Ural-Komponisten und ihre Werke. Musiker des Urals

SMIRNOW
Michail Dmitrijewitsch, Komponist.

(1929 – 2006)

Einer der klügsten Vertreter der Uraler Kompositionsschule. Gründer und erster Vorsitzender (1983-1993) Person. Organisation des Komponistenverbandes Russlands. Mitglied des Untersuchungsausschusses Russlands (1966), geehrt. Aktivitäten Künste der Russischen Föderation (1981). Korrespondierendes Mitglied Petrovsky acad. Wissenschaften und Künste, 2000 (St. Petersburg), ehrenamtlicher Mitarbeiter der höheren Berufsbildung der Russischen Föderation (1999). Präsidentengelehrter (1998-2000).

Gattung. 19. November 1929 im Dorf. Beloyarka, Region Kurgan. Während des Krieges arbeitete er als Teenager bei ChTZ als Karusselldreher. Grundlegende Grundlagen der Musik. Kenntnisse erlangte ich bei Amateurauftritten: Ich sang im Chor, spielte Knopfakkordeon und spielte Klarinette in einer Blaskapelle. 1950 schloss er sein Studium an der Chel ab. Musik Schule benannt nach P.I. Tschaikowsky im Klarinettenunterricht, damals - der Uralstaat. Konservatorium benannt nach M.P. Mussorgsky: als Klarinettist (1955) und als Komponist (1961, Klasse von L. B. Nikolskaya).

Seit 1961 lebte und arbeitete er in Tscheljabinsk. Erfolgreich kombiniert kreative Arbeit von pädagogisch: vorbereitet große Zahl spezialisierte Musiker, von denen viele große öffentliche Anerkennung erlangt haben. 1995 wurde ihm der akademische Titel eines Professors der Abteilung für Orchesterdirigieren verliehen und er war Honorarprofessor der Tscheljabinsker Hochschule Landesakademie Kultur und Kunst.

Der Komponist hat Werke verschiedener Genres geschrieben: 2 Klarinettenkonzerte, 3 Streichquartette, 6 Werke des Kantaten-Oratorien-Genres, die in Zusammenarbeit mit Ural-Dichter entstanden sind, darunter: „Hail, our power“ (1970, Text von L. Kuznetsov) , „Gray Ural“ (1970, Text von L. Chernyshov), „Im Namen des eisernen Volkskommissars“ (1973, Text von L. Chernyshov), „Glory to the Victorious People“ (1985, Text von G. Suzdalev ), Sonaten für Violine, Bratsche, Cello und Klavier, Ouvertüren, Konzertstücke für russisches Orchester Volksinstrumente, Konzert für Domra und Orchester, mehr als 40 Lieder. Ein besonderer Ort Das Werk des Komponisten ist von großen Formen und Gattungen besetzt – Kantate, Oratorium, Symphonie, Konzert, Sonate. M. Smirnov ist der Autor der Hymne der Region Tscheljabinsk.

Die lebendigsten und konsequentesten künstlerischen Bestrebungen von S. verkörpern sich im symphonischen Schaffen: fünf große Sinfonien Sinfonieorchester(Die sechste ist noch nicht fertiggestellt), drei Sinfonien – für ein Orchester mit russischen Volksinstrumenten. Jeder von ihnen verkörpert trotz aller inhaltlichen Unterschiede einen komplexen, oft tragischen Inhalt, der das Verständnis widerspiegelt historischer Prozess, tiefes Verständnis der Vergangenheit und Gegenwart. Um sein Konzept zu konkretisieren, verwendete der Komponist häufig Intonationssymbole der Epoche, verschiedene Alltagsgenres sowie moderne Techniken des Orchestersatzes und der dramatischen Entwicklung.

Die Uraufführungen der Werke von M. Smirnov wecken in der Regel großes öffentliches Interesse und werden von Interpreten und Zuhörern positiv aufgenommen. Smirnovs Werke bleiben nicht nur aufgrund der Übereinstimmung der ausgewählten Themen mit der Gegenwart im Gedächtnis und dringen tief ins Bewusstsein ein. Sie wurden von einem erfahrenen Meister mit großem Gespür für Maßstab und Maßstab geschrieben Ausdrucksfähigkeiten die Mittel, zu denen er sich wendet. Aber die Hauptsache ist, dass diese Musik hart erkämpft ist: Sie trägt die Dramatik dessen, was jeden Tag erlebt und erlebt wurde, in sich; sie hätte nicht geschrieben werden können. Die Musik von M. Smirnov wurde in verschiedenen Städten Russlands (Perm, Jekaterinburg, St. Petersburg, Moskau) sowie im Ausland gehört.

Michail Dmitrijewitsch Smirnow verstarb am 9. August 2006 nach langer, schwerer Krankheit. Bis zu seinem letzten Tag arbeitete er an der Sechsten Symphonie, die er jedoch nicht vollenden konnte. Als Zeichen des tiefen Respekts für seine Persönlichkeit und des Verständnisses seiner Bedeutung in der russischen Kultur wurde ihm die Auszeichnung als M.D. verliehen. Smirnova wurde dem Konzertsaal der Staatlichen Akademie für Kultur und Kunst Tscheljabinsk zugeteilt; Die Leitung der Akademie richtete ein nach M.D. benanntes Stipendium ein. Smirnov, der an junge Musiker für Erfolge in ihrer kreativen Tätigkeit verliehen wird.

Die von ihm in verschiedenen Bereichen der musikalischen Tätigkeit festgelegten Traditionen, sein Anspruch und seine hohen Kriterien für die Ergebnisse von Kreativität, Leistung, künstlerisches Leben Im Allgemeinen sind sie in der Erinnerung derjenigen lebendig, die mit ihm gearbeitet, bei ihm studiert und seine Musik aufgeführt haben.

Im Zeitraum von 2003 – 2006. Der Komponist schuf folgende Werke: Sinfonie Nr. 3 für russisches Volksorchester (2003)

„Prachet“ für Sopran und Volksorchester (2004)

„Es herrscht ein Volkskrieg“ heißt es im Liedtext. V. Pyatkova, Lied zum 60. Jahrestag des Sieges im Großen Vaterländischen Krieg (2004)

Sechste Symphonie (unvollendet, 2004 – 2006)

Im Jahr 2004 wurden zwei Autorenkonzerte erfolgreich durchgeführt: im Konzertsaal. S.S. Prokofjew (Russisches Volksorchester „Malachit“ unter der Leitung des Volkskünstlers der Russischen Föderation V. Lebedev) und im Staat Tscheljabinsk. Akademie für Kultur und Kunst (Orchester für Volksinstrumente unter der Leitung von A. Saltanova)

Im Jahr 2003 wurde Mikhail Dmitrievich Smirnov Preisträger des Staatspreises der Region Tscheljabinsk in der Kategorie „Herausragende Kultur- und Kunstschaffende“;

Basic lit.:

Sinetskaya T. Mikhail Smirnov // Komponisten des Südurals: Monographie. - Tscheljabinsk: House of Printing, 2003. – S. 44 – 76; Gubnitskaya S.Z., Sinetskaya T.M. Musik Tscheljabinsker Komponisten

für russische Volksinstrumente // Volksinstrumentalaufführung des Urals und Sibiriens: Interuniversität. Sa. Kunst. - Tscheljabinsk, ChGIK, 1991. – S. 54 – 71; Ignatieva L. Wir erheben uns mit dieser Musik: Der Autor der Hymne der Region Tscheljabinsk ist 70. – Leute. Arbeitnehmer. – 1999, 7. Dezember; Sinetskaya T. Zeit und Raum von Mikhail Smirnov // Regionale Komponistenkreativität im Kontext der modernen Musikwissenschaft: Mat. wissenschaftlich-praktisch Konferenz des Fünften Plenums Pers. Abt. IK von Russland. – Tscheljabinsk, 2005. – S.128 – 135.

GUDKOW

Evgeniy Georgievich, Komponist (1939–2008) Name E.G. Gudkov ist weithin bekannt für seine zahlreichen Chor- und Symphonielieder. Werke, Musik für das russische Volk. Instrumente, Theater Aufführungen. Zwei Jahrzehnte lang ging den Musiksendungen im Tscheljabinsker Radio ein bekanntes musikalisches Intro voraus – die ersten Takte von E. Gudkovs Lied zum Text. L. Tatyanicheva „Rus spiegelt sich im Ural wider.“ Und heute erkennen wir im Läuten der Glockenspiele, die auf dem zentralen Platz (Platz der Revolution) installiert sind und regelmäßig die Zeit messen, eine der hellen Melodien der symphonischen Dichtung „Meine Stadt“, die Tscheljabinsk gewidmet ist. Auf diese Weise greifen Werk und Leben des Komponisten auf natürliche und organische Weise ineinander. Diese Interaktion setzt sich in Konzertsälen, im Repertoire der auftretenden Gruppen und Solisten, im pädagogischen Prozess des Musicals fort

Gattung. 7. September 1939 in Tscheljabinsk. 1959 schloss er sein Studium an der Chel ab. Musik Schule benannt nach PI. Tschaikowsky (Abteilung für Volksinstrumente). Studierte Komposition bei N.N. Juchnowski. 1964 - Kompositionsabteilung des Uralstaates. Konservatorium (Klasse von N.M. Khlopkov). Seitdem lebt und arbeitet er in Tscheljabinsk. Seit 1966 - Mitglied des Komponistenverbandes der UdSSR (heute IK Russlands). Im Jahr 1999 E. Gudkov wurde der Titel „Ehrenarbeiter des Komponistenverbandes Russlands“ verliehen.

Autor von Werken verschiedener Genres. Unter den wichtigsten Op. – Oper „Die Schlucht der geflügelten Pferde“ (K. Skvortsov), Opernballett „Silver Hoof“ (nach den Geschichten von P. Bazhov), Ballett „Well, Just Wait“, „ Romantisches Gedicht(Konzert)“ für Cello und Orchester, „Sinfonietta“ für Streichorchester und Pauken, „Pathetisches Triptychon“ für Sinfonie- und Blasorchester, Kammermusikwerke, Musik für Russisch. Adv. Instrumente - „Joyful Overture“, Suite „Heroes“, Ouvertüre „Mari Region (Mari-El), „Ural Concertino“ für Balalaika und Volksorchester, „Suite für Knopfakkordeon“ usw.

Der Lieblingsbereich der Kreativität des Komponisten ist Musik, die mit Worten und poetischen Texten verbunden ist.

Ein tiefes Verständnis der Natur des Liedes trug zur Entstehung von Originalwerken sowohl großer als auch kleinerer Form bei. Darunter sind das Oratorium „Russia Gave Me a Heart“ (V. Sorokin, 1968), die Kantaten „Songs of Our Land“ (K. Skvortsov, 1977), „Bright Day“ (N. Rubinskaya, 1986) und „Surprise Cantata“. (1973); Chorzyklus nach Gedichten von A. Puschkin (1999), „Russische Birken“ (Chorminiatur zum Gedenken an V. Shukshin, 2000), poetische Symphonie „Weihnachtsstern“ (B. Pasternak, 2000); zwei Chöre am Bahnhof M. Lermontov: „Engel“, „Gebet“. E. Gudkov schuf mehr als 50 Lieder („Drei Städte“, „Legendäres Tankograd“, „Traktor – Puck!“, „Walk, Son“ usw.) und schrieb Musik für 30 dramatische Aufführungen. Gudkow – Ural in der Musik, sein Werk ist eng mit der Ural-Literatur verbunden. Eine der fruchtbarsten und lebendigsten Kooperationen besteht mit L.K. Tatjanitschewa. Als Vertreter verschiedener Generationen waren sie durch Blutsbande vereint und brachten ihre Liebe zum Ural zum Ausdruck. Die Chorsuite „The Seasons“ (1963), die gefühlvolle Gesangsminiatur „Alyonka“ und das lyrisch-epische Lied „Rus is Reflected in the Urals“ (1966), der Gesangszyklus „Ship Forest“ (1998) ist zweifellos der beste Das ist heute auf der Grundlage der Poesie unserer herausragenden Landsfrau entstanden.

Ganz gleich, welchem Genre sich Gudkow zuwendet, er ist leicht an seinen breiten, melodisch reichen Themen, seinem organischen Charakter, der präzisen Auswahl der Ausdrucksmittel und seiner sanften und klaren Lebenseinstellung zu erkennen. Die Musik des Komponisten erklang in Moskau und St. Petersburg, Perm und Jekaterinburg, an der Schwarzmeerküste des Kaukasus und in der Region Lipezk, in Omsk, Tjumen, Nowosibirsk. Die besten Symphonie-, Kammermusik- und Chöre

diese Städte.

Im Zeitraum von 2003 bis 2008. Der Komponist schuf folgende Werke:

„Blagovest“. Konzert-Diptychon für gemischten Chor, Klavier und Orchesterglocken (2003)

Zwei Chöre zum Gedenken an V.M. Shukshina für unbegleiteten gemischten Chor (2004)

„Morgenkonzert für Dich“ (Chor) für unbegleiteten gemischten Chor (2004)

„Revelation“ für Cello, Klavier und vier Diskantinstrumente (2004)

Ehrentitel „Verdienter Künstler der Russischen Föderation“ (2004)

Basic lit.:

Preisträger des Preises und der Medaille der gesetzgebenden Versammlung der Region Tscheljabinsk für seinen Beitrag zur Entwicklung von Kultur und Kunst in der Region Tscheljabinsk (2004)

Sinetskaya T. Mikhail Smirnov // Komponisten des Südurals: Monographie. - Tscheljabinsk: House of Printing, 2003. – S. 44 – 76;
Gubnitskaya S.Z., Sinetskaya T.M. Musik von Tscheljabinsker Komponisten für russische Volksinstrumente // Volksinstrumentalaufführung des Urals und Sibiriens: Interuniversität. Sa. Kunst. - Tscheljabinsk, ChGIK, 1991. – S. 54 – 71; Belogrudov O. (Perm) // Sov. Musik. – 1986, Nr. 8. – S.125. Über das Produkt E. Gudkov, aufgeführt bei den Musiktagen der Region Tscheljabinsk in Perm; Parfentyeva N. Wir nutzen seine Musik, um die Zeit zu überprüfen. - Chel. Arbeitnehmer. – 7. September 1999; T.M. Sinetskaya Gudkov Evgeniy Georgievich. – Tscheljabinsk: Enzykl. / Komp. V.S. Gott, V.A. Tschernosemzew. – Tscheljabinsk: Steingürtel, 2001. – S. 210. (1947 - 2018)

1. WECKER

Gattung. 2. Februar 1947 in Kopeisk, Gebiet Tscheljabinsk. Von 1963 bis 1967 studierte er am Musikmuseum Tscheljabinsk. Schule benannt nach P. I. Tschaikowsky in der Knopfakkordeonklasse von P. M. Anokhin. Gleichzeitig studierte er Komposition bei M. D. Smirnov. Nach seinem Militärdienst trat er in die Ural State University ein. Konservatorium (1970-1975), dessen Kompositionsabteilung in der Klasse von Prof. erfolgreich abgeschlossen wurde. N. M. Puzeya.

Von 1975 bis 1994 – Lehrer, außerordentlicher Professor (1991) Person. Zustand Institut für Kultur. Seit 1981 - Mitglied des Komponistenverbandes der UdSSR (heute IK Russlands). Seit 1994 lebt er in Deutschland und bleibt offiziell (nach persönlicher Aussage) Mitglied des Untersuchungsausschusses Russlands (Zweigstelle Tscheljabinsk).

V. Wecker ist Autor von 3 Sinfonien (1974, 1979, 1982), Capriccio im „Beat“-Stil (1978) und Ouvertüren für Symphonieorchester. (1982), zwei Symphonien. Suite aus dem Ballett „Theseus“ (1986, 1990); die Oper „Challenge to a Duel“ (1985-1989) nach dem Theaterstück „Wir verändern das Vaterland nicht“ von K. Skvortsov; Instrumentalkonzerte: für Balalaika mit Orchester russischer Volksinstrumente (1979), für Balalaika und Kammerorchester(2001), für Klavier und Sinfonieorchester (in Erinnerung an J. Gershwin, 1991), für Klarinette und Kammerorchester (1992), für Akkordeon und Kammerorchester (Erstes – 2001, Zweites – 2002).

Die Kammermusik von V. Wecker ist ungewöhnlich vielfältig: Der Komponist ist in der Wahl der Instrumente und Kammerkompositionen sehr frei: 3 Sonaten, 3 Sonatinen, etwa 100 Miniaturen für Klavier; 6 Miniaturen für Streichquartett, „Kleines Triptychon“ für Violinsolo, „Meditation“ für Violine und Klavier, Sonatine für Klarinette, „Kindersuite“ für Balalaika, Intermezzo für Balalaika und Klavier, 3 Sonaten für Knopfakkordeon, Suite in 4 Teilen „Russische Motive“, „Choral und Fuge“ » für 3 Knöpfe Akkordeons usw. Im Allgemeinen Musik Die Sprache der Instrumentalwerke des Komponisten kann nicht als einfach bezeichnet werden. Es erfordert Zuhören, intellektuelles Verständnis und die Fähigkeit, viele unabhängige musikalische Elemente als Einheit wahrzunehmen. Die Liebe zu akut rhythmischen, synkopierten Formeln, das Verständnis des Rhythmus als wichtigster Vertreter des Pulses der Epoche machen V. Weckers Musik stets impulsiv, frei atmend und zugleich innerlich organisiert.

Das kreative Gepäck des Komponisten umfasst mehrere Dutzend Lieder und Romanzen. Seit 1975 V. Wekker leitete das Vokal-Instrumentalensemble „Katerina“, mit dem er Erfahrungen und Fähigkeiten im Gesangsgenre sammeln konnte, was den Weg für die Schaffung von Liedern unterschiedlicher Form, Genre, Inhalt und Aufführungskomposition ebnete. Die berühmtesten Vokalkompositionen: „Alles aus Russland“, „Sommerlied vom Pirol“, „Lied über den Ural“, „Viburnum blüht“, „Tscheljabinsk, du bist meine Liebe“, Wok. Zyklus „Vier Lieder im Stil der russischen Romantik“ auf Kunst. A. Feta et al.

Viele Jahre lang kam der Komponist jedes Jahr nach Russland, traf sich mit Interpreten und stellte den Zuhörern neue Kompositionen vor. Die Leistung des Komponisten während seines Lebens in Deutschland war von grundlegender Bedeutung theoretische Arbeit„Neue Musiktheorie“, erschienen im April 2003 bei Blau Eule in Deutschland, die der Komponist an Musikuniversitäten in Russland vorstellte.

Eine intensive Konzerttätigkeit begleitete seine gesamte Schaffenslaufbahn. V. Weckers Autorenkonzerte, die bereits dauerhaft in Deutschland lebten, fanden in Tscheljabinsk (S.S. Prokofjew-Konzertsaal, 2005), Jekaterinburg (Ural-Konservatorium, ORNI p/u L. Shkarupa, 2005); Deutschland (gewidmet dem 60. Jahrestag von Rottenburg, Streichorchester „italienischer“ Komposition (Mandolinen, Domras, Gitarren, Dirigent V. Wecker, 2007); Moskau (Gnessin-Akademie, ORNI p/u B. Vorona, 2008). Im Jahr 2007 Zum 60. Geburtstag des Komponisten fanden in Deutschland zehn Autorenkonzerte statt.

Aufsätze:

„Die Liebe zu drei Orangen“, Musical nach dem Märchen von C. Gozzi, Kunst. M. Svetlova (Stelle am BDT Kasan, Leitung A. Slavutsky, 2004); Konzert Nr. 2 für Balalaika und Kam. Orchester (2007);

„Faith, Hope, Love“, Triptychon für Saxophon und Kamera. (Volks-)Orchester, 2003;

Werke für Orchester mit Volksinstrumenten (2003 – 2008):

- „Ferienwalzer“

- „Erinnerungen an das Mutterland“

Nocturne , „Cantabile“, „Scherz-Musette“

- „Das Lied von Mond“

- „Grausame Romantik“;

13 Werke für Akkordeon-Duett.

Basic Literatur:

Speshkov V. „Ich werde dort ein menschliches Leben führen und hier ein kreatives Leben.“ - Chel. Arbeitnehmer. – 1997, 19. April

Sinetskaya T. Wekker Wladimir Pawlowitsch. – Tscheljabinsk: Enzykl. / Komp.: V.S. Gott, V.A. Tschernosemzew. – Tscheljabinsk: Steingürtel, 2001. – S. 136

Konoplyanskaya N. Eine andere Vision: Tscheljabinsker Komponisten schreiben seltsamerweise über Schönheit. - Chel. Arbeitnehmer. – 26. Dezember 2001

Sinetskaya T. Vladimir Vekker // Komponisten des Südurals: Monographie. - Tscheljabinsk: House of Printing, 2003. – S. 108 - 145

2. Staatliche und regionale Auszeichnungen, Titel, Preisträger

– 2004 wurde ihm der Deutsch-Russische Kulturpreis verliehen ( Stuttgart).

3. Verzeichnis der Werke mit Angabe der Opusnummer und des Entstehungsjahres

Musical- und Bühnenwerke

1. Oper“ „Herausforderung zum Duell“ („Anosov“) nach dem Theaterstück „Wir verändern das Vaterland nicht“ von K. Skvortsov, Libretto von V. Wecker, 1985-1989

2. Ballett“ Theseus“ von antike griechische Mythologie(nicht abgeschlossen), 1986

3. Das Musical „Die Liebe zu drei Orangen“ nach dem Märchen von C. Gozzi, Kunst. M. Swetlowa, 2004

Werke für Sinfonieorchester

1. Sinfonie Nr. 1 in 3 Sätzen, 1974

2. Konzert für Akkordeon mit Sinfonieorchester, 1977

3. Capriccio im Beat-Stil, 1978

4. Sinfonie Nr. 2 in 3 Sätzen, 1979

5. Ouvertüre, 1982

6. Sinfonie Nr. 3 in 4 Sätzen, 1982

7. Suite Nr. 1 aus dem Ballett Theseus, 1986

8. Suite Nr. 2 aus dem Ballett Theseus, 1990

9. Konzertgedicht für Klavier und Symphonieorchester (in Erinnerung an J. Gershwin), 1991

10. Konzert für Klarinette und Kammerorchester, 1992

11. Konzert Nr. 2 für Balalaika und Kammerorchester, 2001

12. Konzert Nr. 1 für Knopfakkordeon und Kammerorchester, 2001

Werke für Orchester mit russischen Volksinstrumenten

1. Konzert Nr. 1 für Balalaika mit einem Orchester russischer Volksinstrumente in drei Teilen, 1979

2. Drei Tänze, 1982.

3. Suite im „Retro“-Stil, 1984

4. „Faith, Hope, Love“, Triptychon für Saxophon und Kamera. (Volks-)Orchester, 2003

5. „Ferienwalzer“

6. „Erinnerungen an das Mutterland“

8. „Cantabile“

9. „Scherz-Musette“

10. „Das Lied von Mond“

11. „Grausame Romanze“

Kammermusikalische Werke

Musik für Klavier

1. Sonatine Nr. 1, 1967

2. Sechs Präludien, 1971-1990

3. Sonate Nr. 1 in 3 Sätzen, 1973

4. Sonate Nr. 2 (Jazz), 1977

5. Theaterstück „Capricious Baby“, 1980

6. Sonatine Nr. 2, 1986

7. Zwei kleine Tänze, 1987

8. White Stagecoach, Jazzstück, 1987

9. Leichte Sonate im klassischen Stil in 2 Sätzen, 1992

10. 24 Stücke (Präludien) für Klavier in neuen Modi, 1995

11. Zyklus mit Kinderstücken für Klavier, 2002

Musik für Akkordeon

1. Sonate Nr. 1 in 3 Sätzen, 1974

2. Sonate Nr. 2 in 2 Sätzen, 1979

3. Sonate Nr. 3 in 3 Sätzen, 1987

4. „Russische Motive“, Suite in 4 Teilen, 1982

5. Scherzo, 1982

6. „Choral und Fuge“ für drei Knopfakkordeons, 1986

7. Sonate Nr. 3 in 3 Sätzen, 1987

8. Fantasie, 1988

9. Theaterstück „Toy Train“, 1988

10. Drei Stücke, 1988

11. Suite Nr. 1 (für Jugendliche), 1990

12. Suite Nr. 2 (für Jugendliche), 1991

13. Stück für Akkordeon oder Akkordeon „Herbstblätter“. 1998

Musik für Balalaika

1. Drei Theaterstücke, 1976

2. Sonate für Balalaika und Klavier in drei Sätzen, 1982

3. „Kindersuite“ für Balalaika und Klavier (in 8 Teilen), 1987

4. „Intermezzo“ für Balalaika und Klavier, 1988

Musik für Violine und Klarinette

1. „Kleines Triptychon“ für Solovioline, 1984

2. Sonatine für Klarinette und Klavier, 1986

3. Drei Impromptu für Soloklarinette, 1990

4. „Meditation“ für Violine und Klavier, 2001

Ensembles

1. Sechs Miniaturen für Streichquartett, 1974

2. „Polka-Fox“ für Quartett mit Volksinstrumenten, 1985

3. „Intermezzo“ (Konzertfantasie für Sextett mit Volksinstrumenten, 1989

4. Suite „Retro“ Nr. 2 für Kammerorchester, 2001

5. Suite „Retro“ Nr. 3 für Kammerorchester, 2002

Chor- und Vokalkompositionen

1. Oratorium „Perekop“ Kunst. K. Kuliev für Solisten, gemischten Chor und Sinfonieorchester in 6 Teilen 1975

2. Vier Lieder im Stil russischer Romantik nach Gedichten von A. Fet, 1980

3. Etwa 80 Lieder, darunter: 1975-93

2) Liedtext „Native Russia“. I. Gritsaya

3) „Immortal Field“-Text. B. Repina

4) „Lied über den Ural“ Kunst. L. Tatyanicheva

5) Liedtext „Tscheljabinsk – Du bist meine Liebe“. A. Kunitsyn und V. Wecker

6) Songtext von „Young Cities“. L. Tatyanicheva

7) Songtext von „Time Calls Forward“. A. Levina

8) „Das ist das Lied, das der Komsomol singt“-Text. V. Slyadnevoy

9) Songtext von „Year Two Thousand“. A. Barto

10) Liedtext „Mein Urgroßvater hat gesungen“. F. Aliyeva

11) Liedtext „Deine Augen“. V. Tushnova

12) Songtext von „Rowan Waltz“. V. Lebedeva

13) Liedtext „Katerina“. Yu. Levitansky

14) Liedtext „Farewell to Winter“. R. Karagodina

15) „Was machst du, Apfelbaum“, Liedtext. V. Gurko

16) „Ah, meine Liebe, Liebe“-Text. Yu. Levina

17) Liedtext „Meine Balalaechka“. I. Maslova

18) „Unfurl the melodious bellows“-Text. R. Shagaleeva

19) Liedtext „Viburnum blüht“. L. Kuznetsova

20) Songtext von „Father's Bread“. E. Nefedova

21) Liedtext „Ich singe über mein Russland“. L. Tatyanicheva

22) Liedtext „Sommerlied vom Oriole“. D Osina

23) Liedtext „Alles aus Russland“. A. Zemlyansky

24) Liedtext zu „Minute of Silence“. B. Pasternak

25) Liedtext zu „Old Cinema“. Yu. Drunina

26) „Field of Glory“-Text von V. Firsov

27) „Red Rock and Roll“-Text von V. Erbittert

28) Liedtext „Lied über Magnitogorsk“ von A. Pawlowa

29) Liedtext „Lied über Delfine“ von N. Kirsanova

30) „So lebe ich nicht“-Text. A. Dementieva

31) „In einer Minute Musik“-Text. N. Rubtsova

32) Liedtext „Love is right“. V. Vetrova

33) Liedtext zu „Baby Elephant“. Yu. Drunina

34) Songtext von „White Dove“. A. Barto

35) Liedtext „Afrikanischer Tanz“. A. Barto

36) Liedtext „In Beautiful Paris“. A. Barto

37) „Sag mir etwas Gutes“-Text. R. Rozhdestvensky

4. Liste der veröffentlichten Werke

1. Wecker, V. Lieder [Noten]: für Stimme und Gesang. ans. begleitet von fp. (Akkordeon) / V. Wecker. – Tscheljabinsk, 1983. – 68 S.

2. Wekker, V.P. „Ich singe über mein Russland“, Text. L. Tatyanicheva [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder für Gesang und Vokalensemble mit Klavierbegleitung (Akkordeon). – Tscheljabinsk: ONMC, 1983

3. Wekker, V.P. „Native Russia“-Text. I. Gritsaya [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder für Gesang und Vokalensemble mit Klavierbegleitung (Akkordeon). – Tscheljabinsk: ONMC, 1983

4. Wekker, V.P. „Immortal Field“-Text. B. Repin [Noten]: in Sammlung. Lieder für Gesang und Vokalensembles mit Klavierbegleitung (Akkordeon). – Tscheljabinsk: ONMC, 1983

5. Wekker, V.P. „Lied über den Ural“, Kunst. L. Tatyanicheva [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder für Gesang und Vokalensembles mit Klavierbegleitung (Akkordeon). – Tscheljabinsk: ONMC, 1983

6. Wekker, V.P. „Tscheljabinsk – du bist meine Liebe“, Liedtext. A. Kunitsyn und V. Wecker [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder für Gesang und Vokalensembles mit Klavierbegleitung (Akkordeon). – Tscheljabinsk: ONMC, 1983

7. Wekker, V.P. „Erzähl mir etwas Gutes“ [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder von Komponisten R. Rozhdestvensky Ural. - Moskau: Sov.

Komponist, 1985

9. Wekker, V.P. Konzert Nr. 1 für Balalaika mit einem Orchester aus russischen Volksinstrumenten in 3 Teilen [Noten] in der Sammlung. Konzertstücke für Balalaika: Ausgabe 15.- Moskau: Sov. Komponist, 1986 Wekker, V.P. Sechs Miniaturen für Streichquartett [Anmerkungen]: für Knopfakkordeon in der Sammlung. Spielt Sowjetische Komponisten

10. : V.5.- M.: Sov. Komponist, 1986

11. Wekker, V.P. „Toy Train“, [Noten]: Stück für Knopfakkordeon in der Sammlung. Bajan an einer Musikschule. V.58.- Moskau: Sov. Komponist, 1988

12. Wekker, V.P. „Deine Augen“, Text. V. Tushnova [Anmerkungen]: in der Sammlung. Lieder russischer Komponisten: V.1.- Moskau: Sov. Komponist, 1988

13. Wekker, V.P. Drei Stücke [Anmerkungen]: für Balalaika in der Sammlung. Konzertrepertoire eines Balalaika-Spielers – Moskau: Musik, 1988

14. Wekker, V.P. „Kindersuite“ [Noten]: für Balalaika und Klavier in Sammlung. Album für Kinder. (in 8 Teilen) V.2.- Moskau: Musik, 1989

15. Wekker, V.P. Scherzo [Noten]: für Akkordeon in Sammlung. Konzertstücke für Knopfakkordeon: V.51.- Moskau: Sov. Komponist, 1990 Wekker, V.P. Suite im Stil von „Retro“ [Noten]: Orchester russischer Volksinstrumente in Sammlung. Ein Orchester mit russischen Volksinstrumenten spielt Russische Akademie

16. Musik benannt nach den Gnesins – Magnitogorsk, 1996.

17. Wekker, V.P. „White Dove“, Text. A. Barto [Noten]: in der Sammlung. Singt „Dream“: V.1 Comp. V. Scheremetjew – 1997

18. Wekker, V. P. „Afrikanischer Tanz“, Text. A. Barto [Noten]: in der Sammlung. Singt „Dream“: V.1 Comp. V. Scheremetjew – 1997

19. Wekker, V.P. „In Beautiful Paris“, Text. A. Barto [Noten]: in der Sammlung. Singt „Dream“: V.1 Comp. V. Scheremetjew – 1997

20. Wekker, V.P. Sonate Nr. 1 in 3 Teilen [Anmerkungen]: für Knopfakkordeon in Sammlung. Karthause- Wekker, V.P. Sonate Nr. 2 in 2 Teilen [Noten]: für Knopfakkordeon in Sammlung. Karthause-

21. Schmulling Musikverlage (Deutschland), 1998 Wekker, V.P. Sonate Nr. 2 in 2 Teilen [Noten]: für Knopfakkordeon in Sammlung. Karthause-

22. Wekker, V.P. „Choral und Fuge“ für drei Knopfakkordeons [Anmerkungen]: für Knopfakkordeon in der Sammlung. Karthause- Wekker, V.P. Sonate Nr. 2 in 2 Teilen [Noten]: für Knopfakkordeon in Sammlung. Karthause-

23. Wekker, V.P. „Tscheljabinsk – du bist meine Liebe“, Liedtext. A. Kunitsyn und V. Wecker [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

24. Wekker, V. P. „Young Cities“, Liedtext. L. Tatyanicheva [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

25. Wekker, V.P. „Time Calls Forward“, Liedtext. A. Levin [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

26. Wekker, V.P. „Das ist das Lied, das der Komsomol singt“, Text. V. Slyadneva [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

27. Wekker, V. P. „Year Two Thousand“, Text. A. Barto [Noten]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

28. Wekker, V.P. „Mein Urgroßvater sang“, Liedtext. F. Aliyeva [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

29. Wekker, V.P. „Deine Augen“, Text. V. Tushnova [Anmerkungen]: in der Sammlung. Am Abend Tscheljabinsk. - Tscheljabinsk: PO „Buch“, 2001

30. Wekker, V. P. "Neue Musiktheorie » [Anmerkungen]: herausgegeben von Blau Eule in Deutschland

31. Bychkov, V.V.Musik für Akkordeon von Ural-Komponisten (Sonate Nr. 1 von V. Wecker) [Text] / V.V. Bychkov, V.D. Putilov // Bulletin der Staatlichen Akademie für Kultur und Kunst Tscheljabinsk. – (Kunstgeschichte). – 2016.- Nr. 1 (45). – S. 161–172; .Bibliographie: S. 167 (13 Titel); *Dasselbe [Elektronische Ressource]. – Zugriffsmodus:http://elibrary.ru/item.asp?id=25767643 EBS „Elibrary.ru“, per Passwort [von ChOUNB-Computern]. - Kap. vom Bildschirm.

Liste der veröffentlichten Aufnahmen von Kompositionen

CD Festplatten

Keine Informationen.

Das Jahr des 25-jährigen Jubiläums der Regionalzeitung ist gekommen. Am Vorabend des Jubiläums fasste OG gemeinsam mit seinen Lesern die Ergebnisse der zweimonatigen Abstimmung zusammen. Hier sind 25 der besten Lieder von Künstlern aus Swerdlowsk – von bewährten bis hin zu modernen Kompositionen.

1055 Personen Die befragten Korrespondenten der „Regionalzeitung“ wählen am häufigsten aus berühmte Lieder Künstler aus Swerdlowsk.

1953. „Ural Mountain Ash“ (Uraler Volkschor)

Musik – Evgeny Rodygin, Text – Mikhail Pilipenko

Viele Russen sind sich sicher, dass es sich um ein Volkslied handelt. Aber der Ural weiß, dass die Musik zu dieser Komposition 1953 von dem aus Nischnjaja Salda stammenden Jewgeni Rodygin und die Gedichte von einem Einwohner von Swerdlowsk, Michail Pilipenko, komponiert wurden, der damals die Redaktion der Jugendzeitung „Na Smenu“ leitete “.

Einmal erzählte Evgeny Rodygin OG, wie er Musik komponiert: „Schon in den ersten beiden Zeilen des Gedichts habe ich bereits verstanden, ob es meins war oder nicht“, sagt Evgeny Pavlovich. „Das Gleiche geschah mit der Ural Rowanushka.“ Zufällig fiel mein Blick auf die Zeilen „Oh, Vogelbeere...“ und mein Bewusstsein hing förmlich an diesen Versen. Und schon nach ein paar Minuten „spürte“ ich die Melodie.“

Pavel Krekov, Kulturminister der Region Swerdlowsk:
— Als Erstes nenne ich natürlich „Ural Rowan Tree“ von Evgeny Rodygin. Und da ich im Norden Kasachstans in unberührten Regionen geboren wurde, kann ich nicht anders, als über das Lied „Neue Siedler kommen“ zu sprechen – damit begann die Fernsehsendung Zelenograd jeden Tag. Und erst kürzlich habe ich erfahren, dass eines meiner Lieblingslieder, „The School Romance Is Finished“, von Alexander Novikov geschrieben wurde, und ich war sehr angenehm überrascht.

1954. „Neue Siedler kommen“ (Männergruppe des Ural-Chors)

Musik – Evgeny Rodygin, Text – Nina Solokhina

1953 – Beginn der Erschließung von Neuland. Der Komponist Rodygin erhält einen Brief aus Nischnjaja Salda in Swerdlowsk mit Gedichten über die jungfräulichen Länder. Der Refrain des Liedes „Oh, you, frosty winter“ erschien dem Komponisten unter dem Einfluss eines Liedes aus dem Repertoire von Leonid Utyosov, „The Killer Whale Swallow“, das in den vierziger Jahren beliebt war.

Evgeny Pavlovich schenkte das Lied Ural-Chor und hörte vom künstlerischen Leiter: „Das ist ein Foxtrott, so singen sie in den Dörfern nicht!“ Danach Männergruppe Der Ural Folk Choir musste das Lied heimlich lernen und buchstäblich darum kämpfen, es in das Programm aufzunehmen. Im März 1954 wurde das Lied im All-Union Radio aufgenommen und war häufig im Radio zu hören. Eines Tages hörte Nikita Chruschtschow sie und lobte sie. So wurde sie geheilt volles Leben. Und 1957 wurde Rodygin für sie in den Komponistenverband aufgenommen.

Evgeny Artyukh, Abgeordneter der gesetzgebenden Versammlung des Gebiets Swerdlowsk:
— Der erste, der mir in den Sinn kommt, ist Evgeny Rodygin, denn er war es, der die Region in der gesamten Geschichte der Ural-Musik in Liedern verherrlichte, lange vor dem Ural-Rock, den ich sehr liebe und respektiere. Ich möchte drei Lieblingskompositionen hervorheben: „Ural Rowanushka“ – einmal. Sie sagten, es sei eines von Jelzins Lieblingsliedern. „Neue Siedler kommen“ – zwei. Für sie erhielt Rodygin von Chruschtschow eine Wohnung, in der er noch heute lebt. Nun, „Sverdlovsk Waltz“ ist drei.
Ich kenne Jewgeni Pawlowitsch persönlich. Wir lernten uns vor zwölf Jahren kennen, als wir gemeinsam mit der Organisation des jährlichen Kreativitätsfestivals für Senioren „Autumn Enchantment“ begannen. Es ist bereits zur Tradition geworden, jedes Jahr mit ihm auf die Festivalbühne zu gehen und „Ural Rowan“ aufzuführen. Übrigens haben wir vor fünf Jahren im Rahmen der Kunstbewegung „Old Man Bukashkin“ eine Tradition ins Leben gerufen, uns jeden 31. Mai mit Künstlern im Hof des Hauses in der Lenina 5 in der Nähe der blühenden Eberesche zu treffen und „Ural Rowan“ zu singen Tree“ zusammen mit Evgeny Rodygin am Akkordeon.

1962. „Sverdlovsk Waltz“ (Evgeny Rodygin, Augusta Vorobyova)

Musik – Evgeny Rodygin, Text – Grigory Varshavsky

In den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts wurde der Ural-Chor von einem Mann geleitet, der ein angespanntes Verhältnis zu Rodygin hatte. Daher musste der Autor der berühmten Komposition mit den Künstlern verhandeln, damit diese nachts ins Fernsehstudio kommen und gemeinsam mit dem Sinfonieorchester das Lied einstudieren. Der Toningenieur Valery Boyarshinov hat dieses Lied aufgenommen. Und es erklang zuerst im ganzen Land und dann im Ausland: „Sverdlovsk Waltz“ wurde ins Chinesische, in die baltischen Sprachen und ins Hebräische übersetzt...

Oleg Rakovich, Fernsehproduzent, Direktor der staatlichen Fernseh- und Rundfunkgesellschaft Ural:
— Bisher hat mich das Lied „Walzer Swerdlowsk“ von Evgeny Rodygin am stärksten beeindruckt. Zwanzig Jahre lang begann hier mein Morgen, seit dieses Lied jeden Tag den Nachrichtenblock im Radio und Fernsehen im Ural eröffnete. Und es wurde nicht langweilig! „Sverdlovsk Waltz“ ist nicht nur eine sehr schöne Komposition, sondern auch aus ideologischer Sicht eine starke.

1984. „Antike Stadt“ (Alexander Novikov)

Für viele, die sich nicht sehr für Geschichte interessieren, aber mit der Arbeit des Ural-Barden vertraut sind, bleibt dieses Lied die wichtigste Wissensquelle über die Geschichte Jekaterinburgs, eine Art kurzer Kurs über die wichtigsten Meilensteine. Auf der Ebene allgemeiner Zitate wird Ihnen gesagt, dass „Nikolashka hier genäht wurde“ und dass „Demidov hier irgendwo gefälschte Münzen geschlagen hat“. Obwohl die Stadt im Allgemeinen noch nicht so alt und gar nicht so lang ist, haben Historiker große Zweifel an gefälschten Münzen. Sie können die Wörter jedoch nicht aus dem Lied löschen.

1984. „Fahr mich, Taxifahrer“ (Alexander Novikov)

Musik und Texte – Alexander Novikov

Ironischerweise wurde das Lied „Take Me, Cabby“ zu einer Erinnerung an die Zukunft – der Staat „belohnte“ den Barden mit zehn Jahren Gefängnis, von denen er sechs verbüßte, vorzeitig freigelassen und später vom Obersten Gerichtshof Russlands rehabilitiert wurde Mangel an Corpus Delicti.

1985. „Goodbye America!“ („Nautilus Pompilius“)

Musik – Vyacheslav Butusov, Text – Dmitry Umetsky, Vyacheslav Butusov

Zunächst nahmen seine Schöpfer das berühmte Lied überhaupt nicht ernst – es wurde lediglich als „Ergänzung“ zum Album gemacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte Butusov eine Skizze eines Liedes im Reggae-Stil. Aber es tauchte eine Rumba auf, und der Gesang wurde damit aufgenommen: „Ich verstand nicht einmal, worüber ich schrieb“, erinnert sich Wjatscheslaw. „Damals empfand ich Amerika als eine Legende, einen Mythos. Meine Assoziationen mit Amerika waren folgende: Gojko Mitic als Indianer, Fenimore Cooper und so weiter ... Und ich schrieb im Namen eines Menschen, der sich von der Kindheit verabschiedete und auf eine unabhängige Reise ging. Ich habe dann meine Eltern verlassen. Ich war 20 Jahre alt“...

Alexander Pantykin, Vorsitzender des Komponistenverbandes der Region Swerdlowsk:
— Ich habe drei solcher Lieder. Der erste ist „The Last Letter“, besser bekannt als „Goodbye America!“ Gruppe „Nautilus Pompilius“. Diese Komposition wurde wirklich zum Manifest einer ganzen Generation; sie vereint auf erstaunliche Weise emotionaler Zustand 80-90er: Schmerz, Tragödie und Selbstironie. Das zweite ist „Ural Mountain Ash“ von Evgeny Rodygin. Es enthält den gesamten Ural in seiner reinsten Form. Das dritte Lied, das ich nennen möchte, ist „Sonya Loves Petya“, geschrieben von Yegor Belkin – die Hymne des Old New Rock und die inoffizielle Hymne des Swerdlowsker Rockclubs.

1986. „Gebunden durch eine Kette“ („Nautilus Pompilius“)

Der Text einer der Visitenkarten der Nautilus Pompilius-Gruppe wurde 1986 zu Beginn der „Perestroika“, während des sogenannten Übergangs zu Marktbeziehungen und dem Beginn der Liberalisierung der sowjetischen Gesellschaft, verfasst.

In der Originalform des Liedes lautete die Zeile „Hinter dem roten Sonnenaufgang ist ein brauner Sonnenuntergang.“ Dies war ein Hinweis auf die Verwandtschaft zwischen dem politischen Regime der UdSSR und Nazi-Deutschland. Doch auf Drängen des Managements des Swerdlowsker Rockclubs wurde die Farbe in poetisches „Rosa“ geändert – ohne politische Konnotationen. Entgegen Befürchtungen löste das Lied bei der Parteispitze keine Einwände aus.

1987. „Ich will bei dir sein“ („Nautilus Pompilius“)

Musik – Vyacheslav Butusov, Text – Ilya Kormiltsev

Je schneller die Popularität des Liedes wuchs, desto mehr Geschichten, Legenden und Gerüchte sammelte es. Einer Version zufolge basiert der Text auf einer wahren Geschichte, die Butusov widerfahren ist. Seine geliebte Freundin beging Selbstmord, weil Wjatscheslaw während seiner Militärausbildung keine Briefe beantwortete. Einer anderen Version zufolge schrieb Butusov das Lied 1986 in der Wohnung von Alexei Balabanov, als der angehende Regisseur eine Episode für seine Studienarbeit drehte. Jegor Belkin, der dort anwesend war, sprach unparteiisch darüber neues Lied Butusova. Wjatscheslaw war verärgert und ein Jahr später präsentierte er das Lied der Öffentlichkeit auf einem Festival in Tallinn, und die Melodie war entgegen Belkins Vorhersagen ein überwältigender Erfolg. Laut der dritten Version „klebte“ Butusov einfach den Liedtext aus zwei verschiedenen Gedichten von Kormiltsev zusammen.

Nikita Korytin, Direktor des Museums der Schönen Künste Jekaterinburg:
— Mein Lieblingslied von Ural-Autoren ist „I want to be with you“ von der Gruppe „Nautilus Pompilius“. Ich weiß nicht warum, aber diese besondere Melodie ist mir tief in die Seele eingedrungen.

1989. „Tanz auf Zehenspitzen“ („Nastya“)

Musik und Texte – Nastya Poleva

„Dance on Tiptoe“ war die erste Komposition in Nastya Polevas Werk, für die sie den Text und die Musik selbst schrieb. Zuvor bestanden die Texte ihrer Lieder aus vorgefertigten Melodien.

Es wurde erst 1994 aufgenommen und in das einzige gleichnamige Remake-Album in Nastyas Diskografie aufgenommen. In einem Interview sagte Poleva, dass sie sich bei der Entstehung des Liedes Napoleon vorgestellt habe, einen kleinen französischen Kaiser, der sich oft strecken und auf Zehenspitzen stellen musste.

Jaroslawa Pulinowitsch, Dramatikerin:
— Die Lieder von „Nautilus Pompilius“ fallen mir zuerst ein; man kann sich nicht einmal entscheiden, welches Lied attraktiver ist. Und die Lieder von Nastya Poleva gefallen mir schon seit meiner Jugend sehr gut – vor allem „Dance on Tiptoe“.

1989. „Niemand wird hören“ („Chaif“)

Das Lied wurde von Wladimir Schachrin im Sommer während eines zweiwöchigen Angelausflugs auf dem Balchaschsee geschrieben. Shakhrin wurde 30 Jahre alt und die jugendliche Begeisterung wurde durch das Spiegelbild eines erwachsenen Mannes ersetzt. „Mich überkam das Gefühl, dass du kein Junge mehr bist – du hast bereits zwei Kinder, viele deiner Freunde sind bereits irgendwo verschwunden“, erinnert sich Vladimir. — Und für Chaifa war 1989 eine schwierige Zeit. Sie begannen irgendwie zäh zu spielen, die Leichtigkeit und Ironie verschwanden, und es gab keine Begeisterung. In dem Song habe ich all diese Erlebnisse irgendwie sehr treffend umgesetzt.“

„Nobody Will Hear“ spiegelte die Realitäten und Stimmungen der letzten Monate der UdSSR wider, aber trotzdem wurde das Lied nicht zu einem Wegwerflied – selbst diejenigen, die aufgrund ihres jungen Alters nicht mehr spüren können, was es bedeutet „es gibt.“ „Ein Problem mit Tee – es ist nur noch eine Packung übrig“ wird alles gleichermaßen diesen hysterischen „Männerschrei“ aufgreifen und dem „Oh-yo“ (dem zweiten Titel des Liedes) etwas Persönliches verleihen.

Nastya Poleva, Musikerin, Leiterin der Gruppe „Nastya“:
— Ich mag die Frühzeit von „Chaifs“ – die Zeit von „White Crow“. Was den Swerdlowsker Rockclub betrifft, haben wir die Arbeit des anderen wie zuvor verfolgt, und das tun wir auch weiterhin – diese Leute liegen mir sehr am Herzen. Und wenn wir noch über ein Lied reden, nenne ich „Sergeant Bertrand“ von der Gruppe „April March“.

1991. „Auf dem Wasser gehen“ („Nautilus Pompilius“)

Musik – Vyacheslav Butusov, Text – Ilya Kormiltsev

Das Lied basiert auf einer modifizierten biblischen Geschichte über den mangelnden Glauben des Apostels Petrus. Dem Text zufolge wurde Peter durch Andrey ersetzt und auch der Schauplatz der Handlung wurde leicht verändert. Butusov gefiel der von Kormiltsev vorgeschlagene Text sofort, vor allem wegen seines Mangels an alltäglichen und sozialen Untertönen.

1993. „Like War“ („Agatha Christie“)

Musik und Texte – Gleb Samoilov

Samoilov Jr. wollte das Lied für seinen Soloauftritt aufheben, deshalb zeigte er es der Gruppe lange Zeit nicht. Nachdem das Lied in das Album aufgenommen wurde, sagte Agatha-Christie-Keyboarder Alexander Kozlov der Komposition eine große Zukunft voraus. Und so geschah es – „Like in War“ brachte nicht nur dem Album selbst, sondern der gesamten Band Popularität.

1994. „Orange Mood“ („Chaif“)

Musik und Texte – Vladimir Shakhrin

Die Welt hörte Vladimir Shakhrins Lied „Orange Mood“ erstmals 1994 auf dem gleichnamigen Album der Band. Shahrin hat den Text und die Musik selbst geschrieben. „Orange Mood“ wurde im Jekaterinburger Studio „Novik Records“ in einem kleinen Raum von der Größe einer gewöhnlichen Küche aufgenommen. Die Musiker bereiteten sich nicht speziell auf die Aufnahme des Albums vor – sie wollten die Atmosphäre von Wohnungskonzerten und die „orangefarbene“ Stimmung der frühen Achtziger nachbilden. Laut Shakhrin wurde das daraus resultierende Lied anstelle von „Gaudeamus“ zur neuen Hymne der Studenten, und nach der Veröffentlichung des Liedes schienen viele Unternehmen Feiertage unter dem Namen „Orange Mood“ zu organisieren. Die Chaifs waren die ersten, die daran dachten, gute Laune einzufärben orange, eine herzliche, optimistische Hymne für den Durchschnittsmenschen, der an seinem freien Tag faulenzt.

Victor Sheptiy, Abgeordneter der gesetzgebenden Versammlung des Gebiets Swerdlowsk:
— Ich mag das Lied „Orange Mood“ der Gruppe „Chaif“, weil es positiv und sehr uralt ist. Außerdem kenne ich Vladimir Shakhrin persönlich und habe seine Konzerte mehr als einmal besucht. Ihre Musik ist wirklich auf professionellem Niveau. Und ich mag sie wirklich. Wenn Shahrin zustimmt, werde ich auf jeden Fall „Orange Mood“ mit ihm singen!

1994. „17 Jahre“ („Chaif“)

Musik und Texte – Vladimir Shakhrin

Shahrin schrieb dieses Lied für seine Frau Elena nach siebzehnjähriger Ehe. Der Anführer der Chaif-Gruppe lernte seine Frau 1976 kennen, als er an einer Bauhochschule studierte. Wie sich der Musiker selbst erinnert, geschah dies während des Unterrichts im Fitnessstudio: „Ich sah sie tanzen und einige Gymnastikübungen auf einem Schwebebalken machen. Ich war hingerissen von der Anmut und dem Charme, fing an, uns zu verloben, wir hatten eine stürmische Romanze, die von der gesamten Herberge aufmerksam beobachtet wurde.“ Einige Zeit später heiratete das Paar und bekam zwei Töchter.

Was die Zeile „Lass alles so sein, wie du willst“ betrifft, so hat Mike Naumenko sie der Legende nach als Andenken für Shakhrin als Autogramm auf dem Plakat hinterlassen.

1995. „Fairytale Taiga“ (Agatha Christie)

Musik – Alexander Kozlov, Text – Gleb Samoilov

Die Musiker nennen ihr Lied einen „ästhetischen Witz“. Bei den Proben stellte sich heraus, dass die Melodie von „Fairytale Taiga“ einem der Lieder im Film „Iwan Wassiljewitsch wechselt seinen Beruf“ ähnelt. Die Bandmitglieder beschlossen, darauf anzuspielen und drehten ein Video, in dem fast alle Hauptdarsteller mitwirkten berühmte Komödie Leonid Gaidai – Yuri Yakovlev, Alexander Demyanenko, Natalya Krachkovskaya und Leonid Kuravlev. „Agatha Christie“ widmete das daraus entstandene Video dem Andenken an den legendären Regisseur.

1995. „Warum zum Teufel brauchen wir Krieg“ (Olga Arefieva und die Gruppe „Ark“)

Musik und Worte - Olga Arefieva

Das pazifistische Manifestlied bezieht sich auf den Slogan des Vietnamkrieges „Make love not war“. Müde und vom Krieg erschöpfte Veteranen – Soldaten und Matrosen – beschließen im Alter, ein normales Leben zu beginnen. Aber es stellt sich heraus, dass nicht alles so einfach ist, denn „die Infektion ist in uns“ – das heißt, der Krieg muss zuallererst von uns selbst überwunden werden...

1998. „Argentinien – Jamaika – 5:0“ („Chaif“)

Musik und Texte – Vladimir Shakhrin

Wie Sie wissen, ist der Anführer der Chaif-Gruppe, Vladimir Shakhrin, ein großer Fußballfan. Und die Idee, das Lied „Argentinien – Jamaika – 5:0“ zu kreieren, entstand natürlich auf dem Fußballplatz. 1998, bei der Weltmeisterschaft in Frankreich, unterlag die jamaikanische Mannschaft mit einem desaströsen Ergebnis gegen Argentinien und verlor die Chance, die Playoffs zu erreichen. Nach dem Spiel sah Vladimir Shakhrin (der zu dieser Zeit in Paris war), als er am Eiffelturm vorbeikam, eine Gruppe Jamaikaner – sie saßen auf dem Asphalt, schlugen auf Trommeln und summten etwas Trauriges, und neben ihnen waren die Argentinier Tanzen und Spaß haben... Als Shahrin nach Hause zurückkehrte, schrieb er einen Reggae-Song.

1999. „Medlyak“ („Mr. Creed“)

Musik und Texte – Alexander Makhonin

Alexander Makhonin – alias Mister Credo – wurde in der Ukraine geboren, zog aber in jungen Jahren mit seinen Eltern nach Jekaterinburg. Der Höhepunkt der Karriere dieses Künstlers ist das Lied „Medlyak“ oder wie es auch „White Dance“ genannt wird, ohne das keine einzige Disco in allen Clubs des Landes auskommen könnte.

Es ist nicht bekannt, wem Makhonin dieses Lied tatsächlich gewidmet hat, aber wie der Sänger sagt, hat seine Frau Natalya seine Kreativität immer inspiriert. Dank ihr entstand dieses ungewöhnliche Pseudonym „Mr. Credo“: „Anfang der 90er Jahre hatten wir weder Chanel noch Paco Rabanne, und die Regel der guten Sitte bestand darin, Düfte der lettischen Firma Dzintars zu haben.“ Meine Freundin hat Parfüm von dieser Firma namens „Credo“ verwendet. Und einmal nannte sie mich scherzhaft „Mein geliebter Herr Credo.“ Es hat mir gefallen. Ich nannte mich Mr. Creed und heiratete das Mädchen.“

2000. „Heat“ („Chicherina“)

Musik und Texte - Alexander Alexandrov

„Heat“ wurde vom Gitarristen und Backgroundsänger der Chicherina-Band geschrieben. Als „Hitze“ geschrieben wurde, war der Sommer im Ural sehr trocken und ungewöhnlich heiß. Aleksandrow saß in einem Raum und schrieb einen einfachen Text über eine Heldin, die wegen der Hitze zu spät zu einem Date kam.“

2000. „Forever Young“ („Meaning Hallucinations“)

Musik – Sergei Bobunets, Text – Sergei Bobunets, Oleg Genenfeld

Es wurde erstmals im Film „Brother-2“ (2000) aufgeführt. Sergei Bobunets sagt, dass die Idee zu diesem Lied schon seit mehreren Monaten reifte; der Musiker wollte über die ewige Jugend schreiben, obwohl bereits viele Gruppen ähnliche Themen verwendet hatten: „Ich wollte eine Art Hymne schreiben, um mich zu rechtfertigen, meine Freunde... Und dann trat ich eines Tages in einem Nachtclub für ein Mädchen ein (sie wurde später meine Frau), und am nächsten Tag, als ich log und meine schwarzen Augen mit Zahnpasta „ausbrannte“, Oleg, unser Regisseur Er besuchte einen kranken Freund und in einer halben Stunde schrieben wir zwei Lieder, eines davon war „Forever Young“.

Übrigens, wie „OG“ schrieb, betritt einer unserer besten Boxer, Weltmeister Sergei Kovalev, mit diesem Lied den Ring: „Einmal hörte ich das Lied „Semantic Hallucinations“ und beschloss, dass ich es mir anhören würde .“

2000. „Stars 3000“ („Bedeutung Halluzinationen“)

Musik – Sergei Bobunets, Text – Oleg Genenfeld

Oleg Genenfeld und Sergei Bobunets haben die Texte für viele der Lieder in „Semantic Hallucinations“ gemeinsam geschrieben. Wie sie selbst sagen, haben sie zum ersten Mal versucht, jeweils eine Zeile zu komponieren – so entstand das Lied „Helicopter“, dann „ Rosafarbene Brille“ und „Für immer jung“... Aber die Gedichte für „Stars 3000“ wurden zuerst vollständig von Oleg selbst geschrieben: „Ich wurde damals von Schlaflosigkeit gequält. Um vier Uhr morgens beschloss ich, Kaffee zu trinken, setzte mich in die Küche und schrieb „Sterne“ gleich ohne Entwurf, im Klartext.“

Übrigens haben russische Kosmonauten die Tradition, vor dem Flug den Film „Weiße Sonne der Wüste“ anzusehen. Nach der Veröffentlichung des Songs erschien ein weiterer – hören Sie sich unbedingt „Stars 3000“ an. Sie gaben Oleg sogar einen Schlüsselanhänger mit einem Astronauten; er trägt ihn wie einen Talisman in seinem Rucksack.

2001. „Untertassen“ („Chicherina“) Musik – Yulia Chicherina, Text – Alexander Alexandrov

Die Melodie wurde 2001 in einem Album namens „Current“ veröffentlicht. Laut der Handlung des Videos zu diesem Lied spielt eine Gruppe junger Musiker neben einer seltenen halbmystischen Vase außerirdischen Ursprungs herum und spielt Golf. Sie haben jede Chance, dieses teure Wunder zu brechen, aber am Ende zerstören es professionelle Golfer, die auf der anderen Seite spielen, mit einem präzisen Schlag.

2011. „Kraniche“ („Alai Oli“)

Musik und Texte – Olga Marques

Alai Oli ist eine Reggae-Ska-Band, die von Olga Marquez und Alexander Shapovsky gegründet wurde. Das Lied „Cranes“ ist Visitenkarte Team. Die Komposition wurde in Jekaterinburg geschrieben und dem Freund des Solisten gewidmet.

2012. „Wolken“ („Samsara“)

Musik und Texte – Alexander Gagarin

Die Samsara-Gruppe wurde 1997 gegründet. „Ich komponiere überall Lieder“, sagt Alexander Gagarin. - Aber ich bin sehr faul, wenn die Hälfte des Liedes erscheint, beruhige ich mich schon, ich weiß, dass es so oder so fertig sein wird. „Clouds“ singen wir nun schon seit drei Jahren, aber mir kommt es so vor, als würde ich nie genug davon bekommen.“

2012. „Kurara-Chibana“ („Kurara“)

Musik - Yuri Obleukhov, Text - Oleg Yagodin

Solist von „Kurara“ Oleg Yagodin: „Wir haben sechs Monate lang „GusGus“ und ihr Album „Arabian Horse“ gehört. Und ich schlug den Jungs vor, etwas Ähnliches zu tun. Wir werden oft gefragt, was „Kurara-Chibana“ ist – es ist eigentlich der Name des japanischen Mädchens, Miss Universe 2006.

Sergei Netievsky, Teilnehmer der Show „ Ural-Knödel»:
— Ich bin in Neujahrsstimmung und das erste, was mir in den Sinn kommt, ist unser „Knödel“-Lied (ist es in Ordnung, dass ich ein bisschen unbescheiden bin?). „Neues Jahr – Mandarine in meinem Mund!“ Vor ein paar Jahren haben die Jungs und ich es geschrieben Neujahrskonzert und sang sogar mit den Chaifs.

Uraler Zweig des Komponistenverbandes der Russischen Föderation

(bis 1966 Departement Swerdlowsk)

Gesellschaft org. Komponisten und Musikwissenschaftler, die die Entwicklung der Kreativität, Aufführung und Verbreitung der Ural-Musik fördern. Autoren. 1939 vom Organisationskomitee unter der Leitung von M.P. Frolov (Vorsitzender der Abteilung 1939-44) gegründet. V. Die erste Komposition umfasste V.N. Trambitsky (Vorsitzender 1944–48), V.I. Shchelokov (Vorsitzender 1948–52), N.R. Konservatorium B.D. Gibalin (Präsident 1952-59), N.M. Khlopkov und andere In den 1940er-50er Jahren wurden Absolventen der Leningrader Union Mitglieder. (A.G. Friedlander, K.A. Katsman, L.B. Nikolskaya) und Uralsk. Konservatorium: G. N. Beloglazov (Präsident 1953–61), N. M. Puzey (Präsident 1961–66, 77–88), G. N. Toporkov (Präsident 1966–77), E. P. Ur.

Die SK-Abteilung vereinte Komponisten aus Sverdl., Perm., Chelyab., Orenb., Tyumen. Region 1961 wurde im Untersuchungsausschuss die erste Jugendabteilung des Landes eröffnet, bestehend aus: M. Kesareva, V. Bibergan, V. Kazenin (seit 1930 Vorsitzender des Untersuchungsausschusses Russlands), N. Berestov (seit 1979 Vorsitzender). des Untersuchungsausschusses von Jakutien), S. Manzhigeev (seit 1979 Vorsitzender des Untersuchungsausschusses von Burjatien), E. Gudkov (), Musikwissenschaftler N. Vilner, L. Marchenko. Organisator der Jugendabteilung der neuen Generation (seit 1982) war A. Nimensky (seit 1995 Vorsitzender der Ur.-Abteilung des SK). 1983 wurden Selbstverwaltungen gebildet. Abteilung in Tscheljabinsk, 1993 - in Perm.

L.K.Shabalina

Historische Ural-Enzyklopädie. - Uraler Zweig der Russischen Akademie der Wissenschaften, Institut für Geschichte und Archäologie. Jekaterinburg: Akademisches Buch. Kap. Hrsg. V. V. Alekseev. 2000 .

Sehen Sie in anderen Wörterbüchern, was die „Uraler Zweigstelle des Komponistenverbandes der Russischen Föderation“ ist:

URAL-Zweig der Union der Komponisten Russlands- (bis 1966 Sverdl. Trennung). Basic im Jahr 1932 (offiziell genehmigt am 16. Mai 1939) von V.N. Trambitsky und M.P. In verschiedenen Jahren Die ICR-Direktion wurde von V.I. Shchelokov, N.M. Khlopkov, N.M. Nirenburg, A.N. geleitet. Im Jahr 1961... ... Jekaterinburg (Enzyklopädie)

Schtschelokow, Wjatscheslaw Iwanowitsch- Dieser Artikel sollte Wikiified sein. Bitte formatieren Sie es gemäß den Formatierungsregeln des Artikels. Wikipedia hat Artikel über andere Personen mit demselben Nachnamen, siehe Shchelokov... Wikipedia

Russische Föderative Sozialistische Sowjetrepublik- RSFSR. I. Allgemeine Informationen Die RSFSR wurde am 25. Oktober (7. November) 1917 gegründet. Sie grenzt im Nordwesten an Norwegen und Finnland, im Westen an Polen, im Südosten an China, die MPR und die DVRK. sowie auf den in die UdSSR eingegliederten Unionsrepubliken: im Westen mit... ...

Russische Sozialistische Föderative Sowjetrepublik, RSFSR (öffentliche Bildungs- und Kultur- und Bildungseinrichtungen)- VIII. Öffentliche Bildung und Kultur- und Bildungseinrichtungen = Die Geschichte der öffentlichen Bildung auf dem Territorium der RSFSR reicht bis in die Antike zurück. IN Kiewer Rus elementare Alphabetisierung war in verschiedenen Bevölkerungsgruppen weit verbreitet, worüber... ... Große sowjetische Enzyklopädie

Musikkultur des Urals

Die Musikkultur des Urals ist geprägt von der Vielfalt der Nationalitäten. Traditionen und Soziokult. Erscheinungsformen der Musik. Aktivitäten. Musik Das Leben der Region wird von M.K. vorgestellt. Russisch, Baschk., Udm. und andere Völker. Im Prozess der Kolonisierung von U. Rus. aus dem XI-XII Jahrhundert. Hier entstand die russische Kultur. M.K. Rus. Musik Folklore aus verschiedenen in die Ukraine gebracht Regionen Russlands bereicherten das ethnisch vielfältige Bild der dortigen Bevölkerung. Musik Kreativität. Lv. rus. Die Folklore entwickelte sich unter dem vorherrschenden Einfluss des Nordrussischen. Traditionen. Eines seiner bemerkenswerten Merkmale ist die Nähe der Dörfer. und Berge Kulturen, aufgrund der Ausbreitung des westlichen Siedlungstyps in den USA. Die ersten Folkloreaufnahmen mit Musiktext in Russland wurden im 18. Jahrhundert gesammelt. auf den ursibirischen Ländern von K. Danilov, der bei den Demidovs diente.

Naib. alte Zentren des professionellen Russisch M.K.U. mit orthodoxen Schulen verbunden Chorgesang. In den Kirchen der Stroganov ur.-pommerschen und Kama-Güter im 16.-17. Jahrhundert. Es wurde eine Gesangsschule „Usolskaya“ gegründet, unter deren Meistern sich eine Schar berühmter Persönlichkeiten befand. S. Golysh, I. Lukoshkov, F. Subbotin. Russische Reformen Kirchen des späten 17. Jahrhunderts, die zur Zwangsumsiedlung von Schismatikern in die Ukraine führten, führten im 18.-20. Jahrhundert zu einer Parallelexistenz. zwei russische Traditionen Religiöser Gesang: Altgläubiger, im Wesentlichen monody-choraler Gesang, der die Fähigkeiten des Singens mit Bannern oder Hooks beibehält, und polyphoner Gesang, der von der offiziellen „Nikon“-Kirche akzeptiert wird. Verbreitung in Russland durch Ukrainisch und Westrussisch. Die Tempelpartes-Polyphonie wurde Ende des 17. Jahrhunderts von der Stroganow-Schule unterstützt und übernommen. Zukünftige Geistliche erlernten die Fertigkeit des polyphonen Gesangs der A`sarelia in Klöstern, Kirchen und später in theologischen Schulen und Seminaren. In den Pfarrschulen war Singen anfangs Pflichtfach. Schule Starke Folklore- und Liedtraditionen, begründet von Prof. kirchliche Gesangsschulen sowie kostenlose Gesangskurse. und von A. Gorodtsov, F. Uzkikh und anderen organisierte Regentschaftskurse trugen zur Aufrechterhaltung eines hohen Niveaus der russischen Chorkultur bei. uns. U.

Geschichte des instrumentalen Russisch. Musik in den USA geht auf die Praxis des Nar-Spiels zurück. Instrumente. Prof. werden Musik Die Behauptung bezieht sich auf europäische Instrumente. Herkunft. Im 18. Jahrhundert verbreiteten sich auf ihnen Amateur-Solo- und Ensembleaufführungen. Dank an Bergbauingenieure, Anwälte und andere Spezialisten, die aus Europa und c. in die Ukraine kamen. Russland (insbesondere die Satzung und das Bildungsprogramm des Petersburger Bergbaus Kadettenkorps Pflichtausbildung in Musik vorgesehen). Politikwissenschaftler spielten eine bedeutende Rolle bei der Popularisierung des Amateurkammerspiels. Verbannte.

Ein wichtiger Bestandteil der Musik. Lebensebene Es gab Orks, inkl. Militärregimenter, die von Peter I. Ork in Russland eingeführt wurden. organisiert in Grenzstädten, Provinzen. Stadt (Orenb., Perm), in großen staatlichen und privaten Fabriken (Ekat., Nischni Tagil usw.). Traditionen, Regiments- und Militärorks anzulocken. Für die Teilnahme an offiziellen Feierlichkeiten blieben sie bis ins 20. Jahrhundert erhalten. Im 19. Jahrhundert. verschiedene Funktionen, die in den USA betrieben werden. nach Zusammensetzung, Beitrag. und vr. Ork. Gruppen, die für Musik- und Theaterproduktionen bestimmt sind, Bälle, Konzerte und Unterhaltungsprogramme des Irbit Yarm., Sommersaison in privilegierten Städten. Gärten, Resorts usw. Unter den Bekannten in den USA im 19. Jahrhundert. Kapellmeister Ork. - Geiger V. Meshchersky, J. und I. Tikhacheki, L. Goyer, M. Krongold, L. Vinyarsky und andere. begann, pädagogische Funktionen wahrzunehmen. In ihrem Repertoire erschienen Produktionen. klassische Musik.

K ser. 19. Jahrhundert Erhöhung der Studierendenzahl Betriebe, der Zustrom von Ausländern und Russen. Spezialisten trugen dazu bei, das Niveau der M.K.U. zu erhöhen, was die Aufmerksamkeit von Künstlern sowie Musik- und Theatergruppen auf sich zog. Ihre Aktivitäten intensivierten sich im Zusammenhang mit der Entwicklung der Schifffahrt auf der Kama und der Inbetriebnahme der Eisenbahn.

ZU Ende des 19. Jahrhunderts V. im Musikverein U.s Leben hat erhebliche Veränderungen erfahren; in Perm und Ekat. Es entstanden Musik- und Theaterkreise, private Musikclubs wurden eröffnet. Schulen. In den Hallen von Adligen und Gesellschaften. Sammlung Die Operationen wurden von Amateuren unter Beteiligung von Toursolisten durchgeführt. Produktionen, komplexe Konzertprogramme. Geführt von den Musen. es gab wenige Fälle. Prof. - Absolventen von St. Petersburg, Moskau. und das Warschauer Konservatorium sowie die Amateurmusiker V. Vsevolozhsky, V. Bolterman, I. Diaghilev, S. Gedgovd, E. Peterson, G. Naglovsky in Perm, S. Gilev, P. Davydov, S. Hertz, G. Svechin, E .Schneider, P.Kroneberg in Ekat. und andere. Im Jahr 1894 wurde die erste U. op. eröffnet. Theater. In Ekat. um 1900 dir. Für die Sibirische Bank wurde von I. Makletsky ein Konzertsaal gebaut. Am Anfang XX Jahrhundert Ur. Abt. Kaiserliches Russisch Musik Gesellschaften wurden in Perm (1908) und Ekat gegründet. (1912). In Ekat. nach der Eröffnung von op. Theater (1912) basierend auf Musik. Klasse IRMO, Direktor V. Tsvetikov, die erste Musik in den USA entstand. Schule (1916).

Ereignisse von 1917 und zivil. Der Krieg störte die Tätigkeit kirchlicher Gesangsschulen, Theater-, Konzert- und Musikpädagogikorganisationen und führte zur Auflösung der Abteilung. IRMO, für den Abgang prominenter Musiker. Bei der Arbeit Vereine, Militäreinheiten, Schulen, die Praxis der allgemeinen Bildung wurde etabliert. Hymnen, Lieder, Märsche. In Theatern und Konzertsälen wurden Kundgebungen und Konzerte organisiert, die mit dem Massengesang der „Internationale“ endeten. Konzerte der Musik- und Theatergruppen der Blauen Bluse in Unternehmen sind weit verbreitet. In op. Theater wegen mangelnder Produktion. rev.-polit. Themen wurden Experimente durchgeführt, um den Inhalt des klassischen op. zu aktualisieren. So wurde „Leben für den Zaren“ von M. Glinka (bevor es sich in der Version „Ivan Susanin“ etablierte) in Sverdl aufgeführt. mit dem Titel „Hammer und Sichel“ (1925). Zustand Auftrag zur Produktion brüllen Inhalt führte zur Entstehung des Plural. oberflächliche ideologische op.

Unter diesen schwierigen Bedingungen hielt die U. ein relativ hohes Niveau an Professionisten aufrecht. und Amateur M.K. In op. Truppen von Perm und Swerdl. Es sangen talentierte Solisten. Ork. op. Theaterbeitrag. gab Sinfoniekonzerte(Dirigent I. Palitsyn, A. Margulyan und andere). Entwicklung von M.K. trug zur Entdeckung der Musik bei. Schulen und Bildungseinrichtungen in Perm (1924) und Orenb. (1927). 1929 in Swerdl. Musik Schulbeginn Prof. Leistungstraining im Volksmund Instrumente, die später die Gründung von Konzertensembles und Orchestern ermöglichten. Adv. Werkzeuge. Ab der zweiten Etage. In den 1920er Jahren wurde regelmäßig Musik ausgestrahlt. Übertragungen von lokalen Radiozentren. Management Swerdl. Musik Der Rundfunk wurde vom Komponisten V. Trambitsky geleitet.

An der Wende der 20er und 30er Jahre erforderte der Prozess der beschleunigten Industrialisierung der Ukraine, der das Bevölkerungswachstum bestimmte, eine Erweiterung des Netzwerks kultureller Institutionen. Musiktheater Komödien wurden in Swerdl eröffnet. (1933) und Orenb. (1936). In der Region C. wurden vom Staat organisiert. Philharmonische Gesellschaft, die verschiedene vereint Instrumentalensembles, Chor- und Tanzgruppen, Musik und Literatur. Hörsäle Ts. Platz in der Struktur von Sverdl. Die Philharmonie war mit dem ersten und einzigen Symphonieorchester der USA besetzt. (1936) in Kap. mit Dirigent M. Paverman. In Sverdl wurde ein Wintergarten eingerichtet. (1934), Musik. Schule in Tscheljab. (1935) und Magnitogorsk (1939).

Ein bemerkenswertes Phänomen war die Entwicklung der Kunst. Amateurauftritte. Sozial Die Grundsätze der musikalischen und ästhetischen Ausbildung der Arbeiter setzten die pädagogische Tätigkeit professioneller Musiker voraus. Unter ihren Händen. in den Städten, Gemeinden und Dörfern. Kammergesang, Chor, Orchester, op. Tassen. Um die besten Künstler zu ermitteln, wurden Kunstausstellungen veranstaltet. Amateurauftritte.

Bei der Umsetzung des Parteistaates. dünn Die 1930er Jahre waren geprägt von der Stärkung der verwaltungstechnischen Methoden des Kulturmanagements. Schnell. Zentralkomitee der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki vom 23. April. 1932 „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ markierte den Anfang. Zustimmung zu stalinistischen Formen der Ideologisierung der Kultur, inkl. Einführung eines hierarchisch zentralisierten Systems kreativer Gewerkschaften. Lv. Abt. Der Komponistenverband der UdSSR (Sverdl.) wurde 1939 gegründet. An seinen Ursprüngen standen die Komponisten M. Frolov (Vorstandsvorsitzender), V. Trambitsky, V. Zolotarev, V. Shchelokov und andere Kreativität schränkte die Initiative der Komponisten ein und behinderte die Entwicklung der Musen. Sprache

Die Repressionen der 30er Jahre beeinflussten auch das Schicksal von Musikern, beispielsweise Ork-Künstlern. Swerdl. Theater op. und Ballett (V. Volak, G. Kozlovitsky, I. Petkevich) und Musikkomödie (A. A. Vacker).

Während des Krieges lvl. Das Land wurde zu einem Zufluchtsort für diejenigen, die aus Leningrad in die USA evakuiert wurden. Theater op. und Ballett benannt nach. S.M. Kirov (Perm) und Maly op. (Orenb.), für die Komponisten S. Prokofiev, D. Kabalevsky, den Pianisten G. Neuhaus, die Musikwissenschaftler V. Zuckerman, M. Druskin und andere. Ihre Aktivitäten trugen dazu bei, das Niveau von M.K. und das Schaffen von Musik in den USA. äh. Institutionen, darstellende Gruppen. Also 1943 in Swerdl. war Mi. geöffnet. besondere Musik Schule in Ur. Konservatorium, 1945 in Perm - eine choreografische Schule. Im Jahr 1943 wurde in Kurgan, Sverdl, eine philharmonische Gesellschaft gegründet. Philharmoniker erschien Akademiker. Chorkapelle (künstlerischer Leiter Z. Ishutina) und Ur. Adv. Chor (künstlerischer Leiter L. Christiansen), 1944 entstand in Magnitogorsk eine Chorkapelle (künstlerischer Leiter S. Eidinov). Viel Arbeit wurde von den Konzertteams geleistet, die Zehntausende Aufführungen auf Französisch aufführten. und hinten. Mn. Die Musiker zogen nach Frankreich, nicht alle kehrten vom Schlachtfeld zurück.

Ende 40 – Anfang. 50er Jahre für die Entwicklung der Musik. Klagen in der UdSSR verliefen ungünstig. Schnell. Zentralkomitee der Allunionskommunistischen Partei (Bolschewiki) „Über die Oper „Große Freundschaft“ von V. Muradeli“ vom 10. Februar. 1948 festigten sich die Prinzipien des Parteistaates. Hände Kultur. Vorwürfe des „Formalismus“ an die führenden Eulenschöpfer. Musik, die sie zur öffentlichen Selbstreue zwang, führte zu einer weiteren Unterdrückung ihrer kreatives Potenzial. V. Trambitskys Oper „Das Gewitter“ (nach A. Ostrovsky) wurde in Leningrad aus der Produktion genommen. Theater benannt nach S. Kirow. Die völlige Ablehnung der neuen ausländischen Musik des 20. Jahrhunderts, ihr langjähriges Fehlen aus Konzert-, Theater- und Bildungsprogrammen verarmte den inländischen M.K. Erfolge wurden im geförderten Lied-Chor-Genre erzielt (B. Gibalin, L. Lyadova, E. Rodygin). Erworben aus den ersten Lebensjahren der Eulen. Behördenerfahrung in der Organisation der Öffentlichkeit. Während der „Liederfeste“ in den Vereinigten Staaten wurden Feste mit Massensingen von Liedern durchgeführt. Sverdl beteiligte sich seit 1957 aktiv an deren Organisation. Region Gesangsverein in Kap. mit G. Rogozhnikova. Seit den späten 50er Jahren spielt das Fernsehen eine wichtige Rolle bei der Popularisierung populärer Popsongs. Das Songwriting wurde zur Grundlage symphonischer Werke. ur. Komponisten N. Puzey, G. Toporkov und andere.

In den 50er Jahren wurde Sverdl in den USA eröffnet. Region musikalisch-dramatisch und Tscheljab. op. Theater. Lv. In den 40er und 50er Jahren wurde das Thema im Ballett „Die steinerne Blume“ von A. Friedlander, op. 1, szenisch verkörpert. „Okhonya“ von G. Beloglazov, op-te „Mark Beregovik“ von K. Katsman und andere op. Komponisten W.

In den späten 50er und 60er Jahren erweiterte sich das Netzwerk der Akademiker ungewöhnlich. Institutionen, deren Programme Musik vorsahen. Bildung: Kulturinstitute (Tscheljab., Perm), Musik, musikpädagogische und kulturpädagogische Schulen, Musik. Dozenten an Pedinthen und Pädagogen, Kinderkunstschulen. Mit Plural Unternehmen, Universitäten, Fachhochschulen und Schulen schufen Kulturstiefel, in denen auch musikwissenschaftliche Dozenten unterrichteten.

Lv. Die Konzert- und Schauspielschule wurde durch das nach ihr benannte Streichquartett vertreten. N. Myaskovsky, Pianist I. Renzin, Balalaika-Spieler V. Blinov, Sänger V. Baeva usw. Das Repertoire der op. Theater der USA. Eine Reihe von Produktionen von Sov. op. Perm erfolgreich umgesetzt. Theater op. und Ballett.

Amateurmusik Die Kunst der 60er und 70er Jahre war geprägt von der Verbreitung origineller Lieder, insbesondere unter Jugendlichen und Studenten. Auf U. gab es org. Amateur-Songclubs. Zunehmende Bewässerung. Die Aktualität des Originalsongs und das Repertoire der Rockgruppen bestimmten die Entwicklung dieser Strömungen als Underground-Kunst. In der zweiten Hälfte. 80er Jahre dank der Rockgruppen „Nautilus Pompilius“, „Agatha Christie“ und anderen, die große Anerkennung fanden. Ruhm, Sverdl.-Ekat. wurde einer der c. Rockmusik.

Eröffnung von Sortenabteilungen aus den 70er Jahren. in Swerdl. Musik Schule, Tscheljab. Das Kulturinstitut trug zur Entwicklung der Traditionen des klassischen Jazz und zur Aufrechterhaltung hoher Professionen bei. Pluralebene Sortengruppen U. Acad. Musik Die Behauptung der USA aus den 70er und 80er Jahren wurde wie folgt dargestellt talentierte Musiker, als Staatspreisträger. UdSSR Ave. Komponist V. Kobekin (1987), Kap. Dirigent und Chef dir. Swerdl. op. Theater E. Brazhnik und A. Titel, Preisträger des Internationalen. und All-Union-Wettbewerbe Pianist N. Pankova, Dom-Spieler T. Volskaya, Akkordeonspieler V. Romanko, Kap. Dirigent des Sinfonieorchesters. Swerdl. Die Philharmonische Gesellschaft V. Kozhin und andere wurden in Musikvereine umgewandelt, die Vertreter vereinten. diff. Arten von Musik Klage (1987).

An der Wende der 80er und 90er Jahre eröffneten sich neue Möglichkeiten für die Manifestation persönlicher Initiative von Musikveranstaltern. Angelegenheiten, in U. beginnend. bilden zahlreiche freies Musiktheater und Konzertbands: Ensemble, Orchester, Chor (einschließlich Kirchengesang), Tanz. Aufhebung des geschlossenen Status großer Industriestädte. C. Die Ukraine ermöglichte die Entwicklung bilateraler Außenbeziehungen. In der Ukraine fanden regelmäßig internationale Veranstaltungen statt. Musik Festivals: Klavierduette (Ekat.), Orgelmusik(Tscheljab.), Ein-Mann-Auftritte (Perm). Lv. Die Künstler intensivierten ihre Tourneeaktivitäten im Ausland und begannen, sich verstärkt an internationalen Veranstaltungen zu beteiligen. Wettbewerbe Die Fähigkeiten der Kindermusen haben zugenommen. Mannschaften. Musikentdeckung Lyzeen (einschließlich Chöre) und Kinderphilharmoniegesellschaften (Ekat., 1979 und Chelyab., 1984) sind ein Beweis für einen neuen Ansatz zur Entwicklung der Musik. Fähigkeiten der Kinder. Dies ist die Quelle des zukünftigen Erfolgs.

Die Union veranstaltet regelmäßig kreative Veranstaltungen. Treffen mit Vorstellung und Diskussion neuer Produkte. Formular, Berichterstattung yavl. Plenums (alle 3-4 Jahre), Festivals, Teilnahme an gesamtrussischen und gesamtunionischen Kompositionskongressen. in Moskau, Auftritte in den Städten des Urals und anderen Regionen des Landes, im Ausland. Um die kreativen Bedingungen zu verbessern. Das Arbeitsministerium betreibt einen Versicherungsfonds. Seit 1981 finden im Camerata-Club unter der Leitung von Zh. Sokolskaya regelmäßige Treffen mit Zuhörern statt. In den 1990er Jahren vereinte die UrO SK ca. 40 Musiker. Unter ihnen ist Nar. Russische Künstler K. Katsman, E. Rodygin; mehr als 10 Auszeichnungen Klagezahlen, Staatspreisträger. (V.A. Kobekin) und Leninsker Komsomol-Preis (E. Rodygin, S. Sirotin, E. Shchekalev), Gouverneurspreis (V. Kobekin, Musikwissenschaftler T. I. Kaluzhnikova) usw. Lv. Komponisten Gewinner des International Wettbewerbe (O.Ya. Nirenburg, L.I. Gurevich, M.A. Basok, E.N. Samarina, A.B. Byzov usw.), ständige Teilnehmer des Internationalen. Feste. (V. Kobekin in Deutschland, V.D. Barykin in Österreich usw.). Verbreiten Sie Ihre. Musik wird durch die Organisation der Veröffentlichung von CDs mit Aufnahmen von Kompositionen von Mitgliedern der Ural-Abteilung des SK im Ural erleichtert, die von ur aufgeführt werden. Musiker. Aus der musikalischen Vergangenheit. Bd. 1. M., 1960; Bd. 2. M., 1965; Komponisten des Urals. Swerdlowsk, 1968; Über Musik und Musiker des Urals. // Wissenschaftliche und methodische Anmerkungen des Uraler Staatlichen Konservatoriums. Bd. 3. Swerdlowsk, 1959; Parfentiev N.P., Parfentieva N.V. Die Stroganow-Schule in der russischen Musik des 16.-17. Jahrhunderts. Tscheljabinsk, 1994; Belyaev S.E. Musikalische Ausbildung im Ural: Ursprünge, Traditionen. Jekaterinburg, 1995; Belyaev S.E. Figuren der Musikkultur des Urals im 16. und frühen 20. Jahrhundert. Bibliographisches Nachschlagewerk. Jekaterinburg, 1999.

STAATLICHES KONSERVATORIUM MAGNITOGORSK

Abteilung für Chorleitung

Zusammenfassung der Abschlussarbeit

Kreatives Porträt Ural-Komponist Wladimir Sidorow

Kantate „Im Ural in der Fabrik“ (Nr. 7 „Vogelscheuche“, Nr. 8 „Altes Lied“)

Abgeschlossen von: Student im 5. Jahr

Deev Konstantin

Lehrerberater:

Kunst. Lehrerin Silagina N.S.

KAPITEL 1

Entwicklung der kompositorischen Kreativität im südlichen Ural

Die Geschichte des Urals ist eine der hellsten und heroischsten Seiten in der Geschichte Russlands. Ende des 16. Jahrhunderts wurden die Gebiete im Südural infolge des Baus einer Reihe von Grenzbefestigungen von russischen Kolonisten und Siedlern aus den Völkern der Wolgaregion besiedelt. Mit der Entstehung russischer Kosakensiedlungen ergeben sich neue Möglichkeiten für die allgemeine kulturelle Entwicklung der Region. Die Siedler brachten russische Schrift- und Volkskunsttraditionen hierher.

Ende des 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts entwickelte sich im Ural die große Bergbau- und Hüttenindustrie stark. Handwerker und Bergleute, Köhler und Holzfäller, Tischler, Maurer und andere Werktätige hoben sie auf die Beine. In Kosakendörfern wurden orthodoxe Kirchen und Pfarrschulen gebaut. Sie waren die wichtigsten kulturellen Zentren der entstehenden Siedlungen. Eines dieser Zentren im Südural war das 1743 gegründete Dorf Magnitnaya. (8)

Die Region Südural blieb musikalisch lange Zeit ein provinzielles Hinterland Russlands. Und obwohl im 18. und 19. Jahrhundert in unserer Gegend Konzerte stattfanden, musikalische Zusammenkünfte, Musikliteratur abonniert und Musikinstrumente verkauft wurden, muss von einer entwickelten Musikkultur dieser Zeit nicht gesprochen werden.(2)

Die Musikkultur des Südurals begann sich ab Ende des 19. Jahrhunderts aktiv zu entwickeln. Besonderes Interesse an Musik zeigten die reichsten Bewohner des Südurals, die über eigene kleine Orchester und Chöre verfügten, die Auftritte und öffentliche Konzerte gaben. Einer der klügsten Vertreter dieser Gesellschaftsschicht waren die Brüder Pokrovsky und der Brennereimanager M.D. Ketov.

Unter den Einwohnern von Tscheljabinsk gab es sogar solche Gerüchte: „Um eine Anstellung bei den Pokrowskis oder Ketow zu bekommen, muss man auf jeden Fall singen oder ein Instrument spielen können.“ (2)

Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts kamen zunehmend berühmte Musiker auf Tournee in den Südural. Den Anstoß zur Intensivierung der Konzerttätigkeit von Künstlern aus den zentralen Städten Russlands gab der Bau der Transsibirischen Eisenbahn. Es ist beispielsweise bekannt, dass F. I. Schaljapin, damals noch ein aufstrebender Opernkünstler, 1892 zu Konzerten nach Zlatoust kam.

Im Jahr 1903 kam der 26-jährige G. Morgulis nach Tscheljabinsk, der im Wesentlichen zum Begründer der Musikkultur des Südurals wurde.(2) Ein Wendepunkt, der das Leben der Kosakendörfer radikal veränderte, war der grandiose Bau eines metallurgischen Riesen. In dieser Zeit entstanden die ersten Keime der Musikkultur von Magnitostroy, in die fruchtbare Ideen einflossen Musikpädagogik und musikalische Bildung der 20er Jahre. „Von den ersten Bautagen an kamen talentierte und gut ausgebildete Musiker hierher. Sie legten ein solides Fundament für eine echte musikalische und im weiteren Sinne künstlerische Kultur. Dank ihnen gelang es weitgehend, das zu bewahren, was in anderen Kulturzentren des Landes möglicherweise verloren gegangen wäre: die Ausrichtung des Ganzen musikalische Arbeit

zu einer umfassenden, professionell ausgestatteten Aufklärung und einer hohen spirituellen Erfüllung des kreativen Handelns sowie zu einer erneuten Verbindung mit der künstlerischen Kultur der Vergangenheit.“ (8) Die Aktivitäten so wunderbarer Musiker wie L. Averbukh, V. Dekhtereva, M. Novikov, N. Gurevich und L. Weinstein wurden zu einem starken Impuls für die Entwicklung der Musikkultur von Magnitostroy.

In den Nachkriegsjahren begann sich die Kreativität der Amateurkomponisten aktiv zu entwickeln. Es spiegelte hauptsächlich die innere Welt menschlicher Erfahrungen wider, die Reaktion auf aktuelle Ereignisse in der Stadt und in der Region Südural. Die Grundlage der Melodie ließ deutlich die Merkmale des Volksliederschreibens erkennen. Shutov Ivan Iosifovich ist einer der ersten Amateurkomponisten des Südurals. „Seine Musik spiegelte wie ein klarer Fluss alles wider, was die Seele eines russischen Menschen ausmacht: seine Liebe, seinen Schmerz, die Geschichte seines Lebens, Orte, die ihm am Herzen liegen.“ Der Komponist schrieb viele Werke (Lieder) über den Ural, in denen er die Schönheit, Weite seines Heimatlandes, die harte Arbeit und den Mut seiner Söhne und Töchter lobte. (2)

Zu den ersten Gründern, die den Grundstein für eine professionelle kompositorische Tätigkeit in der Region Tscheljabinsk legten, gehören E. Gudkov und M. Smirnov, die in den 60er Jahren mit ihrer Arbeit begannen. Sie waren es, die die ersten Seiten der musikalischen Chronik von Tscheljabinsk schrieben. Dies bestätigt der Musikwissenschaftler S. Gubnitskaya im Artikel „Until the New Ural Dawns“: „Gudkov und Smirnov sind Vertreter der älteren Generation von Tscheljabinsker Komponisten, die Entstehung der Komponistenkreativität in unserer Region ist mit ihren Namen verbunden... Ihre.“ Arbeit ist immer eine direkte Reaktion auf die wichtigsten Ereignisse unserer Zeit, sie spiegelt die Gefühle und Sehnsüchte der russischen Person wider.“ (9)

In den 70er Jahren wurde in Tscheljabinsk eine Komponistenvereinigung gegründet, die durch kluge, einzigartige Talente repräsentiert wurde. Und im Mai 1983 wurde die Tscheljabinsker Zweigstelle des Komponistenverbandes der RSFSR eröffnet. Im selben Jahr (18. Dezember) fand in Swerdlowsk das 12. Plenum der Uraler Komponistenorganisation statt, das der Arbeit junger Autoren gewidmet war. Heute sind dies bekannte Namen unter Amateur- und Profimusikern: Yu.E. Galperin, V.Ya. Ihre Kreativität ist hell und

interessante Richtung

Es gibt kein einziges großes Ereignis im Leben des Landes, das in den Werken der Ural-Komponisten kein Echo finden würde: Y. Galperins Kantate „Siegesfrühling“, geschrieben zum 30. Jahrestag des Sieges über den Faschismus, M. Smirnov „ Ehre sei dem siegreichen Volk“, V. Sidorovs Oratorium „Die Geschichte vom magnetischen Berg“, gewidmet dem 50. Jahrestag des Hüttenwerks Magnitogorsk und anderen.

Bei all der Breite der kreativen Interessen der Ural-Komponisten, der Vielfalt der Themen und der unterschiedlichen figurativen Amplitude ist ein Thema deutlich sichtbar, das alle Autoren vereint: Dies ist das Thema der heimischen Ural-Region, das die Arbeitsleistungen, die spirituelle Schönheit und die Stärke verherrlicht das Uralvolk, die Einzigartigkeit des Steingürtels, unsere Gegenwart. Die Hinwendung der Komponisten zur regionalen Poesie und Literatur ermöglichte es ihnen nicht nur, die Geschichte, Traditionen und modernen Probleme ihrer Region tiefgreifend zu beherrschen, sondern auch neue Möglichkeiten zu deren Verständnis zu schaffen und die Originalität und Einzigartigkeit des Klangbildes der Region zu vereinen Ural mit den allgemeinen Tendenzen und Bewegungen der modernen Musiksprache, Stilmerkmale

Kreativität jedes Komponisten. Dies sind vor allem Lieder, die auf Gedichten der Ural-Dichter I. Palmov, G. Suzdalev, B. Ruchev, V. Timofeev, L. Tatyanicheva und anderen basieren.

Zu den auffälligsten Werken zählen „Rus spiegelt sich im Ural“ von E. Gudkov, „Das Glück schwieriger Straßen“ von V. Gibalin, „Der Ural – das goldene Land“, „Ilmen-See“, „Uralgebirge“. von M. Smirnov, „Magnitogorsk-Brücken“, „In der Fabrik steht eine Stadt“, „Lied über die geliebte Stadt“ von V. Sidorov und anderen.

Die Aktivitäten der Ural-Komponisten sind eine helle und interessante Seite im Musikleben der Region. Das Genrespektrum der Musik aus dem Südural ist breit und umfasst praktisch alles – vom Lied bis zur Symphonie.

Da sich die Kapitel 2 und 3 auf das Werk des Magnitogorsker Komponisten Wladimir Alexandrowitsch Sidorow konzentrieren, möchte ich mich auf die Entwicklung der Komponistenkreativität in der Stadt Magnitogorsk konzentrieren. Im Allgemeinen ist es „… hinsichtlich seines Umfangs und seiner Leistungen sehr bescheiden, und als Phänomen des musikalischen und kulturellen Prozesses befindet es sich in der Phase der Bildung professioneller Traditionen.“ (13) Für eine lange Zeit

In Magnitogorsk gab es objektiv kein musikalisches Umfeld zur Schaffung von Komponistenpotenzial. Dies erklärt sich aus der Vereinheitlichung der Kulturpolitik, die auf der Erfüllung gesellschaftlicher Ordnungen unter Einbeziehung ehrwürdiger Komponisten beruhte und den Bedarf an eigenem Fachpersonal stark reduzierte. Bis Anfang der 90er Jahre interessierten sich daher nur Amateure für Komposition. Zu ihren Kompositionen zählen „akademische“ Chor- und Instrumentalwerke, Werke im Folklorestil, Rock- und Popkompositionen sowie Bardenlieder. Ihre Arbeit ist im Vergleich zu Profis nicht so vielseitig und beschränkt sich hauptsächlich auf ein oder zwei Genrebereiche., Marschlieder und aktive Tanzrhythmen. Der Einfluss der „sinnlichen“ Intonationen eines lyrischen und alltäglichen Liedes lässt sich in „Weihnachtsromanze“ von V. Vaskevich, „Die Jahre“ von I. Kapitonov und „Was gelebt wird, wird gelebt“ von V. Braitsev nachvollziehen. A. Nikitin nutzt in seinen eigenen Kompositionen und Arrangements von Volksliedern auf subtile Weise die Möglichkeiten sowohl des Chorklangs als auch der Ausdruckstechniken der Chorintonation. In den Werken von E. Karpunina finden wir eine Liedkomposition („Antikriegslied“), eine Liedszene („Figaro“), eine Liedromantik („Von Lermontov“) und eine Theaterstückstilisierung („ Tanzendes Klavier“).

Einen bedeutenden Platz in den Werken von I. Kurdakova, V. Vaskevich und E. Karpunina nehmen Werke für Kinder ein. Sie bereichern das Repertoire von Kinderaufführungsgruppen erheblich und tragen zur Entwicklung der Traditionen dieser Richtung in der Musikkunst bei. Am beliebtesten sind Irina Kurdakovas Gesangszyklus „Das ganze Jahr über – ein fröhliches Jahr“, die Liedskizze „The Old Drummer“ von Viktor Vaskevich und „Rainbow“ von Evgenia Karpunina.

Im Bereich der Unterhaltungskultur sind Vitaly Titov, Vladimir Lekarchuk, Evgeny Korablev, Vladimir Tyapkov, Alexey Baklanov und andere die bekanntesten Autoren. Rockmusik, Popmusik, Jazz, Bardengesang – das sind die typischen Richtungen ihres Schaffens. Jeder der Musiker wendet sich einer ihm nahestehenden Ausdrucksform zu und tut dies auf einer Ebene, die es seinen Werken ermöglicht, den Zuhörer zu finden.(13)

Ein bestimmter Teil der Werke, die in den Genres touristischer, tänzerischer und stilisierter Volkslieder entstanden sind, existiert oft als urbane Folklore. Eine typische Tendenz für ihre Amateuraktivitäten besteht darin, dass die Funktionen des Autors und des Darstellers in einer Person vereint sind. „Die Vielfalt der Genre- und Stilrichtungen ermöglicht es Komponisten, polare Weltanschauungen zu verkörpern und einen gegensätzlichen figurativen und emotionalen Zustand der Wahrnehmung der Realität zu vermitteln. Philosophisches Lebensverständnis, poetische Kontemplation, hohe Spiritualität, Beschwörung „irdischer“ Freuden, nihilistische Verleugnung – das ist die Welt der Musik von Laienautoren.“ (13) Sie bevorzugen auch Vokalmusik. Das Spektrum seiner Spielarten ist sehr breit: von Werken, die in den Traditionen der professionellen Chorkunst geschrieben, im Nationalgeist stilisiert oder arrangiert sind (Lieder der Ural-Kosaken, tatarische, baschkirische Lieder), Massenlieder bis hin zu Kompositionen, die die „Attribute“ von verwenden Hardrock und Disco.

Aus einer anderen Perspektive werden die kompositorischen Aktivitäten von Rafail Bakirov und Alexander Mordukhovich, Lehrern der Abteilung für Volksinstrumente des Magnitogorsker Konservatoriums, dargestellt. Das Komponieren ist für sie neben dem Hauptfach – Aufführen und Unterrichten – ein zweites Spezialgebiet. Den führenden Platz in der Kreativität nimmt Musik ein, die für Volksinstrumente geschrieben wurde: Knopfakkordeon, Akkordeon, Balalaika.

Allerdings ist die Genrepalette der Werke recht vielfältig – Sinfonie, Sonate, Suite, Konzert, Variation, Miniatur, Liederzyklus. Beide Komponisten sind in Magnitogorsk sehr gefragt. Ihre Werke ergänzen nicht nur das darstellende, sondern auch das pädagogische Repertoire von Studierenden und Studierenden von Musikschulen. „Professionell und vom Können her orientiert sich die Arbeit der Komponisten an bestimmten nationalen Traditionen. In den Werken von Rafail Bakirov wird die Gesangs- und Tanzkultur des tatarischen Volkes auf vielfältige Weise gebrochen. Neben Liedarrangements schafft er eine Reihe von Werken: ein tatarisches Triptychon für Balalaika und Orchester, eine Suite in tatarischer Sprache

Volksthemen

für ein Ensemble aus Volksinstrumenten und anderen Instrumenten, in dem volkstümliches Material zitiert und die für letzteres charakteristischen Entwicklungsprinzipien verwendet werden, wodurch der nationale Charakter betont wird.

Zusammenfassend möchte ich noch einmal darauf hinweisen, dass sich die professionelle kompositorische Tätigkeit in Magnitogorsk auf die Bereiche konzentrierte, die mit der Tradition des Amateurmusikmachens verbunden waren. Offensichtlich waren es der Amateurgesang und das Spielen von Volksmusikinstrumenten, die die Entstehung des Amateurkomponierens bestimmten. Die anschließende Entwicklung professioneller Darbietungsinstrumente (hauptsächlich Chor- und Volksinstrumente) stimulierte die Ausbildung entsprechender professioneller Kompositionsfähigkeiten.

Rezension der Arbeit von V.A. Sidorov.

Das Jahr 1983 kann als einzigartiger Ausgangspunkt in der Bildung der Traditionen der kompositorischen Kreativität in der Stadt Magnitogorsk angesehen werden, verbunden mit dem Auftritt ihres ersten professionellen Komponisten, des gebürtigen Magnitogorskers Wladimir Sidorow.

Wladimir Alexandrowitsch wurde am 1. Oktober 1956 geboren. Seine Eltern waren keine Musiker, aber im Haus herrschte immer eine festliche Atmosphäre. Bei Zusammenkünften sang die Familie oft zum Akkordeon. Der kleine Wolodja begann sich schon im Säuglingsalter für dieses Instrument zu interessieren.

Und im Alter von 12 Jahren trat er in die Musikschule Nr. 2 ein und lernte Akkordeon bei Lehrer V.M.

In denselben Jahren unternahm V. Sidorov seine ersten kompositorischen Schritte. Sein erstes Werk, ein Arrangement des russischen Volksliedes „Jolly Geese“, wurde in einer Originalaufführung beim städtischen Wettbewerb junger Akkordeonspieler aufgeführt und mit einer Ehrenurkunde ausgezeichnet.

Nach seinem Abschluss an der Magnitogorsker Musikschule und bereits ersten Erfahrungen als Komponist trat V. Sidorov 1977 in das nach M.P. Mussorgsky benannte Uraler Staatliche Konservatorium ein. Bei der Aufnahmeprüfung für Komposition wurde einer strengen Kommission eine Fantasie zum Thema des russischen Volksliedes „Wegen der blauen Berge“, geschrieben für ein Orchester mit Volksinstrumenten, vorgelegt. Mit der Aufnahme ins Konservatorium stand es fest weiterer Weg

– der Weg eines professionellen Komponisten.

Im Laufe der Studienjahre an der Universität in der Klasse von V.D. Bibergan und dann V.A. Kobekin entstanden zahlreiche verschiedene Werke, deren erste Interpreten Studenten des Konservatoriums waren. Um nur einige der Werke dieser Zeit zu nennen – eine Kammeroper nach M. Maeterlincks Stück „Der Blinde“, eine Ouvertüre für Sinfonieorchester, verschiedene Chorwerke, ein Trio für Flöte, Violine und Cello, sechs zarte Romanzen für Bariton und Klavier, ein Concertino für drei Trompeten und Klavier und andere (Anhang Nr. 1). Als Student arbeitet der Komponist erfolgreich mit Magnitogorsk-Gruppen zusammen. Im Auftrag des Magnitogorsker Eisen- und Stahlwerks wurde zum 50-jährigen Jubiläum des Unternehmens das Oratorium „Die Geschichte vom magnetischen Berg“ geschrieben, das vom Magnitogorsker Staatschor unter der Leitung von S.G. Eidinov uraufgeführt wurde, und für das Orchester russischer Volksinstrumente der Magnitogorsker Musikschule (Direktor A. N. Yakupov) Die Suite „Mein Glück“ wurde nach den Gedichten unserer Landsfrau R.A. geschrieben. Dieses Werk erhielt große Anerkennung von den Zuhörern beim Zonenwettbewerb der Volksinstrumentenorchester. Auf kreativen Expeditionen in die Uraldörfer lernt V. Sidorov die Folklore kennen und sammelt verschiedene Lieder und Melodien. Diese Aufnahmen bilden die Grundlage der Kantate „Ural-Kosakenlieder“, die 1983 beim Abschlussexamen des Konservatoriums vorgestellt wurde. Die Ankunft von Wladimir Alexandrowitsch zur Arbeit in seiner Heimatstadt, seinem aktiven

Seit 1983 lebt und arbeitet V. Sidorov in der Stadt Magnitogorsk. Während er an einer Musikschule unterrichtet, beschäftigt er sich weiterhin fruchtbar mit dem Komponieren. 1985 wurde er Mitglied des Musikfonds des Komponistenverbandes der UdSSR und nimmt aktiv an Seminaren für kreative Jugendliche und Plenums der Zweigstellen Swedlowsk und Tscheljabinsk des Komponistenverbandes der UdSSR teil. Seit 1995 außerordentlicher Professor am Staatlichen Konservatorium Magnitogorsk

Die schöpferische Individualität des Komponisten manifestiert sich in verschiedenen Genres. Dabei handelt es sich um Kammerinstrumentalwerke, Kammervokalwerke, Lieder, Chor- und Orchesterwerke, musikalische und dramatische Werke. Als vielseitiger Künstler zeigt sich Vladimir Sidorov auch in Kinderthemen. Neben Chorzyklen für junge Interpreten schrieb er das Musical „Geschichten vom Großvater Skrip“, die Oper „Der kleine Prinz“ und viele Lieder.

Lieder mit unterschiedlichen Themen nehmen im Schaffen des Komponisten einen großen Platz ein. Die historische und geografische Bandbreite der Literatur, auf die sich Wladimir Alexandrowitsch bezieht, ist breit. Er arbeitet aktiv mit Dichtern aus dem Ural zusammen. Das Lied „Monument“, eine Suite aus 5 Liedern „Flowers are Children“, acht Lieder nach Gedichten von Valery Timofeev, Lieder nach Gedichten von Lyudmila Tatyanicheva, Vladilen Mashkovtsev, Boris Ruchev, Nina Kondratkovskaya, Rimma Dyshalenkova, Vasily Makarov und anderen . Die thematische Bandbreite der Lieder ist sehr breit: Das Thema der Heimat wird in Liedern offenbart, die Magnitogorsk gewidmet sind: „Lied über die geliebte Stadt“, „Magnitka ist laut“, „Haus mit drei Fenstern“, „Das einzige erste Magnitogorsk“. “ und anderen spiegelt sich das Thema Liebe und Freundschaft in den Liedern „Waiting“, „Letters“, „Remember me“, „Reassessment of Values“ und anderen wider. Viele Lieder wurden vom Komponisten auf der Grundlage seiner eigenen Texte geschrieben: „Friendly Persuasion“, „Magnitogorsk Plays Hockey“, „For Friends“, „I Feel Good With You“ und andere. Zu den Liedern, die auf Gedichten ausländischer Dichter basieren, gehören: „Ablehnung ernsthafter Poesie“ (Anonymous 3. Jahrhundert v. Chr., Antikes Rom), „In einem Nahverkehrszug“ (U. Joshi, Indien), „Ich war ein bescheidenes Mädchen“ (aus dem vagants ), „Shela O, Nile“ (R. Burns), „Bottomless Sky“ (F.H. Daglardzha, Türkei), „Like You“ (R. Dalton, Salvodor) und andere. Die Vielfalt der dichterischen Interessen des Komponisten – von orientalischer Poesie bis hin zu Magnitogorsker Zeitgenossen – spiegelte sich in Kammervokalmusik, Chorwerken sowie musikalisch-dramatischen Werken wider. Zu den Romanzen und Liedern gehören „Fünf zarte Romanzen“ für Bariton und Klavier (nach Gedichten verschiedener Dichter), Gesangszyklen für Sopran und Klavier nach Gedichten von Solomea Neris und Garcia Lorca und anderen. (Anhang Nr. 1)

Die in verschiedenen Jahren entstandenen Chöre spiegeln verschiedene figurative und stilistische Bereiche des Schaffens des Komponisten wider, von Werken mit volkstümlicher Basis („Carol“ für gemischten Chor ohne Begleitung, „Two Spring Flowers“ für Frauenchor, Violine und Klavier) – zu dramatischen und ernsten (Chorsuite aus der Opernlegende „Die Eroberung von Nowgorod“, Oratorium „Die Legende vom magnetischen Berg“ für Vorleser, Chor und Orchester). Bei aller Vielfalt der Chorwerke ist ihr melodischer Vers grundsätzlich einheitlich. Klarheit des Denkens, demokratische Sprache und die Konzentration auf die Einfachheit des Ausdrucks werden in erster Linie durch die Natur des Musikers bestimmt. Das Wort ist für ihn nicht nur ein Impuls, es bestimmt Bild, Stil, Struktur. Bezeichnend hierfür sind sowohl Chorwerke (Kantaten: „Ural Cossack Songs“, „Fredman's Message“, „In the Urals Factory“ und andere) als auch musikalische und dramatische Werke (musikalische Phantasmagorie „Cynics“, lyrische Hymnen auf alttestamentliche Texte „ „Lied des Königs Salomo“, „Requiem“ nach biblischen Geschichten und Texten von Nietzsche, Schopenhauer und anderen Werken). Die Bilder seiner Vokal- und Chorwerke sind sichtbar, konkret und personifiziert.

Der Komponist ist bei der Wahl des poetischen Textes parteiisch. Seine Anziehungskraft auf bestimmte Dichter hängt mit ihrer Nähe zusammen spirituelle Welt, mit ihrem Interesse an der Psychologie der Konfliktbeziehung zwischen dem Menschen und der ihn umgebenden Welt. Die semantische Kapazität, die „Materialität“ der Metaphern, die hohe Intelligenz der Gedichte, ihre scheinbare Einfachheit, die eine komplexe philosophische Bedeutung verbirgt – die stilistischen Qualitäten der Poesie dieser Komponisten sind organisch in der Musik verkörpert (vier Chöre zu Gedichten orientalischer Dichter, „Die Liebe“) von Alexander Blok“ – ein Monodrama in 5 – diese Gemälde, „Die Eroberung von Nowgorod“ ist eine Opernlegende).

Im Genre der „leichten“ Musik schrieb V. Sidorov „Trouble from a Tender Heart“ – ein Varieté nach dem Stück von V. Sollogub, „Advice for Beginning Cooks“ – vier unbegleitete Chöre nach Texten aus einem Kochbuch. Ich möchte darauf hinweisen, dass die Drehbücher und Libretti aller musikalischen und dramatischen Werke vom Komponisten selbst verfasst wurden. Viele Vokal-Chor- und musikdramatische Werke sind für eine hochprofessionelle Aufführung konzipiert, da sie erhebliche technische, strukturelle und harmonische Schwierigkeiten enthalten, die eine große emotionale Reaktion erfordern. In den Interpretationen dieser Musik manifestiert sich der Chorspielstil, der technisches Können, stimmliche, dynamische und rhythmische Flexibilität mit Inhalt, Aufrichtigkeit, Emotionalität im Klang der Klangfarben der Stimmen und der spirituellen Bedeutung der Aufführung verbindet.

V. Sidorov schuf viele Instrumental- und Orchesterwerke. Am beliebtesten sind Werke, die für Orchester oder Ensemble russischer Volksinstrumente geschrieben wurden. „Drei russische Volkslieder“ („Schnurrbart“, „Schwan“, „Herrin“), die Suite „Mein Glück“ nach Gedichten von R. Dyshalenkova, geschrieben für ein Vokalensemble und Orchester russischer Volksinstrumente, „Burjatisches Triptychon“ waren mehr als einmal auf Konzerten zu hören. Der Komponist schrieb zwei Suiten für Akkordeon, „Drei Kuriositäten“ für ein Ensemble aus Volksinstrumenten, drei russische Lieder für einen Synthesizer und ein Ensemble aus Volksinstrumenten. Unter den Werken für das Symphonieorchester kann man „Russisches Märchen“ nennen – eine symphonische Suite, eine Orchestersuite aus dem Oratorium „Das Märchen vom magnetischen Berg“, die Hymne „Holy Rus“ und andere.

Instrumentalmusik ist sehr vielfältig.

Einen großen Platz nehmen Werke ein, die für Klavier geschrieben wurden: „Fünf Prinzipien“ für ein gut präpariertes Klavier; Variationen, „Präludium, Etüde und Improvisation“, „Jugendkonzert“ für Klavier und Orchester und andere (Anhang Nr. 1). Präsentiert werden kammermusikalische Instrumentalwerke für verschiedene Instrumente – Trompete, Violine, Cello, Flöte, Oboe, Kontrabass, Bratsche. Somit kann festgestellt werden, dass das kreative Gepäck des Komponisten Werke verschiedener Genres, für verschiedene Kompositionen und Kategorien von Interpreten umfasst.

Die kreative Sammlung von V. Sidorov umfasst nicht nur Musikkompositionen, sondern auch Gedichtsammlungen und Prosa. 1992 erschien der erste Gedichtband „Night in a Cold Compartment“. (Gedichte in und ohne Reim) und 1997 wurden Gedichte und Gedichte „Allegorie der Ironie“ veröffentlicht. Rimma Andriyanovna Dyshalenkova sagte über „Allegorie der Ironie“: „Die veröffentlichte Sammlung seiner Gedichte ist geprägt von avantgardistischen Suchen nach der kürzesten Form, das heißt, eine Metapher reicht aus.“ Es tröstet irgendwie Ihr ästhetisches Herz.“ (Aus einem persönlichen Gespräch mit der Dichterin). Zum Abschluss des Kapitels möchte ich einige Aussagen von Dichtern zitieren, die im Laufe der Jahre mit dem Komponisten zusammengearbeitet haben: Alexander Borissowitsch Pawlow wurde 1950 in Magnitogorsk geboren. Absolvent des M.A. Gorki-Literaturinstituts, Autor von mehr als 10 Büchern Gedichtsammlungen

Boris Dubrovin ist ein berühmter Moskauer Dichter, Teilnehmer am Großen Vaterländischen Krieg, Autor von 32 Büchern, Preisträger von gesamtunions-, gesamtrussischen und internationalen Wettbewerben: „Ich bin fasziniert von Ihrer Musik und habe mich gefreut, einen ernsthaften Menschen kennenzulernen und sehr talentierter Komponist. Du bist ein wahrer Künstler und Meister, der alles kann. Hoffen wir, dass unsere „Dampflokomotive“ vorwärts fliegt ...“

Mashkovtsev Vladilen (1929-1997) – geboren in Tjumen. Absolvent des M.A. Gorki-Literaturinstituts, Mitglied des Schriftstellerverbandes der UdSSR, Autor von mehr als 15 Büchern: „Wladimir Sidorow ist ein talentierter Komponist, seine Musik ist oft hypnotisch, erwacht als Phänomen zum Leben …“

Kantate „In der Ural-Fabrik“

Es ist wie die Hieroglyphe Pythagoras,

Sie hören die Musik der himmlischen Sphären.

Aber die Musik der Magnitogorsk-Berge,

Du siehst aus wie ein beeindruckender Luzifer.

R. Dyshalenkova

(Widmung an V. Sidorov).

Die Kantate „Im Ural in der Fabrik“ wurde 1986 für einen gemischten Chor ohne Begleitung in 10 Teilen geschrieben.

Das Werk entstand in kreativer Zusammenarbeit mit der Ural-Dichterin Rimma Dyshalenkova.

Rimma Andriyanovna Dyshalenkova wurde 1942 in Baschkirien geboren. Ihr Berufsleben in Magnitogorsk begann in einem Zementwerk, in dem Rimma Andriyanovna zehn Jahre lang arbeitete: „Der unklare Beginn des Schicksals ist vergleichbar mit dem Brennen in Öfen. Ich habe mein Leben in Magnitogorsk mit dem Sortieren von Ziegeln begonnen.“ Diese poetischen Zeilen, die dem Gedicht „Einleitung“ (5) entnommen sind, zeigen, dass die Dichterin aus erster Hand über die harte Arbeit Bescheid weiß. In Gedichten über das Sortieren von Ziegeln und über harte Arbeit in einer Fabrik sah einer der damals bereits berühmten Ural-Dichter, Boris Ruchev, echte Fabriktexte. Er riet R. Dyshalenkova, das Literaturinstitut zu besuchen, und gab ihr eine Empfehlung. So begannen die Studienjahre am Moskauer Literaturinstitut, benannt nach M.A. Gorki.

1978 erschien ihr erstes Buch. Die vom Sovremennik-Verlag der Hauptstadt herausgegebene Gedichtsammlung „Vier Fenster“ bringt der Dichterin literarische Anerkennung. Das Hauptthema der Gedichte ist der arbeitende Ural, der „Feuerwiderstand“ der Ural-Figur („Arbeiterherberge“, „Kranführer“, „In der Werkstatt“ und andere). Es gibt viele interessante Zeilen, die der Kindheit, der ersten Liebe und der Mutterschaft gewidmet sind („Mama“, „Hund und Junge“, „Hochzeit“ und andere). „Niemand konnte seine Liebe zum hart arbeitenden Magnitogorsk so zärtlich bekennen wie Rimma Andriyanovna in ihrem „Lullaby Tram“. Man muss die Müdigkeit nach donnernden Nachtschichten selbst erleben, um die Genauigkeit ihrer Zeilen darüber zu spüren, wie „mit einem schmelzenden Lächeln ein müdes Schlafliedauto schuldbewusst in den Schlaf eintaucht.“ Und in den Fabriken wird es still, und die Blumen blühen, und die Alleen begrüßen die Wiegenlieder der Straßenbahn“ (6).

1979 wurde R. Dyshalenkova Mitglied des Russischen Schriftstellerverbandes. Und 1985 erschien ihr zweites Buch „Ural Quadrille“, das Gedichte und ein Gedicht enthielt. Das ist Lyrik, die zum Nachdenken über den Sinn und Zweck des Lebens, über die Schönheit der menschlichen Arbeit anregt.

Die Sammlung umfasst Gedichte über die Größe des Heimatlandes, über die moralische Kontinuität von Generationen der Arbeiterklasse des Urals. „Rimma Dyshalenkova spricht in solchen Bildern über ihre kleine Heimat, die noch niemand vor ihr gefunden hat. Und das Bild Russlands erscheint vor uns: „Die Quellen haben Bauernaugen, den verwaisten Blick sanfter Gänseblümchen“ und „die Birken sind grauäugig und hell, als wären die tränenreichen Witwen Russlands“ (6; 4).

1992 erschien eine Sammlung bürgerlicher und lyrischer Gedichte „From the Heights of the Earth“. Es verkörpert die Beziehungen zwischen den Menschen, die Schönheit und das tragische Schicksal der Natur des Südurals, die die moderne Industriezivilisation der Region an den Rand des Überlebens gebracht hat. Die Sammlung umfasst auch zwei Gedichte – „Running on Cement“ und „Ural Quadrille“.

„Rimma Andriyanovna ist die Herrscherin eines Territoriums, das auf keiner Karte eingezeichnet ist – dem Territorium der Weisheit. Sie beherrscht tadellos das widerspenstigste Material der Welt – das Wort“ (6). Ihr Ruf wird von Meistern der Worte wie unserem berühmten Landsmann Nikolai Voronov, dem Träger des nach M. Gorki benannten Staatspreises Valentin Sidorov, dem Sekretär des Schriftstellerverbandes Russlands Konstantin Skvortsov und anderen anerkannt.

R. Dyshalenkova arbeitet viel und fruchtbar mit Komponisten der Uralregion zusammen. Auf der Grundlage ihrer Gedichte wurden nicht nur Lieder, sondern auch groß angelegte Werke geschrieben. Unter den Kompositionen kann man nennen: „Waltz of the Metallurgists“ von Lyadova, „Meeting at the Magnetic Mountain“, „Coke Pie“, „Table for the Blacksmiths“ von A. Nikitin, „Slavyanka“ von A. Mordukhovich, „Ivashkin „Löffel“ von V. Semenenko, Theatermusik von A. Torticollis und anderen.

Eine besonders enge Zusammenarbeit fand mit dem Komponisten des Magnitogorsker Konservatoriums V. Sidorov statt. Die Lieder „Approaching Chelyabinsk“, „Knock on my door“, „Winter meets Summer“ wurden nach den Gedichten von R. Dyshalenkova geschrieben. Zu den Hauptkompositionen gehört die Suite für Vokalensemble „My Happiness“, die die Gedichte „Like Beyond the River“, „The Wind Touched the Reeds“, „My Happiness“ und „The honey has brewed, it's time to schmaus“ enthält. und die Kantate „Im Ural in der Fabrik“.

Im Jahr 1980 begann R. Dyshalenkova, ein Gedicht mit Tänzen, Liedern, Gleichnissen, Zaubersprüchen und Liedern „Ural Quadrille“ zu schreiben. Sie teilte ihre Ideen mit V. Sidorov. Der Komponist war von der Handlung und der ungewöhnlichen Form des Zyklusaufbaus angezogen und stürzte sich voller Freude in die Arbeit an einer neuen Komposition.

Die Konstruktionsform des poetischen Textes orientiert sich an der antiken Konstruktion der Ural-Quadrille. Zuvor lockte diese Aktion in einem Dorf oder einer Fabrikstadt viele Teilnehmer und Zuschauer an.Jede neue Aktion in der Quadrille wurde vom Anführer mit dem wichtigen Ruf „Figur zuerst!“ angekündigt. Zweite..."

usw. Der Tanz entwickelte sich zu Spielen, Liedern und Zusammenkünften. Die poetische Quelle enthält insgesamt 12 Figuren (3, 4).

Das Thema des poetischen Inhalts des Werkes spiegelt verschiedene Bilder aus dem Leben der Werktätigen wider. Die Hauptfigur sind gewöhnliche Menschen aus dem Ural-Hinterland. Die zentrale Nummer sowohl des Gedichts als auch der Kantate ist Nr. 6 „The Old Men Are Reasoning“. Die Idee der Ausgabe besteht darin, die historische Verbindung zwischen der alten und der jungen Generation aufzuzeigen.

Die Kantate ist für unbegleiteten Chor geschrieben und besteht aus 10 Teilen:

Nr. 1 Rundtanz; Nr. 2 Ivashka-Löffel;

Nr. 3 Mädchenhafte Verleumdung; Nr. 4 Junge Frauen flüstern; Nr. 5 Bachaussichtspunkt; Nr. 6 Vernunft alter Menschen; #7 Vogelscheuche; Nr. 8 Altes Lied; Nr. 9 Mummers; Nr. 10 Entlang der Quadrille

(Zukünftig werden nur noch Zahlen angezeigt).

Das Genre basiert auf einem Chorlied. Ein polyphones Chorlied umfasst nicht nur eine melodische Basis, sondern auch eine Vielzahl polyphoner Techniken. Es ist dieses Genre, das die Tiefe und Objektivität des Inhalts, den epischen Umfang der musikalischen Entwicklung mit der Einfachheit und Zugänglichkeit der Form verbindet (7).

Es ist kein Zufall, dass der Komponist ein Stück für einen unbegleiteten Chor schreibt. Hier ist es schwierig, sich hinter der Textur zu „verstecken“ – alles wird durch eine helle, ausdrucksstarke Liedmelodie und eine ziemlich entwickelte Polyphonie entschieden. Chornummern weisen klare und spezifische Merkmale der Liedgattung auf. Es gibt eine Kombination aus Inhalt und Klarheit, das melodische Material ist in Geist und Form national.

Obwohl der Komponist sein Werk als Kantate bezeichnete, sollte es nicht aus der Perspektive einer klassischen Kantate betrachtet werden. Erstens sind die Teile von so kurzer Dauer, dass es angemessener wäre, sie als Zahlen zu bezeichnen, sodass es auf den ersten Blick schwierig ist, die zyklische Entwicklung der Form und Funktion der Teile zu bestimmen. Das Prinzip der Verbindung von Teilen erinnert eher an eine Suite-Konstruktion. Sie können auf einige Teile hinweisen, die eine Bedeutung haben. So ist Nr. 1 „Round Dance“ die Einleitung, Nr. 10 „Along the Quadrille“ der Schluss, Nr. 6 „Old Men Are Reasoning“ und Nr. 8 „Old Song“ der Höhepunkt.

Unter den Teilen der Kantate kann man „männliche“ und „weibliche“ Nummern unterscheiden. Zu den „Herren“-Nummern gehören Nr. 2, Nr. 6 und Nr. 8. Die zweite Ausgabe zeichnet ein Bild der Arbeit der Volkshandwerker. Es ist lebhaft und humorvoll geschrieben und macht den „Verrat“ der Löffel an ihrem Herrn lächerlich. Die sechste Nummer ist ein Arbeitslied über den harten Alltag der Werktätigen im Geiste der Udaletsky-Lieder. Hier ist überall der Glaube an Gerechtigkeit zu hören, die Hoffnung auf bessere Zeiten, und am Ende der Ausgabe steht eine klare Bedrohung für die Täter. Von dieser Nummer aus kann man einen logischen Faden zur nächsten „männlichen“ Nummer ziehen – „Ancient Song“, wo die in den poetischen Text eingebetteten Bilder und Gedanken weiterentwickelt werden und zu einem Höhepunkt führen. Diese beiden Teile sind die bedeutendsten in der Kantate. (Auf Nr. 8 wird weiter unten noch näher eingegangen).

Nummer 3 und 4 sind „Frauen“. Das Gespräch wird im Namen junger Mädchen geführt. In Nr. 3 wird eine rituelle Szene der Wahrsagerei und des Urteils eines geliebten Menschen dargestellt. Der gefühlvolle und intime Ton vermittelt die magische Atmosphäre des Sakraments. Der transparente Musikstoff, kombiniert mit Rezitativphrasen, stellt die Szene deutlich dar, in der die Mädchen Wahrsagereien erzählen und flüstern. Nr. 4 erzählt die Geschichte des Lebens einer jungen Frau, die offenbar zur Ehe mit einem unhöflichen, unhöflichen Mann gezwungen wurde. Doch Musik und Text vermitteln nicht Leid und Melancholie, sondern Spott über den dummen Ehemann, der auf Vergeltung für die Misshandlung seiner Frau wartet. In der Musik geht die Entwicklung vom Flüstern zur entscheidenden Aussage.

Nr. 5 kann als „gemischt“ bezeichnet werden.

Dies ist ein Hochzeitslied, das eine rituelle Heiratsvermittlungsszene darstellt. Der Teil basiert auf einem Dialog zwischen einem Mann und einem Mädchen. Das Mädchen drückt Gedanken und Hoffnungen für das Eheleben aus.

Nr. 9 gilt auch für Hochzeiten. Durch die direkte Entwicklung des thematischen Materials entsteht der Eindruck einer sich entfaltenden Theaterszene. In Form eines Dialogs zwischen den männlichen und weiblichen Parteien wird ein Bild vom Flirten zwischen den Freunden der Braut und den Freunden des Bräutigams gezeichnet. Durch die Stilisierung von Volksliedern wird eine entspannte und verspielte Stimmung erreicht.

Nr. 10 schließlich dient sowohl im Text- als auch im Musikmaterial als Abschluss. Der thematische Thread erstreckt sich von der ersten bis zur letzten Ausgabe und ist ein Bericht aus der dritten Person über die Gegenwart. Diese Ausgabe ist eine Art Zusammenfassung der gesamten Serie und erzählt, dass sich die Menschen nach so langer Zeit an die Traditionen und Bräuche ihrer Vorfahren erinnern.

(Nr. 7 „Vogelscheuche“ wird ausführlich besprochen).

So erweisen sich die scheinbar nicht zusammenhängenden Teile bei genauerer Betrachtung als ein logisch strukturierter Zyklus. Aufschlussreich In jedem Teil nutzt der Komponist die gesamte Palette der Klangfarben der Stimmen.

Das Bild eines jungen Mädchens (Nr. 3) wird von der Solo-Bratschenstimme getragen; es gibt Chöre, in denen ganze Stimmen Soli vortragen (Nr. 5, Nr. 8), kontrastierende Vergleiche der weiblichen mit der männlichen Besetzung (Nr. 6, Nr. 8, Nr. 9) beleben die Wahrnehmung und theatralisieren (das Prinzip des Dialogismus). ); in Nr. 10 „sagt“ die Chorvokalisierung, was mit Worten nicht gesagt werden kann.

In mehreren Chören gibt es ein gegensätzliches Verhältnis einzelner Stimmen zum gesamten Chortutti. Der Komponist verwendet oft Stimmeneinteilungen (Nr. 3 – Alt und Tenor, Nr. 4 – Tenor und Bass, Nr. 5 – Sopran). Am Ende von Nr. 7 stellt der Komponist Bassoktavisten vor.

Wie bereits erwähnt, wird die Kantate von Liedern mit einer charakteristischen Versvariationsform dominiert (Nr. 2, Nr. 5, Nr. 6, Nr. 8), es gibt aber auch Teile mit einem vorherrschenden dreistimmigen Muster (Nr. 1, Nr. 4). Die Wiederholung ist in Nr. 4 und Nr. 5 zu spüren. Die Nummern 3, 7 und 9 haben die Form einer übergreifenden Durchführung, Nr. 10 ähnelt einer zweistimmigen Repriseform, obwohl die Verwendung von Couplets überall zu erkennen ist. In der Kantate ist es schwierig, reine Formen zu identifizieren, da fast alle synthetisiert sind. Als eines der Muster bei der Entwicklung von Musikmaterial würde ich den Wunsch bezeichnen, die letzten Abschnitte (normalerweise Reprisen) zu dynamisieren. Dies äußert sich in der Verdichtung der Textur und dem Einsatz „lauter“ Dynamik. Der Höhepunkt findet am häufigsten im Finale statt (Nr. 1, Nr. 8, Nr. 10). In der Reprise Nr. 7 wird das Thema vergrößert dargestellt.

Einer von charakteristische Merkmale In der russischen nationalen Gesangsschule herrscht lineares horizontales Denken vor. Fast jede Nummer enthält subvokale Polyphonie, in einer klingenden Vertikale angeordnete Imitationen, in denen klare Harmonien vorherrschen (klassische Systeme), oder klangliche Cluster. Der polyphone Vortragsstil verdrängt den homophonisch-harmonischen nicht vollständig.

Die harmonische Analyse der Kantate erwies sich als sehr interessant und ungewöhnlich. Hier finden wir eine Vielzahl von Systemen von

Helle Abweichungen, kräftige Modulationen mit einer Moll-Dominante, einer harmonischen Subdominante, gleichnamigen Tonika sowie traditionellen Modi des Dur-Moll-Systems. In Nr. 3 bildet der hohe vierte Grad (lydischer Modus) eine Stütze auf Uv5/3 (b – d – fis).

Wir können polyharmonische Beziehungen verfolgen (Nr. 1), bei denen die Funktionen VI, II, D auf einem konstanten dominanten Bass erklingen.

Die komplexe harmonische Sprache einiger Teile erfordert äußerste Sorgfalt sowohl seitens der Interpreten als auch des Dirigenten.

In jedem Teil der Kantate gibt der Komponist einen klaren Zeitplan an. Nach Durchsicht des gesamten Werkes kann man sagen, dass bewegte, ja schnelle Tempi vorherrschen (6 Nummern). Einige Teile sind eindeutig tänzerischer Natur (Nr. 2, Nr. 9, Nr. 10). Oft findet man einen dreiteiligen Takt: Nr. 2 – 6/8, Nr. 3 – 6/4, Nr. 4 – 3/4, aber zweiteiliger Takt überwiegt: Nr. 1, Nr. 4 – C, Nr. 8 – 4/4, Nr. 5, Nr. 9 – 2/4, Nr. 10 – 2/4 mal 3/4.

Besonderes Augenmerk sollte auf Nr. 3, Nr. 7 und Nr. 10 gelegt werden. Sie kombinieren variable, oft komplexe Größen: Nr. 3 – 6/4 x 5/4, Nr. 7 – 11/8 x 8/8, Nr. 10 – 2/4 x 3/4. In den Nummern 4 und 7 gibt es Synkopen im rhythmischen Muster.

Einige Nummern enthalten klangbildliche Elemente: In Nr. 2 erzeugt die Betonung von „2i“ () das Gefühl des Stampfens während des Tanzes; in Nr. 4 wird die Basslinie durch eine Viertelpause aufgebaut, die reflektierte Seufzer darstellt die Bedeutung des Textes. In Nr. 7 gab der Komponist beim Wort „Pause“ die ungefähre Tonhöhe an und schlug vor, ihn mit einem Schrei auszuführen, und in Nr. 3 wird das Bratschensolo mit einem festen Rezitativ aufgeführt, was ebenfalls dies widerspiegelt Text.

In Bezug auf die Nuancen basieren Zahlen häufig auf einem kontrastierenden Vergleich von „p“ und „f“ und nutzen dabei das Prinzip der Dynamisierung. Lediglich zwei Teile sollten in dieser Hinsicht hervorstechen: Nr. 5 kann als „leise“ bezeichnet werden – die vorherrschende Nuance von „pp“ bis „mf“, nur die letzten Takte werden auf „f“ gespielt. Nr. 6 hingegen ist „laut“ – nur 6 Takte in der Mitte des Satzes stehen auf „r“.

Der Chorleiter muss bei der Arbeit auf diese Merkmale achten, damit die Musik nach Überwindung der Aufführungsschwierigkeiten zum Leben erweckt wird.

Es ist unwahrscheinlich, dass es hinsichtlich Tonlage und Dynamik zu Schwierigkeiten kommt, da V. Sidorov die natürlichen Fähigkeiten der Interpreten berücksichtigt. Ein komfortabler Tonumfang und eine logische Entwicklung des musikalischen Denkens sind der Schlüssel zu einer guten Struktur und einem guten Ensemble.

Nun werden Nr. 7 „Vogelscheuche“ und Nr. 8 „Altes Lied“ genauer untersucht.

„Scarecrow“ verblüfft durch seine kindliche Spontaneität und Naivität. Erinnert an bunte, beliebte Drucke oder alberne Witze und Fabeln.

Das Bild der Vogelscheuche wird lebendig, es wird vergeistigt, es ist geprägt von menschlichen Gefühlen:

„Das Dorf hatte Angst vor Trauer ...

Die Vogelscheuche weint, benetzt ihre Tränen ...“

Das exzentrische Bild wird durch lebendige Sprachmerkmale betont, die für Volksdialekte, Sprüche und Sprüche charakteristisch sind:

„Die Kinder haben die Vogelscheuche verkleidet,

Sie haben aus einem Eimer einen Kopf gemacht...

Getragen Vogelscheuchen aus Brokat Outfit

Wichtige Reden werden gehalten...

…sagen sie, Vogelscheuchen leben nicht so ...

…wurde quietschend Die Vogelscheuche begann zu klingeln...

...rannte, um zu helfen ehrlich Menschen…"

(Die unterstrichenen Wörter sind am farbenfrohsten).

Es ist zu beachten, dass der Komponist die Intonation und Stimmung des Verses einfühlsam einfängt, sie auf der musikalischen Leinwand einfärbt und betont. „Wichtige Reden werden gesprochen“ – ein leichter dynamischer Anstieg (und Intonation), aber in der nächsten Episode – die Stimmung ändert sich, „die Vogelscheuche begann zu quieken …“ – Dynamik „r“, ein einzelnes rhythmisches Ensemble geht verloren (Sopran und Bass – separate „scharfe“ Achtelnoten), der Tenor ist komplett ausgeschaltet, instabile scharfe Harmonie – der Tritonus erklingt ständig. (siehe Anhang Nr. 3, 2 Ziffer, 6 Takte, dritte Ziffer)

„Das Dorf hat eine Vogelscheuche zum Trauern…“ als würde eine Vogelscheuche (aufgeregt) jammern – in der Partitur Stretta B-T-S+A läuft ein Intonationsmotiv in den Tonarten h-moll – cis-moll – d-moll, das tessitura steigt ständig. Veränderte Schritte erhöhen die Schärfe und bilden Um5/3. (4 Ziffern, 2 Takte)

„Egal was du sagst, es sind die Einheimischen...“ Mysterium, Abstraktion von der Realität, Träume – in der Musik wird dies durch die ungewöhnliche Harmonie der Septakkorde, die Nuance des „r“, „dargestellt“. (2. Ziffer)

Der poetische Text spielt in diesem Chor eine dominierende Rolle, die V. Sidorov erfolgreich verkörpert und den Chorstimmen einen rezitativ-deklamatorischen Vortragscharakter verleiht. Die Struktur des Chores basiert auf der Entwicklung zweier Themen. Das erste (Nummer 1) ist melodiöser, stimmlicher und wird in Zukunft stark weiterentwickelt; das zweite Thema (Nummer 2) bleibt, wie erwähnt – die Chorrezitation, nahezu unverändert.

Schematisch sieht der Aufbau des Chores wie folgt aus: A B A1 B1 A2 – im Allgemeinen kann die Form des Chores als drei- bis fünfteilig definiert werden.

Der Chor beginnt mit einer Nachahmung des ersten Themas in den Tonarten D-Dur – Tonika (Alt), A-Dur – Dominante (Tenor), H-Moll – VI-Stufe, Paralleltonart (Sopran), danach folgt H-Moll fest (As – Einleitungsschritt), nach strett-y „Sie hingen an den Seiten“ (2. Figur, 8. Takt) in den Tonarten h – cis – d kommen wir zu fis – Dominant h-moll.

In dieser Episode muss der Dirigent auf das metrorhythmische Muster achten. Größe 11/8 ist komplex, mit ständig wechselnden Gruppierungen. Gruppierungsoptionen 11/8 = 2+2+3+2+2;

=3+3+3+2; =2+3+2+2+2; =2+2+2+2+3.

Nach der Viertelpause erhält der nächste Abschnitt („Egal was…“) eine neue Färbung. Anstelle der ursprünglichen D-Dur wird sie durch die gleichnamige Moll-Tonart (d-moll) ersetzt.

Wir befinden uns in der flachen Sphäre (in Harmonie VI Septakkord, V natürlicher Septakkord, S Septakkord, T Sextakkord, II Septakkord, Stopp auf D). Es ist diese Tonverschiebung, die das Gefühl von Verträumtheit und „Ungewöhnlichkeit“ vermittelt. Größe 8/8 ist in 2+3+3 gruppiert.

„Die Vogelscheuchen tragen ein Brokatgewand“ (2. Nummer, 5. Takt). Die Sopranmelodie wird von allen Stimmen in paralleler Bewegung vervielfältigt. Linearität ist in harmonische Septakkorde eingebaut.

Neue Option des ersten Themas vor dem Hintergrund des Orgelpunkts C - das Thema steht in der Originaltonart D-dur, der nächste Takt ist A-dur auf dem Orgelpunkt G (3. Ziffer).:

„Die Vogelscheuche weint, verwischt seine Tränen“ – das zweite Thema kehrt zurück, aber es ist in einer neuen Version statt in 6 Takten – 4; Die Größe ist nicht 8/8, sondern 11/8.

Der letzte Reprise-Abschnitt „Es begann seitdem …“ ist eine Wiederkehr von Thema A, jedoch in einer Steigerung (6. Figur).

Der Chor-Unisono verkündet freudig das Ende aller Unglücke der lustigen Vogelscheuche. Ein Teil des Humors entsteht durch die Diskrepanz zwischen dem feierlichen, majestätischen musikalischen Finale und

literarischer Text

„Seitdem hat es unter diesen Leuten angefangen

Hören Sie der Vogelscheuche im Garten zu.

Es gibt Episoden mit unangenehmer Diktion (4. Figur). In der Basslinie endet der Gesang aus zwei Sechzehntelnoten mit -oh.

Der nächste Vokal ist „o“, sie müssen getrennt werden.

Elemente der Tonaufnahme – der Chor stellt den Fall einer Vogelscheuche dar – „Bruchstelle“ – nur Sprechen, ohne bestimmte Tonhöhe (4. Ziffer, 2. Takt).

Trotz aller Aufführungsschwierigkeiten muss darauf hingewiesen werden, dass die Tessitura für alle Stimmen geeignet ist, das Stimmenensemble fast überall ausgerichtet ist, es keine spannungsgeladenen, forcierten Episoden gibt, was zur Wahrung der Ordnung beiträgt.

„Ancient Song“ ist Nr. 8 im Zyklus „In the Urals at the Factory“ und wurde für einen 4-stimmigen gemischten Chor geschrieben.

Wie der Name schon sagt, handelt es sich bei der Nummer um ein Werk im Geiste eines alten Volksliedes, das den Hörer in die Welt des harten Alltags der Arbeiterklasse einführt. Der Komponist griff auf traditionelle russische Folklore zurück und spiegelte damit die im Text des Dichters verankerte Idee wider. Durch den Einsatz präziser Ausdrucksmittel, Formen und des gesamten Komplexes musikalischer Werte gelang dem Autor eine wunderbare Verbindung von literarischem Text und kompositorischem Können.

Trotz der Kompaktheit und kurzen Dauer des Themas lässt sich die Logik seiner Entwicklung nachvollziehen. Dieses Lied ist vergleichbar mit einem großen Werk, bei dem der Anfang klar definiert ist – der Hauptkern, das Wachstum aller Ausdrucksmittel bis zum Höhepunkt und der Schluss als Aussage der Hauptidee. Die Musik vermittelt auf subtile Weise die Bedeutung des verbalen Textes mit einer absolut klaren Versvariationsform. Die Form wurde vom Komponisten nicht zufällig gewählt: Der Vers verleiht der Nummer Klarheit, Genauigkeit im Aufbau, leichte Wahrnehmung beim Hören und ist auch ein Zeichen von Gesanglichkeit. Variation ermöglicht es, in engen Grenzen in kurzer Zeit künstlerische Ausdruckskraft und interessante Entwicklung zu erreichen.

Das Bild eines dem Untergang geweihten, von Unterdrückung und Arbeit erschöpften Volkes wird auch durch den harmonischen Plan erreicht – eine auf den Klängen eines Tonika-Dreiklangs aufgebaute Melodie erreicht bereits im ersten Takt den Oktavbereich. Im gesamten Vers gibt es keine Subdominantenharmonie: zwei Takte – T, zwei Takte – D mit minimaler Änderung. Aber der Entwicklungsimpuls liegt bereits in der ersten gewollten vierten Intonation, in der Aufwärtsbewegung der ersten melodischen Züge und in der Offenheit der Periode (siehe Anhang Nr. 3, 1 Abbildung).

Die zweite Strophe ist die zweite Entwicklungswelle: Es wurden Änderungen an fast dem gesamten musikalischen Plan vorgenommen. Die Nuance von „r“ steigt zu „mр“, während der verbale Text den beiden Extremstimmen – Sopran und Bass sowie Alt und Tenor – bei geschlossenem Mund harmonische Fülle verleiht. Die Bewegungsrichtung der Melodie ändert sich von aufsteigend zu absteigend, wodurch ein melodisches Moll entsteht.

Das Erscheinen einer veränderten Bühne (VI. Oberstufe) vermittelt einen Hauch von Verwandtschaft mit russischer Volksmusik (2. Ziffer).

Der dritte Vers ist die nächste Runde dynamischen Wachstums. Die Melodie des ersten Verses kehrt zurück und erfährt einige Veränderungen: Die Dynamik steigert sich zu „mf“, das Thema wird in den Alt- und Bassstimmen unisono ausgeführt. Unisono-Auftritte erzeugen das Gefühl eines Aufrufs an die Menschen als große, vereinte Gruppe, angetrieben von einem einzigen Gedanken, einem einzigen Ziel (3. Figur). In der dritten Nummer, im vierten Takt, treten die Tenöre in einen Kanon ein und verbinden sich mit Alt und Bass, und nach vier Takten, im selben Kanon, schließt sich dort die Sopranstimme an. Diese Entwicklung führt natürlich zum Höhepunkt – der vierten Strophe, in der sich alle Stimmen zu einer einzigen, bejahenden Stimme (4. Ziffer) vereinen. Der monolithische Klang entsteht durch die Verwendung einer homophonisch-harmonischen Darstellungsstruktur in der „f“-Nuance durch den Komponisten. In der fünften Ziffer verschwinden alle Bruchteile und alle Stimmen erklingen in einem einzigen Viertelrhythmus, was ihr eine hymnenartige Qualität verleiht. Und die doppelte Wiederholung des vierten Verses (5. Figur) wird als alles bejahender Anfang wiedergegeben. ausgewählt und angeordnet, um die Entwicklung der in den Text eingebetteten Bilder am besten widerzuspiegeln.

Im Refrain werden Gesänge in der Bassstimme verwendet (eine ähnliche Situation besteht in Nummer 3 in der Alt- und Bassstimme). Doch mit der Verbindung der Stimmen werden die rhythmischen Figuren monotoner und stellen eine deklamatorische Rede dar, die den Hauptgedanken bekräftigt. Somit ist der gesamte letzte Vers nur auf der Bewegung in Vierteln aufgebaut.

Bei der Entwicklung des Bildes kommen auch Nuancen zum Einsatz. Von „r“ wird durch das Verbinden von Stimmen und das „Anheben“ der Nuance zu „fff“ das Gefühl einer riesigen Schallwelle erreicht.

Während des gesamten Satzes ändert sich die Tonart d-Moll nicht. Im ersten Vers wird nur ein chromatischer Klang verwendet – cis, was harmonischer Modus bedeutet. In der zweiten Ziffer erscheint der Ton „h“ (VI hoher Grad), der das melodische Moll markiert. Der Teil endet mit dem Unisono-Ton „d“, als Angabe der Tonika.

Die Stimme verwendet alle Arten von Stimmkombinationen: von der Solostimme (Nummer 1) über Tutti (Nummer 4, 5) bis hin zu Ensemblestimmen. Die Hauptstimme ist hier die Bassstimme – ihr ist stets der Text und die Melodie in der Hauptform anvertraut. Die übrigen Stimmen werden entweder ausgeschaltet, im Unisono oder Terz dupliziert oder Vokalisen ausgeführt. Auf diese Weise entstehen Ensembles: Bass und Sopran (Nummer 2), Bass und Alt mit Hinzufügung eines Tenors (Nummer 3).

Der Umfang jeder Stimme erleichtert die Ausführung des Parts. Die Melodie wird hauptsächlich innerhalb der Oktave verwendet, in der Sopranstimme – einer Dur-Dezima. Bemerkenswert ist, dass in den ersten Versen die untere Hälfte des Tonumfangs verwendet wird, die schrittweise bis zur Nummer 4 „ansteigt“. In den letzten beiden Nummern (4 und 5) wird der obere Teil der Tessitura in den Stimmen aller Stimmen verwendet . Dadurch wird der Effekt der Dynamisierung des musikalischen Materials, des Bildes erreicht, während die Lücke zwischen den Stimmen praktisch erhalten bleibt.

Bei der Arbeit mit diesem Teil sollte der Chorleiter alle Besonderheiten dieser Nummer berücksichtigen. Erstens verdient die Konstruktion des Teils im Sinne der Dynamisierung gebührende Aufmerksamkeit. Der Dirigent muss eine allmähliche (!) Steigerung der Nuancen erreichen, wenn die Stimmen verbunden werden.

Ab Nummer 3 wird an den Kreuzungen poetischer Zeilen der kanonische Einsatz von Stimmen und deren weitere Ausrichtung zu einer einzigen rhythmischen Figur verwendet. Diese Technik erweckt den Eindruck eines kontinuierlichen Flusses von Vierteln und trägt zur Entstehung des Bildes bei. Der Dirigent muss sicherstellen, dass die Entwicklung des musikalischen Denkens von Nummer 3 bis zum Ende des Satzes nicht aufhört und die Kadenzen mit Soloaussagen einzelner Stimmen füllt.

Achten Sie auch auf die parallele Bewegung der Stimmen in Terzen (2. Stelle) und im Unisono (3. Stelle).

Jedes Viertel schafft eine klare vertikale Harmonie. Der Dirigent muss dafür sorgen, dass alle Töne eines gut konstruierten Intervalls oder Akkords gleichzeitig gespielt werden und dass sie in allen Stimmen zeitgerecht erklingen. Dabei sollte das Hauptziel weiterhin die lineare Bewegung der Melodie sein. Dies sollte insbesondere bei der Vokalisation der Nummer 2 sowie der Nummern 4 und 5 erreicht werden, wenn die gleichmäßige Bewegung der Viertelnoten das musikalische Gefüge belasten kann.

Eine besondere Schwierigkeit für den Dirigenten-Chorleiter besteht darin, das Tempo erfolgreich vorzugeben. Es sollte dem vom Komponisten empfohlenen Chronometer am nächsten kommen. Die falsche Wahl des Tempos verändert die figurative Struktur des Teils: Ein schnelleres Tempo bietet nicht die Möglichkeit, die Breite und Melodie der ersten Verse zu zeigen, und ein langsameres Tempo belastet die letzten Nummern und stoppt den Satz zur Coda.

Abschließend möchte ich auf die Interpreten eingehen, die früher zusammengearbeitet haben und heute die Musik von V. Sidorov aufführen.

Die ersten Interpreten der Lieder des aufstrebenden Komponisten waren zwei von V. Sidorov gegründete Vokal- und Instrumentalensembles im Kultur- und Technologiepalast am linken Ufer des Eisen- und Stahlwerks Magnitogorsk („Magniton“) und im Kulturpalast „Builders“ ( "Echo"). 1975 nahm VIA „Echo“ an einem regionalen Rezensionswettbewerb in der Stadt Zlatoust mit der Aufführung eines Liederzyklus teil, den der Komponist auf der Grundlage der Gedichte von Boris Ruchev geschrieben hatte. Diese Leistung wurde mit einem Diplom und dem Titel Preisträger ausgezeichnet.

In Magnitogorsk komponiert Wladimir Alexandrowitsch Musik für verschiedene Kompositionen und Gruppen. Der erste Interpret von Chorwerken war die Staatskapelle Magnitogorsk unter der Leitung von S. G. Eidinov: Oratorium „Das Märchen vom magnetischen Berg“, Kantate „Im Fabrikural“. Einige Nummern der Kantate wurden in Konzerten vom Städtischen Kammerchor (Direktor S. V. Sindina) aufgeführt. Eine interessante Interpretation erhielt die für das Orchester der Volksinstrumente geschriebene Musik, aufgeführt vom Orchester der Musikschule (Direktor A.N. Yakupov) und des Konservatoriums (Direktor S.A. Bryk), dem Ensemble „Native Tunes“ (Direktor V.S. Vaskevich, P . A. Tsokolo).

„... Im wahrsten Sinne des Wortes löste die Aufführung der Adaptionen dreier russischer Volkslieder einen Sturm des Applauses aus: „Schnurrbart“, „Schwan“, „Herrin“. Es ist merkwürdig, dass der Magnitogorsker Komponist V. Sidorov diese Werke für einen Synthesizer mit Ensemble geschrieben hat. Anwendung elektronisches Instrument, erwies sich jedoch als völlig gerechtfertigt und brachte viele neue Klangfarben in die Partitur. An diesem unvergesslichen Abend spielten die Musiker viel und mit Freude Zugaben...“ (Informationsbulletin „Narodniki“, Moskau. Nr. 1 (13), 1996) und „...Das Ensemble der Professoren – das ist, was sie Nennen Sie „Native Tunes“ scherzhaft den Anführer selbst... In „Drei russische Volkslieder“, arrangiert vom Komponisten V. Sidorov, sangen die „Professoren“ zum ersten Mal. Vielen zufolge ist dies eine der besten Nummern ihres Programms. Text aus dem Lied „Really, there is no money!“ Das Publikum mag es wirklich…“ („Magnitogorsk News“, Nr. 21, 1997)

Es wurde viel mit Solisten und Vokalmusikern zusammengearbeitet, um Audioaufnahmen und magnetische Alben zu erstellen. Unter ihnen: I. Gventsadze, A. Kosterkina, T. Borisovskaya, T. Omelnitskaya, L. Bogatyreva, K. Vikhrova. Lassen Sie uns Beispiele für einige Aussagen dieser Interpreten geben: „...Es ist erfreulich, einen Komponisten zu treffen, der in seinem Werk das Beste und Intimste aufgenommen hat, was das russische Lied seit jeher auszeichnet: Melodie und Weite der Seele, Humor und Wagemut. Und das alles unter Berücksichtigung moderner musikalischer Trends und Trends. Meiner Meinung nach ist das Wichtigste im Werk von Vladimir Sidorov die untrennbare Verbindung seiner Lieder mit der Folklore...“, „...Kammergesangskompositionen von Vladimir Sidorov offenbaren die tiefen und philosophischen Kategorien der Existenz.“ Dies ist eine organische Synthese des musikalischen Denkens unserer Zeitgenossen mit den Höhen der klassischen Weltpoesie. Diese Kompositionen zeichnen sich durch die Verflechtung geheimnisvoller und wunderschön klingender harmonischer Wendungen aus, die die Melodie „Her Majesty“ mit polyphoner Textur und Aufmerksamkeit für subtile semantische Nuancen umhüllen. Arbeite daran

Gesangstexte Vladimir Sidorov und nachdem ich mehrere Zyklen im Radio aufgenommen hatte, empfand ich durch den Kontakt mit interessanter, außergewöhnlicher Musik wahre kreative Befriedigung. Ich glaube, dass diese Kompositionen für Konservatoriumsstudenten einfach notwendig sind, um ihre stilistische Erfahrung zu erweitern, stimmliche und technische Techniken zu verbessern und ihre spirituelle Palette zu bereichern ...“ (Irakli Gventsadze, Preisträger internationaler Wettbewerbe, außerordentlicher Professor am Staatlichen Konservatorium Magnitogorsk).„...Als ich die VMMU betrat, brachte mich das Schicksal mit Wladimir Alexandrowitsch Sidorow zusammen. Unser Treffen war ein kreativer Impuls für Wladimir Alexandrowitsch und ein Ansporn für kreatives Wachstum für mich. Dank Wladimir Alexandrowitsch habe ich jetzt mein eigenes Repertoire und mein eigenes künstlerisches Gesicht ... Alles, was ich singe, ist von Wladimir Alexandrowitsch Sidorow geschrieben. Es ist vielfältig

In den Jahren 1990-1998 veröffentlichte der Komponist Audioalben, darunter sowohl Soloalben als auch Sammlungen verschiedener Künstler: Tatyana Omelnitskaya „Warum habe ich dich betrogen“, Larisa Bogatyreva „Nach dem Regen am Donnerstag“, „Bitter“, Kristina Vikhrova „The Freude an der Liebe“ ”; „R-revolutionäre Lieder“, „Fest für Freunde – Kinder“, „Wenn die Liebe weg ist“, „Wenn Sie ein Lied über die Liebe hören“, „Allegorie der Ironie“, „Magnitka im Werk des Komponisten Vladimir.“ Sidorov“, „Wir sind mit dem Lied unzertrennlich“, „Vladimir Sidorov. Kammer Vokalmusik”

Anlässlich des 25-jährigen Jubiläums der Tätigkeit des Komponisten in der Musikkunst beschloss der Verlag „Magnit“, ein Projekt zur Veröffentlichung einer Reihe von Sammlungen nach Genres aus dem riesigen kreativen Gepäck von Wladimir Alexandrowitsch Sidorow umzusetzen. Erstmals wurden Chor-, Vokal- und Instrumentalwerke veröffentlicht. Jede Serie ist farbenfroh; die Musiksammlungen werden von Audiokassetten mit Aufnahmen dieser Musik begleitet, die von den besten Musikern Magnitogorsks aufgeführt werden.

1. Vikhanskaya A.M. Zu einigen Merkmalen der Entwicklung der Kantate in Russland //

Materialien der wissenschaftlich-praktischen Konferenz „Vergangenheit und Gegenwart“

Russische Chorkultur.“ - Leningrad, 1981.

2. Wolfovich M.V. Musiker des Südurals.

– Tscheljabinsk, 1991.

3. Dyshalenkova R. Aus den Höhen der Erde // Buch der Gedichte und Gedichte. –

Tscheljabinsk, 1992

4. Dyshalenkova R. Ural-Quadrille // Gedichte und Poesie. – Tscheljabinsk, 1985.

5. Dyshalenkova R. Vier Fenster // Gedichte - M., 1978.

6. Kaganis V. Gebiet der Weisheit von Rimma Dyshalenkova // Magnitogorsk

7. Kolovsky O.P. Russisches Chorlied.

(Traditionen, Moderne

Praxis).// Sammlung von Werken des Moskauer Staatlichen Pädagogischen Instituts, benannt nach den Gnessins, Ausgabe 37.

8.Miroshnichenko S.M. Die Entstehung des Chorauftritts im Süden

Ural. – Magnitogorsk, 1999.

9. Murygina S. Julius Galperin Zyklus der Chorminiaturen „Woman's Sands“.//

Abstrakt. Als Manuskript. – Magnitogorsk, 1999.

10. Nikitin K.N. Traditionell und innovativ in der sowjetischen Chormusik

60-70er Jahre. // Materialien der wissenschaftlich-praktischen Konferenz „Die Vergangenheit

und die Gegenwart der russischen Chorkultur.“

– Leningrad, 1981.

11.Sidorov V.A. Aufsatzkatalog. – Magnitogorsk, 1999. 12. Sinetskaya T. Katalog der Werke von Komponisten des Südurals. – Tscheljabinsk, 1996.

13.Chernova E.V.

Musikalisches Leben

die Stadt Magnitogorsk in den 80-90er Jahren

(zum Problem der Funktionsweise der Musikkunst).

www.vlsid.narod.ru – das umfassendste Bild des Schaffens des Komponisten, Werke verschiedener Genres, ein Werkkatalog, Künstlerseiten, Journalismus, Rezensionen usw.

Beliebt

Präeklampsie bei schwangeren Frauen: Symptome, Behandlung und Grad der Gefahr für Fötus und Mutter Präeklampsie bei schwangeren Frauen, Symptome und Ursachen

Getriebe (Getriebe) 2024-09-08 01:56:21

Anzeichen und Behandlung einer Gestose während der Schwangerschaft. Ursachen einer Präeklampsie während der Schwangerschaft

Verschiedenes 2024-09-08 01:56:21

Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen