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Das Erbe der venezianischen Malschule stellt eine der hellsten Seiten in der Geschichte der italienischen Renaissance dar. „Die Perle der Adria“, eine malerische Stadt mit Kanälen und Marmorpalästen, die sich auf 119 Inseln im Golf von Venedig erstreckt, war die Hauptstadt einer mächtigen Handelsrepublik, die den gesamten Handel zwischen Europa und Europa in ihren Händen hielt Die Länder des Ostens. Dies wurde zur Grundlage für den Wohlstand und den politischen Einfluss Venedigs, das einen Teil Norditaliens, die Adriaküste der Balkanhalbinsel und überseeische Gebiete zu seinen Besitztümern zählte. Sie war eines der führenden Zentren Italienische Kultur, Buchdruck, humanistische Bildung.

Sie schenkte der Welt auch so wunderbare Meister wie Giovanni Bellini und Carpaccio, Giorgione und Tizian, Veronese und Tintoretto. Ihre Kreativität wurde bereichert Europäische Kunst so bedeutende künstlerische Entdeckungen, dass sich spätere Künstler von Rubens und Velazquez bis Surikov ständig der venezianischen Malerei der Renaissance zuwandten.

Die Venezianer erlebten das Gefühl der Lebensfreude in ungewöhnlich intensiver Weise und entdeckten die Welt um sie herum in ihrer ganzen Lebensfülle und unerschöpflichen Farbenreichtum. Sie zeichneten sich durch eine besondere Vorliebe für alles konkret Einzigartige, einen emotionalen Wahrnehmungsreichtum und eine Bewunderung für die physische, materielle Vielfalt der Welt aus.

Künstler wurden von der fantasievoll-malerischen Erscheinung Venedigs, der Festlichkeit und Farbenpracht seines Lebens und dem charakteristischen Erscheinungsbild der Stadtbewohner angezogen. Sogar die Gemälde auf religiöse Themen Sie wurden oft als historische Kompositionen oder monumentale Genreszenen interpretiert. Die Malerei in Venedig war häufiger als in anderen italienischen Schulen weltlicher Natur. Die riesigen Säle der prächtigen Residenz der venezianischen Herrscher, des Dogenpalastes, waren mit Porträts und großen historischen Kompositionen geschmückt. Monumentale Erzählzyklen wurden auch für die venezianischen Scuola geschrieben, religiöse und philanthropische Bruderschaften, die Laien vereinten. Schließlich war das private Sammeln besonders in Venedig weit verbreitet, und die Besitzer der Sammlungen – reiche und gebildete Patrizier – gaben häufig Gemälde in Auftrag, die sich auf Themen aus der Antike oder auf Werke italienischer Dichter basierten. Es überrascht nicht, dass Venedig mit der höchsten Blütezeit rein säkularer Genres wie Porträts, historischer und mythologischer Gemälde, Landschaften und ländlicher Szenen in Italien in Verbindung gebracht wird.

Die wichtigste Entdeckung der Venezianer waren die von ihnen entwickelten koloristischen und bildnerischen Prinzipien. Unter anderen italienischen Künstlern gab es viele hervorragende Koloristen, die ein Gespür für die Schönheit der Farben und die harmonische Harmonie der Farben besaßen. Die Grundlage der Bildsprache blieben jedoch Zeichnung und Hell-Dunkel, die die Form klar und vollständig modellierten. Farbe wurde vielmehr als äußere Hülle einer Form verstanden; nicht umsonst verschmolzen Künstler diese durch farbige Striche zu einer vollkommen ebenen, emaillierten Oberfläche. Dieser Stil wurde auch von niederländischen Künstlern geliebt, die als erste die Technik der Ölmalerei beherrschten.

Die Venezianer schätzten mehr als die Meister anderer italienischer Schulen die Möglichkeiten dieser Technik und veränderten sie völlig. Die Haltung niederländischer Künstler gegenüber der Welt war beispielsweise von einem ehrfürchtigen und kontemplativen Prinzip geprägt, einem Hauch religiöser Frömmigkeit, sie suchten in jedem, ganz gewöhnlichen Gegenstand, nach einem Spiegelbild höchster Schönheit. Licht wurde zu ihrem Mittel, diese innere Erleuchtung zu übertragen. Die Venezianer, die die Welt offen und positiv, fast mit heidnischer Fröhlichkeit wahrnahmen, sahen in der Technik der Ölmalerei eine Möglichkeit, allem Dargestellten lebendige Körperlichkeit zu verleihen. Sie entdeckten den Reichtum der Farbe, ihre Tonübergänge, die in der Technik der Ölmalerei und in der Ausdruckskraft der Schrifttextur selbst erreicht werden können.

Die Farbe wurde zur Grundlage der Bildsprache der Venezianer. Sie erarbeiten Formen nicht so sehr grafisch, sondern modellieren sie mit Strichen, mal schwerelos transparent, mal dicht und schmelzend, durchdringend mit innerer Bewegung. menschliche Figuren, die Biegungen der Stofffalten, die Spiegelungen des Sonnenuntergangs auf den dunklen Abendwolken.

Die Merkmale der venezianischen Malerei entwickelten sich über einen langen Entwicklungsweg von fast eineinhalb Jahrhunderten. Der Begründer der Renaissance-Malschule in Venedig war Jacopo Bellini, der erste Venezianer, der sich den Errungenschaften der damals fortschrittlichsten Florentiner Schule zuwandte, dem Studium der Antike und den Prinzipien der linearen Perspektive. Der Hauptteil seines Nachlasses besteht aus zwei Zeichnungsalben mit der Entwicklung von Kompositionen komplexer mehrfiguriger Szenen zu religiösen Themen. In diesen Zeichnungen, die für das Atelier des Künstlers bestimmt waren, Charaktereigenschaften Venezianische Schule. Sie sind vom Geist der Klatschkolumnen durchdrungen und interessieren sich nicht nur für legendäres Ereignis, sondern auch auf die reale Lebensumgebung.

Der Nachfolger von Jacopos Werk wurde sein ältester Sohn Gentile Bellini, der größte Meister der Historienmalerei in Venedig im 15. Jahrhundert. Auf seinen monumentalen Leinwänden erscheint uns Venedig in der ganzen Pracht seiner bizarr-malerischen Erscheinung, in Momenten von Festen und Zeremonien, mit überfüllten, prächtigen Prozessionen und einer bunten Zuschauermenge, die sich auf den schmalen Uferböschungen der Kanäle und buckligen Brücken drängt.

Die historischen Kompositionen von Gentile Bellini hatten zweifellos einen Einfluss auf die Werke seines jüngeren Bruders Vittore Carpaccio, der mehrere Zyklen monumentaler Gemälde für die venezianischen Bruderschaften der Scuol schuf. Die bemerkenswertesten davon sind „Die Geschichte von St. Ursula“ und „Szene aus dem Leben der Heiligen Hieronymus, Georg und Typhon“. Wie Jacopo und Gentile Bellini liebte er es, die Handlung einer religiösen Legende auf die Umgebung des zeitgenössischen Lebens zu übertragen und dem Publikum eine detaillierte Erzählung voller Lebensdetails zu entfalten. Aber er sah alles mit anderen Augen, den Augen eines Dichters, der den Charme so einfacher Lebensmotive offenbart wie eines Schreibers, der fleißig Diktate aufnimmt, eines friedlich dösenden Hundes, eines Baumstammdecks an einem Pier, eines elastisch aufgeblasenen Segels, das über das Wasser gleitet. Alles, was passiert, scheint von Carpaccios innerer Musik, der Melodie der Linien, dem Gleiten bunter Flecken, Licht und Schatten erfüllt zu sein und ist von aufrichtigen und berührenden menschlichen Gefühlen inspiriert.

Die poetische Stimmung lässt Carpaccio dem größten venezianischen Maler des 15. Jahrhunderts ähneln, Giovanni Bellini, dem jüngsten Sohn von Jacopo. Seine künstlerischen Interessen lagen jedoch in einem etwas anderen Bereich. Der Meister interessierte sich nicht für detaillierte Erzählungen oder Genremotive, obwohl er Gelegenheit hatte, viel im Genre der historischen Malerei zu arbeiten, das bei den Venezianern beliebt war. Diese Gemälde sind uns, mit Ausnahme eines Gemäldes, das er zusammen mit seinem Bruder Gentile malte, nicht überliefert. Aber der ganze Charme und die poetische Tiefe seines Talents offenbarten sich in Kompositionen anderer Art. Es gibt keine Aktion, kein sich entfaltendes Ereignis. Hierbei handelt es sich um monumentale Altäre, die die thronende Madonna umgeben von Heiligen darstellen (die sogenannten „Heiligen Gespräche“), oder um kleine Gemälde, auf denen vor dem Hintergrund einer ruhigen, klaren Natur eine Madonna mit Kind oder andere Figuren religiöser Legenden auftreten wir, in Gedanken versunken. In diesen lakonischen, einfachen Kompositionen steckt eine fröhliche Lebensfülle, lyrische Konzentration. Feine Sprache Der Künstler zeichnet sich durch majestätische Allgemeingültigkeit und harmonische Ordnung aus. Giovanni Bellini ist den Meistern seiner Generation weit voraus und etabliert neue Prinzipien der künstlerischen Synthese in der venezianischen Kunst.

Bis ins hohe Alter leitete er viele Jahre lang das künstlerische Leben Venedigs und bekleidete die Position des offiziellen Malers. Aus Bellinis Werkstatt kamen die großen Venezianer Giorgione und Tizian, mit deren Namen die glänzendste Ära in der Geschichte der venezianischen Schule verbunden ist.

Giorgione da Castelfranco lebte ein kurzes Leben. Er starb im Alter von 33 Jahren während einer der damals häufigen Pestepidemie. Sein Vermächtnis ist von geringem Umfang: Einige von Giorgiones Gemälden, die unvollendet blieben, wurden von seinem jüngeren Kameraden und Werkstattassistenten Tizian fertiggestellt. Giorgiones wenige Gemälde sollten jedoch für seine Zeitgenossen zu einer Offenbarung werden. Dies ist der erste Künstler in Italien, für den weltliche Themen den religiösen entscheidend vorzogen und die gesamte Struktur seines Schaffens bestimmten.

Er schuf ein neues, zutiefst poetisches Bild der Welt, das für die damalige italienische Kunst mit ihrem Hang zur Erhabenheit, Monumentalität und heroischen Intonation ungewöhnlich war. In Giorgiones Gemälden sehen wir eine Welt, die idyllisch schön und einfach ist, voller nachdenklicher Stille.

Giovanni Bellini. „Porträt des Dogen Leonardo Loredan.“
Öl. Um 1501.

Giorgiones Kunst wurde zu einer echten Revolution in der venezianischen Malerei und hatte großen Einfluss auf seine Zeitgenossen, darunter auch auf Tizian, mit dessen Werk die Leser der Zeitschrift bereits Gelegenheit hatten, sich kennenzulernen. Erinnern wir uns daran, dass Tizian eine zentrale Figur in der Geschichte der venezianischen Schule ist. Er stammte aus der Werkstatt von Giovanni Bellini und arbeitete in seiner Jugend mit Giorgione zusammen. Er erbte die besten Traditionen der älteren Meister. Aber es handelt sich hier um einen Künstler von ganz anderem Ausmaß und kreativem Temperament, der durch die Vielseitigkeit und den umfassenden Umfang seines Genies beeindruckt. Was die Größe der Weltanschauung und die heroische Aktivität von Tizians Bildern angeht, kann man sie nur mit Michelangelo vergleichen.

Tizian offenbarte wahrlich unerschöpfliche Möglichkeiten der Farbe und des Lacks. In seiner Jugend liebte er satte, emaillierte Farben und entlockte ihren Gegenüberstellungen kraftvolle Akkorde, und im Alter entwickelte er die berühmte „späte Manier“, die so neu war, dass sie von den meisten seiner Zeitgenossen nicht verstanden wurde. Die Oberfläche seiner späteren Gemälde zeigt aus der Nähe ein fantastisches Chaos aus zufällig aufgetragenen Pinselstrichen. Aber in einiger Entfernung verschmelzen die über die Oberfläche verstreuten Farbflecken und vor unseren Augen voller Leben menschliche Figuren, Gebäude, Landschaften eine Welt, die sich in ewiger Entwicklung zu befinden scheint, voller Dramatik.

Mit der letzten, letzten Periode Venezianische Renaissance Die Werke von Veronese und Tintoretto sind miteinander verbunden.

Paolo Veronese war einer dieser fröhlichen, sonnigen Naturen, denen sich das Leben in seiner freudigsten und festlichsten Seite offenbart. Obwohl er nicht die Tiefe von Giorgione und Tizian besaß, war er doch gleichzeitig mit einem gesteigerten Sinn für Schönheit, feinstem dekorativem Gespür und einer echten Liebe zum Leben ausgestattet. Auf riesigen Leinwänden, leuchtend in kostbaren Farben, gestaltet in einem exquisiten Silberton, vor dem Hintergrund prächtiger Architektur, sehen wir eine bunte Menschenmenge, die mit lebenswichtiger Helligkeit auffällt – Patrizier und edle Damen in prächtiger Kleidung, Soldaten und Bürger, Musiker, Diener, Zwerge.

In dieser Menge gehen die Helden religiöser Legenden manchmal fast verloren. Veronese musste sogar vor die Inquisition, die ihm vorwarf, es gewagt zu haben, in einer seiner Kompositionen viele Charaktere darzustellen, die nichts mit religiösen Themen zu tun hatten.

Der Künstler liebt besonders das Thema Feste („Hochzeit zu Kana“, „Fest im Hause Levi“), bei dem bescheidene Gospelmahlzeiten in prächtige Festspektakel verwandelt werden. Die Lebendigkeit von Veroneses Bildern ist so groß, dass Surikov eines seiner Gemälde als „aus dem Rahmen gedrängte Natur“ bezeichnete. Aber das ist Natur, gereinigt von jedem Hauch des Alltags, ausgestattet mit Renaissance-Bedeutung, veredelt durch die Pracht der Künstlerpalette und die dekorative Schönheit des Rhythmus. Im Gegensatz zu Tizian arbeitete Veronese viel auf dem Gebiet der monumentalen und dekorativen Malerei und war ein herausragender venezianischer Dekorateur der Renaissance.

Der letzte große Meister Venedigs des 16. Jahrhunderts, Jacopo Tintoretto, scheint ein komplexer und rebellischer Mensch zu sein, ein Sucher nach neuen Wegen in der Kunst, der die dramatischen Konflikte der modernen Realität scharf und schmerzlich spürte.

Tintoretto führt in ihre Interpretation ein persönliches und oft subjektiv willkürliches Prinzip ein, indem sie menschliche Figuren bestimmten unbekannten Kräften unterwirft, die sie zerstreuen und verwirbeln. Indem er die perspektivische Reduktion beschleunigt, erzeugt er die Illusion einer schnellen Raumbewegung, wählt ungewöhnliche Blickwinkel und verändert fantasievoll die Umrisse von Figuren. Einfache, alltägliche Szenen werden durch das Eindringen von surrealem, fantastischem Licht verwandelt. Gleichzeitig behält die Welt ihre Größe, voller Echos des Großen menschliche Dramen, Zusammenstöße von Leidenschaften und Charakteren.

Tintorettos größte schöpferische Leistung war die Schaffung eines umfangreichen Gemäldezyklus in der Scuola di San Rocco, bestehend aus mehr als zwanzig großen Wandtafeln und vielen Deckenkompositionen, an dem der Künstler fast ein Vierteljahrhundert lang, von 1564 bis 1587, arbeitete. Durch den unerschöpflichen Reichtum künstlerischer Vorstellungskraft, durch die Weite der Welt, die eine Tragödie von universellem Ausmaß („Golgatha“), ein Wunder, das eine arme Hirtenhütte verwandelt („Die Geburt Christi“), und die geheimnisvolle Größe enthält Natur („Maria Magdalena in der Wüste“) und große Taten des menschlichen Geistes („Christus vor Pilatus“) sucht dieser Zyklus in der Kunst Italiens seinesgleichen. Wie eine majestätische und tragische Symphonie vervollständigt sie zusammen mit anderen Werken Tintorettos die Geschichte der venezianischen Malerschule der Renaissance.

Spätrenaissance

Anders als die Kunst Mittelitaliens, wo sich die Malerei in enger Verbindung mit Architektur und Bildhauerei entwickelte, im Venedig des 14. Jahrhunderts. Malerei dominiert. In den Werken von Giorgione und Tizian kam es zu einem Übergang zur Staffeleimalerei mit aktivem Einsatz von Ölfarben. Einer der Gründe für den Übergang war das Klima Venedigs, in dem das Fresko schlecht erhalten ist. Ein weiterer Grund besteht darin, dass die Staffeleimalerei im Zusammenhang mit der Zunahme weltlicher Themen und der Erweiterung des Spektrums der im Fokus der Maler stehenden Objekte erscheint. Mit der Etablierung der Staffeleimalerei nahm auch die Gattungsvielfalt zu. So schuf Tizian Gemälde zu mythologischen Themen, Porträts und Kompositionen zu biblischen Themen. Im Werk der Vertreter der Spätrenaissance – Veronese und Tintoretto – kam es zu einem neuen Aufschwung der Monumentalmalerei.

Giorgio da Castelfranco nach Spitzname Giorgione(1477-1510) lebte ein kurzes Leben. Sein Spitzname leitet sich vom Wort „zorzo“ ab, das im venezianischen Dialekt „eine Person von niedrigster Geburt“ bedeutet. Giorgione gehörte gut zu den kulturellen Schichten Venedigs. Die Themen seiner Gemälde wie „Das Gewitter“, „Drei Philosophen“ schwer zu interpretieren. Einige seiner besten Werke sind „Schlafende Venus“ und „Judith“, in dem der Künstler die Harmonie zwischen Mensch und Natur erreichte. Tizian studierte im Atelier des Künstlers und lernte viel von seinem Lehrer. 1510 starb Giorgione an der Pest.

Tizian Vecellio(1476-1576) studierte bei Giovanni Bellini und trat 1507 in die Werkstatt von Giorgione ein, der zunächst Tizian mit der Vollendung seiner Werke betraute. Nach Giorgiones Tod eröffnete Tizian, nachdem er einige seiner Werke fertiggestellt und mehrere seiner Aufträge angenommen hatte, seine eigene Werkstatt.

Zu dieser Zeit in einer Reihe von Porträts, darunter „Salome“, „Dame auf der Toilette“ und "Flora" er verkörpert seine Vorstellung von Schönheit.

Im Jahr 1516 schafft der Künstler „Himmelfahrt Unserer Lieben Frau“ (Assunta) für die Kirche Santa Maria Gloriosa in Venedig - das Gemälde zeigt, wie eine Gruppe lebhaft gestikulierender Apostel die Mutter Gottes umgeben von Engeln in den Himmel aufsteigen sieht.

1525 heiratete Tizian seine Geliebte Cecilia, mit der er zwei Söhne hatte. Zu dieser Zeit liebt der Künstler gesunde, sinnliche Bilder und verwendet klangvolle, tiefe Farben. Nach Bellinis Tod ging die Position des Künstlers der Venezianischen Schule der Republik auf Tizian über. Tizian setzt die von Giorgione eingeleitete Reform der Malerei fort: Er bevorzugt große Leinwände, die einen breiten und freien Farbauftrag ermöglichen. Auf die erste Schicht trug er unmittelbar nach dem Trocknen mehr oder weniger dichte, aber fließende Striche auf, gemischt mit transparenten und glänzenden Lacken ( Verglasung) und vervollständigt das Bild, indem er die hellsten Töne und Schatten mit Strichen intensiviert, die fast die Farbe annehmen Korpuscharakter. Die Skizze entsprach der allgemeinen emotionalen Vorbereitung, war aber auch in sich abgeschlossen.

Auf Einladung von Papst Paul III. zog Tizian nach Rom. In seiner Kunst tauchen neue Themen auf – das Drama des Kampfes, der Spannung. Dann geht Tizian mit seinem Sohn nach Augsburg, um Karl V. zu besuchen. An seinem Hof ​​malt der Meister viel und erhält besonders viele Aufträge aus Spanien – König Philipp II. bestellt ihm mehrere Gemälde. In den frühen 50er Jahren. Tizian kehrt nach Venedig zurück, arbeitet aber weiterhin für den spanischen König. Tizians Porträts zeichnen sich durch Vitalität aus. IN „Porträt von Papst Paul III. mit seinen Neffen“ Gezeigt wird ein Treffen dreier Menschen, mit denen jeweils andere geheime Gefühle verbunden sind. 1548 schrieb Tizian zwei Porträts von Karl V. In einem wird er als triumphierender Mann dargestellt, der einen Sieg errungen hat, gekleidet in eine Rüstung und einen Helm mit Federbusch tragend. Das zweite Porträt zeigt den Kaiser in einem traditionellen spanischen schwarzen Anzug, sitzend auf einem Stuhl mit einer Loggia im Hintergrund.

In den frühen 50er Jahren. Tizian malte im Auftrag von Philipp II., der nach der Abdankung seines Vaters Karl V. Kaiser wurde, sieben Gemälde zu mythologischen Themen, die er „Gedichte“ nannte und mythologische Themen als Metaphern interpretierte Menschenleben. Generell übte die Antike auf den Künstler eine große Anziehungskraft aus. Zu den besten Gemälden zu antiken Themen „Venus von Urbino“, „Venus und Adonis“, „Danae“, „Bacchus und Ariadne“.

In Gemälden zu religiösen Themen erreicht der Künstler ein hohes Maß an Psychologismus und Ausdruckskraft ( „Denar von Cäsar“, „Büßende Magdalena“).

Letzten Jahren Tizian lebte in Venedig. In seinen Werken wachsen Angst und Enttäuschung. Er wendet sich zunehmend dramatischen Themen zu – Szenen des Martyriums und des Leidens, in denen auch tragische Töne zu hören sind („ Heiliger Sebastian"). Hier verwendet der Künstler pastoser Schreibstil– das sind kraftvolle, grob strukturierte Striche.

Paolo Veronese(1528-1588). P. Caliari, Spitzname nach seinem Geburtsort, wurde in Verona geboren. In Venedig angekommen, erlangte er sofort Berühmtheit durch seine Arbeit im Dogenpalast. Bis zu seinem Lebensende arbeitete Veronese 35 Jahre lang an der Ausschmückung und Verherrlichung Venedigs ( „Hochzeit in Kana in Galiläa“). Veroneses Gemälde basiert ausschließlich auf Farbe. Er verstand es, einzelne Farben so gegenüberzustellen, dass durch diese Annäherung ein besonders intensiver Klang entstand. Sie fangen an zu brennen Edelsteine. Im Gegensatz zu Tizian, der in erster Linie ein Staffeleimaler war, ist Veronese ein geborener Dekorateur. Vor Veronese wurden einzelne Staffeleigemälde an den Wänden angebracht, um Innenräume zu schmücken, und es gab keine dekorative Gesamteinheit, sondern eine synthetische Verschmelzung von Malerei und Architektur. Veronese war der erste venezianische Künstler, der komplette dekorative Ensembles schuf, indem er die Wände von Kirchen, Klöstern, Palästen und Villen von oben bis unten bemalte und seine Malerei in die Architektur einbezog. Zu diesem Zweck nutzte er die Freskotechnik. In seinen Gemälden und vor allem in seinen Lampenschirmen verwendete Veronese starke Winkel und kühne räumliche Schnitte, die darauf ausgelegt waren, das Bild von unten nach oben zu betrachten ( „Venus und Adonis“, „Venus und Mars“). Mit seinen Lampenschirmen „öffnete er den Himmel“.

Jacopo Tintoretto(richtiger Name Jacobo Robusti, 1518-1594). Tintorettos Gemälde markiert die Vollendung der italienischen Version der Renaissance. Tintoretto neigte zu Bildzyklen komplexer thematischer Natur; er verwendete seltene und bisher unbekannte Themen. Zyklus über die Wunder von St. Die Briefmarke in der Venezianischen Akademie und im Mailänder Brera (Mailand) wird in Formen präsentiert, die weit von den üblichen Bildlösungen entfernt sind. Die historischen Chroniken des Dogenpalastes mit Darstellungen der Schlachten zeigen die Vielfalt an Variationen und die Kühnheit der Gestaltung. In der antiken mythologischen Thematik führte Tintoretto die freie poetische Interpretation von Motiven fort, die mit Tizians „Poesie“ begann. Ein Beispiel dafür ist das Bild „Der Ursprung der Milchstraße“. Er nutzte neue Handlungsquellen. In dem Bild „Die Rettung von Arsinoe“ Der Künstler ging von der Adaption eines Gedichts des römischen Autors Lucan in einer französischen mittelalterlichen Legende aus und schrieb „Tancred und Clorinda“ nach einem Gedicht von Tasso.

Tintoretto wandte sich wiederholt der Handlung des Letzten Abendmahls zu. Auf dem Gemälde aus der Kirche Santa Trovaso zerstreuten die Worte Christi die schockierten Jünger wie Schläge. Ein besonderes Merkmal von Tintorettos Werken ist Suggestivkraft(Vorschlag), Dynamik, ausdrucksstarke Helligkeit natürlicher Motive, räumliche Mehrdimensionalität.

Venedig war die letzte italienische Stadt, die erst Mitte des 15. Jahrhunderts von den Ideen der Renaissance durchdrungen wurde. Anders als der Rest Italiens lebte sie auf ihre eigene Art und Weise. Venedig war eine wohlhabende Stadt, die militärische Konflikte vermied, ein Zentrum des Seehandels und autark war. Seine Meister bewahrten sich so sehr, dass der Florentiner Vasari, als er Mitte des 16. Jahrhunderts begann, Material für „Leben der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten“ zu sammeln, keine Einzelheiten über die Biografien der Menschen erhalten konnte, die dies getan hatten lebte ein Jahrhundert zuvor und vereinte alle in einem kurzen Kapitel.


Bellini. „Das Wunder der St.-Lorenz-Brücke.“ Aus der Sicht venezianischer Künstler lebten alle Heiligen in Venedig und segelten in Gondeln.

Die Meister von Venedig eilten nicht nach Rom, um antike Ruinen zu studieren. Viel mehr gefielen ihnen Byzanz und der Arabische Osten, mit dem die Republik Venedig Handel trieb. Darüber hinaus hatten sie es nicht eilig, auf mittelalterliche Kunst zu verzichten. Und die beiden berühmtesten Gebäude der Stadt – der Markusdom und der Dogenpalast – stellen zwei wunderschöne architektonische „Blumensträuße“ dar: Das erste enthält Motive byzantinischer Kunst und das zweite kombiniert mittelalterliche Spitzbögen und arabische Muster.

Leonardo da Vinci, der große Florentiner, verurteilte Maler, die sich zu sehr von der Schönheit der Farben hinreißen ließen, und betrachtete das Relief als den Hauptvorteil der Malerei. Die Venezianer hatten zu diesem Thema ihre eigene Meinung. Sie lernten sogar, die Illusion von Volumen zu erzeugen, fast ohne auf Farbe und Schatten zurückzugreifen, sondern indem sie verschiedene Farbtöne derselben Farbe verwendeten. So entstand Giorgiones „Schlafende Venus“.

Giorgione. "Sturm". Die Handlung des Films bleibt ein Rätsel. Aber es ist klar, dass der Künstler am meisten an der Stimmung, dem Gemütszustand der Figur im gegenwärtigen Moment, in diesem Fall vor dem Sturm, interessiert war.

Künstler der Frührenaissance malten Gemälde und Fresken in Tempera, das in der Antike erfunden wurde. Ölfarben sind seit der Antike bekannt, doch erst im 15. Jahrhundert entdeckten Maler ihre Vorliebe für sie. Die niederländischen Meister waren die ersten, die die Technik der Ölmalerei perfektionierten.

Da Venedig auf Inseln mitten im Meer erbaut wurde, wurden die Fresken aufgrund der hohen Luftfeuchtigkeit schnell zerstört. Die Meister konnten auch nicht auf Tafeln schreiben, wie Botticelli seine „Anbetung der Könige“ schrieb: Es gab viel Wasser, aber nicht genug Wald. Sie schrieben auf Leinwand Ölfarben, und darin ähnelten sie eher modernen Malern als anderen Malern der Renaissance.

Venezianische Künstler hatten eine kühle Einstellung zur Wissenschaft. Sie zeichneten sich nicht durch die Vielseitigkeit ihrer Talente aus und wussten nur eines – Malerei. Aber sie waren überraschend fröhlich und übertrugen gerne alles auf die Leinwände, was das Auge erfreute: venezianische Architektur, Kanäle, Brücken und Boote mit Gondolieri, eine stürmische Landschaft. Giovanni Bellini, ein berühmter Künstler seiner Zeit in der Stadt, ließ sich laut Vasari hinreißen, Porträtgemälde und infizierte damit seine Mitbürger so sehr, dass jeder Venezianer, der eine bedeutende Position erreicht hatte, es eilig hatte, sein Porträt zu bestellen. Und sein Bruder Gentile erschütterte angeblich den türkischen Sultan bis ins Mark, indem er ihn aus dem Leben malte: Als er sein „zweites Ich“ sah, hielt der Sultan es für ein Wunder. Tizian malte viele Porträts. Lebende Menschen waren für die Künstler Venedigs interessanter als ideale Helden.

Dass Venedig mit Neuerungen zu spät kam, erwies sich als opportun. Sie war es, die, so gut sie konnte, die Errungenschaften der italienischen Renaissance in den Jahren bewahrte, als sie in anderen Städten verblasst war. Die venezianische Malschule wurde zu einer Brücke zwischen der Renaissance und der Kunst, die sie ersetzte.

Einen besonderen Höhepunkt erreicht Venezianische Malerei, zeichnet sich durch seinen Reichtum und seinen Farbreichtum aus. Hier verband sich heidnische Bewunderung für körperliche Schönheit mit Interesse am spirituellen Leben des Menschen. Die sinnliche Wahrnehmung der Welt war direkter als die der Florentiner und bedingte die Entwicklung der Landschaft.

Giorgione. Die Bühne der Hochrenaissance in Venedig beginnt mit der Kunst von Giorgio Barbarelli da Castelfranco, genannt Giorgione (um 1477–1510), der für die venezianische Malerei die gleiche Rolle spielte wie Leonardo für die mittelitalienische Malerei.

Im Vergleich zur klaren Rationalität von Leonardos Kunst ist Giorgiones Gemälde von tiefer Lyrik und Kontemplation durchdrungen. Die Landschaft, die in seinem Werk einen herausragenden Platz einnimmt, trägt zur Offenbarung der Poesie und Harmonie seiner perfekten Bilder bei. Die harmonische Verbindung zwischen Mensch und Natur ist ein wichtiges Merkmal von Giorgiones Werk. Giorgione hat sich unter Humanisten, Musikern und Dichtern gebildet und war selbst ein außergewöhnlicher Musiker. Er findet in seinen Kompositionen die subtilste Musikalität der Rhythmen. Farbe spielt bei ihnen eine große Rolle. Klangfarben, in transparenten Schichten aufgetragen, mildern die Konturen. Der Künstler nutzt meisterhaft die Eigenschaften der Ölmalerei. Die Vielfalt an Farbtönen und Übergangstönen verhilft ihm zu einer Einheit von Volumen, Licht, Farbe und Raum. Unter seinen frühen Werken besticht „Judith“ (um 1502, St. Petersburg, Eremitage) durch sanfte Verträumtheit und subtile Lyrik. Die biblische Heldin wird als junge schöne Frau vor dem Hintergrund einer ruhigen Natur dargestellt. Durch das Schwert in der Hand der Heldin und den von ihr zertrampelten abgetrennten Kopf des Feindes wird dieser scheinbar harmonischen Komposition jedoch eine seltsame, beunruhigende Note verliehen.

In den Gemälden „Das Gewitter“ (um 1505, Venedig, Accademia Gallery) und „Ländliches Konzert“ (um 1508–1510, Paris, Louvre), deren Motive unbekannt blieben, wird die Stimmung nicht nur von Menschen, sondern auch erzeugt von Natur aus: Vorsturm - im ersten und ruhig strahlend, feierlich - im zweiten. Vor dem Hintergrund der Landschaft sind Menschen dargestellt, die in Gedanken versunken sind, als würden sie auf etwas warten oder Musik spielen und mit der sie umgebenden Natur ein untrennbares Ganzes bilden.

Die Verbindung des Idealen und Harmonischen mit dem Konkreten und Individuellen in den Eigenschaften einer Person zeichnet die von Giorgione gemalten Porträts aus. Fasziniert durch die Tiefe des Denkens, den edlen Charakter, die Verträumtheit und die Spiritualität von Antonio Brocardo (1508–1510, Budapest, Museum). Bildende Kunst). Das Bild vollkommener erhabener Schönheit und Poesie findet in der „Schlafenden Venus“ (um 1508–1510, Dresden, Gemäldegalerie) seine ideale Verkörperung. Sie wird vor dem Hintergrund einer ländlichen Landschaft präsentiert, die in einen friedlichen Schlaf versunken ist. Der sanfte Rhythmus der linearen Umrisse ihrer Figur harmoniert auf subtile Weise mit den weichen Linien der sanften Hügel, mit der nachdenklichen Ruhe der Natur. Alle Konturen werden weicher, die Plastizität ist ideal schön, sanft modellierte Formen sind proportional proportioniert. Subtile Nuancen des Goldtons vermitteln die Wärme eines nackten Körpers. Giorgione starb in der Blüte seiner Schaffenskraft an der Pest, ohne sein vollkommenstes Gemälde fertigzustellen. Die Landschaft auf dem Gemälde wurde von Tizian fertiggestellt, der auch andere Giorgione anvertraute Aufträge ausführte.

Tizian. Die Kunst ihres Oberhauptes Tizian (1485/1490–1576) bestimmte über viele Jahre die Entwicklung der venezianischen Malschule. Zusammen mit der Kunst von Leonardo, Raffael und Michelangelo scheint es der Höhepunkt der Hochrenaissance zu sein. Tizians Treue zu humanistischen Prinzipien, sein Glaube an den Willen, die Vernunft und die Fähigkeiten des Menschen sowie sein kraftvoller Kolorismus verleihen seinen Werken eine enorme Anziehungskraft. Sein Werk offenbart schließlich die Einzigartigkeit des Realismus der venezianischen Malschule. Die Weltanschauung des Künstlers ist vollblütig, sein Wissen über das Leben ist tiefgründig und vielfältig. Die Vielseitigkeit seines Talents zeigte sich in der Entwicklung verschiedener Genres und Themen, sowohl lyrischer als auch dramatischer Natur.

Im Gegensatz zu Giorgione, der früh starb, lebte Tizian lange glückliches Leben, voller inspirierter kreativer Arbeit. Er wurde in der Stadt Cadore geboren, lebte sein ganzes Leben in Venedig und studierte dort – zuerst bei Bellini, dann bei Giorgione. Nur für kurze Zeit, nachdem er bereits Berühmtheit erlangt hatte, reiste er auf Einladung von Kunden nach Rom und Augsburg und arbeitete am liebsten in der Atmosphäre seines geräumigen, gastfreundlichen Hauses, wo sich oft seine humanistischen Freunde und Künstler trafen, darunter der Schriftsteller Aretino und der Architekt Sansovino.

Das Werk der Meister, die im Venedig des 16. Jahrhunderts, einem der wichtigsten Zentren des geistigen und künstlerischen Lebens in Italien, wirkten, erhielt eine ganz besondere Färbung. Hier hatte sich zu dieser Zeit eine äußerst einzigartige und hohe architektonische Kultur entwickelt, die untrennbar mit der Geschichte der Stadt, den Besonderheiten ihres Baus und den Besonderheiten des venezianischen Lebens verbunden war.

Venedigüberraschte viele Besucher und Ausländer mit der Vielfalt an internationalen Verbindungen, der großen Anzahl an Schiffen, die in der Lagune und an den Piers mitten in der Stadt ankerten, exotischen Waren auf der Promenade dei Schiavoni und darüber hinaus im Einkaufszentrum von Venedig (in der Nähe). die Rialtobrücke). Ich war erstaunt über die Pracht der kirchlichen Feste und zivilen Zeremonien, die sich in fantastische Marineparaden verwandelten.

Die freie Atmosphäre der Renaissance und des Humanismus wurde in Venedig nicht durch das Regime der Gegenreformation eingeschränkt. Im gesamten 16. Jahrhundert. hier blieb die Religionsfreiheit gewahrt, die Wissenschaft entwickelte sich mehr oder weniger frei und die Buchdruckerei weitete sich aus.

Nach 1527, als viele Humanisten und Künstler Rom verließen, wurde Venedig zu ihrem Zufluchtsort. Aretino, Sansovino, Serlio kamen hierher. Wie in Rom und zuvor in Florenz, Urbino, Mantua und anderen entwickelten sich hier zunehmend Mäzenatentum und eine Leidenschaft für das Sammeln von Manuskripten, Büchern und Kunstwerken. Der venezianische Adel wetteiferte darum, die Stadt mit wunderschönen öffentlichen Gebäuden und privaten Palästen zu schmücken, die bemalt und mit Skulpturen verziert waren. Die allgemeine Leidenschaft für die Wissenschaft kam in der Veröffentlichung wissenschaftlicher Abhandlungen zum Ausdruck, beispielsweise in Luca Paciolis Werk über angewandte Mathematik „On Divine Proportion“, das bereits 1509 veröffentlicht wurde. In der Literatur blühten verschiedene Genres auf, von der Briefschrift bis zur Dramatik.

Erreichte im 16. Jahrhundert bemerkenswerte Höhen. Venezianische Malerei. Hier entstand die Kunst der Farbe in den vielfigurigen Kompositionen von Carpaccio (1480–1520), einem der ersten echten Landschaftsmaler, und in den grandiosen festlichen Gemälden von Veronese (1528–1588). Der brillante Tizian (1477-1576) schuf einen unerschöpflichen Schatz an Menschenbildern; Tintoretto (1518-1594) erreichte ein hohes Drama.

Nicht weniger bedeutsam waren die Veränderungen in der venezianischen Architektur. Im Berichtszeitraum wurde das in der Toskana und in Rom entwickelte System künstlerischer und ausdrucksstarker Mittel an die lokalen Bedürfnisse angepasst und lokale Traditionen mit römischer Monumentalität verbunden. So entstand in Venedig eine völlig einzigartige Version klassischer Stil Renaissance. Der Charakter dieses Stils wurde einerseits durch die Stabilität der byzantinischen, orientalischen und gotischen Traditionen bestimmt, die ursprünglich vom konservativen Venedig überarbeitet und fest übernommen wurden, und andererseits durch die einzigartigen Merkmale der venezianischen Landschaft.

Die exklusive Lage Venedigs auf Inseln inmitten der Lagune, die beengten Bebauung, die nur stellenweise durch kleine Plätze unterbrochen wird, die Unordnung des Netzes aus Kanälen und schmalen, manchmal weniger als einen Meter breiten Straßen, die durch zahlreiche Brücken verbunden sind, der Vorrang von Wasserstraßen und Gondeln als Hauptverkehrsmittel – das sind die charakteristischsten Merkmale dieser einzigartigen Stadt, in der selbst ein kleiner Platz die Bedeutung einer offenen Halle erlangte (Abb. 23).

Sein bis heute erhaltenes Erscheinungsbild entstand schließlich im 16. Jahrhundert, als der Canal Grande – die Hauptwasserader – mit einer Reihe majestätischer Paläste geschmückt wurde und die wichtigsten öffentlichen und Einkaufszentren der Stadt entstanden wurde endgültig entschieden.

Sansovino, der die städtebauliche Bedeutung des Markusplatzes richtig erkannt hatte, öffnete ihn zu einem Kanal und einer Lagune hin und stellte fest: notwendigen Mittel das Wesen der Stadt als Hauptstadt einer mächtigen Seemacht in der Architektur zum Ausdruck zu bringen. Palladio und Longhena, die nach Sansovino wirkten, vollendeten die Gestaltung der Stadtsilhouette, indem sie mehrere Kirchen an entscheidenden Planungspunkten der Stadt platzierten (das Kloster San Giorgio Maggiore, die Kirchen Il Redentore und Santa Maria della Salute). Stadtentwicklung, die für viele den Hintergrund bildet einzigartige Strukturen, verkörperte die beständigsten Merkmale der einzigartigen und sehr hohen Architekturkultur Venedigs (Abb. 24, 25, 26).

Abb.24. Venedig. Ross Embankment House; rechts - einer der Kanäle
Abb.25. Venedig. Onyi Santi-Kanal; auf der rechten Seite befindet sich das Palazzetto am Suldenhof
Abb.26. Venedig. Wohngebäude des 16. Jahrhunderts.: 1 - Haus in der Calle dei Furlani; 2 - Haus in der Salidada dei Greci; 3 - Haus am Ross-Damm; 4 - Häuser am Campo Santa Marina; 5 - Haus am San Giuseppe-Damm; 6 - Palazzetto am Suldenhof; 7 – Palazzetto in der Calle del Olio

Im gewöhnlichen Wohnungsbau in Venedig im 16. Jahrhundert. Im Wesentlichen handelte es sich bei den entwickelten Typen um diejenigen, die sich im vorigen Jahrhundert oder sogar früher entwickelt hatten. Für die ärmsten Bevölkerungsschichten wurden weiterhin Komplexe aus mehrteiligen Gebäuden errichtet, die parallel zu den Seiten eines schmalen Innenhofs lagen und separate Zimmer und Wohnungen für die Familien der niedrigsten Angestellten der Republik enthielten (Haus am Campo Santa Marina). ; siehe Abb. 26.4); Sie bauten zwei- und mehrteilige Häuser mit Wohnungen auf jeweils ein oder zwei Etagen, mit unabhängigen Eingängen und Treppenhäusern; Häuser reicherer Bauträger mit zwei übereinander liegenden und nach dem gleichen Prinzip isolierten Wohnungen (Haus in der Calle dei Furlani, siehe Abb. 26.1); Die Wohnhäuser der Kaufleute näherten sich im Grundriss bereits den Palästen des venezianischen Adels, blieben aber hinsichtlich der Art und Größe der Architektur noch völlig im Bereich gewöhnlicher Gebäude.

Bis zum 16. Jahrhundert hatten sich offenbar Planungstechniken, Konstruktionstechniken und die Zusammensetzung der Gebäudefassaden endgültig entwickelt. Sie prägten das bis heute erhaltene architektonische Erscheinungsbild gewöhnlicher Wohngebäude in Venedig.

Charakteristische Merkmale von Häusern des 16. Jahrhunderts. Zunächst kam es zu einer Erhöhung der Stockwerkzahl von zwei oder drei auf drei oder vier Stockwerke und einer Erweiterung der Gebäude; So groß war die Breite der Armenhäuser im 12. und 13. Jahrhundert. entspricht in der Regel der Tiefe eines Raumes; im 15. Jahrhundert In Wohngebäuden gab es in der Regel bereits zwei Raumreihen, inzwischen ist dies jedoch zur Regel geworden, und in manchen Fällen sind sogar ganze Wohnungen zu einer Seite der Fassade hin ausgerichtet (Komplex am Campo Santa Marina). Diese Umstände sowie der Wunsch nach wesentlicher Isolation jeder Wohnung führten zur Entwicklung einer äußerst raffinierten Raumaufteilung.

Unbekannte Bauherren zeigten großen Einfallsreichtum, indem sie helle Innenhöfe anordneten, Eingänge zum ersten und oberen Stockwerk von verschiedenen Seiten des Gebäudes herstellten und Treppen, die zu verschiedenen Wohnungen führten, übereinander eingravierten (wie in einigen Zeichnungen von Leonardo da Vinci zu sehen ist). , die einzelne Treppenläufe auf den doppelten Längswänden des Gebäudes tragen. Aus dem 16. Jahrhundert im Wohnungsbau, wie auch in Palästen, findet man manchmal Wendeltreppen; Das berühmteste Beispiel ist die äußere Wendeltreppe mit Arkaden im Palazzo Contarini-Minelli (XV.-XVI. Jahrhundert).

In verblockten Häusern wurde eine geschossweise Gliederung des Vestibüls (die sogenannte „Aule“) eingeführt, die zwei oder drei Zimmer oder Wohnungen bediente – ein Merkmal, das zuvor in reicheren Einzelhäusern oder in den Palästen des Hauses weit verbreitet war Adel. Dieses Planungsmerkmal wurde im nächsten Jahrhundert typisch für Wohngebäude für die Armen, die einen kompakten Grundriss mit Wohnungen und Zimmern hatten, die um einen geschlossenen, beleuchteten Innenhof gruppiert waren.

Im XV.-XVI. Jahrhundert. Auch Formen und Techniken der Bautechnik haben sich etabliert. Da die venezianischen Böden wassergesättigt waren, war die Reduzierung des Gebäudegewichts von großer Bedeutung. Holzpfähle dienten lange Zeit als Fundamente, aber wenn früher kurze Pfähle (etwa einen Meter lang) verwendet wurden, die nur dazu dienten, den Boden zu verdichten, und nicht dazu, den Druck des Gebäudes auf die darunter liegenden dichteren Schichten zu übertragen, dann von das 16. Jahrhundert. Sie fingen an, richtig lange Pfähle zu rammen (9 Stück pro 1 m2). Darauf wurde ein Grillrost aus Eiche oder Lärche gelegt, auf den ein Steinfundament mit Zementmörtel gelegt wurde. Tragende Wände wurden mit einer Dicke von 2-3 Ziegelsteinen ausgeführt.

Die Decken bestanden aus Holz, da die Gewölbe, die ein erhebliches Gewicht hatten, massivere Mauerwerkswände erforderten, die dem Druck standhalten konnten. Die Balken wurden ziemlich oft verlegt (der Abstand zwischen ihnen betrug das Eineinhalb- bis Zweifache der Breite des Balkens) und blieben normalerweise unbekleidet. Aber in reicheren Häusern, Palästen und öffentlichen Gebäuden wurden sie gesäumt, bemalt und mit Holz- und Stuckschnitzereien verziert. Böden aus Steinfliesen oder Ziegeln, die auf einer Kunststoffschicht verlegt waren, verliehen der Struktur eine gewisse Flexibilität und die Fähigkeit, ungleichmäßigen Wandsetzungen standzuhalten. Die Spannweiten der Räumlichkeiten wurden durch die Länge des importierten Holzes (4,8–7,2 m) bestimmt, das normalerweise nicht geschnitten wurde. Die Dächer waren geneigt, mit einem Ziegeldach auf Holzsparren, manchmal mit einem steinernen Abfluss am Rand.

Obwohl Häuser in der Regel nicht beheizt waren, wurde in der Küche und im Hauptwohnzimmer bzw. Flur ein Kamin installiert. Die Häuser verfügten über ein Abwassersystem, wenn auch ein primitives – Latrinen wurden in der Küche in Nischen über Steigleitungen mit in die Wand eingebauten Kanälen gebaut. Bei Flut waren die Auslasslöcher mit Wasser gefüllt, bei Ebbe leitete es Abwasser in die Lagune. Eine ähnliche Methode wurde in anderen italienischen Städten (z. B. Mailand) gefunden.

Abb.27. Venedig. Wells. Im Innenhof von Volto Santo, 15. Jahrhundert; im Innenhof der Kirche San Giovanni Crisostomo; Plan und Abschnitt eines Hofes mit Brunnen (Schema einer Wassersammelvorrichtung)

Die Wasserversorgung in Venedig beschäftigte die Stadtverwaltung lange Zeit (seit dem 12. Jahrhundert), da selbst tiefliegende Grundwasserleiter salziges Wasser lieferten, das nur für den häuslichen Bedarf geeignet war. Trinkbrunnen, die Hauptquelle der Wasserversorgung, waren mit Niederschlägen gefüllt, deren Sammlung von den Dächern von Gebäuden und von der Oberfläche von Höfen sehr komplexe Vorrichtungen erforderte (Abb. 27). Das Regenwasser wurde von der gesamten Fläche des gepflasterten Hofes gesammelt, der zu vier Löchern hin geneigt war. Durch sie drang es in eigentümliche Senkgruben ein, tauchte in eine Sandschicht ein, die als Filter diente, und floss auf den Boden eines riesigen, im Boden eingebetteten Tonreservoirs (seine Form und Größe hing von der Form und Größe ab). Hof). Brunnen wurden in der Regel von Stadtbehörden oder angesehenen Bürgern gebaut. Wassergeschöpfte Brunnenschalen aus Stein, Marmor oder sogar Bronze, mit Schnitzereien bedeckt und mit dem Wappen des Spenders verziert, waren echte Kunstwerke (ein Bronzebrunnen im Innenhof des Dogenpalastes).

Die Fassaden gewöhnlicher Wohngebäude in Venedig waren ein klarer Beweis dafür, dass hohe ästhetische und künstlerische Qualitäten eines Bauwerks durch den geschickten Einsatz elementarer, funktional oder strukturell notwendiger Formen ohne die Einführung komplexer zusätzlicher Details und den Einsatz teurer Materialien erreicht werden können. Die Backsteinmauern der Häuser waren teilweise verputzt und grau oder rot gestrichen. Vor diesem Hintergrund hoben sich die weißen Steinrahmen der Türen und Fenster hervor. Marmorverkleidungen wurden nur in den Häusern wohlhabenderer Menschen und in Palästen verwendet.

Die künstlerische Ausdruckskraft der Fassaden wurde durch die Werkstatt bestimmt, teilweise durch die meisterhafte Gruppierung von Fensteröffnungen und aus der Fassadenebene herausragenden Kaminen und Balkonen (letztere kamen im 15. Jahrhundert nur in reicheren Wohnhäusern vor). Oft gab es einen Stockwerk-für-Stock-Wechsel von Fenstern und Trennwänden – ihre Lage war nicht entlang derselben Vertikalen (wie zum Beispiel die Endfassaden von Häusern am Campo Santa Marina oder die Fassade eines Hauses am San Giuseppe-Damm). siehe Abb. 26). Die Hauptwohnräume und Gemeinschaftsräume (Aule) wurden an der Fassade durch doppelte und dreifache Bogenöffnungen unterschieden. Der kontrastierende Gegensatz von Öffnungen und Wänden ist eine traditionelle Technik für Venezianische Architektur; es erlebte eine prächtige Entwicklung in reicheren Häusern und Palästen.

Der typische Wohnungsbau im 16. Jahrhundert wie auch im 15. Jahrhundert war geprägt von Ladengeschäften, die teilweise alle Räume im ersten Stock des straßenseitigen Hauses einnahmen. Jedes Geschäft oder jede Werkstatt eines Handwerkers hatte einen separaten Eingang mit einer Vitrine, die mit einem hölzernen Architrav auf schlanken, aus einem Stück Stein gehauenen quadratischen Säulen bedeckt war.

Im Gegensatz zu Ladengeschäften wurden Galerien im Erdgeschoss von Reihenhäusern nur dann installiert, wenn keine andere Möglichkeit bestand, entlang des Hauses einen Durchgang zu schaffen. Aber sie waren ein charakteristisches Merkmal öffentlicher Gebäude und Ensembles – gewölbte Galerien sind in allen Gebäuden des zentralvenezianischen Ensembles vorhanden: im Dogenpalast, in der Sansovino-Bibliothek, in der Alten und Neuen Prokurie; in den Geschäftsräumen von Fabbrique Nuove in der Nähe von Rialto, im Palazzo de Dieci Savi. In reicheren Häusern waren über den Dächern erhöhte Holzterrassen, sogenannte Altans (wie in Rom), üblich, die kaum erhalten sind, aber aus Gemälden und Zeichnungen gut bekannt sind.

Wohnanlage am Campo Santa Marina(Abb. 26.4), bestehend aus zwei vierstöckigen, parallelen Gebäuden, die am Ende durch einen Zierbogen verbunden sind, kann als Beispiel für den Armenbau dienen. Den Mittelpunkt jedes typischen Abschnitts bildete hier eine sich über die Etagen wiederholende Halle, um die sich Wohnräume gruppierten, die im dritten und vierten Obergeschoss zur raumweisen Belegung vorgesehen waren. Durch den Bau separater Eingänge und Treppenhäuser konnten die Räumlichkeiten im zweiten Obergeschoss in eine separate Wohnung aufgeteilt werden. Im Erdgeschoss befanden sich Geschäfte.

Haus in der Calle dei Furlani(Abb. 26.1) ist ein Beispiel für eine etwas reichere Behausung. Wie in vielen anderen venezianischen Häusern, die auf einem schmalen, langgestreckten Grundstück liegen, nahmen die Haupträume des zweiten und dritten Stocks entlang der Fassade die gesamte Breite des Gebäudes ein. Auf jeweils zwei Etagen befanden sich zwei isolierte Wohnungen. Die Treppe zur zweiten Wohnung begann in einem kleinen Innenhof mit Licht.

Haus direkt am Meer von San Giuseppe(Abb. 26.5) gehörte vollständig einem Eigentümer. Zwei Geschäfte wurden vermietet. Im mittleren Teil des Hauses befand sich ein Vorraum mit Treppe, an dessen Seiten sich die übrigen Räume gruppierten.

Palazzetto am Hof ​​Solda(Abb. 26.5; genau datiert 1560) gehörte dem Kaufmann Aleviz Solta, der hier mit einer 20-köpfigen Familie lebte. Dies ist ein Gebäude mit zentrale Halle, das an der Fassade durch eine Gruppe von Bogenfenstern hervorgehoben wird, ähnelt dem Typus eines Palastes, obwohl alle Räume darin klein und zum Wohnen gedacht sind und nicht für Feiern und prächtige Zeremonien. Entsprechend bescheiden sind die Fassaden des Gebäudes.

Die Merkmale, die sich im gewöhnlichen Wohnungsbau in Venedig entwickelten, sind auch für die Paläste des Adels charakteristisch. Der Hof steht dabei nicht im Mittelpunkt der Komposition, sondern wird in die Tiefe des Ortes gedrängt. Unter den Prunkräumen im zweiten Stock sticht die Aule hervor. Alle architektonischen Ausdrucksmittel konzentrieren sich auf die Hauptfassade, die zum Kanal hin ausgerichtet ist; Die Seiten- und Rückfassaden bleiben unorganisiert und oft unvollendet.

Hervorzuheben ist die strukturelle Leichtigkeit Palastarchitektur, verhältnismäßig großes GebietÖffnungen und ihre für Venedig spezifische Lage (eine Gruppe reich bearbeiteter Öffnungen entlang der Fassadenachse und zwei symmetrische Fenster – Akzente – entlang der Ränder der Fassadenebene).

Eine neue Bewegung, die Ende des 15. Jahrhunderts in die Architektur Venedigs eindrang und hier durch die Werke von Pietro Lombardo und seinen Söhnen sowie Antonio Rizzo, die verschiedene Arbeiten im Dogenpalast und auf der Piazza San ausführten, ein ausgeprägtes lokales Flair erhielt Marco, in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts. entwickelte sich weiter. Ihr Zeitgenosse arbeitete im gleichen Geist Spavento und Meister der jüngeren Generation - Bartolomeo Bon der Jüngere , Scarpagnino usw.

Bartolomeo Bon der Jüngere(gestorben 1525), der die Nachfolge von Pietro Lombardo als Chefarchitekt des Dogenpalastes antrat, setzte gleichzeitig den Bau der Alten Prokuration auf dem Markusplatz fort, gründete die Scuola von San Rocco und begann mit dem Bau des Palazzo dei Camerlenghi am Rialtobrücke. Beide wurden, wie viele seiner anderen Gebäude, später von Scarpagnino (gestorben 1549) fertiggestellt.

Palazzo dei Camerlenghi(Abb. 28) – der Sitz der venezianischen Steuereintreiber – unterscheidet sich trotz seiner äußerlichen Ähnlichkeit mit den Palästen des venezianischen Adels in der Anordnung und Ausrichtung der Hauptfassade, die nicht auf den Canal Grande, sondern auf die Rialtobrücke ausgerichtet ist. Diese Lage des Palazzo gewährleistete seine Verbindung mit den umliegenden Gewerbegebäuden. Die Räume gruppieren sich symmetrisch entlang der Flurseiten entlang des gesamten Gebäudes. Die im zweiten und dritten Stock vollständig von Doppel- und Dreifachbogenfenstern durchbrochenen Fassaden sind gotisch gegliedert, erhielten jedoch dank der Ordnungsgliederung eine rein Renaissance-Ordnung (siehe Abb. 39).

Scuola di San Rocco(1517-1549) - typisches Beispiel Gebäude mit einer klaren klassischen Ordnungsstruktur der Fassade, kombiniert mit reichen, für Venedig traditionellen Marmoreinlagen. In seinem Erscheinungsbild zeigten sich jedoch dank der Lockerung der Gebälke und der Einführung von Giebeln, die paarweise gewölbte Öffnungen vereinen, charakteristische Merkmale der Architektur der nächsten Epoche, zu denen auch die Innenräume zweier großer, von Tintoretto gemalter Säle gehören (Abb. 29).

Scarpagnino rekonstruierte zusammen mit Spavento (gest. 1509) das große Lagergebäude der deutschen Kaufleute Fondaccodei Tedeschi (1505-1508) – ein mehrstöckiges Carre mit einem geräumigen Innenhof und einem Loggia-Pier mit Blick auf einen großen Kanal (Giorgione und Tizian). schmückte die Außenwände des Gebäudes mit Fresken, die jedoch nicht erhalten sind. Dieselben beiden Meister errichteten die sogenannten Fabbrique Vecchie – Gebäude für Handelsbüros, ausgestattet mit Geschäften und Arkaden im Erdgeschoss (siehe Abb. 39, 41).

In der religiösen Architektur des frühen 16. Jahrhunderts. müssen gekennzeichnet sein Kirche San Salvatore, gegründet von Giorgio Spavento, der eine wichtige Linie in der Entwicklung des Basilika-Tempels vervollständigt. In allen drei Kirchenschiffen (von denen das mittlere doppelt so breit ist wie die Seitenschiffe) wurde ein sequentieller Wechsel von Zellen mit quadratischem Grundriss, die mit halbkugelförmigen Kuppeln bedeckt sind, und Zellen mit schmalem Grundriss, die mit halbrunden Gewölben bedeckt sind, durchgeführt, wodurch eine größere Klarheit der Kirche erreicht wurde räumliche Struktur, bei der jedoch das Zentrum weniger ausgeprägt ist (siehe Abb. Abb. 58).

Mit der Ankunft römischer Meister begann eine neue Etappe in der Entwicklung der Renaissance-Architektur in Venedig. Dies waren in erster Linie Sebastiano Serlio , Architekt und Theoretiker.

Serlio(geboren 1475 in Bologna, gestorben 1555 in Fontainebleau in Frankreich) lebte bis 1527 in Rom, wo er mit Peruzzi zusammenarbeitete. Von dort zog er nach Venedig. Hier beriet er sich beim Entwurf der Kirche San Francesco della Vigna (1533), fertigte Zeichnungen für die Decke der Kirche der Bibliothek von San Marco (1538) und Zeichnungen einer Bühne für das Theater im Haus von Colleoni Porto an Vicenza (1539) sowie als Modell für den Wiederaufbau der Basilika.

Nachdem Serlio in den Dienst des französischen Königs Franz I. getreten war, wurde er 1541 zum Chefarchitekten des Palastes in Fontainebleau ernannt. Sein wichtigstes Bauwerk in Frankreich war das Schloss d'Ancy-le-Franc.

Serlio ist vor allem für seine berühmt theoretische Arbeiten. Seine Abhandlung über Architektur wurde ab 1537 in separaten Büchern veröffentlicht.

Serlios Aktivitäten trugen wesentlich dazu bei, das Interesse der venezianischen Gesellschaft an der Architekturtheorie, insbesondere an den Problemen der Harmonie und Proportionen, wiederzubeleben, wie die Diskussion und eine Art Wettbewerb im Jahr 1533 im Zusammenhang mit dem Entwurf der Kirche San bewiesen Francesco della Vigna, die nach Sansovinos Plänen begann (vgl. Abb. 58). Die Fassade der Kirche, in der eine große Ordnung des Mittelteils mit einer kleinen Ordnung, die den Seitenschiffen entspricht, kombiniert wurde, wurde erst in den Jahren 1568-1572 fertiggestellt. nach Palladios Entwurf.

Serlio wird in Venedig nur die Fertigstellung der Cen-Paläste zugeschrieben, aber viele der in seiner Abhandlung dargestellten Pläne und Fassaden der Gebäude, für die er das Erbe von Peruzzi nutzte, beeinflussten ihn großer Einfluss nicht nur auf seine Zeitgenossen, sondern auch auf viele nachfolgende Generationen von Architekten in Italien und in anderen Ländern.

Der wichtigste Meister, der die Entwicklung der venezianischen Architektur im 16. Jahrhundert bestimmte, war Jacopo Sansovino , ein Schüler Bramantes, der sich nach der Plünderung Roms in Venedig niederließ.

Jacopo Tatti(1486-1570), der den Spitznamen annahm Sansovino, geboren in Florenz und gestorben in Venedig. Die erste Hälfte seines Lebens verbrachte er in Rom (1503–1510 und 1518–1527) und Florenz (1510–1517), wo er hauptsächlich als Bildhauer tätig war.

Im Jahr 1520 nahm er an einem Wettbewerb zur Gestaltung der Kirche San Giovanni dei Fiorentini teil. Im Jahr 1527 zog Sansovino nach Venedig, wo er 1529 das Oberhaupt der Prokuratoren von San Marco, also das Oberhaupt aller Bauarbeiten der Republik Venedig, wurde.

Zu seinen wichtigsten architektonischen Werken in Venedig gehören: Restaurierung der Kuppeln der Kathedrale San Marco; Bau der Scuola della Misericordia (1532-1545); Bau des öffentlichen Zentrums der Stadt – Piazza San Marco und Piazzetta, wo er die Alte Prokura vollendete und die Bibliothek (1537-1554, fertiggestellt von Scamozzi) und die Loggetta (ab 1537) errichtete; Bau der Münzstätte – Dzekka (seit 1537); Dekoration der Goldenen Treppe im Dogenpalast (1554); Palazzo Corner della Ca Grande (ab 1532); Projekte der Paläste Grimani und Dolphin Manin; Fertigstellung des Handelszentrums der Stadt mit dem Bau der Fabbrique Nuove und des Rialto-Marktes (1552-1555); Bau der Kirchen San Fantino (1549-1564), San Maurizio und andere.

Es war Sansovino, der entscheidende Schritte unternahm, um den in Rom etablierten „klassischen“ Stil auf die architektonischen Traditionen Venedigs anzuwenden.

Palazzo Corner della Ca Grande(Abb. 30) ist ein Beispiel für die Verarbeitung des Kompositionstyps florentinischer und römischer Paläste entsprechend den venezianischen Anforderungen und Geschmäckern.

Im Gegensatz zu den meisten venezianischen Palästen, die auf kleinen Grundstücken errichtet wurden, war es im Palazzo Corner möglich, einen großen Innenhof zu errichten. Allerdings, wenn in den Florentiner Palästen des 15. Jahrhunderts. und römisches 16. Jahrhundert. Die Wohnräume waren statisch um den Innenhof herum angeordnet, der das Zentrum des geschlossenen Lebens eines wohlhabenden Bürgers und den Kern der gesamten Komposition bildete. Hier ordnet Sansovino alle Räumlichkeiten gemäß einer der wichtigsten Funktionen des aristokratischen venezianischen Lebens an: prächtig Feste und Empfänge. Daher entfaltet sich eine Gruppe von Räumen feierlich entlang der Bewegungslinie der Gäste von der Eingangsloggia (Pier) über die geräumige Lobby und das Treppenhaus bis zu den Empfangshallen im Hauptgeschoss (zweite und tatsächlich dritte) mit Fenstern zur Fassade. auf die Wasserfläche des Kanals.

Das bis zum Sockel angehobene erste und mittlere (Dienst-)Geschoss sind durch starkes Rustika-Mauerwerk miteinander verbunden und bilden die untere Ebene der Haupt- und Hoffassade. Die folgenden Stockwerke (die darin befindlichen Empfangshallen entsprechen zwei Stockwerken von Wohngebäuden) werden an der Hauptfassade durch zwei Ebenen von Dreiviertelsäulen ionischer und zusammengesetzter Ordnung ausgedrückt. Reiche Plastizität, betonter Rhythmus paarweise angeordneter Säulen und breite Bogenfenster mit Balkonen verleihen dem Gebäude eine außergewöhnliche Pracht.

Die Hervorhebung der zentralen Eingangsloggia, die gastlich zum Wasser hinabführende Pyramidentreppe, das Verhältnis von verengten Pfeilern und erweiterten Öffnungen – all das ist spezifisch für die venezianische Palastarchitektur des 16. Jahrhunderts.

Sansovino beschränkte sich keineswegs auf Paläste. Und obwohl sein lebenslanger Ruhm eher mit der Bildhauerei verbunden war (in der seine Rolle mit Tizians Rolle in der Malerei verglichen wurde), ist Sansovinos wichtigste Errungenschaft die Vollendung des zentralen Ensembles der Stadt (Abb. 31-33).

Der Wiederaufbau des an den Dogenpalast angrenzenden Gebiets zwischen der Piazza San Marco und dem Pier begann 1537 mit dem Bau von drei Gebäuden gleichzeitig – der Zecca, neue Bibliothek(an der Stelle von Getreidescheunen) und Loggetta (an der Stelle eines durch Blitzeinschlag zerstörten Gebäudes am Fuße des Campanile). Sansovino schätzte die Möglichkeiten einer Erweiterung und Fertigstellung des Markusplatzes richtig ein und begann mit dem Abriss der chaotischen Gebäude, die ihn von der Lagune trennten, um so einen bezaubernden Platz zu schaffen Piazzetta.

Damit eröffnete er hervorragende Möglichkeiten für die Organisation der bei den Venezianern beliebten Feste und feierlichen Staatszeremonien, die die Macht der Venezianischen Republik bekräftigten und auf dem Wasser, vor dem Dogenpalast und in der Kathedrale stattfanden. Die Nordfassade der Bibliothek bestimmte die dritte Seite und allgemeine Form des Markusplatzes, der dann mit dem Bau der Neuen Prokurationen und des Gebäudes auf der Westseite (1810) abgeschlossen wurde. Die 1505 von A. Leopardi errichteten Fahnenmasten und das Marmorpflaster bilden ein wesentliches Element dieses grandiosen offenen Saals (Länge 175 m, Breite 56-82 m), der zum Zentrum des öffentlichen Lebens in Venedig wurde und an der fantastisch reichen fünfbogigen Fassade liegt der Kathedrale.

Abb.36. Venedig. Bibliothek von San Marco. Zeichnungen und Endfassade, Bibliothek und Loggett. J. Sansovino

Bibliothek von San Marco(Abb. 35, 36), das für die Sammlung von Büchern und Manuskripten bestimmt ist, die Kardinal Vissarion 1468 der Republik Venedig schenkte, ist ein langes (ca. 80 m) Gebäude, das vollständig aus weißem Marmor besteht. Es ist seines eigenen kompositorischen Zentrums beraubt. Seine Fassade ist eine zweistufige Arkade (mit Dreiviertelsäulen toskanischer Ordnung unten und ionischer Ordnung oben), ungewöhnlich reich an Plastizität sowie Licht und Schatten. Der untere Arkadengang bildet eine tiefe Loggia von der halben Gebäudebreite. Dahinter befinden sich eine Reihe von Einzelhandelsflächen und der durch Karyatiden markierte Eingang zur Bibliothek. Eine formelle Treppe in der Mitte des Gebäudes führt in den zweiten Stock, zum Vestibül (später von Scamozzi dekoriert) und durch dieses zum Hauptsaal der Bibliothek.

Sansovino versuchte, in der Halle ein neues Design einer abgehängten Gewölbedecke zu verwenden, indem er sie aus Ziegeln herstellte, doch das Gewölbe und ein Teil der Wand stürzten ein (1545). Das bestehende elliptische Gewölbe, verziert mit Gemälden von Tizian und Veronese, besteht aus Stuck.

Die gewölbten Öffnungen des zweiten Stockwerks, die als Ganzes als durchgehende Galerie wahrgenommen werden, werden von doppelten ionischen Säulen getragen, wodurch die Plastizität der Fassade in die Tiefe entwickelt wird. Dadurch ist die gesamte Wandstärke an der Gestaltung des äußeren Erscheinungsbilds des Bauwerks beteiligt. Ein hoher Triglyphenfries zwischen den Etagen und ein noch weiter entwickelter, mit Reliefs bedeckter Fries des oberen Gebälks, der sich hinter dem dritten Stock des Gebäudes mit Wirtschaftsräumen verbirgt und von einem reichen Gesims mit Balustrade und Skulpturen gekrönt wird, vereinen beide Ebenen der Bibliothek zu einer Gesamtkomposition, die an festlicher Pracht und Feierlichkeit ihresgleichen sucht.

Am Fuße des Campanile von San Marco errichtete der Meister eine reich verzierte Skulptur Loggett, der den mittelalterlichen Turm mit den späteren Gebäuden des Ensembles verbindet (Lodgetta wurde beim Fall des Campanile im Jahr 1902 zerstört; beide Gebäude wurden 1911 restauriert). Bei öffentlichen Zeremonien und Feiern diente die leicht über dem Platzniveau gelegene Loggetta-Terrasse als Tribüne für die venezianischen Adligen. An der Kreuzung von Piazza San Marco und Piazzetta gelegen, bildet dieses kleine Gebäude mit einer weißen Marmorfassade, einem hohen Dachboden, bedeckt mit Reliefs und gekrönt von einer Balustrade, ein wichtiges Element des brillanten Ensembles des venezianischen Zentrums.

Die Zecca (Mint) befindet sich hinter der Bibliothek neben der Endfassade und hat ein geschlosseneres, fast strenges Erscheinungsbild. Den Kern des Gebäudes bildet der Innenhof, der im Erdgeschoss als einziges Kommunikationsmittel zwischen den umliegenden Räumen dient, die die gesamte Gebäudetiefe einnehmen (Abb. 37). Das Gebäude besteht aus grauem Marmor. Die Plastizität der Wände wird durch Rustika und Fensterrahmen erschwert, deren Kronen schwer sind und mit der leichten Horizontalität des darüber liegenden dünnen Architravs kontrastieren. Das stark hervorstehende Gesims des zweiten Stockwerks sollte offenbar das gesamte Gebäude krönen (das dritte Stockwerk wurde später, aber noch zu Sansovinos Lebzeiten, hinzugefügt); Jetzt wird der Komposition der Fassade, die mit Details überladen ist, ihre Integrität genommen.

Bemerkenswert ist die Freiheit, mit der die Zecchi-Böden, die niedriger als die Bibliotheksgeschosse sind, an diese angrenzen, was den Unterschied in Zweck und Aussehen der Gebäude hervorhebt (siehe Abb. 36).

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. In Venedig arbeiteten die Architekten Rusconi, Antonio da Ponte, Scamozzi und Palladio.

Rusconi(ca. 1520-1587) begann 1563 mit dem Bau eines Gefängnisses, das am Ufer der Schiavoni errichtet und nur durch einen schmalen Kanal vom Dogenpalast getrennt war (Abb. 33, 38). Der Kern des Gebäudes bestand aus Reihen von Einzelzellen, echten Steinsäcken, die von den Außenwänden durch einen Korridor getrennt waren, der den Gefangenen keine Kommunikation mit der Außenwelt ließ. Die strenge Fassade aus grauem Marmor wurde nach Rusconis Tod von A. da Ponte fertiggestellt.

Antonio da Ponte (1512–1597) war für die Fertigstellung des Handelszentrums von Venedig verantwortlich, wo er die steinerne Rialtobrücke (1588–1592) errichtete, deren einfeldriger Bogen von zwei Ladenzeilen eingerahmt wird (Abb. 40).

Abb.38. Venedig. Gefängnis, ab 1563 Rusconi, ab 1589 A. da Ponte. Grundriss, Westfassade und Fragment der Südfassade; Seufzerbrücke
	Reis. 43. Sabbioneta. Theater und Rathaus, 1588 Scamozzi

Vincenzo Scamozzi , der Autor theoretischer Abhandlungen, war zugleich der letzte große Architekt des Cinquecento in Venedig.

Vincenzo Scamozzi(1552-1616) – Sohn des Architekten Giovanni Scamozzi. Er baute zahlreiche Paläste in Vicenza, darunter Porta (1592) und Trissino (1592); Er schloss den Bau des Teatro Olimpico, des Palladio (1585) usw. ab. In Venedig baute Scamozzi die Neue Prokura (begonnen 1584), die Paläste des Stadtrats (1558), Contarini (1606) usw. vollendete die Innenräume im Dogenpalast (1586), Entwürfe für die Rialtobrücke (1587). Er vollendete den Bau und die Dekoration der Räumlichkeiten der Sansovino-Bibliothek (1597), beteiligte sich an der Fertigstellung der Fassade der Kirche San Giorgio Maggiore (1601) usw. Er baute die Villen von Verlato in der Nähe von Vicenza (1574), Pisani in der Nähe von Lonigo (1576), Trevisan am Piave (1609) usw. Seine Aktivitäten erstreckten sich auch auf andere Städte Italiens: Padua – die Kirche San Gaetano (1586); Bergamo – Palazzo Publico (1611); Genua - Ravaschieri-Palast (1611); Sabbioneta – Herzogspalast, Rathaus und Theater (1588; Abb. 43).

Scamozzi besuchte auch Ungarn, Mähren, Schlesien, Österreich und andere Länder, entwarf Paläste in Polen für den Herzog von Sbaras (1604), den Dom in Salzburg in Böhmen (1611), die Befestigungsanlagen von Nancy in Frankreich usw.

Scamozzi war an zahlreichen Befestigungs- und Ingenieurbauarbeiten beteiligt (Grundsteinlegung der Festung Palma, 1593; Entwurf der Brücke über den Piave).

Das Ergebnis der Studien und Skizzen antiker Denkmäler (Reise nach Rom und Neapel 1577–1581) wurde 1581 von Scamozzi in dem Buch „Conversations on Roman Antiquities“ veröffentlicht.

Den Abschluss seiner Tätigkeit bildete die theoretische Abhandlung „ Allgemeine Konzepte Architektur“, veröffentlicht in Venedig (1615).

Scamozzis frühe Bauten zeichnen sich durch eine gewisse Trockenheit der Form und den Wunsch nach einer flächigen Interpretation der Fassade aus (Villa Verlato bei Vicenza). Aber Scamozzis wichtigstes venezianisches Werk ist Neue Prokura(1584), wo er 17 Bögen baute (der Rest wurde von seinem Schüler Longhena fertiggestellt), erbaut im Geiste von Sansovino (Abb. 42). Scamozzi basierte diese Komposition auf dem starken Rhythmus und der reichen Plastizität der gewölbten Portiken der Bibliothek. Indem er das dritte Stockwerk in die Komposition einbezog, löste er das Problem der Anbindung der dreistöckigen Prokurationen an die Bibliothek einfach und überzeugend, indem er das krönende Gesims aufhellte und auf subtile Weise berücksichtigte, dass die Verbindung der Gebäude teilweise durch den Glockenturm verdeckt wird . Auf diese Weise gelang es ihm, beide Gebäude gut mit dem Ensemble des Markusplatzes zu verbinden.

Obwohl Scamozzi der letzte große Architekt der Renaissance ist, war er doch ihr wahrer Vollender Palladio- der tiefgründigste und originellste Meister der norditalienischen Architektur der Mitte des 16. Jahrhunderts.

Kapitel „Architektur Norditaliens“, Unterabschnitt „Architektur Italiens 1520-1580“, Abschnitt „Renaissance-Architektur in Italien“, Enzyklopädie „ Allgemeine Geschichte die Architektur. Band V. Architektur Westeuropas des XV.-XVI. Jahrhunderts. Renaissance". Chefredakteur: V.F. Marcuson. Autoren: V.F. Marcuson (Einleitung, G. Romano, Sanmicheli, Venedig, Palladio), A.I. Opochinskaya (Wohngebäude von Venedig), A.G. Tsires (Palladio Theatre, Alessi). Moskau, Stroyizdat, 1967