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Die Wiener Klassiker gingen als große Reformatoren in die Weltgeschichte der Musik ein. Ihr Werk ist nicht nur an sich einzigartig, es ist auch wertvoll, weil es die Weiterentwicklung des Musiktheaters, seiner Genres, Stile und Bewegungen bestimmte. Ihre Kompositionen legten den Grundstein für das, was heute als klassische Musik gilt.

Allgemeine Merkmale der Epoche

Diese Autoren eint die Tatsache, dass sie an der Wende zweier großer kultureller und historischer Epochen schufen: Klassizismus und Romantik. Die Wiener Klassiker lebten in einer Zeit des Übergangs, in der nicht nur in der Musik, sondern auch in der Belletristik, Malerei und Architektur rege nach neuen Formen gesucht wurde. All dies bestimmte weitgehend die Richtung ihrer Aktivitäten und die Themen ihrer Schriften. Das 18. und die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts waren von schweren politischen Umwälzungen und Kriegen geprägt, die die Landkarte Europas buchstäblich auf den Kopf stellten und einen starken Einfluss auf das Bewusstsein der modernen Intelligenz und der gebildeten Gesellschaftskreise hatten. Die Wiener Klassiker bildeten da keine Ausnahme. Es ist beispielsweise eine bekannte Tatsache, dass die Napoleonischen Kriege das Werk Beethovens stark beeinflusst haben, der in seiner berühmten 9. Symphonie („Choral“) die Idee der universellen Einheit und des Friedens vermittelte. Dies war eine Art Reaktion auf alle Katastrophen, die den europäischen Kontinent zu der Zeit, über die wir nachdenken, erschütterten.

Kulturleben

Die Wiener Klassiker lebten in einer Zeit, in der der Barock in den Hintergrund trat und eine neue Richtung eine führende Rolle zu spielen begann. Es strebte nach Harmonie der Formen, Einheitlichkeit der Komposition und gab daher die prächtigen Formen der Vorzeit auf. Der Klassizismus begann das kulturelle Erscheinungsbild vieler europäischer Staaten zu bestimmen. Aber gleichzeitig gab es schon damals die Tendenz, die starren Formen dieses Trends zu überwinden und etwas zu schaffen starke Werke mit Elementen des Dramas und sogar der Tragödie. Dies waren die ersten Anzeichen der Entstehung der Romantik, die die kulturelle Entwicklung des gesamten 19. Jahrhunderts bestimmte.

Opernreform

Wiener Klassiker spielten eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung aller Musikrichtungen des Berichtszeitraums. Jeder von ihnen spezialisierte sich sozusagen auf einen bestimmten Stil oder eine bestimmte Musikform, aber alle ihre Errungenschaften wurden in den goldenen Fundus der Weltmusik aufgenommen. Gluck (Komponist) war der Größte und einer der Größten berühmte Autoren seiner Zeit. Seine Rolle in der Entwicklung des Theaters kann man kaum überschätzen: Schließlich war er es, der der Gattung Oper die vollendete Form gab, wie wir sie heute kennen. Das Verdienst von Christopher Gluck besteht darin, dass er sich als erster vom Verständnis der Oper als Werk zur Demonstration stimmlicher Fähigkeiten entfernte, sondern das musikalische Prinzip der Dramaturgie unterordnete.

Bedeutung

Gluck ist der Komponist, der die Oper zu einer echten Aufführung gemacht hat. Sowohl in seinen Werken als auch in den Werken seiner Anhänger begann der Gesang weitgehend vom Wort abzuhängen. Handlung und Komposition und vor allem das Drama begannen, die Entwicklung der musikalischen Linie zu bestimmen. Damit ist die Oper kein ausschließlich unterhaltsames Genre mehr, sondern eine ernstzunehmende Form des Musikschaffens mit komplexer Dramaturgie, aus psychologischer Sicht interessanten Charakteren und einer faszinierenden Komposition.

Werke des Komponisten

Die Wiener klassische Schule bildete die Grundlage des gesamten Weltmusiktheaters. Ein großer Teil des Verdienstes dafür gebührt Gluck. Seine Oper „Orpheus und Eurydike“ wurde zum Durchbruch in diesem Genre. Darin konzentrierte sich der Autor nicht auf die Virtuosität der Aufführung, sondern auf die Dramatik der Charaktere, dank derer das Werk einen solchen Klang erhielt und noch heute aufgeführt wird. Auch eine andere Oper, Alceste, war ein neues Wort in der Weltmusik. Der österreichische Komponist konzentrierte sich erneut auf die Entwicklung der Handlung, wodurch das Werk einen starken psychologischen Unterton erhielt. Das Werk wird bis heute auf den besten Bühnen der Welt aufgeführt, was darauf hindeutet, dass die von Gluck durchgeführte Reform der Operngattung von grundlegender Bedeutung für die Entwicklung des gesamten Musiktheaters war und die Weiterentwicklung der Oper in diese Richtung bestimmte.

Nächste Entwicklungsstufe

Auch der österreichische Komponist Haydn gehört zu der berühmten Galaxie von Autoren, die maßgeblich zur Reform der Musikgattungen beigetragen haben. Er ist vor allem als Schöpfer von Sinfonien und Quartetten bekannt. Dank ihnen erlangte der Maestro nicht nur in den mitteleuropäischen Ländern, sondern auch über deren Grenzen hinaus große Popularität. Am bekanntesten sind seine Werke, die unter dem Namen „Twelve London Symphonies“ in das Weltrepertoire aufgenommen wurden. Sie zeichnen sich durch einen Sinn für Optimismus und Fröhlichkeit aus, der jedoch fast allen Werken dieses Komponisten eigen ist.

Merkmale der Kreativität

Ein charakteristisches Merkmal der Werke Joseph Haydns war ihre Verbindung zur Folklore. In den Werken des Komponisten sind oft Gesangs- und Tanzmotive zu hören, die seine Werke so erkennbar machten. Dies spiegelte die Haltung des Autors wider, der Mozart weitgehend nachahmte und ihn betrachtete bester Komponist in der Welt. Von ihm entlehnte er fröhliche, leichte Melodien, die seine Werke ungewöhnlich ausdrucksstark und klanglich hell machten.

Weitere Werke des Autors

Haydns Opern erfreuen sich nicht so großer Beliebtheit wie seine Quartette und Sinfonien. Dennoch nimmt diese Musikgattung einen herausragenden Platz im Schaffen des österreichischen Komponisten ein, weshalb einige seiner Werke dieser Art erwähnt werden sollten, zumal sie eine bemerkenswerte Etappe in seinem Schaffen darstellen kreative Biografie. Eine seiner Opern heißt „Der Apotheker“ und wurde für die Eröffnung des neuen Theaters geschrieben. Auch für die neuen Theaterbauten schuf Haydn mehrere weitere Werke dieser Art. Er schrieb hauptsächlich im Stil der italienischen Opera buffa und kombinierte manchmal komische und dramatische Elemente.

Die berühmtesten Werke

Haydns Quartette werden zu Recht als die Perle der klassischen Weltmusik bezeichnet. Sie vereinen die Grundprinzipien des Komponisten: Eleganz der Form, Virtuosität der Ausführung, optimistischer Klang, thematische Vielfalt und origineller Weg Ausführung. Einer der berühmten Zyklen heißt „Russisch“, weil er Zarewitsch Pawel Petrowitsch, dem späteren russischen Kaiser Paul I., gewidmet ist. Eine weitere Gruppe von Quartetten ist für den preußischen König bestimmt. Diese Kompositionen wurden in einer neuen Art geschrieben, da sie sich durch eine außergewöhnliche Klangflexibilität und eine Fülle kontrastierender musikalischer Schattierungen auszeichneten. Mit dieser Musikrichtung erlangte der Name des Komponisten weltweite Bedeutung. Dabei ist zu beachten, dass der Autor in seinen Kompositionen häufig auf sogenannte „Überraschungen“ zurückgriff und unerwartete musikalische Passagen an Stellen einbaute, an denen das Publikum es am wenigsten erwartete. Haydns „Kindersymphonie“ ist eines dieser ungewöhnlichen Werke.

Allgemeine Merkmale von Mozarts Werk

Dabei handelt es sich um einen der bekanntesten Musikautoren, der sich bei Klassik-Fans bis heute außerordentlicher Beliebtheit erfreut und auf der ganzen Welt geliebt wird. Der Erfolg seiner Werke erklärt sich aus der Tatsache, dass sie sich durch logische Harmonie und Vollständigkeit auszeichnen. In dieser Hinsicht führen viele Forscher sein Werk der Epoche des Klassizismus zu. Andere glauben das jedoch Wiener Komponist wurde zum Vorboten der Romantik: Schließlich war in seinen Werken bereits eine deutlich sichtbare Tendenz zur Darstellung starker, außergewöhnlicher Bilder sowie eine tiefe psychologische Charakterstudie zu erkennen (in diesem Fall handelt es sich um eine Oper). Wie dem auch sei, die Werke des Maestros zeichnen sich durch Tiefe und gleichzeitig außergewöhnliche Leichtigkeit der Wahrnehmung, Dramatik und Optimismus aus. Sie sind einfach und für jedermann zugänglich, aber gleichzeitig sehr ernst und philosophisch in ihrem Inhalt und Klang. Genau das ist das Phänomen seines Erfolgs.

Opern des Komponisten

Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Operngattung. Großes Verdienst dafür gebührt Mozart. Aufführungen zu seiner Musik erfreuen sich nach wie vor größter Beliebtheit und werden nicht nur von echten Musikliebhabern, sondern auch vom breiten Publikum geliebt. Vielleicht ist dies der einzige Komponist, dessen Musik jedem auf die eine oder andere Weise bekannt ist, auch wenn er nur eine vage Vorstellung von seinem Werk hat.

Die berühmteste Oper ist vielleicht „Die Hochzeit des Figaro“. Dies ist wahrscheinlich das fröhlichste und zugleich ungewöhnlich witzigste Werk des Autors. Humor ist in fast allen Teilen zu hören, was ihn so beliebt gemacht hat. Die berühmte Arie der Hauptfigur wurde schon am nächsten Tag ein echter Hit. Mozarts Musik – hell, verspielt, verspielt, aber gleichzeitig ungewöhnlich weise in ihrer Einfachheit – erlangte sofort allgemeine Liebe und Anerkennung.

Eine weitere berühmte Oper des Autors ist „Don Giovanni“. In puncto Popularität steht es dem oben genannten vielleicht in nichts nach: Aufführungen dieser Aufführung sind in unserer Zeit zu sehen. Bezeichnend ist, dass der Komponist die recht komplexe Geschichte dieses Mannes in einer sehr einfachen und zugleich ernsten Form präsentierte und damit einmal mehr sein tiefes Verständnis für das Leben unter Beweis stellte. Dabei konnte das Genie sowohl die dramatische als auch die optimistische Komponente zeigen, die in allen seinen Werken untrennbar miteinander verbunden sind.

Heutzutage ist die Oper „ Zauberflöte" Mozarts Musik erreichte ihren Höhepunkt in ihrer Ausdruckskraft. In dieser Komposition ist es leicht, luftig, heiter und zugleich ungewöhnlich ernst, sodass man sich nur fragen kann, wie es dem Autor gelungen ist, das Ganze zu vermitteln philosophisches System. Auch andere Opern des Komponisten sind bekannt, beispielsweise kann man heute La Clemenza di Titus regelmäßig sowohl in Theater- als auch in Konzertaufführungen hören. Auf diese Weise, Operngenre nahm einen der Hauptplätze im Werk des brillanten Komponisten ein.

Ausgewählte Werke

Der Komponist arbeitete in verschiedenen Richtungen und schuf eine Vielzahl musikalischer Werke. Mozart, dessen „Nachtserenade“ beispielsweise längst über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinausgegangen und weithin bekannt geworden ist, schrieb in einer sehr einfachen und einfachen Form zugängliche Sprache. Vielleicht wird er deshalb oft als das Genie der Harmonie bezeichnet. Selbst in tragischen Werken gab es ein Motiv der Hoffnung. Im „Requiem“ drückte er seine Gedanken über ein Besseres aus zukünftiges Leben, so dass das Werk trotz des tragischen Tons der Musik ein Gefühl aufgeklärter Ruhe hinterlässt.

Auch Mozarts Konzert zeichnet sich durch harmonische Harmonie und logische Vollständigkeit aus. Alle Teile sind einem einzigen Thema untergeordnet und durch ein gemeinsames Motiv verbunden, das den Ton für das gesamte Werk vorgibt. Deshalb hört man seine Musik in einem Atemzug. In dieser Art von Genre werden die Grundprinzipien der Arbeit des Komponisten verkörpert: eine harmonische Kombination von Klängen und Stimmen, ein heller und zugleich virtuoser Klang des Orchesters. Keiner konnte sein musikalisches Schaffen so harmonisch strukturieren wie Mozart. Die „Nachtserenade“ des Komponisten ist eine Art Maßstab für die harmonische Kombination von Teilen mit unterschiedlichen Klängen. Fröhliche und laute Passagen weichen sehr rhythmisch kaum hörbaren virtuosen Passagen.

Besonders hervorzuheben sind die Massen des Autors. Sie nehmen in seinem Werk einen herausragenden Platz ein und sind wie andere Werke von einem Gefühl strahlender Hoffnung und erleuchteter Freude durchdrungen. Erwähnenswert ist auch das berühmte „Türkische Rondo“, das über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinausgeht und oft sogar in Fernsehwerbung zu hören ist. Aber das größte Gefühl für Harmonie findet sich vielleicht in Mozarts Konzert, in dem das Prinzip der logischen Vollständigkeit seinen höchsten Grad erreicht.

Kurz über Beethovens Werk

Dieser Komponist gehört vollständig zur Ära der Dominanz der Romantik. Steht Johann Amadeus Mozart sozusagen an der Schwelle zum Klassizismus und einer neuen Richtung, so hat sich Ludwig Van Beethoven in seinen Werken ganz der Darstellung starker Leidenschaften, starker Gefühle und außergewöhnlicher Persönlichkeiten verschrieben. Er wurde vielleicht der prominenteste Vertreter der Romantik. Es ist bezeichnend, dass, wenn man sich dem Dramatischen zuwendet, Tragische Themen, er schrieb nur eine Oper. Das Hauptgenre blieben für ihn Sinfonien und Sonaten. Ihm wird die Reform dieser Werke zugeschrieben, so wie Gluck seinerzeit die Opernaufführung reformierte.

Ein bemerkenswertes Merkmal des Schaffens des Komponisten war, dass das Hauptthema seiner Werke das Bild des mächtigen, titanischen Willens eines Menschen war, der mit großer Willensanstrengung Schwierigkeiten und alle Hindernisse überwindet. Auch L. V. Beethoven widmete in seinen Kompositionen dem Thema Kampf und Konfrontation sowie dem Motiv der universellen Einheit viel Raum.

Einige biografische Fakten

Er stammte aus einer Musikerfamilie. Sein Vater wollte, dass der Junge ein berühmter Komponist wird, also arbeitete er mit ziemlich harten Methoden mit ihm zusammen. Vielleicht wuchs das Kind deshalb von Natur aus düster und streng auf, was sich später auf seine Kreativität auswirkte. Beethoven arbeitete und lebte in Wien, wo er bei Haydn studierte, doch dieses Studium enttäuschte sowohl Schüler als auch Lehrer sehr schnell. Letzterer machte darauf aufmerksam, dass bei dem jungen Autor eher düstere Motive vorherrschten, was damals nicht akzeptiert wurde.

Beethovens Biografie erzählt auch kurz von der Zeit seiner Leidenschaft für den Befreiungskampf. Zunächst nahm er die Napoleonischen Kriege mit Begeisterung auf, doch später, als Bonaparte sich selbst zum Kaiser ausrief, gab er die Idee auf, ihm zu Ehren eine Symphonie zu schreiben. Im Jahr 1796 begann Ludwig sein Gehör zu verlieren. Dies unterbrach seine schöpferische Tätigkeit jedoch nicht. Bereits völlig taub schrieb er seine berühmte 9. Symphonie, die zu einem wahren Meisterwerk des Weltmusikrepertoires wurde. (Es ist unmöglich, darüber kurz zu sprechen) enthält auch Informationen über die Freundschaft des Maestros mit herausragenden Menschen seiner Zeit. Trotz seines zurückhaltenden und harten Charakters war der Komponist mit Weber, Goethe und anderen Persönlichkeiten des Klassizismus befreundet.

Die berühmtesten Werke

Oben wurde bereits gesagt, dass ein charakteristisches Merkmal von L. V. Beethovens Werk der Wunsch war, starke, emotionale Charaktere, den Kampf der Leidenschaften und die Überwindung von Schwierigkeiten darzustellen. Unter den Werken dieser Gattung ist vor allem „Appassionata“ hervorzuheben, das hinsichtlich der Intensität der Gefühle und Emotionen vielleicht zu den kraftvollsten zählt. Als der Komponist nach der Entstehungsidee gefragt wurde, verwies er auf Shakespeares Stück „Der Sturm“, das seiner Meinung nach als Inspirationsquelle diente. Der Autor zog eine Parallele zwischen den Motiven der titanischen Impulse im Werk des Dramatikers und seiner musikalischen Interpretation dieses Themas.

Eines der beliebtesten Werke des Autors ist die „Mondscheinsonate“, die im Gegenteil von Harmonie und Frieden durchdrungen ist, als stünde sie im Kontrast zur dramatischen Melodie seiner Sinfonien. Es ist bezeichnend, dass der Name dieses Werks von Zeitgenossen des Komponisten gegeben wurde, vielleicht weil die Musik an das Schimmern des Meeres in einer ruhigen Nacht erinnerte. Dies sind die Assoziationen, die bei den meisten Zuhörern beim Hören dieser Sonate aufkamen. Nicht weniger und vielleicht sogar noch beliebter ist die berühmte Komposition „Für Eliza“, die der Komponist der Frau des russischen Kaisers Alexander I., Elizaveta Alekseevna (Louise), widmete. Dieses Werk besticht durch seine erstaunliche Kombination aus leichten Motiven und ernsten dramatischen Passagen in der Mitte. Spezieller Ort Im Werk des Maestros ist seine einzige Oper „Fidelio“ (aus dem Italienischen übersetzt „Der Treue“). Dieses Werk ist, wie viele andere auch, vom Pathos der Freiheitsliebe und dem Ruf nach Freiheit durchdrungen. „Fidelio“ verlässt die Bühne der Moderatoren immer noch nicht, obwohl die Oper, wie fast immer, nicht sofort Anerkennung fand.

Neunte Symphonie

Dieses Werk ist vielleicht das berühmteste unter den anderen Werken des Komponisten. Es wurde drei Jahre vor seinem Tod, im Jahr 1824, geschrieben. Die Neunte Symphonie schließt die lange und mehrjährige Suche des Komponisten ab, das perfekte symphonische Werk zu schaffen. Es unterscheidet sich von allen vorherigen dadurch, dass es erstens einen Chorpart einführte (zur berühmten „Ode an die Freude“ von F. Schiller) und zweitens darin der Komponist die Struktur der symphonischen Gattung reformierte. Das Hauptthema wird in jedem Teil der Arbeit nach und nach enthüllt. Der Beginn der Symphonie ist eher düster und schwer, aber auch dann erklingt ein entferntes Motiv der Versöhnung und Aufklärung, das mit der Entwicklung der musikalischen Komposition zunimmt. Ganz am Ende erklingt schließlich ein ziemlich kraftvoller Chorgesang, der alle Menschen auf der Welt zur Vereinigung aufruft. Damit betonte der Komponist die Grundidee seines Werkes weiter. Er wollte, dass seine Gedanken so klar wie möglich zum Ausdruck gebracht werden, deshalb beschränkte er sich nicht nur auf die Musik, sondern führte auch die Darbietung von Sängern ein. Die Symphonie war ein voller Erfolg: Bei der Uraufführung spendete das Publikum dem Komponisten stehende Ovationen. Bezeichnend ist, dass L. V. Beethoven es komponierte, als er bereits völlig gehörlos war.

Die Bedeutung der Wiener Schule

Gluck, Haydn, Mozart und Beethoven wurden zu den Begründern der klassischen Musik und hatten großen Einfluss auf die gesamte weitere Musikgeschichte nicht nur Europas, sondern der Welt. Die Bedeutung dieser Komponisten und ihr Beitrag zur Reform des Musiktheaters können kaum hoch genug eingeschätzt werden. Sie arbeiteten in verschiedenen Genres und schufen das Rückgrat und die Form der Werke, auf deren Grundlage ihre Anhänger neue Werke komponierten. Viele ihrer Kreationen gehen längst über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinaus und finden vielfach Gehör in Film und Fernsehen. „Türkisches Rondo“, „Mondscheinsonate“ und viele andere Werke dieser Autoren sind nicht nur Musikliebhabern bekannt, sondern auch denen, die mit klassischer Musik nicht so vertraut sind. Viele Forscher bezeichnen die Wiener Entwicklungsphase der Klassiker zu Recht als die prägende Phase der Musikgeschichte, da in dieser Zeit die Grundprinzipien für die Entstehung und das Schreiben von Opern, Sinfonien, Sonaten und Quartetten festgelegt wurden.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Berufsbezeichnung: Klavierlehrer, Begleiter
Bildungseinrichtung: MBU DO Children's Music School, benannt nach D.D. Schostakowitsch
Standort: Stadt Wolgodonsk, Gebiet Rostow
Name des Materials: methodische Entwicklung
Thema: „Historische Epochen. Musikstile“ (Klassizismus, Romantik)
Erscheinungsdatum: 16.09.2015

Textteil der Publikation

Städtische Haushaltseinrichtung für zusätzliche Bildung. Kindermusikschule, benannt nach D. D. Schostakowitsch, Wolgodonsk
Methodische Weiterentwicklung zum Thema:

„Historische Epochen.

Musikstile »
Klassizismus, Romantik
) Die Entwicklung wurde von Inga Borisovna Ryabchinskaya, Lehrerin der ersten Kategorie, Begleiterin der höchsten Kategorie, durchgeführt
Stil und Ära sind zwei miteinander verbundene Konzepte. Jeder Stil ist untrennbar mit der historischen und kulturellen Atmosphäre verbunden, in der er entstanden ist. Die wichtigsten Stilrichtungen traten in historischer Reihenfolge auf, existierten und verschwanden. In jedem von ihnen wurden allgemeine künstlerische und figurative Prinzipien, Ausdrucksmittel und kreative Methoden deutlich zum Ausdruck gebracht.
KLASSIZISMUS
Die Wörter „klassisch“, „Klassizismus“, „klassisch“ stammen von der lateinischen Wurzel – classicus, also vorbildlich. Wenn wir einen Künstler, Schriftsteller, Dichter oder Komponisten einen Klassiker nennen, meinen wir, dass er die höchste Meisterschaft und Perfektion in der Kunst erreicht hat. Seine Arbeit ist hochprofessionell und für uns
Probe.
Es gibt zwei historische Phasen in der Entstehung und Entwicklung des Klassizismus.
Erste Stufe
stammt aus dem 17. Jahrhundert. Entstanden aus der Kunst der Renaissance Klassizismus XVII V. entwickelte sich gleichzeitig mit dem Barock, teils im Kampf, teils in Wechselwirkung mit ihm, und erlebte in dieser Zeit in Frankreich seine größte Entwicklung. Für die Klassiker dieser Zeit unübertroffene Beispiele künstlerische Kreativität Es gab Werke antiker Kunst, bei denen Ordnung, Rationalität und Harmonie das Ideal waren. In ihren Werken suchten sie nach Schönheit und Wahrheit, Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Konstruktion.
Zweite Phase
- Spätklassizismus, mit Mitte des 18. Jahrhunderts bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts wird hauptsächlich mit verbunden
Wiener klassische Schule
. Er ging in die Geschichte der europäischen Kultur ein als
Zeitalter der Erleuchtung
oder das Zeitalter der Vernunft. Der Mensch legte großen Wert auf Wissen und glaubte an die Fähigkeit, die Welt erklären zu können. Die Hauptfigur ist eine Person, die zu Heldentaten bereit ist und ihre Interessen – allgemein, spirituell – unterordnet
Klassizismus

Klassizismus

klar

Harmonie

klar

Harmonie

strikt

Formen

strikt

Formen

ausgewogen

Gefühle

ausgewogen

Gefühle

Impulse sind die Stimme der Vernunft. Er zeichnet sich durch moralische Standhaftigkeit, Mut, Wahrhaftigkeit und Pflichterfüllung aus. Die rationale Ästhetik des Klassizismus spiegelte sich in allen Kunstgattungen wider.
Die Architektur
Diese Zeit zeichnet sich durch Ordnung, Funktionalität, Proportionalität der Teile, eine Tendenz zu Ausgewogenheit und Symmetrie, Klarheit der Pläne und Konstruktionen sowie eine strenge Organisation aus. Aus dieser Sicht ist das Symbol des Klassizismus die geometrische Anlage des königlichen Parks von Versailles, in dem Bäume, Sträucher, Skulpturen und Brunnen nach den Gesetzen der Symmetrie angeordnet waren. Der von I. Starov errichtete Taurische Palast wurde zum Maßstab strenger russischer Klassiker.
In der Malerei
Die logische Entwicklung der Handlung, eine klare ausgewogene Komposition, eine klare Volumenübertragung, mit Hilfe von Hell-Dunkel die untergeordnete Rolle der Farbe und die Verwendung von Lokalfarben erlangten die Hauptbedeutung (N. Poussin, C. Lorrain, J. David).
In der poetischen Kunst
Es gab eine Einteilung in „hohe“ (Tragödie, Ode, Epos) und „niedrige“ (Komödie, Fabel, Satire) Genres. Prominente Vertreter französische Literatur P. Corneille, F. Racine und J. B. Moliere hatten großen Einfluss auf die Entstehung des Klassizismus in anderen Ländern. Ein wichtiger Punkt dieser Zeit war die Gründung verschiedener Akademien: Wissenschaften, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Inschriften, Musik und Tanz.
Musikstil des Klassizismus
Der Klassizismus in der Musik unterschied sich vom Klassizismus in den verwandten Künsten und entstand zwischen 1730 und 1820. In verschiedenen nationalen Kulturen verbreiteten sich Musikstile zu unterschiedlichen Zeiten; Unbestreitbar ist, dass in der Mitte des 18. Jahrhunderts der Klassizismus fast überall siegte. Der Inhalt musikalischer Kompositionen ist mit der Welt der menschlichen Gefühle verbunden, die keiner strengen Kontrolle des Geistes unterliegen. Allerdings schufen die Komponisten dieser Zeit ein sehr harmonisches und logisches Regelsystem für den Aufbau eines Werkes. Im Zeitalter des Klassizismus entstanden Genres wie Oper, Symphonie und Sonate und erreichten ihre Vollendung. Die eigentliche Revolution war die Opernreform von Christophe Gluck. Sein kreatives Programm basierte auf drei großen Prinzipien – Einfachheit, Wahrheit, Natürlichkeit. Im Musikdrama suchte er nach Sinn, nicht nach Süße. Aus der Oper entfernt Gluck alles Überflüssige: Dekorationen, großartige Effekte, verleiht der Poesie mehr Ausdruckskraft und die Musik ist der Offenlegung der inneren Welt der Helden völlig untergeordnet. Die Oper „Orpheus und Eurydike“ war das erste Werk, in dem Gluck neue Ideen umsetzte und den Grundstein legte Opernreform. Strenge, Verhältnismäßigkeit der Form, edle Einfachheit ohne Anmaßung, Gefühl
Das künstlerische Maß in Glucks Werken erinnert an die Formenharmonie antiker Skulpturen. Arien, Rezitative und Chöre bilden eine große Opernkomposition. Die Blütezeit des musikalischen Klassizismus begann in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Wien. Österreich war damals ein mächtiges Reich. Die Multinationalität des Landes beeinflusste auch seine künstlerische Kultur. Der höchste Ausdruck des Klassizismus war das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven, die in Wien wirkten und eine Richtung in der Musikkultur prägten – die Wiener klassische Schule.
Die Begründer des Wiener Klassizismus in

Musik

W. Mozart

J. Haydn L.

Beethoven
Die Ästhetik des Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität und Harmonie der Weltordnung, der sich in der Beachtung der Ausgewogenheit der Teile des Werks, der sorgfältigen Ausarbeitung von Details und der Entwicklung der Grundkanons der musikalischen Form manifestierte. In dieser Zeit entstand schließlich die Sonatenform, die auf der Entwicklung und Gegenüberstellung zweier kontrastierender Themen basierte, und die klassische Komposition der Teile der Sonate und der Symphonie wurde festgelegt.
Wiener

Klassizismus

Wiener

Klassizismus

Sonatenform
Sonate – (von italienisch sonar – ton) ist eine der Formen der Kammerinstrumentalmusik, die aus mehreren Teilen besteht. Sonatina – (italienisch sonatina – Verkleinerungsform von Sonate) – eine kleine Sonate, prägnanter im Umfang, viel einfacher im Inhalt und einfacher technisch. Zu den Instrumenten, für die Sonaten ursprünglich komponiert wurden, gehören Violine, Flöte und Klavier – die allgemeine Bezeichnung für alle Tasteninstrumente – Cembalo, Clavichord, Klavier. Die Gattung der Klaviersonate erlebte ihre größte Blüte im Zeitalter des Klassizismus. Zu dieser Zeit war das Musizieren zu Hause beliebt. Der in Sonatensatzform dargelegte erste Teil der Sonate zeichnet sich durch höchste Spannung und Schärfe aus. Der erste Teil (Sonate Allegro) besteht aus drei Abschnitten: Der erste Abschnitt der Sonata Allegro umfasst den Haupt- und Nebenteil, den Verbindungs- und den Schlussteil: Reprise, Durchführung, Exposition
Der zweite Abschnitt der Sonate Allegro – Durchführung Der dritte Abschnitt der Sonate Allegro – Reprise:
Exposition

heim

die Sendung

Hauptsächlich

Schlüssel

Seite

die Sendung

Schlüssel

Dominanten

Entwicklung

Entwicklung

Opposition

Parteien

Opposition

Parteien

Änderung

Parteien

Änderung

Parteien

"weben"

Parteien

"weben"

Parteien

Möglicher Abschnitt des Sonaten-Allegro-Codes:
Zweiter Teil
Sonatenform - langsam. Musik vermittelt einen gemächlichen Gedankenfluss, verherrlicht die Schönheit der Gefühle und malt eine exquisite Landschaft.
Der dritte Teil
Sonaten (Finale). Die Finalsätze von Sonaten werden meist in schnellem Tempo vorgetragen und haben tänzerischen Charakter, beispielsweise ein Menuett. Oft sind die Finalsätze klassischer Sonaten in dieser Form geschrieben
Rondo
(vom italienischen Rondo – Kreis). Wiederholungsteil -
A
-
Refrain
(Hauptthema),
B, C, D
- kontrastierend
Episoden
.
Reprise

heim

die Sendung

Hauptsächlich

Schlüssel

Seite

die Sendung

Hauptsächlich

Schlüssel
Bindungscharge, letzte Charge
Code

Code

Die Tonalität ist festgelegt

Die Tonalität ist festgelegt

Kontraste werden entfernt

Kontraste werden entfernt

Hauptthemen erklingen

Hauptthemen erklingen

Joseph Haydn

„Haydn, dessen Name im Tempel der Harmonie so hell funkelt…“
Joseph Haydn ist der Begründer des Wiener Klassizismus, einer Bewegung, die den Barock ablöste. Sein Leben wird weiterhin hauptsächlich am Hofe weltlicher Herrscher verlaufen, und in seinem Werk werden neue Prinzipien der Musik geformt, neue Genres werden entstehen. All das
behält seine Bedeutung in unserer Zeit... Haydn wird als Begründer der klassischen Instrumentalmusik, als Begründer des modernen Sinfonieorchesters und als Vater der Symphonie bezeichnet. Er legte die Gesetze der klassischen Symphonie fest: Er gab ihr ein harmonisches, vollständiges Aussehen, bestimmte die Reihenfolge ihrer Anordnung, die bis heute in ihren Grundzügen erhalten ist. Die klassische Sinfonie hat einen vierstelligen Zyklus. Der erste Teil geht zügig voran und klingt meist energisch und aufgeregt. Der zweite Teil ist langsam. Ihre Musik vermittelt die lyrische Stimmung einer Person. Der dritte Teil – das Menuett – ist einer der beliebtesten Tänze der Haydn-Ära. Der vierte Teil ist das Finale. Dies ist das Ergebnis des gesamten Zyklus, eine Schlussfolgerung aus allem, was in den vorherigen Teilen gezeigt, durchdacht und gefühlt wurde. Die Musik des Finales ist meist nach oben gerichtet; sie ist lebensbejahend, feierlich und siegreich. In der klassischen Symphonie wurde eine ideale Form gefunden, die sehr tiefe Inhalte enthalten kann. Im Werk Haydns ist auch der Typus der klassischen dreisätzigen Sonate etabliert. Die Werke des Komponisten zeichnen sich durch Schönheit, Ordnung, subtile und edle Einfachheit aus. Seine Musik ist sehr hell, leicht, meist in Dur, voller Heiterkeit, wunderbarer Erdenfreude und unerschöpflichem Humor. Seine Vorfahren waren Bauern und Arbeiter, deren Lebenslust, Ausdauer und Optimismus vom Klassiker geerbt wurden. „Mein verstorbener Vater war von Beruf Kutschenbauer, ein Untertan des Grafen Harrach und von Natur aus ein leidenschaftlicher Musikliebhaber.“ Haydn entdeckte bereits als Kind sein Interesse für Musik. Als seine Eltern das Talent ihres Sohnes bemerkten, schickten sie ihn zum Studium in eine andere Stadt – dort lebte der Junge unter der Obhut seines Verwandten. Haydn zog daraufhin in eine andere Stadt, wo er im Chor sang. Tatsächlich führte Joseph Haydn ab seinem sechsten Lebensjahr ein unabhängiges Leben. Wir können sagen, dass er Autodidakt war, da er weder Geld noch Verbindungen für systematische Studien bei berühmten Lehrern hatte. Mit zunehmendem Alter wurde seine Stimme rauer und der blutjunge Haydn stand ohne Dach über dem Kopf auf der Straße. Er verdiente seinen Lebensunterhalt mit dem Unterrichten von Unterrichtsstunden, die er bereits selbst gegeben hatte. Das Selbststudium geht weiter: Haydn studiert sorgfältig die Musik von C.F.E. Bach (der Sohn von J. S. Bach) lauscht den von den Straßen erklingenden Liedern (einschließlich slawischer Melodien) und Haydn beginnt zu komponieren. Er wird wahrgenommen. In Europa versuchten die Adligen, sich gegenseitig zu übertrumpfen, indem sie die besten Musiker engagierten. Die Jahre, die der junge Haydn als freier Künstler verbrachte, waren fruchtbar, aber es war dennoch ein hartes Leben. Der bereits verheiratete Haydn (alle beschreiben die Ehe als äußerst erfolglos) folgt der Einladung des Fürsten Esterhazy. Tatsächlich am Hofe von Esterhazy, Haydn
wird 30 Jahre halten. Zu seinen Aufgaben gehören das Komponieren von Musik und die Leitung des Fürstenorchesters. Prinz Esterhazy (oder Esterhazy) war allen Berichten zufolge ein anständiger Mann und ein großer Musikliebhaber. Haydn konnte tun, was er liebte. Musik wurde auf Bestellung geschrieben – keine „gestalterische Freiheit“, aber das war damals gängige Praxis. Darüber hinaus hat die Bestellung einen wesentlichen Vorteil: Die bestellte Musik wurde mit Sicherheit sofort aufgeführt. Auf dem Tisch stand nichts geschrieben.
Vom ersten offizieller Vertrag zwischen Fürst Esterhazy und

Vizekapellmeister Joseph Haydn:
„Durch den ersten Befehl Seiner Lordschaft, des Großherzogs, verpflichtet sich der Vizekapellmeister (Haydn), jede Musik zu komponieren, die Seine Lordschaft wünscht, neue Kompositionen niemandem zu zeigen und noch mehr, niemandem zu gestatten, sie zu kopieren, sondern sie ausschließlich für seine Herrschaft aufzubewahren und mit seinem Wissen und seiner gnädigen Erlaubnis nichts für irgendjemanden zu komponieren. Joseph Haydn ist verpflichtet, täglich (sei es in Wien oder auf einem der fürstlichen Anwesen) vor und nach dem Abendessen im Saal zu erscheinen und sich zu melden, falls seine Herrschaft geruht, die Aufführung oder Komposition von Musik anzuordnen. Warten Sie und machen Sie die anderen Musiker darauf aufmerksam, nachdem Sie den Befehl erhalten haben. In diesem Vertrauen gewährt Seine Durchlaucht ihm, dem Vizekapellmeister, eine jährliche Vergütung von 400 Rheingulden, die er vierteljährlich in der Hauptkasse erhält. Darüber hinaus hatte er, Joseph Haydn, Anspruch auf einen Koscht vom Tisch des Offiziers oder einen halben Gulden pro Tag Tischgeld auf Kosten des Meisters. (Das Gehalt wurde anschließend mehrfach erhöht). Haydn betrachtete seine dreißigjährige Dienstzeit bei den Fürsten von Esterhazy als eine schöne Zeit in seinem Leben. Er war jedoch immer ein Optimist. Darüber hinaus hatte Joseph Haydn jede Gelegenheit zum Komponieren, und er schrieb immer schnell und viel. Während seines Dienstes am Hofe der Fürsten von Esterhazy erlangte Haydn Berühmtheit. Die Beziehung zwischen Esterhazy und Haydn wird am berühmten Fall der Abschiedssinfonie perfekt veranschaulicht. Die Orchestermitglieder wandten sich an Haydn mit der Bitte, Einfluss auf den Prinzen zu nehmen: Ihre Wohnungen erwiesen sich als zu klein, um mit ihren Familien umzuziehen. Die Musiker vermissten ihre Familien. Haydn beeinflusste die Musik: Er schrieb eine Sinfonie mit einem Satz mehr. Und wenn dieser Teil erklingt, gehen die Musiker nach und nach weg. Zwei Geiger bleiben zurück, löschen aber auch die Kerzen und gehen. Der Prinz verstand den Hinweis und erfüllte die „Forderungen“ der Musiker.
Im Jahr 1790 starb Prinz Esterhazy, Miklos der Prächtige. Der neue Prinz Anton hatte keine Lust auf Musik. Nein, Anton verließ die Regimentsmusikanten, löste aber das Orchester auf. Haydn blieb arbeitslos, allerdings mit einer hohen Rente, die ihm Miklos zuwies. Und es war immer noch viel kreative Energie da. So wurde Haydn wieder zum freien Künstler. Und er wird auf Einladung nach England reisen. Haydn wird bald 60 Jahre alt, er kennt keine Sprachen! Aber er reist nach England. Und wieder – Triumph! „Meine Sprache wird auf der ganzen Welt perfekt verstanden“, sagte der Komponist über sich. In England hatte Haydn nicht nur überwältigende Erfolge. Von dort brachte er 12 weitere Sinfonien und Oratorien mit. Haydn erlebte seinen eigenen Ruhm – und das ist sehr selten. Der Begründer des Wiener Klassizismus hat eine Vielzahl von Werken hinterlassen, und das ist lebensbejahende, ausgewogene Musik. Das Oratorium „Die Schöpfung“ ist eines der berühmtesten Werke Haydns. Das ist monumentale Musikmalerei, Betrachtung des Universums sozusagen ... Haydn hat mehr als 100 Sinfonien. Hoffmann nannte sie „Kinderfreude der Seele“. Eine große Anzahl von Sonaten, Konzerten, Quartetten, Opern... Joseph Haydn ist der Autor der deutschen Nationalhymne.

Wolfgang Amadeus Mozart

27. Januar 1756 – 5. Dezember 1791
Haydns Kunst hatte einen enormen Einfluss auf die Entstehung von Wolfgang Mozarts symphonischem und kammermusikalischem Stil. Verlassen auf
Seine Leistungen auf dem Gebiet der Sonaten- und Symphoniemusik brachten Mozart viel Neues, Interessantes und Originelles bei. Die gesamte Kunstgeschichte kennt keine markantere Persönlichkeit als ihn. Mozart hatte ein phänomenales Gedächtnis und Gehör, verfügte über brillante Fähigkeiten als Improvisator, spielte wunderbar Geige und Orgel, und niemand konnte seine Vormachtstellung als Cembalist in Frage stellen. Er war der beliebteste, anerkannteste und beliebteste Musiker Wiens. Seine Opern sind von großem künstlerischem Wert. Seit zwei Jahrhunderten gibt es „Die Hochzeit des Figaro“ (eine Buffa-Oper, aber realistisch und mit lyrischen Elementen) und „Don Giovanni“ (eine Oper, die als „fröhliches Drama“ definiert wird – sie ist sowohl eine Komödie als auch eine Tragödie mit sehr starken Eindrücken und komplexe Bilder) haben Erfolg gehabt. Bezaubernd elegante Melodie, Einfachheit, luxuriöse Harmonie. Und „Die Zauberflöte“ (Oper ist ein Singspiel, aber zugleich philosophische Geschichteüber den Kampf zwischen Gut und Böse) ist als Mozarts „Abgesang“ in die Musikgeschichte eingegangen, als ein Werk, das seine Weltanschauung und seine geliebten Gedanken am umfassendsten und anschaulichsten offenbart. Mozarts Kunst ist vollendet im Können und absolut natürlich. Er gab uns Weisheit, Freude, Licht und Güte. Johann Chrysostomus Wolfgang Theophile Mozart wurde am 27. Januar 1756 in Salzburg geboren. Amadeus ist das lateinische Analogon des griechischen Namens Theophilus – „Gottes Liebling“. Mozart wird normalerweise mit zwei Namen genannt. Wolfgang Amadeus ist ein Wunderkind. Mozarts Vater, Leopold Mozart, war selbst ein berühmter Musiker, Lehrer und recht produktiver Komponist. In der Familie wurden sieben Kinder geboren, zwei überlebten: Nannerl, Mozarts ältere Schwester, und Wolfgang selbst. Leopold unterrichtete beide Kinder schon in früher Kindheit und ging mit ihnen auf Tournee. Es war eine echte Wanderzeit. Es gab mehrere Touren, insgesamt dauerten sie mehr als 10 Jahre (mit Pausen wegen Heimkehr oder Kinderkrankheiten). Der Vater zeigte den Kindern nicht nur Europa, darunter auch Monarchen. Er suchte nach Verbindungen, die es seinem erwachsenen Sohn ermöglichen würden, einen zukünftigen Job zu finden, der seinem Talent entsprach. Mozart begann gleich zu komponieren frühe Kindheit, und seine frühe Musik wird fast genauso oft aufgeführt wie seine reife Musik. Darüber hinaus engagierte der Vater auf Reisen die besten Lehrer Europas für seinen Sohn (in England war es der jüngste Sohn von J. S. Bach – „London Bach“, in Italien – der berühmte Padre Martini, bei dem er übrigens lernte). , und einer der Gründer professioneller Kompositionsschulen in Russland Maxim Berezovsky). Im selben Italien beging der sehr junge Mozart eine „schreckliche Sünde“, die in allen Biografien enthalten ist: Nachdem er sie einmal in der Sixtinischen Kapelle gehört hatte, erinnerte er sich vollständig an das Bewachte und schrieb es auf
Das vatikanische Werk „Miserere“ von Allegri. „Und hier bestand Wolfgang die berühmte „Prüfung“ für die Feinheit des Gehörs und die Genauigkeit des Gedächtnisses. Aus dem Gedächtnis schrieb er das berühmte „Miserere“ von Gregorio Allegri auf, das er gehört hatte. Dieses Werk galt weithin als Krönung seines Genres und als Höhepunkt der päpstlichen Karfreitagsmusik. Es überrascht nicht, dass die Kapelle große Sorgfalt darauf achtete, dieses Werk vor ungebetenen Kopisten zu schützen. Was Wolfgang geschafft hat, sorgte natürlich für großes Aufsehen. Dem Vater gelang es, seine Mutter und seine Schwester in Salzburg zu beruhigen, die befürchteten, dass Wolfgang mit der Aufnahme von „Miserere“ gesündigt habe und in Schwierigkeiten geraten könnte.“ Mozart hatte nicht nur keinen Universitätsabschluss, er ging auch nicht einmal zur Schule. Sein Allgemeinbildung Mein Vater hat auch studiert (Mathematik, Sprachen). Aber sie wuchsen schon früh auf, und zwar in allen Schichten der Gesellschaft. Für Teenager-Subkultur war keine Zeit. Die Kinder waren natürlich sehr müde. Schließlich wurden sie erwachsen, was dazu führte, dass sie aufhörten, Wunderkinder zu sein, und dass die Öffentlichkeit das Interesse an ihnen verlor. Tatsächlich musste Mozart das Publikum bereits als erwachsener Musiker erneut „erobern“. Im Jahr 1773 begann der junge Mozart für den Salzburger Erzbischof zu arbeiten. Er konnte weiterhin reisen und natürlich hart arbeiten. Unter dem nächsten Erzbischof verließ Mozart seinen Hofposten und wurde freier Künstler. Nach einer Kindheit, die aus ständigen Europareisen und Diensten beim Erzbischof bestand, zog Mozart nach Wien. Er reist weiterhin regelmäßig in andere europäische Städte, aber die österreichische Hauptstadt wird sein ständiger Wohnsitz werden. „Mozart war der erste große Musiker, der ein freier Künstler blieb, und er war der erste Komponist der Geschichte – ein Vertreter der künstlerischen Boheme.“ Natürlich bedeutete die Arbeit für den freien Markt Armut.“ Das Leben „mit kostenlosem Brot“ ist gar nicht so einfach und rosig, wie es scheinen mag. In der Musik des reifen Mozart ist die Tragik seines glanzvollen Schicksals spürbar; durch die Brillanz und Schönheit der Musik werden Traurigkeit und Verständnis, Ausdruck, Leidenschaft und Dramatik hervorgehoben. Wolfgang Mozart hinterließ in seinem kurzen Leben mehr als 600 Werke. Sie müssen verstehen, dass es sich um große Werke handelt: Opern, Konzerte, Sinfonien. Mozart ist ein universeller Komponist. Er schrieb sowohl Instrumental- als auch Vokalmusik, also in allen zu seiner Zeit existierenden Genres und Formen. In Zukunft wird ein solcher Universalismus ein seltenes Phänomen sein. Aber Mozart ist nicht nur deshalb universell: „Seine Musik enthält eine riesige Welt: Sie enthält Himmel und Erde, Natur und Mensch, Komödie und Tragödie, Leidenschaft in all ihren Formen und Tiefen.“
inneren Frieden“ (K. Barth). Es genügt, sich an einige seiner Werke zu erinnern: Opern, Sinfonien, Konzerte, Sonaten. Mozarts Klavierwerke waren eng mit seiner Lehr- und Aufführungspraxis verbunden. Er war der größte Pianist seiner Zeit. Im 18. Jahrhundert Natürlich gab es Musiker, die Mozart an Virtuosität nicht nachstanden (in dieser Hinsicht war sein Hauptkonkurrent Muzio Clementi), aber in der tiefen Bedeutung seines Auftritts konnte sich niemand mit ihm messen. Mozarts Leben ereignete sich in der Zeit, als Musikleben Cembalo, Clavichord und Piano Forte (wie das Klavier früher genannt wurde) waren gleichzeitig üblich. Und wenn es in Bezug auf Mozarts Frühwerk üblich ist, vom Klavierstil zu sprechen, dann hat der Komponist seit den späten 1770er Jahren zweifellos für das Klavier geschrieben. Seine Innovation zeigte sich am deutlichsten in seinen Klavierwerken mit einem erbärmlichen Plan. Mozart ist einer der größten Melodisten. Seine Musik verbindet die Merkmale österreichischer und deutscher Volkslieder mit der Melodik italienischer Lieder. Obwohl sich seine Werke durch Poesie und subtile Anmut auszeichnen, enthalten sie oft Melodien mit großem dramatischem Pathos und kontrastierenden Elementen. Mozarts kammerinstrumentales Schaffen wird durch eine Vielzahl von Ensembles (vom Duett bis zum Quintett) und Werken für Klavier (Sonaten, Variationen, Fantasien) repräsentiert. Mozarts Klavierstil zeichnet sich durch Eleganz, Klarheit und sorgfältige Ausarbeitung von Melodie und Begleitung aus. V. Mozart schrieb 27 Konzerte für Klavier und Orchester, 19 Sonaten, 15 Variationszyklen, 4 Fantasien (zwei in c-Moll, eines in C-Dur, kombiniert mit einer Fuge, und eine weitere in d-Moll). Neben großen Zyklen enthält Mozarts Werk viele kleine Stücke, denen er selbst nicht immer die gebührende Bedeutung beimaß. Dies sind einzelne Menuette, Rondos, Adagios, Fugen. Die Oper war eine gesellschaftlich bedeutsame Kunst. Bereits im 18. Jahrhundert gab es neben den Hofopern zwei Arten öffentlich zugänglicher Opernhäuser: ernste und komische – alltägliche (Seria und Buffa). Aber auch in Deutschland und Österreich blühte das Singspiel auf. Unter der Vielzahl der Werke, die das Genie Mozart geschaffen hat, sind Opern seine Lieblingsschöpfungen. Sein Werk offenbart eine reiche Galerie von Lebensbildern aus Opern – Seria, Buffa und Singspiel, erhaben und komisch, sanft und verschmitzt, klug und rustikal – sie alle sind natürlich und psychologisch authentisch dargestellt. Die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart verbindet auf harmonische Weise den Kult der Vernunft, das Ideal der edlen Einfachheit, und den Kult des Herzens, das Ideal einer freien Persönlichkeit. Mozarts Stil galt seit jeher als Verkörperung von Anmut, Leichtigkeit, Lebendigkeit und wahrhaft aristokratischer Raffinesse.
P. I. Tschaikowsky schrieb: „Mozart ist der höchste, den Höhepunkt erreichende Punkt, den die Schönheit im Bereich der Musik erreicht hat ... was wir das Ideal nennen.“
Ludwig van Beethoven

16. Dezember 1770 – 26. März 1827
Ludwig van Beethoven wurde als größter Symphoniker berühmt. Seine Kunst ist vom Pathos des Kampfes durchdrungen. Es setzte die fortschrittlichen Ideen der Aufklärung um, die die Rechte und die Würde des Menschen festlegten. Er besaß neun Sinfonien, eine Reihe symphonischer Ouvertüren („Egmont“, „Coriolanus“) und zweiunddreißig Klaviersonaten und prägte eine Ära der Klaviermusik. Die Bilderwelt Beethovens ist vielfältig. Sein Held ist nicht nur mutig und leidenschaftlich, er verfügt auch über einen hochentwickelten Intellekt. Er ist ein Kämpfer und ein Denker. In seiner Musik manifestiert sich das Leben in seiner ganzen Vielfalt – heftige Leidenschaften und distanzierte Tagträume, dramatisches Pathos und lyrisches Bekenntnis, Naturbilder und Szenen des Alltags. Mit der Vollendung der Epoche des Klassizismus ebnete Ludwig van Beethoven zugleich den Weg für das kommende Jahrhundert. Beethoven ist eineinhalb Jahrzehnte jünger als Mozart. Aber das ist qualitativ andere Musik. Er gehört zu den „Klassikern“, steht aber in seinen reifen Werken der Romantik nahe. Beethovens Musikstil ist ein Übergang vom Klassizismus zur Romantik. Doch um sein Werk zu verstehen, ist es notwendig, zunächst einen Blick auf das Panorama des gesellschaftlichen und musikalischen Lebens jener Zeit zu werfen. Ende des 18. Jahrhunderts entstand und entwickelte sich das Phänomen „Sturm und Drang“ – eine Zeit, in der Maßstäbe gebrochen wurden
Klassizismus zugunsten von mehr Emotionalität und Offenheit. Dieses Phänomen hat alle Bereiche der Literatur und Kunst erfasst und hat sogar einen interessanten Namen: Gegenaufklärung. Die größten Vertreter des Sturm und Drang waren Johann Wolfgang Goethe und Friedrich Schiller, und diese Periode selbst nahm die Entstehung der Romantik vorweg. Die Ladung Energie und Intensität der Gefühle in Beethovens Musik sind untrennbar mit den aufgeführten Phänomenen im damaligen gesellschaftlichen Leben Westeuropas und mit den Umständen des Privatlebens des Genies verbunden. Ludwig van Beethoven wurde in Bonn geboren. Die Familie war nicht reich, Flamen ihrer Herkunft nach, Musiker von Beruf. Der Vater war bestrebt, aus seinem Sohn einen „zweiten Mozart“ zu machen, doch eine Karriere als Konzertvirtuose als Wunderkind klappte nicht, dafür wurde ständig am Instrument „gebohrt“. Ludwig begann bereits als Kind Teilzeit zu arbeiten (er musste die Schule abbrechen) und übernahm mit 17 Jahren die Verantwortung für die Familie: Er arbeitete mit einem festen Gehalt und gab Privatunterricht. Der Vater wurde alkoholabhängig, die Mutter starb früh und jüngere Brüder blieben in der Familie. Dennoch findet Beethoven Zeit und besucht ehrenamtlich die Universität Bonn. Die gesamte Universitätsjugend wurde dann von dem revolutionären Impuls aus Frankreich erfasst. Das junge Genie bewunderte die Ideale der Großen Französische Revolution. Seine Dritte „Eroische“ Symphonie widmete er sogar Napoleon Bonaparte, strich dann aber die Widmung aus Enttäuschung über die „irdische Verkörperung von Idealen“ und vermerkte stattdessen: „In Erinnerung an einen großen Mann.“ „Niemand ist so kleinlich wie große Menschen“ – die berühmten Worte Beethovens. Die Ideale „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“ blieben für immer Beethovens Ideale – und damit verbunden waren auch große Enttäuschungen im Leben. Ludwig van Beethoven hat das Werk von J. S. Bach gründlich studiert und verehrt. In Wien tritt er vor Mozart auf, der den jungen Musiker hoch lobt. Bald zog Beethoven vollständig nach Wien und half anschließend seinen jüngeren Brüdern, dorthin zu ziehen. Sein ganzes Leben wird mit dieser Stadt verbunden sein. In Wien nimmt er Unterricht in Spezialfächern, zu seinen Lehrern zählen Haydn und Salieri (drei Beethoven-Violinsonaten sind Salieri gewidmet). Er tritt in den Salons der Wiener Aristokratie und anschließend in eigenen Konzerten vor einem breiten Publikum auf. Seine Finger auf der Tastatur wurden als „dämonisch“ bezeichnet. „Ich will das Schicksal an der Kehle packen, völlig kann es mich sicher nicht zu Boden beugen“ (aus Beethovens Briefen). Bereits in seiner Jugend erkannte Beethoven, dass er taub wurde („Seit zwei Jahren meide ich sorgfältig jede Gesellschaft, weil ich den Leuten nicht sagen kann: ‚Ich bin taub!‘“ Das wäre auch dann noch möglich, wenn ich es getan hätte.)
Ich habe einen anderen Beruf, aber bei meinem Handwerk kann es nichts Schrecklicheres geben“ (aus Beethovens Briefen). Regelmäßige ärztliche Eingriffe brachten keine Heilung und die Taubheit schritt fort. Am Ende seines Lebens hörte er nichts mehr. Aber das innere Hören blieb – es war jedoch nicht mehr möglich, „persönlich“ zu hören, was im Inneren gehört wurde. Und die Kommunikation mit Menschen war äußerst schwierig; mit Freunden übte ich das Schreiben in „Konversations“-Notizbüchern. Der alles hörende Taube – so wurde er manchmal genannt. Und er hörte das Wichtigste: nicht nur Musik, sondern auch Ideen und Gefühle. Er hörte und verstand die Menschen. „Diese Liebe, dieses Leiden, diese Willensbeharrlichkeit, dieser Wechsel von Verzweiflung und Stolz, innere Dramen – all das finden wir in den großen Werken Beethovens“ ... (Romain Rolland). Beethovens Zuneigung ist bekannt: die junge Gräfin Giulietta Guicciardi. Aber er blieb einsam. Wer seine „unsterbliche Geliebte“ war und an wen der Brief nach dem Tod des Komponisten gefunden wurde, ist nicht sicher bekannt. Doch einige Forscher halten Teresa Brunswik, eine Schülerin von L. Beethoven, für die „unsterbliche Geliebte“. Sie hatte musikalisches Talent – ​​sie spielte wunderbar Klavier, sang und dirigierte sogar. Mit Teresa verband Ludwig van Beethoven eine lange Freundschaft. Im Jahr 1814 erlangte Beethoven weltweite Berühmtheit. Der Wiener Kongress beginnt – nach dem Sieg über Napoleon und dem Einmarsch russischer, österreichischer und preußischer Truppen in Paris – und der berühmte friedliche Wiener Kongress beginnt mit Beethovens Oper Fidelio. Beethoven wird zu einer europäischen Berühmtheit. Er wird zu einer Feier zu Ehren des Namenstages der russischen Kaiserin in den Kaiserpalast eingeladen, der er ein Geschenk macht: eine von ihm geschriebene Polonaise. Ludwig van Beethoven hat viel komponiert.
32 Klaviersonaten
Die Klaviersonate war für Beethoven die direkteste Form des Ausdrucks der ihn erregenden Gedanken und Gefühle, seiner wichtigsten künstlerischen Bestrebungen. Seine Anziehungskraft auf dieses Genre war besonders stark. Wenn Symphonien als Ergebnis und Verallgemeinerung einer langen Suche entstanden, dann spiegelte die Klaviersonate direkt die ganze Vielfalt kreativer Suche wider. Beethoven improvisierte als herausragender Klaviervirtuose sogar am häufigsten in Sonatenform. In Beethovens feurigen, originellen, ungezügelten Improvisationen entstanden Bilder seiner zukünftigen großen Werke. Jede Beethoven-Sonate ist ein Gesamtkunstwerk; Zusammen bilden sie einen wahren Schatz des klassischen Denkens in der Musik. Beethoven interpretierte die Klaviersonate als umfassende Gattung, die die ganze Vielfalt widerspiegeln kann Musikstile Modernität. IN
In dieser Hinsicht kann er mit Philipp Emanuel Bach (Sohn von J.S. Bach) verglichen werden. Dieser in unserer Zeit fast vergessene Komponist war der erste, der der Klaviersonate des 18. Jahrhunderts seine Bedeutung verlieh Er verdeutlichte die Bedeutung einer der führenden Formen der Musikkunst und erfüllte seine Werke für Klavier mit tiefen Gedanken. Beethoven folgte als erster dem Weg F. E. Bachs, übertraf jedoch seinen Vorgänger an Breite, Vielfalt und Bedeutung der in den Klaviersonaten zum Ausdruck gebrachten Ideen, ihrer künstlerischen Perfektion und Bedeutung. Eine große Bandbreite an Bildern und Stimmungen – von sanfter Pastoral bis zu pathetischer Feierlichkeit, von lyrischem Überschwang bis zu revolutionärer Apotheose, von den Höhen des philosophischen Denkens bis zu volkstümlichen Genre-Momenten, von Tragödie bis Humor – charakterisieren Beethovens 32 von ihm geschaffene Klaviersonaten ein Vierteljahrhundert. Der Weg von der ersten (1792) bis zur letzten (1822) Beethoven-Sonate markiert eine ganze Ära in der Geschichte der Weltklaviermusik. Beethoven begann mit einem bescheidenen klassizistischen Klavierstil (der immer noch weitgehend mit der Kunst des Cembalospiels in Verbindung gebracht wird) und endete mit Musik für das moderne Klavier mit seiner enormen Klangvielfalt und zahlreichen neuen Ausdrucksmöglichkeiten. Der Komponist nannte seine letzten Sonaten „ein Werk für ein Hammerinstrument“ (Hammerklavier) und betonte deren Moderne
pianistisch
Ausdruckskraft. Im Jahr 1822 vollendete Beethoven mit der Schöpfung der Zweiunddreißigsten Sonate seine lange Reise auf diesem Gebiet der Kreativität. Ludwig van Beethoven beschäftigte sich intensiv mit den Problemen der Klaviervirtuosität. Auf der Suche nach einem einzigartigen Klangbild entwickelte er unermüdlich seinen ursprünglichen Klavierstil. Das Gefühl eines weiten Luftraums, der durch die Gegenüberstellung entfernter Register, massiver Akkorde, dichte, reiche, vielschichtige Texturen, Klangfarben-Instrumentaltechniken und den reichhaltigen Einsatz von Pedaleffekten (insbesondere des linken Pedals) erreicht wird – das sind einige der charakteristischen innovativen Techniken von Beethovens Klavierstil. Beginnend mit der ersten Sonate stellte Beethoven die Kammermusik der Tastenmusik des 18. Jahrhunderts gegenüber. ihre majestätischen Klanggemälde, gemalt in kräftigen, großen Strichen. Beethovens Sonate begann, einer Symphonie für Klavier zu ähneln. Mindestens ein Drittel der 32 Klaviersonaten ist auch Leuten bekannt, die sich selbst als „Nicht-Laien“ bezeichnen. Davon: „Pathétique“-Sonate Nr. 8. Ein herrischer, stolzer, tragischer Anfang – und wogende Wellen der Musik. Ein ganzes Gedicht in drei Teilen, von denen jeder wunderschön ist. Freude, Leid, Rebellion und Kampf – ein typischer Beethovenscher Bilderkreis, der hier ebenso heftig wie mit großer Ausdruckskraft zum Ausdruck kommt
Adel. Das ist großartige Musik, wie jede Sonate oder Symphonie von Beethoven. „Quasi una fantasia“, die sogenannte „Mondschein“-Sonate Nr. 14, gewidmet der jungen Gräfin Giulietta Guicciardi, die eine Schülerin Beethovens war. Der Komponist interessierte sich für Julia und dachte sogar über eine Heirat nach, doch sie bevorzugte jemand anderen. Normalerweise beschränken sich die Zuhörer auf den ersten Teil und wissen nicht, wie das Ende lautet – „ein aufsteigender Wasserfall“ – wie einer der Forscher es bildlich ausdrückt. Und es gibt auch „Appassionata“ (Nr. 23), „Der Sturm“ (Nr. 17), „Aurora“ (Nr. 21) ... Klaviersonaten gehören zu den besten und wertvollsten Teilen von Beethovens brillantem Erbe. In einer langen und aufregenden Reihe ihrer großartigen Bilder zieht das ganze Leben eines großen Talents, eines großen Geistes und eines großen Herzens an uns vorbei, dem nichts Menschliches fremd ist, aber gerade deshalb hat er alle seine Herzen dem Liebsten geschenkt , heiligste Ideale der fortgeschrittenen Menschheit. L. Beethoven ist ein Nachfolger der Traditionen Mozarts. Aber seine Musik nimmt völlig neue Ausdrucksformen an: Das Drama in der Musik erreicht den Punkt der Tragödie, der Humor erreicht die Ironie und die Texte werden zur Offenbarung einer leidenden Seele, zu einer philosophischen Reflexion über das Schicksal und die Welt. Beethovens Klaviermusik ist ein Beispiel für künstlerischen Geschmack. Zeitgenossen verglichen die emotionale Stimmung von Beethovens Sonaten oft mit dem Pathos von Schillers Tragödien. Neben 32 Sonaten für Klavier gibt es auch Sonaten für Violine. Eine davon ist vielen zumindest namentlich bekannt – „Kreutzer-Sonate“ – Sonate Nr. 9 für Violine und Klavier. Und dann sind da noch Beethovens berühmte Streichquartette. Besonders beliebt sind dabei die „Russischen Quartette“. Man kann darin wirklich russische Melodien heraushören („Ah, Talent, mein Talent“, „Glory“ – Beethoven kannte diese Lieder aus Lembergs Sammlung besonders gut). Das ist kein Zufall: Die Quartette entstanden auf Wunsch des russischen Diplomaten Andrei Rasumowski, der lange Zeit in Wien lebte und ein Förderer Beethovens war. Zwei Sinfonien des Komponisten sind Rasumowski gewidmet. Beethoven hat neun Sinfonien, die meisten davon sind der Öffentlichkeit bekannt. Ich möchte Sie an die Dritte (Heroische) Symphonie erinnern, die Fünfte Symphonie mit dem berühmten Schicksalsthema. Diese „Schicksalsschläge“ kommen und kommen immer wieder, das Schicksal klopft immer wieder an die Tür. Und der Kampf endet nicht mit dem ersten Teil. Das Ergebnis wird erst im Finale sichtbar, wo das Schicksalsthema zum Jubel der Siegesfreude wird. Pastoral (6. Symphonie) – der Name selbst deutet auf eine Feier der Natur hin. Die atemberaubende 7. Symphonie ist schließlich die berühmteste,
die epochale Neunte Symphonie, an deren Idee Beethoven schon lange hegte. Auch Beethoven lebte das Leben eines „freien Künstlers“ (ab Mozart wurde dies jedoch zur Norm) mit all seinen Strapazen und Unsicherheiten. Mehrmals versuchte Beethoven, Wien zu verlassen, dann bot ihm der österreichische Adel ein Gehalt an, wenn er nur nicht gehen würde. Und Beethoven blieb in Wien. Hier erlebte er seinen größten Triumph. Aus dem Abgrund der Trauer heraus beschloss Beethoven, die Freude zu verherrlichen. (Rolland). Beethoven war bereits sehr krank. Dabei beginnt nicht nur die Taubheit, der Komponist entwickelt auch eine schwere Lebererkrankung. Es gab auch nicht genug Geld und es gab Probleme in meinem Privatleben (Erziehung meines Neffen). Unter diesen Bedingungen entstand etwas, das man manchmal nur schwer als menschliche Schöpfung betrachten konnte. Umarmung, Millionen! (Beethoven. 9. Symphonie, Finale). Sie wird auch Chorsymphonie genannt, da im Finale der mittlerweile bekannte Chor zu den Worten von Friedrich Schiller erklingt – „Ode an die Freude“, die in regelmäßigen Abständen zu verschiedenen Hymnen wurde, jetzt ist sie die Hymne des Europäers Union. Beethoven starb am 26. März 1827. Im Jahr 2007 vermutete der Wiener Pathologe und Rechtsmediziner Christian Reiter (Assoziierter Professor an der Abteilung für Rechtsmedizin der Medizinischen Universität Wien), dass Beethovens Tod durch seinen Arzt Andreas Wavruch unbeabsichtigt beschleunigt worden sei, was wiederholt der Fall war durchbohrte das Bauchfell des Patienten (um Flüssigkeit zu entfernen) und trug anschließend bleihaltige Lotionen auf die Wunden auf. Reuters Haartests zeigten, dass Beethovens Bleigehalt bei jedem Arztbesuch stark anstieg.
Beethoven - Lehrer
Schon in Bonn begann Beethoven, Musikunterricht zu geben. Sein Bonner Schüler Stefan Breuning blieb bis an sein Lebensende der treueste Freund des Komponisten. Breuning unterstützte Beethoven bei der Überarbeitung des Librettos von Fidelio. In Wien wurde die junge Gräfin Julia Guicciardi Beethovens Schülerin; in Ungarn, wo Beethoven auf dem Gut Braunschweig wohnte, studierte Teresa Brunswik bei ihm. Dorothea Ertmann, eine der besten Pianistininnen Deutschlands, war auch Beethovens Schülerin. D. Ertman war berühmt für ihre Aufführung von Beethovens Werken. Der Komponist widmete ihr die Sonate Nr. 28. Als Beethoven erfuhr, dass Dorotheas Kind gestorben war, spielte er lange Zeit für sie. Auch Karl Czerny begann ein Studium bei Beethoven. Karl war vielleicht das einzige Kind unter Beethovens Schülern. Er war erst neun Jahre alt, trat aber bereits in Konzerten auf. Czerny studierte fünf Jahre lang bei Beethoven, woraufhin ihm der Komponist ein Dokument schenkte, in dem er vermerkte
„Die außergewöhnlichen Leistungen des Schülers und sein erstaunliches musikalisches Gedächtnis.“ Chernys Gedächtnis war wirklich erstaunlich: Er wusste alles auswendig Klavierwerke Lehrer. Czerny begann seine Lehrerkarriere schon früh und entwickelte sich bald zu einem der besten Lehrer Wiens. Zu seinen Schülern gehörte Theodor Leschetizky, der als einer der Begründer der russischen Klavierschule bezeichnet werden kann. Leshetitsky, der nach Russland nach St. Petersburg gezogen war, war wiederum der Lehrer von A. N. Esipova, V. I. Safonov und S. M. Maikapara. Franz Liszt studierte anderthalb Jahre bei K. Czerny. Sein Erfolg war so groß, dass sein Lehrer ihm erlaubte, öffentlich zu sprechen. Beethoven war beim Konzert anwesend. Er erkannte das Talent des Jungen und küsste ihn. Liszt bewahrte sein ganzes Leben lang die Erinnerung an diesen Kuss. Es war Liszt, nicht Czerny, der Beethovens Spielstil erbte. Wie Beethoven interpretiert Liszt das Klavier als Orchester. Während seiner Europatournee förderte er Beethovens Werk und spielte nicht nur seine Klavierwerke, sondern auch Sinfonien, die er für das Klavier adaptierte. Zu dieser Zeit war Beethovens Musik, insbesondere die symphonische Musik, einem breiten Publikum noch unbekannt. Den Bemühungen von F. Liszt ist es zu verdanken, dass 1839 in Bonn das Denkmal für den Komponisten Ludwig van Beethoven errichtet wurde. Es ist unmöglich, Beethovens Musik nicht zu erkennen. Prägnanz und Erleichterung der Melodien, Dynamik, klarer Muskelrhythmus – das ist ein leicht erkennbarer heroisch-dramatischer Stil. Auch in den langsamen Sätzen (in denen Beethoven nachdenkt) erklingt Beethovens Hauptthema: Durch Leiden zur Freude, „Durch Dornen zu den Sternen“. M. I. Glinka hielt Beethoven für den Höhepunkt des Wiener Klassizismus, den Künstler, der am tiefsten in die Tiefen der menschlichen Seele vordrang und sie in Klängen perfekt zum Ausdruck brachte. Beethoven sagte: „Musik soll Feuer aus der menschlichen Seele schlagen!“
Abschluss
Die wachsende Freiheit in der Gesellschaft führte zur Entstehung der ersten öffentlichen Konzerte und zur Gründung von Musikvereinen und Orchestern in den wichtigsten Städten Europas. Entwicklung einer neuen Musikkultur in der Mitte des 18. Jahrhunderts. führte zur Entstehung zahlreicher privater Salons und Opernaufführungen. Die Musikkultur des Klassizismus ist mit der Entstehung vieler Genres der Instrumentalmusik verbunden – wie Sonate, Symphonie, Quartett. In dieser Zeit kristallisierte sich die Gattung des klassischen Konzerts und der Variationsform heraus und es kam zu einer Reform der Operngattungen.
In den Orchestern kam es zu grundlegenden Veränderungen; Cembalo und Orgel als Hauptmusikinstrumente waren nicht mehr erforderlich; Blasinstrumente – Klarinette, Flöte, Trompete und andere – nahmen im Gegenteil ihren Platz im Orchester ein und schufen ein neues, besonderer Klang. Neue Besetzung Orchester führte zur Entstehung der Symphonie, der wichtigsten Musikgattung. Einer der ersten Komponisten, der das symphonische Format verwendete, war der Sohn von I.S. Bach – Carl Philipp Emmanuel Bach. Zusammen mit der neuen Zusammensetzung des Orchesters erscheint dort

Streichquartett bestehend aus zwei Violinen, Bratsche und Cello. Kompositionen werden speziell für ein Streichquartett mit einem eigenen Standard von vier Tempi erstellt. Es entstand eine mehrsätzige sonatensinfonische Form (4-teiliger Zyklus), die bis heute die Grundlage vieler Instrumentalkompositionen ist. In derselben Epoche entstand ein Klavier, dessen Entwurf im 18. Jahrhundert entstand. erfährt erhebliche Änderungen, die Tastatur-Hammer-Mechanik wird verbessert, ein gusseiserner Rahmen, Pedale und eine „Doppelprobe“-Mechanik werden eingeführt, die Anordnung der Saiten ändert sich und der Tonumfang wird erweitert. All diese evolutionären Innovationen ermöglichten es Pianisten, virtuose Werke in verschiedenen Versionen leichter aufzuführen und dabei vielfältige Ausdrucksmittel und eine bereicherte Dynamik zu nutzen. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven – drei große Namen, drei „Titanen“, die als sie in die Geschichte eingingen
Wiener

Klassiker
. Komponisten der Wiener Schule beherrschten meisterhaft eine Vielzahl von Musikgenres – vom Alltagslied bis zur Symphonie. Der hohe Musikstil, in dem reiche figurative Inhalte in einer einfachen, aber vollendeten künstlerischen Form verkörpert werden, ist das Hauptmerkmal des Schaffens der Wiener Klassiker. Nämlich die Komponisten der Wiener klassische Schule hob die Gattung der Klaviersonate und des klassischen Konzerts auf das höchste Niveau. Die Entdeckung des Klassizismus bestand im Ausdruck des Wunsches nach dem höchsten Ideal der Vollkommenheit, nach der himmlischen Struktur der Seele und des Lebens. Haydn sagte, dass Gott sich von ihm nicht beleidigen lassen würde, wenn er ihn in einem neuen, hellen und klaren Stil lobte. Die Musikkultur des Klassizismus verherrlicht ebenso wie die Literatur und die bildende Kunst die Handlungen des Menschen, seine Emotionen und Gefühle, über die die Vernunft herrscht. Kreative Künstler zeichnen sich in ihren Werken durch logisches Denken, Harmonie und Klarheit der Form aus. Der Klassizismus ist der Stil einer historisch bestimmten Epoche. Doch sein Ideal der Harmonie und Verhältnismäßigkeit bleibt bis heute Vorbild für nachfolgende Generationen.
Inzwischen waren die Jahrhunderte des Klassizismus bereits im Rückzug; In der beispiellosen Polystilistik von „Don Juan“ und im rebellischen Geist von „Egmont“ konnte man das Jahrhundert der Romantik mit seiner tragischen Ironie, seinem ungeordneten künstlerischen Bewusstsein und der Freiheit der lyrischen Intimität spüren.
Prinzipien des Klassizismus
1. Die Grundlage von allem ist die Vernunft. Nur was vernünftig ist, ist schön. 2. Die Hauptaufgabe besteht darin, die absolute Monarchie zu stärken, der Monarch ist die Verkörperung der Vernunft. 3. Das Hauptthema ist der Konflikt zwischen persönlichen und bürgerlichen Interessen, Gefühlen und Pflichten. 4. Die höchste Würde eines Menschen ist die Erfüllung seiner Pflicht, der Dienst an der Staatsidee. 5. Erbe der Antike als Vorbild. 6. Nachahmung „geschmückter“ Natur. 7. Die Hauptkategorie ist Schönheit.
Literatur
Keldysh Yu. V. - Klassizismus. Musikalische Enzyklopädie, Moskau: Sowjetische Enzyklopädie, aus „ Sowjetischer Komponist", 1973 - 1982. Klassizismus - Großes enzyklopädisches Wörterbuch, 2000 Yu. A. Kremlev - Beethovens Klaviersonaten, Sowjetischer Komponistenverlag, Moskau 1970
Komponisten der Klassik

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskowski Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Diabelli Alexander Lev Ovic Gurilev Jan Ladislav Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Evstigneus Fo min Johann Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Mikhail Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTIK
Die Romantik ist eine ideologische und künstlerische Bewegung, die Ende des 18. Jahrhunderts in der europäischen und amerikanischen Kultur entstand. - erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. - war eine Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus, eine eigentümliche Reaktion auf das Zeitalter der Aufklärung mit seinem Vernunftkult. Die Entstehung der Romantik hatte verschiedene Gründe. Die wichtigsten davon
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Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution
,
entsprach nicht den in ihn gesetzten Erwartungen. Die romantische Weltanschauung ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen gekennzeichnet. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich. Die Romantik entstand und entwickelte sich erstmals in den 1790er Jahren. in Deutschland im Kreis der Schriftsteller und Philosophen der Jenaer Schule, als deren Vertreter W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, die Brüder F. und A. Schlegel gelten). Die Philosophie der Romantik wurde in den Werken von F. Schlegel und F. Schelling systematisiert und bestand darin, dass es eine positive Freude am Schönen gibt, die sich in ruhiger Kontemplation ausdrückt, und eine negative Freude am Erhabenen, Formlosen, Endlosen, Nichtverursachenden Freude, aber Staunen und Verständnis. Das Singen des Erhabenen ist mit dem Interesse der Romantik am Bösen, seiner Veredelung und der Dialektik von Gut und Böse verbunden. Im 18. Jahrhundert Alles Seltsame, Malerische und Vorhandene in Büchern und nicht in der Realität wurde als romantisch bezeichnet. Am Anfang. 19. Jahrhundert Die Romantik wurde zur Bezeichnung einer neuen Richtung im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung. Von Epoche zu Epoche, von Stil zu nachfolgendem Stil im Kunstbereich kann man „eine Brücke bauen“ und das Entsprechende zum Ausdruck bringen
Definition künstlerischer Strömungen: Barock ist eine Predigt, Romantik ist ein Bekenntnis. So sind sie vom harmonischen und geordneten Klassizismus zu den Seiten hin „ausgebreitet“. In der Barockkunst wandte sich ein Mensch mit etwas global Bedeutsamem an eine Person (predigte); in der Romantik wendet sich ein Mensch an die Welt und erklärt ihr, dass die kleinsten Erfahrungen seiner Seele nicht weniger wichtig sind als alles andere. Und hier besteht nicht nur das Recht auf ein individuelles Gefühl, sondern auch das Recht zu handeln. Die Romantik, die das Zeitalter der Aufklärung ablöst, fällt mit der industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen von Dampfmaschinen, Lokomotiven, Dampfschiffen, Fotografien und Fabrikrandgebieten gekennzeichnet ist. Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Epoche der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknicken, die darauf abzielten, die Einheit von Mensch und Natur wiederherzustellen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „Volksweisheit“ und nicht von der Zivilisation verdorben, ist gefragt. Die Romantik stellt dem pädagogischen Fortschrittsgedanken ein Interesse an Folklore, Mythen, Märchen, am einfachen Menschen, einer Rückkehr zu den Wurzeln und der Natur entgegen. In ihrer weiteren Entwicklung zeichnete sich die deutsche Romantik durch ein Interesse an märchenhaften und mythologischen Motiven aus, das in den Werken der Brüder Wilhelm und Jacob Grimm sowie Hoffmann besonders deutlich zum Ausdruck kam. G. Heine begann sein Werk im Rahmen der Romantik und unterzog es später einer kritischen Überarbeitung. Die philosophische Romantik fordert ein Umdenken in der Religion und das Streben nach Atheismus. „Wahre Religion ist das Gefühl und der Geschmack der Unendlichkeit.“ Später in den 1820er Jahren romantischer Stil Ausbreitung nach England, Frankreich und anderen Ländern. Die englische Romantik umfasst die Werke der Schriftsteller Racine, John Keats und William Blake. Die Literaturromantik verbreitete sich auch in anderen europäischen Ländern, zum Beispiel: in Frankreich - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; in Italien – N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, in Polen – Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid; in den USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
In der russischen Romantik entsteht die Freiheit von klassischen Konventionen, eine Ballade entsteht, romantisches Drama. Es entsteht eine neue Vorstellung über das Wesen und die Bedeutung der Poesie, die als eigenständiger Lebensbereich, als Ausdruck der höchsten, idealen Bestrebungen des Menschen anerkannt wird. Die Romantik der russischen Literatur zeigt das Leiden und die Einsamkeit der Hauptfigur. In Russland können auch V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov als romantische Dichter angesehen werden. Auch die frühe Poesie von A. S. Puschkin entwickelte sich im Rahmen der Romantik. Die Poesie von M. Yu. Lermontov kann als Höhepunkt der russischen Romantik angesehen werden. Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev sind sowohl die Vollendung als auch die Überwindung der Romantik in Russland. Die Romantik begann als literarische Bewegung, hatte aber maßgeblichen Einfluss auf Musik und Malerei. IN Bildende Kunst Die Romantik manifestierte sich am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger jedoch in der Architektur. Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Polemik mit Anhängern des Klassizismus. Die Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und mangelnde „Bewegung des Lebens“ vor. Im 18. Jahrhundert waren Berglandschaften und malerische Ruinen die bevorzugten Motive der Künstler. Seine Hauptmerkmale sind dynamische Komposition, volumetrische Räumlichkeit, satte Farben, Hell-Dunkel (z. B. Werke von Turner, Géricault und Delacroix). In den 20er und 30er Jahren waren die Werke vieler Künstler von Pathos und nervöser Erregung geprägt; Sie zeigten einen Hang zu exotischen Motiven und Fantasiespielen, die in der Lage waren, aus dem „trostlosen Alltag“ herauszuführen. Der Kampf gegen eingefrorene klassizistische Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, die neue Richtung zu festigen und die Romantik zu „rechtfertigen“, war Theodore Gericault. Vertreter der Malerei: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTIK IN DER MUSIK
Die Musik der Romantik ist ein Zeitraum in der Geschichte der europäischen Musik, der ungefähr die Jahre 1800 – 1910 umfasst. In der Musik entstand die Richtung der Romantik in den 1820er Jahren, ihre Entwicklung dauerte das gesamte 19. Jahrhundert. - das Jahrhundert der Blütezeit der Musikkultur Westeuropas. Romantik besteht nicht nur aus Texten, sondern aus der Dominanz von Gefühlen, Leidenschaften und spirituellen Elementen, die nur in den Tiefen der eigenen Seele bekannt sind. Ein wahrer Künstler identifiziert sie mit Hilfe brillanter Intuition.
Die Musik dieser Zeit entwickelte sich aus den Formen, Genres und musikalischen Ideen, die in früheren Perioden wie der Klassik etabliert wurden. Romantische Komponisten versuchten, mit Hilfe musikalischer Mittel die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen auszudrücken. Die Musik wird markanter und individueller. Liedgenres werden entwickelt, darunter auch Balladen. Ideen und die Struktur von Werken, die in früheren Perioden etabliert waren oder gerade erst entstanden, wurden in der Romantik entwickelt. Infolgedessen werden Werke mit Bezug zur Romantik vom Hörer als leidenschaftlicher und emotional ausdrucksvoller wahrgenommen. Es ist allgemein anerkannt, dass die unmittelbaren Vorläufer der Romantik Ludwig van Beethoven – in der österreichisch-deutschen Musik und Luigi Cherubini – in der französischen Musik waren; Viele Romantiker (z. B. Schubert, Wagner, Berlioz) betrachteten K. V. Gluck als ihren entfernteren Vorgänger. Die Übergangszeit vom Klassizismus zur Romantik gilt als vorromantische Zeit – eine relativ kurze Zeit in der Musik- und Kunstgeschichte. Wenn die romantische Bewegung in Literatur und Malerei ihre Entwicklung in der Mitte des 19. Jahrhunderts im Wesentlichen abschließt, so ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Hauptvertreter der Romantik in der Musik sind: in Österreich - Franz Schubert und die Spätromantiker - Anton Bruckner und Gustav Mahler; in Deutschland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; in England - Edward Elgar; in Ungarn - Franz Liszt; in Norwegen - Edvard Grieg; in Italien - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, früher Giuseppe Verdi; in Spanien - Felipe Pedrel; in Frankreich - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer und der Vertreter der Spätromantik Cesar Frank; in Polen - Frederic Chopin, Stanislaw Moniuszko; in der Tschechischen Republik - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
In Russland arbeiteten Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tschaikowsky im Einklang mit der Romantik.

Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm. Die Romantik in der Musik zeichnet sich durch einen Appell an die innere Welt des Menschen aus. Musik hat die Fähigkeit, das Unerkennbare auszudrücken und zu vermitteln, was Worte nicht vermitteln können. Die Romantik strebt immer danach, der Realität zu entfliehen. Berühre das Leben gewöhnliche Menschen, ihre Gefühle verstehen, sich auf die Musik verlassen – das half Vertretern der musikalischen Romantik, ihre Werke realistisch zu gestalten. Das Hauptproblem der romantischen Musik ist das Problem der Persönlichkeit, und zwar in einem neuen Licht – in ihrem Konflikt mit der Außenwelt. Romantischer Held immer allein, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Ein Künstler, ein Dichter, ein Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Die Symphonie Fantastique“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“). Die Offenbarung persönlicher Dramen erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. Beispielsweise sind viele Klavierwerke Schumanns mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Richard Wagner legte großen Wert auf den autobiografischen Charakter seiner Opern. Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel – Texte, in denen Liebesbilder vorherrschen, nehmen eine dominierende Stellung ein. Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist die „große“ Sinfonie in C-Dur von F. Schubert). Das Thema Fantasie wurde für romantische Komponisten zu einer echten Entdeckung. Die Musik lernte erstmals, mit rein musikalischen Mitteln märchenhaft phantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. – 18. Jahrhunderts. „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „Zauberflöte“) sprachen „konventionell“
musikalische Sprache, die sich kaum vom Hintergrund realer Menschen abhebt. Romantische Komponisten lernten, die Fantasiewelt als etwas ganz Konkretes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben). Ein bemerkenswertes Beispiel ist die „Wolf's Gulch Scene“ in Webers The Magic Shooter. Das Interesse an Volkskunst ist für die musikalische Romantik sehr charakteristisch. Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache durch Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu – Volkslieder, Balladen, episch (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Alles, was die Ohren hörten, wurde sofort in Kreativität umgesetzt. Folklore – Lieder, Tänze, Legenden – wird verarbeitet, Themen, Handlungen, Intonationen werden von dort übernommen. Unter Romantikern erlangt das Lied (in Russland - Romantik) einen besonderen Stellenwert. Neue Tänze erscheinen – Mazurkas, Polonaisen, Walzer. Sie verkörperten Bilder nationaler Literatur, Geschichte und einheimischer Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen nationaler Folklore und belebten alte diatonische Modi wieder. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert
.
Neue Themen und Bilder erforderten von den Romantikern die Entwicklung neuer musikalischer Sprachmittel und Gestaltungsprinzipien, die die Klangfarbe und harmonische Palette der Musik erweiterten (natürliche Tonarten, farbenfrohe Vergleiche von Dur und Moll). Und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine zunehmend dem individuell Einzigartigen.

In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen. In der Blütezeit der Romantik entstanden eine Reihe neuer Musikgattungen, darunter Programmmusikgattungen (Symphonische Dichtungen, Balladen, Fantasien, Liedgattungen). Der wichtigste Aspekt der Ästhetik der Musikromantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, das im Opernwerk von R. Wagner und in der Programmmusik von G. Berlioz, R. Schumann, F. seinen lebendigsten Ausdruck fand . Liszt.
ABSCHLUSS
Die Entstehung der Romantik wurde durch drei Hauptereignisse beeinflusst: die Große Französische Revolution, die Napoleonischen Kriege und den Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa. Die Romantik als Methode und Richtung in der Musik und Kunstkultur war ein komplexes und widersprüchliches Phänomen. In jedem Land hatte er ein helles
nationaler Ausdruck. Die Romantiker rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Aber trotz all ihrer vielen Gesichter und Vielfalt hat die Romantik hartnäckige Merkmale: Enttäuschung über die Welt um uns herum, das Gefühl, Teil des Universums zu sein, Unzufriedenheit mit sich selbst, die Suche nach Harmonie, Konflikt mit der Gesellschaft. Sie alle entsprangen der Ablehnung der Aufklärung und des rationalistischen Kanons des Klassizismus, der die kreative Initiative einschränkte. Interesse an einer starken Persönlichkeit, die sich der gesamten Welt um sie herum widersetzt und sich nur auf sich selbst verlässt, und Aufmerksamkeit für die innere Welt eines Menschen. Die Idee eines Gesamtkunstwerks fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Eine individualisierte, persönliche Sicht auf die Welt führte zur Entstehung neuer Musikgenres. In Verbindung mit dem Trend der Entwicklung von Hausmusik, Kammermusik, nicht für ein Massenpublikum konzipiert und perfekter Aufführungstechnik, führte dies zur Entstehung des Genres der Klavierminiaturen – Impromptu, musikalische Momente, Nocturnes, Präludien und vieles mehr Tanzgenres, die es bisher in der professionellen Musik nicht gab. Romantische Themen, Motive und Ausdruckstechniken haben Eingang in die Kunst verschiedener Stile, Trends und kreativer Assoziationen gefunden. Gegen die Romantik entstanden in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Gegenkräfte (Brahms, Brückner, Mahler). Mit ihrem Erscheinen geht eine Tendenz zur Rückbesinnung auf die reale Welt, zur Objektivität und zur Ablehnung des Subjektiven einher. Dennoch erwies sich die romantische Weltanschauung bzw. Weltanschauung als eine der fruchtbarsten künstlerischen Stilrichtungen. Die Romantik als allgemeine, vor allem junge Menschen charakteristische Haltung, als Wunsch nach idealer und gestalterischer Freiheit lebt in der Weltkunst noch immer weiter.
LITERATUR
Rapatskaya L. A. Romantik in der künstlerischen Kultur Europas im 19. Jahrhundert: die Entdeckung des „inneren Menschen“ // Weltkünstlerische Kultur. 11. Klasse in 2 Teilen. M.: Vlados, 2008
Bryantseva V.N. Musikalische Literatur fremder Länder - Ed. „Musik“ 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets Entwicklungswege der ukrainischen und ausländischen Musikkunst. - Kh.: Osnova, 2001. Berkovsky N.Ya. Romantik in Deutschland / Einführungsartikel von A. Anikst. - L.: „Fiktion“, 1973

L. Karankowa

1. Merkmale des Schaffensstils Beethovens.

L. V. Beethoven ist ein deutscher Komponist, ein Vertreter der Wiener Klassik (geboren in Bonn, verbrachte aber den größten Teil seines Lebens in Wien – seit 1792).

Beethovens musikalisches Denken ist eine komplexe Synthese:

Schaffensleistungen der Wiener Klassiker (Gluck, Haydn, Mozart);

die Künste der Französischen Revolution;

in den 20er Jahren neu entstanden. 19. Jahrhundert künstlerische Bewegung - Romantik.

Beethovens Werke sind von der Ideologie, Ästhetik und Kunst der Aufklärung geprägt. Dies erklärt weitgehend das logische Denken des Komponisten, die Klarheit der Formen, die Nachdenklichkeit des gesamten künstlerischen Konzepts und einzelne Details der Werke.

Bemerkenswert ist auch, dass Beethoven sich am besten in den Genres Sonate und Symphonie (für die Klassiker charakteristische Genres) zeigte. Beethoven war der erste, der das sogenannte verwendete „Konfliktsinfonie“, basierend auf der Opposition und Kollision heller Kontraste Musikalische Bilder. Je dramatischer der Konflikt, desto komplexer ist der Entwicklungsprozess, der für Beethoven zur zentralen Triebfeder wird.

Die Ideen und die Kunst der Großen Französischen Revolution haben in vielen Schöpfungen Beethovens ihre Spuren hinterlassen. Von Cherubinis Opern führt ein direkter Weg zu Beethovens Fidelio.

Die Werke des Komponisten verkörpern ansprechende Intonationen und präzise Rhythmen, einen breiten melodischen Atem und eine kraftvolle Instrumentierung der Hymnen von Liedern, Märschen und Opern dieser Zeit. Sie veränderten Beethovens Stil. Deshalb unterschied sich die Musiksprache des Komponisten, obwohl sie mit der Kunst der Wiener Klassik verbunden war, gleichzeitig stark von dieser. In den Werken Beethovens trifft man im Gegensatz zu Haydn und Mozart selten auf exquisite Ornamentik, sanfte Rhythmusmuster, Kammermusik, transparente Textur, Ausgewogenheit und Symmetrie der musikalischen Thematik.

Komponist neue Ära Beethoven findet andere Intonationen, um seine Gedanken auszudrücken – dynamisch, unruhig, scharf. Der Klang seiner Musik wird viel reicher, dichter und dramatisch kontrastreicher. Seine musikalischen Themen erlangen eine bisher beispiellose Lakonizität und strenge Einfachheit.

Zuhörer, die mit dem Klassizismus des 18. Jahrhunderts aufgewachsen waren, waren verblüfft und wurden oft von der emotionalen Kraft von Beethovens Musik missverstanden, die sich entweder in gewalttätigem Drama, in einem grandiosen epischen Umfang oder in gefühlvoller Lyrik manifestierte. Aber genau diese Qualitäten von Beethovens Kunst begeisterten romantische Musiker. Und obwohl Beethovens Verbindung zur Romantik unbestreitbar ist, stimmt seine Kunst in ihren Grundzügen nicht damit überein. Es passt nicht ganz in den Rahmen des Klassizismus. Denn Beethoven ist wie kaum ein anderer einzigartig, individuell und vielfältig.

Themen von Beethovens Werk:

Im Fokus Beethovens steht das Leben des Helden, das sich im ständigen Kampf um eine universelle, schöne Zukunft abspielt. Die heroische Idee zieht sich wie ein roter Faden durch Beethovens gesamtes Werk. Beethovens Held ist untrennbar mit dem Volk verbunden. Er sieht den Sinn seines Lebens darin, der Menschheit zu dienen und für sie Freiheit zu gewinnen. Aber der Weg zum Ziel führt über Dornen, Kampf und Leid. Oft stirbt ein Held, aber sein Tod wird von einem Sieg gekrönt, der der befreiten Menschheit Glück bringt. Beethovens Anziehungskraft auf Heldenbilder und die Idee des Kampfes ist einerseits auf seine Persönlichkeit, sein schwieriges Schicksal, den Kampf damit und die ständige Überwindung von Schwierigkeiten zurückzuführen; andererseits der Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution auf die Weltanschauung des Komponisten.

Das Thema Natur spiegelte sich auch in Beethovens Werk reichlich wider (6. Sinfonie „Pastorale“, Sonate Nr. 15 „Pastorale“, Sonate Nr. 21 „Aurora“, 4. Sinfonie, viele langsame Sätze von Sonaten, Sinfonien, Quartetten). Passive Kontemplation ist Beethoven fremd: Die Ruhe der Natur hilft, tiefer zu verstehen spannende Fragen, sammle Gedanken und innere Kraft für den Kampf des Lebens.

Beethoven dringt auch tief in die Sphäre menschlicher Gefühle ein. Aber indem er die Welt des inneren, emotionalen Lebens eines Menschen enthüllt, zeichnet Beethoven denselben Helden, der in der Lage ist, die Spontaneität der Gefühle den Forderungen der Vernunft unterzuordnen.

Hauptmerkmale der Musiksprache:

Melodica. Die grundlegende Grundlage seiner Melodie sind Trompetensignale und Fanfaren, einladende rednerische Ausrufe und marschierende Wendungen. Oft wird Bewegung entlang der Klänge eines Dreiklangs verwendet (G.P. „Eroische Symphonie“; Thema des Finales der 5. Symphonie, G.P. I Teil 9 der Symphonie). Beethovens Zäsuren sind Satzzeichen in der Sprache. Beethovens Fermaten sind Pausen nach pathetischen Fragen. Beethovens musikalische Themen bestehen oft aus gegensätzlichen Elementen. Die kontrastierende Themenstruktur findet sich auch bei Beethovens Vorgängern (insbesondere bei Mozart), bei Beethoven wird sie jedoch bereits zum Muster. Der Kontrast innerhalb des Themas entwickelt sich zu einem Konflikt G.P. und P.P. in Sonatenform dynamisiert alle Abschnitte des Sonatenallegros.

Metrorhythmus. Beethovens Rhythmen entspringen derselben Quelle. Rhythmus trägt die Ladung Männlichkeit, Willenskraft und Aktivität in sich.

Marschrhythmen sind äußerst verbreitet

Tanzrhythmen (in Bildern des Volksspaßes – das Finale der 7. Symphonie, das Finale der Aurora-Sonate, wenn nach viel Leid und Kampf ein Moment des Triumphs und der Freude kommt.

Harmonie. Mit der Einfachheit der Akkordvertikale (Akkorde der Hauptfunktionen, lakonischer Einsatz von Nichtakkordklängen) erfolgt eine kontrastierende und dramatische Interpretation der harmonischen Abfolge (Verbindung zum Prinzip der Konfliktdramaturgie). Scharfe, kräftige Modulationen in entfernte Tonarten (im Gegensatz zu Mozarts plastischen Modulationen). In seinen späteren Werken nimmt Beethoven die Merkmale romantischer Harmonie vorweg: polyphones Gefüge, eine Fülle von Nicht-Akkord-Klängen, exquisite harmonische Sequenzen.

Die musikalischen Formen von Beethovens Werken sind grandiose Gebilde. „Das ist der Shakespeare der Massen“, schrieb V. Stasov über Beethoven. „Mozart war nur für Einzelpersonen verantwortlich... Beethoven dachte an die Geschichte und die gesamte Menschheit.“ Beethoven ist der Schöpfer der Form der freien Variationen (Finale der Klaviersonate Nr. 30, Variationen über ein Thema von Diabelli, 3. und 4. Satz der 9. Sinfonie). Ihm wird die Einführung der Variationsform in die große Form zugeschrieben.

Musikgenres. Beethoven entwickelte die meisten existierenden Musikgenres. Die Grundlage seiner Arbeit ist Instrumentalmusik.

Liste der Werke Beethovens:

Orchestermusik:

Symphonien - 9;

Ouvertüren: „Coriolanus“, „Egmont“, „Leonora“ – 4 Optionen für die Oper „Fidelio“;

Konzerte: 5 Klavier, 1 Violine, 1 Trio – für Violine, Cello und Klavier.

Klaviermusik:

32 Sonaten;

22 Variationszyklen (davon 32 Variationen in c-moll);

Bagatellen (einschließlich „Fur Elise“).

Kammerensemblemusik:

Sonaten für Violine und Klavier (darunter „Kreutzerova“ Nr. 9); Celli und Klavier;

16 Streichquartette.

Vokalmusik:

Oper „Fidelio“;

Lieder, inkl. Zyklus „To a Distant Beloved“, Adaptionen von Volksliedern: schottisch, irisch usw.;

2 Messen: C-Dur und feierliche Messe;

Oratorium „Christus am Ölberg“.

2. Beethovens Leben und Schaffensweg.

Bonner Zeit. Kindheit und Jugend.

Beethoven wurde am 16. Dezember 1770 in Bonn geboren. In seinen Adern floss neben deutschem auch flämisches Blut (väterlicherseits).

Beethoven wuchs in Armut auf. Der Vater verzehrte sein mageres Gehalt; Er brachte seinem Sohn das Geigen- und Klavierspielen bei, in der Hoffnung, dass er ein Wunderkind, ein neuer Mozart, werden und für seine Familie sorgen würde. Im Laufe der Zeit wurde das Gehalt des Vaters im Hinblick auf die Zukunft seines begabten und fleißigen Sohnes erhöht.

Beethovens Allgemeinbildung verlief ebenso unsystematisch wie seine musikalische Ausbildung. Bei letzterem spielte jedoch die Übung eine große Rolle: Er spielte Bratsche in der Hofkapelle und trat als Interpret auf Tasteninstrumenten auf, darunter auch auf der Orgel, die er schnell beherrschte. KG. Nefe, der Bonner Hoforganist, wurde Beethovens erster richtiger Lehrer (unter anderem durchlief er mit ihm die gesamte „HTK“ von S. Bach).

Im Jahr 1787 gelang Beethoven erstmals ein Besuch in Wien – der damaligen Musikhauptstadt Europas. Den Geschichten zufolge schätzte Mozart, nachdem er das Stück des jungen Mannes gehört hatte, seine Improvisationen sehr und sagte ihm eine große Zukunft voraus. Doch bald musste Beethoven nach Hause zurückkehren – seine Mutter lag im Sterben. Er blieb der alleinige Ernährer einer Familie, die aus einem liederlichen Vater und zwei jüngeren Brüdern bestand.

Das Talent des jungen Mannes, seine Gier nach musikalischen Eindrücken, seine leidenschaftliche und aufgeschlossene Art erregten die Aufmerksamkeit einiger aufgeklärter Bonner Familien und seine brillanten Klavierimprovisationen verschafften ihm freien Eintritt zu allen Musikveranstaltungen. Besonders die Familie Breuning hat viel für ihn getan.

Erste Wiener Periode (1792 - 1802).

In Wien, wohin Beethoven 1792 zum zweiten Mal kam und wo er bis an sein Lebensende blieb, fand er schnell anerkannte Freunde und Förderer der Künste.

Menschen, die den jungen Beethoven trafen, beschrieben den zwanzigjährigen Komponisten als einen stämmigen jungen Mann mit einem Hang zum Elan, manchmal dreist, aber gutmütig und freundlich im Umgang mit seinen Freunden. Als er die Unzulänglichkeit seiner Ausbildung erkannte, ging er zu Joseph Haydn, einem anerkannten Wiener Fachmann auf dem Gebiet der Instrumentalmusik (Mozart war ein Jahr zuvor gestorben) und brachte ihm für einige Zeit Kontrapunktübungen zum Testen mit. Haydn verlor jedoch bald das Interesse an dem hartnäckigen Schüler, und Beethoven begann, heimlich vor ihm, Unterricht bei I. Schenck und dann bei dem gründlicheren I. G. Albrechtsberger zu nehmen. Um seine Gesangskunst zu verbessern, besuchte er außerdem mehrere Jahre lang den berühmten Opernkomponisten Antonio Salieri. Bald schloss er sich einem Kreis an, der diplomierte Amateure und professionelle Musiker vereinte. Fürst Karl Lichnowsky führte den jungen Provinzial in den Kreis seiner Freunde ein.

Das politische und gesellschaftliche Leben Europas war damals besorgniserregend: Als Beethoven 1792 in Wien ankam, war die Stadt von der Nachricht von der Revolution in Frankreich aufgewühlt. Beethoven nahm mit Begeisterung revolutionäre Parolen auf und pries in seiner Musik die Freiheit. Die vulkanische, explosive Natur seines Werkes verkörpert zweifellos den Geist der Zeit, aber nur in dem Sinne, dass der Charakter des Schöpfers in gewissem Maße von dieser Zeit geprägt wurde. Der kühne Verstoß gegen allgemein anerkannte Normen, die kraftvolle Selbstbehauptung, die donnernde Atmosphäre von Beethovens Musik – all das wäre zu Mozarts Zeiten undenkbar gewesen.

Allerdings folgen Beethovens frühe Werke weitgehend den Kanons des 18. Jahrhunderts: Dies gilt für Trios (Streicher und Klavier), Violine, Klavier und Cellosonaten. Das Klavier war damals Beethovens engstes Instrument; in seinen Klavierwerken drückte er seine intimsten Gefühle mit größter Aufrichtigkeit aus. Erste Symphonie (1801) – erste reine Orchesterkomposition Beethoven.

Annäherung an die Taubheit.

Wir können nur vermuten, inwieweit Beethovens Taubheit sein Schaffen beeinflusste. Die Krankheit entwickelte sich allmählich. Bereits 1798 klagte er über Tinnitus; es fiel ihm schwer, hohe Töne zu unterscheiden und ein im Flüsterton geführtes Gespräch zu verstehen. Entsetzt über die Aussicht, zum Objekt des Mitleids zu werden – ein gehörloser Komponist – sprach er über seine Krankheit an einen engen Freund- Karl Amenda sowie die Ärzte, die ihm geraten haben, sein Gehör so gut wie möglich zu schützen. Er bewegte sich weiterhin im Kreise seiner Wiener Freunde, nahm an Musikabenden teil und komponierte viel. Es gelang ihm, seine Taubheit so gut zu verbergen, dass selbst Menschen, die ihn oft trafen, bis 1812 nicht ahnten, wie ernst seine Krankheit war. Dass er während eines Gesprächs oft unangemessen antwortete, wurde auf schlechte Laune oder Zerstreutheit zurückgeführt.

Im Sommer 1802 zog sich Beethoven in den ruhigen Wiener Vorort Heiligenstadt zurück. Dort erschien ein erschütterndes Dokument – ​​das „Heiligenstädter Testament“, das schmerzliche Geständnis eines von Krankheit geplagten Musikers. Das Testament ist an Beethovens Brüder gerichtet (mit der Anweisung, es nach seinem Tod zu lesen und auszuführen); Darin erzählt er von seinem seelischen Leiden: Es sei schmerzhaft, wenn „jemand, der neben mir steht, aus der Ferne, für mich unhörbar, eine Flöte spielen hört; oder wenn jemand einen Hirten singen hört, ich aber keinen Ton unterscheiden kann.“ Doch dann ruft er in einem Brief an Dr. Wegeler aus: „Ich werde das Schicksal an die Gurgel packen!“ und die Musik, die er weiterhin schreibt, bestätigt diesen Entschluss: Im selben Sommer entstanden die strahlende Zweite Symphonie und die großartigen Klaviersonaten op . 31 und drei Violinsonaten, op. dreißig.

Die Zeit der reifen Kreativität. " Neuer Weg"(1803 - 1812).

Der erste entscheidende Durchbruch auf dem Weg zu dem, was Beethoven selbst den „neuen Weg“ nannte, erfolgte in der Dritten Symphonie (Eroica, 1803-1804). Ihre Dauer ist dreimal länger als bei jeder anderen zuvor geschriebenen Symphonie. Es wird oft (und nicht ohne Grund) argumentiert, dass Beethoven die „Eroica“ ursprünglich Napoleon gewidmet hatte, aber als er erfuhr, dass er sich selbst zum Kaiser ausgerufen hatte, hob er die Widmung auf. „Jetzt wird er die Menschenrechte mit Füßen treten und nur seinen eigenen Ehrgeiz befriedigen“, lauten der Erzählung zufolge die Worte Beethovens, als er das Titelblatt der Partitur mit der Widmung zerriss. Am Ende war „Heroic“ einem der Mäzene der Künste gewidmet – Fürst Lobkowitz.

In diesen Jahren entstanden eine nach der anderen brillante Kreationen aus seiner Feder. Die Hauptwerke des Komponisten bilden einen unglaublichen Strom brillanter Musik; diese imaginäre Klangwelt ersetzt für ihren Schöpfer die Welt der realen Klänge, die ihn verlässt. Es war eine siegreiche Selbstbestätigung, ein Spiegelbild der harten Denkarbeit, ein Beweis für das reiche Innenleben eines Musikers.

Werke der zweiten Periode: Violinsonate A-Dur, op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); Dritte Symphonie (Eroisch, 1802-1805); Oratorium Christus am Ölberg, op. 85 (1803); Klaviersonaten: „Waldstein“, op. 53; „Appassionata“ (1803-1815); Klavierkonzert Nr. 4 in G-Dur (1805–1806); Beethovens einzige Oper ist Fidelio (1805, zweite Auflage 1806); drei „russische“ Quartette, op. 59 (Graf Rasumowski gewidmet; 1805-1806); Vierte Symphonie (1806); Ouvertüre zu Collins Tragödie Coriolanus, op. 62 (1807); Messe in C-Dur (1807); Fünfte Symphonie (1804-1808); Sechste Symphonie (Pastorale, 1807-1808); Musik zu Goethes Tragödie Egmont (1809) usw.

Die Inspirationsquelle für eine Reihe von Kompositionen waren die romantischen Gefühle, die Beethoven für einige seiner High-Society-Schüler empfand. Die Sonate, die später als „Lunar“ bekannt wurde, ist der Gräfin Giulietta Guicciardi gewidmet. Beethoven dachte sogar darüber nach, ihr einen Heiratsantrag zu machen, erkannte jedoch rechtzeitig, dass ein gehörloser Musiker nicht zu einer koketten, geselligen Schönheit passte. Andere Damen, die er kannte, lehnten ihn ab; Einer von ihnen nannte ihn einen „Freak“ und „halb Verrückten“. Anders verhielt es sich bei der Familie Brunswick, in der Beethoven seinen beiden älteren Schwestern Teresa und Josephine Musikunterricht gab. Es wurde lange verworfen, dass die Adressatin der Nachricht an die „Unsterbliche Geliebte“, die nach Beethovens Tod in Beethovens Nachlässen gefunden wurde, Teresa war, aber moderne Forscher schließen nicht aus, dass diese Adressatin Josephine war. Auf jeden Fall verdankt die idyllische Vierte Symphonie ihre Entstehung Beethovens Aufenthalt auf dem ungarischen Gut Braunschweig im Sommer 1806.

Im Jahr 1804 nahm Beethoven den Auftrag zur Komposition einer Oper bereitwillig an, denn Erfolg auf der Opernbühne bedeutete in Wien Ruhm und Geld. Die Kurzhandlung lautet wie folgt: Eine mutige, unternehmungslustige Frau, gekleidet in Männerkleidung, rettet ihren geliebten Ehemann, der von einem grausamen Tyrannen eingesperrt wurde, und entlarvt ihn vor dem Volk. Um Verwechslungen mit einer bereits existierenden Oper, die auf dieser Handlung basiert, Gaveaus Leonora, zu vermeiden, wurde Beethovens Werk Fidelio genannt, nach dem Namen, den die verkleidete Heldin angenommen hatte. Natürlich hatte Beethoven keine Erfahrung mit dem Komponieren für das Theater. Die Höhepunkte des Melodrams sind von exzellenter Musik geprägt, aber in anderen Abschnitten hindert der Mangel an dramatischem Flair den Komponisten daran, sich über die Opernroutine zu erheben (obwohl er sich sehr darum bemühte: Es gibt Fragmente im Fidelio, die bis zu 100 % überarbeitet wurden achtzehn Mal). Dennoch gewann die Oper nach und nach ihre Zuhörerschaft (zu Lebzeiten des Komponisten gab es drei Aufführungen davon in unterschiedlichen Ausgaben – 1805, 1806 und 1814). Man kann argumentieren, dass sich der Komponist bei keiner anderen Komposition so viel Mühe gegeben hat.

Beethoven verehrte, wie bereits erwähnt, die Werke Goethes zutiefst, komponierte mehrere Lieder nach seinen Texten, Musik zu seiner Tragödie Egmont, traf Goethe jedoch erst im Sommer 1812, als sie gemeinsam in einem Kurort in Teplitz landeten. Die raffinierten Manieren des großen Dichters und das harte Verhalten des Komponisten trugen nicht zu ihrer Annäherung bei. „Sein Talent hat mich außerordentlich verblüfft, aber leider hat er ein unbezwingbares Temperament, und die Welt kommt ihm wie eine hasserfüllte Schöpfung vor“, sagt Goethe in einem seiner Briefe.

Beethovens Freundschaft mit Rudolf, dem österreichischen Erzherzog und Halbbruder des Kaisers, ist eine der interessantesten historischen Geschichten. Um 1804 begann der damals 16-jährige Erzherzog, Klavierunterricht beim Komponisten zu nehmen. Trotz des großen Unterschieds in sozialer Status, der Lehrer und der Schüler empfanden aufrichtige Zuneigung zueinander. Als Beethoven zum Unterricht im Schloss des Erzherzogs erschien, musste er an unzähligen Lakaien vorbeikommen, seinen Schüler „Eure Hoheit“ nennen und gegen seine dilettantische Einstellung zur Musik ankämpfen. Und das alles mit erstaunlicher Geduld, obwohl er nie davor zurückschreckte, den Unterricht abzusagen, wenn er mit dem Komponieren beschäftigt war. Im Auftrag des Erzherzogs entstanden Werke wie die Klaviersonate „Farewell“, das Tripelkonzert, das letzte und grandioseste Fünfte Klavierkonzert und die feierliche Messe (Missa solemnis). Der Erzherzog, Fürst Kinsky und Fürst Lobkowitz richteten eine Art Stipendium für den Komponisten ein, der Wien zu Ruhm verholfen hatte, von den städtischen Behörden jedoch keine Unterstützung erhielt, und der Erzherzog erwies sich als der zuverlässigste der drei Mäzene.

Letzten Jahren.

Die finanzielle Situation des Komponisten verbesserte sich spürbar. Verleger suchten nach seinen Partituren und bestellten Werke wie große Klaviervariationen über ein Thema von Diabellis Walzer (1823). Als sein Bruder Kaspar 1815 starb, wurde der Komponist einer der Vormunde seines zehnjährigen Neffen Karl. Beethovens Liebe zu dem Jungen und sein Wunsch, seine Zukunft zu sichern, gerieten in Konflikt mit dem Misstrauen, das der Komponist gegenüber Karls Mutter hegte; Infolgedessen stritt er sich nur ständig mit beiden, und diese Situation färbte den letzten Abschnitt seines Lebens in ein tragisches Licht. In den Jahren, in denen Beethoven die volle Vormundschaft anstrebte, komponierte er wenig.

Beethovens Taubheit war fast vollständig. Bis 1819 musste er vollständig auf die Kommunikation mit seinen Gesprächspartnern mittels Schiefertafel oder Papier und Bleistift umsteigen (überliefert sind die sogenannten Beethoven-Gesprächsnotizbücher). Völlig in Werke wie die majestätische Feierliche Messe in D-Dur (1818) oder die Neunte Symphonie vertieft, verhielt er sich seltsam und löste bei Fremden Alarm aus: „Er sang, heulte, stampfte mit den Füßen und schien im Allgemeinen in einen tödlichen Kampf verwickelt zu sein.“ mit unsichtbarem Feind“ (Schindler). Die brillanten letzten Quartette, die letzten fünf Klaviersonaten – grandios im Umfang, ungewöhnlich in Form und Stil – schienen vielen Zeitgenossen die Werke eines Verrückten zu sein. Und doch erkannten die Wiener Zuhörer die Erhabenheit und Größe der Musik Beethovens, sie hatten das Gefühl, es mit einem Genie zu tun zu haben. Bei der Aufführung der Neunten Symphonie mit ihrem Chorfinale nach dem Text von Schillers Ode „An die Freude“ im Jahr 1824 stand Beethoven neben dem Dirigenten. Der Saal war vom kraftvollen Höhepunkt am Ende der Symphonie gefesselt, das Publikum tobte, doch der taube Beethoven drehte sich nicht um. Einer der Sänger musste ihn am Ärmel fassen und zum Publikum drehen, damit sich der Komponist verneigte.

Das Schicksal anderer späterer Werke war komplizierter. Nach Beethovens Tod vergingen viele Jahre, und erst dann begannen die empfänglichsten Musiker, seine letzten Quartette und letzten Klaviersonaten aufzuführen und den Menschen diese höchsten und schönsten Errungenschaften Beethovens zu offenbaren. Manchmal wird Beethovens Spätstil als kontemplativ, abstrakt und in einigen Fällen als Missachtung der Gesetze des Wohlklangs charakterisiert.

Beethoven starb am 26. März 1827 in Wien an einer Lungenentzündung, die durch Gelbsucht und Wassersucht verschlimmert wurde.

3. Beethovens Klavierwerk

Das Erbe der Klaviermusik Beethovens ist groß:

32 Sonaten;

22 Variationszyklen (darunter „32 Variationen in c-Moll“);

Bagatellen, Tänze, Rondos;

viele kleine Werke.

Beethoven war ein brillanter virtuoser Pianist, der mit unerschöpflicher Kreativität zu jedem Thema improvisierte. Beethovens Konzertauftritte offenbarten sehr schnell sein kraftvolles, gigantisches Wesen und seine enorme emotionale Ausdruckskraft. Dies war nicht mehr der Stil eines Kammersalons, sondern einer großen Konzertbühne, auf der der Musiker nicht nur lyrische, sondern auch monumentale, heroische Bilder offenbaren konnte, zu denen er leidenschaftlich hingezogen war. All dies manifestierte sich bald deutlich in seinen Kompositionen. Darüber hinaus offenbarte sich Beethovens Individualität vor allem in seinen Klavierwerken: Beethoven begann mit einem bescheidenen klassizistischen Klavierstil, der noch weitgehend mit der Kunst des Cembalospiels verbunden war, und endete mit Musik für das moderne Klavier.

Innovative Techniken des Beethoven-Klavierstils:

Erweiterung bis an die Grenzen des Klangumfangs und erschließt so bisher unbekannte Ausdrucksmöglichkeiten der extremen Lagen. Daher das Gefühl eines weiten Luftraums, der durch die Gegenüberstellung entfernter Register entsteht;

Verschieben der Melodie in tiefe Register;

Verwendung massiver Akkorde, reichhaltige Textur;

Bereicherung der Pedaltechnik.

Unter den riesigen Klaviererbe Besonders hervorzuheben sind die 32 Sonaten Beethovens. Beethovens Sonate wurde zu einer Symphonie für Klavier. Wenn für Beethoven die Sinfonie ein Bereich monumentaler Ideen und umfassender „allmenschlicher“ Probleme war, dann erschuf der Komponist in den Sonaten die Welt menschlicher innerer Erfahrungen und Gefühle. Laut B. Asafiev sind „Beethovens Sonaten das ganze Leben eines Menschen.“ Es scheint nicht emotionale Zustände, was sich hier auf die eine oder andere Weise nicht widerspiegeln würde.“

Beethoven interpretiert seine Sonaten im Geiste unterschiedlicher Gattungstraditionen:

Sinfonien („Appassionata“);

Fantasie („Lunar“);

Ouvertüre („Pathetique“).

In einer Reihe von Sonaten überwindet Beethoven das klassische 3-Satz-Schema, indem er zwischen dem langsamen Satz und dem Finale einen zusätzlichen Satz – ein Menuett oder Scherzo – platziert und die Sonate damit einer Symphonie gleicht. Unter den späteren Sonaten gibt es zwei Sätze.

Sonate Nr. 8, „Pathetique“ (c-Moll, 1798).

Der Name „Pathetique“ wurde von Beethoven selbst gegeben und definierte sehr genau den Hauptton, der die Musik dieses Werks dominiert. „Erbärmlich“ – aus dem Griechischen übersetzt. - leidenschaftlich, aufgeregt, voller Pathos. Es sind nur zwei Sonaten bekannt, deren Titel Beethoven selbst gehören: „Pathetique“ und „Farewell“ (Es-dur, op. 81 a). Unter Beethovens frühen Sonaten (vor 1802) ist die Pathétique die ausgereifteste.

Sonate Nr. 14, „Moonlight“ (cis-moll, 1801).

Der Name „Lunar“ wurde von Beethovens zeitgenössischem Dichter L. Relshtab gegeben (Schubert schrieb viele Lieder auf der Grundlage seiner Gedichte), weil Die Musik dieser Sonate war mit der Stille und dem Geheimnis einer mondhellen Nacht verbunden. Beethoven selbst bezeichnete es als „Sonata quasi una fantasia“ (eine Sonate, als wäre sie eine Fantasie), was die Neuordnung von Teilen des Zyklus rechtfertigte:

Teil I – Adagio, in freier Form geschrieben;

Teil II – Allegretto in präludiumimprovisierender Manier;

Teil III – Finale, in Sonatenform.

Die Originalität der Komposition der Sonate beruht auf ihrer poetischen Absicht. Mentales Drama, die dadurch verursachten Zustandsübergänge – von trauriger Selbstversunkenheit zu gewalttätiger Aktivität.

Teil I (cis-Moll) – eine traurige Monolog-Reflexion. Erinnert an einen erhabenen Choral, einen Trauermarsch. Anscheinend fängt diese Sonate die Stimmung tragischer Einsamkeit ein, die Beethoven zum Zeitpunkt des Zusammenbruchs seiner Liebe zu Julia Guicciardi erfasste.

Teil II der Sonate (Des Major) wird oft mit ihrem Bild in Verbindung gebracht. Voller anmutiger Motive, Licht- und Schattenspiele unterscheidet sich Allegretto deutlich von Teil I und dem Finale. Nach der Definition von F. List handelt es sich um „eine Blume zwischen zwei Abgründen“.

Das Finale der Sonate ist ein Sturm, der alles hinwegfegt, was sich ihm in den Weg stellt, ein tobendes Element der Gefühle. Das Finale der Mondscheinsonate nimmt die Appassionata vorweg.

Sonate Nr. 21, „Aurora“ (C-dur, 1804).

In dieser Komposition offenbart sich ein neues Gesicht Beethovens, geschwächt von stürmischen Leidenschaften. Hier atmet alles makellose Reinheit und erstrahlt in einem blendenden Licht. Kein Wunder, dass sie „Aurora“ (in der antiken römischen Mythologie die Göttin) genannt wurde Morgendämmerung, dasselbe wie Eos im Altgriechischen). „Weiße Sonate“ – Romain Rolland nennt es. Bilder der Natur erscheinen hier in ihrer ganzen Pracht.

Teil I ist monumental und entspricht der Idee eines königlichen Bildes eines Sonnenaufgangs.

R. Rolland bezeichnet Teil II als „den Zustand von Beethovens Seele inmitten friedlicher Felder“.

Den Abschluss bildet die Freude an der unbeschreiblichen Schönheit der Welt um uns herum.

Sonate Nr. 23, „Appassionata“ (f-Moll, 1805).

Der Name „Appassionata“ (leidenschaftlich) gehört nicht Beethoven, er wurde vom Hamburger Verleger Kranz erfunden. Die Wut der Gefühle, der rasende Fluss der Gedanken und Leidenschaften von wahrhaft gigantischer Kraft werden hier in klassisch klaren, perfekten Formen verkörpert (Leidenschaften werden durch einen eisernen Willen zurückgehalten). R. Rolland definiert „Appassionata“ als „einen feurigen Strom in einem Granitlenkrad“. Als Beethovens Schüler Schindler seinen Lehrer nach dem Inhalt dieser Sonate fragte, antwortete Beethoven: „Lies Shakespeares Der Sturm.“ Aber Beethoven hat seine eigene Interpretation von Shakespeares Werk: In seinem Werk erhält der gigantische Kampf zwischen Mensch und Natur einen ausgeprägten sozialen Unterton (Kampf gegen Tyrannei und Gewalt).

„Appassionata“ – Lieblingsstück V. Lenina: „Ich kenne nichts Besseres als „Appassionata“, ich bin bereit, es mir jeden Tag anzuhören. Erstaunliche, unmenschliche Musik. Ich denke immer mit Stolz, vielleicht naiv: Das sind die Wunder, die Menschen tun können!“

Die Sonate endet tragisch, aber gleichzeitig wird der Sinn des Lebens gewonnen. „Appassionata“ wird Beethovens erste „optimistische Tragödie“. Das Erscheinen eines neuen Bildes (einer Episode im Rhythmus eines schwerfälligen Massentanzes), das bei Beethoven die Bedeutung eines Symbols hat, in der Coda des Finales erzeugt einen beispiellos hellen Kontrast von Hoffnung, Lichtdrang und düsterer Verzweiflung.

Eines der charakteristischen Merkmale von „Appassionata“ ist seine außergewöhnliche Dynamik, die seinen Umfang zu kolossalen Ausmaßen erweiterte. Das Wachstum der Sonaten-Allegro-Form erfolgt aufgrund der Entwicklung, die in alle Abschnitte der Form eindringt, inkl. und Ausstellung. Die Entwicklung selbst nimmt gigantische Ausmaße an und wird ohne Zäsur zur Reprise. Die Coda geht in die zweite Durchführung über, wo der Höhepunkt des gesamten Teils erreicht wird.

Die nach der Appassionata entstandenen Sonaten markierten einen Wendepunkt und markierten die Hinwendung zu einem neuen, späten Beethoven-Stil, der in vielerlei Hinsicht die Werke der romantischen Komponisten des 19. Jahrhunderts vorwegnahm.

4. Beethovens symphonische Werke.

Beethoven war der erste, der der Symphonie einen gesellschaftlichen Zweck gab und sie auf die Ebene der Philosophie erhob. Es ist in der Symphonie mit größte Tiefe die revolutionär-demokratische Weltanschauung des Komponisten wurde verkörpert.

Beethoven schuf in seinen symphonischen Werken majestätische Tragödien und Dramen. Beethovens Symphonie, die sich an riesige Menschenmassen richtet, hat monumentale Formen. So ist der erste Satz der „Eroica“-Symphonie fast doppelt so groß wie der erste Satz von Mozarts größter Symphonie „Jupiter“, und die gigantischen Dimensionen der 9. Symphonie sind im Allgemeinen mit keinem der zuvor geschriebenen symphonischen Werke vergleichbar.

Bis zu seinem 30. Lebensjahr schrieb Beethoven überhaupt keine Sinfonie. Jedes symphonische Werk Beethovens ist das Ergebnis längster Arbeit. So dauerte die Entstehung der „Eroischen“ 1,5 Jahre, der Fünften Symphonie 3 Jahre und der Neunten 10 Jahre. Die meisten Sinfonien (von der Dritten bis zur Neunten) fallen in die Zeit des höchsten Aufstiegs von Beethovens Schaffen.

Symphony I fasst die Suche zusammen frühe Periode. Laut Berlioz „ist das nicht mehr Haydn, aber noch nicht Beethoven.“ Im Zweiten, Dritten und Fünften kommen Bilder revolutionären Heldentums zum Ausdruck. Die Vierte, Sechste, Siebte und Achte zeichnen sich durch ihre lyrischen, Genre- und Scherzo-Humor-Merkmale aus. In der Neunten Symphonie kehrt Beethoven zum letzten Mal zum Thema des tragischen Kampfes und der optimistischen Lebensbejahung zurück.

Dritte Symphonie, „Eroica“ (1804).

Die wahre Blüte von Beethovens Kreativität ist mit seiner Dritten Symphonie (der Zeit reifer Kreativität) verbunden. Dem Erscheinen dieses Werkes gingen tragische Ereignisse im Leben des Komponisten voraus – der Beginn der Taubheit. Als er erkannte, dass es keine Hoffnung auf Genesung gab, stürzte er in Verzweiflung, Gedanken an den Tod ließen ihn nicht los. Im Jahr 1802 verfasste Beethoven ein Testament an seine Brüder, die sogenannte Heiligenstadt.

In diesem für den Künstler schrecklichen Moment wurde die Idee der 3. Symphonie geboren und ein spiritueller Wendepunkt begann, von dem aus die fruchtbarste Periode in Beethovens Schaffensleben begann.

Dieses Werk spiegelte Beethovens Leidenschaft für die Ideale der Französischen Revolution und Napoleons wider, der in seinen Augen das Bild eines wahren Volkshelden verkörperte. Als Beethoven die Symphonie beendet hatte, nannte er sie „Buonaparte“. Doch bald erreichte Wien die Nachricht, dass Napoleon die Revolution verraten und sich selbst zum Kaiser ausgerufen hatte. Als Beethoven davon erfuhr, wurde er wütend und rief: „Das ist auch ein gewöhnlicher Mensch!“ Jetzt wird er alle Menschenrechte mit Füßen treten, nur seinem Ehrgeiz folgen, sich über alle anderen stellen und zum Tyrannen werden! Augenzeugen zufolge ging Beethoven zum Tisch, schnappte sich das Titelblatt, riss es von oben bis unten auf und warf es auf den Boden. Anschließend gab der Komponist der Symphonie einen neuen Namen – „Heroisch“.

Mit der Dritten Symphonie begann eine neue Ära in der Geschichte der Weltsymphonie. Die Bedeutung des Werkes ist folgende: Während des Kampfes der Titanen stirbt der Held, aber seine Leistung ist unsterblich.

Teil I – Allegro con brio (Es-dur). G.P. ist ein Bild eines Helden und eines Kampfes.

Teil II – Trauermarsch (c-Moll).

Teil III - Scherzo.

Teil IV – Finale – ein Gefühl allumfassenden Volksspaßes.

Fünfte Symphonie, c-Moll (1808).

Diese Symphonie führt die Idee des heroischen Kampfes der Dritten Symphonie fort. „Durch die Dunkelheit – zum Licht“, so definierte A. Serov dieses Konzept. Der Komponist hat dieser Symphonie keinen Titel gegeben. Sein Inhalt ist jedoch mit den Worten Beethovens verbunden, der in einem Brief an einen Freund sagte: „Kein Bedarf für Frieden! Ich erkenne keinen anderen Frieden als den Schlaf ... Ich werde das Schicksal an der Kehle packen. Sie wird mich nicht ganz unterkriegen können.“ Es war die Idee des Kampfes mit dem Schicksal, mit dem Schicksal, die den Inhalt der Fünften Symphonie bestimmte.

Nach dem grandiosen Epos (Dritte Symphonie) schafft Beethoven ein lakonisches Drama. Wenn die Dritte mit Homers Ilias verglichen wird, dann wird die Fünfte Symphonie mit der klassizistischen Tragödie und Glucks Opern verglichen.

Teil 4 der Symphonie wird als 4 Akte der Tragödie wahrgenommen. Sie verbindet das Leitmotiv, mit dem das Werk beginnt und über das Beethoven selbst sagte: „So klopft das Schicksal an die Tür.“ Dieses Thema wird äußerst prägnant beschrieben, wie ein Epigraph (4 Töne), mit einem scharf klopfenden Rhythmus. Dies ist ein Symbol des Bösen, das auf tragische Weise in das Leben eines Menschen eindringt, wie ein Hindernis, dessen Überwindung unglaubliche Anstrengungen erfordert.

In Teil I steht das Thema Rock im Vordergrund.

In Teil II ist das „Klopfen“ manchmal alarmierend.

Im dritten Satz – Allegro – (Beethoven verzichtet hier sowohl auf das traditionelle Menuett als auch auf das Scherzo („Witz“), weil die Musik hier alarmierend und widersprüchlich ist) – klingt es mit neuer Bitterkeit.

Im Finale (Feier, Siegeszug) klingt das Thema Rock wie eine Erinnerung an vergangene dramatische Ereignisse. Das Finale ist eine grandiose Apotheose, die ihren Höhepunkt in einer Coda erreicht, die den Siegesjubel der von einem heroischen Impuls erfassten Massen zum Ausdruck bringt.

Sechste Symphonie, „Pastorale“ (F-Dur, 1808).

Die Natur und das Verschmelzen mit ihr, ein Gefühl der Ruhe, Bilder des Volkslebens – das ist der Inhalt dieser Symphonie. Unter den neun Symphonien Beethovens ist die Sechste die einzige programmatische, d. h. hat einen allgemeinen Namen und jeder Teil trägt den Titel:

Teil I – „Freudegefühle bei der Ankunft im Dorf“

Teil II – „Szene am Bach“

Teil III – „Eine fröhliche Zusammenkunft der Dorfbewohner“

Teil IV – „Gewitter“

Teil V – „Das Lied des Hirten. Ein Danklied an die Gottheit nach einem Gewitter.“

Beethoven versuchte, naive Bildhaftigkeit zu vermeiden und betonte im Untertitel des Titels, dass es „eher ein Gefühlsausdruck als eine Malerei“ sei.

Die Natur versöhnt Beethoven sozusagen mit dem Leben: In seiner Verehrung der Natur strebt er danach, das Vergessen von Sorgen und Ängsten zu finden, eine Quelle der Freude und Inspiration. Der gehörlose Beethoven, abgeschieden von den Menschen, wanderte oft in den Wäldern am Stadtrand von Wien umher: „Allmächtiger! Ich bin glücklich in den Wäldern, wo jeder Baum von dir spricht. Dort können wir Ihnen in Ruhe dienen.“

Die „pastorale“ Symphonie wird oft als Vorbote der musikalischen Romantik angesehen. Eine „freie“ Interpretation des symphonischen Zyklus (5 Teile, gleichzeitig, da die letzten drei Teile ohne Unterbrechung aufgeführt werden, gibt es drei Teile) sowie eine Art Programmierung, die die Werke von Berlioz, Liszt und vorwegnimmt andere Romantiker.

Neunte Symphonie (d-Moll, 1824).

Die Neunte Symphonie ist eines der Meisterwerke der Weltmusikkultur. Hier wendet sich Beethoven erneut dem Thema des heroischen Kampfes zu, der eine gesamtmenschliche, universelle Dimension annimmt. In der Größe ihres künstlerischen Konzepts übertrifft die Neunte Symphonie alle Werke Beethovens vor ihr. Nicht umsonst schrieb A. Serov, dass „die ganze große Aktivität des brillanten Symphonikers auf diese „neunte Welle“ hinzielte.

Die erhabene ethische Idee des Werkes – ein Appell an die gesamte Menschheit mit einem Aufruf zur Freundschaft, zur brüderlichen Einheit von Millionen – wird im Finale verkörpert, das das semantische Zentrum der Symphonie darstellt. Hier stellt Beethoven erstmals einen Chor und Solosänger vor. Diese Entdeckung Beethovens wurde von Komponisten des 19. und 20. Jahrhunderts (Berlioz, Mahler, Schostakowitsch) mehr als einmal genutzt. Beethoven verwendete Zeilen aus Schillers Ode „An die Freude“ (die Idee der Freiheit, der Brüderlichkeit, des Glücks der Menschheit):

Die Menschen sind untereinander Brüder!

Umarmung, Millionen!

Seien Sie Teil der Freude eines Einzelnen!

Beethoven brauchte ein Wort, denn das Pathos des Redens hat eine gesteigerte Wirkungskraft.

Die Neunte Symphonie enthält programmatische Besonderheiten. Das Finale wiederholt alle Themen der vorherigen Sätze – eine Art musikalische Erläuterung des Konzepts der Symphonie, gefolgt von einer verbalen.

Interessant ist auch die Dramaturgie des Zyklus: Zuerst gibt es zwei schnelle Teile mit dramatischen Bildern, dann folgt der langsame dritte Teil und das Finale. So bewegt sich die gesamte kontinuierliche figurative Entwicklung stetig auf das Finale zu – das Ergebnis des Lebenskampfes, dessen verschiedene Aspekte in den vorherigen Teilen dargelegt werden.

Der Erfolg der Uraufführung der Neunten Symphonie im Jahr 1824 war triumphal. Beethoven wurde mit fünf Applausrunden begrüßt, während selbst die kaiserliche Familie laut Etikette nur dreimal begrüßt werden sollte. Der gehörlose Beethoven konnte den Applaus nicht mehr hören. Erst als er sich dem Publikum zuwandte, konnte er die Freude erkennen, die die Zuhörer erfasste.

Doch trotz alledem fand die zweite Aufführung der Symphonie wenige Tage später in einem halbleeren Saal statt.

Ouvertüren.

Insgesamt hat Beethoven 11 Ouvertüren. Fast alle davon erschienen als Einleitung zu einer Oper, einem Ballett oder einem Theaterstück. War früher der Zweck der Ouvertüre die Vorbereitung auf die Wahrnehmung musikalischer und dramatischer Handlung, so entwickelt sich die Ouvertüre bei Beethoven zu einem eigenständigen Werk. Bei Beethoven hört die Ouvertüre auf, eine Einleitung in die nachfolgende Handlung zu sein, und wird zu einer eigenständigen Gattung, die ihren eigenen inneren Entwicklungsgesetzen unterliegt.

Beethovens beste Ouvertüren sind Coriolanus, Leonore Nr. 2, Egmont. Ouvertüre „Egmont“ – nach Goethes Tragödie. Sein Thema ist der Kampf des niederländischen Volkes gegen die spanischen Sklavenhalter im 16. Jahrhundert. Der für die Freiheit kämpfende Held Egmont stirbt. Auch in der Ouvertüre bewegt sich die gesamte Entwicklung von der Dunkelheit zum Licht, vom Leiden zur Freude (wie in der Fünften und Neunten Symphonie).

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Bagatelle (französisch „Schmuckstück“) ist ein kleines, leicht zu spielendes Musikstück, hauptsächlich für ein Tasteninstrument. Der Name wurde erstmals von Couperin verwendet. Bagatellen wurden von Beethoven, Liszt, Sibelius und Dvorak geschrieben.

Insgesamt gibt es 4 Leonora-Ouvertüren. Sie wurden als 4 Versionen der Ouvertüre zur Oper „Fidelio“ geschrieben.

Beethoven hatte das Glück, in einer Zeit geboren zu werden, die perfekt zu seiner Natur passte. Dies ist eine Ära voller großer gesellschaftlicher Ereignisse, von denen das wichtigste der revolutionäre Putsch in Frankreich ist. Die Große Französische Revolution und ihre Ideale hatten einen starken Einfluss auf den Komponisten – sowohl auf seine Weltanschauung als auch auf sein Werk. Es war die Revolution, die Beethoven das Grundmaterial zum Verständnis der „Dialektik des Lebens“ lieferte.

Die Idee des heroischen Kampfes wurde zur wichtigsten Idee in Beethovens Werk, wenn auch bei weitem nicht die einzige. Effizienz, der aktive Wunsch nach einer besseren Zukunft, ein Held im Einklang mit der Masse – das bringt der Komponist in den Vordergrund. Die Idee der Staatsbürgerschaft und das Bild der Hauptfigur – eines Kämpfers für republikanische Ideale – machen Beethovens Werk der Kunst des revolutionären Klassizismus ähnlich (mit den heroischen Gemälden Davids, Cherubinis Opern, revolutionären Marschliedern). „Unsere Zeit braucht Menschen mit einem starken Geist“, sagte der Komponist. Bezeichnenderweise widmete er seine einzige Oper nicht der geistreichen Susana, sondern der mutigen Leonora.

Doch nicht nur gesellschaftliche Ereignisse, sondern auch das Privatleben des Komponisten trugen dazu bei, dass heroische Themen in seinem Werk in den Vordergrund rückten. Die Natur hat Beethoven mit dem neugierigen, aktiven Geist eines Philosophen ausgestattet. Seine Interessen waren immer ungewöhnlich breit gefächert, sie erstreckten sich auf Politik, Literatur, Religion, Philosophie, Naturwissenschaften. Dem wirklich immensen kreativen Potenzial stand eine schreckliche Krankheit entgegen – Taubheit, die scheinbar den Weg zur Musik für immer versperren könnte. Beethoven fand die Kraft, sich dem Schicksal zu widersetzen, und die Ideen des Widerstands und der Überwindung wurden zum Hauptsinn seines Lebens. Sie waren es, die den Heldencharakter „geschmiedet“ haben. Und in jeder Zeile von Beethovens Musik erkennen wir seinen Schöpfer – sein mutiges Temperament, seinen unbeugsamen Willen, seine Unnachgiebigkeit gegenüber dem Bösen. Gustav Mahler formulierte diese Idee wie folgt: „Die angeblich von Beethoven gesprochenen Worte zum ersten Thema der Fünften Symphonie – „So klopft das Schicksal an die Tür“ ... sind für mich noch lange nicht deren enormer Inhalt erschöpft. Vielmehr könnte er über sie sagen: „Ich bin es.“

Periodisierung von Beethovens Schaffensbiographie

• I – 1782–1792 – Bonner Zeit. Der Beginn einer kreativen Reise.
• II – 1792–1802 – Frühe Wiener Periode.
• III – 1802–1812 – Zentrale Periode. Zeit für kreatives Aufblühen.
• IV – 1812–1815 – Übergangsjahre.
• V – 1816–1827 – Spätzeit.

Beethovens Kindheit und frühes Leben

Kindheit und frühe Jahre Beethoven (bis Herbst 1792) sind mit Bonn verbunden, wo er geboren wurde Dezember 1770 des Jahres. Sein Vater und sein Großvater waren Musiker. Nahe der französischen Grenze gelegen, war Bonn im 18. Jahrhundert eines der Zentren der deutschen Aufklärung. Im Jahr 1789 wurde hier eine Universität eröffnet, unter deren Lehrunterlagen später auch Beethovens Notenbuch gefunden wurde.

Beethovens berufliche Ausbildung wurde in früher Kindheit häufig wechselnden, „zufälligen“ Lehrern anvertraut – Bekannten seines Vaters, die ihm Unterricht im Orgel-, Cembalo-, Flöten- und Violinspiel gaben. Nachdem sein Vater das seltene musikalische Talent seines Sohnes entdeckt hatte, wollte er ihn zu einem Wunderkind, einem „zweiten Mozart“ machen – einer Quelle großen und konstanten Einkommens. Zu diesem Zweck begannen sowohl er selbst als auch die von ihm eingeladenen Chorfreunde, den kleinen Beethoven technisch auszubilden. Er musste sogar nachts am Klavier üben; Die ersten öffentlichen Auftritte des jungen Musikers (Konzerte wurden 1778 in Köln organisiert) entsprachen jedoch nicht den kommerziellen Plänen seines Vaters.

Ludwig van Beethoven wurde kein Wunderkind, doch er entdeckte schon früh sein Talent als Komponist. Hatte großen Einfluss auf ihn Christian Gottlieb Nefe, der ihm ab seinem 11. Lebensjahr Komposition und Orgelspiel beibrachte, ist ein Mann mit ausgeprägten ästhetischen und politischen Überzeugungen. Als einer der gebildetsten Musiker seiner Zeit führte Nefe Beethoven in die Werke von Bach und Händel ein, klärte ihn über Fragen der Geschichte und Philosophie auf und erzog ihn vor allem im Geiste eines tiefen Respekts für seine deutsche Heimatkultur. Darüber hinaus wurde Nefe der erste Verleger des 12-jährigen Komponisten und veröffentlichte eines seiner frühen Werke – Klaviervariationen über ein Thema aus Dresslers Marsch(1782). Diese Variationen waren Beethovens erstes erhaltenes Werk. Im folgenden Jahr wurden drei Klaviersonaten fertiggestellt.

Zu diesem Zeitpunkt begann Beethoven bereits im Theaterorchester zu arbeiten und bekleidete die Stelle des Hilfsorganisten in der Hofkapelle. Wenig später verdiente er auch Geld mit dem Erteilen von Musikunterricht in Adelsfamilien (aufgrund der Armut der Familie). er musste sehr früh in den Dienst eintreten). Daher erhielt er keine systematische Ausbildung: Er besuchte die Schule nur bis zu seinem 11. Lebensjahr, schrieb sein ganzes Leben lang mit Fehlern und lernte nie die Geheimnisse der Multiplikation. Dennoch gelang es Beethoven dank seiner eigenen Beharrlichkeit, ein gebildeter Mensch zu werden: Er beherrschte selbstständig Latein, Französisch und Italienisch und las ständig viel.

Beethoven träumte davon, bei Mozart zu studieren, besuchte 1787 Wien und traf sein Idol. Nachdem Mozart der Improvisation des jungen Mannes zugehört hatte, sagte er: „Achten Sie auf ihn; Er wird eines Tages dafür sorgen, dass die Welt über sich selbst spricht.“ Beethoven scheiterte daran, Mozarts Schüler zu werden: Aufgrund der tödlichen Krankheit seiner Mutter musste er dringend nach Bonn zurückkehren. Dort fand er moralischen Rückhalt bei den Aufgeklärten die Familie Breuning.

Die Ideen der Französischen Revolution wurden von Beethovens Bonner Freunden begeistert aufgenommen und hatten großen Einfluss auf die Bildung seiner demokratischen Überzeugungen.

Beethovens Talent als Komponist entwickelte sich nicht so schnell wie Mozarts phänomenales Talent. Beethoven komponierte eher langsam. Seit 10 Jahren des ersten - Bonn Zeitraum (1782-1792) Es entstanden 50 Werke, darunter 2 Kantaten, mehrere Klaviersonaten (heute Sonatinen genannt), 3 Klavierquartette und 2 Trios. Ein großer Teil des Bonner Schaffens besteht auch aus Variationen und Liedern, die für das Laienmusizieren gedacht sind. Darunter ist das bekannte Lied „Groundhog“.

Frühe Wiener Zeit (1792-1802)

Trotz der Frische und Helligkeit seiner jugendlichen Kompositionen erkannte Beethoven, dass er ernsthaft studieren musste. Im November 1792 verließ er Bonn endgültig und zog nach Wien, dem größten Musikzentrum Europas. Hier studierte er Kontrapunkt und Komposition I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger Und A. Salieri . Zur gleichen Zeit begann Beethoven als Pianist aufzutreten und erlangte bald Ruhm als unübertroffener Improvisator und brillanter Virtuose.

Der junge Virtuose wurde von vielen angesehenen Musikliebhabern besucht – K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, dem russischen Botschafter A. Razumovsky und anderen; Beethovens Sonaten, Trios, Quartette und später sogar Sinfonien wurden erstmals in ihren Salons gehört. Ihre Namen finden sich in den Widmungen vieler Werke des Komponisten. Allerdings war Beethovens Art, mit seinen Gönnern umzugehen, zu dieser Zeit nahezu unbekannt. Stolz und unabhängig vergab er niemandem Versuche, seine Menschenwürde zu erniedrigen. Die legendären Worte des Komponisten an den ihn beleidigenden Gönner sind bekannt: „Es gab und wird Tausende von Fürsten geben, aber es gibt nur einen Beethoven.“ Obwohl er nicht gerne unterrichtete, war Beethoven dennoch der Lehrer von K. Czerny und F. Ries im Klavier (beide erlangten später europäische Berühmtheit) und des Erzherzogs Rudolf von Österreich in der Komposition.

Im ersten Wiener Jahrzehnt schrieb Beethoven hauptsächlich Klavier und Kammermusik: 3 Klavierkonzerte und 2 Dutzend Klaviersonaten, 9(aus 10) Violinsonaten(einschließlich Nr. 9 – „Kreutzerova“), 2 Cellosonaten, 6 Streichquartette, eine Reihe von Ensembles für verschiedene Instrumente, das Ballett „Creations of Prometheus“.

Mit Beginn des 19. Jahrhunderts begann Beethovens symphonisches Schaffen: 1800 vollendete er sein symphonisches Schaffen Erste Symphonie, und im Jahr 1802 - Zweite. Zur gleichen Zeit entstand sein einziges Oratorium „Christus am Ölberg“. Die ersten Anzeichen einer unheilbaren Krankheit, der fortschreitenden Taubheit, die 1797 auftrat, und die Erkenntnis der Hoffnungslosigkeit aller Versuche, die Krankheit zu behandeln, führten Beethoven 1802 in eine psychische Krise, die sich in dem berühmten Dokument niederschlug: „Heiligenstädter Testament“ . Der Ausweg aus der Krise war Kreativität: „... Mir fehlte ein wenig, um Selbstmord zu begehen“, schrieb der Komponist. - „Es war nur die Kunst, die mich zurückgehalten hat.“

Zentrale Schaffensperiode (1802-1812)

1802-12 – die Zeit der brillanten Blüte von Beethovens Genie. Seine tief verwurzelten Vorstellungen von der Überwindung des Leidens durch die Kraft des Geistes und vom Sieg des Lichts über die Dunkelheit nach einem erbitterten Kampf erwiesen sich als im Einklang mit den Ideen der Französischen Revolution. Diese Ideen wurden in der 3. („Eroischen“) und Fünften Symphonie, in der Oper „Fidelio“, in der Musik zu J. V. Goethes Tragödie „Egmont“ und in der Sonate Nr. 23 („Appassionata“) verkörpert.

Insgesamt schuf der Komponist in diesen Jahren:

sechs Sinfonien (Nr. 3 bis Nr. 8), Quartette Nr. 7-11 und weitere Kammerensembles, die Oper Fidelio, Klavierkonzerte 4 und 5, Violinkonzert, sowie das Tripelkonzert für Violine, Cello und Klavier mit Orchester .

Übergangsjahre (1812–1815)

Die Jahre 1812–15 waren Wendepunkte im politischen und spirituellen Leben Europas. Es folgte die Zeit der Napoleonischen Kriege und der Aufstieg der Befreiungsbewegung Wiener Kongress (1814-15), danach verstärkten sich reaktionär-monarchische Tendenzen in der Innen- und Außenpolitik der europäischen Länder. Der Stil des heroischen Klassizismus wich der Romantik, die zur führenden Strömung in der Literatur wurde und sich auch in der Musik durchsetzte (F. Schubert). Beethoven würdigte den siegreichen Jubel mit der spektakulären symphonischen Fantasie „Die Schlacht bei Vittoria“ und der Kantate „Happy Moment“, deren Uraufführungen zeitgleich mit dem Wiener Kongress stattfanden und Beethoven einen beispiellosen Erfolg bescherten. Andere Werke von 1813–17 spiegelten jedoch eine beharrliche und manchmal schmerzhafte Suche nach neuen Wegen wider. Zu dieser Zeit entstanden Sonaten für Cello (Nr. 4, 5) und Klavier (Nr. 27, 28), mehrere Dutzend Bearbeitungen von Liedern verschiedener Nationen für Gesang und Ensemble sowie der erste Gesangszyklus in der Geschichte des Genres „An einen fernen Geliebten“(1815). Der Stil dieser Werke ist experimentell, mit vielen genialen Entdeckungen, aber nicht immer so integral wie in der Zeit des „revolutionären Klassizismus“.

Spätzeit (1816-1827)

Das letzte Jahrzehnt von Beethovens Leben war sowohl von der allgemeinen bedrückenden politischen und spirituellen Atmosphäre in Metternichs Österreich als auch von persönlichen Widrigkeiten und Umbrüchen geprägt. Die Taubheit des Komponisten wurde vollständig; ab 1818 war er gezwungen, „Gesprächshefte“ zu verwenden, in denen seine Gesprächspartner an ihn gerichtete Fragen notierten. Die Hoffnung auf persönliches Glück verloren (der Name der „unsterblichen Geliebten“, an die Beethovens Abschiedsbrief vom 6.-7. Juli 1812 gerichtet war, bleibt unbekannt; einige Forscher halten sie für J. Brunswick-Dame, andere für A. Brentano) , übernahm Beethoven die Erziehung seines Neffen Karl, des Sohnes seines 1815 verstorbenen jüngeren Bruders. Dies führte zu einem langjährigen (1815-20) Rechtsstreit mit der Mutter des Jungen um das alleinige Sorgerecht. Der fähige, aber leichtfertige Neffe bereitete Beethoven viel Kummer.

Die Spätperiode umfasst die letzten 5 Quartette (Nr. 12-16), „33 Variationen über den Diabelli-Walzer“, Klavier-Bagatellen op. 126, zwei Sonaten für Cello op. 102, Fuge für Streichquartett, Alle diese Werke qualitativ anders als alles bisherige. Dadurch können wir über Stil sprechen spät Beethoven, der eine deutliche Ähnlichkeit mit dem Stil romantischer Komponisten aufweist. Die für Beethoven zentrale Idee des Kampfes zwischen Licht und Dunkelheit nimmt Gestalt an späte Kreativität betont philosophischer Klang. Der Sieg über das Leid wird nicht mehr durch heroische Taten erreicht, sondern durch die Bewegung von Geist und Gedanken.

1823 war Beethoven fertig „Feierliche Messe„, das er selbst als sein größtes Werk betrachtete. Die „Feierliche Messe“ wurde am 7. April 1824 in St. Petersburg uraufgeführt. Einen Monat später fand Beethovens letztes Benefizkonzert in Wien statt, bei dem neben Teilen aus der Messe auch sein Abschlusskonzert aufgeführt wurde. Neunte Symphonie mit einem Schlusschor über den Text von „Ode an die Freude“ von F. Schiller. Die Neunte Symphonie mit ihrem letzten Aufruf – „Embrace, millions“! - wurde zum ideologischen Zeugnis des Komponisten für die Menschheit und hatte starken Einfluss auf die Symphonie des 19. und 20. Jahrhunderts.

Über Traditionen

Beethoven wird üblicherweise als Komponist bezeichnet, der einerseits die klassizistische Ära in der Musik beendet und andererseits den Weg zur Romantik ebnet. Im Großen und Ganzen stimmt das, aber seine Musik entspricht nicht ganz den Anforderungen beider Stilrichtungen. Der Komponist ist so universell, dass keine Stilmerkmale die Gesamtheit seines schöpferischen Auftretens abdecken. Manchmal schuf er im selben Jahr Werke, die so gegensätzlich waren, dass es äußerst schwierig war, Gemeinsamkeiten zwischen ihnen zu erkennen (zum Beispiel die 5. und 6. Symphonie, die 1808 im selben Konzert uraufgeführt wurden). Wenn wir Werke vergleichen, die in verschiedenen Epochen entstanden sind, zum Beispiel in früh und reif oder reif und spät, dann werden sie manchmal als Schöpfungen verschiedener künstlerischer Epochen wahrgenommen.

Gleichzeitig ist Beethovens Musik bei aller Neuheit untrennbar mit der früheren deutschen Kultur verbunden. Es ist unbestreitbar von den philosophischen Texten J. S. Bachs, den feierlichen Heldenbildern von Händels Oratorien, Glucks Opern und den Werken von Haydn und Mozart beeinflusst. Auch die Musikkunst anderer Länder, vor allem Frankreichs, und ihre massenrevolutionären Genres, die weit vom galant-sensiblen Stil des 18. Jahrhunderts entfernt waren, trugen zur Entstehung von Beethovens Stil bei. Die typischen ornamentalen Verzierungen, Verzierungen und weichen Abschlüsse gehören der Vergangenheit an. Viele der Fanfaren-März-Themen in Beethovens Werken stehen den Liedern und Hymnen der Französischen Revolution nahe. Sie veranschaulichen anschaulich die strenge, edle Einfachheit der Musik des Komponisten, der gerne wiederholte: „Es ist immer einfacher.“

ZU Komponisten der Wiener Klassik

Wenn man heute von Klassizismus in der Musik spricht, meint man in den meisten Fällen die Werke von Komponisten des 18. Jahrhunderts. - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. van Beethoven, die wir nennen Wiener Klassiker oder Vertreter Wiener Klassische Schule. Diese neue Richtung in der Musik wurde zu einer der fruchtbarsten in der Geschichte der Musikkultur.

Die nationale österreichische Musikkultur jener Zeit erwies sich als wunderbares Umfeld für die Schaffung einer solchen Ebene der Musikkunst, die auf neue Ideen und Stimmungen reagierte. Wiener klassische Komponisten konnten nicht nur das Beste zusammenfassen, was die europäische Musik erreicht hatte, sondern auch die ästhetischen Ideale der Aufklärung musikalisch verkörpern und eigene kreative Entdeckungen machen. Die höchste Errungenschaft der Musikkultur dieser Zeit war die Herausbildung klassischer Musikgattungen und der Prinzipien des Symphonismus in den Werken von J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. van Beethoven.

Klassische Symphonie von Haydn

In die Geschichte der Weltmusikkultur Joseph Haydn(1732-1809) galt als Schöpfer der klassischen Symphonie. Ihm gebührt auch Anerkennung für die Schaffung instrumentaler Musik und die Bildung einer stabilen Zusammensetzung des Sinfonieorchesters.

Haydns kreatives Erbe ist wirklich atemberaubend! Er ist Autor von 104 Sinfonien, 83 Streichquartetten, 52 Klaviersonaten, 24 Opern... Darüber hinaus schuf er 14 Messen und mehrere Oratorien. In allem, was der berühmte österreichische Komponist geschrieben hat, spürt man unübertroffenes Talent und brillantes Können. Es ist kein Zufall, dass sein nicht minder berühmter Landsmann und Freund Mozart voller Bewunderung sagte:

„Niemand kann alles so gut wie Haydn: scherzen und schockieren, zum Lachen bringen und zutiefst berühren.“

Haydns Werk erlangte bereits zu Lebzeiten des Komponisten europäische Berühmtheit und wurde von seinen Zeitgenossen geschätzt. Haydns Musik ist „Musik der Freude und Muße“, sie ist voller Optimismus und wirkungsvoller Energie, leicht und natürlich, lyrisch und raffiniert. Die Fantasie des Komponisten Haydn schien keine Grenzen zu kennen. Seine Musik ist reich an Kontrasten, Pausen und unerwarteten Überraschungen. So erklingen in der 94. Symphonie (1791) in der Mitte des zweiten Satzes, wenn die Musik ruhig und leise klingt, plötzlich kräftige Paukenschläge, nur damit dem Zuschauer „keine Langeweile aufkommt“...

Haydns Sinfonien sind der wahre Höhepunkt seines Schaffens. Die musikalische Form der Symphonie nahm nicht sofort Gestalt an. Die Anzahl seiner Stimmen variierte zunächst, und nur Haydn gelang es, seinen klassischen Typus in vier Stimmen zu schaffen, die sich jeweils in der Art der klingenden Musik, im Tempo und in den Methoden zur Entwicklung des Themas unterschieden. Gleichzeitig ergänzten sich die vier gegensätzlichen Teile der Symphonie gegenseitig.

Der erste Teil der Symphonie (griech. symphonia – Konsonanz) wurde meist in einem schnellen, ungestümen Tempo aufgeführt. Es ist aktiv und dramatisch und vermittelt normalerweise den Hauptkonflikt zweier Bilder. In verallgemeinerter Form vermittelte es die Atmosphäre des Lebens der Hauptfigur. Die zweite – langsam, lyrisch, inspiriert von der Betrachtung wunderschöner Naturbilder – drang ein Innere Held. Es kann Gedanken, süße Träume und Träume von Erinnerungen in der Seele hervorrufen. Im dritten Teil, der von den Muße- und Entspannungsstunden des Helden und seiner Kommunikation mit Menschen erzählt, gab es lebhafte, bewegende Musik, deren Rhythmen zunächst auf das Menuett zurückgingen – einen ruhigen Salontanz des 18. Jahrhunderts, und später auf das Scherzo – eine fröhliche Tanzmusik – Sprache humorvoller Natur. Der kurze vierte Teil fasste die Gedanken des Helden zusammen und beleuchtete das Wichtigste in seinem Verständnis des Sinns des menschlichen Lebens. In der Form ähnelte es einem Rondo mit einem Wechsel eines konstanten Themas – einem Refrain (Refrain) und ständig aktualisierten Episoden.

Der allgemeine Charakter der Musik von Haydns Sinfonien wurde vom deutschen Schriftsteller E. T. A. Hoffmann (1776-1822) bildlich und poetisch ausgedrückt:

„In Haydns Werken dominiert der Ausdruck einer kindlichen, fröhlichen Seele; seine Sinfonien führen uns in weite grüne Haine, in eine fröhlich bunte Menschenmenge glückliche Leute, Jungen und Mädchen sausen in Chortänzen vor uns her; lachende Kinder, die sich hinter den Bäumen verstecken, dahinter Rosenbusch, spielerisch Blumen werfend. Ein Leben voller Liebe, voller Glückseligkeit und ewiger Jugend, wie vor dem Sündenfall; kein Leid, kein Kummer – nur ein süßes, elegisches Verlangen nach dem geliebten Bild, das in der Ferne schwebt, im rosafarbenen Flackern des Abends, weder naht noch verschwindet, und solange es da ist, kommt die Nacht nicht, denn er selbst ist es die Abenddämmerung, die über dem Berg und über dem Hain brennt.

IN symphonische Musik Haydn bediente sich oft der Technik der Onomatopöe: dem Gesang der Vögel, dem Rauschen eines Baches, und lieferte sichtbare Skizzen des Sonnenaufgangs und „Porträts“ von Tieren. Die Musik des Komponisten umfasste slowakische, tschechische, kroatische, ukrainische, tirolerische, ungarische und zigeunerische Melodien und Rhythmen. In Haydns Musik gibt es nichts Überflüssiges oder Zufälliges, sie besticht durch ihre Anmut, Leichtigkeit und Eleganz.

In seinen letzten Lebensjahren schuf Haydn seine bedeutendsten musikalischen Werke. In den zwölf „London Symphonies“, geschrieben in den 1790er Jahren. Unter dem Eindruck von Reisen nach London fand die Lebensphilosophie und Weltanschauung des Komponisten Ausdruck. Unter dem Einfluss von Händels Musik schuf er zwei majestätische Oratorien: „ Welterschaffung“(1798) und "Jahreszeiten"(1801), was den ohnehin schon lauten Ruhm des Komponisten steigerte.

Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte Haydn einsam in einem kleinen Haus am Stadtrand von Wien. Er hat fast nichts geschrieben. Häufiger schwelgte er in Erinnerungen an sein Leben voller kühner Unternehmungen und experimenteller Suchen.

Die musikalische Welt Mozarts

Weg Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) begann hell und brillant in der Musik. Schon in seinen frühesten Lebensjahren wurde sein Name zur Legende. Im Alter von vier Jahren brauchte er eine halbe Stunde, um ein Menuett zu lernen und es sofort zu spielen. Im Alter von sechs Jahren gründete er zusammen mit seinem Vater Leopold Mozart talentierter Musiker Kapelle des Erzbischofs von Salzburg, tourte mit Konzerten durch ganz Europa. Mit elf komponierte er seine erste Oper und mit vierzehn dirigierte er die Uraufführung seiner eigenen Oper am Mailänder Theater. Im selben Jahr erhielt er den Ehrentitel eines Musikakademikers von Bologna.

Das zukünftige Leben des talentierten Komponisten war jedoch nicht einfach. Die Position eines Hofmusikers unterschied sich nicht wesentlich von der eines hilfsbereiten Dieners, der jedem Wunsch seines Herrn nachkam. Das war nicht der Charakter Mozarts, eines unabhängigen und entscheidungsfreudigen Mannes, der im Leben Ehre und Würde am meisten schätzte. Obwohl er viele Prüfungen im Leben durchgemacht hatte, änderte er nie seine Ansichten und Überzeugungen.

Mozart ging als brillanter Komponist symphonischer Musik, Schöpfer des klassischen Konzertgenres, Autor des „Requiems“ und von zwanzig Opern, darunter zwanzig Opern, darunter „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“, in die Geschichte der Musikkultur ein. besonders berühmt waren“ und „Die Zauberflöte“. Um die Bedeutung seines kreativen Erbes hervorzuheben, möchte ich gemeinsam mit A. S. Puschkin wiederholen:

„Du, Mozart, bist Gott und du selbst

weißt nicht..."

In der Opernkunst ging Mozart seinen eigenen Weg, der sich von seinen berühmten Vorgängern und Zeitgenossen unterschied. Selten verwendet mythologische Geschichten, wandte er sich hauptsächlich literarischen Quellen zu: mittelalterlichen Legenden und Theaterstücken berühmter Dramatiker. Mozart war der erste, der in der Oper dramatische und komische Prinzipien vereinte. In seinen Opernwerken gab es keine klare Trennung der Charaktere in positive und negative; Die Helden befanden sich immer wieder in unterschiedlichen Lebenssituationen, in denen sich das Wesen ihrer Charaktere offenbarte.

Mozart legte großen Wert auf die Musik und betonte nicht die Rolle des klingenden Wortes. Sein kreativer Grundsatz wurde zu seinen eigenen Worten: „Die Poesie sollte die gehorsame Tochter der Musik sein.“ In Mozarts Opern nahm die Rolle des Orchesters zu, mit dessen Hilfe der Autor seine Haltung gegenüber den Figuren zum Ausdruck bringen konnte. Er zeigte oft Sympathie für negative Charaktere und war nicht abgeneigt, über positive Charaktere herzlich zu lachen.

„Die Hochzeit des Figaro“(1786) basiert auf dem Stück des französischen Dramatikers Beaumarchais (1732-1799) „Der verrückte Tag oder die Hochzeit des Figaro“. Mozart ging ein großes Risiko ein, als er ein von der Zensur verbotenes Stück zur Aufführung wählte. Das Ergebnis war eine heitere Oper im Stil der italienischen Comic-Opera Buffa. Die energiegeladene, leichte Musik, die in diesem Werk erklang, ließ das Publikum ernsthaft über das Leben nachdenken. Einer der ersten Biographen des Komponisten bemerkte sehr treffend:

„Mozart verschmolz das Komische und das Lyrische, das Niedrige und das Erhabene, das Lustige und das Berührende und schuf eine Schöpfung, die in ihrer Neuheit beispiellos ist – „Die Hochzeit des Figaro.“

Der Barbier Figaro, ein Mann ohne Familie oder Stamm, besiegt mit seiner List und Intelligenz den berühmten Grafen Al-Maviva, der nicht abgeneigt ist, die Braut eines Bürgerlichen zu umwerben. Aber Figaro beherrscht die Moral der High Society gut und lässt sich daher nicht von raffinierten Gesten und verbalen Netzen täuschen. Er kämpft bis zum Schluss um sein Glück.

In der Oper "Don Juan"(1787) sind das Tragische und das Komische, das Phantastische und das Reale nicht weniger fest miteinander verflochten. Mozart selbst gab ihm den Untertitel „Fröhliches Drama“. Hervorzuheben ist, dass das Thema des Don Juanismus in der Musik nicht neu war, Mozart jedoch besondere Ansätze zu seiner Offenlegung fand. Lag der Schwerpunkt der Aufmerksamkeit der Komponisten früher auf Don Juans gewagten Abenteuern und Liebesaffären, so wurde dem Publikum nun ein charmanter Mann präsentiert, erfüllt von ritterlichem Mut, Adel und Mut. Mit großer Anteilnahme reagierte Mozart auch auf die Offenlegung der emotionalen Erfahrungen der von Don Juan beleidigten Frauen, die Opfer seiner Liebesbeziehungen wurden. Die ernsten und majestätischen Arien des Kommandanten wurden durch fröhliche und schelmische Melodien des schlauen, intelligenten Leporello, Don Giovannis Diener, ersetzt.

„Opernmusik ist voller Bewegung, Brillanz, ungewöhnlich dynamisch und zart. In diesem Werk herrscht die Melodie – flexibel, ausdrucksstark, bestechend durch ihre Frische und Schönheit. Die Partitur ist voll von wundervollen, meisterhaft gestalteten Ensembles und großartigen Arien, die den Sängern die größte Gelegenheit bieten, den ganzen Reichtum der Stimmen zu offenbaren und hohe Gesangstechnik zu demonstrieren“ (B. Kremnev).

Opernmärchen „Zauberflöte“(1791) – Mozarts Lieblingswerk, sein „Schwanengesang“ – wurde zu einer Art Epilog zum Leben des großen Komponisten (es wurde zwei Monate vor seinem Tod in Wien aufgeführt). In einer leichten und faszinierenden Form verkörperte Mozart darin das Thema des unvermeidlichen Sieges des hellen und vernünftigen Anfangs des Lebens über die Mächte der Zerstörung und des Bösen. Der Zauberer Sarastro und seine treuen Assistenten erschaffen nach vielen grausamen Prüfungen immer noch die Welt der Weisheit, der Natur und der Vernunft. Schwarze Rache, Wut und Betrug der Königin der Nacht erweisen sich als machtlos gegenüber den alles erobernden Zaubersprüchen der Liebe.

Die Oper war ein überwältigender Erfolg. Es erklangen die Melodien von Märchenspielen, Zauberopern, Volksfestbuden und Puppentheatern.

In der symphonischen Musik erreichte Mozart keine geringeren Höhen. Besonders beliebt sind Mozarts letzte drei Symphonien: Es-Dur (1788), g-Moll (1789) und C-Dur bzw. „Jupiter“ (1789). Sie enthielten das lyrische Bekenntnis des Komponisten, sein philosophisches Verständnis seines eingeschlagenen Lebensweges.

Mozart wird zugeschrieben, die Gattung des klassischen Konzerts für verschiedene Musikinstrumente geschaffen zu haben. Darunter sind 27 Konzerte für Klavier und Orchester, 7 für Violine und Orchester, 19 Sonaten für Klavier, Werke im Fantasy-Genre, die auf freier Improvisation basierten. Schon in jungen Jahren, als er fast täglich spielte, entwickelte er einen virtuosen Spielstil. Jedes Mal bot er den Zuhörern neue Kompositionen an und verblüffte sie mit seiner kreativen Fantasie und unerschöpflichen Inspirationskraft. Eines der besten Werke Mozarts in diesem Genre ist „Konzert für Klavier und Orchester d-Moll“ (1786).

Mozarts Schaffen ist auch durch herausragende Werke der Kirchenmusik vertreten: Messen, Kantaten, Oratorien. Der Höhepunkt seiner geistlichen Musik war "Requiem"(1791) ist ein grandioses Werk für Chor, Solisten und Symphonieorchester. Die Musik des Requiems ist zutiefst tragisch, voller zurückhaltender und edler Trauer. Das Leitmotiv der Arbeit ist das Schicksal eines leidenden Menschen, der vor dem harten Gericht Gottes steht. Mit atemberaubender dramatischer Kraft offenbart er im zweiten Refrain „Dies irae“ („Tag des Zorns“) Bilder von Tod und Zerstörung, kontrastiert mit traurigen Gebeten und rührenden Wehklagen. Der lyrische Höhepunkt des „Requiems“ war „Lacrimosa“ („Lacrimosa“ – „Dieser tränenreiche Tag“), eine Musik voller zitternder Aufregung und erleuchteter Traurigkeit. Die außergewöhnliche Schönheit dieser Melodie machte sie zu allen Zeiten weithin bekannt und beliebt.

Der todkranke Mozart hatte keine Zeit, dieses Werk fertigzustellen. Basierend auf den Skizzen des Komponisten wurde es von einem seiner Schüler fertiggestellt.

„Musik, die die Herzen der Menschen entfacht.“ Ludwig van Beethoven

Im Frühjahr 1787 klopfte ein Teenager im Kostüm eines Hofmusikanten an die Tür eines kleinen, ärmlichen Hauses am Stadtrand von Wien, in dem der berühmte Mozart lebte. Er bat den großen Maestro bescheiden, sich seine Improvisationen zu einem bestimmten Thema anzuhören. Mozart war in die Arbeit an der Oper Don Giovanni vertieft und präsentierte dem Gast zwei Zeilen polyphoner Exposition. Der Junge war nicht ratlos, meisterte die Aufgabe perfekt und beeindruckte den berühmten Komponisten mit seinen außergewöhnlichen Fähigkeiten. Zu seinen hier anwesenden Freunden sagte Mozart: „Gebt acht auf diesen jungen Mann, die Zeit wird kommen, die ganze Welt wird von ihm reden.“ Diese Worte erwiesen sich als prophetisch. Musik des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven(1770-1827) heute weiß wirklich die ganze Welt Bescheid.

Beethovens Weg in der Musik ist ein Weg vom Klassizismus zu einem neuen Stil, der Romantik, ein Weg des mutigen Experimentierens und der kreativen Suche. Beethovens musikalisches Erbe ist enorm und überraschend vielfältig: 9 Sinfonien, 32 Sonaten für Klavier, 10 für Violine, zahlreiche Ouvertüren, darunter das Drama „Egmont“ von J. V. Goethe, 16 Streichquartette, 5 Konzerte für Klavier und Orchester, „Feierliche Messe“. “, Kantaten, Oper „Fidelio“, Romanzen, Bearbeitungen von Volksliedern (es gibt etwa 160 davon, darunter auch russische) usw.

Beethoven erreichte in der symphonischen Musik unerreichbare Höhen und erweiterte die Grenzen der Sonaten-Sinfonieform. Es wurde zu einer Hymne an die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes, an die Bestätigung des Sieges des Lichts und der Vernunft. Dritte „Heroische“ Symphonie(1802-1804). Dieses grandiose Werk, das in Umfang, Themen- und Episodenanzahl die bis dahin bekannten Sinfonien übertrifft, spiegelt die turbulente Ära der Französischen Revolution wider. Ursprünglich wollte Beethoven dieses Werk seinem Idol Napoleon Bonaparte widmen. Doch als sich der „General der Revolution“ selbst zum Kaiser ausrief, wurde deutlich, dass er von einem Durst nach Macht und Ruhm getrieben wurde. Beethoven strich die Widmung auf der Titelseite durch und schrieb ein Wort: „Heroisch“.

Die Symphonie besteht aus vier Sätzen. Im ersten Teil erklingt schnelle Musik, die den Geist des heroischen Kampfes und den Wunsch nach dem Sieg vermittelt. Im zweiten, langsamen Teil erklingt ein Trauermarsch voller erhabener Trauer. Zum ersten Mal wird das Menuett des dritten Satzes durch ein schnelles Scherzo ersetzt, das nach Leben, Licht und Freude ruft. Der letzte, vierte Satz ist voller dramatischer und lyrischer Variationen. Die öffentliche Rezeption von Beethovens „Heroischer“ Symphonie war mehr als verhalten: Das Werk schien zu lang und schwer verständlich.

Sechste „Pastorale“-Symphonie(1808) wurde unter dem Einfluss von Volksliedern und lustigen Tanzmelodien geschrieben. Der Untertitel lautete „Erinnerungen an das Landleben“. Die Solocelli stellten das Bild des rauschenden Baches dar, in dem die Stimmen der Vögel zu hören waren: Nachtigallen, Wachteln, Kuckucke und das Stampfen derjenigen, die zu einem fröhlichen Dorflied tanzten. Doch ein plötzlicher Donnerschlag stört die Feierlichkeiten. Bilder eines Sturms und eines Gewitters regen die Fantasie der Zuhörer an.

„Gewitter, Sturm ... Hören Sie auf die WindböenRegen, zum dumpfen Grollen der Bässe, zum durchdringenden Pfeifen kleiner Flöten ... Der Hurrikan naht und wächst ... Dann setzen die Posaunen ein, der Donner der Pauken verdoppelt sich, es ist kein Regen mehr, kein Wind , aber eine schreckliche Flut“ (G.L. Berlioz). Bilder von schlechtem Wetter wurden durch die helle und fröhliche Melodie eines Hirtenhorns und einer Hirtenpfeife ersetzt.

Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen ist „Neunte Symphonie“(1822-1824). Bilder von alltäglichen Stürmen, traurigen Verlusten, friedlichen Bildern der Natur und des Landlebens wurden zu einer Art Prolog des ungewöhnlichen Endes, geschrieben nach dem Text einer Ode des deutschen Dichters J. F. Schiller (1759-1805):

Deine Macht bindet heilig

Alles, was auf der Welt getrennt lebt:

Jeder sieht in jedem einen Bruder

Wo dein Flug weht...

Umarmung, Millionen!

Kommt in einem Kuss zusammen, Licht!

Zum ersten Mal in der symphonischen Musik verschmolzen der Klang des Orchesters und der Klang des Chores und verkündeten eine Hymne an das Gute, die Wahrheit und die Schönheit und riefen zur Brüderlichkeit aller Menschen auf der Erde auf.

Auch Beethovens Sonaten haben Eingang in die Schatzkammer der Weltmusikkultur gefunden. Die besten davon sind die Violine „Kreutzerova“ (Nr. 9), das Klavier „Lunnaya“ (Nr. 14), „Aurora“ (Nr. 21) und „Appassionata“ (Nr. 23).

"Mondscheinsonate(der Name wurde nach dem Tod des Komponisten vergeben) ist Julia Guicciardi gewidmet, deren unerwiderte Liebe tiefe Spuren in Beethovens Seele hinterließ. Lyrische, verträumte Musik, die eine Stimmung tiefer Traurigkeit und dann Freude an der Schönheit der Welt vermittelt, wird im Finale von einem stürmischen, dramatischen Gefühlsausbruch abgelöst.

Nicht weniger berühmt „Appassionata“„(italienisch appassionato – leidenschaftlich), einem engen Freund des Komponisten gewidmet. Vom Umfang her kommt sie einer Symphonie am nächsten, umfasst aber nicht vier, sondern drei Teile, die ein Ganzes bilden. Die Musik dieser Sonate ist durchdrungen vom Geist des leidenschaftlichen, selbstlosen Kampfes, der Kraft der Urkräfte der Natur, dem Willen des Menschen, der die Naturelemente zähmt und beruhigt.

Sonate „Aurora“, mit dem Untertitel „Sonate eines Sonnenaufgangs“, atmet Freude und Sonnenenergie. Der erste Teil vermittelt den Eindruck eines arbeitsreichen und lauten Tages, der von einer ruhigen Nacht abgelöst wird. Der zweite zeichnet das Bild des Anbruchs eines neuen Morgens.

In seinen letzten Lebensjahren komponierte Beethoven relativ wenig und langsam. Die völlige Taubheit, die ihn mitten auf seinem kreativen Weg befiel, erlaubte ihm nicht, aus einem Zustand tiefer Depression herauszukommen. Und doch war das, was zu dieser Zeit geschrieben wurde, auch vom wundersamen Aufstieg seines Talents geprägt.

Fragen und Aufgaben

1*. Welche Bedeutung hat Haydns Werk in der Geschichte der Weltmusikkultur? Was ist die klassische Art von Sinfonien, die er geschaffen hat? Stimmt es, dass Haydns Musik „Musik der Freude und Muße“ ist?

Welchen Beitrag leistete Mozart zur Entwicklung der Weltmusikkultur? Was sind seine wichtigsten Errungenschaften bei der Schaffung der Opernkunst?
Beethoven sagte: „Um etwas wirklich Schönes zu schaffen, bin ich bereit, jede Regel zu brechen.“ Welche Regeln des Musikschaffens lehnte Beethoven ab und was handelte er als wahrer Erneuerer?

Kreativwerkstatt

Bereiten Sie eine Radio- oder Fernsehsendung (Konzertsendung oder Musikabend) zum Thema „Komponisten der Wiener Klassik“ vor. Welche Musikstücke werden Sie auswählen? Besprechen Sie Ihre Entscheidungen.
Der Forscher der Geschichte der Musikkultur D.K. Kirnarskaya weist auf die „extreme Theatralik“ der Musik des Klassizismus hin. Ihrer Meinung nach „kann der Zuhörer nur die Fantasie anregen und im „musikalischen Gewand“ die Charaktere einer klassischen Tragödie oder Komödie erkennen.“ Ist es so? Hören Sie sich eine Oper von Mozart an und argumentieren Sie basierend auf Ihren eigenen Eindrücken Ihre Meinung.
B. Kremnev, Autor des Buches „Wolfgang Amadeus Mozart“, schrieb: „Wie Shakespeare, der Wahrheit des Lebens folgend, vermischt er entschieden das Komische mit dem Tragischen.“ Nicht umsonst definiert der Komponist die Gattung der Oper, die er jetzt schreibt, Don Giovanni, nicht als Opera buffa oder Opera seria, sondern als „bgatta ^ssovo“ – „lustiges Drama“. Wie berechtigt ist der Vergleich der tragikomischen Opern Mozarts mit dem Werk Shakespeares?
Warum ist Ihrer Meinung nach der Schriftsteller des 20. Jahrhunderts. R. Rolland stellte in seinem Buch „Das Leben Beethovens“ fest, dass Beethovens Werk „sich als näher an unserer Zeit erwies“? Warum wird Beethovens Werk üblicherweise im Rahmen des Klassizismus und des neuen Kunststils – der Romantik – betrachtet?
Der Komponist R. Wagner hielt es für eine sinnlose Übung, sich nach Beethovens Neunter Symphonie, die er „universelles Drama“, „das menschliche Evangelium der Kunst der Zukunft“ nannte, der symphonischen Gattung zuzuwenden. Hören Sie sich diese Musik an und versuchen Sie zu erklären, welche Gründe Wagner für eine solche Einschätzung hatte. Präsentieren Sie Ihre Eindrücke in Form eines Aufsatzes oder einer Rezension.

Themen von Projekten, Abstracts oder Nachrichten

„Musik des Barock und Klassizismus“; " Musikalische Leistungen und Entdeckungen im Werk Wiener klassischer Komponisten“; „Das Werk Haydns, Mozarts und Beethovens – eine musikalische Biographie der Aufklärung“; „Musikalisches Porträt des Helden der sinfonischen Werke I. Haydns“; „Warum nannten Zeitgenossen J. Haydns Sinfonien „Musik der Freude und Muße“ und „Inseln der Freude“?“; „Die Meisterschaft und Innovation von Mozarts Opernkunst“; „Das Leben Mozarts und die „kleine Tragödie“ von A. S. Puschkin „Mozart und Salieri“; „Entwicklung der Gattung Symphonie im Werk Beethovens“; „Ideale der napoleonischen Ära und ihre Widerspiegelung in den Werken von L. van Beethoven“; „Goethe und Beethoven: ein Dialog über Musik“; „Merkmale der künstlerischen Interpretation von Beethovens „Kreutzer“-Sonate in der gleichnamigen Erzählung von L. N. Tolstoi“; „Beethoven: seine Vorgänger und Nachfolger in der Musik.“

Bücher zum Weiterlesen

Alshvang A. A. Beethoven. M., 1977.

Butterworth N. Haydn. Tscheljabinsk, 1999.

Bach. Mozart. Beethoven. Schumann. Wagner. M., 1999. (ZhZL. Biografische Bibliothek von F. Pavlenkov).

Weiss D. Erhaben und irdisch. Ein Roman über das Leben Mozarts und seiner Zeit. M., 1970.

Große Musiker Westeuropas: ein Lesebuch für Oberstufenschüler / Komp. V. B. Grigorowitsch. M., 1982.

Woodfort P. Mozart. Tscheljabinsk, 1999.

Kirnarskaya D. K. Klassizismus: ein Buch zum Lesen. J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven. M., 2002.

Korsakow V. Beethoven. M., 1997.

Levin B. Musikalische Literatur fremder Länder. M., 1971. Ausgabe. III.

Popova T.V. Ausländische Musik des 18. und frühen 19. Jahrhunderts. M., 1976.

Rosenshield K. Geschichte der ausländischen Musik. M., 1973. Ausgabe. 1.

Rolland R. Beethovens Leben. M., 1990.

Tschitscherin G. V. Mozart. M., 1987.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „World Artistic Culture. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autor G. I. Danilova).