werden kälter und haben einen violetten Farbton. Näher am Horizont wirken Bäume und Vegetation aufgrund des blauen Himmels kälter als im heißen Sommer. Der Herbst ist die Zeit, in der man keinen Tag verstreichen lassen kann, ohne im Freien zu malen. Zwei bis drei Stunden Arbeit mit Ölfarben am Tag werden für mich persönlich zu Minuten voller Arbeit Seelenfrieden, Frieden und Harmonie mit der Natur.

Um diese Skizze zu malen, brauchte ich eine mit Gelatine und Acrylgrundierung behandelte Leinwand, die zuvor auf das Tablett geklebt wurde. Ich entschied mich für die Untermalung mit Temperafarben und füllte meine Vorräte auf notwendige Materialien für Öl und Temperamalerei. Ich habe einen Sucher aus schwarzem Papier entsprechend der Größe der vorbereiteten Leinwand angefertigt. Zusätzlich zum Skizzenbuch nahm ich für den kompletten Komfort einen Klappstuhl und einen Regenschirm mit.

Nachdem ich mit dem Sucher die attraktivste Ansicht der Landschaft ausgewählt und die Komposition und die Tonverhältnisse der zukünftigen Skizze beurteilt hatte, begann ich mit der Arbeit.

Um ein Porträt in Öl nach einem Foto zu malen (), benötigen Sie eine vorläufige, präzise Bleistiftzeichnung. In meinem Fall kann der Aufbau der Komposition und die Vorzeichnung auf der Leinwand mit einem dünnen Kolinsky-Pinsel Nr. 2 und transparenter, ockerfarbener Temperafarbe erfolgen. Mithilfe eines Suchers stellte ich fest, dass der Schwerpunkt der Skizze auf der Vegetation liegen würde. Basierend darauf habe ich die Horizontlinie über der Mitte der Leinwand platziert. Um die Perspektive der Landschaft hervorzuheben und die Komposition auszugleichen, habe ich eine Straße skizziert, die in die Ferne führt.

Bevor ich mit der Untermalung mit Temperafarbe begann, habe ich gedanklich die Vorarbeiten erledigt.

1. Untersuchte sorgfältig die tonalen Beziehungen der Landschaft.

2. Stellen Sie die hellsten und gesättigtsten Bereiche ein.

3. Bestimmt, welche Farben in der Skizze im Vordergrund, in der Mitte und im Hintergrund vorherrschen.

Um Fehler im weiteren tonalen Aufbau des Werkes zu vermeiden, beginne ich die Untermalung mit den gesättigtsten Fragmenten des Bildes, unabhängig davon, ob es sich um ein Stillleben handelt oder nicht menschliche Figur. Als nächstes schreibe ich vom dunkelsten zum hellsten. Es kommt oft vor, dass der weiße Grund der Leinwand die am wenigsten gesättigte Stelle in der Skizze ist. In solchen Fällen gebe ich dem Boden eine warme bzw kühler Schatten, abhängig von den Umständen und dem Ort des Malens (im Klassenzimmer oder im Freien).

In der „End of Summer“-Landschaft bestand die optimale Lösung darin, die Untermalung beginnend mit den Bäumen im Hintergrund vorzunehmen. Tatsache ist, dass die Vegetation und die Erdoberfläche im Hintergrund deutlich durch einen violett-blauen Streifen unterschieden wurden und verfügten heller Ton, nah am Himmel. Verwendete Farben: Himmelblau, Cadmiumviolett, Neapolitanisches Rotviolett, Zink und Titanweiß im Verhältnis 1:1.

Über den Bäumen in der Nähe des Horizonts hatte der Himmel einen ocker-rötlichen Farbton und wurde zum hellsten Element des Bildes. Verwendete Farben: Moskauer Goldocker, helles Cadmiumrot, Weiß. Dieser Kontrast aus warmen und kalten Farbtönen am Horizont markierte die Grenze zwischen den Bäumen und dem Himmel.

Ich werde Auszüge aus D. Constables Notizen über den Himmel geben: „ Ein Landschaftsmaler, für den der Himmel nicht zu den wichtigsten Teilen der Komposition gehört, vernachlässigt seinen besten Assistenten... Der Himmel ist ein sehr schwierige Aufgabe, sowohl was die Komposition als auch die Ausführung betrifft. Bei aller Brillanz sollte es nicht nach vorne ragen, sondern lediglich die Vorstellung einer unendlichen Ferne hervorrufen. Dies gilt natürlich nicht für seltene Naturphänomene oder zufällige Lichteffekte, die immer besondere Aufmerksamkeit erregen ...“

Als ich zur mittleren Aufnahme überging, verwendete ich kontrastreichere und sattere Töne für die Bäume und andere Vegetation. Unter Berücksichtigung der Luftperspektive habe ich Schatten und Licht mit wärmeren Farben gemalt. Verwendete Schattenfarben: Kadmiumviolett, Himmelblau, Umbra verbrannt, cadmiumrotes Licht. Für Licht verwendete Farben: gelber Ocker, Moskauer goldener Ocker, Cadmiumrot, Cadmiumgelb-Zitrone, Titanweiß.

Auf dem Boden, der dem Betrachter am nächsten ist, sind das Gras und die Straße etwas heller und wärmer als der Ton der Bäume. Folgende Farben wurden hier verwendet: gelber Ocker, Moskauer Goldocker, Cadmiumrot, Cadmiumgelb-Zitrone, Karminrot, Englischrot, Weiß.

Eine solche Untermalung gab der zukünftigen Skizze bereits eine Luftperspektive und bestimmte die Farbe des Werkes.

Nachdem die Temperafarbe getrocknet war, begann ich mit der Ölmalerei.

In dieser Phase der Arbeit musste ich:

1. „Betonen“ Sie das Volumen des Laubs und der Stämme benachbarter Bäume.

2. Bereiten Sie den ersten Plan als Grundlage für den nächsten vor.

3. Notieren Sie den zweiten Plan der Skizze im Detail.

4. Mit Glasur hinzufügen, verschiedene Farbtöne an den richtigen Stellen in der Skizze.

Nach der Untermalung mit Temperafarben fuhr ich mit einer Ölskizze der Bäume im Hintergrund fort. Den Schatten der Bäume wurde durch eine Farbmischung eine unscharfe Kontur verliehen. Verwendete Farben: traubenschwarz, weiß, himmelblau; Das Licht wurde mit zitronengelben, weißen und himmelblauen Farben dargestellt.

Mit einem Borstenpinsel Nr. 16 habe ich den Himmel gemalt und dabei die sogenannte Streckung von warmen (horizontnahen) Tönen zu kalten und von hellen zu dunklen Tönen angewendet, um ihm Volumen zu verleihen. Verwendete Farben: Himmelblau, FC-Blau, Cadmiumviolett, Traubenschwarz, Weiß. Beim Bemalen des Himmels habe ich eine Farbschicht diagonal aufgetragen.

Wie oben beschrieben, sollten im Gemälde keine zwei identischen Striche vorhanden sein (siehe Methoden der Ölmalerei). Daher habe ich Pinsel unterschiedlicher Größe verwendet (entsprechend den Fragmenten der Arbeit).

Das Licht im Vorder- und Hintergrund der Skizze wurde mit pastosen Strichen mit einem Spachtel aufgetragen.

Nachdem ich den Baumstämmen und der Hintergrundvegetation Volumen hinzugefügt hatte, ging ich zu den Details über.

Im letzten Arbeitsschritt musste ich nur noch die dünnen Äste, das Gras und die Straßenabschnitte mit einem dünnen Kernpinsel (Nr. 2) sorgfältiger streichen.

Erfolg in Kreative Aktivitäten ist in erster Linie dem Künstler vorbehalten, der in dem beharrlichen Wunsch, ein Kunstwerk zu schaffen, trotz verschiedener Schwierigkeiten alle Barrieren und Hindernisse in seinem Leben überwindet Lebensweg. Erinnern Sie sich an Vincent Van Gogh... Schließlich hat dieser Künstler (und nicht nur er) bewiesen, dass ein Mensch mit seiner Beharrlichkeit und seinem Willen, sein Ziel zu erreichen, zu viel fähig ist.

Einmal berühmter Bildhauer Michelangelo wurde die Frage gestellt: „Wie macht man so wunderbare Skulpturen?“ Worauf er antwortete: „Ich nehme einen Stein und schneide alles Unnötige darin ab.“ In der Malerei ist es ungefähr dasselbe. Analog dazu müssen Sie lediglich den gewünschten Farbton an der entsprechenden Stelle der Leinwand auftragen... Auf diese Weise kann der Künstler seine Gefühle und Gedanken vermitteln und dem Betrachter offenbaren neue Realität. Aber um zu wissen, wie, was und wo man den Farbton anbringen soll, muss man viel arbeiten und sich weiterentwickeln, die Malerei studieren und lieben.

Der beste Lehrer für einen Maler ist die Natur, und niemand kann mehr lehren als die Natur. Die Lehrer leiten, beraten und vermitteln dem angehenden Künstler lediglich die Grundlagen der Malerei und teilen ihre eigenen Beobachtungen. Wo auch immer Sie sind, was auch immer Sie fühlen und was auch immer Ihre Stimmung ist, versuchen Sie immer, in der Realität um Sie herum das wahrzunehmen, was Ihnen auf den ersten Blick uninteressant erscheint. gewöhnlicher Mensch. Beobachten und vergleichen Sie die Tonverhältnisse von Himmel und Boden sowie Hintergrund- und Vordergrundfarben. Machen Sie jeden Tag schnelle Skizzen aus dem Leben und zerstören Sie diese auf keinen Fall später. Auch wenn einige davon nicht so geworden sind, wie man sie sich idealerweise vorstellt.

Versuchen Sie sich in der Rolle eines Naturforschers vorzustellen, der Naturphänomene und Tiergewohnheiten untersucht. ein Physiognomiker, der die strukturellen Merkmale und Gesichtsausdrücke von Menschen untersucht, um deren Charaktereigenschaften zu erraten und zu bestimmen.

Der Künstler muss seine Zeit auf der Leinwand widerspiegeln und gleichzeitig in der Lage sein, sich selbst auszudrücken, was eine ständige Offenheit gegenüber der Welt um ihn herum erfordert.

Schenken Sie den Menschen um Sie herum mehr Aufmerksamkeit: Pantomime, Mimik, Kleidungsstil (machen Sie schnelle Skizzen).

Um Ihren eigenen beruflichen Horizont zu erweitern, versuchen Sie, möglichst viele Ausstellungen und Museen zu besuchen, Reproduktionen großer Maler zu studieren und verschiedene Literatur zu lesen.

Der kreative Prozess und das Ergebnis stehen in engem Zusammenhang mit der Weltanschauung des Künstlers. Das von ihm geschaffene Bild beinhaltet seine Gedanken, Gefühle, Vorstellungskraft, sein Können und seine Einstellung zum Dargestellten. Der Künstler sucht immer nach der ausdrucksstärksten Lösung seines Plans, denkt über Handlung und Komposition nach. Die Bilder, die in seiner Vorstellung erscheinen, haben einen objektiven Ursprung, entstehen aus den sichtbaren Eigenschaften der Realität und haben ihre eigenen spezifischen Formen. Daher wendet sich der Maler bei der Verkörperung seines Plans den Eigenschaften von Objekten und Phänomenen zu, die er visuell wahrnimmt. Nur wenn es eine visuelle Authentizität des Dargestellten gibt, können bestimmte Gefühle und Gedanken zum Ausdruck gebracht und entsprechende Erlebnisse beim Betrachter hervorgerufen werden, dessen assoziative Vorstellungen mit der objektiven Welt verbunden sind. In einer guten Landschaft sieht der Betrachter nicht nur materielle Objekte, sondern auch das natürliche Licht- und Farbspiel, den silbrigen Glanz des Taus oder das Farbenspiel am Morgenhimmel. Ein solches Bild ruft vergessene Eindrücke hervor, regt die Fantasie an und aktiviert Gedanken und Gefühle, die mit vergangenen Erfahrungen, mit früheren Erfahrungen, verbunden sind. Mit den Besonderheiten dieser assoziativen Wahrnehmung ist die emotionale und ästhetische Wirkung von Gemälden verbunden.

Man sollte nicht denken, dass der Autor eines Gemäldes, um visuelle Authentizität des Gemäldes zu erreichen, das Aussehen der abgebildeten Person mechanisch kopieren muss. Wissenschaftliche Arbeit zeichnet sich vor allem durch Erkenntnis, vertieftes und umfassendes Studium der Natur aus. Oftmals sind pädagogische Skizzen zu „getrocknet“, „bruchstückhaft“, „Protokoll“ und ähneln einander nicht nur in der Handlung und thematischen Hinsicht, sondern auch in der technischen Ausführung. All dies ist ganz natürlich, und „Trockenheit“ und Schüchternheit der wissenschaftlichen Arbeit können nicht als Zeichen ihrer Schwäche oder mangelnden kreativen Talents des Autors angesehen werden.

Gleichzeitig ist die freie Einstellung des Schülers zu den Aufgaben der Skizze, eine gewisse „schneidige“ Haltung kein Zeichen von Kreativität, wie manchmal angenommen wird. Pädagogische Arbeiten sind nicht emotional, frisch und originell genug, weil sie künstlerisch noch unvollkommen sind, da die Studierenden noch nicht über Erfahrung und Können verfügen und nicht die ganze Vielfalt der Lösungsmöglichkeiten kennen pädagogische Aufgabe oder Umsetzung eines Plans. Nur mit Erfahrung gelingt die freie schöpferische Beherrschung der Natur und ihrer Gesetze sowie technische Perfektion.

Es geht um pädagogische Arbeit Die gestellten pädagogischen Aufgaben wurden konsequent und klar gelöst und damit einhergehend die kreativen Talente der Schüler gefördert und entwickelt.

Hauptteil

Die Fähigkeit, dreidimensionale Formen und Farben von Objekten auf einer Ebene zu sehen und zu vermitteln, ist das Wesen der Malerei. Diese Fähigkeit wird hauptsächlich durch Übungen aus der Natur erworben. Je mehr ein Künstler Skizzen aus dem Leben malt, desto schärfer wird sein Sinn für Farbe, Farbharmonie und Linienrhythmus. Durch die ständige Übung in der Darstellung von Stillleben, Landschaften, menschlichen Köpfen und Figuren aus der Natur entwickelt sich die Beobachtungsgabe, die Fähigkeit, das Wesentliche zu betonen, das Nebensächliche zu verwerfen und die eigenen Emotionen auszudrücken, die durch die Schönheit der umgebenden Natur und deren Vielfalt hervorgerufen werden das Leben entwickelt sich.

Der Weg zur Meisterschaft beginnt mit dem Studium der theoretischen Grundlagen der Malerei und der systematischen Durchführung praktischer Übungen. Ohne Kenntnis der Gesetze der Malerei wird die praktische Arbeit der Studierenden blind ausgeführt und die berufliche Weiterentwicklung verlangsamt sich.

Darstellen bedeutet in erster Linie Vernunft. Wenn Sie mit dem Malen beginnen, müssen Sie Ihre Aufgabe gut durchdenken und Ihr Ziel klar definieren.

Leonardo da Vinci sagte auch, dass „diejenigen, die sich in die Praxis ohne Wissenschaft verlieben, wie sich windende Kreaturen sind, die ohne Ruder oder Kompass in See stechen, denn sie können nie sicher sein, wohin sie gehen.“ Die Praxis muss immer auf einer guten Theorie aufbauen, und ohne sie kann in der Malerei nichts gut gemacht werden.“

Wann fängt ein Künstler an? Jeder zu seiner Zeit. Ein Künstler in einer natürlichen Umgebung entsteht unter dem Einfluss der Umwelt: Eltern, Lehrer, Gesellschaft. Die Umgebung ist eine Quelle der Kreativität und des Erwachens von Talenten.

Die kreative Persönlichkeit jedes Menschen ist anders geformt. Daher ist es unmöglich, die Grenze zu bestimmen, die den Meister vom Studenten trennt. Manchmal ist es nur ein Schritt, manchmal sind es mehrere. Die Beherrschung der Meisterschaft erfolgt für den einen fast augenblicklich, für den anderen dauert es lange und unmerklich.

Die Geschichte der Malerei ist reich an vielfältigen Beispielen früherer Malerei künstlerische Entwicklung und umgekehrt relativ spät. Normalerweise manifestiert sich Talent in einer Atmosphäre der Kunst, kommt aber oft aus einem Umfeld, das der Kunst fremd ist. Die meisten Künstler, deren Namen bekannt sind, erhielten eine akademische Ausbildung; andere Maler studierten fleißig, jedoch nicht an Akademien. Und einige beherrschten das Malen selbstständig.

Jeder wahre Künstler verfügt über bestimmte Eigenschaften, ohne die er keinen Erfolg haben kann: Liebe zur Natur, Wissensdurst.

Warum eine so langatmige Einleitung?

Beim Stöbern in alten Ordnern entdeckte ich mehrere erhaltene, in Öl gemalte Skizzen aus meiner Lehrzeit. Es ist interessant, ein paar Jahrzehnte zurückzublicken und sich an die Gefühle zu erinnern, die man bei der Arbeit hat.

Bei jeder Skizze handelt es sich um eine lehrreiche, schnelle (nicht länger als 15 Minuten) Skizze in Farben eines bestimmten Naturzustands. Der Anteil der Skizzen ist Landschaft: Abend, Sonnenuntergang, Nacht. Natürlich mussten sie ohne Beleuchtung geschrieben werden. Zum Beispiel sind die hell erleuchteten Verandafenster in stockdunkler Farbe gestrichen und die Farben fühlen sich buchstäblich zum Anfassen an.

Der Scanner konnte die Farbigkeit leider nicht wiedergeben die richtige Farbe. Er präsentierte alle dunkelsten Bereiche als durchgehende schwarze Füllung ohne Farbe.

Mit genau solchen Skizzen beginnt der Künstler „für den Zustand“. Wir, Studierende der Malabteilung, haben Hunderte davon gemalt, mit dem einzigen Ziel, unsere Hände und Augen zu „füllen“, und zwar mit Farbe und dem breitesten Pinsel.

Wenn das Gemälde bei Tagesskizzen wie eine Unschärfe erscheint, empfehle ich, die Augen zusammenzukneifen und zu beobachten, wie sich der flache Raum der Landschaft in Licht und Schatten auflöst. Es spielt überhaupt keine Rolle, wie technisch und detailliert die pädagogische Skizze ist. Entscheidend ist lediglich das richtige Verhältnis von Licht zu Schatten. Dies ist die Essenz der Arbeit im Freien und keineswegs die Absicht, eine große Anzahl von Landschaften zum Verkauf zu malen.

Aber zusätzlich zur Widerlegung des vorherigen Absatzes nehmen wir an, dass die besten und wertvollsten Skizzen natürlich schon lange verkauft sind. Alles, was hier präsentiert wird, ist das, was bleibt.

Schlagwort: Staffeleimalerei

Eine Skizze ist ein Malwerk mit Hilfscharakter und begrenzter Größe, das vollständig aus dem Leben besteht.

Der Künstler arbeitet unter freiem Himmel an einer Skizze und stellt sich die Aufgabe, die Natur in der Malerei wahrheitsgetreu und lebendig darzustellen.

Skizzen können ein Mittel zum Studium der Natur, pädagogische Übungen für den Künstler und ein Mittel zur Verbesserung seiner Fähigkeiten sein. Sie dienen oft als Material für die Vorbereitung eines Gemäldes, beispielsweise Studien einzelner Orte, Flächen, Bäume, Blattwerk und anderer Details, die den Maler interessieren. Die ständige Bearbeitung vor Ort hilft bei der Gestaltung von Landschaften.

Beim Skizzenmalen können Sie Ihr Auge entwickeln, Ihre Hand stärken und Ihre Malfähigkeiten verbessern.

Eine Skizze erfordert eine sorgfältig ausgearbeitete Zeichnung, die nicht nur im Maßstab, sondern auch in den einzelnen Details und den Beziehungen zwischen ihnen genau und wahr sein muss. Was ihm wichtig ist, ist eine allgemeine schematische Zeichnung aus dem Leben ohne übermäßige Details, Treue und Genauigkeit der Hauptlinien und Umrisse von Objekten. Beim Zeichnen muss der Künstler vermitteln können, was er in der Natur beobachtet und studiert. Allerdings nicht nur das Gesehene, sondern auch Verallgemeinertes – Wesentliches, Wichtiges, ohne Nebensächlichkeiten.

Die Zeichnung für die Skizze erfolgt auf Papier, Karton oder direkt auf der grundierten Oberfläche der Leinwand mit Bleistift, Kohle, am besten aber mit einem Pinsel, einer Farbe.

In der Arbeit unserer Landschaftsmeister nahm und nimmt die Skizze einen sehr bedeutenden Platz ein. Unübertroffene Meister Skizzenmalerei waren A.K. Savrasov, I.I. Levitan, I.I. Shishkin, N.K. Roerich, M.V. Nesterov, K.A. Korovin. Viele ihrer Skizzen können hinsichtlich ihrer Vollständigkeit und künstlerischen Meisterschaft als Werke von eigenständiger Bedeutung gelten.

Beim Erstellen von Skizzen stellen sich Künstler in der Regel bestimmte Aufgaben und lösen diese je nach Bedarf mit unterschiedlichen Methoden individuelle Eingenschaften der Maler selbst.

Kennenlernen der Arbeit an Skizzen einzelner Landschaftsmaler, ihrer Methoden zur Ausführung dieser Werke, technische Eigenschaften Die Arbeit daran ist für einen jungen, unerfahrenen Künstler zweifellos von Interesse und wird ihm helfen, viele Fehler zu vermeiden.

Hervorragender Meister Landschaft N.K. Roerich wurde mit der Skizzenmalerei beauftragt guter Platz in seiner Kreativität. Wie bereits erwähnt, kreative Methode Roerich stützte die Entstehung seiner Werke auf eine genaue, nachdenkliche Beobachtung und ein ständiges, aufschlussreiches Studium der Natur. Als er begann, eine Skizze zu schreiben, stellte er sich zunächst eine ganz bestimmte Aufgabe, nach deren Lösung er suchte. Die Idee zur Komposition des Werkes, die als Ergebnis seiner Beobachtungen und des Studiums der Natur in der Seele des Künstlers entstand, wurde von ihm vor Beginn durchdacht Malerarbeiten. Wann kompositorische Struktur Die Skizze wurde im Geiste festgelegt, als die Handlung der Komposition festgelegt und die koloristische Hauptlösung skizziert war, begann Roerich mit dem Zeichnen von Skizzen und dann mit dem Malen.

Im Verlauf eines langen Studiums der Natur war der Moment, in dem der Künstler ihn fand und traf, die Grundlage für den Eindruck von ihm; Der schöpferisch realisierte und gedanklich verarbeitete Eindruck und das daraus entstandene künstlerische Bild blieben während der Arbeit an der Skizze stets im Gedächtnis erhalten.

Roerich wusste genau, dass man es in der Natur nicht wiedersehen kann, wenn man es einmal beobachtet hat, und schrieb seine Skizzen schnell, innerhalb weniger Stunden. Andernfalls ist es unmöglich, diesen oder jenen Zustand der Natur in seiner ganzen anfänglichen Frische und Unmittelbarkeit des ersten Eindrucks zu vermitteln, da er nach einem Tag und manchmal nach ein paar Stunden bereits völlig anders sein wird.

Roerich glaubte, dass es natürlich sehr wichtig ist, das darzustellen, was man in der Natur sieht, aber es ist nicht weniger wichtig, das sehen zu können, was man darstellen möchte. Dies ist laut Roerich die Hauptqualität eines Künstlers, die darin besteht, dass man die Natur nicht mit dem gleichgültigen Blick eines Beobachters, sondern mit einem liebevollen, gefühlvollen Blick betrachten und im Geiste auswählen und notieren muss, was einem gefällt. Wenn Sie nicht die ganze Leidenschaft Ihrer Seele, Ihre ganze Liebe dazu in das Studium der Natur stecken, brauchen Sie sie nicht zu malen.

In einer Skizze sollen sich für die gestellten Aufgaben einfache Lösungen finden lassen, die für den Betrachter unkompliziert erscheinen. Diese Entscheidungen, sowohl kompositorisch als auch farblich und gestalterisch, sollten prägnant sein. Dies erfordert jedoch nicht nur Erfahrung, sondern auch festes Vertrauen in das Hauptziel dieser Arbeit. Der Künstler muss in der Lage sein, sich auf die Lösung und Erreichung dieses Ziels, auf das Wesentliche und nicht auf das Nebensächliche, zu konzentrieren und dabei alle seine Fähigkeiten in Komposition und Malerei einzusetzen. Konzentration, Gelassenheit, die Fähigkeit, das Wesentliche zu sehen und hervorzuheben, Schnelligkeit und Genauigkeit bei der Arbeit – das ist der Schlüssel zum Erfolg beim Erstellen einer Skizze.

Sie müssen es schreiben, indem Sie Ihre Stärken und Fähigkeiten berechnen und mit mehr oder weniger Genauigkeit bestimmen, wie lange der Naturzustand, der den Künstler interessiert, anhalten wird. Ohne dies kann man leicht einen Fehler machen – denn die Beleuchtung ändert sich ständig. Es kann auch so passieren: Man beginnt unter bestimmten Bedingungen mit dem Malen einer Skizze, zum Beispiel malt man die Erde – die Sonne war links, dann wechselt man zum Malen des Himmels und die Sonne ist bereits auf die andere Seite übergegangen , was Ihnen nicht aufgefallen ist und sich als unglaubwürdig herausstellte. Man kann eine Skizze nicht zu lange malen – der erste Eindruck der Natur wird abgestumpft, der Künstler wird müde und verliert allmählich die Frische und Schärfe der Wahrnehmung.

Roerichs Skizzen überraschen immer wieder durch ihre originelle Komposition, die dazu beiträgt, die einzigartige Originalität der Natur mit außergewöhnlicher Vollständigkeit zu offenbaren.

Die Größe der Skizze ist für das gelungene Werk des Künstlers von nicht geringer Bedeutung. Daher ist es unter Berücksichtigung Ihrer Stärken und Fähigkeiten sehr wichtig, für Ihre Skizzen die Leinwandgröße zu wählen, die für das Arbeiten in relativ kurzer Zeit am leichtesten und bequemsten ist und gleichzeitig eine Vollständigkeit ermöglicht der Arbeit. Roerich verwendete normalerweise Karton mit den Maßen 35,5 x 45,8 cm; Für seine Skizzen verwendete er noch kleineren Karton.

In seinen Skizzen wählte Roerich in der Regel Farben, die es nicht waren volle Macht, aber etwas gedämpfter, als sie tatsächlich waren, und nutzten nicht die gesamte Bandbreite ihrer Palette aus. Dabei hat der Künstler berücksichtigt: Wenn man sofort klangvolle, intensive Töne nimmt, dann stellt sich bei einem Farbschlag heraus, dass das gesamte Spektrum bereits ausgeschöpft ist und man damit nichts anfangen kann .

Während er an der Skizze arbeitete, beschränkte Roerich seine Palette, ohne sie mit unnötigen Farben zu überladen, und glaubte zu Recht, dass ein Übermaß immer zu großen Schwierigkeiten bei der Kombination der Farbskala zu einem Ganzen führt und die Wahrheit bei der Vermittlung der in der Natur beobachteten Farbbeziehungen beraubt.

In Roerichs Skizzen wurde mit brillantem Geschick der Effekt der Gegenüberstellung scheinbar unvereinbarer Töne zu einer inneren Einheit sowie die besondere Einfachheit und Kühnheit des Künstlers in Farbkontrasten erzielt. Diese geschickt gefundenen Gegenüberstellungen von hellen und dunklen Tönen, hell und dumpf klingend, verleihen seinen Gemälden eine außergewöhnliche Leuchtkraft. Seine bunten Töne scheinen von Licht erfüllt und durchdrungen zu sein. Die Leuchtkraft der Farben ist eine der erstaunlichen Qualitäten Roerichs als Maler, die aus einem gefühlvollen Studium und einer Beobachtung der Natur resultieren.

V. N. Baksheev widmete der Arbeit an Skizzen viel Aufmerksamkeit und Zeit. Jedes seiner Gemälde wurde nach Skizzen gemalt. Bereits in ihnen versuchte der Künstler, das Charakteristischste für das gewählte Thema zu finden und erreichte nicht nur äußere Ähnlichkeit mit der Natur, sondern auch innere Fülle. Skizzen halfen ihm sicherlich bei der Erstellung großer Leinwände – er studierte Form, Farbe und Licht. Allerdings kopierte der Künstler nie gedankenlos von der Skizze, da er davon überzeugt war, dass die Arbeit an einem Gemälde ein kreativer Prozess ist, in dem man Innenleben und Psychologie vermittelt.

Dies sagte Baksheev in einem seiner Gespräche mit dem Autor dieses Buches über die Anforderungen an die Skizze: „ Zunächst müssen Skizzen streng gezeichnet und farbgetreu sein. Sie müssen die Natur sehr sorgfältig studieren. Es ist wichtig, zunächst alles herauszufinden: Proportionen, Farbbeziehungen, Licht und Schatten – und erst danach mit dem Malen beginnen. Und wenn Sie dann anfangen, mit Farben zu arbeiten, überzeugen Sie sich davon, dass dies Ihr Bestes ist und dass Sie es gut malen werden. Also einschalten und dann loslegen! Polenov riet mir, zuerst helle, bestimmte Töne auf die Leinwand zu bringen, dann die dunkelsten und hellsten; Halbtöne werden sowohl in Bezug auf hell und dunkel als auch in Bezug auf warm und kalt verglichen. Sie müssen ohne Untermalung, in Teilen und möglichst in Vollfarbe malen. Die Skizze muss gut gestaltet und detailliert sein... Sie können auch nicht besser schreiben, als es in der Natur ist, sonst wird es falsch» .

Baksheev verbrachte unterschiedlich viel Zeit mit Skizzen: Einige fertigte er innerhalb eines Tages an, während andere über einen längeren Zeitraum fertiggestellt wurden. Zu Hause nahm er nie Änderungen oder Korrekturen vor, da das Gemälde in der Regel falsch wurde.

S. V. Malyutin beschäftigte sich ernsthaft mit der Skizzenmalerei. Skizzen können in zwei Arten unterteilt werden. Einige sind langlebig: Sie wurden vor Ort mit sorgfältiger Ausarbeitung der Formen in zwei bis vier Stunden erstellt und waren hauptsächlich für gedacht Genrewerke. Der zweite Typ umfasst 15–20-minütige Skizzen, die der Künstler vor Ort während seiner häufigen Reisen in die Region Moskau, in den Norden Russlands, auf die Krim und an andere Orte in unserem Land angefertigt hat. Mit diesen Skizzen im Standardformat (9x15 cm), ausgeführt auf Platten aus dreischichtigem, gut getrocknetem und abgelagertem Sperrholz, verfolgte Malyutin ein doppeltes Ziel. Für ihn war dies erstens ein ständiges Training seiner Augen und Hände vor Ort, und zweitens fand der Künstler in Skizzenstudien die Farb- und Tonverhältnisse, die er brauchte.

M. V. Nesterov widmete sich sehr der Skizzenmalerei. In seinen Skizzen können wir eine durchdachte Ausführungsweise beobachten, die seiner Einstellung zu dieser Art von Kreativität voll und ganz entsprach. Nesterow sagte zu seinen Schülern: „ Eine Skizze ist eine ernste Sache! Skizzen müssen sehr sorgfältig geschrieben werden. Sie sollten nicht zufällig sein, sondern im Vorfeld gut durchdacht, gefunden und vollständig responsiv sein kreative Idee Künstler. Wenn Sie in der Skizze lügen, wird das Bild noch mehr Lügen enthalten.» .