Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Titel: Traum (Traum in Sommernacht, Traum) (Jean Christophe Maillot)
Originaltitel: Le Songe (Jean Christophe Maillot)
Baujahr: 2009
Genre: Ballett, Modern, Komödie
Ausgestellt: Monaco, Frankreich, Japan, Les Ballets de Monte-Carlo, Europa Images/M, NHK
Regie: Jean-Christophe Maillot
Darsteller: Bernice Coppieters (Titania), Jeroen Verbruggen (Puck), Jerome Marchand (Oberon), Gaetan Marlotti (Weaver), Chris Roeland (Tinsmith)

Info: Fürstentum Monaco, 20. Jahrestag der Entstehung des Balletts, Inszenierung von Jean-Christophe Maillot und der wahrhaft französische Geist: Verwöhnung, Sinnlichkeit, Erotik – alles, was die Seele erfreut!! (Kommentar zum Ballett vom Nutzer des Trackers kinozal.tv – „aneta21“)

Die Premiere des Balletts „Der Traum (Ein Sommernachtstraum, ein Traum)“ fand am 27. Dezember 2005 in Monte Carlo (Grimaldi Forum) statt, basierend auf der Handlung von W. Shakespeares Komödie „Ein Sommernachtstraum“. Die für 26 Tänzer inszenierte Aufführung feierte den 20. Jahrestag der Entstehung des Balletts im Fürstentum Monte Carlo.
Jean-Christophe Maillot steht seit 1986 an der Spitze der Monte Carlo Ballet Company. Diese Aufführung ist am typischsten für die Arbeit von Jean-Christophe Maillot: Das Ballett trägt moderne Fantasie, kombiniert mit Details aus Comic und Poesie. Szenografie und Kostüme spielen in der Aufführung eine wichtige Rolle, sie betonen das Fantastische und balancieren unter einem gespenstischen Licht an der Grenze des Traums Vollmond. Die komische Handlung des zweiaktigen Balletts spielt sich auf einer dunklen, freien Bühne ab, wo Hauptelement Landschaft - gigantisch abstrakte Komposition aus einem weißen Schleier: Wie eine fantastische Wolke schwebt sie geheimnisvoll über der Bühne und verändert fantasievoll ihre Form und Lichtfarbe. Die Handlung entwickelt sich parallel auf zwei Ebenen – auf der Bühne und darüber, in ihren dunklen Tiefen, wo nur die Figuren der Charaktere hervorgehoben werden, wodurch sie im Raum zu schweben scheinen, manchmal sogar innerhalb einer „Schleierwolke“. “. Eine genreübergreifende Aufführung, gekonnt gewebt aus Tanzminiaturen, Theaterskizzen, ausdrucksstarker Pantomime und Zirkusclownertum, erzählt eine faszinierende und überzeugende Geschichte magische Geschichte unter Beteiligung märchenhafter und mythologischer Figuren. Man hätte erwarten können, dass der Choreograf das gleichnamige Ballett von John Neumeier, in dessen Truppe Jean-Christophe viele Jahre lang arbeitete, reichlich zitieren würde. Er ging jedoch seinen eigenen Weg.
Wie J.-C. Maillot sagte: „Ballett braucht neues Blut“, deshalb enthält „The Dream“ nicht nur die Musik von F. Mendelssohn, sondern auch die elektroakustische Komposition des Argentiniers Daniel Teruggi und die Musik von Bernard Maillot. der Bruder des Choreografen. Hier auf Spitzenschuhen zu tanzen ist ein seltenes Privileg, das nur ausgewählten Ballerinas gewährt wird. Der Großteil der Charaktere ist in eine lautstarke, akrobatische Burleske verwickelt lustige Witze, offene Zügellosigkeit, leidenschaftliche Sinnlichkeit, frivole Erotik. Der Choreograf spürte und reflektierte in seinem Ballett auf subtile Weise die spielerische Fröhlichkeit, die naive Einfachheit und das unbewusste Streben der Figuren. Das Ballett ist präzise, ​​ernst und saftig zugleich. Es ist lebendig, prickelnd und so einfallsreich, dass sich der Betrachter keine Sekunde langweilen kann.

Musik: Felix Mendelssohn, Daniel Teruggi, Bernard Maillot
Stellvertretender Direktor: Nicolas Lormeau
Dirigent: Nicolas Brochot
Orchester: Philharmonisches Orchester Monte Carlo (Monte-Carlo Philharmonic Orchestra)
Choreograph: Jean Christophe Maillot
Bühnenbild: Ernest Pignon-Ernest
Kostüme: Philippe Decoufle (Mitarbeiter – Cirque du Soleil)
Licht: Dominique Drillot

Jean-Christophe Maillot ist weder ein Klassizist noch ein Avantgarde-Künstler oder auch nur irgendetwas dazwischen. Er weigert sich, an einem Stil festzuhalten und schafft Tanz als Dialog, in dem sich traditionelle Spitzenschuhe und Avantgarde nicht länger gegenseitig ausschließen.

Wie so viele andere Choreografen begann er seine Karriere als Tänzer. Wie für viele andere herausragende Tänzer begann seine Anerkennung mit einem Preis beim Internationalen Wettbewerb Jugendwettbewerb in Lausanne. Viel weniger glückliche Menschen wie er erhielten eine Einladung, Solorollen in der Truppe des legendären John Neumayer zu spielen. Und nur sehr wenige schafften es, nachdem sie durch einen Unfall beim Start gebrochen hatten, aufzustehen und ihren eigenen, einzigartigen kreativen Stil zu entwickeln.

Von Hamburg in seine Heimatstadt Tours zurückgekehrt, wird er Choreograf und Direktor des Bolschoi-Balletttheaters von Tours, das später in Frankreich einen angesehenen Status erlangte. Nationales Zentrum Choreographie. Er gründete das Festival „Le Chorégraphique“ und inszenierte viel, unter anderem für das Monte-Carlo-Ballett. Seine Werke sind ein voller Erfolg, nun lädt ihn die Prinzessin von Hannover ein, das Monte-Carlo-Ballett zu leiten und stellt ihm ein stattliches Budget zur Verfügung.

Von diesem Moment an setzt Mayo alles daran, Monaco in ein choreografisches Mekka zu verwandeln. Auch wenn er mit zwanzig Leuten angefangen hat Auditorium, was den Stammgästen mit William Forsythe und Nacho Duato, den Avantgardisten dieser Jahre, Angst einjagte. Doch die Truppe stieg schnell auf und genießt seit zwei Jahrzehnten den wohlverdienten Ruf einer hochprofessionellen, kreativ ausgereiften Gruppe. Mayo sammelt und fördert sorgfältig kluge Köpfe und ist bestrebt, ihnen die Möglichkeit zu geben, sich voll zu entfalten und ihr Talent unter Beweis zu stellen. Er baute ein erstaunliches Repertoire von 70 Titeln auf, inszenierte sich selbst und lud die meisten Choreografen ein, die seinem Geschmack entsprachen. verschiedene Stile und Wegbeschreibungen. Er gründete Tanzschule, wo begabte Studenten aus der ganzen Welt zusammenkommen. Er gründete das Monaco Dance Forum – eine Autorität Tanzfestival auf internationaler Ebene und produziert neue choreografische Produktionen.

Der Choreograf Jean-Christophe Maillot verbindet Tanz mit Schauspieltheater lässt ihn auf einem Seil unter einem Zirkuszelt balancieren, mit der bildenden Kunst verschmelzen, von Musik angetrieben und erkundet werden verschiedene Formen Literatur... Sein Werk ist Kunst im eigentlichen Sinne Im weitem Sinne Wörter. Im Laufe von 30 Jahren schuf Mayo mehr als 60 Werke, von großen Erzählballetten bis hin zu kleinen Produktionen – sie alle bilden, eng miteinander verwoben und mit Assoziationen und Anspielungen aufeinander verweisend, zusammen ein großes Stück unserer Ballettgeschichte Zeit.

Jean-Christophe Maillot ist in jedem ein gern gesehener Gast Balletttruppe Welt, aber normalerweise überträgt er nur seine vom Monte-Carlo-Ballett erprobten Originalinszenierungen auf andere Bühnen. Zu diesen Theatern gehören das Grand Ballet of Canada (Montreal), das Royal Swedish Ballet (Stockholm), das Essen Ballet und das Stuttgarter Ballett (Deutschland), das Pacific Northwest Ballet (USA, Seattle), das National Ballet of Korea (Seoul). , das Königlich Dänische Ballett (Kopenhagen). ), Ballett des Grand Theatre von Genf (Schweiz), American Ballet Theatre (USA, New York), Béjart Ballett in Lausanne (Frankreich).

Ein einzigartiger Fall in Mayos Karriere ist die Inszenierung von „Der Widerspenstigen Zähmung“, die speziell für die Truppe des Bolschoi-Theaters Russlands kreiert wurde.

Alles, was im Monte Carlo Ballet Theatre passiert, scheint uns wichtig und nah zu sein – schließlich wird es von Jean-Christophe Maillot geleitet, einem Choreografen, in den wir uns auf den ersten Blick verliebten, nachdem wir 2012 sein Ballett Daphnis und Chloe gesehen hatten . Dann inszenierte er „Der Widerspenstigen Zähmung“. Bolschoi-Theater, und in dieser Saison zeigte er uns „Cinderella“ (in St. Petersburg) und „Beauty“ (in Moskau). Jean-Christophe ist eine interessante Persönlichkeit und ein charmanter Mensch. In einem Interview mit Olga Rusanova sprach er über sein Interesse an handlungslosen Balletten, Marius Petipa und darüber, wie es ist, Choreograf im kleinen Monaco zu sein.

Ist Abstraktion Leben?

Das Publikum kennt meine Geschichtenballette gut, und das ist wirklich ein wichtiger Teil meiner Arbeit. Aber auch das Gestalten von Bewegungen bereitet mir große Freude reiner Form die mit Musik zu tun haben. Ja, diese Kunst scheint abstrakt zu sein, aber ich glaube nicht, dass es etwas völlig Abstraktes gibt, da alles, was ein Mensch tut, eine Art Emotion, ein Gefühl in sich trägt. Außerdem liebe ich es, diesen ganz spezifischen Zusammenhang zwischen Bewegung und Musik zu erforschen. Und wenn ich mich nicht an eine Geschichte halten muss, kann ich beim Erkunden der Choreografie mutiger sein und sogar Risiken eingehen. Das ist eine Art Labor, das mich fasziniert. Und das ist auch ein wichtiger Teil meiner Arbeit, vielleicht weniger bekannt, aber er enthält, wenn man so will, die Essenz des Balletts, die Bewegung als solche.

Mein das letzte ballett„Abstraction/Life“ entstand zu völlig neuer Musik – Cellokonzert Französischer Komponist Bruno Mantovani mit dem Titel „Abstraktion“. Das ist eine sehr große Partitur – fast 50 Minuten, und ich bin begeistert von der Idee, mit dem Komponisten zusammenzuarbeiten.

Natürlich hat mir auch die Arbeit mit Schostakowitschs Musik gefallen – ich meine das Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“, als ich aus seinen Werken eine neue Partitur für ein Ballett zu schaffen schien, das es in der Realität nicht gab. Aber wenn ein Komponist speziell für mich komponiert, ist das eine ganz andere Sache. Darüber hinaus besteht der aktuelle Ballettabend aus zwei Teilen – im ersten Teil gibt es ein Ballett von George Balanchine zur Musik von Strawinskys Violinkonzert. Ich möchte Sie an Balanchines Satz erinnern: „Ich versuche, dem Tanz zuzuhören und die Musik zu sehen.“ In Anlehnung an Balanchine möchte ich Musik sichtbar machen. Oft zeitgenössische Musik an sich schwer zu verstehen. Und Tanz und Bewegung ermöglichen es, es „wiederzubeleben“, es für die Wahrnehmung natürlicher zu machen. Tia. In diesem Moment passiert wirklich etwas Wunder... Generell komponiere ich als Choreograf immer einen Tanz zusammen mit Musik, ich kann mir keinen einzigen Schritt, keine einzige Bewegung ohne Musik vorstellen, denn meiner Meinung nach ist Musik eine Kunst Auftrag von oben, immer an Emotionen gerichtet, auch wenn es komplex und unverständlich ist. Und es ist der Tanz, die Bewegung des Körpers, die diese Emotion vermitteln kann, als wollte sie sie erzählen, und das ist, wie Sie sehen, berührend.

Und weiter. Der Künstler muss Zeuge der Zeit sein, in der er lebt, und Auskunft darüber geben echte Welt. Darüber habe ich mit dem Autor des Konzerts, Bruno Mantovani, gesprochen. Wie Sie gehört haben, ist seine Musik manchmal zu komplex und harsch. Er sagte: „Im 20. Jahrhundert und noch mehr heute ist Grausamkeit allgegenwärtig. Die Welt wächst, es gibt immer mehr Menschen. Es gibt viele Ängste, Fragen, Verwirrung … Ich kann keine sanfte, sanfte Musik schreiben, ich muss die Realität widerspiegeln.“

Petipa, Diaghilew und Instagram

Petipa ist etwas Außergewöhnliches, Besonderes, Einzigartiges. Damals gab es keinen anderen Choreografen wie ihn. Ich denke, er war einer der ersten, der das Konzept des Tanzes als einer eigenständigen Sprache hatte, zu der nichts erfunden oder hinzugefügt werden muss. In seinem Fall reicht das Ballett allein aus, um eine Aufführung aufzubauen.

Warum reden wir noch heute über Petipa? – Weil es das Herzstück von allem ist, was Ballett ausmacht. Ohne das, was Petipa getan hätte, wäre niemand dort, wo er heute ist. Er ist der Ausgangspunkt, der Beginn des Wissens über Ballett, das wir heute haben. Und da er Jahre, Jahrhunderte und Generationen überdauert hat, bedeutet das, dass er etwas sehr Wichtiges war, und das ist offensichtlich.

Und auch heute noch denken wir bei der Gestaltung eines großen Handlungsballetts an Schwanensee, denn das ist die Grundlage des klassischen Balletts, auf die sich jeder Choreograf verlässt. Dies war die erste derartige Basis, auf der weiter aufgebaut werden konnte neues Konzept, ein neuer Stil Denken, neue Ideen. Damals gab es kein Video, kein Kino, wir hatten nur diese ganz spezifische Fähigkeit des Tanzes, dieses Wissen über die Zeit, über Generationen hinweg zu übertragen.

Nun, Petipas Phänomen ist auch als Beispiel für die Durchdringung der Kulturen interessant. Seine Ballette zeigen seit vielen Jahren, dass Tanz eine hervorragende Grundlage für die Kommunikation auf internationaler Ebene ist, weil er unser ist Gemeinsame Sprache. Als ich zum Bolschoi-Theater kam und mit den Solisten der Truppe arbeitete, musste ich an Petipa denken, daran, wie dieser Franzose aus Marseille nach Russland kam und, nachdem er die russische Kultur und russische Tänzer kennengelernt hatte, versuchte, beides zu verbinden Kulturen.

Dies ist besonders heute sehr wichtig, da die Unterschiede zwischen den Kulturen allmählich verschwinden. Wir verschmelzen immer mehr miteinander, vermischen uns. Es scheint, dass wir noch vor kurzem, wenn wir unsere Kollegen fünf bis sechs Jahre lang nicht gesehen haben, nicht wussten, was sie tun, aber jetzt – dank sozialer Netzwerke und Instagram – fließen die Informationen kontinuierlich. Alles scheint überall gleichzeitig zu passieren. Das ist sowohl gut als auch schlecht.

Ich denke: Was wäre mit Grigorowitsch passiert, wenn es damals Facebook und alles gegeben hätte, wenn er gewusst hätte, was Trisha Brown zur gleichen Zeit in New York machte? Würde in seinen Balletten alles gleich sein? Es ist unwahrscheinlich und wir könnten es wahrscheinlich nur bereuen.

Der Stil der russischen Tänzer war zunächst völlig anders als der der französischen und amerikanischen Tänzer, aber die Zeit vergeht und man versteht, dass das, was vor 20 Jahren anders war, heute zunehmend ausgelöscht, aufgelöst und näher zusammengebracht wird. Und das sehe ich in meiner Kompanie, wo Vertreter verschiedener Nationalitäten tanzen.

Universalität des Denkens, des Stils, der Ästhetik – ja, in mancher Hinsicht ist das großartig, aber nach und nach werden wir unsere Identität verlieren. Wir kopieren uns gegenseitig, ohne es zu wollen. Und vielleicht war Petipa einer der ersten, der diesen Prozess provozierte. Er war es, der, nachdem er Frankreich verlassen hatte, seine Kultur in ein anderes Land, nach Russland, brachte. Und vielleicht wurde sie deshalb so außergewöhnlich ...

Generell denke ich, dass die Aufgabe eines jeden Künstlers darin besteht, sich dem zuzuwenden, was vor einem gemacht wurde, das Erbe zu kennen und es mit Respekt und Neugier zu behandeln. Es ist sehr wichtig, die Geschichte zu kennen, aber gleichzeitig muss man dieses Wissen irgendwann „vergessen“, um weiterzumachen. Ich werde oft nach der Truppe „Russische Jahreszeiten“ von Sergei Diaghilew gefragt, die in Monte Carlo arbeitete – wo unser Theater tätig ist. Natürlich war es ein interessantes Phänomen, als die Kompanie Komponisten, Künstler und Choreografen zusammenbrachte und zwei oder drei Ballette pro Abend aufführte. Viele machen das heute, aber damals waren sie die Ersten. Für mich sind Diaghilews „Russische Jahreszeiten“ nicht weniger wichtig als die von Petipa.

Bejarovsky-Tänzer

Ich bin in einer Theaterfamilie aufgewachsen. Mein Vater war Bühnenbildner am Opern- und Balletttheater. Zu Hause, auf der Tour, versammelten sich Sänger, Tänzer, Regisseure, man könnte sagen, ich bin im Theater geboren und aufgewachsen. Ich habe dort stundenlang rumgehangen. Deshalb mag ich keine Oper – s frühe Jahre habe sie zu oft gesehen. Gleichzeitig würde ich nicht sagen, dass ich in der Welt des Tanzes aufgewachsen bin, sondern eher in einem künstlerischen Umfeld. Lange Zeit konnte ich mich wirklich nicht als Spezialistin im Bereich Tanz bezeichnen – bis ich 32 Jahre alt war.

Ich war Tänzerin – ich habe am Konservatorium in Tours und dann in Cannes studiert. Ich wusste nicht viel über Tanz, ich interessierte mich immer mehr für Fragen des Lebens als für Fragen der Geschichte der Choreografie. Ich erinnere mich, wie ich als Kind von Maurice Bejart beeindruckt war, insbesondere von seinem Stück „Nijinsky, Gottes Clown“. Und als sie auf dem Hof ​​waren (und ich bin nicht in der angesehensten Gegend meiner Heimatstadt Tours aufgewachsen), fragten die Jungs: „Was für ein Tänzer bist du?“ Klassik oder Bezharovsky?“, antwortete ich: „Bezharovsky.“ Sonst hätten sie mich wahrscheinlich nicht verstanden und vielleicht hätten sie mich geschlagen. Wir sind eher mit der Populärkultur aufgewachsen als mit Klassischer Tanz.

Dann begann ich etwas Wichtiges über Ballett zu lernen, vor allem durch die Tänzer: Ich spreche von Baryshnikov in „Giselle“, von Makarova in „Schwanensee“. Ich entdeckte Balanchine – und wir führten in unserer Kompanie neunzehn seiner Ballette auf.

Die Hauptsache sind die Tänzer

Ich habe Yuri Grigorovich 2012 wirklich entdeckt, nachdem ich sein Ballett „Iwan der Schreckliche“ gesehen hatte. Ich war erstaunt, fasziniert. Was mich am meisten beeindruckt hat, war nicht die Choreografie – die an sich schon sehr interessant ist –, sondern die Tänzer, ihr Engagement, ihr Glaube an das, was sie tun. Es hat mich berührt. Und mir wurde wieder klar, dass Tänzer das Wichtigste im Ballett sind. Ja, natürlich brauchen sie einen Choreografen, aber ein Choreograf ist nichts ohne Tänzer. Das dürfen wir nicht vergessen. Das ist meine Obsession, wenn Sie so wollen. Meine Aufgabe ist es, im Studio mit Menschen zusammen zu sein – besonderen Menschen: zerbrechlich, verletzlich und sehr ehrlich, auch wenn sie lügen. Ich interessiere mich immer für die Künstler, mit denen ich Musik teile, die Sprache des Tanzes, mit der sie ausdrücken können, was wir gemeinsam empfinden. Und wir hoffen immer, dass dieser Gefühlssturm von der Bühne auf das Publikum übertragen wird und uns alle vereint.

Glücklich in der Isolation

Ich fühle mich nicht allzu sehr mit der Welt des Balletts verbunden: Hier in Monaco bin ich gewissermaßen „isoliert“. Aber ich mag diesen Ort, weil er so aussieht wie ich. Dieses Land ist etwas Besonderes – sehr klein, nur zwei Quadratkilometer, aber jeder kennt es. Monaco ist ein sehr verführerischer Ort: Es gibt keine Streiks, keine sozialen und wirtschaftlichen Probleme, keine Konflikte, keine Armen, keine Arbeitslosen. Prinzessin Caroline von Monaco hat für mich eine wunderbare Gelegenheit geschaffen, 25 Jahre lang hier zu arbeiten. Ich gehöre nicht zu mächtigen Institutionen wie dem Königlichen Ballett, dem Bolschoi-Theater, Pariser Oper, Teil internationaler Unternehmen. Ich bin einsam, aber ich kann die ganze Welt hierher bringen.

Und ich bin glücklich, hier „isoliert“ zu sein. Und wenn mich morgen die Ballettwelt boykottiert, ist das in Ordnung, ich werde hier arbeiten. Weder der Prinz noch die Prinzessin sagen mir jemals: „Du musst dies oder das tun.“ Ich habe eine wunderbare Gelegenheit, ehrlich, unabhängig und frei zu sein. Ich kann machen, was ich will: Theaterstücke aufführen, Festivals veranstalten.

Es gibt kein anderes Theater in Monaco. Und ich bemühe mich, dem lokalen Publikum so viel wie möglich zu bieten und es nicht auf das Repertoire des Monte Carlo Ballet Theatre zu beschränken. Wenn sie all die Jahre nur unsere Ballette gesehen hätten, würde das bedeuten, dass ich die Öffentlichkeit darüber täusche, was in ihnen passiert Ballettwelt. Meine Aufgabe ist es, klassische und moderne Ensembles und andere Choreografen hierher zu bringen. Ich möchte, dass die Menschen, die hier leben, die gleichen Chancen haben wie die Pariser und Moskauer. Ich muss also alles auf einmal machen: Ballette inszenieren, aber auch Tourneen, Festivals und auch die Ballettakademie. Aber meine Aufgabe bestand darin, einen professionellen Regisseur zu finden, der seine Arbeit nicht für ihn erledigte, sondern ihn unterstützte.

Im Allgemeinen gilt: Je mehr talentierte Menschen um Sie herum sind, desto interessanter und einfacher ist es für Sie, Ihren Job zu erledigen. Mir gefällt schlaue Menschen in der Nähe – sie machen dich schlauer.

Ich hasse die Vorstellung, dass ein Regisseur ein Monster sein muss, dass er stark sein muss, damit die Leute Angst vor ihm haben. Es ist nicht schwer, Macht über Menschen auszuüben, die jeden Tag praktisch nackt vor einem stehen. Aber das sind sehr verletzliche, unsichere Menschen. Und Sie können Ihre Macht nicht missbrauchen. Und ich liebe Tänzer, ich habe sogar Mitleid mit den Schwachen, weil sie einen besonderen Job haben. Sie verlangen von einem Künstler, dass er mit zwanzig Jahren Reife zeigt, aber gewöhnliche Menschen es kommt erst mit vierzig, und es stellt sich heraus, dass der Körper „verschwindet“, wenn der Tänzer wirklich erwachsen wird.

Unser Unternehmen – ich sage nicht „Familie“, denn Künstler sind nicht meine Kinder – ist ein Unternehmen von Gleichgesinnten. Ich hatte noch nie eine Beziehung zu einer Truppe, die von Angst, Wut und Konflikten geprägt war. Das ist nicht meins.

Choreograf zu sein bedeutet, Menschen miteinander zu verbinden andere Schule, unterschiedliche Mentalitäten, so dass daraus eine Performance entsteht, und gleichzeitig weiß man im Entstehungsprozess nie genau, wer genau am Ende das wichtigste Bindeglied sein wird. Es ist immer eine Teamleistung.

Eine märchenhafte Handlung, absolute Suchfreiheit und Experimente mit den Klassikern. Das Monte-Carlo-Ballett, das zum Dance Inversion Festival kam, brachte eine seiner berühmtesten Aufführungen mit, La Belle. Der berühmte Choreograf Jean-Christophe Maillot hat die Handlung von Charles Perot zur Musik von Tschaikowsky neu überdacht und seine „Schönheit“ der Öffentlichkeit präsentiert, wobei er Folgendes betonte unabhängige Arbeit. Und den Kritiken nach zu urteilen, gelang es ihm, das Publikum zu überraschen. Kritiker sind sich einig: „Das ist ein Meisterwerk!“

Das Ballett hat noch nicht begonnen, aber im Saal herrscht bereits eine magische Atmosphäre. Wie ein Geschichtenerzähler versammelt Jean-Christophe Maillot seine internationale Truppe um sich und erzählt, wie man Magie in Bewegung erschafft.

Letzte Anweisungen vor der Premiere auf der Bolschoi-Bühne. Jean-Christophe Maillot interessiert sich nicht nur für die Feinheiten der Choreografie, sondern auch für die Charaktere. Alle seine Ballette sind echte dramatische Darbietungen.

Und dieser ist keine Ausnahme. „Dornröschen“ wie nie zuvor. Keine Kindergeschichte - psychologische Analyse Hauptquelle - altes Märchen Charles Perrault, wo der rettende Kuss kein Happy End, sondern nur der Anfang ist.

„Hier gibt es zwei Welten – den Prinzen und die Schönheit. Ihre Eltern liebten und beschützten sie zu sehr. Sie ist nicht bereit für die Realität. Aber die Mutter liebte den Prinzen im Gegenteil überhaupt nicht, und er ist auch dem Leben gegenüber verletzlich und wehrlos. Ein Übermaß an Liebe ist für einen Menschen genauso gefährlich wie ein Mangel daran“, sagt der Choreograf und Leiter des Monte-Carlo-Balletts Jean-Christophe Maillot.

Die lang erwartete Königstochter lebt in einer transparenten Kugel aus Illusionen, verschlossen von der Außenwelt. Und wenn die Schöne im Märchen einschläft, nachdem sie sich an einer Spindel gestochen hat, erleidet sie hier ein psychisches Trauma, verlässt ihren Kokon und sieht sich der grausamen Realität gegenüber.

Der zweieinhalbminütige Kuss ist keineswegs ballettartig, sondern ein dramatischer Kunstgriff: Eine Frau wird in einem Mädchen geboren. Der Choreograf lud Bolshoi Prima Olga Smirnova, eine in St. Petersburg ausgebildete klassische Ballerina, ein, diese hart erkämpfte Reise des Erwachsenwerdens zu spielen. Und wieder zeigte er, wie meisterhaft er es versteht, Tradition und Avantgarde zu verbinden; das Duett „Die Schöne und der Prinz“ wurde von Kritikern als Meisterwerk des Meisters bezeichnet.

„Er gibt mir so ein Gefühl für meinen Körper, um Plastizität zu finden; Das ist ein Gefühl der Wahrhaftigkeit auf der Bühne, wenn man nicht durch den Rahmen des klassischen Tanzes eingeengt wird“, sagt Olga Smirnova, Primaballerina des Bolschoi-Theaters Russlands.

Mayos Auftritte sind eine Mischung aus Stilen und Genres: „Der Nussknacker“ – in der Zirkusarena, „Schwanensee“ – ein Drama in den besten Traditionen des Film Noir und „Der Widerspenstigen Zähmung“ unserer Zeit. 80 Werke, und jedes einzelne handelt von uns heute. Deshalb trägt die aktuelle Produktion sogar einen anderen Namen: La Belle – „Die Schöne“. Nicht zu verwechseln klassisches Ballett. Von ihm blieb nur die Musik Tschaikowskys.

„Um die Spannung und Dramatik der Aufführung zu erhöhen und die dunkleren, tieferen Seiten dieses Märchens zu zeigen, habe ich Fragmente von Tschaikowskys Musik aus der Ouvertüre zu Romeo und Julia verwendet“, sagt Jean-Christophe Maillot.

Dieses nicht-klassische „Dornröschen“ wird vom Monte Carlo Ballet im Rahmen des Dance Inversion Festivals präsentiert, das alle Errungenschaften moderner Choreografie zeigt. Synthese von Ballettformen, Musik und Drama.

„Vor 25 Jahren stritten sich diese beiden Bereiche des klassischen Tanzes und des zeitgenössischen Tanzes viel, sie waren sehr aktiv und diskutierten manchmal aggressiv, aber heute nähern sich diese beiden Bereiche an“, erklärt künstlerischer Leiter Tanzinversionsfestival Irina Chernomura.

Ballettfans sehen Schwanensee aus Irland mit Volksmusik statt Tschaikowsky. Der unerwartete „Nussknacker“ aus der Schweiz. Die ganze Schönheit von „The Body of the Ballet“ – so heißt die Produktion der Marseiller Truppe. Choreografen aus acht Ländern zeigen in den nächsten zwei Monaten, wie vielfältig und kraftvoll die Sprache des Tanzes sein kann.

Diese Truppe hat historische, alte Verbindungen zu Russland. Es war einmal, als Sergej Diaghilew die Basis seines Starunternehmens im Fürstentum Monaco errichtete. Nach dem Tod des Impresarios zerfiel die Truppe entweder in Stücke, dann vereinte sie sich wieder, aber am Ende erschien das „Russische Ballett von Monte Carlo“, wo Leonid Massine arbeitete, der Diaghilews Raritäten bewahrte und seine berühmten Aufführungen schuf. Dann eroberten Spielbanken und Autorennen die Oberhand und das Ballett geriet in Vergessenheit, obwohl die Truppe offiziell bis in die frühen 60er Jahre existierte. 1985 nahm er die „Kinder von Terpsichore“ unter seine Schirmherrschaft herrschendes Haus Monaco. Das Wort „Russisch“ wurde aus dem Namen entfernt, Personal hinzugefügt und es stellte sich heraus offizielle Truppe Fürstentum Monaco „Ballett von Monte Carlo“. Anfang der 90er Jahre wurde sie von Prinzessin Caroline von Hannover als Art Director eingeladen. Jean-Christophe Maillot, der bereits Erfahrung als Solist hatte Hamburger Ballett und Direktor des Theaters in Tours. Heute gibt es hier eine der reichsten Truppen Europas. Seit zwei Jahrzehnten führt Mayo, der Schöpfer seines eigenen Theaters und Freund von Prinzessin Caroline, Aufführungen nur mit gleichgesinnten Künstlern auf, und sie verstehen ihn perfekt. Das internationale Debüt des Choreografen findet im Bolschoi-Theater statt und wir haben Jean-Christophe Maillot selbst zu seiner Vorbereitung befragt.

Kultur: Wie hat es das Bolschoi-Theater geschafft, Sie, den Stubenhocker, davon zu überzeugen, die Produktion aufzuführen?
Mayo: Ich bin kein großer Stubenhocker, wir touren viel. Aber ich komponiere Ballette nur in meinem Heimattheater, da haben Sie Recht. Und beim Bolschoi überzeugte Sergej Filin geduldig. Er hat mit mir gesprochen, so wie ich mit Choreografen spreche, wenn ich möchte, dass sie in Monaco auftreten. Er bot an, nach Moskau zu kommen und die Truppe zu treffen. Künstler des Bolschoi-Theaters zeigten Fragmente von „ Schwanensee„: Ich habe sie gesehen, sie haben gesehen, wie ich gearbeitet habe. Irgendwann dachte ich, dass es vielleicht wirklich an der Zeit wäre, ein Risiko einzugehen und zu versuchen, etwas außerhalb von Monaco zu inszenieren. Sie bieten das Bolschoi-Theater an – fantastisch! Außerdem fühle ich mich in Russland wohl, und mir wird nichts auferlegt – wetten Sie, was Sie wollen.

Kultur: Warum wollten Sie „Der Widerspenstigen Zähmung“?
Mayo: Für mich ist Ballett eine erotische Kunst und „The Taming...“ ist Shakespeares sexiestes Stück, geschrieben mit Ironie, Humor und einer gesunden Portion Zynismus. Das Gespräch über die Beziehung zwischen Mann und Frau liegt mir am Herzen.

Kultur: Sie haben das mehrmals wiederholt, Frauen stärker als Männer. Denkst du das wirklich?
Mayo: Ja, obwohl die Damen uns immer noch brauchen.

Kultur: In dieser Shakespeare-Handlung betonen Regisseure häufig das Thema der Frauenemanzipation.
Mayo: Die Stellung der Frau hat sich glücklicherweise stark verändert. Dennoch gibt es Machismo und die Vorherrschaft der Männer in der Gesellschaft. Ich wollte zeigen, dass Männer ohne Frauen sowieso nicht leben können. Sie jagen die Damen, nicht umgekehrt. Welche Beziehung besteht zwischen Petruchio und Katarina? Dabei handelt es sich um eine Beziehung zwischen zwei Menschen, die nicht in der Lage sind, die Leidenschaft und das Verlangen, die sie umhüllen, zu kontrollieren. Sie lernten Liebe, die einen umhaut und jeder Vernunft trotzt. In „Der Widerspenstige“ geht es nicht um die Frage, wie eine Frau gehorsam wird, sondern darum, wie ein Mann letztendlich bereit ist, alles von einer Frau zu akzeptieren, wenn er verliebt ist. Dann kann sie wirklich alles – ein Mann wird unter dem Einfluss weiblicher Reize schwach.

Kultur: Bei der Probe haben Sie Ihren Freund zitiert, der sich beklagte: „Wir träumen immer davon, unsere Geliebte zu heiraten, aber es stellt sich heraus, dass wir unsere eigene Frau geheiratet haben.“ Wird Petruchio und Katarina dasselbe passieren?
Mayo: Ich denke, sie werden nicht in Familienkaugummis enthalten sein. In dem Stück gibt es mehrere Liebespaare. Auch Bianca und Lucentio lieben sich, sie tanzen wunderschön, wir sehen ihre gegenseitige Zärtlichkeit. Im Finale gibt es eine kleine Teeparty-Szene: Lucentio gibt Bianca eine Tasse, die sie ihm ins Gesicht wirft, weil sie den Tee für schlecht hält. Hier verstehen wir, dass Lucentio bereits bei seiner Frau ist und nicht bei seiner Geliebten. Und Petruchio und Katarina verlassen die Bühne und heben gleichzeitig die Hände, um sich gegenseitig einen spielerischen Tritt zu geben. Und es scheint mir, dass sie ihr ganzes Leben in so wunderbaren Beziehungen verbringen werden.

Kultur: Ihre Ballette enthalten oft autobiografische Motive. Sind sie in „Die Zähmung von...“ enthalten?
Mayo: Dies ist ein kleiner Teil meiner Geschichte – ich bin in die Spitzmaus verliebt und lebe seit zehn Jahren mit ihr zusammen. Sie hat mich gezähmt. Wir streiten nie oder streiten uns gar nicht, sondern provozieren uns ständig gegenseitig. Es ist ein Katz-und-Maus-Spiel, bei dem keine Langeweile aufkommt. Im Leben eines Mannes und einer Frau ist Langeweile das Schlimmste. Man kann sich gegenseitig ärgern, sich schlecht benehmen, in Euphorie geraten, arrogant werden, streiten, aber langweilen Sie sich nicht.

Kultur: Bernice Coppieters, Ihre Lieblingsballerina, Ehefrau und Muse, arbeitet heute mit Ihnen im Bolschoi...
Mayo: Ich brauche einen Assistenten, der meine Arbeitsweise kennt. Meine Künstler verstehen sofort, was zu tun ist. Es gab einen solchen Fall. Ein Solist, mit dem ich zum ersten Mal geprobt habe, hat furchtbar getanzt. Ich fragte: „Kannst du dein Bein nicht höher heben?“ Er antwortete: „Natürlich kann ich das, aber ich wiederhole, was Sie gezeigt haben.“ Meine Beine gehen nicht mehr so ​​hoch wie noch vor ein paar Jahrzehnten. Können Sie sich vorstellen, wie die Aufführung im Bolschoi-Theater gewesen wäre, wenn die Schauspieler mich nachgeahmt hätten? Bei den Proben improvisiere ich mit den Darstellern, und wenn die Moskauer Tänzer sehen, wie ich mit Bernice Bewegungen komponiere und wie sie die Nuancen vermittelt (das ist das Schwierigste), wird ihnen alles klar. Das heißt, ich habe Bernice dazu befähigt, zu zeigen, was ich will und was ich bisher nicht für sie tun konnte. Als ich anfing, mit Bernice zu arbeiten, war sie 23 Jahre alt, und ich wollte bei „Der Widerspenstigen Zähmung“ Regie führen, aber es hat nicht geklappt.

Kultur: Warum haben Sie sich für die Musik von Dmitri Schostakowitsch entschieden?
Mayo: Oh, jetzt sage ich etwas Originelles: Schostakowitsch – großer Komponist. Seine Musik ist ein Universum: reich und farbenfroh. Es enthält nicht nur Drama und Leidenschaft, sondern auch Groteske, Satire und einen ironischen Blick auf die Umwelt. Ich bin ausgebildeter Musiker und für mich zieht ausschließlich Musik alle Gefühle und Emotionen an. Musik ist Macht, sie diktiert den Staat. Ich nenne dieses Beispiel oft – einfach, aber klar und verständlich. Wenn Ihr geliebter Mensch Sie verlässt und Sie in einem leeren Haus Adagietto aus Mahlers „Fünfter“ hören, besteht die Gefahr, Selbstmord zu begehen. Aber wenn Sie eine Elvis-Presley-CD auflegen, werden Sie höchstwahrscheinlich schnell eine andere Frau erobern wollen. In jedem Fall wird der Wunsch bestehen, etwas Neues für sich selbst zu entdecken.

Im Bolschoi-Theater sind sie es gewohnt, die ersten Proben am Klavier durchzuführen. Ich verlangte, dass sie die Platten sofort abspielen – einen Orchestertonträger. Künstler müssen das gesamte Orchester, den vollen Klang der Musik hören. Dann werden Emotionen geboren.

Schostakowitsch wurde auch deshalb ausgewählt, weil ich nach Russland gekommen bin und einen Schritt in Richtung Ihres Landes machen muss. Die Russen fühlen Musikwelt Schostakowitsch, der mir auch nahe steht. Ich habe Fragmente davon genommen verschiedene Werke, aber ich möchte, dass der Betrachter dies vergisst und die Musik als eine einzige Partitur wahrnimmt. Raten Sie nicht: Das ist aus Hamlet, King Lear, der Neunten Symphonie. Ich baute die Dramaturgie auf und sorgte dafür, dass die Musik als Ganzes klang, als hätte der Komponist sie selbst für unseren Auftritt geschrieben.

Kultur: Ihr Sohn wurde Kostümbildner. Nach welchen Outfits hast du gesucht?
Mayo: Ich möchte, dass die Leute nicht über den Tanz nachdenken, sondern über ihr Leben nach der Aufführung. Daher sollten die Anzüge denen ähneln, die Sie heute tragen und zum Ausgehen tragen können. Aber gleichzeitig sollten sie sich theatralisch und leicht anfühlen und dem Körper Freiheit geben. Tanz kann nicht alles sagen, sondern nur das, was der Körper vermitteln kann. Wie Balanchine sagte: Ich kann zeigen, dass diese Frau diesen Mann liebt, aber ich kann nicht erklären, dass sie seine Schwiegermutter ist.

Kultur: Gesellschaft „Freunde“ Bolschoi-Ballett„Wir haben ein Treffen mit Ihnen im Bakhrushin-Museum organisiert. Der Satz Ihres Assistenten: „Bevor Sie die Zähmung ... im Bolschoi durchführen, müssen Sie das Bolschoi selbst zähmen“, begrüßte das Publikum mit Applaus. Meiner Meinung nach war es nicht möglich, die Koordination der Besetzung zu bändigen?
Mayo: Ich wurde sofort gebeten, die zweite und sogar dritte Komposition festzulegen. Ich habe mich lange dagegen gewehrt. Ich mache nie zwei Kompositionen. Für mich ist Choreografie ein Künstler, keine Abfolge von Bewegungen. Katarina ist Katya Krysanova und keine Rolle, die von einer anderen Künstlerin wiederholt werden kann. Ich werde verstehen, dass ich ein Ergebnis erzielt habe, wenn ich ein Ballett mache, das ich nicht einmal in meiner eigenen Truppe für mein Publikum reproduzieren kann.

Kultur: Wer ist er, Ihr Betrachter?
Mayo: Ich liebe es, Aufführungen für einen Mann zu kreieren, der ins Theater kam, weil er seine Frau begleiten musste, sie aber nur kam, weil ihre Tochter Ballett studiert. Und wenn sich die Ehepartner für Ballett interessieren, dann habe ich Ergebnisse erzielt. Was ich mache, macht mir Spaß und ist spielerisch.

Kultur: Die zweite Besetzung ist endlich erschienen...
Mayo: Es war gegen den Strich. Sie müssen die Besonderheiten des Ortes berücksichtigen, an dem Sie sich befinden – der Große braucht mehrere Darstellerpaare. Wenn mich Freunde zu einem Fischessen einladen und ich keine Lust darauf habe, probiere ich es trotzdem. Ich hoffe, dass die zweite Besetzung auch interessant sein wird, aber für mich und für den Rest meines Lebens sind „Der Widerspenstigen Zähmung“ am Bolschoi Katya Krysanova, Vladislav Lantratov, Olya Smirnova und Semyon Chudin. Wir haben dieses Ballett mit ihnen gebaut. Wir haben eine 11-wöchige gemeinsame Reise angetreten und sie neigt sich dem Ende zu. Die fertige Aufführung geht weg, sie gehört mir nicht mehr.

Kultur: Warum können die konstruierten Rollen nicht von anderen getanzt werden?
Mayo: Die wundervolle Katya Krysanova (es ist sogar seltsam, dass ich Katarina zunächst nicht in ihr gesehen habe, sie hat mich überzeugt) küsst in einer der Szenen Lantratov-Petruchio und kommt so heraus, dass ich weinen möchte – sie ist so zerbrechlich und wehrlos. Und zwei Sekunden später beginnt sie zu kämpfen. Und in diesem Übergang ist sie real und natürlich, weil wir von ihr, Katya Krysanova, Reaktionen und Einschätzungen ausgehen. Eine andere Ballerina hat einen anderen Charakter, eine andere Veranlagung und eine andere organische Natur. Und sie muss alles anders bauen. Tanz besteht nicht aus einer Reihe von Schritten; für mich sind der Blick und die Berührung der kleinen Finger ein wichtiger Teil der Choreografie.

Kultur: Haben Sie die Bolschoi-Künstler mit etwas überrascht?
Mayo: Ich bin erstaunt über die Qualität ihrer Tänze, ihren Enthusiasmus, ihre Neugier und ihren Arbeitswillen. Sie tanzen so viele – und unterschiedliche – Ballette! In Monaco weigere ich mich, mehr als 80 Vorstellungen pro Jahr zu geben, aber es gibt dreimal so viele. Ich kann mir nicht vorstellen, wie sie das machen.