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Ende des 16. Jahrhunderts erschien dort ein neuer Stil– Barock. Dies wird in diesem Artikel besprochen.

Barock (italienisch barocco – „bizarr“, „seltsam“, „anfällig für Exzesse“, port. SeRola Barroca – wörtlich „Perle mit einem Makel“) ist ein Stil in der Kunst im Allgemeinen und in der Architektur im Besonderen.

Barockzeit

Es wird allgemein angenommen (wie in allen historischen Epochen), dass die Barockzeit im 16.-18. Jahrhundert andauerte. Interessanterweise begann alles damit, dass sich das Land im 16. Jahrhundert auf internationaler Ebene wirtschaftlich und politisch spürbar abzuschwächen begann.

Die Franzosen und Spanier verfolgten ihre Politik in Europa aktiv, obwohl Italien weiterhin das kulturelle Zentrum der europäischen Gesellschaft blieb. Und die Stärke einer Kultur wird bekanntlich durch ihre Fähigkeit bestimmt, sich an neue Realitäten anzupassen.

Da der italienische Adel nicht über das Geld verfügte, um reiche Paläste zur Demonstration seiner Macht und Größe zu bauen, wandte er sich der Kunst zu, um damit den Anschein von Reichtum, Stärke und Wohlstand zu erwecken.

So begann die Barockzeit, die zu einer wichtigen Etappe in der Entwicklung der Weltkunst wurde.

Es ist wichtig zu betonen, dass sich das Leben der Menschen zu dieser Zeit grundlegend zu verändern begann. Die Barockzeit ist geprägt von viel Freizeit. Die Stadtbewohner bevorzugen Reiten („Karussells“) und Kartenspielen gegenüber ritterlichen Turnieren (siehe), Spaziergänge im Park gegenüber Pilgerfahrten und Theater gegenüber Mysterien.

Alte Traditionen, die auf Aberglauben und Vorurteilen basieren, fallen weg. Ein herausragender Mathematiker und Philosoph leitet die Formel ab: „Ich denke, also existiere ich.“ Das heißt, die Gesellschaft wird zu einer anderen Denkweise umgebaut, in der nicht das, was eine Autorität sagt, sinnvoll ist, sondern das, was jedem intelligenten Wesen mathematisch genau erklärt werden kann.

Interessant ist, dass es im beruflichen Umfeld mehr Auseinandersetzungen um das Wort „Barock“ als um die Epoche als solche gibt. Aus dem Spanischen wird barroco als unregelmäßig geformte Perle übersetzt, aus dem Italienischen bedeutet baroco jedoch eine falsche logische Schlussfolgerung.

Diese zweite Option scheint die plausibelste Version des Ursprungs des umstrittenen Wortes zu sein, da im Barock eine Art brillante Absurdität und sogar Skurrilität in der Kunst beobachtet wurde, die mit ihrer Pomposität und Erhabenheit die Fantasie anregte.

Barockstil

Der Barockstil zeichnet sich durch Kontrast, Dynamik und Spannung sowie einen klaren Wunsch nach Prunk und äußerer Erhabenheit aus.

Interessant ist, dass Vertreter dieser Bewegung verschiedene Kunststile äußerst organisch kombinierten. Kurz gesagt, die Reformation und die Lehre spielten eine Rolle Schlüsselrolle bei der Grundsteinlegung des Barockstils.

War es für die Renaissance typisch, den Menschen als das Maß aller Dinge und das intelligenteste aller Wesen wahrzunehmen, so nimmt er sich heute anders wahr: „etwas zwischen allem und nichts“.

Barocke Kunst

Die Barockkunst zeichnet sich vor allem durch außergewöhnliche Formenpracht, Originalität der Handlung und Dynamik aus. Die Kunst ist von eingängiger Floridität geprägt. In der Malerei waren Rubens und Rubens die herausragendsten Vertreter dieses Stils.

Wenn man sich einige Gemälde von Caravaggio ansieht, kann man nicht anders, als über die Dynamik seiner Motive zu staunen. Das Spiel von Licht und Schatten betont auf unglaublich subtile Weise die unterschiedlichen Emotionen und Erfahrungen der Charaktere. Eine interessante Tatsache ist, dass der Einfluss dieses Künstlers auf die Kunst so groß war, dass ein neuer Stil entstand – der Caravaggismus.

Einigen Anhängern gelang es, den Naturalismus ihres Lehrers bei der Darstellung von Menschen und Ereignissen auf Leinwand zu übernehmen. Peter Rubens, der in Italien studierte, wurde ein Anhänger von Caravaggio und Carraci, beherrschte deren Technik und übernahm deren Stil.

Auch der flämische Maler Van Dyck und der Niederländer Rembrandt waren prominente Vertreter der Barockkunst. Dieser Stil folgte herausragender Künstler Diego Velazquez und in - Nicolas Poussin.

Übrigens war es Poussin, der begann, den Grundstein für einen neuen Kunststil zu legen – den Klassizismus.

Barock in der Architektur

Die im Barockstil gehaltene Architektur zeichnet sich durch ihre räumliche Weite und komplexe, krummlinige Formen aus. Zahlreiche Skulpturen an den Fassaden und in den Innenräumen, verschiedene Kolonnaden und jede Menge Verstrebungen sorgen für ein prunkvolles und majestätisches Erscheinungsbild.

Architekturensemble „Zwinger“ in Dresden

Kuppeln nehmen komplexe Formen an und haben oft mehrere Ebenen. Ein Beispiel ist die Kuppel im Petersdom in Rom, deren Architekt war.

Am meisten bedeutende Werke Als barocke Architektur gelten das Schloss Versailles und das Gebäude der Französischen Akademie. Zu den weltweit größten Barockensembles zählen Versailles, Peterhof, Zwinger, Aranjuez und Schönbrunn.

Generell muss man sagen, dass sich die Architektur dieses Stils bei vielen verbreitet hat europäische Länder, auch in, unter dem Einfluss von Peter dem Großen.

Barockmusik

Wenn man vom Barock spricht, kommt man an der Musik nicht vorbei, denn auch sie erfuhr in dieser Zeit bedeutende Veränderungen. Komponisten kombinierten groß angelegte Musikformen und versuchten gleichzeitig, Chor- und Chormusik zu kontrastieren Sologesang, Stimmen und Instrumente.

Verschieden Instrumentalgenres. Die bedeutendsten Vertreter der Barockmusik sind Bach, Händel und.

Zusammenfassend können wir mit Sicherheit sagen, dass diese Ära Genies von weltweiter Bedeutung hervorgebracht hat, die für immer ihren Namen in die Geschichte geschrieben haben. Die Kreativität vieler von ihnen ist noch immer geschmückt beste Museen verschiedene Länder.

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Der berühmteste und bedeutendste Künstler des italienischen Barock war Giovanni Lorenzo Bernini (1598–1680). Er verherrlichte sowohl den Absolutismus als auch den Katholizismus. Er war ein Mann von enormer kreativer Energie und einer Vielfalt an Talenten, die ihn in Erstaunen versetzten: Architekt, Bildhauer, Dekorateur, Maler, Zeichner. Er ist einer von denen seltene Künstler der ein langes und angenehmes Leben führte. Tatsächlich war Bernini zeitlebens der Diktator des römischen Kunstlebens.

Einerseits spiegelt seine Arbeit die Anforderungen der Kirche wider (es ist kein Zufall, dass die Kirche sein Talent immer gefördert hat); andererseits erweiterte es die Möglichkeiten räumlicher (plastischer) Kunstformen. Einerseits schuf er den Ruhm der katholischen Kunst, andererseits „korrumpierte“ er die Kirchenskulptur, schuf eine skandalöse, zappelige, unanständig kokette Art religiöser Statuen, die für ein ganzes Jahrhundert zum Kanon wurde.

Einer von berühmte Skulpturen Bernini – David. Es wird ganz anders dargestellt als bei Michelangelo. Es gibt Frieden, hier gibt es Ausdruck, Gefühl, ungestüme Bewegung. Das Gleiche ist im Gesicht zu sehen. Es wird durch eine Grimasse aus Wut und Zorn verzerrt. Biblische Bilder und ihre Interpretation sind wahrlich unerschöpflich. Im Gegensatz zum Monumentalismus der Erweckungskünstler strebt Bernini eine konkrete Darstellung des Ereignisses an.

Aktion und Dynamik sind der Kern von Berninis Kompositionen („Der Raub der Proserpina“, „Apollo und Daphne“). Dieser großartige Künstler konnte einer der ersten (nach antiken Bildhauern) sein, der sich dem Problem der Bewegungsübertragung durch eine räumliche Kunstform näherte.

Besonders ausdrucksstark wurde dies in seiner Skulptur „Apollo und Daphne“ dargestellt (die Geschichte von Apollo und Daphne wird von Ovid erzählt. Apollo verfolgt Daphne, die Tochter des Landes Gaia und den Gott der Flüsse Peneus (oder Ladon), der sie geschenkt hat Wort, um keusch zu bleiben und zölibatär zu bleiben, wie Artemis. Sie wandte sich um Hilfe an die Götter, und die Götter verwandelten sie in sie Lorbeerbaum. Vergebens umarmte Apollo es; es verwandelte sich nicht wieder in Daphne. Und von da an wurde der Lorbeer Apollos beliebteste heilige Pflanze. Bernini hat den Moment der Metamorphose des Körpers der Nymphe in die Wurzeln, Blätter und Zweige eines Baumes überraschend genau dargestellt. Der Stein vermittelt die Zartheit von Daphnes Haut, die Leichtigkeit ihres Haares und die Oberfläche des entstehenden Baumes. Wahrscheinlich war die Skulptur zum ersten Mal so offen und authentisch.

Bernini gelang es, sich dem Genre der skulpturalen Porträtmalerei anzunähern.

Das Porträt von Kardinal Scipione Borghese vermittelt durch die schlaffe Haut, das Satingewand und die charakteristische Bewegung das Gefühl, ein selbstbewusster, intelligenter, sinnlicher und kraftvoller Mensch zu sein.

Bernini schuf eine Reihe wunderbarer sogenannter Zeremonienporträts (manchmal sagt man auch „zeremoniell – romantisch“).

Das Porträt von Francesco d'Este zeigt beispielsweise einen wahren Herrscher, einen Herrscher. Einer der meisten charakteristische Werke Berninis Porträt Ludwigs XIV. in diesem Genre. Auch ohne zu wissen, wessen Porträt wir vor uns haben, können wir vermuten, dass es sich um den König handelt. Bernini zeigt neben Größe auch aristokratische Arroganz, leere Arroganz und Egoismus.

E. Fuchs schreibt in „The Illustrated History of Morals“ über die Barockzeit genau als „eine künstlerische Widerspiegelung des fürstlichen Absolutismus, eine künstlerische Formel von Größe, Pose, Repräsentation ... Es gibt niemanden, der höher ist als der Monarch, auch nicht in der Idee.“ oder in der Praxis... In der Person des absoluten Souveräns auf Erden wandelt die Gottheit selbst. Daher die Pracht, daher der glitzernde goldene Prunk, in den der absolute Monarch gekleidet ist ... die schlichte, sorgfältig durchdachte Zeremonie bis ins kleinste Detail, die jeden ihm erbrachten Dienst vom Moment seines Erwachens bis zu dem Moment, in den er fällt, umgibt schlafen."

Ludwig XIV. konnte weder lesen noch schreiben. Aber dennoch, bemerkt E. Als der berühmte J.B. Colbert (Finanzminister ab 1665) erfuhr, dass sein Sohn zu den Höflingen Ludwigs XIV. zählte, empfand Fuchs dies als höchstes Glück. Er sprach Louis folgendermaßen an: „Sire, es ist unsere Pflicht, ehrfürchtig zu schweigen und Gott jeden Tag dafür zu danken, dass er uns erlaubt hat, unter dem Zepter eines Herrschers geboren zu werden, der keine anderen Grenzen kennt als seinen eigenen Willen.“ Berninis Kunst, die im Porträt Ludwigs XIV. zum Ausdruck kommt, spiegelt auf bemerkenswerte Weise die Psychologie und Sprache der Ära des Absolutismus wider.

Berninis skulpturale Werke fangen das Pathos der Gefühle, spektakuläre Pracht, malerische Effekte, die Kombination von Materialien unterschiedlicher Textur und Farbe sowie den Einsatz von Licht ein. Päpstliche Grabsteine ​​sind eigentlich theatralische Inszenierungen, alles in ihnen ist so gestaltet, dass es Emotionen hervorruft (insbesondere die Grabsteine ​​von Papst Alexander VII. und Papst Urban VIII. zeichnen sich dadurch aus).

Bernini ignorierte seine Lieblingskultthemen des 17. Jahrhunderts nicht. - Martyrien, Ekstasen, Visionen und Apotheosen. So war die Handlung seiner berühmten Skulpturenkomposition „Die Ekstase der Heiligen Teresa“ einer der Briefe einer spanischen Nonne aus dem 16. Jahrhundert, in der sie erzählte, wie sie einen von Gott zu ihr gesandten Engel sah. Bernini gelang es, den inneren Zustand dieser Nonne zu vermitteln, was noch keinem anderen Künstler gelungen war.

Die Charaktere der Komposition erscheinen unerwartet vor dem Betrachter. Die Altarwand scheint sich zu öffnen, die Säulen lösen sich. Die aus weißem Marmor gefertigten Figuren von Teresa und dem Engel ähneln einer Vision. Aber für Teresa ist der Engel Realität. Der Moment höchster emotionaler Erregung wird perfekt eingefangen. Der Kopf ist zurückgeworfen, die Hand hängt schlaff herab. Die gebrochenen Falten der Kleidung verstärken die Leidenschaft des Erlebnisses nur. Vor uns liegt wahrlich schmerzhafte und süße Ekstase. (Es gibt eine ganz eindeutige Ausrichtung der westlichen katholischen Kunst auf Erfahrung und nicht auf mystische Gefühle. In der Bildhauerei, die ein völlig präzises religiöses Gefühl wiedergibt, ist dies sicherlich der Fall schwere Beschichtung Erotik, die es beispielsweise bei einer russischen Ikone noch nie gegeben hat.) In der Komposition spielt das von den Messingstrahlen reflektierte Licht eine besondere Rolle, was das Erlebnis zusätzlich verstärkt. Die skulpturale Komposition befindet sich in der Cornaro-Kapelle.

Berninis Werk zeichnet sich auch dadurch aus, dass er nach neuen Techniken zur Steigerung der Ausdruckskraft sucht und sich dem Gesamtkunstwerk (Skulptur und Architektur) zuwendet. Zum Beispiel der Baldachin und die Kanzel in der Kathedrale St. Petra. Bernini holt aus traditionellen Materialien beispiellose plastische Effekte.

Zu Berninis schönsten Kreationen zählen Brunnen voller enormer dynamischer Kraft. Interessant ist hier die Verbindung von Skulptur und Wasser. Zum Beispiel der berühmte Tritonbrunnen, der Vierströmebrunnen. Berninis Brunnen sind zu einem festen Bestandteil der Architektur Roms geworden.

Bernini blieb als berühmter Architekt in der Geschichte. In der Barockarchitektur verschwindet die der Renaissance-Architektur innewohnende Formenharmonie. Anstelle eines Gleichgewichts der Teile gibt es deren Kampf, Kontraste und dynamische Interaktion.

Das Relief der Wand wird komplexer, die Formen plastischer, als wären sie beweglich, sie „generieren“ sich und setzen sich gegenseitig fort. Barocke Architektur scheint den Menschen in seinen Raum hineinzuziehen.

Zu Berninis Werken gehört die Kirche Sant'Andrea al Quirinale (die Fassade scheint sich zu biegen, der Zaun ist konkav, halbkreisförmige Stufen, der Umriss der Kirche basiert auf einer Ellipse, der Innenraum ist von Kapellen umgeben - Nischen; Nischen, Säulen, Pilaster und Skulpturen sind aus komplexen Winkeln sichtbar, was den Eindruck einer unendlichen Vielfalt erweckt. Interessant ist auch die Lösung der Kuppel: Die Senkkästen sind zur Mitte hin kleiner, was die Illusion einer besonderen Leichtigkeit der Kuppel erzeugt seine besondere Aufwärtsrichtung.

Sehr interessant ist auch die Lösung der „Königlichen Treppe“ im Vatikan. Durch den Einsatz verschiedener perspektivischer Techniken erzeugt Bernini die Illusion seines enormen Ausmaßes und Ausmaßes.

Im Barberini-Palast sind die Räume in einer Enfilade entlang einer Achse angeordnet und diese allmähliche Öffnung, eine Art „Bewegung“ des Raumes, gibt den festlichen Zeremonien einen erhabenen, herrschaftlichen Rhythmus vor.

Der Platz vor dem Petersdom ist eine der großen Schöpfungen Berninis.

Zwei Galerien, die in eine Kolonnade münden, umfassen den Raum des Platzes, „wie offene Arme“, wie Bernini es ausdrückte. Die Mitte des Platzes (seine Gesamttiefe beträgt 280 m) wird durch einen Obelisken markiert, die Brunnen an den Seiten definieren seine Querachse. Der Bereich vor der Kathedrale zeigt besonders deutlich Berninis architektonisches Genie und seine Fähigkeit, den Raum zu modellieren. Auf dem Weg zur Kathedrale muss eine Person unter der Kolonnade oder an ihr entlang gehen, damit sie das Gebäude wahrnimmt verschiedene Punkte Aussicht und in Einheit mit der Kolonnade und den Brunnen.

Bernini erlangte den Eindruck einer kompositorischen Einheitlichkeit der Kathedrale – eines Gebäudes, das von verschiedenen Meistern über zwei Jahrhunderte hinweg erbaut wurde. Die Fassade der Kathedrale erscheint im Moment der unmittelbaren Annäherung vor dem Spaziergänger, doch der grandiose Platz bereitet den Menschen bereits psychologisch auf diese Wahrnehmung vor (eines der Prinzipien des Barock ist die Überraschung, der Wunsch, die Fantasie in Erstaunen zu versetzen, all dies ist bei Bernini vorhanden). Der Platz vor der Kathedrale gilt als das beste architektonische Ensemble Italien XVII V. (I. Preuß).

All dies zusammen verstärkte die Stimmung des religiösen Pathos.

Berninis architektonisches Werk bestätigt das emotionale Prinzip.

Die Kirche San Carlo des berühmten Francesco Borromini ist von der Fassade her ein wahrhaft lebendiger Organismus; sie weist einen unruhigen Rhythmus architektonischer Formen auf. Es erscheint als wirkungsvolles dekoratives Spektakel.

Der Maler Caravaggio (1573-1610) ist die Verkörperung des ungezügelten Temperaments in der Malerei. Ein charakteristisches Merkmal seiner Arbeit ist der Typus. Zu seinen Werken gehören Volksbilder(„Martyrium des Apostels Petrus“).

Peter Paul Rubens nimmt in der Barockbewegung eine besondere Stellung ein. Dieser flämische Künstler wird von vielen Kunsthistorikern als Vertreter der Barockbewegung in der Kunst angesehen.

Rubens - der hellste Vertreter Barockzeit. Der Wunsch nach einem feierlichen „großen Stil“ (eine Folge der Gründung europäischer Monarchien) verband sich im Barock mit einer Haltung gegenüber der Welt als einem komplexen und veränderlichen Ganzen. Daher alles, was als „Markenzeichen“ des Barock gilt: Kontrast, Spannung, Dynamik der Bilder, Affektiertheit, der Wunsch nach Größe und Pracht, nach der Verbindung von Realität und Illusion.

Peter Paul Rubens wurde am 28. Juni 1577 in Siegen in Westfalen (heute Teil Deutschlands) geboren. Er war das siebte Kind in der Familie des Anwalts Jan Rubens. Die Familie Rubens lebte lange Zeit in Antwerpen, zog aber 1568 nach Köln. Tatsache ist, dass Jan zu dieser Zeit begann, sich dem Protestantismus zuzuwenden, was bei der örtlichen katholischen Gemeinde große Unzufriedenheit hervorrief. In Köln erhielt er die Stelle des Sekretärs von Anna von Sachsen, der Frau Wilhelms I. von Oranien. 1591 begann Rubens, Malerei zu studieren. Einige Zeit arbeitete er als Lehrling bei Tobias Verhahat; etwa vier Jahre – bei Adam van Noort; weitere zwei Jahre bei Otto van Ven. 1598 wurde er schließlich in die St.-Künstler-Gilde aufgenommen. Lukas. Rubens' erste Lehrer waren sehr mittelmäßige Maler, aber das Studium bei van Wen kam Rubens zugute. Im Mai 1600 machte sich Peter Paul auf den Weg in das gelobte Land der Künstler. Er lebte acht Jahre in Italien, was seine Zukunft bestimmte. Es ist unwahrscheinlich, dass einer der nordeuropäischen Maler, die in diesen Jahren nach Italien kamen, sich so tief in die italienische Kultur vertiefte wie Rubens. Im Oktober 1608 erhielt Rubens die Nachricht, dass seine Mutter schwer erkrankt sei. Er eilte nach Antwerpen, hatte jedoch nie die Gelegenheit, seine Mutter lebend zu sehen. Am 23. September 1609 erhielt Rubens eine Stelle als Hofmaler am Hofe von Erzherzog Albert und seiner Frau Isabella, die damals im Namen der spanischen Krone Flandern regierten, und zehn Tage später heiratete er die 17-jährige Isabella Brant. IN nächstes Jahr Rubens ließ sich schließlich in Flandern nieder und kaufte großes Haus in Antwerpen beteiligte sich Rubens im Laufe des nächsten Jahrzehnts aktiv an dieser Arbeit und schuf nacheinander erstaunliche Altarbilder. Unter ihnen stechen die Triptychen „Die Kreuzerhöhung“ und „Die Kreuzabnahme“ hervor, die für die Antwerpener Kathedrale geschrieben wurden. Den ersten schweren Schlag versetzte ihm das Schicksal im Jahr 1623, als Rubens‘ Tochter starb (er hatte zwei weitere Söhne), und den zweiten im Jahr 1626, als seine Frau starb („ein Freund und eine unersetzliche Assistentin“, wie Rubens selbst in einem seiner Werke schrieb). seine Briefe).Glück begleitete den Künstler in seinem persönlichen Leben. Im Jahr 1630 heiratete Rubens die 16-jährige Helena Fourment, die Nichte seiner ersten Frau. Diese Ehe erwies sich wie die erste als sehr erfolgreich. Rubens und Helena hatten fünf Kinder (ihre letzte Tochter wurde acht Monate nach dem Tod des Künstlers geboren). Im Jahr 1635 erwarb Rubens das Schloss Steen, das etwa 20 Meilen südlich von Antwerpen liegt. Während er im Schloss lebte, begann er, lokale Landschaften zu malen. Am 30. Mai 1640 starb Rubens unerwartet an einem Herzinfarkt. Die ganze Stadt trauerte um den 62 Jahre alten Künstler.

Barock als Stil

Die Künstler des Barock grenzten sich bewusst von den Künstlern der Renaissance und des Manierismus ab. In ihrer Palette verwendeten sie intensive und warme Farben und insbesondere die Primärfarben Rot, Blau und Gelb, wobei alle drei oft nahe beieinander liegen. Die Barockmalerei umfasst ein breites Spektrum an Stilen, da das wichtigste und grundlegendste Gemälde der Zeit um 1600 über das 17. Jahrhundert bis ins frühe 18. Jahrhundert heute als Barockmalerei bezeichnet wird. Die typischsten Erscheinungsformen der Barockkunst sind: große Dramatik, satte, tiefe Farben und intensive helle und dunkle Schatten. Die Kunst des Barock sollte eher Emotionen und Leidenschaft hervorrufen als die ruhige Rationalität, die in der Renaissance geschätzt wurde. Im Gegensatz zu den ruhigen Gesichtern der Renaissance-Gemälde drückten die Gesichter der Barock-Gemälde deutlich ihre Gefühle aus. Künstler verwendeten häufig Asymmetrien, bei denen die Aktion außerhalb der Bildmitte stattfand, und schufen Achsen, die weder vertikal noch horizontal, sondern nach links oder rechts geneigt waren, was ein Gefühl von Instabilität und Bewegung erzeugte. Sie verstärkten diesen Bewegungseindruck, wenn die Kostüme der Figuren vom Wind verweht wurden oder sich auf ihrem eigenen Weg bewegten. Die allgemeinen Eindrücke waren von der Bewegung. Ein weiteres wichtiges Element der Barockmalerei war die Allegorie. Jedes Gemälde erzählte eine Geschichte und hatte eine Botschaft, oft verschlüsselt in allegorischen Symbolen, die ein gebildeter Betrachter kennen und lesen sollte.

Kunsttheorie im Barock

Eine entwickelte künstlerische Theorie der Barockzeit wurde weder in Italien noch in seinem Heimatland noch in anderen Ländern geschaffen. In den Werken seiner Zeitgenossen wurden nur bestimmte charakteristische Merkmale des Barock beschrieben: Marco Boschini (Italienisch) Russisch, Pietro da Cortona, Bernini, Roger de Pil (Französisch) Russisch. In Boschinis Erzählungen über die Vorzüge der venezianischen Malerei wurden die Prinzipien des Barock nicht klar formuliert, aber die Art der Vergleiche und die Form der Beschreibung weisen auf die Vorlieben des Autors hin, die er nicht gegenüber der antiken Skulptur und Raffael, sondern gegenüber Tizian zum Ausdruck brachte. Veronese, Velazquez und Rembrandt. Boschini betonte die dominierende Rolle der barocken Farbgebung sowie die Diskrepanz zwischen der Bildform und der plastischen. In den Kommentaren zur Ausdruckskraft des Malens mit einem Fleck und darüber optische Täuschung Durch die Verschmelzung von Strichen entwickelte Boschini eine dem Barock nahestehende Weltanschauung.

Pietro da Cortona vergleicht die Gemälde des Barock nicht mit der für Gemälde des Klassizismus typischen Tragödie, sondern mit einem epischen Gedicht und der ihm innewohnenden erzählerischen Breite, Themenvielfalt, Farbigkeit und freien Komposition. In akademischen Auseinandersetzungen mit Andrea Sacchi verteidigten Anhänger von Pietro da Cortona die Vorteile des barocken Bildes, das vom Betrachter nicht verlangte, jede Figur sorgfältig zu analysieren und die Handlung sorgfältig zu „lesen“, um alle Bedeutungsnuancen zu enthüllen, sondern sie vor dem Bild zu entfalten Betrachter „eine strahlende, harmonische und lebendige Gesamtwirkung, die Bewunderung und Staunen hervorrufen kann“ .

In Italien

Es entwickelte sich die italienische Barockmalerei verschiedene Genres, aber meistens handelte es sich um Allegorien, ein mythologisches Genre. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo und die Carracci-Brüder (Agostino und Lodovico) waren in dieser Richtung erfolgreich. Berühmt wurde die venezianische Schule, in der das Genre der Vedata oder Stadtlandschaften sehr beliebt wurde. Der bekannteste Autor solcher Werke ist D. A. Canaletto. Nicht weniger berühmt sind Francesco Guardi und Bernardo Bellotto. Canaletto und Guardi malten Ansichten von Venedig, während Bellotto (ein Schüler Canalettos) in Deutschland arbeitete. Er besitzt viele Ansichten von Dresden und anderen Orten. Salvator Rosa (neapolitanische Schule) und Alessandro Magnasco malten fantastische Landschaften. Letzteres gehört zu den Architekturansichten, und ihm stand der französische Künstler Hubert Robert sehr nahe, der zu einer Zeit arbeitete, als das Interesse an der Antike und römischen Ruinen aufflammte. Ihre Werke zeigen Ruinen, Bögen, Kolonnaden und antike Tempel, allerdings in einer etwas phantastischen Form, mit Übertreibungen. Heroische Gemälde wurden von Domenichino und malerische Gleichnisse von Domenico Fetti gemalt.

In Frankreich

In Frankreich sind den zeremoniellen Porträts von Iacinte Rigaud barocke Züge inhärent. Sein bekanntestes Werk ist ein Porträt Ludwigs XIV. Das Werk von Simon Vouet und Charles Lebrun, Hofkünstlern, die im Genre der zeremoniellen Porträtmalerei arbeiteten, wird als „barocker Klassizismus“ bezeichnet. Die wahre Umwandlung des Barock in den Klassizismus lässt sich in den Gemälden von Nicolas Poussin beobachten.

In Spanien

Der Barockstil in Spanien erhielt eine strengere, strengere Verkörperung, die in den Werken von Meistern wie Velazquez, Ribera und Zurbaran zum Ausdruck kommt. Sie hielten an den Prinzipien des Realismus fest. Zu dieser Zeit erlebte Spanien sein „Goldenes Zeitalter“ in der Kunst und befand sich gleichzeitig im wirtschaftlichen und politischen Niedergang.

Die Kunst Spaniens zeichnet sich durch Dekorativität, Launenhaftigkeit, Raffinesse der Formen, Dualismus von Ideal und Realem, Physischem und Asketischem, Anhäufung und Geiz, Erhabenem und Lächerlichem aus. Unter den Vertretern:

1. Francisco Zurbaran (1598-1664) – „Die Kindheit Unserer Lieben Frau“, „Das Christkind“. Das Wichtigste in seinen Gemälden ist das Gefühl von Heiligkeit und Reinheit; einfache kompositorische Lösung, glatte Linien, dichtes Farbschema, Materialität, Materialität, Farbreichtum, Majestät, Zurückhaltung, Lebenswirklichkeit, verbunden mit der Mystik des Glaubens, hohe Spiritualität, emotionale Intensität.
2. Jusepe Ribera (1591-1652). Die Hauptthemen seiner Gemälde sind das Martyrium von Heiligen und Porträts lebender Menschen langes Leben. Aber seine Arbeit ist nicht sentimental. Vor allem wollte er nicht, dass seine Modelle Mitleid hervorriefen. In ihnen steckt echter spanischer Nationalstolz. Zum Beispiel „Das lahme Bein“, „Heilige Agnes“, „Apostel Jakobus der Ältere“.

Es schien, dass die spanische Malerei niemals die „Wände“ der Tempel verlassen würde. Doch dies gelang Diego Velazquez (1599-1660), einem hervorragenden Meister der psychologischen Porträtmalerei und Charaktermaler. Seine Gemälde zeichnen sich durch die vielschichtige Komplexität ihrer Kompositionen, den Mehrrahmencharakter, die extreme Detailgenauigkeit und die hervorragende Beherrschung der Farben aus. Velazquez ist ein großer Polyphonist der Malerei. „Frühstück“, „Porträt von Olivares“, „Narr“, „Kapitulation von Breda“ („Speere“), „Spinner“.

Der Künstler, der das „goldene Zeitalter“ der spanischen Malerei vollendete, war

Der Begriff stammt von einem italienischen Wort, das im Mittelalter verwendet wurde, um die Abkehr von der schematischen Logik zu beschreiben. Später bedeutete das Wort jede verzerrte Idee oder jeden besonderen Denkprozess. Eine weitere mögliche Quelle ist das portugiesische Wort „Barroco“ (spanisch „Barrueco“), das die unvollkommene Form von Perlen beschreibt. Die Geschichte der Werke in diesem Stil reicht etwa 200 Jahre zurück – die Entwicklung der Ära dauerte vom 16. bis zum 18. Jahrhundert.

In der Kunstgeschichte wird das Wort Barock verwendet, um alles zu beschreiben, was skurril, asymmetrisch, ungewöhnlich, hell ist und die Ablehnung etablierter Regeln und Proportionen symbolisiert. Diese Idee entstand dank der Kritiker des 17. Jahrhunderts. Vor Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert hatte dieser Begriff schon immer Assoziationen mit Groteske, Übertreibung, übermäßiger Verzierung und Prunk. Erst 1888 begann man, den Begriff als Bezeichnung einer Stilrichtung zu verwenden und nicht als Konzept, das Exzess, Exzess in der Malerei kritisierte.

Der barocke Stil emotional aufgeladener Gemälde hatte tiefgreifende Auswirkungen auf alle Kunstformen, einschließlich Architektur und Bildhauerei. In der Malerei kommt diese Kunstrichtung am stärksten zum Ausdruck.

Geschichte der Stilentwicklung

Ein Teil der Reformbemühungen der Kirche bestand darin, ihre Mitglieder zu erziehen, indem ihnen geholfen wurde, mehr über den Glauben zu verstehen. Dies war keine leichte Aufgabe, da die meisten Menschen zu dieser Zeit Analphabeten waren.

Die Entscheidung wurde getroffen, um Kunst verständlicher zu machen gewöhnliche Menschen– Es ist notwendig, die Schaffung der Malerei zu nutzen, um allen und nicht nur den Gebildeten die tiefen Grundsätze des Glaubens zu erklären. Um ihr Ziel zu erreichen, mussten religiöse Gemälde eindeutig, emotional fesselnd und kraftvoll sein, um den Betrachter zu größerer Hingabe zu inspirieren.

Neue Konfessionen wie die Calvinisten glaubten, dass Kirchen und Gottesdienste einfach sein sollten. Die offizielle Kirche und die Priester verfügten jedoch, dass Kunst und ihre Schönheit mehr vermitteln könnten als ihre Worte.

Der Stil wurde von Caravaggio, dem einflussreichsten Künstler des Frühbarocks, begründet. Er ist verantwortlich für die Entdeckung des Hauptmerkmals – der hellen Ausleuchtung der Szene aus der Dunkelheit der Barockwerke. In Zukunft wird dieses Merkmal ein gemeinsames Merkmal der Barockmalerei sein.

Caravaggio zog Kritik an seinem Werk auf sich. Seine religiösen Gemälde haben Kontroversen hinsichtlich seines Wunsches ausgelöst, Menschen ohne Idealisierung darzustellen. Der Maler versuchte, ihre Unvollkommenheit zu vermitteln. Dank Caravaggio kam es zu einem Bruch mit der Renaissance-Tradition des Idealismus, insbesondere mit religiösen Themen.

Entwicklungsstufen

Durchschnitt

Der Hauptvertreter ist Caravaggio. Entwicklungszeitraum: 1600 – 1625.

Hoch

Es entwickelte sich von 1625 bis 1675. In dieser Phase gibt es mehrere Bereiche:

Später

1675-1725. Der Stil wurde von Empfängern der frühen und höheren Stadien geschaffen.

Haupteigenschaften

Die barocke Kunst in der Malerei zeichnet sich durch Dynamik (Bewegungssinn) aus, die durch extravagante Effekte (geschwungene Linien, reiche Verzierung, helle Beleuchtung) ergänzt wird.

Im südlichen Teil entwickelte sich der Vollbarock oder Vollbarock Westeuropa, während Nordwesteuropa eine klassische oder dezente Richtung vorgab.
Der Barock zeichnet sich durch kontinuierliche Überschneidungen, die Überschneidung von Figuren und Elementen aus.

Stilmerkmale:

Die Hauptthemen der Gemälde: Transformationen, Märtyrertum und Tod, Schlachten, intensive psychologische Momente, jede Form der Manifestation von Handlungen, ihre Folgen. Die Barockmalerei kann als Höhepunkt des Realismus in der europäischen Kunst bezeichnet werden. Während der Renaissance erkannten europäische Künstler die Bedeutung von Form und Anatomie für die realistische Darstellung menschlicher Figuren. Den Künstlern des Barock gelang es, Menschenbilder realistisch darzustellen – ihre Porträts wurden aufwändiger, leuchtender und emotionaler. Barockkünstler waren besessen von Licht und Gemälden, die eine Landschaft oder das Innere einer Szene genau darstellten.

Die Barockmalerei kann in dynamische und realistische Barockmalerei unterteilt werden. Ersteres kann als Fortsetzung der italienischen Renaissance betrachtet werden, letzteres als Kunst von Ländern mit unterschiedlichem Entwicklungsstand der Malerei, bei denen der Schwerpunkt auf der physischen Komponente liegt.

Landschaftsgemälde sind mit Werken von Jacob Isaacs van Ruisdael aus den Niederlanden vertreten, Stillleben wurden von Jean Baptiste Simeon Chardin aus Frankreich gemalt und Porträts von Frans Hals. Ihre Werke sind bekannt für ihre besondere Darstellung und Wahrnehmung der Realität.

Nennenswerte Werke

„Die Kreuzigung des Heiligen Petrus“ von Caravaggio

Anders als das Idealisierte, Edle, Klassische menschliche Formen, Renaissance-Künstler, malten lieber Szenen und Menschen mit ihren natürlichen Fehlern.

Peter Paul Rubens „Vier Kontinente“

Der Künstler brachte Energie, Sinnlichkeit und Dramatik in den Barock, nicht nur in religiöse Werke. In ihrer Darstellung erkennt man barocke Züge von kräftiger Farbe, Körperlichkeit und überlappenden Figuren.

„Kreuzabnahme“ von Rembrandt

Der Maler strebte eine natürliche Bewegungsübertragung an. Sein Werk vermittelt die Merkmale barocker Werke: Emotionalität der Szene, gesteigerte Dramatik, aktiver Einsatz von Licht und Schatten.

Bedeutung

Der lebendige und wiedererkennbare Stil der frühen Neuzeit hatte großen Einfluss auf die Künste Europas. Er brachte Realismus, Reichtum, Emotionalität und Dynamik in die Malerei – dank dieser Eigenschaften kann man die Gemälde barocker Künstler leicht erkennen. Größter Einfluss im Rokoko-Stil gestaltet.

Die Renaissance ist zu Ende. Es kam das 17. Jahrhundert, das eine neue Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kunst darstellte. Die Nationalstaaten Europas wurden gestärkt und der Kapitalismus löste das sterbende Feudalsystem ab. Die Unzufriedenheit der Massen mit ihrer Lage wuchs. Das wachsende Bürgertum strebte nach politischer Macht. In Ländern mit entwickelter Industrie und Handel (England und Holland) bürgerliche Revolutionen endete mit dem Sieg des neuen Gesellschaftssystems. Der Kampf gegen den Feudalismus richtete sich auch gegen die katholische Kirche, die an der Spitze der reaktionären Kräfte stand.

In dieser schwierigen Zeit neue Kultur, das der Welt große Wissenschaftler bescherte – Galileo, Leibniz, Newton, Philosophen – Bacon, Spinoza, Descartes, Schriftsteller – Shakespeare, Cervantes, Moliere.

Auch die bildende Kunst entwickelte sich höchste Erfolge was vor allem mit Ländern wie Italien, Spanien, Holland, Flandern und Frankreich in Verbindung gebracht wird.

Die wichtigste Stilrichtung in der Kunst dieser Zeit war der Barock, der Ende des 16. Jahrhunderts in Italien entstand. Der Name „Barock“ bedeutet wörtlich „seltsam“, „bizarr“. Es sind diese Beinamen, die überraschenderweise den Merkmalen des neuen Stils entsprechen, der in der Kunst Westeuropas bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts seine Popularität behielt. Der Barock zeichnet sich durch Merkmale wie Leidenschaft und Lebhaftigkeit der Gefühle, Emotionen bis hin zur Übertreibung, zeremonielle Feierlichkeit und Prunk aus.

Die Herrscher und die katholische Kirche versuchten es zu ihrem Vorteil zu nutzen, indem sie ihre Stärke und Macht durch die Kunst förderten und den Glauben des Volkes stärkten. Aus diesem Grund war die Barockkunst in Ländern mit katholischer Religion am weitesten entwickelt.

Gleichzeitig drückte dieser Stil auch fortschrittliche Vorstellungen über die Vielfalt und Variabilität der Welt aus und der Mensch erscheint als komplexe Persönlichkeit mit einer eigenen Welt voller tiefer Gefühle und Erfahrungen.

Malerei in der Barockkunst besetzt spezieller Ort. In dieser Ära erschienen neue Genres und Themen. Nun verwendeten Künstler für ihre Werke nicht nur religiöse und mythologische Motive, sondern auch Themen, die sich auf die Realitäten des Lebens um sie herum bezogen.

Einige Forscher unterteilen die Barockmalerei in drei Teile, je nachdem, wer der Kunde war: Kirche, Hof, Bürgertum. Die Kirchenmalerei ist charakteristisch für Spanien, die Hofmalerei ist charakteristisch für Flandern und die bürgerliche Malerei ist charakteristisch für Holland, das zu dieser Zeit das fortschrittlichste Gesellschaftssystem hatte.

Barocke Meister verwendeten hauptsächlich in ihren Werken warme Farbtöne und sanfte Farbübergänge, gekonnt eingesetzte Licht- und Schatteneffekte und Kontraste heller und dunkler Töne. Ihre Bilder zeichnen sich durch intensive Dramatik aus; Die Posen der Helden sind instabil, die Gesten und Bewegungen sind scharf und übertrieben ausdrucksstark. Die zum Himmel erhobenen Augen von Heiligen und Märtyrern, die unglaublich geschwungenen Körper der Figuren in mythologischen Kompositionen sollten den Eindruck des Dargestellten verstärken die Leinwand und regen den Betrachter dazu an, sich in die Helden hineinzuversetzen.

Malerei von Italien

In Italien, dem Geburtsort des Barock, im 17. Jahrhundert. Die Freskenmalerei blühte auf. Große Berühmtheit erlangte die Künstlerfamilie Carracci, die in Rom und Bologna zahlreiche Wandgemälde nach antiken Motiven schuf. Lodovico Carracci und seine Cousins ​​​​Annibale und Agostino Carracci gründeten 1585 in Bologna eine Werkstattakademie, in der sie junge Künstler nach einem eigenen Programm ausbildeten, das auf die Schaffung monumentaler und zeremonieller Kunst abzielte. Zu den Studenten der Akademie gehörten Guido Reni und Domenichino, die in Rom arbeiteten Anfang des XVII V.

Michelangelo da Caravaggio

Ein bedeutender Ort in der italienischen Malerei an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. beschäftigt sich mit der Arbeit von Michelangelo da Caravaggio. Geboren 1573 in der Lombardei. Kunstunterricht in Mailand empfangen. In den frühen 1590er Jahren in Rom ansässig. Der Maler genoss die Schirmherrschaft von Kardinal del Monte. Im Jahr 1606 stritt sich Caravaggio während eines Ballspiels mit einem der Teilnehmer der Unterhaltung und tötete ihn in einem Duell. Der Künstler versteckt sich vor der Regierung und muss nach Neapel und dann auf die Insel Malta fliehen. Nach einem Streit mit einem der Vertreter des örtlichen Adels musste er nach Sizilien aufbrechen. 1608-1609. Caravaggio versteckte sich vor Attentätern in Sizilien und Süditalien. In Neapel konnte der Künstler einem Angriff nicht entgehen, bei dem er verletzt wurde. Im Jahr 1610 reiste Caravaggio auf dem Seeweg nach Rom, in der Hoffnung auf die Vergebung des Papstes, doch bevor er sein endgültiges Ziel erreichte, wurde er von Frachtführern ausgeraubt und starb an Malaria.

Caravaggios rebellischer Geist manifestierte sich auch in seinem Werk. Der nach Wahrheit strebende Künstler stellt einfache Menschen in religiösen und mythologischen Kompositionen dar. Dies sind die Helden seiner frühen Werke („Little Sick Bacchus“, ca. 1591; „Bacchus“, 1592-1593), in denen die süßen, gutaussehenden Helden der akademischen Kunst den Bildern gewöhnlicher Italiener mit charakteristischen Gesichtszügen (Mandel) weichen -förmige Augen, volle Lippen, dunkle, seidige Locken). Die Realität der Figuren wird durch die Details des Stilllebens betont: Blumen, Früchte, Musikinstrumente. Das Interesse am Stillleben ist in vielen Werken Caravaggios spürbar. Im Jahr 1596 schuf der Künstler eine der ersten Kompositionen dieser Gattung in der Geschichte der europäischen Malerei – „Obstkorb“.

Caravaggio strebt nach Authentizität und stellt in seinen Werken immer dar wahres Leben, egal wie grob und gnadenlos es auch sein mag („Opfer Abrahams“, 1594-1596; „Judith und Holofernes“, 1595-1596). Zeitgenossen zufolge blieb der Maler, der zu einer Ausstellung antiker Statuen eingeladen wurde, ihrer kalten Schönheit gegenüber gleichgültig und sagte, indem er auf die Menschenmassen zeigte, dass sie, gewöhnliche Zeitgenossen, ihn inspirierten. Um seine Worte zu beweisen, hielt der Künstler eine vorbeikommende Zigeunerin an und malte sie, wie sie das Schicksal eines jungen Mannes vorhersagte. So entstand die berühmte „Wahrsagerin“ (1595).

Caravaggio sucht seine Helden auf der Straße, in kleinen Tavernen, in böhmischer Umgebung. Er schreibt Spieler, Musiker („Spieler“, 1594-1595; „Lautenspieler“, 1595).

In seinen reifen Jahren wandte sich Caravaggio der monumentalen Kunst zu. Er schildert die Ereignisse der Heiligen Geschichte für die Kirchen San Luigi dei Francesi und Santa Maria del Popolo ebenso realistisch und wahrheitsgetreu wie Genreszenen. Damit waren die Kunden unzufrieden: Die Kirche nahm das Gemälde „Apostel Matthäus mit Engel“ nicht an, weil ihr das Aussehen der Heiligen unhöflich und unanständig vorkam. Der Künstler musste ein anderes Bild malen.

Zwei monumentale Kompositionen von Caravaggio wurden zu wahren Meisterwerken: „Grablegung“ (1602) und „Himmelfahrt Mariens“ (1605-1606). Das letzte Werk wurde aufgrund der realistischen Darstellung des Todes der Muttergottes vom Auftraggeber abgelehnt – der römischen Kirche Santa Maria della Scala. Der Künstler interpretiert das Thema der Himmelfahrt Mariens als einfaches Lebensdrama: Der Tod einer gewöhnlichen Frau wird von ihrer Familie und ihren Freunden betrauert.

Das Gemälde „Grablegung“ ist von tiefer Tragödie geprägt, zeichnet sich aber gleichzeitig durch Zurückhaltung und Wahrhaftigkeit aus, es gibt keinen übertriebenen Ausdruck und keine Erhebung, die für die Malerei vieler Künstler des Barock charakteristisch ist. Durch die Darstellung des toten Christus und der traurig erstarrten Menschen um ihn herum versucht der Künstler die Idee eines heroischen Todes zu vermitteln und tut dies überzeugend und realistisch.

Die Nöte des Lebens und die ständigen Auseinandersetzungen mit der Kirche führen zu einer Intensivierung des tragischen Klangs in Caravaggios Werken der letzten Lebensjahre („Die Geißelung Christi“, 1607; „Sieben Taten der Barmherzigkeit“, 1607).

Der italienische Meister legt großen Wert auf die Lichtübertragung: Die Handlung in seinen Werken findet meist im Halbdunkel statt, ein aus der Tiefe kommendes Lichtbündel durchquert den Raum der Leinwand (sog. Kellerbeleuchtung). Viele Künstler des 17. Jahrhunderts. verwendeten diese Technik in ihren Werken, die dem Bild Dramatik verleiht.

Caravaggios Werk hatte nicht nur großen Einfluss auf italienische, sondern auch auf ausländische Künstler, die in Rom arbeiteten. Die Anhänger des Malers verbreiteten seinen „Caravaggismus“ genannten Stil in anderen europäischen Ländern.

Die meisten italienischen Caravaggisten erreichten nicht den Höhepunkt des Ruhmes des großen Meisters. Unter ihnen können wir diejenigen hervorheben, die in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts tätig waren. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, Spitzname Battistello. Zu Beginn ihrer kreativen Karriere liebten Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velazquez und Ribera den Caravaggismus.

Im 17. Jahrhundert sehr beliebt. in Neapel wurde von Salvator Rosa verwendet, dessen Name mit dem Auftreten romantischer Landschaften in der Malerei verbunden ist.

Salvator Rosa

Im Jahr 1615 wurde im Haus des Landvermessers und Architekten Vitantonio Rosa in der Kleinstadt Arenella in der Nähe von Neapel ein Junge geboren. Sie nannten ihn Salvator. Aus den Fenstern des heruntergekommenen Casaccio-Anwesens bot sich ein herrlicher Blick auf Neapel und den Vulkan Vesuv. Rund um das Dorf gab es viele Orte, die durch ihre Schönheit bezauberten: der hohe Felsen von San Elmo, die Festung Borgo di Arenella, die während der Herrschaft Karls V. erbaut wurde, die Hügel von Vomero und Posilipo, die Insel Capri, die Küste von der Golf von Neapel mit transparentes blaues Wasser. All diese Bilder werden sich später in den Gemälden von Salvator Rosa vollständig widerspiegeln. Schon in jungen Jahren versuchte der zukünftige Künstler, die Naturbilder, die ihn begeisterten, auf kleinen Zetteln festzuhalten.

Als seine Eltern in ihrem Sohn den Wunsch nach Wissen, Wissenschaft und Kunst bemerkten, beschlossen sie, ihn am Jesuitenkolleg der Somasca-Kongregation in Neapel anzumelden. Dort erhielt Salvator Rosa eine vielfältige Ausbildung: Er studierte klassische Literatur, studierte Grammatik, Rhetorik, Logik. Unter anderem erhielt ich musikalische Ausbildung Er lernte Harfe, Flöte und Gitarre und versuchte sogar, kleine Musikwerke zu komponieren (die Serenaden-Doncellas, die er schrieb, sind bekannt). Einige Serenaden waren bei den Neapolitanern so beliebt, dass sie sie Tag und Nacht unter den Fenstern ihrer Liebhaber sangen.

Nach einiger Zeit verlässt Salvator Rosa das College und kehrt in seine Heimatstadt Arenella zurück, wo er den lokalen Künstler Francesco Fracanzano trifft, ehemaliger Schüler Spanischer Meister der Malerei Jusepe Ribera, der sich damals ungewöhnlich großer Beliebtheit erfreute. Nachdem er Francescos Gemälde gesehen hatte, fertigte Salvator mehrere Kopien davon an, wofür er Lob von Fracanzano verdiente, der in dem jungen Mann das Talent eines echten Künstlers erkennen konnte und ihm riet, sich ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen.

Von nun an zeichnet Rosa viel. Auf der Suche nach neuen Bildern begibt er sich auf eine Reise durch die Abruzzen. Zu dieser Zeit erscheinen Landschaften mit Bildern der Täler des Monte Sarkio mit einem erloschenen Vulkan, den Grotten von Palignano, den Höhlen von Otranto sowie den Ruinen der antiken Städte Canusia und Brundisia, den Ruinen des Bogens und der Amphitheater von Benevent.

Dort, in den Abruzzen und in Kalabrien, traf der junge Künstler auf vagabundierende Räuber, darunter solche, die von „anständigen“ Menschen wegen ihrer freiheitsliebenden, kühnen Gedanken aus der Gesellschaft ausgeschlossen wurden. Das Erscheinen dieser Banditen schockierte Salvator so sehr, dass er beschloss, sie in seinem Album festzuhalten. Ihre Bilder wurden dann in den späteren Kompositionen des bereits reifen Meisters verwendet (hier sei an den Stich aus der Capricci-Suite erinnert, der die Gefangennahme eines jungen Mannes durch vom Häuptling angeführte Räuber zeigt) und fanden auch in Gemälden ihren Niederschlag Darstellung von Kampfszenen.

Die Reise war fruchtbar und bedeutsam für die Entwicklung der Landschaftskunst des jungen Malers. Während seiner Reisen fertigte er viele Skizzen mit Ansichten der italienischen Natur an. Diese Landschaften, die dann auf Gemälde übertragen werden, sind ungewöhnlich realistisch, lebendig und natürlich. Es scheint, als wäre die Natur nur für einen Moment eingeschlafen. Es scheint, als würde in einer Sekunde alles zum Leben erwachen, eine leichte Brise wird wehen, die Bäume werden sich wiegen, die Vögel werden zwitschern. Rosas Landschaften enthalten enorme Kraft und besonderen Ausdruck. Die Figuren von Menschen und Gebäuden, die Teil eines Ganzen sind, verbinden sich harmonisch mit Bildern der Natur.

Die erste Ausstellung von Salvator Rosa fand in Neapel statt. Einer derjenigen, die die Arbeit des jungen Künstlers bemerkten und schätzten, war der berühmte Meister monumentale Malerei Giovanni Lanfranco, der sich auf der Ausstellung mehrere Landschaften kaufte.

Mitte 30. XVII Jahrhundert Salvator Rosa zieht nach Rom – die Hauptstadt der Welt bildende Kunst, wo Barock und Klassizismus herrschen. In Rom lernte Rosa die Arbeit dieser kennen große Meister Gemälde wie Michelangelo, Raffael, Tizian, Claude Lorrain. Ihr Schreibstil hatte großen Einfluss auf die Entstehung kreative Methode und künstlerische und visuelle Techniken von Rose. Dies macht sich am deutlichsten bei Gemälden mit Meereslandschaften bemerkbar. Also, " Seehafen„Geschrieben in den besten Traditionen von C. Lorrain. Der junge Künstler geht jedoch weiter als der Lehrer. Seine Landschaft ist natürlich und konkret: Die idealen, eher abstrakten Bilder Lothringens werden hier durch die Figuren gewöhnlicher Fischer aus Neapel ersetzt.

Einige Monate später verlässt Rosa schwer erkrankt die üppige und schöne Hauptstadt Italiens. Erst 1639 kehrte er zurück. Im Sommer dieses Jahres fand in Rom ein Karneval statt, bei dem Rosa als reisender Schauspieler unter dem Deckmantel von Coviello (einem Plebejer, der sein Schicksal nicht akzeptiert hatte) auftrat. Und wenn andere Coviello ihr Bestes gaben, so viel wie möglich echten Bauern zu ähneln, dann spielte Rosa seine Maske perfekt, komponierte eine ganze Aufführung und zeigte ihm, wie er singt und Gitarre spielt, fröhlich, nicht entmutigt unter allen Umständen und Widrigkeiten des Lebens junger Mann. Die Karnevalsaktion fand auf der Piazza Navona statt. Salvator Rosa fuhr mit einer kleinen Gruppe von Schauspielern in einem reich mit Blumen und grünen Zweigen geschmückten Karren los. Roses Erfolg war enorm.

Nach Ende des Karnevals nahmen alle ihre Masken ab. Stellen Sie sich die Überraschung seiner Umgebung vor, als sich herausstellte, dass sich unter dem Deckmantel eines Bauern kein anderer als Salvator Rosa befand.

Danach beschloss Rosa, mit der Schauspielerei zu beginnen. Unweit der Porta del Popolo, in einer der leerstehenden Villen, eröffnet er sein eigenes Theater. Der Inhalt der unter der Leitung von Rosa aufgeführten Stücke ist Kunstkritikern und Historikern nicht bekannt. Es gibt jedoch Fakten, die für sich sprechen: Nach der Premiere des Stücks, in dem die Schauspieler das Hoftheater unter der Leitung des damals berühmten Architekten und Bildhauers Lorenzo Bernini verspotteten, heuerte jemand Attentäter für Rosa an. Sie lauerten ihm in der Nähe seines Hauses auf.

Zum Glück kam es nicht zum Attentat – der junge Mann überlebte. Aufgrund dieser Umstände war er jedoch gezwungen, Rom wieder zu verlassen.

Auf Einladung von Kardinal Giovanni Carlo Medici reist Rosa nach Florenz. Hier schafft der Künstler
das berühmte „Selbstporträt“.

Die Leinwand zeichnet sich durch ihre einzigartige Ausführung aus. Der im Porträt dargestellte junge Mann wirkt etwas kantig. Allerdings spürt man in ihm überschäumende Energie, außergewöhnliche Willenskraft und Entschlossenheit. Auf dem Gemälde lehnt ein junger Mann an eine Tafel mit der lateinischen Inschrift: „Avt tace, Avt Loqver meliora silenceio“ („Entweder schweige, oder sag, was besser ist als Schweigen“). Diese Inschrift klingt wie der Durchgedanke des gesamten Kunstwerks und zugleich wie das Credo des auf der Leinwand dargestellten jungen Mannes (und damit des Malers selbst).

Der Künstler beherrscht das Spiel von Licht und Schatten meisterhaft. Die Ausdruckskraft des Bildes wird gerade durch den Schatteneffekt erreicht, der sich scharf und manchmal sogar unerwartet in helle Flecken verwandelt.

Es ist kein Zufall, dass sich die Figur eines jungen Mannes vor dem Hintergrund des Abendhimmels befindet: Das Bild eines stolzen, unabhängigen jungen Mannes in dunkler Kleidung hebt sich von einem hellen Hintergrund ab und wird dadurch für den Betrachter näher und verständlicher .

In diesem Sinne entstanden auch Roses berühmte Satiren, unter denen „Poesie“, „Musik“, „Neid“, „Krieg“ und „Malerei“ einen besonderen Platz einnehmen, die zu einer Art Hymne des jungen Schriftstellers und Künstlers wurden . Hier sagt der Autor, dass Maler als Diener einer der Schwestern der Kunst – der künstlerischen und visuellen Kreativität – sich gut mit Geschichte, Ethnographie und exakten Wissenschaften auskennen sollten. Roses Stil sowohl in der Poesie als auch in der Malerei manifestierte sich in seiner Gesamtheit. Seine Gedichte sind energisch, ungestüm, emotional und an manchen Stellen zu grob und hart. Sie sind eine Art Gegensatz zu der niedlichen und künstlich theatralischen Art und Weise, poetische Formen zu konstruieren und auszuklingen, die sich damals in der Literatur entwickelten.

Salvator Rosa blieb bis 1654 in Florenz. Sein Haus war nach den Erinnerungen seiner Zeitgenossen der Ort, an dem die meisten Menschen lebten berühmte Menschen: Dichter R. Giambatisti, Maler und Schriftsteller F. Baldinucci, Wissenschaftler E. Torricelli, Professor an der Universität Pisa G. B. Ricciardi.

Eine der zentralen Ideen in der Kunst des barocken Alltags ist es, „den Betrachter oder Leser unaufdringlich zu lehren, durch Schönheit zu lehren“. Nach dieser unausgesprochenen Regel schufen Künstler Leinwände, bei deren Betrachtung der Betrachter ganz bestimmte Assoziationen hatte und Bilder literarischer Helden hervorrief. Und umgekehrt, so die Autoren des Barock, sollte ein dichterisches Werk so beschaffen sein, dass nach der Lektüre dem Leser malerische, helle und farbenfrohe Bilder vor Augen erscheinen.

Fast alle künstlerischen und visuellen Arbeiten Rosas basieren auf den von ihm geschaffenen literarischen Bildern. Genau so wurden viele Gemälde gemalt. Märchen und Leinwände mit Kampfszenen, die nach der Entstehung der Satiren „Die Hexe“ und „Der Krieg“ entstanden.

Die Leinwand mit dem Titel „Lies“ ist eine gute Illustration für das Gedicht „Ich nehme mein Rouge ab und male von meinem Gesicht.“ Auffällig ist hier die Ähnlichkeit zwischen der Hauptfigur des Bildes und dem Autor selbst. Salvator Rosa beweist eine hervorragende Beherrschung der Maltechnik bei der Vermittlung von Mimik und Gestik. Die Handlung basiert auf einer Episode, in der sich zwei Schauspieler nach einer Aufführung hinter den Kulissen eines Theaters unterhalten. Der Ton für das gesamte Werk wird durch ungewöhnliche Übergänge von Licht in Schatten und die Verwendung von Farben einer bestimmten Farbe vorgegeben (der Hintergrund ist dunkelbraun, die gelbliche Kleidung des Schauspielers symbolisiert Lüge und Täuschung). Von besonderer Bedeutung ist der Blick eines der Schauspieler, der nicht auf den Gesprächspartner, sondern irgendwo daneben gerichtet ist. Es ist, als würde die Person versuchen, ihre Gedanken vor ihrem Freund zu verbergen.

Die Grundidee der Leinwand lässt sich mit den Worten von W. Shakespeare definieren, die zu einer Art Motto der Barockkunst wurden, als er sagte, dass Menschen Schauspieler auf der Bühne des Lebens seien. Die Haupttechnik künstlerisches Bild Realität und Mensch darin Theaterproduktion ist eine Täuschung. Daraus ergibt sich in Rosas Gemälde die Verbindung zwischen dem Konzept der Lüge und dem Bild eines dramatischen Schauspielers, der während einer Aufführung eine Maske aufsetzt.

Die Idee der Möglichkeit der Existenz eines mit vielen Fähigkeiten ausgestatteten Übermenschen kommt am deutlichsten in den Porträts von Salvator Rosa zum Ausdruck. Dies ist das „Porträt eines Mannes“ („Porträt eines Banditen“), in dem ein Mann mit einem scharfen, durchdringenden, durchdringenden Blick und einem ätzenden Lächeln auf den Lippen vor uns erscheint. Dieses Bild kann nicht als definitiv eindeutig bezeichnet werden. In den Augen des Landstreichers liegt etwas Alarmierendes und warnendes für uns, das Publikum, vor dem starken, entschlossenen und stolzen Charakter dieses Mannes, dessen Emotionen jeden Moment durchbrechen und zum Vorschein kommen können. Das Porträt eines Banditen erweist sich als komplexer als der offene und etwas romantisch veranlagte junge Mann aus dem Gemälde „Selbstporträt“. Durch die besondere Kombination und Anordnung von Licht und Schatten auf der Leinwand entsteht Mehrdeutigkeit in der Interpretation des Bildes. Die ungewöhnlich helle Ausdruckskraft des Porträts wird durch meisterhaften Einsatz erreicht Maltechnik und die Verwendung kontrastierender Farben (dunkler Hut und heller Hintergrund, weißes Hemd und schwarzer Pelzmantel).

Kunstkritiker behaupten, dass es sich beim „Porträt eines Mannes“ um dasselbe Selbstporträt handelt. Hier versucht sich der Autor als professioneller Schauspieler in der Rolle eines Banditen, der jede Sekunde bereit ist, gegen seine Feinde zu kämpfen. Zeitgenossen schrieben, dass hier (genau wie im „Selbstporträt“) der Charakter des Künstlers selbst weitgehend zum Vorschein kommt – ein Rebell mit entschlossenem und starkem Charakter. Der Held des Bildes ist keine abstrakte Figur mehr, sondern eine reale Person, in deren Seele stürmische Leidenschaften kochen.

Das Werk von Salvator Rosa ist die Anfangsphase der Entstehung und Entwicklung einer neuen Bildform – der Landschaftsmalerei. Auf diese Weise konstruierte Werke kombinieren Elemente, die tatsächlich im Alltag existieren, und solche, die fiktiv sind.

Besonders interessant und aufschlussreich ist Rosas Werk mit dem Titel „Landschaft mit Brücke“, das derzeit in der Pitti-Galerie in Florenz aufbewahrt wird. Die Leinwand zeigt eine kleine Landschaft mit einer Brücke und einem hohen Felsen, der sich unmittelbar dahinter in Form eines Bogens erhebt. Zwei Reisende sind auf der Straße unterwegs. Sie haben sich offenbar an einem ihnen unbekannten Ort verlaufen. Sie fragen einen zerlumpten Kerl nach dem Weg. In der Ferne sind zwei Gestalten hinter einem Felsen versteckt. Die Sonne verschwand hinter der Wolke. In der Nähe der Brücke ist es dunkel; hinter jedem Busch oder Stein kann ein Passant von Räubern angegriffen werden, die sich vor der Justiz verstecken und allein nach der Wahrheit suchen.

Vielleicht könnte dies die Interpretation der Handlung des Bildes sein. Durch den meisterhaften Umgang des Künstlers mit der Technik der Kombination von Lichtflecken und Schatten entsteht darin der Eindruck von Angst und einer gewissen Mehrdeutigkeit. Das in der Ferne, im Hintergrund der Komposition, deutlich sichtbare Sonnenlicht wird auf der Leinwand nach und nach durch Schatten und Dunkelheit ersetzt, was beim Betrachter ein schmerzhaftes Gefühl und eine Vorahnung der Gefahr hervorruft.

Die im Bild dargestellte Brücke, der nach oben ragende Felsbogen, der Wechsel von Licht und Schatten – alles verleiht der Landschaft eine außergewöhnliche Dynamik und haucht ihr Leben ein.

Zeitgenossen des Künstlers haben wiederholt über die Präsenz und Dominanz romantischer Elemente in Rosas Werk gesprochen. Sie sind auch in „Landschaft mit Brücke“ präsent: ein helles, in den Strahlen der Sonne versunkenes Tal und dunkle, düstere Felsen in der Nähe der Brücke, voller gespannter Vorfreude.

Oftmals scheint die Natur in der Gesamtkomposition dominant zu sein. Darüber hinaus ist dieses Element wichtig, um das Bild zu beleben und beim Betrachter eine bestimmte Stimmung und Assoziation zu erzeugen. Im Gemälde „Fright“ wird eine besondere Ausdruckskraft durch die Verschmelzung menschlicher Figuren und Natur zu einem Ganzen erreicht. Der Mensch agiert hier als integraler Bestandteil der Lebenswelt.

Durch den Kontrast von Licht und Schatten entsteht eine besondere Stimmung in der Landschaft, wodurch Orte im Bild wie von einem Lichtstrahl aus der Dunkelheit gerissen erscheinen. Das Angstgefühl wird auch durch eine bestimmte Position der Figuren hervorgerufen. Die vom Künstler verwendeten Körperbewegungen, Gesichtsausdrücke und Gesten der Menschen sowie ausdrucksstarke, satte Farben rufen beim Betrachter ein Gefühl der Angst und drohenden Gefahr hervor.

Dieses Gemälde wird derzeit in der Pitti-Galerie in Florenz aufbewahrt.

Salvator Rosa ist der Schöpfer einer solchen Landschaftsart wie der philosophischen. Ein markantes Beispiel ist die berühmte „Waldlandschaft mit drei Philosophen“. Die Natur gibt hier nicht nur den Ton für die Gesamtkomposition vor, sondern drückt auch Gefühle, Emotionen, Geisteszustand drei Männer, die vielleicht über den Sinn des irdischen Lebens und die alltägliche menschliche Eitelkeit streiten. Der außergewöhnliche Ausdruck kommt zum Ausdruck durch mächtige Bäume, die sich im Wind biegen, sich schnell bewegende Wolken, die den transparenten Himmel fast vollständig bedeckten, und gestikulierende Menschen, die sich gegenseitig etwas beweisen wollen. Dynamik und besondere Emotionalität werden dem Bild durch einen scharfen Wechsel heller und dunkler Flecken verliehen.

Roses kühner, manchmal sogar etwas harscher Malstil, der den Betrachter begeistert (Kontrast von Licht und Schatten, Landschaftsdetails, lebendiger Ausdruck der Gesamtkomposition), wurde später von romantischen Künstlern in der Kunst fortgeführt.

Fast alle von Rosa geschaffenen Stillleben zeichnen sich durch den gleichen ängstlichen und rebellischen Charakter aus. In Italien waren damals Stillleben von Paolo Porpora und Giuseppe Recco sehr beliebt. Ihre Leinwände lockten den Betrachter mit der fast greifbaren Realität der dargestellten Bilder. Es schien, als wären die Blumen, Fische, Früchte nicht gezeichnet, sondern einfach an die Wand übertragen und festgeklebt worden, sie wirkten so lebendig.

Dem Prinzip der Barockkunst (Literarität der Kunstwerke) folgend, schuf Salvator Rosa Stillleben voller philosophischer Inhalte. Die ständigen Gegenstände seiner Aufmerksamkeit waren alte Bücher in heruntergekommenen Einbänden, verschiedene Musikinstrumente, Musiksammlungen, Instrumente zur Beobachtung der Sterne und fast immer - ein Schädel, der die eitle Eitelkeit des irdischen Lebens symbolisiert - Vanitas (von lateinisch „Eitelkeit der Eitelkeiten“).

Salvator Rosa gilt als Meister der Darstellung von Kampfszenen. Das Malen von Schlachten lernte er in der Werkstatt von Agnello Falcone (1607-1656). Auf Falcones Leinwänden ist es unmöglich, Haupt- und Nebenfiguren zu finden. Alle Bilder bilden ein Ganzes und sind einer Aufgabe untergeordnet: der Schaffung eines realen Bildes, das den Charakter einer bestimmten Schlacht ohne Übertreibung vermittelt.

Die gleiche Art ist charakteristisch für Rose. Seine Auseinandersetzung mit dem Thema Schlachtszenen wird mit dem Verhalten der westeuropäischen Länder im Krieg, der später als Dreißigjähriger Krieg bezeichnet wurde, in Verbindung gebracht.

Salvator Rosas Kriegsschauplatz ist unglaublich ausdrucksstark und befindet sich in der Regel bis zum Horizont vor der Kulisse zerstörter, in Stille erstarrter Lage architektonische Gebäude(Türme, Paläste, Tempel) und ein transparenter blauer Himmel, an manchen Stellen mit weißen Wolken bedeckt, die für das Auge kaum sichtbar sind. Der Kontrast des klaren Himmels und des Feldes, auf dem sich dramatische Ereignisse unter Beteiligung von Menschen abspielen, die von Hass aufeinander überwältigt sind und deren Gesichter vor Schmerz oder Wut verzerrt sind, unterstreicht und schärft das ewige Thema der Sinnlosigkeit und Tragödie des Krieges für die Menschheit weiter.

Und hier agiert der Künstler als wunderbarer Meister, der die Kunst, Licht und Schatten zu kombinieren, fließend beherrscht. Einzelne Lichtstrahlen entrissen der Dunkelheit menschliche Figuren und Gesichter tun es allgemeine Zusammensetzung ausdrucksstark, unglaublich emotional und dynamisch.

Eines der interessantesten Gemälde ist die „Schlacht“, die den Kampf zwischen Rebellenabteilungen und der regulären spanischen Armee während des von T. Masaniello angeführten Aufstands darstellt. Es wird vermutet, dass Salvator Rosa an diesem Aufstand beteiligt war. Die Annahme entstand aufgrund der Tatsache, dass auf der Leinwand in der linken Ecke der Künstler selbst abgebildet ist. Die Vermutung wird neben dem visuellen Vergleich auch durch die Inschrift auf der Rüstung dieses Kriegers bestätigt: „Saro“ (Salvator Rosa).

Dennoch können Kunsthistoriker Rosas Teilnahme am Aufstand noch immer nicht kategorisch bestätigen. Biographen zufolge war Salvator Rosa zu diesem Zeitpunkt nicht in Neapel. Er war in Florenz und verfolgte von dort aus die schrecklichen Ereignisse, die sich in der Großstadt abspielten. Es ist auch anzumerken, dass der Künstler die Ansichten der Rebellen voll und ganz teilte. Und um meine Einstellung zu den Ereignissen und den Rebellen zumindest irgendwie zum Ausdruck zu bringen, habe ich beschlossen, mich selbst in einer Kampfszene darzustellen.

Im Jahr 1649 verließ Salvator Rosa Florenz und ging nach Rom, wo er sich auf dem Monte Pincio an der Piazza della Trinita del Monte niederließ. Von den Fenstern des Hauses aus hatte man einen herrlichen Blick auf den Petersdom und den Quirinalsberg. Neben Rose wohnten die berühmten Künstler jener Zeit, Nicolas Poussin und Claude Lorrain, und nicht weit vom Haus des Malers entfernt befand sich die Villa Medici.

Seit dem Auftritt von Salvator Rosa in Florenz sind die Bewohner der Monte-Pincio-Straße in zwei Lager gespalten. Eine Gruppe wurde von einem asketisch aussehenden jungen Mann, Nicolas Poussin, angeführt. Eine andere, zu der berühmte Musiker, Sänger und Dichter gehörten, wurde von Rosa geleitet.

Salvator Rosa verwandelte einen der Räume seines Hauses in eine Werkstatt. Die Wände waren mit Originalwerken des Künstlers geschmückt. Der Meister arbeitete ständig und schuf Leinwände mit unterschiedlichem Inhalt: religiös, mythologisch und historische Themen. Sein Credo war ständige Arbeit, Verbesserung der Technologie. Er sagte allen, dass „Sternenfieber“ (wie unsere Zeitgenossen heute sagen würden) selbst die stärksten und klügsten Talente zerstören kann. Daher ist es notwendig, auch nachdem der Meister Ruhm und allgemeine Anerkennung erlangt hat, weiterhin an sich selbst und seinen Werken zu arbeiten.

IN späte Periode Salvator Rosas kreatives Schaffen wendet sich häufig biblischen und antiken Themen zu. Für den Künstler ist es hier vor allem wichtig, den Zeitgeist und seine Besonderheiten zu vermitteln. Der Meister versucht sozusagen alles wiederzubeleben, wieder zum Leben zu erwecken, was lange vor denen existierte, deren Leben als Quelle sagenhaft schöner und lehrreicher Geschichten diente.

Dies sind die ziemlich bekannten Gemälde „Gerechtigkeit, die zu den Hirten herabsteigt“ (1651), „Odysseus und Nausikaa“, „Demokritus und Protagoras“ (1664) und „Der verlorene Sohn“.

Das Gemälde „Gerechtigkeit steigt zu den Hirten herab“ wurde entsprechend gemalt berühmte Geschichte„Metamorphosen“ von Ovid. Auf der Leinwand sieht der Betrachter die Göttin Gerechtigkeit, wie sie den Hirten ein Schwert und eine Waage der Gerechtigkeit schenkt. Die Grundidee des Gemäldes lässt sich wie folgt definieren: Wahre Gerechtigkeit ist nur unter einfachen Menschen möglich.

„Odysseus und Nausikaa“, „Demokritus und Protagoras“ wurden von Salvator Rosa nach seiner Ankunft aus Venedig geschrieben, wo er die Gemälde venezianischer Maler kennenlernte (darunter Paolo Veronese, in dessen besten Traditionen die oben genannten Werke entstanden).

Im Film „Der verlorene Sohn“ erweist sich die Handlung im Vergleich zum Evangeliumsgleichnis als etwas vereinfacht und banal. So wird der Held als einfacher neapolitanischer Bauer dargestellt. Auch hier gibt es keine prächtige Umgebung: Der verlorene Sohn wendet sich umgeben von Widdern und einer Kuh an Gott. Die enorme Größe der Leinwand, die eine leicht veränderte Szene darstellt, ruft ein Gefühl von Spott und Sarkasmus über das hervor, was in der Gesellschaft betrachtet wird guter Geschmack. Rosa erscheint hier als Nachfolgerin der Ideen des Realismus, dessen Entstehung mit dem Werk von Michelangelo da Caravaggio beginnt.

Im Jahr 1656 begann Salvator Rosa mit der Arbeit an einem aus 72 Stichen bestehenden Zyklus mit dem Titel „Capricci“. Die auf diesen Blättern abgebildeten Bilder sind Bauern, Räuber, Landstreicher, Soldaten. Einige Details der Stiche sind charakteristisch für Rosas Frühwerk. Dies deutet darauf hin, dass der Zyklus möglicherweise Skizzen enthielt, die er in seiner Kindheit sowie während einer Reise in die Abruzzen und nach Kalabrien angefertigt hatte.

Der große Meister der Malerei, Dichter, wunderbarer Schauspieler und Regisseur dramatischer Aufführungen verstarb 1673.

Ein prominenter Vertreter der romantischen Bewegung in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts. da war Alessandro Magnasco, der in Mailand und Florenz arbeitete. Er malte Porträts und Kompositionen zu mythologischen und religiösen Themen, seine Lieblingsgenres waren jedoch Landschaften und Alltagsszenen.

Den Künstler fühlen sich Bilder von umherziehenden Musikern, Soldaten, Zigeunern und Komikern angezogen. Großes Interesse präsentiert eine Reihe von Gemälden zum Thema des Klosterlebens („Nonnenmahlzeit“, „Begräbnis eines Mönchs“). Magnasco verwandelt das gewöhnliche, unauffällige Leben des Klosters in eine düstere Komödie. Die grotesken Figuren von Mönchen und Nonnen haben exorbitant verlängerte Proportionen, sind deformiert und ihre Gesten und Posen sind übertrieben ausdrucksstark. Die Leere der grauen klösterlichen Realität wird durch die in dunklen Braun- und Grüntönen gehaltene Farbgebung betont.

Die Landschaft nimmt in den Gemälden des Meisters einen großen Platz ein. Der Künstler stellt düstere Ruinen, dunkle Waldschüsseln und Meeresstürme dar. Groteske menschliche Figuren scheinen sich in den natürlichen Elementen aufzulösen und verleihen den Landschaften ein fantastisches Aussehen („Landschaft mit Wäscherinnen“; „Berglandschaft“, 1720er Jahre; „Predigt des Heiligen Antonius von Brescia“; „Meereslandschaft“, 1730er Jahre). Trotz der Ironie, die in den Menschenbildern steckt, verspürt der Betrachter beim Betrachten der Gemälde ein Gefühl des Mitleids mit den Mönchen, Musikern und Landstreichern, die in der bizarren Welt von Magnascos Gemälden leben.