In Venedig wurde eine Ausstellung der Sammlung von Boris Mints eröffnet, und bis Ende des Jahres soll in Moskau das Museum für russischen Impressionismus eröffnet werden. Der geheimnisvolle russische Impressionismus wird das Publikum anziehen, da ist sich der Sammler sicher

Boris Mints
Unternehmer, Sammler
1958 wurde in die Familie eines Militäringenieurs hineingeboren

1980 Absolvent der Fakultät für Physik von Ivanovsky staatliche Universität. Kandidat der technischen Wissenschaften

1980er Jahre Arbeit am Institut für Höhere Mathematik der Ivanovo Textile Academy und in einem der NTTM-Zentren

1990er Jahre Vizebürgermeister der Stadt Iwanowo, Leiter der Hauptdirektion des Staatseigentumsausschusses, Leiter der Präsidialdirektion für kommunale Selbstverwaltung

2000er Jahre gründet die Partei Union der Rechten Kräfte, leitet den Finanzkonzern Otkritie und die Medienholding REN TV

Jetzt Vorsitzender des Verwaltungsrates der Investmentholding O1 Group. Eigentlicher Staatsrat 1. Klasse. Engagiert sich in wohltätigen und sozialen Aktivitäten

Als sie zum ersten Mal über Ihr Museum sprachen, stieß ich auf die folgende Erklärung: Es gibt die Sammlung des Museums und es gibt Ihre eigene Sammlung, das heißt, die Sammlung des Museums für Russischen Impressionismus ist eine Sache, und Ihre persönliche Sammlung ist eine andere. Es gab eine andere Erklärung: dass die Sammlung des Museums Teil Ihrer persönlichen Sammlung sei. Was ist also das Prinzip?

Ich sammle nicht nur russischen Impressionismus. Mir gefällt es zum Beispiel sehr gut Alexander Benois. Ich kaufe jeden guten Benoit; Ich habe wahrscheinlich 40 Werke. Ich liebe es sehr Boris Kustodijew. Ja, ich liebe viele! Valentina Serova, zum Beispiel (aber es ist sehr schwer zu kaufen), Igor Grabar. Von heute - Valeria Koshlyakova, Ich denke es ein herausragender Künstler Modernität. Und ich zeige sogar einige seiner Werke im Zusammenhang mit dem Impressionismus. Natürlich ist das kein Impressionismus, aber sie wurden unter seinem Einfluss geschrieben.

A moderne Kunst außer Koshljakow?

Es gibt viele verschiedene Dinge: und Ilja Kabakow, und was nicht. Das bedeutet aber nicht, dass alles einem Museum geschenkt werden sollte. Zudem sind nicht alle Werke musealer Qualität. Daher wählten Kunstkritiker aus den Werken, die ich hatte, fünf bis sechs Dutzend aus, die ihrer Meinung nach diese Kriterien erfüllten. Und als beschlossen wurde, dass es ein Museum geben sollte, begann ich, Geld in seine Gründung zu investieren. Deshalb jetzt in in einem größeren Ausmaß Ich kaufe russischen Impressionismus. Früher habe ich alles gekauft, was mir gefiel, aber jetzt mache ich das seltener. Ganz einfach, weil die Ressourcen nicht unbegrenzt sind und die Arbeit, muss ich sagen, von Tag zu Tag teurer wird.

Wie viele Objekte wird die Dauerausstellung des Museums umfassen?

Ich denke, die Dauerausstellung sollte klein sein, etwa 50-70 Gemälde. Dies gilt möglicherweise nicht für Profis, sondern allgemein moderner Mann Grundsätzlich darf man sich nicht länger als zwei Stunden in einem Museum aufhalten. Und westliche Ausstellungen sind so konzipiert, dass sich ein Mensch maximal zwei Stunden auf engstem Raum aufhält. Nur weil es den Leuten nicht mehr gefällt, verstehen Sie? Einmal in meiner Jugend, als ich viel Freizeit hatte, verbrachte ich nach meiner Ankunft in Leningrad ganze Tage damit, durch das Russische Museum und die Eremitage zu schlendern. Dies ist jedoch kein typisches Verhalten für gewöhnlicher Mensch— den ganzen Tag, insbesondere einen freien Tag, im Museum verbringen. Am Wochenende möchte man vor allem länger schlafen.

Julia Petrowa
Direktor des Museums für russischen Impressionismus

Das Gebäude, das dem Museum des Russischen Impressionismus auf dem Gelände des Bolschewistischen Kultur- und Geschäftskomplexes zugeordnet ist, diente in der alten Fabrikzeit als Lager für Mehl und Milchpulver. Dieses besondere Gebäude hat keinen historischen Wert; es ist in die Jahre gekommen, daher hatten wir die Gelegenheit, es komplett zu renovieren. Wir haben es uns zur Aufgabe gemacht, das Museumsgebäude für die Organisation von Ausstellungen und anderen Veranstaltungen so komfortabel wie möglich zu gestalten: Es wurde nicht nur an die Aufrechterhaltung der Temperatur- und Feuchtigkeitsbedingungen gedacht, sondern auch an eine kompetente sichere Lagerung, einen Eingangsbereich sowie einen Be- und Entladebereich für Fahrzeuge, die Exponate zu Ausstellungen bringen, spezielle Aufzüge. Das Wiederaufbauprojekt wurde vom Londoner Büro vorbereitet John McAslan + Partner. Darüber hinaus haben wir auf Anraten des Architekten renommierte Museumsberater engagiert Lord Cultural Resources: Sie haben uns weiter unterstützt Erstphase, half bei der Ausarbeitung eines Aktionsplans, brachte uns auf den neuesten Stand und warnte vor einigen Nuancen. Die Wiederaufbauarbeiten begannen im Jahr 2012 und wir gehen davon aus, dass sie diesen Herbst abgeschlossen sein werden.

Die bolschewistische Fabrik ist nicht gerade ein heiliger Ort. Nicht sehr berühmt.

Dies ist noch unbekannt. Lass es uns tun und es wird bekannt sein. Auch die Garage war einst unbekannt. Ruhm ist so etwas... Und „Bolschewik“ ist ein sehr bequemer Ort. Nah am Zentrum, aber nicht mittendrin. Dementsprechend haben wir alle Parkprobleme gelöst und das Museum ist nicht weit von der U-Bahn entfernt, sodass in diesem Sinne alle Kategorien unserer Besucher zufrieden sein werden. Wenn wir es tun ein gutes Produkt, dann wird der Ort populär. In Saratow, als wir Kustodievs Gemälde zeigten Venedig 6.000 Menschen kamen in zehn Tagen, es war so interessant und ungewöhnlich. Stellen Sie sich eine Provinzbibliothek vor, in die jeden Tag 600 Menschen kamen! Am Tag vor Ausstellungsschluss kam sogar der Gouverneur, um sich die Ausstellung anzusehen – denn nun ja, alle reden darüber.

Unser großer Vorteil ist, dass wir das von Anfang an tun modernes Museum. Man kann sagen, dass es im Land keinen solchen Raum gibt, der alle Anforderungen des Museumsbetriebs erfüllt. Das ist Ärger Russische Museen. Die Hermitage zum Beispiel hat eine wundervolle Sammlung, fantastisch professionelle Leute, aber die Räumlichkeiten selbst? Um ein normales modernes Museum zu schaffen, müssen Paläste wieder aufgebaut werden, der Wiederaufbau von Baudenkmälern ist jedoch verboten. Und das nach ihm benannte Puschkin-Museum. Puschkin und andere Museen, deren Gebäude im letzten oder vorletzten Jahrhundert erbaut wurden, lassen sich nur sehr schwer modernisieren. In Europa ist das anders. Beispielsweise wurde das Gebäude des Hauptmuseums des Impressionismus, Orsay in Paris, eigens aus einem ehemaligen Bahnhof umgebaut. Dank unserer Berater und Architekten ist es uns gelungen, ein optimales Projekt zu erstellen. Ich kenne Sammler (ich möchte keine Namen nennen), die ihre Werke aus einem einfachen Grund fast nie auf Ausstellungen präsentieren: Der Platz ist falsch. Die Arbeit, die in einem unbekannten Temperaturregime stattfinden wird, tut ihnen leid.

Nachfolgend. Wir machen ein ernsthaftes Multimedia-Projekt, das meiner Meinung nach für junge Leute interessant sein wird. Es steht bereits kurz vor der Fertigstellung, technisch ist alles bereit. Mir scheint, dass dies an sich wichtig ist, denn zuvor hatte in Russland noch nie jemand Kunstwerke in dieser Form präsentiert. Ein Gemälde wird auf besondere Weise aufgenommen, fotografiert und so beobachtet der Betrachter, wie es gemalt wurde, wie es zu dem wurde, was es wurde. All dies ist im Internet zu sehen und über soziale Netzwerke können Sie über alle unsere Neuigkeiten auf dem Laufenden bleiben.

Die erste Dauerausstellung wird chronologisch aufgebaut und enthält Lehrbuchnamen ( Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar) und Autoren, die Fachleuten und der breiten Öffentlichkeit weitaus weniger bekannt sind ( Nikolai Bogdanov-Belsky, Sergei Vinogradov, Nikolai Dubovskoy). Wir beginnen mit Wassili Polenow und seinen engsten Schülern, betrachten Vertreter des Kreises der Union russischer Künstler und die frühen impressionistischen Experimente der Avantgarde-Künstler ( Michail Larionow, Wladimir Baranow-Rossine), gehen wir weiter zur postrevolutionären Zeit: Hier können wir über „ruhigen“, nicht zur Ausstellung gehörenden Impressionismus sprechen ( Juri Pimenow und so vergessene Autoren wie Valentina Diffine-Christie) und sogar über die impressionistischen Werke der Säulen des sozialistischen Realismus. Wir zeigen also die Pariser Sicht Alexandra Gerasimova, der 1934 nach Frankreich kam und sich dort daran erinnerte, was Konstantin Korowin ihm beigebracht hatte.

Ich spreche von der ersten Dauerausstellung, weil unserer Meinung nach von Zeit zu Zeit alles geändert werden muss: Andere Dinge sollten aufgehängt werden, aber natürlich die Schlüsselwerke.

Für temporäre Ausstellungen werden wir zwei Säle haben, einen großen und einen kleinen. Es gibt bereits eine Reihe von Vereinbarungen mit regionalen Museen zu gemeinsamen Projekten. Der geringe Entwicklungsstand des Inlandstourismus in unserem Land führt dazu, dass prächtige regionale Sammlungen den Moskauern praktisch unbekannt sind.

Erklären Sie die Logik von Ereignissen. Der russische Impressionismus ist nur ein Vorwand für einen solchen öffentlichen Raum wie ein Museum, aber wäre überhaupt ein Museum entstanden? Oder ist der öffentliche Raum eine Folge der Tatsache, dass Sie begonnen haben, sich auf den russischen Impressionismus zu spezialisieren?

Als ich begann, die Sammlung zu sammeln, hätte ich mir nicht einmal vorstellen können, dass ich eines Tages ein Museum gründen würde.

Was steckt im Allgemeinen mehr in dieser Geschichte – Planung oder Zufall?

Es gibt zwei verschiedene Geschichten. Die Geschichte meines Sammelns ist, poetisch gesprochen, ungefähr so: geheimer Wunsch. Um mit dem Sammeln zu beginnen, müssen Sie, wie Sie verstehen, zunächst etwas Geld verdienen. Und erst als der Wunsch mit den Möglichkeiten übereinstimmte, begann das echte, sinnvolle Sammeln. Aber dabei ändern sich natürlich auch immer wieder die Ansichten. Irgendwann wurde mir klar, dass es einen wenig untersuchten und wenig repräsentierten russischen Impressionismus gibt, der nicht im Fokus der Kunstkritik steht – aus meiner Sicht absolut unterschätzt. Niemand hat diese Dinge speziell als russischen Impressionismus gesammelt. Wie eine Richtung in der Geschichte Russische Kunst es ist praktisch nicht markiert.

Was war der Grund für die Entdeckung des Themas „Russischer Impressionismus“? Mit einem konkreten Kauf? Oder eine reine Idee?

Nein, ich habe nicht von einem fertigen Tisch geträumt Mendelejew. Ich habe gerade angefangen, mehr über russische Malerei zu lesen, und als ich in Paris war, ging ich in Museen. Es gibt dort viele Museen, nicht so berühmt wie Orsay, aber mit Sammlungen aus etwa derselben Zeit, nur kleiner. Sie haben auch Claude Monet, und andere große Namen; Es gibt auch weniger bekannte, obwohl die Qualität ihrer Malerei meiner Meinung nach überhaupt nicht schlechter ist. (Wie PR-Leute scherzen: Was ist der Unterschied zwischen einer Maus und einem Hamster? PR und sonst nichts.) Und als ich bereits ein oder zwei Dutzend Arbeiten zu diesem Thema hatte und mich tiefer damit beschäftigte, dachte ich, es wäre so Es ist richtig, es auf genau dieser Themenebene anzusprechen. Und der Verlauf der Ereignisse bestätigt, dass ich Recht hatte. Als wir eine Ausstellung für Venedig, für den Palazzo Franchetti, vorbereiteten, kam ein Professor der Mailänder Akademie der Künste und sagte, wir hätten absolut brillante Werke gesammelt. Und das ist die Meinung eines Vertreters einer der prominentesten in Europa Bildungsinstitutionen im Bereich der Künste.

Walentin Serow. "Fenster". 1887

Wie hat Ihr Sammeln überhaupt begonnen?

Hauptsächlich aus der Grafik – Benoit, World of Art. Ich habe viele zeitgenössische Moskauer Künstler gekauft: Ich wollte nur das Haus beleben, und ich hatte nicht viel Geld. Ich war in den 1990er Jahren Beamter und es schien mir nicht ganz richtig, dass ein Beamter sich mit dem Sammeln von Geldern beschäftigte. Später, als ich zuerst ins Management und dann in die Wirtschaft wechselte, wurde es sowohl mit dem Geld als auch mit der Zeit besser ... Und ich habe mein ganzes Leben lang Bilder angeschaut. Ich habe eine riesige Bibliothek, ich gehe ständig in Museen, zu Sammlern, zu Händlern, die beim Sammeln helfen.

Braucht es viel Zeit?

In Ordnung. Die Auktionen, auf die wir uns vorbereiten, sind: Großer Job: Sie müssen sich alles ansehen, auswählen, es live sehen... Nicht nur in London, sondern auch in Moskau. Wir haben mehrere sehr gute Auktionen und mit ihnen mehrere sehr gute Teams, die ordentliche Dinge sammeln. Wir haben in Moskau viele Dinge gekauft.

Kaufen Sie hauptsächlich auf Auktionen?

Ja. Etwa die Hälfte davon sind Werke, die vor vielen Jahren aus dem Land exportiert wurden und manchmal noch nie in Russland waren. Derselbe Venezianer Kustodiev: Es besteht kein Zweifel, dass er es ist, das Werk ist bekannt, aber außer Sichtweite geraten. Als das Gemälde nach St. Petersburg gebracht wurde, kamen Spezialisten des Russischen Museums und fragten: „Hören Sie, wo haben Sie es her? Wir dachten, sie würde vermisst.

In Moskau wird auf dem Gelände der ehemaligen bolschewistischen Süßwarenfabrik das Museum des russischen Impressionismus eröffnet. Sein Gründer ist der Geschäftsmann, Sammler und Philanthrop Boris Mints. Das Museum wird zu einem der größten und technologisch fortschrittlichsten Privatmuseen der Hauptstadt werden. Neben Ausstellungsflächen umfasst das Projekt ein Kino, eine Multimediazone, ein Café, einen Shop mit Souvenirs und Büchern und vieles mehr. Elena Rubinova traf sich am Vorabend der Eröffnung mit der Direktorin des Museums, Yulia Petrova.

“Ist der russische Impressionismus ein neues kunsthistorisches Phänomen oder ein stilistischer Meilenstein? Wie kam diese Wortkombination im Namen des Museums vor? Schließlich ist der Begriff „Impressionismus“ für Russisch und Sowjetische Kunst Darüber hinaus klingt es ungewöhnlich und viele glauben, dass es nicht ganz richtig ist.

Uns war zunächst bewusst, dass die Namenswahl des Museums aus kunsthistorischer Sicht umstritten war und vermutlich viele Fragen und Kritik an uns gerichtet werden würden, aber wir haben uns dafür entschieden. Wir haben beschlossen, dass wir es erklären werden, wenn wir unsere Position erklären müssen. Das Phänomen des russischen Impressionismus entstand in den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts, aber wenn man über die russische Kunst spricht, kann man natürlich nicht sagen, dass einer unserer Künstler durch und durch Impressionist ist, das ist nicht der Fall. Aber im Werk der meisten Maler der Jahrhundertwende gab es impressionistische Perioden – manchmal sehr kurze, wie zum Beispiel bei den Avantgarde-Künstlern – sagen wir Larionov, Malewitsch oder bei den Mitgliedern des Karo-Buben. zum Beispiel Konchalovsky. Für einige dauerte die impressionistische Phase zwei oder drei Jahre, für andere lebten sie viel länger in dieser Richtung, einige überschritten sie und fanden sich in etwas anderem wieder, während andere im Gegenteil erst später zu diesen Prüfungen kamen.

Das heißt, Sie bestätigen, dass es sich dabei lediglich um eine stilistische Referenz handelt? Der russische Impressionismus ist in erster Linie wessen Werk?

Ja, „stilistischer Bezug“ ist auch eine gute Formulierung. Deshalb verbindet unsere Ausstellung auf so bizarre Weise Korowin mit Nabaldjan, Pimenow mit Serow, Schukowski mit Turschanski – wir sprechen hier nicht von einem Stil oder einer Bewegung mit einer klar definierten Plattform, sondern vom Phänomen der Existenz impressionistischer Stilistiken in der russischen Kunst.

Welche Titelwerke dieser Stilrichtung werden in Ihrem Museum präsentiert?

Zum Beispiel das atemberaubende Gemälde von Bogdanov-Belsky. Dieser Künstler hat nicht immer impressionistisch gearbeitet, aber das Werk, das wir im Zentrum unserer Ausstellung hängen, ist absolut impressionistisch. Die fünf Werke, die wir für „Musical Walk“ von Dmitry Kurlyandsky ausgewählt haben, erscheinen uns am attraktivsten und können auch zum Titel werden. Darüber hinaus ist es möglich, dass ein solches Werk das Porträt „Mädchen im Matrosenanzug“ von Mikhail Shemyakin sein wird. Aus praktischer Sicht haben wir das Werk von Nikolai Klodt auf dem Cover unseres Katalogs platziert und es wird wahrscheinlich vor anderen erkennbar sein. Höchstwahrscheinlich erwarten wir eine schnelle Beliebtheit von den Werken, die wir oft auf Ausstellungen zeigen – Dinge von Yuri Pimenov, das Werk von Boris Kustodiev „Venedig“. Im Allgemeinen wird das Leben zeigen, wofür sich das Publikum entscheiden wird.

Es wird angegeben, dass die Grundlage der ständigen Sammlung etwa 70 Werke aus der Sammlung des Museumsgründers Boris Mints sein werden. Wie erfolgte die Auswahl für die Dauerausstellung des Museums?

Die Sammlung von Boris Mints ist viel umfassender als die Sammlung und das Thema des Museums: Sie enthält beispielsweise die Grafiken der Welt der Kunst, die bei allem Wert und meiner eigenen Liebe dazu thematisch nicht zum Museum passen . Es gibt auch zeitgenössische Kunst, zum Beispiel Kabakov, die ebenfalls außerhalb des Museums bleibt. Die Museumssammlung umfasst Dinge, die stilistisch und thematisch zu uns passen. Die Auswahl geht bis zu einem gewissen Grad weiter, da weder die Bildung des Museums noch der Sammlung aufhört, und ich hoffe, dass dieser Prozess der Erweiterung der Museumssammlung noch lange anhalten wird. Ich kenne die Sammlung von Boris Mints seit langem, daher waren mir Struktur und Inhalt gut bekannt und verständlich, und die Auswahl der Objekte für das Museum fiel mir nicht schwer.

Das Museum gilt in vielerlei Hinsicht als sehr modern – Architektur, Ausstattung, Konzept. Wer war an der Entwicklung des Museumskonzepts beteiligt und wurde ein bestimmtes Museum als Vorbild genommen oder handelt es sich um eine Art Synthese?

Als wir mit der Arbeit an dem Museumsprojekt begannen – das war sowohl für mich als auch für Boris Iosifovich ein neues Gebiet –, haben wir uns natürlich an Spezialisten und Berater gewandt – das Lordculture-Team. Ihre Spezialisten kamen viele Male nach Moskau, schauten sich den Raum an, studierten die Sammlung und wir diskutierten lange darüber, was wir als Ergebnis bekommen wollten. Wir haben uns nicht für ein bestimmtes Museum entschieden, obwohl wir viel gereist sind und gesehen haben, was, wo und wie es funktioniert. Zunächst haben wir uns zum Ziel gesetzt, ein Museum zu schaffen, in dem es die Möglichkeit gibt, Interessantes zu tun temporäre Projekte. Wenn wir über einige Beispiele sprechen, waren wir von der Pariser Pinakothek und ihrem Team sehr beeindruckt: gerade von den tadellosen Ausstellungsprojekten, die sie zusammengestellt haben, und davon, wie unerwartet sie Ausstellungen aufbauen. Übrigens gibt es in Frankreich auch einen gewissen Wettbewerb zwischen Privat- und Privatkunden Regierungsorganisationen, und einige staatliche Museen Sie weigerten sich sogar, mit ihnen zusammenzuarbeiten. Doch aus dieser Falle ist die Pinakothek ehrenhaft hervorgegangen. Ihnen dabei zuzusehen und zu denken, dass vielleicht auch wir eines Tages etwas Ähnliches sammeln könnten, war sehr schön.

Das Thema des russischen Impressionismus klingt sofort nach einem sehr hellen „Exportprodukt“, aber wird das Thema des russischen Impressionismus Ihre Ausstellungsaktivitäten nicht einschränken? Welche Auslandsausstellungen planen Sie? Soweit ich weiß, hat das Museum letztes Jahr seine Ausstellungsaktivitäten aufgenommen?

Der Name „Russischer Impressionismus“ beschreibt die Dauerausstellung des Museums. Temporäre Ausstellungen können sowohl modernen als auch modernen Themen gewidmet sein klassische Kunst Sowohl auf russischer als auch auf westlicher Ebene ist die Hauptsache, dass das Niveau hoch ist. Wenn wir über die Repräsentation russischer Kunst im Ausland sprechen, dann ist das für uns sehr wichtig. Es ist kein Geheimnis, dass die Marke russischer Kunst Ikone und Avantgarde ist. Gemeinsam mit Kollegen aus anderen Museen möchten wir diese Situation wirklich ändern: die Aufmerksamkeit des ausländischen Publikums auf andere helle Perioden unserer Malerei lenken. Zweite russische Malerei Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wird manchmal als zweitrangig bezeichnet, aber es ist sehr interessant und kann den westlichen Betrachter überraschen. Im Jahr 2015 veranstalteten wir eine Ausstellung eines Teils unserer Sammlung in Venedig und wurden dann eingeladen, an der Feier der Tage der russischen Kultur in Deutschland teilzunehmen. Und das Augustinermuseum in Freiburg, wo die Ausstellung stattfand, schloss mit uns einen Vertrag über drei Wochen ab, bot aber nach einiger Zeit an, die Ausstellung für den ganzen Sommer zu verlängern – es gab eine großes Interesseöffentlich.

In gewisser Weise stellt sich das Museum für russische realistische Kunst eine ähnliche Aufgabe mit der Zeit des sozialistischen Realismus, einschließlich des russischen „strengen Stils“, um das Bekannte für das Wenigbekannte zu verwässern. Wird Ihr Museum in dieser Hinsicht mit MRRI konkurrieren?

Ja, in mancher Hinsicht überschneiden sich unsere Aufgaben, obwohl unsere Nischen unterschiedlich sind. Es ist schwierig, hier eine klare Grenze zu ziehen; bei manchen Namen sind Überschneidungen unvermeidlich, manchmal konkurrieren wir sogar um den Erwerb bestimmter Werke. Die IRRI-Sammlung enthält Gemälde, die unsere Ausstellungen schmücken könnten. Wir hatten noch keine gemeinsamen Projekte, aber unser Verhältnis ist freundschaftlich. Da das IRRI-Museum übrigens älter ist als wir, haben wir uns schon mehrmals an sie gewandt praktische Empfehlungen, und Regisseurin Nadezhda Stepanova antwortet immer.

Welche Überraschungen erwarten Museumsbesucher sowohl in künstlerischer als auch in technischer Hinsicht? Neben der modernen architektonischen Gestaltung des Gebäudes selbst sind wohl auch neueste Museumstechnologien im Spiel?

Wir haben versucht, das Gebäude so auszustatten, dass es sowohl für die Gemälde als auch für das Publikum und die arbeitenden Spezialisten angenehm ist. Einer unserer Funde, über den wir oft sprechen müssen, ist insbesondere ein riesiger Hubtisch, der es ermöglicht, eine Maschine mit Gemälden direkt in das Gebäude in den 1. Stock abzusenken, wo sich die Gemälde bereits in der Klimazone befinden werden abgeladen und eingelagert. Doch diese Ausstattung bleibt den Augen des Publikums verborgen. Aber das erste, was unsere Gäste in der Museumslobby sehen werden, ist eine spezielle Videoinstallation „Breathing Canvases“ des amerikanischen Videokünstlers Jean-Christophe Coue, die auf Basis unserer Gemälde erstellt wurde.

Was ist diese Videoinstallation?

Unsere Gäste sehen eine komplexe Struktur aus vielen Bildschirmen, die in verschiedenen Winkeln angeordnet sind – auf sie werden die auf besondere Weise gefilmten Inhalte projiziert. Jean-Christophe verfügt über ein internationales amerikanisch-europäisches Team, dessen Arbeit fast zwei Jahre dauerte.

Darüber hinaus haben wir für unsere Besucher eine Multimediazone geplant, die sowohl Unterhaltungs- als auch vor allem Bildungsfunktionen erfüllen soll. Wie arbeitet ein Künstler? Was benutzt er? Was ist ein Spachtel? Nach welchen Prinzipien werden Farben kombiniert? Welche Gesetze regeln Blendung? All diese Fragen können beantwortet werden – visuell werden es 4 räumliche Objekte sein, mit denen Sie interagieren können.

Als Musical Visitenkarte Das Museum kündigte den speziell für die Eröffnung des Museums geschriebenen Zyklus „Musical Walk“ von Dmitry Kurlyandsky an, der sofort Erinnerungen an Mussorgsky weckt, allerdings im 21. Jahrhundert. Gehört diese musikalische Komponente auch zum Leitgedanken des Museums?

Fünf musikalische Werke, die Dmitry Kurlyandsky für unser Museum geschrieben hat, sind fünf gewidmet verschiedene Gemälde aus verschiedenen Zeiten - von Valentin Serov bis Pjotr ​​​​Konchalovsky. Ich würde sagen, Kurlyandsky hat eine akustische Projektion dieser Bilder gemacht. Musikalische Werke Die von ihm geschaffenen Werke bestehen, wenn man sie zerlegt, nicht nur aus der Musik selbst, sondern auch aus einer Reihe von Klängen, die den Künstler im Moment der Entstehung des Bildes umgeben könnten. Dmitry Kurlyansky ist ein Avantgarde-Komponist und es war seine Idee, die Musik mit Klängen zu ergänzen. Wir haben dies unterstützt, weil es die Wahrnehmung der Bilder ergänzte. Nach der Eröffnung verbleibt die Musik im Museum und wird selbstverständlich im Audioguide präsentiert und begleitet unsere Ausstellungen.

Welche Art von Forschung und Bildungsaktivitäten plant, ein Museum zu betreiben? Welche unmittelbaren Pläne wurden bereits umgesetzt?

Wir eröffnen im Mai mit der Ausstellung von Arnold Lakhovsky „The Enchanted Wanderer“ und konzentrieren uns speziell auf seine Reisen und Arbeiten in Palästina, Europa, Amerika und Russland. Danach werden wir im Herbst das gesamte Museum für das Projekt von Valery Koshlyakov freimachen. Soweit ich weiß, plant der Künstler, dieses Programm später auf der Architekturbiennale in Venedig zu zeigen. Und dann eröffnen wir im Winter 2017 eine Ausstellung des Künstlers Silbernes Zeitalter Elena Kiseleva ist eine Malerin auf dem Niveau von Brodsky und Golovin. Hinsichtlich Auslandsprojekte, gerade während Koshljakow stattfindet, geht unsere Dauerausstellung nach Sofia. Wir haben auch Pläne für 2017, aber öffnen wir erst einmal.

Darüber und über die Besonderheiten der Arbeit

im Privatmuseum Posta-Magazine, erzählte dessen Direktorin Yulia Petrova.

„Das ist mein Lieblingsjob und zweifellos mein Glücksticket,- gibt Yulia zu, sobald wir das Gespräch beginnen. - Wir haben einen so engen Arbeitsmarkt und so wenige Möglichkeiten zur Manifestation; der Staat produziert viel mehr Leute meine Spezialität als erforderlich. Viele meiner Kollegen hoffen nicht einmal, in ihrem Fachgebiet arbeiten zu können. Und Sie sollten sicherlich nicht damit rechnen, Museumsdirektor zu werden. Davon kann man im Allgemeinen nicht träumen, und es besteht auch keine Notwendigkeit, solche Pläne zu schmieden. In der Jugend sagt niemand: „Wenn ich mit dem Studium fertig bin und Museumsdirektor werde.“.

Wie dem auch sei, im Leben von Yulia Petrova ist alles genau so gelaufen, wie es gekommen ist. Mehrere Jahre lang war sie Kuratorin der Privatsammlung des Geschäftsmanns und Philanthropen Boris Mints und wurde nach der Eröffnung des Museums für russischen Impressionismus dessen Direktorin. Und das hat natürlich seine Vor- und Nachteile“, gibt Yulia selbst zu. Treffen mit der Familie beispielsweise werden seltener, da die meiste Zeit innerhalb der Mauern des Museums verbracht wird.

Nika Koshar: Julia, du redest immer so schön über deine Arbeit. Aber Sie sind immer noch Kunstkritiker. Und als Direktor mussten Sie wahrscheinlich viele administrative Angelegenheiten übernehmen. Wie schwer war es für Sie?

: Nun ja, das ist es natürlich, was ich heute lernen muss. Generell herrscht in unserer Gesellschaft das Klischee, dass Kunstkritiker oder „Menschen der Kunst“ sehr spirituelle Menschen seien, die ausschließlich unter dem Mond seufzen. Zu meinem Glück bin ich ein ziemlich rationaler Mensch: Ebenso wie die Kunstgeschichte habe ich die Mathematik schon immer geliebt, ich fühle mich darin wohl. Und was in einem Museum passiert, unterliegt oft dem Instinkt und dem gesunden Menschenverstand. Und wenn man ein Gespür und ein wenig gesunden Menschenverstand hat, funktioniert es. Natürlich müssen Sie viel lernen: sowohl Verwaltungskenntnisse als auch Managementfähigkeiten. Ein Team hat sich versammelt und es muss geführt werden.

Haben Sie das Team selbst zusammengestellt?

Ja, ich selbst. Ich habe jeden, der hier arbeitet, persönlich ausgewählt und kann mit Bestimmtheit sagen, dass jeder unserer Mitarbeiter (am häufigsten natürlich weibliche Mitarbeiter) ein seltener Fund ist. Und sie alle sind voller Leidenschaft bei ihrer Arbeit.

Wie ambitioniert sind die Pläne des Museums?

Wissen Sie, als Boris Mints mich einlud, an der Gründung eines Museums mitzuwirken, und mir seinen Wunsch mitteilte, es zu eröffnen, schien es mir ein äußerst ehrgeiziger Plan zu sein. Aber seit es wahr geworden ist, ist im Prinzip alles, was wir planen, nicht mehr so ​​​​beängstigend. Zum Beispiel Ausstellungen im Ausland. Tatsächlich veranstalten wir sie bereits: Wir haben Ausstellungen in Venedig und in Freiburg veranstaltet, am 6. Oktober wird dort eine sehr schöne Ausstellung eröffnet Nationalgallerie Bulgarien. ​Natürlich möchte ich nicht nur Europa „abdecken“, sondern auch den Osten und die Vereinigten Staaten, aber es gibt rechtliche Schwierigkeiten, internationale und nicht nur museale. Natürlich würde ich innerhalb dieser Mauern gerne ungewöhnliche Projekte durchführen und hochkarätige Künstler mitbringen: russische, westliche, zeitgenössische (wie Koshljakow) und Klassiker. Ich selbst tendiere eher zu den Klassikern.

Nun, Koshljakow, es scheint mir, dass dies eine Symbiose aus Klassik und Moderne ist. Er liegt irgendwo dazwischen.

Ja. Er gehört zu den Künstlern, die sich, wie er selbst sagt, mit der Malerei beschäftigen. Im Gegensatz zur Masse zeitgenössische Künstler zeitgenössische Kunst, die Konzepte schafft. Der Unterschied besteht auch darin, dass jeder separate Arbeit ist ein Werk ohne Kontext, ohne Konzept. Deshalb ist er so gefragt, er wird geliebt, ich weiß, dass er sich gut verkauft, und jeder Auftritt von Koshljakows Gemälden auf Auktionen ist immer ein Ereignis.

Sagen Sie mir, waren Sie bereit, dass der Name „Museum des Russischen Impressionismus“ so lange in der Kunstwelt umstritten war?

Absolut. Schon zu der Zeit, als wir gerade die Gründung eines Museums planten, führten Boris Iosifovich und ich stundenlange Gespräche darüber, wie man es richtig macht. Und wir haben verstanden, dass der Begriff „russischer Impressionismus“ äußerst umstritten und gleichzeitig sehr umfangreich ist. Aus kunsthistorischer Sicht kann man darüber streiten, wobei ich sagen muss, dass sich große Experten nicht auf die Debatte zu diesem Thema einlassen. Aber es ist ein Begriff, der sofort ein bestimmtes Bild vermittelt. Und die Tatsache, dass Kunstkritiker Minen zerstören und streiten – nun ja, so ist das. Der St. Petersburger Kunstkritiker Michail German, den ich sehr respektiere, hat ein ganzes Buch mit dem Titel „Impressionismus und russische Malerei“ geschrieben, dessen Hauptgedanke darin besteht, dass der russische Impressionismus nie existierte und nicht existiert. Gleichzeitig gibt es brillante Spezialisten wie Vladimir Lenyashin oder Ilya Doronchenkov. Im Allgemeinen haben wir uns bewusst dafür entschieden und waren uns darüber im Klaren, dass wir um den Namen kämpfen müssten und dass man uns dafür nicht auf die Schulter klopfen würde. Doch andererseits zieht die Karawane weiter...

Können Sie uns bitte erzählen, wie die Hauptsammlung entstanden ist? Wie fand das Hauptsakrament statt?

Sie wissen wahrscheinlich, dass unsere Dauerausstellung auf der Sammlung von Boris Mints basiert. Jede Privatsammlung wird zunächst nach dem Geschmack des Erwerbers zusammengestellt. Dann versteht der Sammler normalerweise die Logik dessen, was er erwirbt, und irgendwann wird plötzlich klar, dass das, was Sie sammeln, eine bestimmte Kontur hat. Dann beginnen Sie, dieser Gliederung diejenigen Arbeiten hinzuzufügen, ohne die nichts funktionieren wird. Da ich zum Beispiel bereits wusste, dass es ein Museum geben würde, habe ich darüber nachgedacht, welche Art von Gemälden der Sammlung hinzugefügt werden könnten, damit die Dauerausstellung repräsentativ wäre und die Fragen der Betrachter beantworten würde. Mir war klar, dass diese Sammlung beispielsweise Werke von Juri Pimenow umfassen sollte. Und wir haben zwei seiner Werke gekauft. So wird die Sammlung immer vollständiger, sie wächst, notwendige Fragmente werden hinzugefügt.

Ist das Wort „Upgrade“ hier angebracht?

Eher wie „Stringing“. Es ist, als würde man ein Puzzle zusammensetzen: Es wächst auf verschiedenen Seiten, und man versucht, es zu vervollständigen und Details von verschiedenen Seiten hinzuzufügen.

Haben Sie hier einen Lieblingsort?

Lieblingsorte ändern sich, und das liegt an den Veränderungen in den Ausstellungen, die in unserem Museum stattfinden. Früher habe ich es zum Beispiel sehr genossen, beim zentralen Gemälde der Lakhovsky-Ausstellung im 3. Stock zu stehen. Nun, das ist vielleicht ein heiliger Raum im Minus-Erdgeschoss. Der Raum des Museums ermöglicht es, die Geometrie der Säle zu verändern, und das ist sein absoluter Vorteil. Hier kann man zu jeder Ausstellung etwas Neues machen. Ich denke, dass sich viermal im Jahr etwas ändern wird. Auch in meinem Büro macht es sich gut (lächelt).​

Was ist mit Ihren Lieblingsmuseen und -galerien? Welche würden Sie gerne hierherbringen und kopieren?

Das kann man wahrscheinlich nicht sagen, aber natürlich gibt es Menschen und Teams, von denen man lernt. Ich war einst sehr beeindruckt von der Organisation der Pinakothek von Paris, die zu meinem großen Bedauern letzten Winter geschlossen wurde. Es war ein brillantes Museum, das zweimal im Jahr ausschließlich die Vornamen ausstellte – sie zeigten Munch, Kandinsky, Van Gogh, Lichtenstein.

In der Gesellschaft herrscht das Klischee, dass die Direktorin eines Museums eine ältere, weise und erfahrene Dame sei. Und hier vor mir bist du jung, schön, erfolgreich. Mussten Sie den Menschen beweisen, dass Sie eine Führungspersönlichkeit sein können?

Weißt du, wahrscheinlich nicht. Natürlich, wie der Held von „Pokrovsky Gate“ sagte: „Wenn Sie auf die Bühne gehen, müssen Sie eines anstreben: Sie müssen jedem sofort sagen, wer Sie sind, warum und warum.“ Zum Glück bin ich nicht der Erste; junge Museumsdirektoren gibt es erfolgreich, daher besteht hier kein Grund, nach Drama zu suchen. Gott sei Dank gibt es beides. Ich bin Boris Iosifovich sehr dankbar für sein Vertrauen in die jungen Menschen. Wir haben ein junges Team, aber es ist sehr cool. Wahrscheinlich mangelt es uns irgendwo an Erfahrung, das gebe ich gerne zu, auch wenn ich den Eindruck habe, dass wir schnell lernen.

Eine Woche nach der Eröffnung der Ausstellung „Frauen“, die den Weggefährten berühmter russischer Künstler gewidmet ist, trafen wir uns mit Julia Petrowa, Direktorin des Museums für russischen Impressionismus. Morgen Wochentag– und da schon viele Besucher da sind, wird man zu manchen Exponaten nicht gleich kommen können. Das Thema ist sicherlich faszinierend – wie viel wissen wir über das Privatleben von Genies? Yulia Petrova erzählte auf MY WAY, wer diese Frauen waren, wie sich ihr Schicksal entwickelte und welche erstaunlichen Wendungen ihr eigenes Schicksal nahm.

Volle Säle, Ausflüge nacheinander. Wie lässt sich dieser Erfolg erklären? Die Tatsache, dass Details aus dem Leben berühmter Persönlichkeiten enthüllt werden?
Ich denke, es geht vielmehr darum, dass wir in dieser Ausstellung die ersten Namen der russischen Kunst versammelt haben. Ilja Repin, Walentin Serow, Boris Kustodiew, Michail Nesterow, Igor Grabar, Nikolai Feschin, Alexander Deineka, Pjotr ​​Kontschalowski ... Ich sehe, dass die Werke der Autoren, deren Namen bekannt sind, mehr Aufmerksamkeit erregen. Daher scheint mir das Interesse eher darin zu bestehen, die Namen, auf die wir normalerweise stolz sind, in einem Namensraum zu vereinen. Natürlich interessieren sich auch Menschen für Schicksalsgeschichten und auf Exkursionen beantworten wir diese Fragen. Aber wir sind Kunstmuseum und zunächst einmal reden wir über Malerei.

Es ist klar. Dennoch aus dem Erbe dieser wunderbare Künstler Sie haben sich nicht für Landschaften oder Stillleben entschieden, sondern für Porträts ihrer Frauen.
Mir kommt es nicht so vor, als ob wir uns hier in eine Art Boulevard-„Gelbheit“ verirren. Im Gegenteil, was wir über diese Frauen erzählen, fügt meiner Meinung nach dem Bild der Künstlerin Informationen hinzu. Das würde ich mir bei jedem wünschen berühmter Nachname Es entstand das Bild einer Person, über die es interessant war, mehr zu erfahren, zu lesen, wenn sie nach Hause kam, oder es ihren Eltern, Kindern und Freunden zu erzählen.

Die Ausstellung umfasst den Zeitraum von letztes Quartal XIX bis zur ersten Hälfte des XX Jahrhunderts. Doch nicht alle Werke fallen in den Bereich des russischen Impressionismus.
Eine solche Aufgabe haben wir uns nicht gestellt. Boris Iosifovich Mints, der Gründer des Museums, und ich waren uns von Anfang an einig, dass nur eine Dauerausstellung dem russischen Impressionismus gewidmet sein würde und temporäre Ausstellungen das Recht hätten, sich weder auf den Impressionismus noch auf die russische Kunst zu beziehen. Andererseits ist es für uns am interessantesten, mit dieser bestimmten Zeit zu arbeiten, da die Entwicklung des russischen Impressionismus damit zusammenhängt. Durch das Prisma des Porträts seiner Frau sprechen wir über die russische Kunst dieser Zeit und über ihre Entwicklung weibliches Bild. Das erste Porträt dieser Ausstellung stammt chronologisch aus dem Jahr 1880; es kam aus Simferopol. Dies ist das Werk von Nikolai Matveev, sehr sanft, akademischer Natur, einfach signiert – „Porträt seiner Frau“. Wir wissen überhaupt nichts über diese Frau, nicht einmal ihren Namen. Doch fast 140 Jahre sind vergangen und Zuschauer, Soziologen und Kunsthistoriker begannen sich zu fragen, wer diese Frauen waren. Was können Sie über sie sagen? Haben sie diesen Meistern geholfen oder sie destruktiv beeinflusst? Tatsächlich müssen wir persönliche Geschichten erzählen, manchmal tragisch, manchmal ziemlich lustig. Hinter jeder Arbeit steckt ein Schicksal.

Sie werden also sehr selten ausgestellt?
Alles, was wir hier zeigen, wird selten von der Öffentlichkeit gesehen. Dabei handelt es sich um Objekte aus 15 Museen und 17 Privatsammlungen. Und hier stellt sich, wissen Sie, auch die Frage, was die breite Öffentlichkeit seltener sieht – Werke aus Privatsammlungen, zum Beispiel von Roman Babitschew oder Pjotr ​​Awen, oder Werke aus den Museen von Saransk, Simferopol oder Petrosawodsk. Leider werden selbst so brillante Museen wie Ufa oder Kasan von Moskauern äußerst selten besucht. Zurück zur Frage nach Geschichten. Natürlich verdient Natalya Borisovna Nordman-Severova, Repins Frau, immer eine gesonderte Diskussion. Ihr ganzes Leben lang schockierte sie die Menschen um sie herum. Kam aus Noble Familie, nicht reich, aber durchaus auffällig – sie Pate war Alexander II. In ihrer Jugend floh sie in die USA, um dort auf einer Farm zu arbeiten; ein Jahr später kehrte sie nach Russland zurück. Die Gespräche hinter ihrem Rücken waren größtenteils wertend. Als sie zum ersten Mal zu Repin gebracht wurde, bat Ilja Jefimowitsch, „diesen nicht noch einmal ins Haus zu bringen“.

Auch so?
Ja. Dennoch wurde Natalya Borisovna die Frau von Ilya Efimovich. Sie war Frauenrechtlerin, Feministin und versuchte, Dienerinnen zu emanzipieren. Es ist weithin bekannt, dass in Repins Anwesen in den Penaten Diener mit den Herren am Tisch saßen. Natalya Borisovna bereitete für ihren Mann vegetarische Abendessen und Heukoteletts zu. Repin erinnerte sich jedoch daran, dass „Natascha abends in den Gletscher hinabsteigt und Schinken isst“.

Vielleicht war er ironisch oder fantasierte?
Vielleicht. Aber er liebte sie sehr. Sie sagten, dass er „keinen Schritt von seiner Nordmansha verlasse.“ Und selbst diejenigen, die Natalya Borisovna wegen ihrer radikalen Ansichten verurteilten, insbesondere Korney Chukovsky, gaben zu, dass sie Ilya Efimovich sehr unterstützte und alles Mögliche für ihn tat. Wir zeigen Gemälde und skulpturale Porträts von Natalya Borisovna. Repin hat nur wenige skulpturale Porträts geschaffen, dieses ist eines davon. Eine eigene Geschichte neben dem Porträt von Igor Grabar, ebenfalls aus einer Privatsammlung. Dargestellt sind zwei junge Frauen, die Schwestern Meshcherina, Nichten des Unternehmers Nikolai Meshcherin, Besitzer der Manufaktur Danilovskaya. Igor Grabar kam oft zu ihnen nach Dugino – Meshcherin unterhielt in seinem Anwesen Werkstätten für Künstler. Im Laufe der Zeit wurde eine der Nichten, Valentina, Grabars Frau. Sie brachten zwei Kinder zur Welt, aber leider wurde Valentina krank, verbrachte mehrere Jahre in der Klinik und verließ schließlich ihr Zuhause. Ihre Schwester Maria, die dann die zweite Frau des Künstlers wurde, kümmerte sich um die Kinder. Das hier ausgestellte Porträt wurde 1914 gemalt, als Grabar gerade Valentina geheiratet hatte. Natürlich konnte damals niemand ahnen, dass das Leben so verlaufen würde.

Wie unterscheiden sich Porträts von Ehefrauen von Bildern anderer „Models“?
Dies ist zunächst einmal das Bild einer Person, die dem Künstler am nächsten und verständlichsten ist. Ein Selbstporträt und ein Porträt einer Frau sind im Allgemeinen verwandte Dinge. Das Porträt einer Frau wird nicht auf Bestellung gemalt. Dementsprechend kann man unterschiedlich viel Zeit damit verbringen. So malte Robert Falk zwei Jahre lang ein Porträt seiner Frau Angelina Shchekin-Krotova. Manchmal höre ich von Gästen unseres Museums Kommentare im Sinne von „Die Frauen sind überhaupt nicht schön.“ Aber in den meisten Fällen talentierter Künstler schreibt ein Bild, keine fotografischen Einzelheiten. Ein Porträt ist immer eine Gesamtheit körperliche Merkmale und innerer Charme, für den der Künstler, der mit einem Modell arbeitet, zweifellos anfällig ist.

Haben Sie Lieblingswerke?
Sicherlich. Aber es fällt mir schwer, mich für eines zu entscheiden. Es gibt Porträts, die mir wirklich gefallen künstlerischer Punkt Vision. Ich habe Boris Grigoriev und Nikolai Feshin bereits erwähnt. Ein wunderbares Porträt von Konchalovsky aus dem Jahr 1919. Generell sind meiner Meinung nach die 1910er Jahre die interessantesten Jahre in seinem Vermächtnis. Die Frau von Pjotr ​​​​Petrowitsch war die Tochter von Wassili Surikow. Mit dem Porträt von Petrov-Vodkin ist eine wunderbare Geschichte verbunden. Während er dieses Porträt schuf, machte der Künstler seiner Geliebten einen Heiratsantrag. Sie war verlegen, sagte: „Ich weiß es nicht“ und rannte in den Garten. Aber die Hochzeit fand statt und sie lebten lange glückliches Leben. Kusma Sergejewitschs Frau, die Französin Marie, wurde Kunsthistorikerin und Forscherin und schrieb Memoiren, die sie „Mein großer russischer Ehemann“ nannte.

Waren die Ehefrauen der Künstler Malerinnen?
Sicherlich. Elizaveta Potekhina studierte bei Robert Falk und wurde seine erste Frau. Elizaveta von Brasche, die Frau von Boris Grigoriev, schloss die Stroganow-Schule mit einer Goldmedaille ab – aber wer hat ihre Arbeit gesehen? Für die meisten dieser Frauen bedeutete die Ehe das Ende ihrer persönlichen Beziehung kreatives Schicksal. Als Ausnahme kann Varvara Stepanowa gelten – ihr Porträt von Alexander Rodtschenko ist ebenfalls in unserer Ausstellung zu sehen. Als seltenes Beispiel einer Frau, die neben ihrem Künstler-Ehemann ihr eigenes Werk geschaffen hat glänzende Karriere Nennen wir Nadezhda Nadezhdina, die Gründerin des Beryozka-Ensembles. Ihr Ehemann war Wladimir Lebedew, ein Maler, Grafiker, ein sehr guter Künstler. Es ist klar, dass die Figur von Margarita Konenkova viele Fragen aufwirft. Mittlerweile ist bekannt, dass sie eine sowjetische Geheimdienstoffizierin war. Und gerade weil sie Sonderaufträge ausführte, verbrachten die Konenkovs 20 Jahre in den Staaten und waren nach ihrer Rückkehr keiner Repression ausgesetzt, im Gegenteil, sie erhielten eine Wohnung und eine Werkstatt am Twerskoi-Boulevard;

Ich kann nicht umhin zu fragen: Was ist mit Ihnen als Museumsdirektor?Ihnen fehlt die Zeit für Beruf und Familie?
Natürlich können Sie die Unermesslichkeit nicht akzeptieren; Sie werden immer das Gefühl haben, in dem einen oder anderen Teil Ihres Lebens keine Zeit gehabt zu haben. Aber ich weiß, dass es meins ist starker Punkt- Zeiteinteilung. Ohne ein solches Wort zu kennen, habe ich in der Mittelschule gelernt, geplante Zeitpläne zu planen und einzuhalten und nie zu spät zu kommen. Ich bin sicher, das hilft mir, im Rhythmus zu bleiben. Außerdem ist mein Mann eine Steinmauer.

Wie haben Sie sich überhaupt für Ihren Beruf entschieden? Stammen Sie aus einer Familie von Kunsthistorikern?
Nein. Meine Eltern sind Ingenieure. Ich habe an einer sehr guten Schule in St. Petersburg studiert, wir hatten einen Kurs über Kunstgeschichte – die Lehrerin Galina Petrovna Zhirkova hat es so interessant erzählt, dass ich Feuer gefangen habe. Dann ging ich an die Universität in St. Petersburg und studierte parallel an zwei Fakultäten – Geschichte und Philologie. Sie studierte französische Symbolik und verteidigte schließlich ihre Dissertation zu diesem Thema – über einen Künstler namens Eugene Carriere. Nach der 10. Klasse begann sie zu arbeiten – sie gab Französischunterricht, erledigte Übersetzungen und arbeitete als Redakteurin. Danke an diejenigen, die an mich geglaubt haben, als ich, siebzehn Jahre alt, zu ihnen kam und darauf bestand, dass ich alles tun könnte. Ich versuche auch, die jungen Leute zu unterstützen, die in unser Museum kommen.

Wie sind Sie selbst ins Museum gekommen?
Ich traf Mr. Mints, als ich in der Antiquitätengalerie von Leonid Shishkin in Moskau arbeitete. Boris Iosifovich war einer unserer Kunden. Als ich die Galerie verließ und Herrn Mintz mitteilte, dass ich aufhören würde, lud er mich ein, sein Berater zu werden. Nun ja, danach eine kurze Zeit Er hatte die Idee, ein Museum zu eröffnen – und seit mehr als sechs Jahren arbeiten wir an diesem Projekt.

Du bist so jung und schon Museumsdirektor – welche Ziele setzt du dir?
Neben dem beruflichen Wachstum gibt es auch berufliches Wachstum. Ich wünsche mir, dass die Ausstellungen, die wir hier veranstalten, ein Erfolg werden. Damit die Menschen gerne zu ihnen kommen und inspiriert wieder gehen. Damit die Moskauer, die darüber nachdenken, wie sie das Wochenende verbringen werden, einen Blick darauf werfen, was es im Museum des russischen Impressionismus gibt? Ich denke, dass ich nach 40 meine Doktorarbeit machen werde. Nun, wie jede Frau hätte ich gerne mehr Kinder (jetzt habe ich nur noch eine Tochter). Und ich möchte, dass meine Familie glücklich ist.

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Text: Lyudmila Burkina

Direktor des Museums für russischen Impressionismus Julia Petrowa.

Saslawski: Im Studio Grigory Zaslavsky, guten Tag. Und ich freue mich, Ihnen unseren Gast vorstellen zu dürfen – das ist die Direktorin des gerade in Moskau eröffneten Museums für Russischen Impressionismus, Julia Petrowa. Julia, willkommen im Vesti FM-Studio, hallo.

Petrova: Guten Tag.

Saslawski: Bitte sagen Sie uns im Allgemeinen, soweit ich weiß, dass Ihr Gründer, der Gründer, dieser gesamte bolschewistische Komplex besitzt. Ja oder Nein?

Petrova: Absolut richtig, ja.

Saslawski: Ja. Und wie, warum haben Sie sich aus all diesen wunderbaren Gebäuden entschieden (jedes von ihnen ist für einen erfahrenen Menschen mit etwas Süßem und Schönem verbunden, „Jubiläumskekse“, „Erdbeerkekse“, köstliche Kuchen), warum haben Sie sich für dieses entschieden? Gibt es von all diesen Gebäuden eine Getreidemühle in den Tiefen des Blocks, zu der Sie noch gehen müssen? Und im Allgemeinen ist diese Art von Museumsraum im Inneren für Moskau weitgehend neu. Nun, vielleicht lässt sich das mit Wasnezows Haus vergleichen, das zwischen den Gassen versteckt ist. Jetzt fing ich sofort an, nach Assoziationen zu suchen.

Petrova: Es ist nicht weit bis dorthin. Uns selbst gefällt es, und Gäste hinterlassen bereits Bewertungen, dass „Bolschewik“ sehr schön rekonstruiert wurde und man darin herumläuft, als würde man durch London laufen. Das ist die ehrliche Wahrheit, es ist mittlerweile sehr talentiert gemacht. Wir haben uns für dieses Gebäude entschieden (runder Grundriss, Zylinder, Zylinder ohne Fenster), weil unsere Gemälde eigentlich kein Straßentageslicht benötigen und es für Museumsgemälde nicht sehr nützlich ist. Und wenn in gewöhnlichen Museen (leider keine gewöhnlichen Museen, sondern solche, die sich in traditionelleren Räumlichkeiten befinden) die Mitarbeiter gezwungen sind, irgendwie mit dem Licht zu kämpfen und schwere Vorhänge aufzuhängen, dann haben wir kein solches Problem. Es gibt keine Fenster, keine Blendung, nichts stört die Wahrnehmung des Gemäldes. Das Gebäude erschien uns in dieser Hinsicht sehr praktisch. Und außerdem hatte unser in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts erbautes Gebäude keinen historischen Wert, da es keinen historischen Wert hatte, wie das Vordergebäude am Leningradsky Prospekt, das anhand von Archivfotos buchstäblich bis ins Detail restauriert wurde , was es uns natürlich ermöglichte, es fast vollständig in ein Museum umzuwandeln. Es blieb in seinen Formen, aber seine Innenaufteilung hat sich völlig verändert.

Saslawski: Aber es ist interessant, wenn einige neue Gebäude wie dieses in Russland gebaut werden, nehmen sie oft eine ausländische, englische oder eine andere Institution als Analogon. Gibt es ein Vorbild, gab es eines für das Museum des Russischen Impressionismus, sowohl in seiner äußeren Gestaltung als auch in seinem inneren Inhalt? Na ja, vielleicht sogar aufgrund der Tatsache, dass das Team, das das gemacht hat, wahrscheinlich aus dem Ausland war. Oder auch nicht, oder?

Petrova: Ausländischer Architekt – Britisches Architekturbüro John McAslan + Partners.

Saslawski: Haben sie schon Museen gegründet?

Petrova: Sie sind im Allgemeinen spezialisiert auf kulturelle Stätten. In Moskau drehten sie „Stanislavsky Factory“ mit dem Theaterstudio von Sergei Zhenovach. Und so wandten wir uns an sie, da wir von der Qualität dessen, was wir bekommen würden, absolut überzeugt waren. „Stanislavsky-Fabrik“, diejenigen, die dort waren, wissen, dass sie erstaunlich gut gemacht, hochwertig und schön ist.

Saslawski: Sowohl der Büroteil als auch der Theaterteil, ja, da stimme ich zu, ja.

Petrova: Und der Büroteil und der Theaterteil und die Wohnungen, die sich dort befinden.

Saslawski: Ich war nicht in der Wohnung.

Petrova: Ich war auch nicht drinnen, aber von außen sieht alles sehr, sehr gediegen aus, im gleichen Stil und sehr hohes Level. Daher haben wir uns ohne Bedenken an dieses Architekturbüro gewandt. Waren sie irgendwelchen bestehenden Modellen ähnlich? Ehrlich gesagt bin ich mir nicht sicher.

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